«Мрачные картины»
Итак, остановимся на определённом моменте биографии Гойи - 1819 год. Художник приобретает двухэтажную усадьбу на берегу реки Мансанарес в окрестностях Мадрида. В этот же период он снова серьёзно заболевает. Художник борется с болезнью, однако глухота всё больше и больше овладевает им. Поэтому данное самим Гойей странное название поместью - «Дом Глухого» - «Кинто дель Сордо» - совсем не случайно. В последующие три года Гойя расписывает стены своего дома в технике «а секко» по вторично увлажнённой штукатурке. Доподлинно известно, что «Мрачные картины» были написаны поверху более ранних изображений, которыми Гойя воспользовался как основой.
В 1823 году Гойя уезжает в Бордо и оставляет своё имение внуку Мариано - возможно для того, чтобы уберечь имущество от возможной конфискации после восстановления в Испании Фердинандом Седьмым абсолютной монархии. На протяжении полувека росписи «Дома Глухого» были неизвестны общественности, за исключением нескольких друзей художника и специалистов. В 1874 году художник Сальвадор Мартинес кубельс по просьбе французского банкира Фредерика Эмиля д"Эрлангера начал переводить все росписи со стен на полотна. Это заняло несколько лет. Д"Эрлангер хотел продать картины на Всемирной выставке в Париже, однако этому не суждено было свершиться, и в 1881 году он передал картины в музей Прадо в Мадриде, где они и находятся по сей день.
Сам Гойя не давал названия своим «Мрачным картинам». Это было сделано его другом - художником Антонио Бругадой, который после смерти Гойи в 1828 году каталагизировал весь цикл. В итоге картины получили следующие названия:
Первый этаж дома.
- «Фестиваль в Сан-Исидро»
- «Шабаш ведьм»
- «Юдифь и Олоферн»
- «Сатурн, пожирающий своих детей»
- «Донья Леокадия Зорилла»
- «Старик и монах» или «Два старика».
Второй этаж дома.
- «Фантастические видения» или «Асмодей»
- «Паломничество к источнику Сан-Исидро»
- «Атропос» или «Судьба»
- «Поединок на дубинах»
- «Смеющиеся женщины»
- «Читающие мужчины»
- «Собака»
-«Два старика, кушающие суп»
Расположение картин в доме известно благодаря фотографиям, сделанным фотографом Жаном Лораном в 1874 году. Благодаря этим фотографиям известно, что картины также были обрамлены лепкой, как и окна и двери в доме. Кроме того, можно заметить разницу в состоянии картин до переноса их на холсты, увидеть недостающие фрагменты.
Фактической же информации о самом процессе росписей стен нет. В связи с этим даже возникали слухи, что картины написаны не Гойей - существовала теория, что они написаны Хавьером, его сыном, уже после того как Гойя уехал в Бордо. Однако искусствоведы отвергают эту теорию - техника, в которой выполнены фрески и их стиль даёт подтверждение авторству художника.
Неизвестно, что именно побудило Гойю расписывать стены своего дома именно этими сюжетами. Но известно то, что картины создавались в не самый лучший период жизни художника. Было нестабильным его физическое состояние, было нестабильным и состояние жизни Испании вообще. В стране шла гражданская война, которая закончилась восстановлением абсолютной монархии. Три года этой войны как раз приходятся на период написания «Мрачных полотен». В картинах легко проследить аналогию с ситуациями в социальной, политической и религиозной сферами страны того времени. Проанализируем некоторые из работ.
«Сатурн, пожирающий своих детей» - действительно жуткое произведение, при взгляде на которое у человека пробуждается есть не страх, то в любом случае неприязнь и тревожность. Древнее божество - Сатурн - изображён на фоне угольно-чёрной тьмы, его фигура изломана и будто бы бьётся в конвульсиях, руки, похожие на сплетения ветвей деревьев, держат тело ребёнка, которому Сатурн откусывает голову. Красным тревожным цветом на полотне выделяется кровь. Можно говорить о том, что Гойя писал это в подавленном состоянии, и, возможно, с мыслью о войне в Испании - можно сравнить Сатурна со страной, которая уничтожает своих собственных детей.
В картине «Юдифь и Олоферн» царит энергия земного деяния, схваченного в его мгновенности. Только что спрыгнувшая с ложа Олоферна (чуть видного справа),не прибрав еще своей растрепанной, смятой любовными ласками одежды, героиня взметнула меч над головой заснувшего ассирийского военачальника и сейчас отрубит ее(здесь возникает первое зрительно-смысловое соответствие ее и Сатурна- тот начал пожирать свою жертву с головы). Падающее вперед движение Юдифи, ее резко высветленное лицо, плечо, рука с мечом -все это также выпирает из пространственного поля росписи, как колени, руки и голова Сатурна.
«Паломничество к Сан-Исидро» перекликается с более ранней работой Гойи, написанной в 1788 году - «Народное гулянье в день святого Исидора». Обе работы изображают один из любимейших праздников жителей Мадрида. Каждый год 15 мая они отправлялись на берег реки Мансанарес, чтобы устраивать там пикники, танцевать и пить целебную воду из источника, который, по преданию, нашел святой Исидор. И, если в 1788 эту сцену живописец представил как красочный и жизнерадостный национальный праздник, полный беззаботного веселья, то в позднем варианте из «Дома Глухого» господствуют тона черного и царит тревожное ощущение надвигающейся неотвратимой беды. По сухой неровной земле бредет толпа людей, тесно прижавшихся друг к другу. Их лица искажены страшными гримасами, выражают страх, боль, ужас, ехидство и звериную злобу.
Такие же мотивы появляются и в «Шабаше ведьм». Композиционный центр картины - тоже безликая, безобразная толпа, сосредоточенная вокруг фигуры козла в монашеской рясе, внимающая каждому слову посланника сатаны. Лица людей - безобразные гримасы, которые на лица людей даже не похожи - Гойя словно хотел подчеркнуть, как человек легко может утратить свой человеческий облик.
В «Поединке на дубинах» так же можно найти отклик на военные события, происходящие рядом с художником - два человека, которые так похожи друг на друга, пытаются покалечить друг друга тяжёлыми булавами в жестоком слепом поединке. Не видно, как их ноги стоят на земле - они будто бы парят в пространстве, также, как персонажи картин «Атропос, или Судьбы» и «Асмодей».
Эти картины полны мистики, на них словно изображён совсем другой, нереальный мир, невозможно даже сказать, кто персонажи картин - люди или какие-то фантастические существа. Сюжет картины «Атропос» - интерпретация образов древнегреческих богинь судьбы - Мойр или судьбы как таковой у Гомера , Гесиода , Вергилия и других античных авторов. Мойры возглавлялись Атропой, безжалостной богиней, которая своими ножницами отрезала нить жизни. Её соратницами были Клото и Лахесис, однако на полотне есть ещё четвёртая фигура, напоминающая мужчину, у которого связаны руки - возможно потому что он бессилен перед богинями, определяющими его судьбу.
«Собака» написана в более светлых тонах, нежели другие «Мрачные полотна», однако всё равно несёт в себе грусть и безысходность - на картине изображена голова собаки, которая тонет или в волнах моря, или в грудах песка - точный сюжет картины необъясним, она, возможно, вообще не была окончена, можно только строить догадки. Морда собаки устремлена вверх, печальные глаза смотрят куда-то вперёд, словно ищут спасения. На фотографии Лорана, сделанной в 1874 году, на картине можно видеть очертания, напоминающие утёс и фигуры птиц, на которые, возможно, и смотрит собака.
Гамма всех четырнадцати полотен - это чёрные, коричневые, песочные, тёмные оттенки, на картинах практически нет ярких, сочных цветов, разве что в «Поединке» выделяется кусок голубого небосвода, а в «Сатурне» ярко-красная кровь. Благодаря таким тонам эмоции, которые несут в себе сами сюжеты картин, усиливаются во много раз. Неслучайно эти полотна названы «Мрачными».
Но нужно сказать, что все названия и интерпретации картин - результат деятельности других людей, других поколений. Нам не дано узнать, что на самом деле было внутри у художника, когда он расписывал стены своего дома, с какой целью он это делал, кому он хотел оставить эти картины и что ими сказать. Можно лишь проводить аналогии с известными биографическими фактами о Гойе, с событиями, происходящими в 1820-х годах в Испании. Эти события не могли не отразится в творчестве Гойи, внимательного и чуткого, беспокоящегося о переменах в жизни своей страны, замечающего людские пороки и слабости, и изобличающего их, как он делал это в серии «Капричос».
Несомненно лишь то, что Росписи «Дома Глухого» - это уникальное наследие испанского и мирового искусства, картины действительно необычные и выдающиеся для того периода времени, когда они были написаны. В них мы видим «настоящего» Гойю - ведь художник писал их на стенах своего дома, а не для того, чтобы выставить на суд общественности или продать - а значит, он мог совершенно точно передать свои мысли и состояния на эти полотна.
«Дом Глухого»
В 1819 г. Франсиско Гойя, к тому времени почти полностью потерявший слух, подыскивал себе дом в пригороде Мадрида. Как нельзя лучше подошел ему известный «Дом Глухого» – раньше в нем жил Антонио Монтаньес, который тоже ничего не слышал. Перебравшись в новый дом, Гойя оказался в полном одиночестве. Леокадия Вейсс, если и находилась при нем, не могла служить ему достойным обществом.
Стены комнат художник расписал маслом, всего 14 работ, изначально масляных фресок, впоследствии переведенных на холсты. Это наводящие трепет сюжеты, близкие к тем, что появлялись на его офортах того времени. Живописные произведения, созданные в 1820–1823 гг., получили название «Чёрных картин». Параллельно он создал серию офортов Los disparates – «Диспаратес» («Причуды» или «Глупости») – 22 листа были изданы в 1863 г. в Мадриде под названием Los Proverbios («Притчи», «Пословицы»).
Призраки, населявшие душу Гойи, вырвались на свободу.
Едва ли не самая известная и самая страшная картина «чёрной» серии – «Сатурн, пожирающий своих детей». Здесь Гойя использует миф об отце Юпитера (Зевса) Сатурне (Кроносе) как аллегорию событий, происходивших в мире. Недаром античный титан выглядит у Гойи обезумевшим маньяком-людоедом. «Двое стариков, поедающих суп», кажутся не менее страшными: это два скелета, обтянутые кожей и прикрытые тряпьем. «Шабаш ведьм. Великий козел» – изображение сатанинской черной мессы накануне Пасхи и Рождества. «Атропос» («Судьба») – полет трех древнеэллинских богинь судьбы Мойр, собирающихся прервать чью-то жизнь. «Два старика» («Старик и монах») – контраст между достойной и безобразной старостью. «Поединок на дубинах» – возможно, изображение поединка библейских Каина и Авеля. «Читающие мужчины» – казалось бы, ничего особенного, если бы не выражение тупости на лицах. «Юдифь и Олоферн» – никакого благородства в лице библейской героини Юдифи, только жажда крови ради крови. «Фестиваль в Сан-Исидоро» – радость изображенных здесь уродцев, кажется, оскверняет землю. «Смеющиеся женщины» – все та же пугающая, непроходимая тупость. «Паломничество к источнику Сан-Исидоро» – какая жуткая противоположность давней картине «Луг у Сан-Исидоро»! «Собака» – жуткое одиночество маленького существа в страшном, лишенном тепла и покоя мире. «Донья Леокадия Соррилья» – дама на полотне отчасти напоминает покойную герцогиню Альба. «Фантастические видения» («Асмодей») – полет демона над горами.
«Отец, работая для себя, писал все, что ему заблагорассудится, и при этом использовал не кисть, а нож, однако же на определенном расстоянии живопись эта производила удивительное впечатление», – писал сын художника. И в этой технике (офорт, гравюра) Гойя также опередил свое время – на несколько десятков лет.
Данный текст является ознакомительным фрагментом.А «Два старика кушают суп» очень перекликается атмосферой, экспрессией с «Едоками картофеля» Ван Гога.
Очень хорошие цитаты ты подобрала к потрясающим росписям. Мне они очень нравятся.
Писать прямо на стене — это фантастика. У меня был такой опыт, невероятные ощущения.
Юлия Риа
:
ноября 22, 2011 в 12:20
Сравнила с Ван Гогом. Да, такие же мрачные цвета, такая же атмосфера удушливости и бессилия что ли... Мне больше всех из этих картин нравится «Собака», странная такая атмосфера создана Гойей.
Не помню, ты читала эту книгу про Гойю Фейхтвангера? Она обрывается как раз на том месте, где художник решил расписать стены своего дома. Должна была быть и вторая часть, но... жизнь писателя оборвалась — так несправедливо.
:
ноября 22, 2011 в 13:47
У собаки такой жалобный взгляд, столько в ней одиночества, обиды, а перед ней еле различимая тень, (но может быть это и выступы стены), на которую она смотрит с вопросом: «Почему ты меня бросил?»...
Я не помню, если читала Гойю Фейхтвангера, но это не помешает мне прочитать эту книгу, когда будет соответствующее настроение.
Эти поздние работы Гойи — чистый экспрессионизм. Он очень опередил свое время.
:
ноября 24, 2011 в 18:07
:
ноября 25, 2011 в 11:30
Я долго не принимала и отвергала концептуальное искусство, разные дикие, отталкивающие перформансы, акции, хэппенинги и тому подобное. В России принят термин — актуальное искусство, в остальном мире о нем не знают.))
Как пример, скандальные выходки самого известного русского художника, человека-собаки Олега Кулика. Очень нравится одна его старая работа «Русское затмение», где он обнаженный с красным знаменем в руке.))
Мне потребовалось много времени, чтения соответствующей литературы и статей о современном искусстве, чтобы начать убеждать себя, что всему есть место в искусстве. И нельзя ничего отрицать.
Понимать я лучше не стала, но по-прежнему иногда интересуюсь, что творится в концептуальном (интеллектуальном) искусстве. Почитай высказывания Олега Кулика, они достойны этого. Вот, например, одна его мысль:
«Все хорошие, но врут, а художник не врет, зато он жадный и наглый эгоист. Все эти качества в обывателе тоже есть, но в современном мире неприлично их демонстрировать. Самое страшное в мире обывателя не атомная бомба, не бедность, а что о тебе скажут соседи. Художник этого не боится.»
А вот еще, мне очень понравилось:
«Искусство, существующее ради продажи, уже не искусство.»
Так вот неприятие и отторжение у меня появляется от коммерческого искусства, картин для продажи. Но я давно борюсь и с этим «праведным гневом» вполне успешно.))
Юль, а у тебя что вызывает отторжение?
:
ноября 25, 2011 в 16:16
И все таки мне не совсем понятно, что имеешь ввиду под коммерческим искусством? То что продается в принципе или то, что рисуется заведодомо под вкус публики?
:
ноября 25, 2011 в 17:37
Как я могу быть против всего, что продается? Я сама продала не один десяток картин. Плюс, все в конечном счете рано или поздно попадает на арт-рынок.
Конечно, я имею в виду то, что рисуется специально для продажи. То есть заведомо зная, что публика купит. На ее вкус. Но я уже давно и к этому отношусь с пониманием. Ведь людям надо от чего-то жить. Почему бы и не от картин?
Оль, мне важно намерение художника. Изначальное. Именно оно и делает разницу между работами. Поэтому одну картину мы называем — искусство, а другую — не называем.
:
ноября 25, 2011 в 18:13
Теперь понятно А то иногда мне кажется, что ты вообще против продажи
:
ноября 26, 2011 в 12:57
Нет, конечно! Я только за. И очень рада, когда художники успевают жить от своего искусства. Это большая редкость.
В этом вопросе важно разобраться, в чем цель, а в чем средство.))
:
декабря 1, 2011 в 13:57
Да-да, если думать в первую очередь только о деньгах, теряется духовность, осмысленность. Но, наличие заработка не отрицает наличие смысла. Эти вещи не всегда всем понятны. Особенно у нас в стране, в России. Мастер должен быть беден — сидит у многих в умах, а если мастер богат — то это уже не искусство. Тот же Гойя получал немалые деньги за свои портреты и был придворным живописцем, чем гордился. Но он не переступил через себя.
Фраза: «Самое страшное в мире обывателя не атомная бомба, не бедность, а что о тебе скажут соседи» — восхитительна! Проста, но точна. Что скажут о тебе... соседи, коллеги, просто прохожие. Противно от всего этого (однако и во мне это, увы, есть).
:
декабря 1, 2011 в 15:20
Конечно, не отрицает! Люди путаются в понятиях, совершенно верно. Причем до какой степени, у меня в голове не укладывается. Например, большинство считает, что любая картина — это искусство. Автоматически. Если есть все атрибуты: холст, покрытый красками, рама, то искусство. Что же еще? Меня это не перестает шокировать. Юля, почему слово искусство относят к любой живописи? У тебя есть версия?
Вот это «что о тебе скажут» мне знакомо до боли. Так как мне всегда было все равно, то последствия моего безразличия вкушали по полной программе мои родители.))
Среди благородных произведений искусства, которые радуют глаз и вызывают только положительные эмоции, есть полотна, мягко сказать, странные и шокирующие. Представляем вашему вниманию 20 картин, принадлежащих кисти всемирно известных художников, которые заставляют ужаснуться…
«Проигрыш разума перед материей»
Картина, написанная в 1973 году австрийским художником Отто Раппом. Он изобразил разлагающуюся человеческую голову, надетую на птичью клетку, в которой лежит кусок плоти.
«Подвешенный живой негр»
Это ужасное творение Уильяма Блейка изображает раба-негра, который был повешен на виселицу с помощью крючка, продетого через его ребра. Работа основана на рассказе голландского солдата Стэдмена – очевидце подобной жестокой расправы.
«Данте и Вергилий в аду»
Картина Адольфа Вильям Бугро была вдохновлена короткой сценой о битве между двумя проклятыми душами из «Ада» Данте.
«Ад»
Картина «Ад» немецкого художника Ганса Мемлинга, написанная в 1485 году, является одной из самых страшных художественных творений своего времени. Она должна была подтолкнуть людей к добродетели. Мемлинг усилил ужасающий эффект сцены, добавив подпись: «В аду искупления нет «.
«Великий красный дракон и морское чудовище»
Известный английский поэт и художник XIII века Уильям Блейк в момент озарения создал серию акварельных картин, изображающих великого красного дракона из Книги Откровений. Красный Дракон являлся воплощением дьявола.
«Дух воды»
Художник Альфред Кубин считается крупнейшим представителем символизма и экспрессионизма и известен своими темными символическими фантазиями. «Дух воды» — одна из таких работ, изображающих бессилие человека перед морской стихией.
«Necronom IV»
Это страшное творение известного художника Ганса Рудольфа Гигера было вдохновлено фильмом «Чужой». Гигер страдал от ночных кошмаров и его все картины были вдохновлены этими видениями.
«Свежевание Марсия»
Созданная художником времен итальянского Возрождения Тицианом картина «Свежевание Марсия» в настоящее время находится в Национальном музее в Кромержиже в Чехии. Художественное произведение изображает сцену из греческой мифологии, где с сатира Марсия сдирают кожу за то, что он осмелился бросить вызов богу Аполлону.
«Искушение Святого Антония»
Матиас Грюневальд изображал религиозные сюжеты Средних веков, хотя сам жил во времена Возрождения. Говорили, что святой Антоний столкнулся с испытаниями своей веры во время молитвы в пустыне. Согласно легенде его убили демоны в пещере, затем он воскрес и уничтожил их. Эта картина изображает Святого Антония, подвергнувшегося атаке демонов.
«Отрубленные головы»
Самая известная работа Теодора Жерико – это «Плот Медузы», огромная картина, написанная в романтическом стиле. Жерико пытался разбить рамки классицизма, перейдя к романтизму. Эти картины были начальным этапом его творчества. Для своих работ он использовал настоящие конечности и головы, которые находил в моргах и лабораториях.
«Крик»
Это известнейшее полотно норвежского экспрессиониста Эдварда Мунка было вдохновлено безмятежной вечерней прогулкой, во время которой художник стал свидетелем кроваво-красного заходящего солнца.
«Смерть Марата»
Жан-Поль Марат был одним из лидеров Французской революции. Страдая от болезни кожи, он проводил большую часть времени в ванной, где он работал над своими записями. Там же он и был убит Шарлоттой Корде. Смерть Марата изображали несколько раз, но именно работа Эдварда Мунка отличается особой жестокостью.
«Натюрморт из масок»
Эмиль Нольде был одним из ранних художников-экспрессионистов, хотя его славу затмили другие, такие как, например, Мунк. Нольде написал эту картину после изучения масок в Берлинском музее. На протяжении всей жизни он увлекался другими культурами, и эта работа не является исключением.
«Gallowgate Lard»
Эта картина ни что иное, как автопортрет шотландского автора Кена Карри, который специализируется на мрачных, социально-реалистических картинах. Любимая тема Карри — тусклая городская жизнь шотландского рабочего класса.
«Сатурн, пожирающий своего сына»
Одна из самых известных и зловещих работ испанского художника Франсиско Гойя была нарисована на его стене дома в 1820 — 1823 гг. Сюжет основан на греческом мифе о титане Хроносе (в Риме — Сатурн), который опасался, что будет свергнут одним из своих детей и съедал их сразу после рождения.
«Юдифь, убивающая Олоферна»
Казнь Олоферна изображали такие великие художники, как Донателло, Сандро Боттичелли, Джорджоне, Джентилески, Лукас Кранах старший и многие другие. На картине Караваджо, написанной в 1599 году, изображён самый драматичный момент этой истории — обезглавливание.
«Кошмар»
Картина швейцарского живописца Генриха Фюзели была впервые показана на ежегодной выставке Королевской Академии в Лондоне в 1782 году, где она шокировала и посетителей, и критиков.
«Избиение младенцев»
Это выдающееся произведение искусства Петера Пауля Рубенса, состоящее из двух картин, было создано в 1612 году, как полагают, под влиянием работ известного итальянского художника Караваджо.
«Исследование портрета Иннокентия Х Веласкеса»
В основе этого устрашающего образа одного из самых влиятельных художников ХХ века Фрэнсиса Бэкона — парафраз известного портрета Папы Иннокентия X, написанного Диего Веласкесом. Забрызганный кровью, с мучительно искаженным лицом, Папа изображен сидящим в металлической трубчатой конструкции, которая при ближайшем рассмотрении является троном.
«Сад земных наслаждений»
Это самый известный и пугающий триптих Иеронима Босха. На сегодняшний день существует множество толкований картины, но ни одно их них не было окончательно подтверждено. Возможно, произведение Босха олицетворяет Райский сад, Сад земных наслаждений и Наказания, которые придется понести за смертные грехи, совершенные при жизни.
Франсиско де Гойя — гениальный испанский живописец Нового времени, мастер жанров портрета и критического реализма, в завершающий этап своего творческого пути создавший целую коллекцию мистических, пугающих картин под названием «Черные Картины».
После окончания обучения в школе близ Сарагосы, 17-летний Франсиско отправляется в Мадрид для того, чтобы поступить в Академию изящных искусств. Следует отметить, что, будучи ребёнком, Франсиско не делал особых успехов в освоении школьной программы и учёба давалась ему с трудом, однако сельский учитель рисования сразу же заметил необычайные способности юного Франсиско. Воодушевлённый признанием, молодой художник мечтал о столичной Академии, однако, поступить ему туда не удалось дважды.
Зато Гойа стал одним из учеников известного мастера Франсиско Байеу. Тёзка Гойи писал картины в популярном в те года жанре «неоклассицизм», для которого характерен интерес к классическим античным произведениям живописи и архитектуры. Кстати говоря, сестра Байеу, Хосефа, стала впоследствии супругой Франсиско Гойи. В 1779 году мастер написал знаменитый портрет своей жены Хосефы.
Портреты раннего периода творчества мастера фотографически точны, поражает его внимание к деталям. Цвета в картинах Гойи этого периода очень мягкие и естественные — обратите внимание, насколько реалистичным выглядит нежный румянец на лице Хосефы.
В 1774 году Гойа создаёт целую серию работ с зарисовками эпизодов жизни простых людей. Основными героями этих картин стали «махи» — красивые и легкомысленные из народа, и «махо» — молодые люди-кавалеры. Стоит отметить, что заказ на эту серию работ Франсиско получил от самого короля Карла III. Это объяснимо не только всё возрастающей известностью молодого художника, но и карьерным ростом его учителя, Франсиско Байеу. Кстати, махи часто появлялись на картинах Гойи, например, полотно «Махи на балконе» было написано в 1805-1812 годах.
Когда уже сам Гойя стал придворным живописцем короля Карла IV, к его имени прибавилось аристократичная приставка «де». В 1800 году Франсиско создал групповой портрет королевского семейства, который называется «Семья короля Карла IV».
Несмотря на высочайшую технику собственно рисования, портрет королевской семьи выглядел весьма нелестно — один из современников Гойи, художественный критик, назвал людей, изображенных на полотне «семейством булочника, выигравшего в лотерею». Обратите внимание на композицию — в центре картины расположена супруга монарха, Мария-Луиса, а сам Карл находиться сбоку. Это вовсе не случайность, ведь Карл был инфантильным слабовольным человеком и находился под каблуком у хитрой и расчётливой жены, которая вскоре стала фактически главой страны.
«Капричос»
Любители реализма могут долго смаковать великолепные портреты , созданные Франсиско, однако этот художник был весьма многогранным, и его творческому гению стало тесно в рамках этого жанра. Ещё до написания группового портрета королевской семьи, в 1797 — 1799 годах, Гойя создаёт серию офортов под названием «Капричос» («Капризы»), которая посвящена высмеиванию и выставлению на показ людских пороков и несправедливостей феодально-клерикального общества.
На центральном офорте серии, который называется «Сон разума порождает чудовищ» мы можем видеть заснувшего человека, за спиной которого просыпаются и активизируются различные звери, чудища, причём некоторые из них обозначены только зловещими тенями.
Название этой работы стало крылатой фразой — действительно, если человек не внемлет голосу разума, его мысли и фантазии превратятся в отвратительных чудовищ, порождённых порочными и низменными инстинктами. Этот офорт можно истолковать и символично — провалившийся в сон человек обозначает разум, который перестал что-либо контролировать и уснул, дав свободу этим жутким зверям.
На офортах в гротескно-сюрреалистическом виде представлены грехи и пороки, свойственные людям. Например, здесь мы можем видеть женщину, которая не может смотреть на повешенного человека, но может доставать у него изо рта монетку, которую вкладывали в рот покойникам по старинному обычаю.
Следует отметить, что расположение фигур на каждом офорте неслучайно: многие из уродливых существ являются карикатурами на публичных людей и знатных особ мадридского королевского двора, а в участниках шабашей и пиршествах нечистой силы проглядываются черты короля, королевы и главных начальников инквизиции.
На этом офорте мы видим чудовищ, которые подстригают ногти на когтистых лапах. Сам прокомментировал свою работу так: «Иметь длинные ногти — настолько предосудительно, что это запрещается даже нечистой силе». Вероятно, мастер имел в виду необходимость «подстригания ногтей» (видимо, символ лицемерия), которая возникала у даже самых кровожадных палачей из инквизиции, потерявшим человеческий облик из-за большого количества совершённых злодеяний.
Бессмертные работы, являющиеся классикой сатиры могли бы никогда не быть опубликованы, ведь ни один орган цензуры не мог пропустить такую острую насмешку над сильными мира. «Капричос» спасло личное вмешательство короля Карла IV (поговаривали, что недалёкий монарх обрадовался, узнав себя на некоторых офортах).
Как говорят художественные критики, главным героем каждой работы мастера в серии «Капричос» является совесть, бесстрастно оценивающая царящие в обществе взгляды и настроение, и именно с её стороны все людские беззакония кажутся столь безобразными.
«Дом Глухого»
Когда мастеру было 46, он внезапно заболел. Болезнь протекала тяжело, основными симптомами были паралич, глухота и временные ухудшения зрения. Кстати говоря, даже сейчас учёные не могут придти к окончательному выводу относительно того, каким именно недугом страдал художник. Франсиско оправился от болезни, но в 1820 году, когда ему было уже за 70, наступит рецидив. Пожилой и страдающий от заболевания художник удалился от королевского двора (а на тот момент он являлся придворным художником Фердинанда VII) и поселился в небольшом загородном домике в окрестностях Мадрида. Именно этот домик и станет впоследствии известным на весь мир «Домом Глухого». Франсиско де Гойя снова начал работать и создавать шедевры, которые впоследствии будут называться «Черные Картины».
Речь идёт о мрачных, сюрреалистических фресках, которыми Франсиско покрыл стены дома. Они похожи на ночные кошмары и тревожные мимолётные видения, созданные больным воображением.
Цветовая гамма большинства работ очень тёмная и мрачная, преобладающие цвета — чёрный, серый и различные оттенки коричневого. Изредка встречаются вкрапления красного и белого, однако они лишь усиливают мрачную обстановку и создают тяжелую, угнетающую атмосферу. Как, например, в самой известной работе серии — «Сатурн, пожирающий своего сына».
Сатурн — верховный бог древнеримского пантеона — здесь изображен безумным, непропорциональным чудовищем, похожим на хищную птицу. В работе можно увидеть воплощение иррационализма и бессмысленной ненависти, которые были так противны художнику.
