„Macierzyńskie szczęście”.
1869.
Kolekcja prywatna.
„Młoda matka z dzieckiem”.
1871.
Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.
„Młoda matka obserwująca śpiące dziecko”.
1871.
Kolekcja prywatna.
„Szczęście macierzyństwa”.
1878.
Kolekcja prywatna.
"Ojczyzna".
1883.
Kolekcja prywatna.
„Matka z dzieckiem”.
1887.
Kolekcja prywatna.
"Matka".
1932.
Aleksander Maksowicz Szyłow.
„W celi (Matka Paisia). Klasztor Pyukhtitsa.
1988.
1. Kobieta w stosunku do dzieci, które rodzi.
Syn ze zdumieniem pogłaskał matkę po dłoni i milczał. ( M. Gorki. Życie Klima Samgina.)
2. Samica w stosunku do swoich młodych.
Nocą niosą je [jagnięta i koźlęta] do matek. ( Szołochow. Wywrócona dziewicza gleba.)
3. Zwracanie się do kobiety.
Lizanka wstała z obręczy i zaczęła sprzątać swoją pracę. - O czym ty mówisz, moja mama! Głuchy czy coś! - krzyknęła hrabina. ( Puszkin. Królowa pik.)
4. Imię zakonnicy, a także żony duchownego (księdza, diakona), zwykle dołączane do imienia lub tytułu.
Sama matka Pulcheria, przeorysza moskiewska, przysyłała swoje kokardki i prezenty od pielgrzymów. ( Mielnikow-Peczerski. W lasach.)
Co (lub jak) urodziła matka?- bez ubrania, nago.
„Słownik języka rosyjskiego. Moskwa”, „Język rosyjski”. 1982
Albrechta Altdorfera.
„Chrystus żegna się ze swoją matką”.
1520.
Galeria Narodowa w Londynie.
Kiedy kogoś nagle dopadają kłopoty, jego rodzina i przyjaciele często otrzymują sygnał nieszczęścia. Jednocześnie spadają obrazy, pękają naczynia, zatrzymują się zegary, pojawiają się wizje i pojawiają się sobowtóry umierającego. Kiedy jeden chłopiec, pozostawiony pod opieką babci, zaczął tonąć w rzece, jego matka, będąc tysiące kilometrów dalej, wyraźnie widziała, jak jej dziecko rozpaczliwie trzepocze w wodzie. Złapano go i postanowiono nie mówić nic matce, aby nie zawracać jej głowy na próżno. Ale przyszła matka, opowiedziała wszystkie szczegóły przygody, pokazała miejsce, w którym chłopiec prawie się utonął. Ten i wiele innych podobnych przypadków opisano w książce L. Wasiljewej „Sugestia na odległość”.
Anatolij Strożkow. „Istnieje tajemnicze połączenie między żywymi istotami”. „Za siedmioma pieczęciami” nr 7 2005.
Wasilij Wasiljewicz Wierieszczagin.
„List do Ojczyzny (List do Matki)”.
1901.
Matka nazywała się matka, matka, matka, matka, matka, rodzic.
Wasilij Biełow. "Chłopak." Moskwa, „Młoda Gwardia”. 1982
Wasilij Grigoriewicz Perow.
„Matka z chorym dzieckiem”.
1878.
Wasilij Iwanowicz Surikow.
„Salome przynosi głowę Jana Chrzciciela swojej matce Herodiadzie”.
1872.
„Dwie matki. Matka jest adoptowana i naturalna.”
1906.
Regionalne Muzeum Sztuki Samara, Samara.
„Matka i córka”.
1886.
Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie.
Grawerowanie autorstwa I.M. Bernigroty.
Połowa XVIII wieku.
„Johanna Elżbieta, księżna Anhalt-Zerbst, z domu księżna Holstein-Gottorp, matka cesarzowej Katarzyny II”.
Lata 70. XIX wieku.
„Ojczyzna wzywa”.
1941.
Elizaveta Merkuryevna Boehm (Endaurova).
„Niebieskie oczy wyglądają tak smutno i cicho. Nie zapomniałem, wiesz, sierotko uczuć Matki!”
Iwan Akimowicz Akimow.
„Wielki książę Światosław całujący matkę i dzieci po powrocie znad Dunaju do Kijowa”.
1773.
„Matka z dzieckiem”.
1915.
Karol Pawłowicz Bryulłow.
„Matka budzi się z płaczem dziecka”.
1831.
Karol Steuben.
„Piotr Wielki, ocalony przez matkę przed wściekłością łuczników”.
"Matka".
1913.
"Matka".
1919.
Rysunek dla magazynu „Płomień”.
Leonarda da Vinci.
„Płód jest w łonie matki”.
„Matka karmiąca piersią”
M. Sawicki.
„Kobiety-matki”.
Fragment obrazu „Wojna Ojczyźniana. 1944.”
Nieznany artysta.
„Portret kobiety (rzekomy portret matki poety M. Yu. Lermontowa).”
Mikołaj Konstantinowicz Roerich.
„Matka Świata”
1930.
Nikołaj Nevrev.
„Piotr I w obcym stroju przed swoją matką, królową Natalią, patriarchą Andrianem i nauczycielem Zotowem”.
1903.
„Matka i Syn”.
W latach 1716-1742.
„Matka uczy córkę pisać”.
Ferdynanda Georga Waldmüllera.
„Portret matki kapitana von Stirl-Holzmeistera”.
Frederica Leightona.
„Matka i Dziecko”.
Tematyka religijna jest dość popularna wśród współczesnych Rafaela. Jednak główną różnicą między tym obrazem a podobnymi jest pełnia żywych emocji połączona z dość prostą fabułą.
Kompozycja
Koncentruje się na kobiecej postaci Madonny, która trzyma w ramionach swojego małego synka. Twarz dziewczyny jest pełna pewnego smutku, jakby z góry wiedziała, co czeka jej syna w przyszłości, ale dziecko, wręcz przeciwnie, okazuje jasne, pozytywne emocje.
Dziewica z nowo narodzonym Zbawicielem w ramionach nie chodzi po podłodze, ale po obłokach, co symbolizuje Jej wniebowstąpienie. Przecież to ona sprowadziła Błogosławieństwo do krainy grzeszników! Twarz matki z dzieckiem na rękach jest jasna i przemyślana w najdrobniejszych szczegółach, a jeśli przyjrzysz się uważnie twarzy dziecka, dostrzeżesz dorosły wyraz, mimo jego bardzo młodego wieku.
Ukazując Boskie Dziecię i Jego Matkę w sposób jak najbardziej ludzki i prosty, ale jednocześnie chodzący po obłokach, autor podkreślił fakt, że niezależnie od tego, czy jest to syn boski, czy ludzki, wszyscy rodzimy się tak samo . W ten sposób artysta przekazał ideę, że tylko dzięki prawym myślom i celom można znaleźć odpowiednie miejsce dla siebie w niebie.
Technika, wykonanie, techniki
Arcydzieło światowej klasy. Obraz ten zawiera w sobie rzeczy całkowicie nie do pogodzenia, jak śmiertelne ciało człowieka i świętość ducha. Kontrast uzupełniają jasne kolory i czyste linie szczegółów. Nie ma w nim zbędnych elementów, tło jest blade i zawiera wizerunki innych duchów światła lub śpiewających aniołów za Madonną.
Obok kobiety i dziecka stoją święci, którzy kłaniają się Zbawicielowi i Jego Matce – arcykapłan i św. Barbara. Wydaje się jednak, że podkreślają równość wszystkich postaci na obrazie, pomimo pozycji klęczącej.
Poniżej dwa zabawne aniołki, które stały się prawdziwym symbolem nie tylko tego obrazu, ale całej twórczości autora. Są mali, a zamyślonymi twarzami od samego dołu obrazu obserwują, co dzieje się w życiu Madonny, jej niezwykłego syna i ludzi.
Zdjęcie wciąż budzi wiele kontrowersji wśród ekspertów. Za bardzo interesujący uważa się na przykład fakt, że nie ma zgody co do liczby palców na dłoni papieża. Niektórzy widzą na zdjęciu nie pięć, ale sześć palców. Ciekawostką jest również to, że według legendy artysta narysował Madonnę od swojej kochanki Margherity Luti. Nie wiadomo jednak, na kim wzorowano dziecko, istnieje jednak możliwość, że autor wzorował twarz dziecka na osobie dorosłej.
Jeśli rozumiesz, że potrzebujesz pomocy charytatywnej, zwróć uwagę na ten artykuł.
Ci, którzy bez Twojego udziału mogą stracić ekscytujący biznes, zwrócili się do Ciebie o pomoc.
Wiele dzieci, chłopców i dziewcząt, marzy o zostaniu pilotami na torze.
Biorą udział w zajęciach, na których pod okiem doświadczonego trenera uczą się technik jazdy przy dużych prędkościach.
Tylko ciągłe ćwiczenia pozwalają prawidłowo wyprzedzić, zbudować trajektorię i wybrać prędkość.
Zwycięstwo na torze opiera się na dobrych kwalifikacjach. I oczywiście profesjonalny gokart.
Dzieci uczestniczące w klubach są całkowicie zależne od dorosłych, gdyż brak pieniędzy i zepsute części zamienne nie pozwalają im na udział w zawodach.
Ile przyjemności i nowych wrażeń doświadczają dzieci, gdy wsiadają za kierownicę i zaczynają jeździć samochodem.
Może to właśnie w takim kręgu dorastają nie tylko mistrzowie Rosji, ale nawet przyszli mistrzowie świata w tym sporcie?!
Możesz pomóc dziecięcej sekcji kartingowej, która znajduje się w mieście Syzran. Są teraz w naprawdę złej sytuacji. Wszystko opiera się na entuzjazmie lidera: Siergieja Krasnowa.
Przeczytaj mój list i obejrzyj zdjęcia. Zwróć uwagę na pasję, z jaką pracują moi uczniowie.
Uwielbiają ten rozwojowy sport i bardzo chcą się dalej uczyć.
Proszę o pomoc w przetrwaniu sekcji kartingowej w mieście Syzran.
Wcześniej w mieście istniały DWIE stacje młodych techników, a każda miała sekcję kartingową. W Pałacu Pionierów nie zabrakło także kartingu. Teraz w mieście nie ma ani jednej stacji, zniszczone zostało także koło w Pałacu Pionierów. Zamknęli – trudno powiedzieć, po prostu zniszczyli!
Walczyliśmy, pisaliśmy listy i wszędzie otrzymywali tę samą odpowiedź. Około pięć lat temu udałem się do gubernatora regionu Samara na przyjęcie. Nie przyjął mnie, ale zaakceptował mnie mój zastępca.
Następnie przydzielono nam lokal, w którym mieszkaliśmy. Mamy dużo dzieci, które chcą jeździć na kartingach, ale bardzo złe warunki materialne nie pozwalają nam na rekrutację dzieci.
A większość gokartów wymaga napraw. W takiej sytuacji jest nasze koło.
O pomoc zwróciliśmy się także do burmistrza miasta Syzran. Już drugi rok czekamy na pomoc. Postanowiliśmy zwrócić się do Was o pomoc za pośrednictwem Internetu.
Skontaktuj się ze mną, adres PAKIET, 446012 Samara region, Syzran, ul. Nowosibirska 47, możesz skontaktować się ze mną za pośrednictwem sieci społecznościowych SERGEY IVANOVICH KRASNOV lub napisz e-mail [e-mail chroniony] Zawsze, będąc na fali sukcesu, należy czynić dzieła miłosierdzia i dawać jałmużnę. A jeśli Pan pomaga w trudnych okolicznościach, to nie zapomnij później o wdzięczności. Wtedy nie zapomni o Twoich potrzebach.
Na temat Wielkiej Wojny Ojczyźnianej napisano ogromną liczbę książek, utworów muzycznych i nakręcono wiele filmów.
Temat ten jest naprawdę niewyczerpany, ponieważ wywrócił do góry nogami życie kilkudziesięciu milionów ludzi i podzielił je na „przed” i „po”.
Niestety nie wszystkie matki, żony i córki czekały na swoich synów, mężów, ojców z frontu, z pól bitewnych.
Wierzę, że obrazy lub inne środki artystyczne mogą oddać tylko niewielką część bólu i cierpienia, jakie ludzie musieli znosić w tamtych latach.
Jedno z tych losów stało się podstawą obrazu W. Igoszewa „Ona wciąż czeka na swojego syna”.
Przedstawia starszą kobietę stojącą przy otwartej bramie swojego starego domu.
Jej oczy są pełne tęsknoty, smutku, oczekiwania, cierpienia.
Myślę, że jest w tej pozycji już od dłuższego czasu.
Każdego dnia kobieta udaje się do tego miejsca z nadzieją, że jej ukochany syn wróci cały i zdrowy.
Niezmiennie patrzy w dal, ale niestety cud się nie zdarza.
Być może ona sama rozumie, że nie ma sensu cierpieć i czekać, ale nie może się powstrzymać.
Na tym sprowadza się cały sens jej powojennego życia.
Za plecami babci stoi dom z czystym, otwartym oknem.
Na parapecie są kwiaty, a ramy są pomalowane na niebiesko.
Kobieta stara się jak może, aby utrzymać go w dobrej kondycji, jednak z roku na rok staje się to dla niej coraz trudniejsze.
Obok okna autor namalował cienkie białe brzozy, jakby przypominając nam, że musimy żyć bez względu na wszystko.
Pomimo tragizmu zdjęcia kobieta ukazana jest w białej bluzce i szaliku oraz czarnej spódnicy.
Spod szalika widać siwe włosy bohaterki.
Jej twarz jest pomarszczona, a oczy zmrużone.
Możemy się tylko domyślać, jakie myśli krążą w tej chwili jej siwowłosą głowę.
Może pamięta, jak jej syn poszedł na front, jak dorastał... W każdym razie myśli tylko o jednym - o własnym, jedynym dziecku, którego już nigdy nie zobaczy.
Olga SKURATOWA,
nauczyciel w szkole nr 199 w Moskwie
Borys Michajłowicz Niemenski – artysta i wojownik
Borys Michajłowicz Niemenski - Artysta Ludowy Rosji, uczestnik Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, członek korespondent Rosyjskiej Akademii Sztuk, członek rzeczywisty Rosyjskiej Akademii Edukacji, kierownik wydziału sztuk plastycznych i pedagogiki sztuki, profesor, laureat Państwowego Nagrody i Nagroda Prezydenta Federacji Rosyjskiej, twórca innowacyjnego systemu powszechnej edukacji artystycznej, Kawaler Orderu Mistrza Sprawiedliwości za wielki wkład w działalność oświatową, oświatową i kulturalną na rzecz Rosji, przyznany przez Stany Zjednoczone Rada Narodów w sprawie nagród publicznych.
Prace B.M. Niemenskiego znajdują się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskim, a także w innych muzeach rosyjskich i zagranicznych; zdobią kolekcje prywatne w Niemczech, Anglii, Francji i Japonii.
Pierwsze kroki
Borys Michajłowicz Niemenski urodził się 24 grudnia 1922 r. w Moskwie. Jego matka Wiera Siemionowna była dentystką, ojciec Michaił Iljicz był finansistą, który po rewolucji przez długi czas pracował w Radzie Komisarzy Ludowych. Ci niezwykli ludzie wnieśli w życie swojego syna niesamowitą fuzję dwóch kultur: ludowy Rosjanin przyszedł przez matkę – córkę wiejskiego księdza, gmina miejska przez ojca – młodego mężczyznę z Preśnii. To w rodzinie rozpoczął się złożony proces kształtowania osobowości artysty.
Całe życie Borysa Niemenskiego jest związane z Moskwą. Dzieciństwo spędził na Sretence, w samym sercu stolicy. Tutaj pierwsze kroki w świat sztuki stawiano w pracowni Pałacu Pionierów, prowadzonej przez młodego utalentowanego artystę i pedagoga A.M. Michajłow. Pasja tego człowieka, jego entuzjazm we wprowadzaniu studentów pracowni w kreatywność był ogromny: spotkania i rozmowy ze znanymi artystami, pierwsza wystawa prac w Galerii Trietiakowskiej i wiele więcej pozostawiły niezatarty ślad w duszach dzieci i wpłynęły na ich dalsze wybór ścieżki życia. Rodzice Borysa Michajłowicza uważnie, choć z pewnym niepokojem, podążali za pasją syna. Po wątpliwościach co do słuszności obranej ścieżki, po spotkaniu z K. Yuonem, ojciec poradził synowi, aby poszedł do szkoły artystycznej ku pamięci roku 1905. W 1940 r. Borys Niemenski został od razu przyjęty na trzeci rok.
Przód
Wszelkie plany spokojnego życia pokrzyżowała wojna. Młody artysta został zmuszony do ukończenia szkoły artystycznej już w ewakuacji w Saratowie w 1942 roku. Ale młody człowiek nie skorzystał z kierunku, aby kontynuować naukę w Instytucie Surikowa, ewakuowany do Azji Środkowej, wrócił do rodzinnego miasta. W Moskwie żołnierz Niemenski został przydzielony do służby w Pracowni Artystów Wojskowych im. M.B. Grekowa. Artyści tej pracowni wyszli na linię frontu, wykonując pełnowymiarowe szkice pól bitewnych w samym ogniu wojny. Żadna znacząca operacja wojskowa nie zakończyła się bez udziału artystów studyjnych. Ich szkice, szkice i obrazy brały udział w wystawach objazdowych organizowanych przez wojsko. Większość tych dzieł nie zachowała się, pozostałe znajdują się w rosyjskich muzeach i kolekcjach prywatnych.
Pierwsze miesiące pracy w pracowni Grekowa nie były łatwe dla młodego człowieka. Przecież sztuka jest sądem o życiu, a on jeszcze tego życia nie znał. Trudno zacząć pracę, naprawdę wyrazić siebie, oceniając front jedynie na podstawie historii i dzieł starszych towarzyszy. Młodemu artyście nie wszystko się udało; często był wzywany na dywanie do władz, a nawet pojawiała się kwestia wydalenia ze studia.
Pierwsza podróż służbowa odbyła się w przeddzień 1943 roku na Front Kalinin w rejonie Wielkich Łuków. Młodzieńczy maksymalizm wzywał na linię frontu, gdzie toczyły się walki, gdzie, jak się wydawało, wykonywała się „prawdziwa praca”. Z tej podróży Borys Michajłowicz przywiózł etiudy i szkice, które jednak w opinii samego autora zaginęły wśród dzieł bardziej doświadczonych członków studia. Jednak obfitość wrażeń, ciągła praca z życia, umiejętność uczenia się od starszych towarzyszy spełniły swoje zadanie: szkice i rysunki za każdym razem stawały się poważniejsze i kompetentniejsze.
Wiele lat później artysta B.M. Niemenski będzie żałował, że początkowo za wojskową „egzotyką” ataków i bitew nie mógł dostrzec najważniejszej rzeczy - żołnierza, prostego człowieka w płaszczu, który decydował o losie zwycięstwa, swoim wewnętrznym świecie, uczuciach, myślach . I właśnie to najważniejsze, z każdą kolejną wyprawą na front, coraz głębiej będzie wypełniać myśli i serce artysty, a potem stanie się jednym z najważniejszych tematów jego twórczości. To front stanie się dla mistrza „szkołą życia i sztuki”, pozwalającą lepiej rozumieć ludzi i siebie oraz podejmować nowe, śmiałe kroki w zawodzie.
Od czasu do czasu artyści wracali ze stałych jednostek do siedziby frontu – Moninskiego Domu Oficerskiego pod Moskwą – aby przekazać gotowe prace i wymienić się doświadczeniami. Młody artysta przez te tygodnie próbuje swoich sił w malarstwie sztalugowym, szuka swojego podpisu, pracuje nad planem. Pomysł na pierwsze zdjęcie (moment, w którym ratownicy medyczni niosą rannego pilota) i jego realizacja trwała około miesiąca. Po wojnie Borys Michajłowicz będzie pamiętał, że chęć zrobienia „wszystko dobrze” w rozwiązaniach kompozycyjnych i obrazowych, „prawda faktu” podyktowana wymogami wojennymi, przyćmiła wówczas „pojemność treściową”.
Wraz ze swoim przyjacielem Michaiłem Gawriłowem Niemenski podejmuje nową próbę: rodzi się pomysł napisania płótna o uprowadzeniu narodu radzieckiego do Niemiec. Ale w końcu współautorzy opuścili pracę, zdając sobie sprawę, że obraz jest nieciekawy i niewyraźny. Narodziła się nowa, bardziej znana fabuła - „Powrót do miejsc rodzimych”. Radość kreatywności i gorycz rozczarowania odwiedzą Borysa Niemenskiego nie raz. W tym okresie zaczyna docierać do nas świadomość, że w sztuce jest mało wiedzy i zrozumienia, potrzeba czegoś więcej – własnych doświadczeń, osobistego bólu i radości.
Wiele lat później prawo to stanie się głównym prawem w nowym systemie edukacji estetycznej, który zaproponuje B.M. Niemenski. „Nie można pożyczyć ani grama uczuć: w końcu każde zdjęcie jest wyznaniem. Musi w niej żyć autentyczność uczuć, inaczej zadomowi się chłód, co najwyżej wyrafinowanie profesjonalizmu, fajerwerki.”
Zwycięska wiosna
Cała sytuacja frontowa i nastrój wewnętrzny uczestników wydarzeń wymagały prawdy i przekonywania, co nakładało szczególną odpowiedzialność na artystę wojskowego, którego twórczość była poszukiwana i rozumiana w trudnych czasach, kiedy – jak się wydawało – muzy miały milczeć. „Pamiętam, że kiedyś siedziałem cały dzień w głębokim i miękkim fotelu, stojąc na samym środku jednej z ulic prowadzących do centrum Berlina. Na skrzyżowaniu trwała bitwa... Po obu stronach ulicy jakby dwa długie otwory wentylacyjne wulkanu utworzyły nad sobą nieprzenikniony namiot, buczący ogniem i dymem. A wzdłuż ulicy tu i ówdzie chodzili żołnierze, biegający z amunicją, niosący rannych, przenoszący sprzęt. Kiedy szliśmy dalej, a płonące domy się zawalały, żołnierze ciągnęli moje krzesło coraz dalej. „Tutaj, dalej, żołnierzu, naszkicuj, jak płonie legowisko Hitlera, tego właśnie chcą!” (1-6)
(1) 
(2) 
(3) 
(4) 
(5) 
(6) 
8 maja 1945 - koniec wojny... Radość, wszędzie gromady żołnierzy radzieckich świętujących długo oczekiwane zwycięstwo, automatyczne wybuchy sztucznych ogni... A na Bramie Brandenburskiej, wspiąwszy się po drabinach szturmowych, artysta siedzi w żołnierskim płaszczu i rysuje miejscami dymiące miasto, próbując uchwycić i uchwycić kolorem niesamowite uczucie bolesnej radości zwycięstwa. Ten właśnie szkic niestety nie zachował się, ale ostatnie prace frontowe, ukończone w kwietniu-maju 1945 roku, przechowywane są w warsztacie Borysa Michajłowicza. (7-8) Czuje się w nich pewne zamieszanie, jak po zakończeniu wielkiego zadania, kiedy nadchodzi długo oczekiwana chwila spokoju. Ciężar zwycięstwa miesza się z jasnym uczuciem oczekiwania na nowe, radosne życie, „kiedy powiew wiosny stał się nie tylko wiosną, ale oddechem spokojnego życia, które zwyciężyło wojnę, kiedy nieświadomie wydawało się, że zaraz po wojnie wszystko na ziemi będzie tak dobre, jak nigdy dotąd”.
(7) 
(8) 
Zwycięski rok 1945 będzie rokiem pierwszego twórczego zwycięstwa Borysa Niemenskiego. Obraz „Matka” (9), namalowany przez dwudziestodwuletniego chłopca, nie tylko od razu przyciągnie uwagę, ale stanie się początkiem kształtowania się metody twórczej artysty i zajmie szczególne miejsce w historii malarstwa rosyjskiego.
Matka . (1945 )
(9) 
Obraz ten od razu nie pozostawił nikogo obojętnym, ani krytyków, ani widzów, emanujących tęsknotą za domem, cichą czułością do matki i synów rozdzielonych wojną. Częsty motyw tamtych czasów: żołnierze śpiący na podłodze w chłopskiej chacie. Ale pod pędzlem młodego artysty zabrzmiało to nowością. Chęć namalowania obrazu o zwykłych Rosjankach, które w każdej wsi, w każdym mieście po macierzyńsku witały żołnierzy, chęć napisania o swojej matce, która w swoim moskiewskim mieszkaniu opiekowała się także greckimi artystami przed lub po wyjazdach na front, zaowocowała wyraz wdzięczności dla kobiety-matki, „wielka wdzięczność dla zwykłych Rosjanek, które ogrzały nas matczyną miłością, kobiet, których smutku i których zasług dla Ojczyzny nie da się zmierzyć ani nagrodzić”. To nie przypadek, że rysy autora można dopatrzyć się w wizerunku młodego żołnierza, starannie okrytego ciepłą chustą. Obraz wystawiony na Wystawie Ogólnounijnej natychmiast zyskał sławę i został zakupiony przez Galerię Trietiakowską.
Prace B.M. Niemenskiego to obrazy-myśli wypełnione treścią polifoniczną. Proces ich tworzenia jest zawsze długi, nie oznacza to jednak, że samo malowanie płótna zajmuje dużo czasu; artysta stara się „malować szybko, na jednym tchu”. To proces złożony i czasami bolesny – od powstania pomysłu aż do jego dojrzewania: liczne szkice, szkice, szkice, wątpliwości.
Niemenski stopniowo rozwija swój własny styl pracy nad dziełem. Specjalna metoda twórcza artysty zaczyna nabierać kształtu. W poszukiwaniu kompozycji nie poprawia starych płócien, lecz maluje nowe, co „przyspiesza proces pracy, nadając jej swobodę spontaniczności”. Jeśli na początku artysta zniszczył stare płótna, z czasem doszedł do wniosku, że przydały się one do porównań w procesie pracy.
Instytut Surikowa
Po zakończeniu wojny, będący już członkiem Związku Artystów ZSRR, Borys Michajłowicz będzie kontynuował naukę, zostając studentem Moskiewskiego Instytutu Sztuki im. V.I. Surikow. Nagle, kiedy zacząłem się uczyć, zaczęły pojawiać się trudności. Już przy pierwszym obejrzeniu studentowi Borysowi Niemenskiemu powiedziano, że jego droga jest błędna i że trzeba „zapomnieć o wszystkim i uczyć się od nowa”. Dotkliwe stały się sprzeczności pomiędzy proponowanymi zasadami pracy a wewnętrznymi uczuciami artysty.
W trzecim roku szkice nowej kompozycji zaproponowane przez Niemenskiego po raz kolejny nie uzyskały akceptacji. Ale ukształtowana już pozycja wewnętrzna – większe zaufanie do siebie, swoich uczuć i doświadczenia w pracy – daje młodemu artyście siłę do podjęcia pracy bez względu na wszystko. I dosłownie sześć miesięcy później student B. Niemenski otrzyma Nagrodę Państwową za obraz „O dalekich i bliskich”.
O dalekich i bliskich (1950)
(10) 
Materiałem do filmu były wrażenia i przeżycia z pierwszego wyjazdu służbowego greckiego studenta pod koniec 1942 roku do czynnej jednostki zajmującej przyczółek wcinający się głęboko w pozycje wroga. Na ten odcinek frontu poczta polowa docierała rzadko i nieregularnie. W takich warunkach szczególnej wartości nabrały listy, które żołnierze wielokrotnie czytali na głos. Praca na tym płótnie ujawniła talent artysty, który nie tylko kocha, ale także potrafi rozszyfrować ludzką twarz. Znany krytyk sztuki N.A. Dmitrieva zwraca uwagę na szczególną jakość tej pracy - „umiejętność subtelnego, starannego pisania, umiejętność rzeźbienia i opracowywania twarzy w małej skali, przekazywania… cieni ukrytego uczucia”.
Szkic zaproponowany przez artystę do pracy dyplomowej również został odrzucony w przypadku kompozycji „elementarnej”. Ten pełen poezji utwór liryczny o siostrze miłosierdzia powstanie po ukończeniu studiów.
Maseńka (1956)
Wizerunek siostry ze szpitala polowego, niemal dziewczynki, stał się ulubieńcem wielu widzów. Obraz urzeka życzliwością, szczerością i lekką nutą smutku; „żyje w nim obraz baśni, opowiedzianej na swój sposób, po żołniersku, zgodnie z prawdą, bez sztuki, szczerze” (L.A. Niemenskaja). W podwójnym świetle zimnego porannego okna i lampy stołowej postać dziewczyny wydaje się niezwykle wzruszająca. Jej wzrok skierowany jest gdzieś w głąb siebie, skupiony na jakichś subtelnych, nieuchwytnych wspomnieniach czy snach. Autorowi udało się przekazać niesamowity stan „między snem a rzeczywistością, między rzeczywistością a snem”. Twórcze poszukiwania były długie, zapisano wiele twarzy. W rezultacie obraz był tak szczery, że wielu żołnierzy, którzy przeżyli wojnę, zapewniało, że przedstawia pielęgniarkę, która ich uratowała.
Przeszłość, teraźniejszość, przyszłość
Wszystkie pierwsze obrazy Borysa Michajłowicza Niemenskiego o tematyce militarnej miały określonego adresata – ludzi, którzy przeszli przez tygiel Wielkiej Wojny Ojczyźnianej. Uczucia i wspomnienia artysty zlały się z wrażeniami życiowymi widzów, skupiając się na odwiecznym temacie miłości żołnierza do ojczyzny; były to prace „nie o tym, jak walczył, ale o tym, dlaczego walczył, skąd czerpał siłę duchową .”
Ale czas mijał, Wielka Wojna Ojczyźniana stopniowo zaczęła odchodzić do historii, dorastał nowy widz, który już jej nie pamiętał. Jednak w latach 50. temat wojny zaczęto kojarzyć nie tylko z przeszłością, ale i przyszłością, przeplatając się z ówczesnymi problemami politycznymi. Dla artysty ponowne przemyślenie roli motywu militarnego w sztuce rozpoczęło się od dyskusji wokół – wydawałoby się – jednego z najbardziej lirycznych obrazów o wojnie – „Oddechu wiosny”.
Oddech wiosny.
Podobnie jak wszystkie dzieła mistrza, fabuła obrazu jest autobiograficzna. Z pamiętnika Frontu Ukraińskiego z 15 maja 1944 r.:
„Ogrody kwitną! A w lesie, w którym się zatrzymaliśmy, był niesamowity gwar ptaków - zwłaszcza o świcie... I kwiaty - jakieś delikatne niebieskie kwiaty na szarej ziemi, jeszcze pokrytej zeszłorocznymi liśćmi. Uwielbialiśmy wstawać przed wszystkimi i słuchać i oglądać tę muzykę. To wciąż dziwne: czy naprawdę trzeba było zostać żołnierzem, aby zobaczyć i zrozumieć całe to rodzime piękno? »
Kto mógł wtedy wiedzieć, że ten temat nie tylko zachwyci artystę, ale stając się psychiczną udręką i radością, stanie się po wojnie tematem obrazu.
Kruchy świat budzącej się wiosennej natury otwiera się przed młodym wojownikiem, z wyczuciem wsłuchującym się w ciszę poranka, w chwili wytchnienia między bitwami: brzozy płynące we mgle, kropelki wierzby, złote kłaczki olchy... radość z takiego odkrycia miesza się z niepokojem. Według wspomnień B. Niemenskiego, właśnie w takich momentach na froncie w chłopcach-żołnierzach rodziło się nowe poczucie ojczyzny i wzrastała osobista odpowiedzialność za jej los.
Ale właśnie ta głębia i człowieczeństwo obrazu wywołała poważne ataki krytyków, artyście zarzucano brak patriotyzmu i słaby plan ideowy, „nadmierne zajmowanie się” przeżyciami wewnętrznymi swoich bohaterów. Publiczność stanęła w obronie artysty, poruszona do głębi obrazem płynącym prosto z serca. Wypełniali księgi gości, brali udział w dyskusjach podczas wystaw, pisali listy do gazet. „Odsłania duszę żołnierza” – twierdzili niektórzy. „Wiele obrazów przedstawia to, co na powierzchni, ale trzeba pokazać to, co jest w środku… Niemenski stworzył głęboki obraz człowieka radzieckiego, obraz wyjęty z życia…” – podchwytywali inni. (11)
(11) 
Ziemia jest spalona. (1957)
Obraz ten stanowi początek nowego etapu w twórczości artysty (12). Nie tylko przywraca widza do wydarzeń minionej wojny, ale każe zastanowić się, czy to się nie powtórzy. Artysta zaczyna myśleć obrazami wielkoskalowymi, uogólnionymi, prowadząc widza do problemów uniwersalnych, ponadczasowych.
(12) 
Dziurawa eksplozjami, pocięta przez gąsienice, spalona ziemia jest pełnoprawnym bohaterem tego obrazu. Jaskrawy kolor podkreśla cały dramat wydarzeń; to nie tyle kolor ziemi, co kolor tragicznego przeżycia. „Ten obraz najprawdopodobniej opowiada o ziemi stworzonej dla pól uprawnych, radości i pracy, o wojnie, która zamienia ją w piekielny pozór obcej, martwej, nienadającej się do zamieszkania planety, w strefę pustynną” – pisze autor. W uszkodzonym rowie nawet nie widać od razu ludzi. Artysta stara się przekazać widzom uczucie zmęczenia tych żołnierzy i pokazać ich wytrwałość bez względu na wszystko. W sercu tego żołnierza żyje niepohamowane pragnienie pokoju, pracy, ojczyzny, życia za wszystko, co daje mu siłę, by stawić czoła i przetrwać. Według N.A. obraz chłopskiego wojownika trzymającego w dłoni kilka ocalałych ziaren w dłoni na dnie rowu. Dmitrijewy, „jedno z najwyższych osiągnięć Niemenskiego i być może jeden z najpotężniejszych wizerunków ludzkich w malarstwie sowieckim”.
„Ojcowie żołnierze”
Jednym z głównych tematów, do którego B.M. stale powraca w swojej twórczości. Nemensky'ego - temat ojcostwa: „Niepewność, łatwowierność, otwartość dzieciństwa - oraz moc, prawy i najtrudniejszy obowiązek ojca, aby decydować i odpowiadać”. Wspomnienie uczuć powraca do pierwszych dni wojny, kiedy w zamarzniętym mieście, praktycznie zmiecionym z powierzchni ziemi przez wycofujących się faszystów, bojownicy odnaleźli cudem ocalałą dziewczynę. Była pokryta zmarszczkami jak stara kobieta i nie mogła nawet płakać. „Pamiętam, ile troski i bólu było we wszystkich działaniach żołnierzy wobec dziewczynki. Tyle niezręcznej czułości... i ledwo powstrzymywanej nienawiści: sprawcy katastrofy byli tuż za rogiem” – pisze artysta w swoich wspomnieniach.
W filmie prawdziwa historia nabiera symbolicznego znaczenia: żołnierz jest zbawicielem życia, uczucia żołnierza są jak uczucia ojca – chęć ochrony. Na tle zniszczonych pieców i lejów po bombach maleńka dziewczynka otoczona jest przez żołnierzy, jak światło ocalonego życia w gęstym ochronnym pierścieniu. Światło pochodzi od małej postaci, oświetlającej twarze żołnierzy, to On „rozgrzewa ich serca, dodaje im sił do kontynuowania misji”(13).
(13) 
Symbol smutku
Tematyka związana z wojną w twórczości B.M. Niemenskiego stają się odwołaniem nie tylko do przeszłości, ale także do teraźniejszości i przyszłości, splatając się z niepokojącymi problemami świata. Artysta porusza problemy stosunku do wojny, do życia, do człowieka: „Widziałem pola uprawne zamienione w pustynię, palące miasta i wsie na ziemi rosyjskiej, ukraińskiej, polskiej, niemieckiej. Nawet nie świadomością, ale każdą komórką mojego ciała nienawidzę wojny. Nienawidzę tego, co to przynosi i tego, co do tego prowadzi: głupiej nienawiści człowieka do człowieka, ludzi do ludzi, karmionej i wciąż karmionej faszyzmem!”
Nienazwany wzrost. (To my, o mój Boże!) 1960–1995.
Praca ta jest ulubionym dziełem artysty. W pierwszej wersji, która pojawiła się na wystawie, obraz nosił tytuł „Bezimienna wysokość” (il. 22), a w ostatniej „To my, Panie” (il. 23). Autor wielokrotnie wracał do tego tematu. „Cały proces pracy okazał się jakby wewnętrznym sporem, wyciśnięciem z siebie nienawiści i nieufności narosłych przez lata wojny, procesem rozczłonkowania jednej idei: Niemiec to faszysta”. W sumie istnieje pięć ukończonych wersji tego dzieła, w każdej z których artysta odkrywa temat w nowy sposób.
Fabuła filmu wywodzi się z frontowego epizodu pierwszego wyjazdu służbowego na teren działań wojennych w Wielkich Łukach. „Szedłem pieszo, z pełnym wyposażeniem żołnierza-artysty. Szedłem długo i byłem zmęczony. I siadał albo na kamieniu, albo na pniu wystającym spod śniegu, żeby przeżuć krakersa i dać odpocząć nogom. Nagle zauważyłem, że padający śnieg porusza trawę tuż pode mną. Ale trawa nie jest miękka zimą; nie może kołysać się od lekkiego wiatru. Przyjrzał się uważnie i wstał. Okazało się, że siedziałem na martwym niemieckim żołnierzu – prawie całkowicie zakryty. Rudawe włosy falowały... I byłem zdumiony - chłopiec, młodzieniec w moim wieku, a nawet trochę podobny do mnie..."
Fabuła filmu opowiada o dwóch młodych żołnierzach poległych w bitwie, Rosjaninie i Niemcu. „Wojna zakończyła ich życie, rozrzucając ciała na wiosennej ziemi. Jedna jest w lekkiej, spranej tunice, zwrócona twarzą do nieba, rozłożona w odwróconym krucyfiksie. Drugi, wkładając rękę pod siebie, zakrył nos. Są niezawodni jako żołnierze, ale jednocześnie widać, że wyglądają jak zaspane dzieci” (L.A. Niemenskaja).
Obraz pojawił się na Wystawie Ogólnounijnej i wywołał wiele kontrowersji; dyskusje toczyły się w Związku Artystów, w Związku Pisarzy, na łamach pisma „Artysta”, obraz był pokazywany na siedmiu wystawach. miast kraju, w których widzowie zostawili swoje odpowiedzi. Jednym z głównych zarzutów oficjalnej krytyki jest „pacyfizm” i „abstrakcyjny humanizm”. Ale widz nie zgodził się z krytyką. Słynny pisarz Konstantin Simonow wspierał artystę także w trudnych chwilach. We wstępie do jednego z albumów mistrza napisał: „Co artysta chciał nam tym obrazem powiedzieć? O wyczynie młodego człowieka, który bronił i bronił swojej sowieckiej ziemi w tej nieludzkiej wojnie? Tak, o to. Ale nie tylko o tym. I moim zdaniem chodzi także o to, że nie kwestionując piękna ludzkich wyczynów na wojnie, nie możemy zapominać, że wojna sama w sobie nie jest najlepszym sposobem rozwiązywania sporów między ludźmi... Zatem - patrzę na obraz... i pomyśl o tym, że to właśnie osobiste doświadczenie wojny wymagało od Niemenskiego stworzenia tego obrazu, który jest daleki od pacyfizmu, ale z mocą przypomina nam, że nowa wojna nie powinna, nie ma prawa istnieć. Podzielam to uczucie, uwielbiam ten obraz, który koresponduje nie tylko z moimi wspomnieniami, ale także z moimi myślami o przyszłości.”
W 1986 roku obraz był wystawiany na osobistej wystawie artysty w Moskwie. LA. Niemenskaja wspomina, że uwagę autora przykuł jeden z widzów, który długo nie opuszczał pustej, zacienionej sali. Jak się okazało, był to człowiek, który walczył w ramach kontyngentu wojsk radzieckich w Afganistanie. Zdjęcie odzwierciedlało także jego osobiste tragiczne doświadczenia. A dziesięć lat później, kiedy w Muzeum Wojny Ojczyźnianej na Pokłonnej Górze wystawiono nową wersję obrazu, podobne spotkanie odbędzie się z weteranami wojny czeczeńskiej.
Obraz „Bezimienna wysokość” przez długi czas „zarejestrowany” był w pracowni artysty, nie miał miejsca na żadnej stałej wystawie muzealnej. W 1985 roku prawie umarła z powodu wytrysku gorącej wody z pękniętej rury. A potem Niemenski zgodził się przenieść płótno do Niemiec, do Muzeum Sztuki Współczesnej w Akwizgranie. Słynny niemiecki kolekcjoner P. Ludwig, szczerze pasjonujący się sztuką rosyjską, przekonał artystkę, że zobaczy ją tam znacznie więcej widzów. Jednak miesiąc później Borys Michajłowicz postanawia odtworzyć płótno, nazywając je „To my, Panie”. W tej ostatniej wersji autor zminimalizował znamiona specyficznej wojny, przez co postawiony problem wybrzmiał z nową siłą, poza czasem i przestrzenią. (14)
(14) 
Temat losów kobiet zrujnowanych przez wojnę brzmiał szczególnie tragicznie kilkadziesiąt lat po jej zakończeniu. „Szczególnie niepokoił mnie temat samotności kobiet wywołany wojną – temat narzeczonych i żon poległych żołnierzy. Pobłogosławiły swoich mężów za ten wyczyn, pomogły im w trudnych chwilach i nadal dokonują tego wyczynu i będą go dokonywać aż do śmierci”. (15-16)
(15) 
(16) 
Straty (1963–1969)
Obraz jest częścią kwadryptyku poświęconego tragicznym losom kobiet. Jest to symbol żalu i samotności, żałoby po bezpowrotnie minionym szczęściu, czy to na małym kopcu grobu, czy na „bezimiennej wysokości”. Według wspomnień autorki „nad obrazami płakały nie tylko Rosjanki, ale także Niemki i Japonki (jedna wersja – czerwona – pozostała w Tokio po wystawie).”
Odwołanie się do uczuć publiczności, zachęta do myślenia o życiu są charakterystyczne nie tylko dla dzieł sztalugowych, ale także dla martwych natur Borysa Niemenskiego. Prace te są zawsze filozoficzne, bardzo lakoniczne, nie ma na nich przypadkowych przedmiotów, wszystko tutaj ma określone znaczenie.
Pamięć ziemi smoleńskiej. (1993)
Przez wiele lat Borys Michajłowicz nie zwracał się ku gatunkowi martwej natury, chociaż świat przedmiotów żył w wielu jego obrazach. Ale byli studenci przywieźli kiedyś artyście spod Smoleńska zepsuty hełm żołnierski i garść zużytych nabojów. Obiekty te, echa wydarzeń z przeszłości, zalegające w ziemi przez dziesięciolecia, dały początek łańcuchowi skojarzeń. Artysta przypomniał sobie pęknięty żeliwny piec, który widział w ocalałym piecu spalonej doszczętnie rosyjskiej wsi, i na obrazie pojawiły się dwa okrągłe metalowe przedmioty o podobnym kształcie: jeden jako echo spokojnego życia, drugi z płomienie wojny. Zamarli jak na cokole, na desce blatu - martwej natury-pomniku minionej tragedii. Artysta nie dodał nic do kompozycji, rękawy posłużyły jedynie do dekoracji ramy (17).
(17) 
Wszystkie wrażenia życiowe znajdują żywą, natychmiastową odpowiedź w twórczości artysty. (il. 28–32) „Co jakiś czas w duszy zmęczonej myślami i traumami rodzi się nagląca potrzeba dotknięcia światła, radości. Wtedy przede wszystkim próbuje się zanurzyć pędzel i uczucie nie w dysharmonii złożonych problemów naszych czasów, ale w harmonii miłości, rodziny, dzieciństwa. Borys Michajłowicz tworzy jasne, delikatne, poetyckie dzieła. Tak rodzą się sceny rodzajowe i portrety, bliskie sercu pejzaże północnej i środkowej Rosji. „Każdy por naszego życia jest przesiąknięty poezją. Może tego nie zauważymy i nie zrozumiemy, ale bez poetyckiego „wirusa” nie wydarzyłaby się prawie żadna rzecz, którą robilibyśmy z przyjemnością - czy to uprawa ziemniaków, kwiatów, czy dziecko. Tak naprawdę to jest podstawa ludzkich uczuć – humanizowana przez wieki, podstawa normalności – podkreślam, nie wyjątkowych, ale normalnych, naszych relacji. W stronę rodziny, natury, pracy lub społeczeństwa.”
Artysta-nauczyciel
Działalność artysty B. Niemenskiego od pięćdziesięciu lat jest nierozerwalnie związana z działalnością nauczyciela B. Niemenskiego. W 1957 rozpoczął pracę pedagogiczną w Moskiewskim Państwowym Instytucie Pedagogicznym. VI.I. Lenina, a od 1966 roku wykłada na wydziale artystycznym WGIK. Przez lata B. M. Niemenski wyszkolił całą galaktykę ciekawych i oryginalnych artystów. Wśród nich są A. Akilov, M. Abakumov, V. Balabanov, A. Bedina, V. Braginsky, G. Guseinov, V. Chumakov, A. Petrov i inni. Borys Michajłowicz jest dyrektorem kreatywnym wydziału artystycznego uniwersytetu Rosyjskiej Akademii Pedagogicznej, dyrektor Centrum Ustawicznej Edukacji Artystycznej w Moskwie.
Ponad trzydzieści lat temu w szkołach średnich pojawił się program B. Niemenskiego „Sztuki piękne i twórczość artystyczna”. Artysta jest przekonany, że zwykła umiejętność czytania i pisania w jakiejkolwiek dziedzinie, nawet artystycznej, jest jedynie dowodem opanowania pewnego poziomu rzemiosła, co, jak pokazuje praktyka, wcale nie gwarantuje rozwoju duchowego i bogactwa duchowego człowieka. W nowym programie po raz pierwszy uznano sztukę za autentyczny sposób wychowania jednostki. B.M. Niemenski jako pierwszy głosił znaczenie edukacji artystycznej w systemie ogólnoszkolnego wychowania uczuć dziecka – wcześniej sfera emocjonalno-zmysłowa pozostawała domeną zajęć pozalekcyjnych uczniów. Komunikacja ze sztuką bez emocji jest niemożliwa (dotyczy to zarówno artysty, jak i odbiorcy), dlatego sztuka kształtuje osobisty stosunek człowieka do świata. „Emocje człowieka są gruntem, na którym najsilniej ugruntowują się przekonania i nawyki, a te nabyte w dzieciństwie, okresie dojrzewania i młodości okazują się szczególnie silne – na całe życie – ponieważ w tym czasie światopogląd danej osoby jest najbardziej emocjonalny .” Ponieważ pamięć emocjonalna jest znacznie silniejsza niż pamięć racjonalna, to właśnie poprzez sztukę dziecko może najskuteczniej opanować doświadczenia społeczne, których treść aktywnie wpływa na kształtowanie się światopoglądu człowieka.
„Możemy i musimy mierzyć naszą ścieżkę... przyszłością. Powinniśmy porównywać nasze czyny nie z tym, co było, ale z tym, co powinno być. Przecież przyszłość potrzebuje nie tylko większości, ale całego narodu, każdego człowieka, wprowadzenia w kulturę, w duchowe bogactwo i mądrość zgromadzoną przez wieki w sztuce” – tak artysta, nauczyciel, filozof Borys Michajłowicz Niemenski widzi cel sztuki.
Zaproponowany materiał został z sukcesem wykorzystany w pracy z uczniami klasy V na lekcjach plastyki poświęconych ukazaniu tematu Wielkiej Wojny Ojczyźnianej w malarstwie sztalugowym. Zapoznanie dzieci z twórczością B.M. Nemensky jako artysta pierwszej linii i jako autor programu, w ramach którego studiują przez pięć lat, wywiera silny wpływ emocjonalny.
Literatura
Dmitrieva N.A. Borys Michajłowicz Niemenski. - M., 1971.
Niemenskaja LA Borys Niemenski. - M.: Białe Miasto, 2005.
Niemenski B.M. Zaufanie. - M.: Młoda Gwardia, 1984.
Niemenski B.M.. Mądrość piękna. - M.: Edukacja, 1987.
Niemenski B.M.. Wiedza poprzez sztukę. - M.:. Wydawnictwo URAO, 2000.
Niemenski B.M.. Otwórz okno. - M.: Młoda Gwardia, 1974.
