Materiał dodatkowy do lekcji muzyki na ten temat - O niezmiennym w muzyce Materiał do prowadzenia lekcji muzyki według programu T. Naumenko i V. Aleeva, 9. klasa. Pojęcie dobrej muzyki ma teraz dokładnie takie samo znaczenie jak wcześniej. (K. Penderecki, kompozytor) Bez względu na to, jak trafnie muzyka oddaje ducha swoich czasów, bez względu na to, do jak nowych, oryginalnych idei dąży jej język, wciąż jest coś, z czym ze swej natury nie może się rozstać. To „coś” jest obecne zarówno w jego treści, jak i w kompozycji oraz w tych cechach formy, które definiujemy za pomocą określenia „język muzyczny”. Mówimy o oddziaływaniu artystycznym, które wywołuje u słuchacza autentyczne przeżycia estetyczne. Oddziaływanie to spowodowane jest odwołaniem się do ludzkich myśli i uczuć, do obrazów otaczającego świata, zawsze żywego i atrakcyjnego. Konstanty Bogajewski. Tęcza Każda prawdziwa muzyka, bez względu na to, jak złożona może być, nigdy nie rezygnuje z tego, co ją inspiruje: to człowiek w całej swojej złożoności, życie z jego próbami i radościami, przyroda i wiele więcej, co było przedmiotem zainteresowania sztuki przez cały czas. Być może dlatego w twórczości tego samego kompozytora można znaleźć szeroką gamę muzyki, od niepokojącej, a nawet tragicznej po najjaśniejszą i najradośniejszą. Kompozytor współczesny, jak kompozytor każdej epoki, wciąż potrafi ucieleśniać w swoich dziełach obrazy zniszczenia, a jednocześnie tworzyć piękne, wysublimowane melodie. Wróćmy zatem ponownie do muzyki Borysa Czajkowskiego, tym razem do jego Koncertu na klarnet i orkiestrę. B. Czajkowski. Koncert na klarnet i orkiestrę kameralną, część I. Muzyka ta ucieleśnia najważniejsze cechy stylu artystycznego kompozytora, jego wyobraźniowy świat, naznaczony pięknem melodyki, rosyjską cechą niespiesznych, serdecznych tematów lirycznych. Ten rodzaj muzyki przenosi słuchacza w świat naturalnych, żywych uczuć i nastrojów. To właśnie ta właściwość muzyki wyraża głęboką wiarę kompozytora w moralną czystość człowieka, jego naturalne pragnienie harmonii i piękna, a także fakt, że tradycyjne wartości ludzkie do dziś nie tracą na znaczeniu. Iwan Szyszkin. Nowogród. Klasztor Peczerski Z recenzji dzieł B. Czajkowskiego „Przechodząc przez swoje wielkie serce ekscytujące problemy artystyczne naszych czasów, ludzkie smutki i radości, przeżycia emocjonalne, kompozytor był w stanie szczerze i głęboko powiedzieć najważniejszą rzecz o otaczającym świecie jego. I może właśnie ta cecha jego twórczości tak nas przyciąga, fascynuje, sprawia, że ​​wciąż na nowo wracamy do jego twórczości” (Yu. Serov, pianista). „Daje się poczucie, że jest się w jakimś bogatym świecie, bogatym w szczegóły, tak jak bogata jest przyroda, jak bogate jest brzeg morza... Nawet raczej nie brzeg morza, ale po prostu brzeg rosyjskiej rzeki , brzeg jeziora porośnięty trzciną, po którym pływają łabędzie lub kaczki i szeleszczą liście. W muzyce jest jakieś szczęście” (A. Mitta, reżyser). Chęć zrozumienia naturalnych podstaw sztuki jest charakterystyczna nie tylko dla muzyki, ale także dla innych rodzajów działalności artystycznej: poezji, prozy i malarstwa. Artyści starają się w ten sposób przeciwstawić trendom epoki, kiedy w kręgu zainteresowań znajdują się rzeczy przede wszystkim praktyczne, takie jak samochody czy urządzenia elektroniczne. Włodzimierz Makowski. Robienie dżemu Jakie są te naturalne bazy? Jedną z odpowiedzi daje wiersz Rasula Gamzatowa „Wróciłem…”. Powróciłem po stu latach z ciemności na tę ziemię. Zamknął oczy, gdy zobaczył światło. Ledwo poznałam swoją planetę... Nagle usłyszałam: szelest trawy, żywą wodę płynącą w strumieniu. „Kocham Cię!” – te słowa brzmią i świecą, nie stając się przestarzałe... Minęło tysiąclecie. Znowu wróciłem na ziemię. Wszystko, co pamiętałem, zostało przykryte Piaskami innych czasów. Ale światła gwiazd również przygasają, Dowiedziawszy się, że wkrótce wzejdzie słońce. A ludzie, tak jak dzisiaj, zakochują się i nienawidzą... Odszedłem i wróciłem ponownie, Zostawiając za sobą wieczność. Świat zmienił się aż do jego podstaw. Wszystko to przesiąknięte nowością. Ale zima jest nadal biała. Kwiaty na łąkach migoczą sennie. Miłość pozostała taka jaka była. A kłótnia pozostała ta sama. (Tłumaczenie Y. Kozłowskiego) Pytania i zadania: Jak rozumiesz słowa polskiego kompozytora K. Pendereckiego zawarte w motto tego akapitu? Jak myślisz, dlaczego w twórczości jednego kompozytora można znaleźć różnorodne tematy, uczucia i nastroje? Odpowiedź uzasadnij na przykładzie twórczości B. Czajkowskiego. Czy zgodzicie się, że muzyka Koncertu na klarnet i orkiestrę kameralną B. Czajkowskiego dziedziczy najlepsze tradycje muzyki rosyjskiej? Co to oznacza? Co nowego w tej muzyce? Co by się stało ze sztuką, gdyby nie ucieleśniała ludzkiego świata i odzwierciedlała jedynie znaki czasu, postęp technologiczny itp.? Jaka jest główna myśl wyrażona w wierszu R. Gamzatowa? Które rzeczy poeta uważa za przemijające, a które niezmienne? Źródło http://www.musicfantasy.ru/materials/oneizmennomvmuzyke

O tym, co stałe w muzyce

Pojęcie dobrej muzyki ma teraz dokładnie takie samo znaczenie jak wcześniej.

(K. Penderecki, kompozytor)

Niezależnie od tego, jak trafnie muzyka oddaje ducha swoich czasów, bez względu na to, do jakich nowych, oryginalnych idei dąży jej język, wciąż jest coś, z czym ze swej natury nie może się rozstać. To „coś” jest obecne zarówno w jego treści, jak i w kompozycji oraz w tych cechach formy, które definiujemy za pomocą określenia „język muzyczny”. Mówimy o oddziaływaniu artystycznym, które wywołuje u słuchacza autentyczne przeżycia estetyczne. Oddziaływanie to spowodowane jest odwołaniem się do ludzkich myśli i uczuć, do obrazów otaczającego świata, zawsze żywego i atrakcyjnego.

Każda prawdziwa muzyka, bez względu na to, jak bardzo jest złożona, nigdy nie porzuca tego, co ją uduchowia: to człowiek w całej jego złożoności, życie z jego próbami i radościami, przyroda i wiele więcej, które były przedmiotem zainteresowania sztuki przez całe stulecia. cały czas.

Być może dlatego w twórczości tego samego kompozytora można znaleźć różnorodną muzykę - od niepokojącej, a nawet tragicznej po najjaśniejszą i najradośniejszą. Kompozytor współczesny, jak kompozytor każdej epoki, wciąż potrafi ucieleśniać w swoich dziełach obrazy zniszczenia, a jednocześnie tworzyć piękne, wysublimowane melodie.

Wróćmy zatem ponownie do muzyki Borysa Czajkowskiego – tym razem do jego Koncertu na klarnet i orkiestrę.

Borys Czajkowski. Koncert na klarnet i orkiestrę kameralną, część I

W tej muzyce ucieleśniono najważniejsze cechy stylu artystycznego kompozytora, jego figuratywny świat, naznaczony pięknem melodyki, rosyjską charakterystyką tematów - niespieszną, uduchowioną i liryczną. Ten rodzaj muzyki przenosi słuchacza w świat naturalnych, żywych uczuć i nastrojów. To właśnie ta właściwość muzyki wyraża głęboką wiarę kompozytora w moralną czystość człowieka, jego naturalne pragnienie harmonii i piękna, a także fakt, że tradycyjne wartości ludzkie do dziś nie tracą na znaczeniu.

Z recenzji dzieł B. Czajkowskiego

„Przechodząc przez swoje wielkie serce ekscytujące problemy artystyczne naszych czasów, ludzkie smutki i radości, przeżycia emocjonalne, kompozytor potrafił szczerze i głęboko powiedzieć to, co najważniejsze o otaczającym go świecie. I być może właśnie ta jakość jego twórczości tak nas przyciąga, fascynuje, sprawia, że ​​wciąż na nowo wracamy do jego twórczości” (Yu. Serov, pianista).

„Daje poczucie, że znalazło się w jakimś bogatym świecie, bogatym w szczegóły, tak jak bogata może być przyroda, jak bogate może być wybrzeże... Nawet raczej nie brzeg morza, ale po prostu brzeg rosyjskiej rzeki, brzeg jeziora porośnięty trzciną, po której pływają łabędzie lub kaczki i szeleszczą liście. W muzyce jest jakieś szczęście” (A. Mitta, reżyser).

Chęć zrozumienia naturalnych podstaw sztuki jest charakterystyczna nie tylko dla muzyki, ale także dla innych rodzajów działalności artystycznej - poezji, prozy, malarstwa. Artyści starają się w ten sposób przeciwstawić trendom epoki, kiedy w kręgu zainteresowań znajdują się rzeczy przede wszystkim praktyczne, takie jak samochody czy urządzenia elektroniczne.

Jakie są te naturalne podstawy?

Jedną z odpowiedzi daje wiersz Rasula Gamzatowa „Wróciłem…”.

Wróciłem po stu latach,
Z ciemności na tę ziemię.
Zamknął oczy, gdy zobaczył światło.
Ledwo rozpoznałem swoją planetę...
Nagle słyszę szelest trawy,
W potoku płynie woda żywa.
„Kocham Cię!” – brzmią słowa
I błyszczą, nie stając się przestarzałe...
Minęło tysiąclecie.
Znowu wróciłem na ziemię.
Wszystko, co zapamiętałem, zostało zmiecione
Piaski innego czasu.
Ale światła gwiazd też gasną,
Dowiedziawszy się, że wkrótce wzejdzie słońce.
A ludzie - jak za naszych czasów -
Kochają się i nienawidzą...
Wyszedłem i wróciłem ponownie,
Zostawiając wieczność za sobą.
Świat zmienił się aż do jego podstaw.
Wszystko to przesiąknięte nowością.
Ale mimo to zima jest biała.
Kwiaty na łąkach migoczą sennie.
Miłość pozostała taka jaka była.
A kłótnia pozostała ta sama.

(Tłumaczenie Y. Kozłowskiego)

Pytania i zadania:

1. Jak rozumiesz słowa polskiego kompozytora K. Pendereckiego zawarte w motto tego akapitu?
2. Jak myślisz, dlaczego w twórczości jednego kompozytora można znaleźć różnorodne tematy, uczucia i nastroje? Odpowiedź uzasadnij na przykładzie twórczości B. Czajkowskiego.
3. Czy zgodzicie się, że muzyka Koncertu na klarnet i orkiestrę kameralną B. Czajkowskiego dziedziczy najlepsze tradycje muzyki rosyjskiej? Co to oznacza? Co nowego w tej muzyce?
4. Co by się stało ze sztuką, gdyby nie ucieleśniała ludzkiego świata i odzwierciedlała jedynie znaki czasu, postęp technologiczny itp.?
5. Jaka jest główna myśl wyrażona w wierszu R. Gamzatowa? Które rzeczy poeta uważa za przemijające, a które niezmienne?

Krzysztof Penderecki (ur. 23 listopada 1933 w Dębicy) to współczesny polski kompozytor i dyrygent.

Urodzony w rodzinie prawnika. Wiadomo, że wśród przodków kompozytora są Polacy, Ukraińcy, Niemcy i Ormianie. Podczas swojej wizyty w Armenii oświadczył, że cieszy się z powrotu do domu.

Od dzieciństwa uczył się gry na skrzypcach i fortepianie. Pod koniec lat czterdziestych grał w miejskiej orkiestrze dętej w Dębicy. Później w gimnazjum Krzysztof zorganizował własną orkiestrę, w której był zarówno skrzypkiem, jak i dyrygentem. W 1955 wyjechał na studia do Krakowa, gdzie studiował dyscypliny teoretyczne u F. Skołyszewskiego, pianisty i kompozytora, fizyka i matematyka.

W latach 1955-1958 studiował w Konserwatorium Krakowskim u A. Malyavsky'ego i S. Vekhovicha.

Wielki wpływ na młodego Pendereckiego mieli Bela Bartok i Igor Strawiński. Wnikliwe studiowanie twórczości Pierre'a Bouleza i Luigiego Nono (tego ostatniego poznał w 1958) przyczyniło się do jego zamiłowania do awangardy.

Penderecki uczył polifonii i kompozycji w Krakowie, Essen i Yale. Wśród jego uczniów w tym okresie byli Anthony Wit i Peter Moss.

Pierwszym sukcesem kompozytorskim Pendereckiego było zwycięstwo w 1959 roku na ogólnopolskim konkursie kompozytorskim zorganizowanym przez Związek Kompozytorów Polskich: Penderecki zaprezentował jury swoje dzieła „Strofy”, „Emanacje” i „Psalmy Dawida”.

Na początku lat 60. Penderecki zyskał światową sławę jako jeden z głównych przedstawicieli wschodnioeuropejskiej awangardy muzycznej. Kompozytor regularnie uczestniczy w międzynarodowych festiwalach muzyki współczesnej w Warszawie, Donaueschingen i Zagrzebiu.

W swojej wczesnej twórczości Penderecki eksperymentował w zakresie współczesnych właściwości ekspresyjnych – głównie sonoryki, aktywnie wykorzystywanych klastrów, niekonwencjonalnych metod śpiewu (w tym chóralnego) i gry na instrumentach muzycznych, a także naśladował za pomocą środków muzycznych najróżniejsze krzyki, jęki, gwizdki i szepty. Aby odpowiednio zrealizować koncepcję muzyczną, kompozytor zastosował w partyturach specjalnie wymyślone znaki. Do charakterystycznych dzieł tego okresu należą „Lament nad ofiarami Hiroszimy” (1960), I Symfonia (1973).

Głównym celem artystycznym kompozytora w jego wczesnych utworach było maksymalne oddziaływanie emocjonalne na słuchacza, a głównymi tematami były cierpienie, ból i histeria. Na przykład kompozycja na 48 smyczków „Polymorphia” (1961) powstała w oparciu o encefalogramy chorych wykonane podczas słuchania „Lamentu nad ofiarami Hiroszimy”. Jedyną operą z tego okresu są „Diabły z Luden (angielski) rosyjski”. (1966, na podstawie powieści o tym samym tytule (angielski) rosyjski Aldousa Huxleya) opowiada historię masowej histerii wśród sióstr zakonnych i wyróżnia się przejrzystością i plastyką w przekazywaniu sytuacji erotycznego szaleństwa.

Jednocześnie już w tym okresie ujawniła się charakterystyczna dla Pendereckiego pasja do tematyki religijnej („Stabat Mater”, 1962; „Pasja Łukasza”, 1965; „Jutrznia”, 1970-1971), dzięki której intonacje muzyczne chorału gregoriańskiego pojawiają się w jego twórczości prawosławna tradycja liturgiczna i J. S. Bacha.

Od połowy lat 70. Penderecki prowadzi działalność dyrygencką, wykonując także własne kompozycje. W latach 1972-1987 Penderecki był rektorem Konserwatorium Krakowskiego.

Od połowy lat 70. styl muzyczny Pendereckiego ewoluował w kierunku większego tradycjonalizmu, skłaniając się ku neoromantyzmowi i ujawniając wpływy Franza Schuberta, Jeana Sibeliusa, Gustava Mahlera i Dmitrija Szostakowicza. Kompozytor szczególną uwagę poświęca wielkim dziełom wokalno-symfonicznym i symfonicznym („Polskie Requiem”, 1980-2005; „Credo”, 1998; dwa koncerty skrzypcowe, 1977, 1992-1995; symfonie nr 2-5, 7, 8) . Symfonie Siódma (Siedem bram Jerozolimy, 1996) i VIII symfonie zawierają partie wokalne, nawiązując tym samym do tradycji Mahlera i Szostakowicza.

Jedno z największych dzieł zmarłego Pendereckiego, „Polskie Requiem”, powstawało przez kilkadziesiąt lat (1980–2005). W 1980 roku ukazał się pierwszy jej fragment – ​​„Lacrimosa”, napisany ku pamięci gdańskich dokerów, którzy dziesięć lat wcześniej zostali rozstrzelani podczas powstania przeciwko reżimowi totalitarnemu; kompozytor zadedykował tę muzykę Lechowi Wałęsie i kierowanej przez niego Unii Solidarności. W 1981 r. ukazało się Agnus Dei, poświęcone pamięci kardynała Wyszyńskiego, głęboko czczonego w Polsce; w 1982 r. – „Recordare Jesu pie”, napisany z okazji beatyfikacji księdza Maksymiliana Kolbe, który w 1941 r. ratując kolejnego więźnia, dobrowolnie poszedł na śmierć do Auschwitz. W 1984 roku, w czterdziestą rocznicę wybuchu Powstania Warszawskiego przeciwko okupacji hitlerowskiej, powstał Dies Irae (inny niż dzieło z 1967 roku o tym samym tytule). Pierwsza wersja Polskiego Requiem została wykonana po raz pierwszy w Stuttgarcie we wrześniu 1984 roku pod batutą Mścisława Rostropowicza. W 1993 roku kompozytor dodał do partytury „Sanctus” (w tej formie „Polskie Requiem” zostało wykonane na Festiwalu Pendereckiego w Sztokholmie 11 listopada 1993 pod dyrekcją autora). W 2005 roku Penderecki dodał do requiem „Chaconne na orkiestrę smyczkową” ku pamięci Papieża Jana Pawła II.

Muzykę Krzysztofa Pendereckiego wykorzystano w filmach Alaina Resnaisa „Kocham cię, kocham cię” (1968), „Egzorcyście” Williama Friedkina, „Lśnieniu” Stanleya Kubricka, „Katyniu” Andrzeja Wajdy, „Migawce” Martina Scorsese Island”, „Inland Empire” Davida Lyncha, „Ludzkie dzieci” Alfonso Cuarona, w serialu „Z Archiwum X”.

Nakręcony z okazji 80. urodzin kompozytora w 2013 roku.

W premierowym filmie dokumentalnym jeden z najwybitniejszych kompozytorów naszych czasów i dyrygent Krzysztof Penderecki szczegółowo opowiada historię swojego życia i twórczości, zdradza tajniki swojego rzemiosła, dzieli się najintymniejszymi przemyśleniami i planami na przyszłość. W filmie znajdują się rzadkie materiały i dokumenty archiwalne, fragmenty koncertów i prób, a także wywiady z Andrzejem Wajdą, Jonnym Greenwoodem, Janine Jansen, Julianem Rachlinem, Anne-Sophie Mutter i Elżbietą Penderecką.

Praca nad filmem trwała długo, obejmowała cały rok życia kompozytora, który widzowie „przeżyją” razem z nim. Większość zdjęć miała miejsce w wiejskim domu kompozytora i w wyjątkowym parku w Lusławicach, który tworzył przez 40 lat. Większość roślin sprowadzono do niego z różnych części planety, wiele z nich drogą przemytu. „Od najmłodszych lat bardzo kocham drzewa i zawsze marzyłam, że kiedyś będę miała duży park. W pierwszym roku posadziłam 30, 40 drzew, a potem liczba ta wzrosła do setek. Teraz park rozrósł się do 30. hektarów, a kolekcja roślin jest bardzo duża – około 1700 gatunków drzew i krzewów” – mówi kompozytor. Penderecki to nie tylko kolekcjoner, to dendrolog, ale także projektant. Ostatecznie tylko od niego zależy, jak park będzie wyglądał za 20, 50 lat.

Jego park zdobi między innymi duży labirynt obsadzony krzewami. A tytuł filmu – „Krzysztof Penderecki. Droga przez labirynt” – nie został wybrany przypadkowo. Zawiera głębokie znaczenie dla kompozytora. Labirynt jest dla niego symbolem twórczych poszukiwań: kiedy nie można przejść od razu do celu, ale z ogromnej liczby opcji trzeba wybrać tę jedyną właściwą i udać się do niej okrężną ścieżką. Cokolwiek Penderecki robił (jego talent rozciąga się na wiele dziedzin artystycznych, jest właścicielem kolekcji sztuki pięknej i użytkowej, właścicielem cennej biblioteki), zawsze robił to po swojemu: nigdy nie podążał za modą, nie kierował się czyjejś opinii, lecz pozostał wierny sobie, swoim gustom i przekonaniom.

Muzyka jest dla niego główną okazją do wypowiedzenia się na temat świata, jego złożoności i odnalezienia powiązań z przeszłością. Zawsze komponował to, co mu się podobało, a nie to, co było akceptowane. W latach 60. tworzył na przykład muzykę bardzo awangardową. Jak mówi sam kompozytor, była to chęć pokonania siebie, zdobycia tego, czego się nauczył, i poszukiwania czegoś nowego. A w 1966 r., kiedy zakazano muzyki religijnej, napisał „Pasję według św. Łukasza”. „Dzieło to – wspomina Penderecki – „przełamało przekonanie polskiego rządu, że w państwie socjalistycznym nie ma Boga ani muzyki sakralnej”. Do tej pory jego najnowszy pomysł - sala koncertowa zbudowana w dosłownym tego słowa znaczeniu na otwartym terenie - przez wielu nazywany był szalonym projektem. Ale kompozytor mówi o nim ze szczególną czcią, ponieważ stał się dla niego ucieleśnieniem wielu lat marzeń i marzeń.

Penderecki bardzo głęboko zagłębia się we wszystko, co dzieje się w jego życiu. Nie zostawia swoich kompozycji wykonawcom, ale bierze czynny udział w próbach: „W moich utworach nie pozostawiam wykonawcy żadnej swobody, dlatego próby są dla mnie bardzo ważne”. Wykonawcom jest to czasem trudne, ale tak ścisła współpraca ma swoją zaletę: dostają niepowtarzalną okazję do osobistej komunikacji z kompozytorem. „Widocznie wie, czego chce. To kompozytor, któremu można zadać pytanie i uzyskać w pełni trafną odpowiedź” – swoimi wrażeniami ze wspólnych prób z Pendereckim dzieli się skrzypaczka Janin Jansen. Jeszcze bliższa okazała się współpraca Pendereckiego z Johnnym Greenwoodem, gitarzystą Radiohead. Greenwood był tak zainspirowany muzyką Pendereckiego, że „śladami” dwóch jego kompozycji – „Crying for the Victims of Hiroshima” i „Polymorphia” – sam zapragnął pisać muzykę. Pracując nad swoim dziełem, zastanawiał się, jak połączyć dwie pasje Pendereckiego – miłość do drzew i muzyki. I udało mu się – Greenwood narysował na kartce papieru liść drzewa w płaszczyźnie poziomej i na rozgałęzionych żyłach liścia nałożył partyturę orkiestrową – tak narodziło się jego „48 odpowiedzi na „Polimorfię” Pendereckiego.

Współpraca kompozytora z Andrzejem Wajdą przy filmie „Katyń” okazała się niezwykle głęboka. Miały ku temu powody osobiste: w Katyniu zginęli wujek Pendereckiego i ojciec Wajdy. Penderecki wspomina, jak długo pielęgnował tę myśl, która w końcu się urzeczywistniła: „To był mój projekt, zmusiłem Wajdę do wzięcia mojej muzyki. A w mojej praktyce jest to przypadek wyjątkowy: jakby muzyka pojawiła się znikąd i została właśnie wykorzystana dla filmu.”

Życie twórcze Pendereckiego toczy się pełną parą: próby, premiery, festiwale; poświęcił sobie 50 lat na samo pisanie... To wszystko nie byłoby możliwe bez jego ogromnej wewnętrznej dyscypliny: „Każdy człowiek musi żyć i pracować według pewnych zasad, choć ja na przykład codziennie zmuszam się do bardzo wczesnego wstawania czasem mi się nie chce.” Mam plan pracy na jutro, pojutrze, na miesiąc, nie robię przerw – w moim wieku już nie da się ich robić, a zawsze tak miałam wciąż mam więcej pomysłów niż możliwości ich realizacji. Piszę muzykę adresowaną do ludzi szczerą i nowoczesną, która mogłaby być wykonywana dzisiaj, a nie dopiero po mojej śmierci.

Serwis prasowy kanału telewizyjnego „Rosja K”

Festiwal poświęcony 85. urodzinom Krzysztofa Pendereckiego zgromadził w Filharmonii Narodowej w Warszawie kilkudziesięciu instrumentalistów, śpiewaków i dyrygentów z całego świata na osiem dni i jedenaście koncertów. Byli wśród nich zarówno ci, którzy twórczość polskiego klasyka muzyki współczesnej znali od dawna, jak i tacy, którzy mieli okazję zapoznać się z nim dopiero niedawno. Obok mistrzów stanęli młodzi artyści, którzy dopiero wkraczali na drogę wielkiej sztuki – muzyka Pendereckiego ma taki charakter, że potrzebuje nowych środków wykonawczych, np. powietrza. Nabiera szczególnej siły życiowej, gdy wpada w ręce młodych ludzi z ich dociekliwością, śmiałością, żądzą uznania, pragnieniem spojrzenia poza granice nut, aby zobaczyć to, co widział i zrozumiał sam kompozytor. Odrobina naiwności i braku przeciążenia życiowymi doświadczeniami może w zderzeniu z gęstymi warstwami atmosfery twórczości głównego polskiego artysty awangardowego zaowocować nieoczekiwanymi rozwiązaniami brzmieniowymi i semantycznymi.

Dowodem miłości Pendereckiego do młodych ludzi jest niedawno powstały zespół trzech młodych solistów Penderecki Piano Trio. Muzyka pana Krzysztofa grana jest od dawna, wykształciła się jednocześnie pewna tradycja wykonawcza, muzyka ta, nawet w swojej strukturze, ma jeszcze dużo czasu, aby stać się zabytkiem. A sam kompozytor nie ukrywa, że ​​chętnie słucha nowych, odważnych interpretacji swoich arcydzieł. Mimo imponujących rozmiarów postaci rocznicowej, przy czcigodnym wyglądzie profesora, Krzysztof Penderecki jest niezwykle komunikatywny, aforystyczny w dialogach, uwielbia żartować i sprawia wrażenie osoby zachowującej dziecinny stosunek do świata – nigdy nie ustaje być zaskoczonym.

Z dzieł Pendereckiego można poznać historię Polski i świata: jego spuścizna składa się w większości z dedykacji, ale nawet jeśli spektakl nie ma konkretnego adresata, o tym, co się wydarzyło, powiedzą daty powstania i muzyka. Festiwal pokazał, że muzyka pana Krzysztofa – zwłaszcza wczesny i środkowy okres twórczości – nie przyzwyczaiła się jeszcze do niej, nie nabrała klisz odbiorczych. A dzieła późniejszych okresów twórczości, z mnóstwem pozornie znanych romantycznych intonacji, brzmią dziś z coraz większą liczbą pytań. Nawet muzykolodzy nie zdobyli jeszcze rzetelnego słownika, nie znaleźli jeszcze stabilnych terminów wyjaśniających wiele odkryć dźwiękowych, którymi kompozytor był szczególnie hojny w latach 60.–80. Losy utworów Pendereckiego były na tyle szczęśliwe, że zdecydowana większość ich prawykonań przypadła znakomitym muzykom. Pierwszy koncert skrzypcowy w 1977 roku był zadedykowany Izaakowi Sternowi i przez niego wykonany, drugi napisany dla Anne-Sophie Mutter, drugi koncert wiolonczelowy napisany dla Mścisława Rostropowicza, a koncert „Winter Reise” na róg i orkiestrę napisany dla Radovana Vlatkovicia.

Przed Pendereckim w historii współczesnej muzyki polskiej był Witold Lutosławski, którego styl wyróżniał się zagadkową wyższą matematyką, fenomenalną precyzją i skrajną, pedantyczno-chirurgiczną kalkulacją w doborze środków wyrazu. Było tak, jakby mówił w nim Chopin, tyle że w warunkach drugiej połowy XX wieku. Muzykę Pendereckiego wyróżnia zupełnie inna skala i zakres: nie ma w niej intymności Chopina, ale stawiane są wykonawcom zwiększone wymagania, gdyż „Panie Profesorze”, jak często nazywa się autora „Siedmiu bram Jerozolimy”, jest wielkim znawcą możliwości instrumentów orkiestry symfonicznej.

Programy wieczorne układane były pod czujnym okiem żony Krzysztofa, pani Elżbiety Pendereckiej, za którą kompozytor był jak kamienny mur. Pani Penderecka odpowie na każde pytanie, gdzie, kiedy i przez kogo ten czy inny utwór męża został wykonany. Jeden z wieczorów składał się z utworów najsłynniejszego okresu awangardy: I ​​Symfonii (1973), Capriccio na skrzypce i orkiestrę (1967) oraz I Koncertu skrzypcowego (1977) i Emanacji (1958). Cztery utwory zostały przekazane odpowiednio czterem różnym dyrygentom, podobnie jak Capriccio i Koncert dwóm różnym solistom. Swoją drogą, ta zasada występów różnych solistów, dyrygentów i orkiestr wzbogaciła paletę wykonawstwa zarówno festiwalu, jak i samej muzyki.

Było to zanurzenie się w laboratorium kompozytora w intensywnych poszukiwaniach nowych, jak na tamte czasy, środków wyrazu. Ze skrzypiec wydobyto dźwięki ze wszystkich możliwych stref – od melodyjnego po perkusyjne, od zgrzytania i gwizdania po rozdzierający serce jęk. Narodowa Orkiestra Polskiego Radia w Katowicach po mistrzowsku sprostała temu wyzwaniu. Kompozytor wystawiał skrzypków na ekstremalne próby, zdając sobie sprawę, że skrzypce, jako główny wyraz indywidualności człowieka, są w stanie wytrzymać wszystko. Kompozytor zdawał się szukać i niczym alchemik odnajdywać w metamorfozach z dźwiękiem niemożliwe, identyfikując stany graniczne – od ciała stałego po ciekły i gazowy. Polska skrzypaczka Patricia Piekutowska wykazała się fenomenalną powściągliwością w wykonaniu niezwykle złożonej emocjonalnie i technicznie, szalenie kapryśnej partii w Capriccio.

Na mszy ku czci Krzysztofa Pendereckiego w Katedrze Św. Jana

W programie muzyki kantatowo-oratoryjnej znalazły się dwa hymny – św. Daniel i św. Wojciech, który ukazał się w 1997 r. z okazji 850-lecia Moskwy i 1000-lecia Gdańska oraz okazałe Credo, napisane w 1998 r. Dyrygent Maximiano Valdez po wykonaniu tej ciężkiej kompozycji, niczym krzyża Chrystusa, przyznał, że formalnie nie da się przygotować tej partytury, bez osobistego przyzwyczajenia się do filozofii brzmień Credo. Nazwał to doświadczenie „objawieniem”, wglądem w naturę Boga objawioną w całości. Trzy chóry – Warszawski Chór Chłopięcy, Chór Opery i Filharmonii Podlaskiej oraz Chór Filharmonii im. K. Szymanowskiego w Krakowie – a także Polska Orkiestra Radiowa wraz z pięcioma wokalistami stworzyły nie tyle „fresk na skalę planetarną”, ile dołożyli wszelkich starań, aby zaangażować słuchaczy w to potężne, empatyczne doświadczenie. Zwłaszcza skalą tego obrazu Penderecki zdawał się udowadniać, jak płytki jest człowiek, jak szybko porzucał rozwiązywanie skomplikowanych problemów wszechświata na rzecz wygody i przyjemnych drobiazgów, które stępiają czujność i powstrzymują intensywność poszukiwań duchowych.

Na tym festiwalu nawet przypadkowe spotkania przyczyniły się do zrozumienia fenomenu Pendereckiego. A kiedy po długiej, niekończącej się „Koreańskiej” Symfonii, w szafie nagle pojawiła się reżyserka Agnieszka Holland, od razu stało się jasne, że Penderecki to kompozytor bardzo filmowy, myślący różnymi wielkościami ujęć, cięciami montażowymi i „serializmem”. w sensie produkcji wieloczęściowej. Jednak najbardziej magiczny i serdeczny koncert okazał się w dniu urodzin mistrza, kiedy w katedrze św. Jana podczas mszy poświęconej 85. urodzin kompozytora jego Missa brevis wykonał polski chór kameralny Schola Cantorum Gedanensis pod batutą reżyseria Jana Łukaszewskiego. Było w nim tyle czystości, niebiańskiego światła, nadziei, miłości i blasku, a kiedy zadzwonił dzwonek, stało się jasne, jak wiele ten głos znaczył i nadal znaczy w partyturach kompozytora, który w chwili jego narodzin, cieszy się z nim podczas wakacji i towarzyszy Ci w ostatniej podróży.