Ogólnie rzecz biorąc, nasze badanie jednostek językowych o znaczeniu metaforycznym będzie leżeć na płaszczyźnie semazjologii stylistycznej. W tej gałęzi nauk językoznawczych różne figury retoryczne (w szczególności tropy) analizowane są z punktu widzenia zachodzących w nich przekształceń semantycznych i ich funkcji stylistycznej. Semantyczna interpretacja materiału pozwala na uwzględnienie pod tym względem figur retorycznych o dowolnej naturze gramatycznej, to znaczy bez wpływu na to, czy wyrażają się one osobnym słowem, frazą, czy ewentualnie całym zdaniem.

Tytuł spektaklu „Dom, w którym łamią się serca” zawiera już sformułowanie o znaczeniu metaforycznym – mamy oczywiście na myśli określenie „łamane serca”. Jest to przykład prostej metafory, jak nazywa ten typ metaforą. Arnolda (2). Nie będziemy jednak rozważać badania I.V. Arnolda jako podstawę do charakterystyki metafor, poruszymy jedynie pokrótce podstawowy prosty podział słów i zwrotów wolnych o znaczeniu metaforycznym. W powyższej analizie angielskiej wersji sztuki wyrażenie „Heartbreak House” zapisane jest w dwóch słowach: „Heartbreak House”. Jest to przykład ilustrujący z punktu widzenia analizy porównawczej dwóch języków. Tworzenie słów w języku angielskim zasadniczo różni się od podobnego procesu w języku rosyjskim z tego prostego powodu, że angielski jest językiem analitycznym, a rosyjski jest językiem fleksyjnym.

Wróćmy jednak bezpośrednio do definicji składników metafory „złamane serce”. Słowo „serce” jest naszym zdaniem nośnikiem obrazowości, gdyż B. Shaw użył go nie w bezpośrednim znaczeniu „dosłownym”, lecz przenośnym, a zatem metaforycznym. Ogólnie rzecz biorąc, wyrażenia takie jak „złamałeś mi serce”, „złamane serce”, które są najbliższe rozważanej opcji, oraz wyrażenia „serce płacze”, „serce jęczy” są dość często używane zarówno w prozie, jak i poezja, a połowę z przedstawionych opcji można znaleźć w słowniku frazeologicznym. Uważamy za niepotrzebne podawanie przykładu użycia któregokolwiek z tych wyrażeń w dziełach pisarzy i poetów. Obraz kochającego serca, złamanego serca itp. to częste, charakterystyczne obrazy w twórczości każdego pisarza działającego na „polu pisania”. W rezultacie dowiedzieliśmy się, że dana metafora nie jest okazjonalizmem autora, lecz wręcz przeciwnie, jest żywym przykładem metafory poetyckiej (w nawiązaniu do klasyfikacji O.S. Achmanowej (5) Innymi słowy, metafora ta może można nazwać figuratywnym językiem ogólnym, a dokładniej ogólną metaforą stylistyczną, której figuratywny, figuratywny charakter jest wyraźnie odczuwalny przez mówiącego.

Wybór tak obrazowo figuratywnej metafory zawartej w tytule nie jest przypadkowy dla autora. Sam Shaw zauważa to we wstępie do spektaklu, mówiąc, że ukazuje w dramacie dwie przeciwstawne sobie siły. Alegorycznie można je nazwać „Domem Złamanych Serc” i „Salą Konną” („Dom, w którym łamią się serca” i „Arena, w której łamane są konie”). Mieszkańcy „Domu” to intelektualiści, mieszkańcy „Maneżu” to biznesmeni. Walkę społeczną dramaturg przedstawia jako zderzenie tych dwóch sił.

Jest całkiem oczywiste, że metaforyczne odczytanie wyrażenia „złamane serce” różni się od dosłownego: wyrażenie, które w dosłownym znaczeniu jest używane do określenia cech fizycznych, powiedzmy, chorych ludzi, czytane w przenośni, identyfikuje inną klasę obiektów nieożywionych, mając jednak w swojej semantyce nutę istnienia, w rezultacie żaden z obiektów należących do klasy narządów wewnętrznych nie może być wyróżniony w taki sam sposób jak „serce”, wyrażając przy tym tę samą ideę.

Korelując badany językowy komponent figuratywny – metaforę „serca pękają” z teorią M. Blacka (9), możemy zidentyfikować tzw. „ognisko” metafory i jej otoczenia – „ramę”. A dalej spróbujemy wyjaśnić, dlaczego ta „rama” w połączeniu z tym „ogniskiem” daje obrazowość metaforyczną.

Zatem zgodnie z koncepcją substytucyjną metafora (tj. słowo wyraźnie metaforyczne umieszczone w ramce dosłownego znaczenia słów) służy przekazaniu znaczenia, które w zasadzie można wyrazić dosłownie. Możemy stwierdzić, że w centrum tej metafory znajduje się słowo „serce”. Autor używa go zamiast innego szeregu pojęć (nadzieje, oczekiwania, aspiracje itp.), które są abstrakcyjne w przeciwieństwie do całkowicie zmaterializowanego pojęcia „serca”. Słowo jest substytutem (lub środkiem przekazu) nie oddzielnym wrażeniem otrzymanym w przeszłości, ale połączeniem ogólnych cech” (17, s. 46). To stwierdzenie Ivora A. Richardsa jest ogólnym sformułowaniem formacji metafory.

Drugim elementem metafory, który ma prostą konstrukcję – „pęka”, jest odpowiednio rama. Nowy, odmienny kontekst słowa „serce”, czyli ognisko metafory, powoduje poszerzenie znaczenia słowa ogniskującego poprzez „ramę”. Słowo będące przedmiotem metafory nie zmieniło swojego znaczenia w „systemie ogólnie przyjętych skojarzeń” (1, s. 165), a jedynie rozszerzyło swoje znaczenie.

Spróbujmy to wyjaśnić: czytelnikowi od razu przychodzi na myśl „analogia”, jednak bliższe przyjrzenie się metaforze pokazuje, że sama analogia nie wystarczy: zmiana znaczenia następuje poprzez warunkowanie kontekstowe w szerokim tego słowa znaczeniu "kontekst". Wynika z tego, że mówiąc o metaforycznym wyrażeniu „serce pęka”, musimy wziąć pod uwagę resztę „otoczenia” – czyli cały tytuł spektaklu „Dom złamanych serc”.

W obronie podanej właśnie rozszerzonej wersji metafory można przytoczyć następującą wypowiedź E. McCormacka: „Metafora w całym swym pięknie może być zrealizowana jedynie poprzez rozszerzony korelat” (34 s. 88). W naszym przypadku korelat wyraża się terminem „rama”. Cały manifest estetyczny B. Shawa można podsumować w następujących słowach: „Ekspresja wypowiedzi jest alfą i omegą stylu”. Styl dla Shawa to przede wszystkim myśl pochłaniająca życie, przywracająca mu realistyczne obrazy, oddziałujące na ludzką świadomość.

To przejście do problematyki obrazowości i stylu nie jest w naszej twórczości na ogół przypadkowe. Obraz jest źródłem podstawowych pojęć semiotycznych, którego strukturę tworzy oddziaływanie zasadniczo odmiennych planów – płaszczyzny wyrazu i płaszczyzny treści. Metaforę bardzo często definiuje się poprzez odwołanie do obrazu tworzonego przez figuratywne znaczenie jednostek językowych. Obraz ten, w wąskim znaczeniu, służy jako moment kompozycyjny przy tworzeniu obrazu bohatera literackiego, postaci, a czasem – jak w naszym przypadku – symbolu artystycznego. Obraz domu, w którym łamią się serca zarówno młodych, jak i bardziej dojrzałych ludzi, stworzył B. Shaw nie bez pomocy metaforycznego przekazu, który posłużył jako „narzędzie” obrazowości i symboliki wraz z innymi tropami. Jako dowód weźmy linie N.I. Isachkina: „Symbolika Shawa jest dwoista – często nie tylko pozwala na utrwalenie w formie figuratywnej szerokich uogólnień społecznych, ale także maskuje sprzeczności i dezorientację dramaturga” (18, s. 53). Dalsze N.I. Isachkina w swojej pracy badawczej nad twórczością B. Shawa komentuje użycie pojęcia „złamane serce”. Mówi, że nabiera to szczególnego znaczenia w kontekście całego spektaklu. Shaw traktuje temat „złamanego serca” na dwóch poziomach: na poziomie codziennym, gdy przyczyną „złamanego serca” jest nieudana miłość, oraz na poziomie filozoficznym, gdy jego przyczyną okazuje się historyczna ponadczasowość.

Podsumowując wszystkie podane wcześniej stwierdzenia, możemy narysować następujący obraz: koncepcja „Dom złamanych serc” ma charakter metaforyczny ze względu na figuratywne, przenośne znaczenie pojęcia „serce”, które służy jako punkt centralny i przy pewnym rozszerzeniu kontekstowym , nabiera takiego znaczenia, które z jednej strony jest zdeterminowane rozwojem spektaklu, którego nazwa jest omawianą metaforą, a z drugiej strony ujawnia figuratywne, w pewnym stopniu nawet filozoficzne, pojęcie „ Dom” w znaczeniu rozszerzonym.

Jedną z najważniejszych części dzieła literackiego jest jego tytuł lub tytuł. Ta część jest najważniejsza, bo to właśnie tytuł pozwala czytelnikowi jasno zrozumieć, o czym będzie dana praca, lub po przeczytaniu czytelnik może zrozumieć, jaki temat autor chciał czytelnikowi przekazać. Bardzo często tytuł dzieła wyjaśnia czytelnikowi temat, który autor próbował mu przekazać, ponieważ zazwyczaj pisarze przywiązują do tytułu swojego dzieła znacznie więcej znaczenia niż tylko cel, jakim jest nazwanie swojego dzieła literackiego. Doskonałym przykładem są dzieła Bunina i Kuprina, w których autorzy ci już wiele mówią za pomocą tytułu.

Autorzy ci w swoich pracach zawsze starali się osiągnąć zrozumienie przez czytelnika, zrozumienie jego myśli i idei, które tak bardzo starają się przekazać swoim czytelnikom. Bardzo często tematem takich prac są ci sami ludzie, w ich najprostszej, codziennej formie, w jakiej ukazują się nam na co dzień. Autorzy bardzo często poruszali tematykę ludzkiego charakteru i jego interakcji w społeczeństwie ludzkim. W ten sposób autorzy starali się przekazać czytelnikowi pogląd, że w naszym społeczeństwie bardzo często pojawiają się problemy, których przyczyną są właśnie ludzkie charaktery, z powodu których powstają konflikty.

Ponadto bardzo często autorzy poruszają tematy wzniosłego, a nie przyziemnego, codziennego myślenia, które jest nieodłączne dla większości ludzi. Autorzy myślą o rzeczach, które są podstawowymi koncepcjami całego ludzkiego życia. Do takich tematów zaliczają się zazwyczaj tematy życia i śmierci, skończoności życia i tego, co czeka człowieka po śmierci. Mówili, że na pewno coś się wydarzy, że nie wszystko pójdzie na marne. Bardzo często tytuły ich dzieł przedstawiają odwrócony, metaforycznie przerobiony temat, który autor tak naprawdę porusza w swojej twórczości; przykładem jest ten sam tytuł dzieła Bunina „Ciemne zaułki”. W tej pracy autorka przedstawia ideę ludzkiej chciwości, najgorsze aspekty ludzkiego charakteru, wszystkie te mroczne rzeczy, które niestety bardzo często pojawiają się w ludzkim świecie.

Widzimy zatem, że Bunin i Kuprin napisali swoje dzieła pod bardzo metaforycznymi tytułami.

`

Popularne pisma

• Esej Piękno (Czym jest piękno)

  Piękno to pojęcie abstrakcyjne. Dla niektórych coś będzie piękne, ale dla innych będzie odwrotnie. Jednak każdy z nas potrafi dostrzec piękno w oczach sąsiada, w wiejącym wietrze, w padających zimą płatkach śniegu czy ogólnie w przyrodzie.

• Esej na temat obrazu Portret Arsenyevy pędzla Borovikovsky'ego (opis dla klas 5, 9)

  Portret przedstawia młodą dziewczynę w wieku około siedemnastu lat. Ma słodką twarz, śnieżnobiałą skórę i różowe policzki. Piękne kręcone włosy, pucołowate policzki i przenikliwe oczy

• Esej Wizerunki kobiet w powieści Cichy Don (Rola wizerunków kobiet)

  Wspaniały pisarz, który napisał najsłynniejsze i najwspanialsze dzieła wszech czasów – Michaił Szołochow. Dzięki powieści zyskał szeroką sławę i popularność

Podręcznik zawiera najpopularniejsze eseje na temat twórczości wielkich pisarzy i poetów XX wieku. Ta książka pomoże Ci szybko zapoznać się z twórczością A. P. Czechowa, I. Bunina, M. Gorkiego, A. Bloka, W. Majakowskiego, A. Achmatowej, M. Tswietajewy, S. Jesienina i innych geniuszy literatury rosyjskiej, jak a także będzie nieocenioną pomocą w przygotowaniu do egzaminów. Niniejsza instrukcja przeznaczona jest dla uczniów i studentów.

10. Rola metafory w prozie I. Bunina

Cechą szczególną prozy I. Bunina jest jej liryzm. Opowieści pisarza sprawiają wrażenie pewnej poezji, poczucia białego wiersza. Dlatego metafora jest używana przez I. Bunina jako jedna z głównych metod wyrażania głównej myśli, idei, emocji dzieła.

Jest to szczególnie wyraźnie odczuwalne w opowieściach, w których głównym przedmiotem obrazu jest „dramat miłosny”. Często za pomocą jednego metaforycznego obrazu I. Bunin tworzy całą historię.

Weźmy na przykład opowiadanie „Udar słoneczny” z 1925 roku. Już w tytule tej pracy zawarty jest obraz metaforyczny. Chociaż nie czytaliśmy jeszcze tej historii, możemy dostrzec to wyrażenie w jego dosłownym znaczeniu: konsekwencje przebywania osoby pod słońcem. Jednak w kontekście mamy do czynienia z przenośnym, metaforycznym znaczeniem tego wyrażenia. Bohaterka, usprawiedliwiając swoje namiętne pożądanie i swoje działanie, żegna się: „Oboje dostaliśmy coś w rodzaju udaru słonecznego…”

Temat „słońca” staje się motywem przewodnim opowieści. To właśnie z tym obrazem autorka kojarzy miłość i pasję!

Uczucie pomiędzy bohaterami rodzi się na statku, a może wcześniej, w jadalni? „Po kolacji opuściliśmy jasno i gorąco oświetloną jadalnię na tarasie...” Używając metafory „gorąco oświetlonej jadalni” tworzymy wrażenie naturalności „światła elektrycznego”. Ta naturalność powstaje wraz z rodzącym się w bohaterach uczuciem. Potem następuje stopniowy wzrost „wzajemnych pragnień”, rozpala się ogień miłości i już czujemy „zapach dymu”. Bohater też to czuje: „Porucznik wziął ją za rękę i przyłożył do ust. Dłoń, mała i silna, pachniała opalenizną. Rozwój uczuć miłosnych i namiętności pomiędzy bohaterami osiąga swoją kulminację już na brzegu. A raczej w hotelu: „Weszliśmy do dużego, ale strasznie dusznego pokoju, w dzień mocno nagrzanego słońcem…” I znowu metaforyczny obraz ognia, ogniska, ognia, w którym zrodziło się uczucie tak szybko się wypali! Dalsze istnienie bohatera bez swojej „ukochanej” pozbawione jest obecności słońca. Wraz z bohaterką miłość i światło opuszczają życie bohatera, choć nadal cierpi on psychicznie. Zakończenie tej historii oznacza „finał” nagle powstającego uczucia: „Ciemny letni świt odszedł daleko przed siebie, ponury, senny i wielobarwny, odbijający się w rzece”.

Miłość Bunina nie trwa długo - w rodzinie, w małżeństwie, w życiu codziennym. Zasadniczo jest to krótki, olśniewający błysk, który rozświetla dusze kochanków aż do dna. Niemniej jednak w tych szczęśliwych chwilach, dla których warto żyć i znosić wszelkie cierpienie, kryje się słodycz ludzkiego życia. Zatem gorycz i słodycz, zdaniem Bunina, są ze sobą ściśle powiązane: aby poczuć słodycz życia, należy wypić do dna kielich jego goryczy...

Możemy zatem stwierdzić, że historia „Udar słoneczny” jest w całości zbudowana na metaforycznych obrazach następujących serii: „miłość-ogień”, „miłość-światło”, „miłość-ognisko”. Z podobnymi metaforycznymi obrazami spotkamy się nie raz w cyklu opowiadań „Mroczne zaułki”. Warto zauważyć, że taki metaforyczny obraz miłości można nazwać stabilnym w literaturze rosyjskiej, zarówno klasycznej, jak i współczesnej.

Temat znaczenia metafory w twórczości I. Bunina (proza) wymaga oczywiście szerszego rozważenia, ale skupiłem się na konkretnym przykładzie - opowiadaniu „Udar słoneczny”, aby zwrócić bardziej szczegółową uwagę na rozwój metafory i obrazu metaforycznego w twórczości I. Bunina.

* * *

Podany fragment wprowadzający książki Zajmuje się literaturą rosyjską XX wieku. (A. G. Lukhminskaya, 2009) dostarczone przez naszego partnera książkowego -

Na powierzchni fabuły jest opowieść o Niej i Nim. Ale wyraźnie semantyczny ładunek dzieła wykracza daleko poza romantyzm.

Poruszony został temat duszy i tragizmu wyborów życiowych.

Czas rozwoju działki to okres przed Wielkim Postem, Maslenitsa. Ale to nie tylko rzeczywistość, to symbol „dwoistości”, niekonsekwencji: na styku półpogańskiej Maslenicy, która przetrwała w kulturze rosyjskiej, i prawosławnego ścisłego postu osoby, nosiciela mentalności, w której mieszają się Wschód i Zachód, ujawnia się naturalna niespójność natury, co prowadzi do tragedii.

Złożony, niejednoznaczny, „podwójny”, sprzeczny charakter głównego bohatera podkreślają szczegóły. Ze względu na jej luksusową urodę, w duchu orientalnym, nazywają ją: „Dziewicą Car, Królową Szamakhan”, ale jednocześnie świadomie wybrała mieszkanie w domu naprzeciwko Katedry Chrystusa Zbawiciela. Jednak we wnętrzach pomieszczeń zamiast ikony centralne miejsce zajmuje wizerunek bosego Lwa Tołstoja. Subtelności wyglądu i scenerii zdają się przygotowywać czytelnika do zrozumienia jej wewnętrznego świata, jej osobowości, w której współistnieją „Moskwa, Astrachań, Persja, Indie”.

Bunin subtelnie sugeruje, że w duszy Rosjanina na ogół współistnieją sprzeczne zasady, połączenie Wschodu i Zachodu. Nie bez powodu pisze się o stolicy, głowie państwa, Moskwie: „Dziwne miasto…Św. Bazylego i Zbawiciela na Borze, włoskie katedry – i coś kirgiskiego na czubkach wież mury Kremla…”

Bohaterka zaskakująco współistniała ze sobą sprzeczne uczucia: światowe i wzniosłe, umiejętność radowania się ziemskimi i duchowymi radościami („...zjadała dziennie całe pudełko czekoladek, na obiady i kolacje... uwielbiała placki z zupą rybną miętusa, cietrzew różowy w smażonej na głębokim tłuszczu śmietanie, czasami mówiła: „Nie, rozumiem, jak ludziom nie będzie się to znudziło, jedząc codziennie lunch i kolację”, ale ona sama jadła lunch i kolację z moskiewskim zrozumieniem jej oczywistą słabością były tylko dobre ubrania, aksamit, jedwab, drogie futra...”), ale jednocześnie jest otwarta na świat twórczości, bo inaczej niż miłość do Gribojedowa , czy potrafi wyjaśnić chęć odnalezienia jego domu w Moskwie lub wizyty na grobie Czechowa Pada dwuznaczne zdanie: „Co za obrzydliwa mieszanka zielonego stylu rosyjskiego i Teatru Artystycznego!”, Odnosząc się albo do pomnika pisarza, albo do swojej pracy...

Ona z jednej strony może podziwiać straszliwe piękno moralne: „Rus PrzedPiotrowa”! Arcybiskup został pochowany. I wyobraźcie sobie: trumna to kłoda dębowa, ponieważ w czasach starożytnych złoty brokat wydaje się być kuty, twarz zmarłego pokryta jest białym „powietrzem”, naszytym dużym czarnym napisem – piękno i groza”, ale w jednocześnie przyciąga ją jasny śpiew kościelny. Ważą Klasztor Marfo-Mariinski, Nowodziewiczy i Klasztor Poczęcia, ale jednocześnie udaje się „na lunch do Pragi, do Ermitażu, do Metropolu, po obiedzie do teatrów, na koncerty, a potem do Jaru, aby „Strelna”.

Przed nami młoda, zdrowa, rozwinięta osobowość, oczywiście o wieloaspektowym, złożonym charakterze i wewnętrznym świecie, w którym walczą sprzeczne uczucia. Jak to jest charakterystyczne dla naszej mentalności... A na styku zimy i wiosny, pogaństwa i prawosławia, zostaje wyprzedzona przez jedną z najtrudniejszych prób w życiu, próbę miłości.
Kluczowym momentem dla zrozumienia rozwiązania fabuły jest moim zdaniem rozmowa bohaterów podczas kolacji w przeddzień pamiętnego dnia, a ona rozpoczyna dziwną rozmowę, jakby cytując przy okazji rosyjską kronikę legendę o Muromie. książę Paweł i jego pobożna żona, w których kryje się motyw pokusy i wybawienia. Historia pary książęcej stała się symbolem miłości i wierności. Dlaczego nagle poruszono ten temat i jaką odpowiedź chciała w odpowiedzi usłyszeć? Zakochany bohater, słuchając jej opowieści o wężu, odpowiada:
„Żartobliwie zrobiłem przerażające oczy:
- Och, co za horror!
Jestem pewien, że z punktu widzenia bohaterki ta historia o wężu i wiecznej wierności została opowiedziana świadomie; być może chciała w odpowiedzi usłyszeć od niego słowa, które utwierdziłyby ją w myśli o jego zdrowym, poważnym podejściu do ich uczuć i gotowość do prób, do uczuć wysokościowych. Ale w odpowiedzi, niestety, otrzymuje tylko zabawną, humorystyczną odpowiedź.
Dlaczego bohater zareagował w ten sposób?
Czy to naprawdę niepoważne podejście do niej? Myślę, że był po prostu zakochany, tak zakochany, że nie miało już dla niego znaczenia to, co mu powiedziała, każdą informację odbierał jako coś znajomego, naturalnego, znajomego, liczyło się dla niego tylko to, że ona była z nim i to było szczęście: „A jutro i pojutrze wszystko będzie takie samo, pomyślałem, wciąż ta sama męka i to samo szczęście... No cóż, jeszcze szczęście, wielkie szczęście!
Ale, niestety, zrozumienie szczęścia przez bohaterów okazało się zbyt odmienne...
Muzyka „Sonaty księżycowej” Beethovena, symbol żywiołów, namiętności, niepokoju, buntu, przeczucia, budzi w jej duszy wszystko, co ukryte, podświadome, dotyka bolesnych punktów... W rezultacie dusza sprzeczna, w której mroczna i lekka, ziemska i wzniosła zmagana, wybiera dla siebie trudną drogę oczyszczenia i ucieczki od próżności.

Być może była to dla bohaterki słuszna decyzja... Rozumie, że interesują ją sfery wielokierunkowe, jednak nie potrafi oddzielić ziaren od plew, dlatego w szeroko rozumianym chrześcijańskim sensie znajduje się w próżności marności, na ścieżce nie stworzenia, ale zamętu i dokąd ta droga może prowadzić... Rozumie, że nie może uszczęśliwić kochanka.

Ale jakże boleśnie czasami te „właściwe decyzje” uderzają w tych, którzy obnażają duszę, składając swoją miłość na ołtarzu… Uważam, że w finale Bunin jasno wyraził swoją opinię na temat duszy Rosjanina, jeśli istnieje wybór pomiędzy uczucia i świętość, jakby nie bardzo lubił Rosjan, według Bunina zawsze wybierze Boga.

Kuprin zawsze na pierwszym miejscu stawia uczucia drugiej osoby. „Człowiek przyszedł na świat dla ogromnej wolności kreatywności i szczęścia” -

te słowa z eseju Kuprina można potraktować jako motto do całości

kreatywność.

Wielki miłośnik życia, wierzył, że życie będzie lepsze i marzył

że nadejdzie czas, kiedy wszyscy ludzie będą szczęśliwi.

bransoletka” to cudowna opowieść o nieodwzajemnionej wielkiej miłości, miłości,

„co powtarza się tylko raz na tysiąc lat”.

W opowiadaniu „Bransoletka z granatów” Kuprin tworzy kilka

obrazy symboliczne, na których budowany jest fundament narracji i

które niosą w sobie cały ideologiczny sens tej historii.

„W połowie sierpnia, przed narodzinami nowego miesiąca, nagle

obrzydliwa pogoda, tak typowa na północnym wybrzeżu

Morze Czarne” – początek historii można nazwać pierwszym symbolem. Opis

pochmurno, wilgotno, ogólnie bardzo zła pogoda, a potem nagle

zmiana na lepsze robi ogromną różnicę.

Jeśli pod „młody”

miesiąc”, aby zrozumieć główną bohaterkę historii Vera Nikolaevna Sheina, żona

przywódca szlachty i pod wpływem pogody przez całe życie okazuje się szary,

ale bardzo realny obraz. „Ale na początku września pogoda nagle się pogorszyła

zmieniło się zupełnie nieoczekiwanie. Natychmiast nadeszły ciche, bezchmurne dni,

tak jasno, słonecznie i ciepło, jakich nie było nawet w lipcu.” Gdzie to jest

zmianą jest ta wzniosła i śmiertelna miłość, o której tu mowa

mowa w opowiadaniu.

Następny symbol powinien nazywać się Księżniczka Vera Nikołajewna. Kuprina

opisuje ją jako niezależną, królewską spokojną, zimną

uroda: „...Vera wzorowała się na swojej matce, pięknej Angielce, wysokiej, giętkiej

figura, twarz łagodna, ale zimna, piękna, choć raczej

wielkie ręce, jak na starożytnych miniaturach.” Vera

Nikołajewna, szlachetna, niesamowita kobieta, symbolizuje osobę

godnych prawdziwej, „świętej” miłości.

Kuprin przywiązuje dużą wagę do „grubego, wysokiego, srebrnego”.

starszy” – generał Anosow. To on otrzymał zadanie zmuszenia Very

Nikołajewna reaguje na miłość tajemniczego G.S.Zh.

poważniej.

Swoimi myślami o miłości generał pomaga swojej wnuczce

Mogłam spojrzeć na swoje życie z Wasilijem z różnych punktów widzenia

Lwowicz.

Jest właścicielem proroczych słów: „…może i twoje

drogę życia, Verochkę, przecięła właśnie taka miłość

kobiety marzą, a do czego mężczyźni nie są już zdolni.” Generał

Anosow symbolizuje mądre starsze pokolenie. Powierzone mu przez autora

wyciągnąć bardzo ważny wniosek, który ma ogromne znaczenie w tej historii:

przekazuje swoje zaufanie Wierze Nikołajewnej.

Powodem szybkiego zakończenia historii, która trwała ponad osiem lat, był prezent na dziś

narodziny Wiery Nikołajewnej. Rolą tego prezentu była

nowy symbol tej samej miłości, w którą wierzył generał Anosow i w którą wierzył

o czym marzy każda kobieta - bransoletka z granatami.

Jest cenny dla Żełtkowa

bo nosiła go jego „zmarła matka”, dodatkowo zabytkowa bransoletka

ma swoją historię: według rodzinnej legendy ma zdolność obdarowywania się prezentem

przewidywalność dla kobiet, które go noszą i chroni przed gwałtowną śmiercią... I

Vera Nikolaevna właściwie nieoczekiwanie przewiduje: „Wiem to

ten człowiek się zabije.” Kuprin porównuje pięć granatów bransoletki z „pięcioma”.

szkarłatne, krwawe światła” i księżniczka z niepokojem patrząca na bransoletkę

woła: „Dokładnie krew!” Miłość, którą symbolizuje bransoletka, nią nie jest

podlega jakimkolwiek przepisom prawa i regulacjom. Ona może sprzeciwić się każdemu

podstawy społeczeństwa: Zheltkov to tylko biedny mały urzędnik, a Vera

Nikołajewna jest księżniczką. Ale ta okoliczność mu nie przeszkadza, nadal ją kocha,

zdając sobie tylko sprawę, że nic, nawet śmierć, nie uczyni go pięknym

uczucie: „...Twój przed śmiercią i po śmierci, Twój pokorny sługa”.

Niestety,

Vera Nikolaevna zbyt późno zrozumiała znaczenie bransoletki.

Jest pokonana

Lęk. „I wszystkie jej myśli były przykute do tego nieznanego mężczyzny,

którego nigdy nie widziała i raczej nie zobaczy, do tego zabawnego „Pe Pe Zhe”.

Księżniczka raz po raz wspomina słowa generała Anosowa i jest dręczona

najtrudniejsze dla niej pytanie: co to było: miłość czy szaleństwo?

Ostatni list Żełtkowa stawia wszystko na swoim miejscu. On kocha. Kocha

beznadziejny, namiętny i do końca w swojej miłości.

Akceptuje swoje

uczucie jako dar od Boga, jako wielkie szczęście: „To nie moja wina, Wiera Nikołajewna, co do Boga

Z przyjemnością przysłałeś mi, jako wielkie szczęście, miłość do ciebie.” I nie

przeklina los, ale odchodzi z tego życia, odchodzi z wielką miłością w sercu,

Książki można czytać na różne sposoby. Przebiegając wzrokiem po literach, składając to, co jest zapisane na papierze, w jedną całość. Albo idź dalej: po zrozumieniu tego, co powiedział pisarz, połączeniu swojej erudycji, wiedzy o życiu, świecie, pojawia się analityczne podejście do tekstu. Analizowanie, próba zrozumienia niedopowiedzeń, skupienie się na wrażeniach czytelnika, czy też przypomnienie sobie, jak żył autor, jakie poglądy miał w momencie tworzenia dzieła, w celu dokładniejszej interpretacji. Można też szczegółowo rozważyć obecne w tekście odniesienia do innych dzieł, ciągi wyrazowe, epitety i metafory, za którymi niewątpliwie kryje się wyrażony w słowach autorski światopogląd i postrzeganie rzeczywistości. To dobrze znane kierunki, „sposoby” analizy tekstu literackiego.