Zanim na lekcji muzyki omówię gatunek opery i sposoby pracy z nią, chciałbym podać definicję, czym jest opera.

„Opera i tylko opera przybliża ludzi, sprawia, że ​​wasza muzyka odnosi się do realnej publiczności, czyni was własnością nie tylko poszczególnych środowisk, ale – przy sprzyjających warunkach – całego narodu”. Te słowa należą do Piotra Iljicza Czajkowskiego, wielkiego rosyjskiego kompozytora.

Jest to utwór muzyczno-dramatyczny (często zawierający sceny baletowe), przeznaczony do przedstawienia scenicznego, którego tekst jest śpiewany w całości lub w części, zwykle z towarzyszeniem orkiestry. Opera powstaje na podstawie konkretnego tekstu literackiego. Siła wyrazu muzyki nieskończenie wzmacnia siłę oddziaływania dzieła dramatycznego i gry operowej. I odwrotnie: muzyka w operze nabiera niezwykłej specyfiki i obrazowości.

Chęć wzmocnienia oddziaływania dzieła teatralnego za pomocą muzyki zrodziła się już w bardzo odległych czasach, u zarania istnienia sztuki dramatycznej. Na świeżym powietrzu, u podnóża góry, której zbocza, przetworzone w formie schodów, służyły jako miejsca dla widzów, w starożytnej Grecji odbywały się uroczyste przedstawienia. Aktorzy w maskach, w specjalnych butach zwiększających ich wzrost, recytując śpiewnym głosem, odgrywali tragedie, które gloryfikowały siłę ludzkiego ducha. Powstałe w tych odległych czasach tragedie Ajschylosa, Sofoklesa i Eurypidesa do dziś nie straciły na artystycznym znaczeniu. W średniowieczu znane były także dzieła teatralne z muzyką. Ale wszyscy ci „przodkowie” współczesnej opery różnili się od niej tym, że śpiewali na przemian ze zwykłym językiem mówionym, podczas gdy charakterystyczną cechą opery jest to, że zawarty w niej tekst jest śpiewany od początku do końca.

Opera w naszym współczesnym rozumieniu powstała na przełomie XVI i XVIII wieku we Włoszech. Twórcami tego nowego gatunku byli poeci i muzycy, którzy podziwiali sztukę starożytną i starali się wskrzesić starożytną tragedię grecką. Choć w swoich muzycznych i scenicznych eksperymentach sięgali po wątki zaczerpnięte z mitologii starożytnej Grecji, nie wskrzesili tragedii, lecz stworzyli zupełnie nową formę sztuki – operę.

Opera szybko zyskała popularność i rozprzestrzeniła się po wszystkich krajach. W każdym kraju nabrał on szczególnego charakteru narodowego, co znalazło odzwierciedlenie w doborze tematów (często z historii danego kraju, jego opowieści i legend) oraz w charakterze muzyki. Opera szybko podbiła największe miasta Włoch (Rzym, Paryż, Wenecja, Florencja).

Opera i jej komponenty

W jaki sposób muzyka w operze musi wzmacniać artystyczny wpływ dramatu? Aby odpowiedzieć na to pytanie, zapoznajmy się z głównymi elementami tworzącymi operę.

Jedną z głównych części opery jest aria. Znaczenie tego słowa jest bliskie „pieśni”, „pieśni”. Rzeczywiście, arie z pierwszych oper były zbliżone formą (głównie zwrotki) i charakterem melodii do pieśni, a w operze klasycznej znajdziemy wiele arii-pieśni (pieśń Wanii u Iwana Susanina, pieśń Marfy w Chowanszczinie).

Zwykle jednak aria ma bardziej złożoną formę niż piosenka i to decyduje o jej przeznaczeniu w operze. Aria, podobnie jak monolog w dramacie, jest cechą charakterystyczną konkretnego bohatera. Cecha ta może mieć charakter ogólny – rodzaj „muzycznego portretu” bohatera – lub wiązać się z pewnymi, specyficznymi okolicznościami akcji dzieła.

Ale akcji opery nie da się oddać jedynie poprzez naprzemiennie ukończone arie, tak jak akcja dramatu nie może składać się wyłącznie z monologów. W tych momentach opery, w których bohaterowie rzeczywiście grają – w żywej komunikacji ze sobą, w rozmowie, w kłótni, w starciu – nie jest potrzebna taka kompletność formy, jaka przydaje się w arii. Spowolniłoby to rozwój działań. Takie momenty zwykle nie mają pełnej kompozycji muzycznej; poszczególne frazy bohaterów przeplatają się z okrzykami chóru i epizodami orkiestrowymi.

Powszechnie stosowany jest recytatyw, czyli śpiew deklamacyjny.

Wielu rosyjskich kompozytorów przywiązywało dużą wagę do recytatywu, zwłaszcza A.S. Dargomyżski i M.P. Musorgskiego. Dążąc do realizmu w muzyce, do jak największej prawdziwości cech muzycznych, główne środki do osiągnięcia tego celu upatrywali w muzycznym tłumaczeniu intonacji mowy najbardziej charakterystycznych dla danej postaci.

Integralną częścią są także zespoły operowe. Zespoły mogą być bardzo zróżnicowane pod względem liczebności: od dwóch głosów do dziesięciu. W tym przypadku zespół zazwyczaj łączy głosy pod względem skali i barwy. Poprzez zespół przekazuje się jedno uczucie, obejmujące kilka postaci; w tym przypadku poszczególne części zespołu nie są sobie przeciwstawne, lecz zdają się uzupełniać, a często mają podobny schemat melodyczny. Ale często zespół łączy muzyczne cechy bohaterów, których uczucia są różne i przeciwne.

Orkiestra symfoniczna jest integralną częścią spektaklu operowego. Nie tylko akompaniuje partiom wokalnym i chóralnym, ale nie tylko „maluje” muzyczne portrety czy pejzaże. Używając własnych środków wyrazu, uczestniczy w konstruowaniu elementów spektaklu „na początku” akcji, falach jej rozwoju, kulminacji i rozwiązaniu. Oznacza także strony dramatycznego konfliktu. Możliwości orkiestry realizują się w przedstawieniu operowym wyłącznie poprzez postać dyrygenta. Oprócz koordynowania zespołu muzycznego i uczestniczenia wraz ze śpiewakami-aktorami w tworzeniu postaci, dyrygent kontroluje całą akcję sceniczną, gdyż w jego rękach leży tempo-rytm przedstawienia.

W ten sposób wszystkie elementy opery łączą się w jeden. Pracuje nad nim dyrygent, soliści chóru uczą się swoich partii, reżyser inscenizuje, a artyści malują scenografię. Dopiero w wyniku wspólnej pracy tych wszystkich ludzi powstaje przedstawienie operowe.

Opera to wokalno-teatralny gatunek muzyki klasycznej. Od klasycznego teatru dramatycznego różni się tym, że aktorzy, którzy również występują w scenerii i w kostiumach, podczas akcji nie mówią, lecz śpiewają. Akcja oparta jest na tekście zwanym libretto, stworzonym na podstawie dzieła literackiego lub specjalnie na potrzeby opery.

Włochy były kolebką gatunku opery. Pierwsze przedstawienie zorganizował w 1600 roku władca Florencji Medyceuszy na ślubie swojej córki z królem Francji.

Istnieje wiele odmian tego gatunku. Poważna opera pojawiła się w XVII i XVIII wieku. Jego osobliwością było odwołanie się do przedmiotów z historii i mitologii. Fabuła takich utworów była zdecydowanie bogata w emocje i patos, arie były długie, a sceneria bujna.

W XVIII wieku publiczność zaczęła męczyć się nadmiernym pompatycznością i pojawił się gatunek alternatywny – lżejsza opera komiczna. Charakteryzuje się mniejszą liczbą zaangażowanych aktorów i „niepoważnymi” technikami stosowanymi w ariach.

Pod koniec tego samego stulecia narodziła się opera półpoważna, która ma charakter mieszany pomiędzy gatunkami poważnymi i komicznym. Dzieła pisane w tym duchu zawsze kończą się happy endem, jednak sama fabuła jest tragiczna i poważna.

W odróżnieniu od poprzednich odmian, które pojawiły się we Włoszech, tak zwana wielka opera narodziła się we Francji w latach 30. XIX wieku. Dzieła tego gatunku poświęcone były głównie tematyce historycznej. Ponadto charakteryzował się budową 5 aktów, z których jeden był tańcem, oraz dużą ilością scenografii.

Balet operowy pojawił się w tym samym kraju na przełomie XVII i XVIII wieku na francuskim dworze królewskim. Spektakle z tego gatunku wyróżniają się niespójną fabułą i barwną inscenizacją.

Francja to także kolebka operetki. Proste w znaczeniu, zabawne w treści, dzieła z muzyką rozrywkową i niewielką obsadą aktorską zaczęto wystawiać już w XIX wieku.

Opera romantyczna powstała w Niemczech w tym samym stuleciu. Główną cechą charakterystyczną tego gatunku są wątki romantyczne.

Do najpopularniejszych oper naszych czasów należą „Traviata” Giuseppe Verdiego, „Cyganeria” Giacomo Pucciniego, „Carmen” Georges’a Bizeta, a wśród oper krajowych „Eugeniusz Oniegin” P.I. Czajkowski.

Opcja 2

Opera to forma sztuki łącząca muzykę, śpiew, występy i umiejętne aktorstwo. Ponadto opera wykorzystuje dekoracje do dekoracji sceny, aby przekazać widzowi atmosferę, w której toczy się akcja.

Również dla duchowego zrozumienia odgrywanej sceny przez widza, główną bohaterką jest śpiewająca aktorka, której pomaga orkiestra dęta prowadzona przez dyrygenta. Ten rodzaj twórczości jest bardzo głęboki i wieloaspektowy; po raz pierwszy pojawił się we Włoszech.

Opera przeszła wiele zmian, zanim dotarła do nas w tej formie; w niektórych utworach były momenty, że śpiewał, pisał wiersze i nie mógł nic zrobić bez śpiewaka, który dyktował mu warunki.

Potem przyszedł moment, kiedy tekstu w ogóle nie słuchano, wszyscy widzowie patrzyli tylko na śpiewającego aktora i jego piękne stroje. I w trzecim etapie otrzymaliśmy rodzaj opery, do której jesteśmy przyzwyczajeni oglądać i słuchać we współczesnym świecie.

I dopiero teraz zidentyfikowano główne priorytety tej akcji; na pierwszym miejscu jest muzyka, potem aria aktora, a dopiero potem tekst. Przecież za pomocą arii opowiadana jest historia bohaterów spektaklu. W związku z tym główna aria aktorów jest tym samym, co monolog w dramacie.

Ale podczas arii słyszymy także muzykę korespondującą z tym monologiem, która pozwala nam jeszcze pełniej przeżyć całą akcję rozgrywającą się na scenie. Oprócz takich akcji są też opery w całości zbudowane na głośnych i emocjonalnych wypowiedziach, połączonych z muzyką. Taki monolog nazywa się recytatywem.

Oprócz arii i recytatywu w operze występuje chór, za pomocą którego przekazywanych jest wiele aktywnych wersów. W operze jest też orkiestra, bez niej opera nie byłaby tym, czym jest teraz.

Przecież dzięki orkiestrze rozbrzmiewa odpowiednia muzyka, która tworzy dodatkową atmosferę i pomaga wydobyć pełny sens spektaklu. Ta forma sztuki powstała pod koniec XVI wieku. Początki opery sięgają Włoch, miasta Florencja, gdzie po raz pierwszy wystawiono starożytny mit grecki.

Opera od początku swego istnienia opierała się głównie na tematyce mitologicznej, obecnie jej repertuar jest bardzo szeroki i różnorodny. W XIX wieku sztuki tej zaczęto uczyć w szkołach specjalnych. Dzięki temu szkoleniu świat zobaczył wielu znanych ludzi.

Opery powstają na podstawie różnorodnych dramatów, powieści, opowiadań i sztuk teatralnych zaczerpniętych z literatury całego świata. Po napisaniu scenariusza muzycznego uczy się go dyrygent, orkiestra i chór. A aktorzy uczą się tekstu, potem przygotowują scenografię i prowadzą próby.

I po pracy tych wszystkich ludzi rodzi się spektakl operowy do oglądania, na który przychodzi wiele osób.

• Wasilij Żukowski – raport wiadomości

  Wasilij Andriejewicz Żukowski, jeden ze słynnych poetów XVIII wieku w kierunkach sentymentalizmu i romantyzmu, które były wówczas dość popularne.

  Obecnie problem zachowania ekologii naszej planety jest szczególnie dotkliwy. Postęp technologiczny, wzrost liczby ludności Ziemi, ciągłe wojny i rewolucja przemysłowa, przemiany przyrody i nieubłagana ekspansja ekumeny

Tannhäuser: Drodzy PCcie, nie przejmujcie się nadmiarem postów w ostatnich dniach... Już niedługo będziecie mieli wspaniałą okazję, żeby od nich odpocząć...) Przez trzy tygodnie... Dziś zamieściłem tę stronę. o operze w Dzienniku jest tekst i zdjęcia w powiększeniu... Pozostaje wybrać kilka filmów z fragmentami opery. Mam nadzieję, że wszystko się spodoba. Na tym oczywiście rozmowa o operze się nie kończy sama liczba wspaniałych dzieł jest ograniczona...)

To ciekawe przedstawienie sceniczne, którego specyficzna fabuła rozwija się w rytm muzyki. Nie można niedocenić ogromnego dzieła kompozytora, który napisał tę operę. Ale nie mniej ważne są umiejętności wykonawcze, które pomagają przekazać główną ideę dzieła, zainspirować publiczność i wprowadzić muzykę do serc ludzi.

Są nazwiska, które stały się integralną częścią spektaklu operowego. Potężny bas Fiodora Chaliapina na zawsze zapadł w serca fanów śpiewu operowego. Luciano Pavarotti, który kiedyś marzył o zostaniu piłkarzem, stał się prawdziwą gwiazdą sceny operowej. Enrico Caruso od dzieciństwa wmawiano mu, że nie ma słuchu ani głosu. Dopóki piosenkarz nie zasłynął swoim wyjątkowym bel canto.

Fabuła opery

Może opierać się na fakcie historycznym lub mitologii, baśni lub utworze dramatycznym. Aby zrozumieć, o czym usłyszycie w operze, tworzony jest tekst libretta. Aby jednak zapoznać się z operą, nie wystarczy libretto: wszak treść przekazywana jest poprzez obrazy artystyczne za pomocą muzycznych środków wyrazu. Specjalny rytm, jasna i oryginalna melodia, złożona orkiestracja, a także formy muzyczne wybrane przez kompozytora do poszczególnych scen – wszystko to tworzy masywny gatunek sztuki operowej.

Opery wyróżniają się strukturą przelotową i liczbową. Jeśli mówimy o strukturze liczbowej, wówczas wyraźnie wyrażona jest tutaj kompletność muzyczna, a numery solowe mają nazwy: arioso, aria, arietta, romans, cavatina i inne. Ukończone utwory wokalne pozwalają w pełni oddać charakter bohatera. Niemiecka śpiewaczka Annette Dasch wykonywała takie role, jak Antonia z „Opowieści Hoffmanna” Offenbacha, Rosalind z „Zemsty nietoperza” Straussa i Pamina z „Czarodziejskiego fletu” Mozarta. Widzowie Metropolitan Opera, Teatru na Polach Elizejskich i Opery Tokijskiej mogli cieszyć się wielostronnym talentem piosenkarza.

Równolegle z wokalnymi „zaokrąglonymi” liczbami w operach stosuje się deklamację muzyczną - recytatyw. To doskonałe połączenie różnorodnych tematów wokalnych – arii, chórów i zespołów. Opera komiczna wyróżnia się brakiem recytatywów i zastępuje ją tekst mówiony.

Sceny balowe w operze są uważane za elementy inne niż podstawowe, elementy wstawione. Często można je bezboleśnie wyeliminować z całości akcji, ale zdarzają się opery, w których język tańca nie może zostać wykorzystany do dopełnienia dzieła muzycznego.

Spektakl operowy

Opera łączy w sobie wokal, muzykę instrumentalną i taniec. Rola akompaniamentu orkiestrowego jest znacząca: jest przecież nie tylko akompaniamentem do śpiewu, ale także jego uzupełnieniem i wzbogaceniem. Partie orkiestrowe mogą być także numerami niezależnymi: przerwy w akcjach, wstępy arii, chóry i uwertury. Mario Del Monaco zasłynął dzięki roli Radamesa z opery „Aida” Giuseppe Verdiego.

Mówiąc o zespole operowym, nie sposób nie wspomnieć o solistach, chórze, orkiestrze, a nawet organach. Głosy wykonawców operowych dzielą się na męskie i żeńskie. Głosy operowe żeńskie – sopran, mezzosopran, kontralt. Męski – kontratenor, tenor, baryton i bas. Kto by pomyślał, że wychowujący się w biednej rodzinie Beniamino Gigli po latach zaśpiewa rolę Fausta z Mefistofelesa.

Rodzaje i formy opery

Historycznie rzecz biorąc, rozwinęły się pewne formy opery. Najbardziej klasyczną wersję można nazwać wielką operą: do tego stylu zaliczają się dzieła „William Tell” Rossiniego, „Nieszpory sycylijskie” Verdiego i „Les Troyens” Berlioza.

Ponadto opery są komiczne i półkomiczne. Cechy charakterystyczne opery komicznej pojawiły się w dziełach Mozarta „Don Giovanni”, „Weselu Figara” i „Uprowadzeniu z Seraju”. Opery oparte na fabule romantycznej nazywane są romantycznymi: do tego typu zaliczają się dzieła Wagnera „Lohengrin”, „Tannhäuser” i „Wędrujący marynarz”.

Szczególne znaczenie ma barwa głosu wykonawcy operowego. Właścicielkami najrzadszej barwy – sopranu koloraturowego są Sumi Yo , którego debiut miał miejsce na scenie Teatru Verdiego: śpiewaczka wystąpiła w roli Gildy z Rigoletta, a także Joan Elston Sutherland, która przez ćwierć wieku pełniła rolę Łucji z opery Łucja z Lammermoor Donizettiego.

Opera balladowa wywodzi się z Anglii i bardziej przypomina przeplatające się sceny mówione z ludowymi elementami pieśni i tańca. Pepusch wraz z The Beggars' Opera stał się pionierem opery balladowej.

Wykonawcy operowi: śpiewaczki operowe i śpiewaczki

Ponieważ świat muzyki jest dość różnorodny, o operze należy mówić specjalnym językiem, zrozumiałym dla prawdziwych miłośników sztuki klasycznej. O najlepszych wykonawcach na platformach globalnych możesz dowiedzieć się na naszej stronie internetowej w sekcji „Wykonawcy”. » .

Doświadczeni melomani z pewnością chętnie przeczytają o najlepszych wykonawcach klasycznych dzieł operowych. Tacy muzycy jak Andrea Bocelli stali się godnymi następcami najbardziej utalentowanych wokalistów w rozwoju sztuki operowej. , którego idolem był Franco Corelli. W rezultacie Andrea znalazł okazję do poznania swojego idola, a nawet został jego uczniem!

Giuseppe Di Stefano cudem uniknął powołania do wojska dzięki swojemu niesamowitemu głosowi. Titto Gobbi zamierzał zostać prawnikiem, ale poświęcił swoje życie operze. Wiele ciekawych rzeczy na temat tych i innych śpiewaków operowych można dowiedzieć się w dziale „Głosy męskie”.

Mówiąc o divach operowych, nie sposób nie wspomnieć tak znakomitych głosów, jak Annick Massis, która zadebiutowała na scenie Opery w Tuluzie rolą z opery „Wyimaginowany ogrodnik” Mozarta.

Danielle De Niese słusznie uważana jest za jedną z najpiękniejszych wokalistek, która w swojej karierze występowała solowo w operach Donizettiego, Pucciniego, Delibesa i Pergolesiego.

Montserrat Caballe. Wiele powiedziano o tej niesamowitej kobiecie: niewielu performerom udało się zdobyć tytuł „Diva of the World”. Mimo że piosenkarka jest w podeszłym wieku, nadal zachwyca publiczność swoim wspaniałym śpiewem.

Pierwsze kroki w przestrzeni rosyjskiej stawiało wielu utalentowanych performerek operowych: Wiktoria Iwanowa, Ekaterina Szczerbachenko, Olga Borodina, Nadieżda Obuchow i inni.

Amalia Rodrigues to portugalska śpiewaczka fado, a Patricia Ciofi, włoska diwa operowa, po raz pierwszy wzięła udział w konkursie muzycznym, gdy miała trzy lata! Te i inne największe nazwiska pięknych przedstawicielek gatunku operowego – śpiewaczek operowych znajdziesz w dziale „Głosy Kobiet”.

Opera i teatr

Duch opery dosłownie zamieszkuje teatr, przenika scenę, a sceny, na których występowali legendarni wykonawcy, stają się ikoniczne i znaczące. Jak nie pamiętać największych oper La Scali, Metropolitan Opera, Teatru Bolszoj, Teatru Maryjskiego, Opery Państwowej w Berlinie i innych. Na przykład Covent Garden (Opera Królewska) ucierpiała w wyniku katastrofalnych pożarów w latach 1808 i 1857, ale większość elementów obecnego kompleksu została odrestaurowana. O tych i innych znanych scenach przeczytacie w dziale „Miejsca”.

W starożytności wierzono, że muzyka rodzi się wraz ze światem. Ponadto muzyka łagodzi stres psychiczny i ma korzystny wpływ na duchowość jednostki. Szczególnie jeśli chodzi o operę...

Opera ma swoją historię sięgającą przełomu XVII i XVIII wieku, kiedy to ukształtowała się jako rozrywka arystokratyczna. Od tego czasu gatunek ten był udoskonalany, zmieniany kilkakrotnie i ostatecznie podzielony na wiele różnych typów, co zostanie omówione w tym artykule.

Co to jest opera?

Przede wszystkim należy zdefiniować, czym jest opera – formą sztuki. To dzieło muzyczno-dramatyczne, które opiera się na połączeniu trzech sztuk – słowa, muzyki i spektaklu teatralnego. Tekstów dramatycznych w operze nie mówi się, lecz śpiewa przy akompaniamencie instrumentów. Oprócz tego zazwyczaj pojawiają się przerywniki muzyczne, a przerwy w fabule wypełnione są scenami baletowymi.

Pierwsze dzieło tego gatunku powstało w 1600 roku na podstawie słynnej legendy o śpiewaku Orfeuszu i jego ukochanej Eurydyce.

Głównymi ośrodkami rozwoju opery jako sztuki w ogóle, a także kształtowania się jej wielu odmian, były przede wszystkim Włochy i Francja.

Poważna opera

Tak więc jednym z głównych rodzajów opery w muzyce jest tak zwana opera „poważna”. Powstał we Włoszech pod koniec XVII wieku wśród kompozytorów szkoły neapolitańskiej. Wśród głównych tematów tych dzieł są mitologiczne i historyczno-heroiczne. „Poważne” opery wyróżniały się szczególnym patosem i bujnymi, wyrazistymi kostiumami. Dominowały długie arie solistów, w których wyrażali każdą, nawet najdrobniejszą emocję bohatera, po mistrzowsku wokalizując. Funkcje słowa i muzyki zostały wyraźnie i wyraźnie rozdzielone.

Znani kompozytorzy gatunku opera seria to Alessandro Scarlatti, Gluck, Salieri, Handel i wielu innych.

Opera komiczna

Podobnie jak wiele innych rodzajów oper, opera komiczna powstała we Włoszech w XVII wieku. Kontrastuje z „nudną” poważną operą i ma zupełnie inne cechy: małą skalę, przewagę dialogów, bardzo małą liczbę postaci i wykorzystanie technik komiksowych. Ten rodzaj opery stał się znacznie bardziej demokratyczny i realistyczny niż opera seria.

Różne kraje nadali operze komicznej własne nazwy – np. we Włoszech nazywano ją operą buffa, w Anglii – operą balladową, w Niemczech – singspiel, a w Hiszpanii określano ją jako tonadilla. W związku z tym każda odmiana miała humor z nutą narodowego smaku.

Wśród kompozytorów włoskich Pergolesi i Rossini zajmowali się gatunkiem opera buffa; we Francji robili to Monsigny i Grétry, a wśród Anglików najbardziej znani to Sullivan i Gilbert.

Półpoważna opera

Pomiędzy operą poważną a operą komiczną znajduje się gatunek opery półpoważnej (tzw. opera siedmiodcinkowa), której cechą charakterystyczną była dramatyczna fabuła zakończona happy endem. We Włoszech pojawił się pod koniec XVIII wieku. Ten typ opery nigdy nie doczekał się większego rozwoju.

Wielka opera

Ten gatunek opery (wielka opera) ma korzenie francuskie i powstał w pierwszej połowie XIX wieku. Jak sama nazwa wskazuje, wielką operę charakteryzuje skala (4 lub 5 aktów, znaczna liczba wykonawców, udział tancerzy i duży chór), monumentalność, wykorzystanie wątków historyczno-bohaterskich i zewnętrzne efekty dekoracyjne. Obecność aktu tanecznego była obowiązkowa. Znanymi przedstawicielami gatunku byli kompozytorzy Spontini, Verdi i Aubert.

Opera romantyczna

Powstała w XIX wieku w Niemczech. Jego pojawienie się wiąże się z ogólnym nurtem romantyzmu, który ogarnął Niemcy pod koniec ubiegłego wieku, jednak w sztuce muzycznej tendencje romantyczne pojawiły się kilkadziesiąt lat później. Kierunek ten charakteryzuje się w szczególności podnoszeniem ducha narodowego, co przejawiało się także w operze.

Do tego gatunku zaliczają się wszystkie dzieła napisane na romantycznej fabule z domieszką mistycyzmu i fantazji. Opery tego typu komponowali Weber, Spohr i częściowo Wagner.

Opera-balet

Inaczej odmiana ta nazywana była francuskim baletem dworskim i wywodzi się, jak sama nazwa wskazuje, we Francji na początku XVIII wieku. Zasadniczo balet operowy powstał na różne uroczystości dworu królewskiego. Prace wyróżniały się przepychem i jasnością scenerii i składały się z kilku małych scen, które nie były ze sobą w żaden sposób powiązane fabularnie. Tutaj opera jako forma teatru objawiła się chyba najdobitniej.

Największą wyrazistość i charakter opery-baletu nadał francuski kompozytor Jean-Philippe Rameau, który do nieco lekkiego gatunku dodał także wysoką dramaturgię.

Gatunek ten szybko stał się przestarzały, gdyż jego funkcje były dość specyficzne i zależne od miejsca. Mimo że poszczególne przykłady opery-baletu pojawiają się aż do XX wieku, opera i balet nadal stanowią odrębne rodzaje sztuki muzycznej i teatralnej.

Operetka

Znacznie mniejszym gatunkiem opery były operetki – małe dzieła o prostej, zabawnej fabule, wątku miłosnym i satyrycznym, a także prosta, zapadająca w pamięć muzyka. Petite Opera powstała we Francji pod koniec XIX wieku.

Istnieją operetki różniące się fabułą i treścią - najczęściej mają one odcienie liryczne i komediowe. Pewne trudności pojawiają się w zdefiniowaniu tego gatunku, gdyż nie ma ścisłych ram, które różnicowałyby na przykład operetkę i operę buffa.

To nie wszystkie typy oper, które obecnie istnieją. Jak już powiedziano, część odmian zanikła, a w nowej synkretycznej sztuce teatralnej pojawiają się nowe, nienazwane dotąd gatunki.

OPERA ROSYJSKA. Rosyjska szkoła operowa – obok włoskiej, niemieckiej, francuskiej – ma znaczenie światowe; Dotyczy to przede wszystkim szeregu oper powstałych w drugiej połowie XIX wieku, a także kilku dzieł XX wieku. Jedna z najpopularniejszych oper na scenie światowej końca XX wieku. – Borys Godunow Często wystawiany był także M.P. Musorgski Królowa pik P.I. Czajkowski (rzadziej inne jego opery, głównie Jewgienij Oniegin); cieszy się wielką sławą Książę Igor AP Borodin; z 15 oper N.A. Rimskiego-Korsakowa ukazuje się regularnie Złoty Kogucik. Wśród oper XX wieku. większość repertuaru Ognisty Anioł S.S. Prokofiew i Lady Makbet z Mtsenska D.D. Szostakowicz. Nie wyczerpuje to oczywiście w niczym bogactwa narodowej szkoły operowej. Zobacz także OPERA.

Pojawienie się opery w Rosji (XVIII w.). Opera była jednym z pierwszych gatunków zachodnioeuropejskich, który zadomowił się na rosyjskiej ziemi. Już w latach trzydziestych XVIII wieku powstała włoska opera dworska, dla której pisali zagraniczni muzycy pracujący w Rosji ( cm. MUZYKA ROSYJSKA); w drugiej połowie stulecia pojawiły się publiczne przedstawienia operowe; opery wystawiane są także w teatrach pańszczyźnianych. Rozważana jest pierwsza rosyjska opera Miller - czarownik, oszust i swat Michaiła Matwiejewicza Sokołowskiego do tekstu A.O. Ablesimowa (1779) – codzienna komedia z numerami muzycznymi o charakterze pieśniowym, która położyła podwaliny pod wiele popularnych dzieł tego gatunku – wczesną operę komiczną. Wśród nich wyróżniają się opery Wasilija Aleksiejewicza Paszkiewicza (ok. 1742–1797) ( Skąpy, 1782; Gostiny Dvor w Petersburgu, 1792; Nieszczęście z powozu, 1779) i Evstigney Ipatovich Fomin (1761–1800) ( Woźnicy na stojaku, 1787; Amerykanie, 1788). W gatunku opery seria największy kompozytor tego okresu, Dmitrij Stepanowicz Bortnyansky (1751–1825), napisał dwa dzieła na podstawie francuskich librett - Sokół(1786) i Syn rywala, czyli nowoczesna stratonika(1787); Ciekawe są eksperymenty w gatunkach melodramatów i muzyki do przedstawień dramatycznych.

Opera przed Glinką (XIX w.). W następnym stuleciu popularność gatunku opery w Rosji jeszcze wzrosła. Opera była szczytem aspiracji rosyjskich kompozytorów XIX wieku i nawet ci z nich, którzy nie pozostawili ani jednego dzieła w tym gatunku (na przykład M.A. Balakirev, A.K. Lyadov), przez wiele lat zastanawiali się nad niektórymi dziełami operowymi. Powody tego są jasne: po pierwsze, opera, jak zauważył Czajkowski, była gatunkiem, który pozwalał „mówić językiem mas”; po drugie, opera umożliwiła artystyczne naświetlenie głównych problemów ideologicznych, historycznych, psychologicznych i innych, które zaprzątały umysły Rosjan w XIX wieku; Wreszcie w młodej kulturze zawodowej istniał silny pociąg do gatunków obejmujących obok muzyki słowo, ruch sceniczny i malarstwo. Ponadto rozwinęła się już pewna tradycja - dziedzictwo pozostawione w gatunku muzycznym i teatralnym XVIII wieku.

W pierwszych dekadach XIX w. teatr dworski i prywatny wymarły

Monopol skoncentrował się w rękach państwa. Życie muzyczne i teatralne obu stolic było bardzo ożywione: pierwsza ćwierć wieku to okres rozkwitu rosyjskiego baletu; w XIX w. w Petersburgu działały cztery trupy teatralne – rosyjska, francuska, niemiecka i włoska, z czego pierwsze trzy wystawiały zarówno dramat, jak i operę, ostatnia – jedyną operę; Kilka trup pracowało także w Moskwie. Najbardziej stabilne okazało się przedsięwzięcie włoskie - już na początku lat 70. XIX w. młody Czajkowski, występujący na polu krytycznym, zmuszony był walczyć o przyzwoitą pozycję dla moskiewskiej opery rosyjskiej w porównaniu z włoską; Raek Na przełomie lat 70. i 70. XIX w. powstał także Musorgski, w jednym z odcinków wyśmiewających zapał petersburskiej publiczności i krytyków do słynnych włoskich śpiewaków.

Opera rosyjska to najcenniejszy wkład do skarbca światowego teatru muzycznego. Pochodząca z epoki klasycznej świetności opery włoskiej, francuskiej i niemieckiej, opera rosyjska w XIX wieku. nie tylko dogonił inne krajowe szkoły operowe, ale także je wyprzedził. Wielostronny charakter rozwoju rosyjskiego teatru operowego w XIX wieku. przyczynił się do wzbogacenia światowej sztuki realistycznej. Twórczość kompozytorów rosyjskich otworzyła nowy obszar twórczości operowej, wprowadziła do niej nowe treści, nowe zasady konstruowania dramaturgii muzycznej, przybliżając sztukę operową do innych rodzajów twórczości muzycznej, przede wszystkim do symfonii.

Historia rosyjskiej opery klasycznej jest nierozerwalnie związana z rozwojem życia społecznego w Rosji, z rozwojem zaawansowanej myśli rosyjskiej. Opera wyróżniała się tymi powiązaniami już w XVIII wieku, jako zjawisko narodowe pojawiła się w latach 70., epoce rozwoju rosyjskiego oświecenia. Na powstanie rosyjskiej szkoły operowej wpływ miały idee edukacyjne, wyrażające się w chęci wiernego przedstawiania życia ludzi.

Tym samym opera rosyjska od pierwszych kroków wyłoniła się jako sztuka demokratyczna. Fabuła pierwszych rosyjskich oper często nawiązywała do idei antypańszczyźnianych, charakterystycznych dla rosyjskiego teatru dramatycznego i literatury rosyjskiej końca XVIII wieku. Kierunki te nie ułożyły się jednak jeszcze w spójny system, wyrażały się empirycznie w scenach z życia chłopów, ukazaniu ich ucisku przez obszarników, w satyrycznym przedstawieniu szlachty. Oto fabuła pierwszych oper rosyjskich: „Nieszczęście z powozu” V. A. Paszkiewicza (ok. 1742-1797), libretto Ja. B. Kniażnina (post, 1779); „Woźnice na stojaku” E. I. Fomina (1761-1800). W operze „Młynarz – czarodziej, oszust i swat” z tekstem A. O. Ablesimova i muzyką M. M. Sokołowskiego (w drugim wydaniu – E. I. Fomina) idea szlachetności dzieła rolnik wyraża się, a szlachetna duma jest wyśmiewana. W operze „St. Petersburg Gostiny Dvor” M. A. Matinskiego - V. A. Paszkiewicza lichwiarz i urzędnik przyjmujący łapówki są przedstawieni w formie satyrycznej.

Pierwsze rosyjskie opery były przedstawieniami z epizodami muzycznymi w trakcie akcji. Bardzo ważne były w nich sceny rozmów. Muzyka pierwszych oper była ściśle związana z rosyjskimi pieśniami ludowymi: kompozytorzy szeroko wykorzystywali melodie istniejących pieśni ludowych, przetwarzali je, czyniąc z nich podstawę opery. Na przykład w „Melniku” wszystkie cechy charakterystyczne bohaterów oddane są za pomocą pieśni ludowych różnego typu. W operze „St. Petersburg Gostiny Dvor” ludowa ceremonia zaślubin została odtworzona z dużą dokładnością. W „Woźnicach na stojaku” Fomin stworzył pierwszy przykład ludowej opery chóralnej, kładąc w ten sposób podwaliny pod jedną z typowych tradycji późniejszej opery rosyjskiej.

Opera rosyjska rozwinęła się w walce o swoją tożsamość narodową. Polityka dworu królewskiego i górnej części społeczeństwa szlacheckiego, która patronowała zagranicznym trupom, była skierowana przeciwko demokracji sztuki rosyjskiej. Postacie opery rosyjskiej musiały uczyć się umiejętności operowych na przykładach opery zachodnioeuropejskiej, a jednocześnie bronić niezależności swego narodowego kierownictwa. Walka ta stała się na wiele lat warunkiem istnienia opery rosyjskiej, przybierając na nowych scenach nowe formy.

Wraz z operą-komedią w XVIII wieku. Pojawiły się także inne gatunki operowe. W 1790 r. na dworze odbyło się przedstawienie pt. „Początkowe zarządzanie Olega”, do którego tekst napisała cesarzowa Katarzyna II, a muzykę skomponowali wspólnie kompozytorzy C. Canobbio, G. Sarti i V. A. Paszkiewicz wykonanie miało charakter nie tyle operowy, co oratoryjny i w pewnym stopniu można je uznać za pierwszy przykład gatunku muzyczno-historycznego, tak rozpowszechnionego w XIX wieku. W twórczości wybitnego rosyjskiego kompozytora D. S. Bortnyansky'ego (1751–1825) gatunek opery reprezentują liryczne opery „Sokół” i „Syn rywalizujący”, których muzyka pod względem rozwoju form operowych i kunsztu, można porównywać ze współczesnymi przykładami opery zachodnioeuropejskiej.

Opera była użytkowana w XVIII wieku. bardzo popularne. Stopniowo opera ze stolicy przenikała do teatrów osiedlowych. Teatr Twierdza z przełomu XVIII i XIX wieku. podaje indywidualne, wysoce artystyczne przykłady wykonania oper i poszczególnych ról. Nominowani są utalentowani rosyjscy piosenkarze i aktorzy, jak występująca na stołecznej scenie śpiewaczka E. Sandunova czy poddana aktorka Teatru Szeremietiewa P. Zhemchugova.

Osiągnięcia artystyczne opery rosyjskiej XVIII wieku. dał impuls do szybkiego rozwoju teatru muzycznego w Rosji w pierwszej ćwierci XIX wieku.

Związki rosyjskiego teatru muzycznego z ideami, które determinowały życie duchowe epoki, szczególnie wzmocniły się podczas Wojny Ojczyźnianej 1812 roku i w latach ruchu dekabrystów. Temat patriotyzmu, odzwierciedlony w wątkach historycznych i współczesnych, staje się podstawą wielu przedstawień dramatycznych i muzycznych. Idee humanizmu i sprzeciwu wobec nierówności społecznych inspirują i płodzą sztukę teatralną.

Na początku XIX wieku. Nadal nie da się mówić o operze w pełnym tego słowa znaczeniu. W rosyjskim teatrze muzycznym główną rolę odgrywają gatunki mieszane: tragedia z muzyką, wodewil, opera komiczna, opera-balet. Przed Glinką opera rosyjska nie znała dzieł, których dramaturgia opierała się wyłącznie na muzyce bez epizodów mówionych.

Wybitnym twórcą „tragedii na muzyce” był O. A. Kozłowski (1757-1831), który stworzył muzykę do tragedii Ozerowa, Katenina i Szachowskiego. Kompozytorzy A. A. Alyabyev (1787–1851) i A. N. Verstovsky (1799–1862) z powodzeniem pracowali w gatunku wodewilu, komponując muzykę do wielu wodewilów o treściach humorystycznych i satyrycznych.

Opera z początku XIX w. rozwinął tradycje z poprzedniego okresu. Typowym zjawiskiem były codzienne występy przy pieśniach ludowych. Przykładami tego rodzaju są przedstawienia: „Yam”, „Spotkania”, „Wieczór panieński” itp., Do których muzykę napisał kompozytor amator A. N. Titow (1769–1827). Ale to wcale nie wyczerpało bogatego życia teatralnego epoki. Zainteresowanie typowymi dla tamtych czasów trendami romantycznymi wyrażało się w fascynacji społeczeństwa przedstawieniami baśniowymi i fantastycznymi. Szczególnym sukcesem cieszyła się kilkuczęściowa Syrenka Dniepru (Lesta). Muzykę do tych oper, przypominających rozdziały powieści, napisali kompozytorzy S. I. Davydov i K. A. Kavos; Częściowo wykorzystano muzykę austriackiego kompozytora Kauera. „Syrenka Dniepru” długo nie schodziła ze sceny, nie tylko ze względu na zabawną fabułę, która w swoich głównych elementach wyprzedzała fabułę „Syrenki” Puszkina, nie tylko ze względu na luksusową inscenizację, ale także ze względu na muzyka melodyjna, prosta i przystępna.

Pierwszą próbę stworzenia opery historyczno-bohaterskiej podjął włoski kompozytor K. A. Cavos (1775-1840), który od najmłodszych lat działał w Rosji i włożył wiele wysiłku w rozwój rosyjskiego wykonawstwa operowego. W 1815 wystawił w Petersburgu operę „Iwan Susanin”, w której na podstawie jednego z epizodów walk narodu rosyjskiego z najazdem polskim na początku XVII w. próbował stworzyć narodowy – występ patriotyczny. Opera ta odpowiadała nastrojom społeczeństwa, które przetrwało wojnę wyzwoleńczą z Napoleonem. Opera Kavosa wyróżnia się na tle dzieł współczesnych umiejętnością zawodowego muzyka, oparciem się na rosyjskim folklorze i żywiołowością akcji. Nie wznosi się jednak ponad poziom licznych „oper zbawienia” kompozytorów francuskich występujących na tej samej scenie; Kavosowi nie udało się stworzyć w nim tragicznej epopei ludowej, którą Glinka stworzyła dwadzieścia lat później, wykorzystując tę ​​samą fabułę.

Największy kompozytor pierwszej tercji XIX wieku. Na uznanie zasługuje A. N. Wierstowski, wymieniany jako autor muzyki do wodewilów. Jego opery „Pan Twardowski” (po 1828), „Grób Askolda” (po 1835), „Wadim” (po 1832) i inne stanowiły nowy etap w rozwoju opery rosyjskiej przed Glinką. Twórczość Wierstowskiego odzwierciedlała charakterystyczne cechy rosyjskiego romantyzmu. Podstawą jego oper jest rosyjska starożytność, tradycje poetyckie Rusi Kijowskiej, baśnie i legendy. Element magiczny odgrywa w nich znaczącą rolę. Muzyka Wierstowskiego, głęboko zakorzeniona w sztuce ludowej, wchłonęła szeroko pojęte korzenie ludowe. Jego bohaterowie są typowi dla sztuki ludowej. Będąc mistrzem dramaturgii operowej, Wierstowski stworzył romantycznie kolorowe sceny o fantastycznej treści. Przykładem jego stylu jest opera „Grób Askolda”, która do dziś pozostaje w repertuarze. Pokazał najlepsze cechy Wierstowskiego – dar do melodii, doskonały talent dramatyczny, umiejętność tworzenia żywych i charakterystycznych obrazów postaci.

Dzieła Wierstowskiego należą do przedklasycznego okresu rosyjskiej opery, choć ich znaczenie historyczne jest bardzo duże: uogólniają i rozwijają wszystkie najlepsze cechy poprzedniego i współczesnego okresu rozwoju rosyjskiej muzyki operowej.

Od lat 30. XIX wiek Opera rosyjska wchodzi w okres klasyczny. Założyciel rosyjskiej klasyki opery M.I. Glinka (1804-1857) stworzył operę historyczno-tragiczną „Iwan Susanin” (1830) oraz baśniowo-epopetyczną „Rusłan i Ludmiła” (1842). Filary te położyły podwaliny pod dwa najważniejsze nurty rosyjskiego teatru muzycznego: operę historyczną i operę magiczno-epicką; Zasady twórcze Glinki były wdrażane i rozwijane przez kolejne pokolenia kompozytorów rosyjskich.

Glinka rozwijał się jako artysta w epoce przyćmionej przez idee dekabryzmu, co pozwoliło mu wznieść zawartość ideową i artystyczną swoich oper na nowy, znaczący poziom. Był pierwszym rosyjskim kompozytorem, w którego twórczości obraz ludu, uogólniony i głęboki, stał się centrum całego dzieła. Wątek patriotyzmu w jego twórczości nierozerwalnie łączy się z tematyką walki ludu o niepodległość.

Poprzedni okres opery rosyjskiej przygotowywał pojawienie się oper Glinki, jednak ich jakościowa różnica w stosunku do wcześniejszych oper rosyjskich jest bardzo znacząca. W operach Glinki realizm myśli artystycznej nie objawia się w jej poszczególnych aspektach, ale pełni rolę holistycznej metody twórczej, która pozwala na muzyczne i dramatyczne uogólnienie idei, tematu i fabuły opery. Glinka zrozumiał problem narodowości w nowy sposób: dla niego oznaczało to nie tylko muzyczny rozwój pieśni ludowych, ale także głębokie, wieloaspektowe odbicie w muzyce życia, uczuć i myśli ludzi, ujawnienie charakterystycznych cech ich duchowego wyglądu. Kompozytor nie ograniczał się do odzwierciedlania życia ludowego, ale ucieleśniał w muzyce typowe cechy światopoglądu ludowego. Opery Glinki są integralnymi dziełami muzyczno-dramatycznymi; nie zawierają mówionych dialogów, treść wyrażana jest poprzez muzykę. Zamiast pojedynczych, niezagospodarowanych numerów solowych i chóralnych opery komicznej, Glinka tworzy duże, szczegółowe formy operowe, rozwijając je z iście symfonicznym mistrzostwem.

W „Iwanie Susaninie” Glinka gloryfikowała bohaterską przeszłość ROSJI. Typowe obrazy narodu rosyjskiego są w operze ucieleśnione z wielką prawdą artystyczną. Rozwój dramaturgii muzycznej opiera się na opozycji różnych narodowych sfer muzycznych.

„Rusłan i Ludmiła” to opera, która zapoczątkowała ludowo-epopetyczną operę rosyjską. Znaczenie „Rusłana” dla muzyki rosyjskiej jest bardzo duże. Opera wywarła wpływ nie tylko na gatunki teatralne, ale także na gatunki symfoniczne. Majestatyczne, heroiczne i tajemniczo magiczne, a także kolorowe, orientalne obrazy „Rusłana” przez długi czas napędzały rosyjską muzykę.

Po Glince przemawiał A. S. Dargomyżski (1813–1869), typowy artysta epoki lat 40. i 50. XX wieku. XIX wiek Glinka wywarła wielki wpływ na Dargomyżskiego, ale jednocześnie w jego twórczości pojawiły się nowe jakości, zrodzone z nowych warunków społecznych, nowych tematów, które pojawiły się w sztuce rosyjskiej. Serdeczne współczucie dla poniżonego człowieka, świadomość szkodliwości nierówności społecznych i krytyczny stosunek do porządku społecznego znalazły odzwierciedlenie w twórczości Dargomyżskiego, kojarzonego z ideami realizmu krytycznego w literaturze.

Droga Dargomyżskiego jako kompozytora operowego rozpoczęła się od stworzenia opery „Esmeralda” na podstawie V. Hugo (wysłanej w 1847 r.), a za centralne dzieło operowe kompozytora należy uznać „Syrenkę” (na podstawie dramatu A. S. Puszkina) , wystawiony w 1856 roku. W operze tej w pełni ujawniono talent Dargomyżskiego i wyznaczono kierunek jego twórczości. Dramat nierówności społecznych między kochającymi się córką młynarza Nataszą a kochającym się księciem pociągnął kompozytora ze względu na aktualność tematu. Dargomyżski wzmocnił dramatyczną stronę fabuły, pomniejszając element fantastyczny. „Rusałka” to pierwsza rosyjska liryczno-psychologiczna opera codzienna. Jej muzyka jest głęboko folkowa; Kompozytor na bazie pieśni stworzył żywe wizerunki bohaterów, rozwinął styl deklamacyjny w partiach głównych bohaterów oraz rozbudował sceny zespołowe, znacząco je dramatyzując.

Ostatnia opera Dargomyżskiego, „Kamienny gość”, zdaniem Puszkina (wydana w 1872 r., już po śmierci kompozytora), już należy. kolejny okres w rozwoju rosyjskiej onery. Dargomyżski postawił w nim zadanie stworzenia realistycznego języka muzycznego odzwierciedlającego intonację mowy. Kompozytor porzucił tu tradycyjne formy operowe – arię, zespół, chór; partie wokalne opery przeważają nad partią orkiestrową, „Kamienny gość” zapoczątkował jeden z kierunków kolejnego okresu opery rosyjskiej, tzw. kameralną operę recytatywną, reprezentowaną później przez „Mozarta i Salieriego” przez Rimski-Korsakow, „Skąpy rycerz” Rachmaninowa i innych. Osobliwością tych oper jest to, że wszystkie zostały napisane na niezmienionym pełnym tekście „małych tragedii” Puszkina.

W latach 60 Opera rosyjska wkroczyła w nowy etap swojego rozwoju. Na rosyjskiej scenie pojawiają się dzieła kompozytorów z kręgu Bałakiriowa („Potężna garść”) i Czajkowskiego. W tych samych latach rozwinęła się twórczość A. N. Serowa i A. G. Rubinsteina.

Twórczości operowej A. N. Serowa (1820–1871), który zasłynął jako krytyk muzyczny, nie można zaliczyć do bardzo znaczących fenomenów teatru rosyjskiego. Jednak kiedyś jego opery odegrały pozytywną rolę. W operze „Judyta” (post, 1863) Sierow stworzył dzieło o charakterze heroiczno-patriotycznym, oparte na fabule biblijnej; w operze „Rogneda” (op. i post. w 1865 r.) nawiązał do epoki Rusi Kijowskiej, chcąc kontynuować linię „Rusłana”. Jednak opera nie była wystarczająco głęboka. Dużym zainteresowaniem cieszy się trzecia opera Sierowa „Siła wroga” na podstawie dramatu A. N. Ostrowskiego „Nie żyj tak, jak chcesz” (opublikowana w 1871 r.). Kompozytor postanowił stworzyć operę pieśniową, której muzyka powinna opierać się na źródłach pierwotnych. Opera nie ma jednak jednej koncepcji dramatycznej, a jej muzyka nie wznosi się na wyżyny realistycznego uogólnienia.

A. G. Rubinstein (1829-1894) zaczynał jako kompozytor operowy od komponowania opery historycznej „Bitwa pod Kulikowem” (1850). stworzył operę liryczną „Feramors” i operę romagiczną „Dzieci Stepów”. W repertuarze pozostaje najlepsza opera Rubinsteina „Demon” według Lermontowa (1871). Opera ta jest przykładem rosyjskiej opery lirycznej, w której najbardziej utalentowane strony poświęcone są wyrażaniu uczuć bohaterów. Demon”, w którym kompozytor wykorzystał muzykę ludową Zakaukazia, wnoszą lokalny akcent. Opera „Demon” odniosła sukces wśród współczesnych, którzy w głównym bohaterze widzieli wizerunek mężczyzny lat 40. i 50. XX wieku.

Twórczość operowa kompozytorów „Potężnej Garści” i Czajkowskiego była ściśle związana z nową estetyką epoki lat 60. Nowe warunki społeczne stawiają przed rosyjskimi artystami nowe zadania. Głównym problemem epoki był problem odzwierciedlenia życia ludowego w całej jego złożoności i niespójności w dziełach sztuki. Wpływ idei rewolucyjnych demokratów (zwłaszcza Czernyszewskiego) znalazł odzwierciedlenie w dziedzinie twórczości muzycznej poprzez grawitację w kierunku uniwersalnych tematów i fabuł, humanistyczną orientację dzieł i gloryfikację wysokich duchowych sił ludu. Wątek historyczny nabiera w tym czasie szczególnego znaczenia.

Zainteresowanie historią własnego narodu w tamtych latach było charakterystyczne nie tylko dla kompozytorów. Sama nauka historyczna rozwija się szeroko; pisarze, poeci i dramatopisarze sięgają po tematykę historyczną; Rozwija się malarstwo historyczne. Największe zainteresowanie budzą epoki rewolucji, powstań chłopskich i ruchów masowych. Ważne miejsce zajmuje problematyka relacji między ludem a władzą królewską. Temu tematowi poświęcone są opery historyczne MP Musorgskiego i N. A. Rimskiego-Korsakowa.

Opery MP Musorgskiego (1839-1881), „Borys Godunow” (1872) i „Chowańszczyzna” (ukończone przez Rlmskiego-Korsakowa w 1882 r.) należą do historyczno-tragedialnej gałęzi rosyjskiej opery klasycznej. Kompozytor nazwał je „ludowymi dramatami muzycznymi”, gdyż w centrum obu dzieł znajduje się parod. Główną ideą „Borysa Godunowa” (opartego na tragedii Puszkina pod tym samym tytułem) jest konflikt: car – naród. Idea ta była jedną z najważniejszych i najostrzejszych w epoce poreformacyjnej. Musorgski chciał znaleźć analogię do nowoczesności w wydarzeniach z przeszłości Rusi. Sprzeczność interesów ludu z władzą autokratyczną ukazana jest w scenach przeradzania się ruchu ludowego w otwarte powstanie. Jednocześnie kompozytor dużą wagę przywiązuje do „tragedii sumienia”, jakiej doświadczył car Borys. Wieloaspektowy wizerunek Borysa Godunowa jest jednym z najwyższych osiągnięć światowej twórczości operowej.

Drugi dramat muzyczny Musorgskiego, Chowanszczina, poświęcony jest powstaniom Strzelców pod koniec XVII wieku. Pierwiastek ruchu ludowego w całej jego brutalnej sile wspaniale wyraża muzyka opery, oparta na twórczym przemyśleniu sztuki pieśni ludowej. Muzykę „Khovanshchina”, podobnie jak muzykę „Borysa Godunowa”, charakteryzuje wysoka tragedia. Podstawą tematu melodycznego obu oper jest synteza zasad pieśni i deklamacji. Innowacja Musorgskiego, zrodzona z nowej koncepcji i głęboko oryginalnego rozwiązania problemów dramatu muzycznego, każe zaliczyć obie jego opery do najwyższych osiągnięć teatru muzycznego.

Do grupy historycznych dzieł muzycznych należy także opera „Książę Igor” A. P. Borodina (1833-1887) (jej fabuła inspirowana jest „Opowieścią o kampanii Igora”). Ideę miłości do ojczyzny, ideę zjednoczenia w obliczu wroga kompozytor ujawnia wielkim dramatem (sceny w Putivlu). Kompozytor połączył w swojej operze monumentalność gatunku epickiego z lirycznym początkiem. Nakazy Glinki zostały zrealizowane w poetyckim wcieleniu obozu połowieckiego; z kolei muzyczne obrazy Wschodu Borodina zainspirowały wielu kompozytorów rosyjskich i radzieckich do tworzenia orientalnych obrazów. Niezwykły talent melodyczny Borodina objawił się w szeroko śpiewnym stylu opery. Borodin nie miał czasu dokończyć opery; „Książę Igor” został ukończony przez Rimskiego-Korsakowa i Głazunowa i w ich wydaniu wystawiony na scenie w 1890 roku.

Gatunek historycznego dramatu muzycznego rozwinął także N. L. Rimski-Korsakow (1844–1908). Pskowscy maniacy buntujący się przeciwko Iwanowi Groźnemu (opera „Kobieta Psków”, 1872) kompozytor przedstawia z epicką wielkością. Wizerunek króla jest baldachimem prawdziwego dramatu. Element liryczny opery, kojarzony z bohaterką Olgą, wzbogaca muzykę, wprowadzając do majestatycznej tragicznej koncepcji cechy wysublimowanej delikatności i łagodności.

P. I. Czajkowski (1840-1893), najbardziej znany ze swoich prac psychologiczno-psychologicznych, był autorem trzech oper historycznych. Opery „Oprichnik” (1872) i „Mazeppa” (1883) poświęcone są dramatycznym wydarzeniom z historii Rosji. W operze „Dziewica Orleańska” (1879) kompozytor sięgnął do historii Francji i stworzył wizerunek narodowej bohaterki francuskiej Joanny d'Arc.

Osobliwością oper historycznych Czajkowskiego jest ich pokrewieństwo z jego operami lirycznymi. Kompozytor ujawnia w nich cechy charakterystyczne przedstawianej epoki poprzez losy poszczególnych ludzi. Obrazy jego bohaterów wyróżniają się głębią i prawdziwością w przekazywaniu złożonego wewnętrznego świata człowieka.

Oprócz ludowych historycznych dramatów muzycznych w operze rosyjskiej XIX wieku. Ważne miejsce zajmują ludowe opery baśniowe, szeroko reprezentowane w twórczości N. A. Rimskiego-Korsakowa. Najlepsze baśniowe opery Rimskiego-Korsakowa to „Śnieżna dziewczyna” (1881), „Sadko” (1896), „Kashey Nieśmiertelny” (1902) i „Złoty Kogucik” (1907). Szczególne miejsce zajmuje opera „Legenda o niewidzialnym mieście Kiteż i dziewica Fevronia” (1904), napisana na podstawie materiałów z legend ludowych o najeździe tatarsko-mongolskim.

Opery Rimskiego-Korsakowa zadziwiają różnorodnością interpretacji gatunku baśni ludowej. Albo jest to poetycka interpretacja starożytnych ludowych wyobrażeń o naturze, wyrażona we wspaniałej bajce o Śnieżnej Dziewicy, albo potężny obraz starożytnego Nowogrodu, albo obraz Rosji na początku XX wieku. w alegorycznym obrazie zimnego królestwa Kaszchejewa, a następnie prawdziwej satyrze na zgniły system autokratyczny w popularnych baśniowych obrazach („Złoty Kogucik”). W różnych przypadkach różnią się sposoby muzycznego przedstawiania postaci i techniki dramaturgii muzycznej Rimskiego-Korsakowa. Jednak we wszystkich jego operach można wyczuć głęboki twórczy wgląd kompozytora w świat idei ludowych, wierzeń ludowych i światopoglądu ludu. Podstawą muzyki jego oper jest język pieśni ludowej. Charakterystyczną cechą Rimskiego-Korsakowa jest oparcie się na sztuce ludowej, charakterystyka postaci poprzez wykorzystanie różnych gatunków ludowych.

Szczytem twórczości Rimskiego-Korsakowa jest majestatyczny epos o patriotyzmie narodu ruskiego w operze „Legenda o niewidzialnym mieście Kiteż i dziewica Fevronia”, w której kompozytor osiągnął ogromny szczyt muzycznego i symfonicznego uogólnienia tematu.

Wśród innych odmian rosyjskiej opery klasycznej jedno z głównych miejsc zajmuje opera liryczno-psychologiczna, której początkiem była „Rusałka” Dargomyżskiego. Największym przedstawicielem tego gatunku w muzyce rosyjskiej jest Czajkowski, autor znakomitych dzieł znajdujących się w światowym repertuarze operowym: „Eugeniusz Oniegin” (1877-1878), „Czarodziejka” (1887), „Dama pik” (1890). ), „Jolanta” (1891) ). Innowacyjność Czajkowskiego wiąże się z kierunkiem jego twórczości, poświęconej ideom humanizmu, protestowi przeciwko poniżaniu człowieka i wierze w lepszą przyszłość dla ludzkości. Wewnętrzny świat ludzi, ich relacje, ich uczucia ujawniają się w operach Czajkowskiego, łącząc teatralną skuteczność z konsekwentnym symfonicznym rozwojem muzyki. Twórczość operowa Czajkowskiego jest jednym z największych fenomenów światowej sztuki muzycznej i teatralnej XIX wieku.

Opera komediowa jest reprezentowana przez mniejszą liczbę dzieł w dziełach operowych rosyjskich kompozytorów. Jednak nawet te nieliczne próbki wyróżniają się narodową oryginalnością. Nie ma w nich zabawnej lekkości i komedii. Większość z nich powstała na podstawie opowiadań Gogola z „Wieczorów na farmie niedaleko Dikanki”. Każda z oper-komedii odzwierciedlała indywidualną charakterystykę autorów. W operze Czajkowskiego „Czerewiczki” (1885; w pierwszym wydaniu „Kowal Wakula”, 1874) dominuje element liryczny; w „Nocy majowej” Rimskiego-Korsakowa (1878) – fantastyczna i rytualna; w „Jarmarku Soroczyńskim” Musorgskiego (lata 70., niedokończone) - czysto komediowy. Opery te są przykładami umiejętności realistycznego odzwierciedlenia życia ludzi w gatunku komedii postaci.

Rosyjskiej klasyce opery towarzyszy szereg tzw. zjawisk równoległych w rosyjskim teatrze muzycznym. Mamy na myśli twórczość kompozytorów, którzy nie stworzyli dzieł o trwałym znaczeniu, choć wnieśli realny wkład w rozwój rosyjskiej opery. Musimy tu wymienić opery C. A. Cui (1835–1918), członka kręgu Bałakiriewa, wybitnego krytyka muzycznego lat 60. i 70. Opery Cui „William Ratcliffe” i „Angelo”, które nie wychodzą z konwencjonalnie romantycznego stylu, pozbawione są dramatyzmu, a czasem pogodnej muzyki. Późniejsze wsparcie Cui ma mniejsze znaczenie („Córka kapitana”, „Mademoiselle Fifi” itp.). Operze klasycznej towarzyszyła twórczość dyrygenta i dyrektora muzycznego opery w Petersburgu E. F. Napravnika (1839-1916). Najbardziej znana jest jego opera Dubrowski, skomponowana w tradycji oper lirycznych Czajkowskiego.

O kompozytorach występujących pod koniec XIX wieku. na scenie operowej musimy wymienić A. S. Arensky'ego (1861-1906), autora oper „Śnij dalej. Wołga”, „Rafael” i „Nal i Damayanti”, a także M. M. Ishyulitova-Ivanov (1859–1935), której opera „Asya” według I. S. Turgieniewa została napisana w liryczny sposób Czajkowskiego. W historii opery rosyjskiej wyróżnia się „Oresteja” S. I. Tanejewa (1856-1915), według Ajschylosa, którą można określić jako oratorium teatralne.

W tym samym czasie S. V. Rachmaninow (1873-1943) działał jako kompozytor operowy, który pod koniec konserwatorium (1892) skomponował jednoaktowe oneru „Aleko” w tradycji Czajkowskiego. Późniejsze opery Rachmaninowa – Francesca da Rimini (1904) i Skąpy rycerz (1904) – pisane były w stylu oper kantatowych; w nich akcja sceniczna jest maksymalnie skompresowana, a element muzyczno-symfoniczny bardzo rozwinięty. Muzyka tych oper, utalentowana i błyskotliwa, nosi piętno wyjątkowego stylu twórczego autora.

Z mniej znaczących zjawisk sztuki operowej początku XX wieku. nazwijmy operę A. T. Grechaninova (1864-1956) „Dobrynya Nikiticch”, w której charakterystyczne cechy baśniowo-epickiej opery klasycznej ustąpiły miejsca tekstom romantycznym, a także operę A. D. Kastalskiego (1856-1926) „Klara Milich”, w którym łączy elementy naturalizmu ze szczerym, efektownym liryzmem.

XIX wiek to era rosyjskiej klasyki opery. Rosyjscy kompozytorzy stworzyli arcydzieła z różnych gatunków opery: dramat, epos, tragedia heroiczna, komedia. Stworzyli nowatorską dramaturgię muzyczną, zrodzoną w ścisłym powiązaniu z nowatorską treścią oper. Ważna, determinująca rola masowych scen ludowych, wieloaspektowa charakterystyka bohaterów, nowa interpretacja tradycyjnych form operowych i stworzenie nowych zasad muzycznej jedności całego dzieła to cechy charakterystyczne rosyjskiej klasyki opery.

Rosyjska opera klasyczna, która rozwinęła się pod wpływem postępowej myśli filozoficznej i estetycznej, pod wpływem wydarzeń z życia publicznego, stała się jednym z niezwykłych aspektów rosyjskiej kultury narodowej XIX wieku. Cała droga rozwoju rosyjskiej twórczości operowej w ubiegłym stuleciu przebiegała równolegle z wielkim ruchem wyzwoleńczym narodu rosyjskiego; kompozytorzy inspirowali się wzniosłymi ideami humanizmu i demokratycznego oświecenia, a ich dzieła są dla nas wspaniałymi przykładami sztuki prawdziwie realistycznej.