Традиции французской музыкальной культуры начали закладываться еще до 15 века. Доподлинно известно, что огромное влияние на нее оказали культуры германских и кельтских племен, проживавших на современной территории Франции. Развитие музыки в этой стране проходило при взаимодействии с творчеством народов соседних стран - итальянцев и немцев. Именно поэтому французское музыкальное наследие получилось таким колоритным и разнообразным.
Истоки
Изначально на первый план во Франции выходила народная музыка, без которой простой люд не мог представить своего существования. С появлением христианства родилась церковная музыка, которая постепенно начала видоизменяться под влиянием народа.
Самым известным сочинителем литургий того времени называют Илария из провинции Пуатье. Жил он в 3 веке и был умнейшим теологом и учителем церкви.
Примерно с 10 века начинает обретать популярность светская музыка. Ее исполняют при феодальных дворах, на площадях больших городов, в монастырях. Среди инструментов встречаются барабан, флейта, тамбурин, лютня.
Век 12 ознаменовался открытием музыкальной школы при Нотр-Даме, великом парижском соборе. Ее композиторы стали создателями новых музыкальных жанров (кондукт, мотет).
В 13 веке виднейшим музыкантом стал Адам де ла Аль, который переосмыслил творчество трубадуров, дав дорогу настоящему музыкальному искусству. Самое интересное его творение - это "Игра о Робене и Марион". Он стал автором как стихов, так и музыки для этой пьесы, которую с успехом ставили при дворе графа Артуа.
Арс нова - направление европейской музыки, получившее свое развитие во Франции, стало воплощением новых идей музыкантов. Французские композиторы Гийом де Машо и Филипп де Витри стали главными теоретиками этого периода. Де Витри написал музыкальное сопровождение к поэме "Роман о Фовеле", де Машо стал автором "Мессы Нотр-Дам". Это первое произведение, написанное одним композитором, а не в соавторстве с кем-то.
Эпоха Возрождения
С середины 15 до второй половины 16 века французская музыка развивается под влиянием нидерландской школы и таких внутриполитических изменений, как война за объединение Франции, установление централизованного государства, возникновение буржуазии.
Под воздействием таких композиторов, как Жиль Беншуа, Жоскен Депре, Орландо ди Лассо, формируется новый пласт в музыкальном искусстве Франции. Царский двор не остается в стороне. Там появляются капеллы и утверждают должность главного интенданта музыки. Первым стал скрипач из Италии Бальтазарини ди Бельджойзо.
Расцвет национальной музыкальной культуры пришелся на 16 век, когда выделился как жанр шансон, значимую роль приобрела органная музыка. Жан Титлуз стал родоначальником и идеологом этого направления.
Широкое распространение имело творчество гугенотов, которое из-за религиозных распрей отодвинулось на второй план. Французские композиторы, крупнейшие представители этого слоя, Клод Гудимель и Клод Лежен стали авторами сотен псалмов. Оба они пострадали во время Варфоломеевской ночи.
17 век
Музыка этого века развивалась под влиянием установившейся абсолютной монархии. Придворная жизнь при Людовике 15 славилась своей пышностью и изобилием. Поэтому неудивительно, что среди прочих увеселений появились такие важнейшие жанры, как опера и балет.
Кардинал Мазарини ратовал за развитие утонченного искусства. Его итальянское происхождение стало причиной популяризации культуры этой страны во Франции. Первые опыты создания национальной оперы принадлежат Элизабет Жаке де ла Герр, написавшей "Кефала и Прокриду" в 1694 году.
Открытый в 1671 году Королевский оперный театр подарил стране замечательных композиторов. Марк-Антуан Шарпантье создал сотни произведений, в том числе оперы "Сошествие Орфея в ад", "Медея", "Суд Париса". Андре Кампра - автор оперы-балета "Галантная Европа", "Венецианский карнавал", музыкальных трагедий "Ифигения в Тавриде", "Ахилл и Дейдамия".
17 век стал периодом становления французской школы клавесинистов. Среди ее участников можно выделить Шамбоньера и Жана-Анри д"Англебера.
18 век
Музыкально-общественная жизнь в этом веке круто меняется. Концертная деятельность выходит за рамки придворной. С 1725 года устраивались регулярные публичные концерты в театрах. Были основаны общества "Любительские концерты" и "Друзья Аполлона" в Париже, где любители могли наслаждаться исполнением инструментальной музыки.
Клавесинная сюита достигает своего расцвета в 30-е годы. Франсуа Куперен написал более 250 пьес для клавесина и прославился не только в родной стране, но и за границей. Также на его счету королевские оперы и произведения для органа.
Для музыки 18 века огромное значение имеет творчество Жана Филиппа Рамо, который являлся не только талантливым композитором, но и видным теоретиком в своем деле. Его лирические трагедии "Кастор и Поллукс", "Ипполит и Арисия", балет-опера "Галантные Индии" пользуются спросом и у современных режиссеров.
Практически все музыкальные произведения до середины 18 века были либо церковными, либо мифологическими. Но настроения в обществе требовали новых интерпретаций и жанров. На этой почве обрела популярность опера-буфф, которая с сатирической стороны показывала высшее общество и королевскую власть. Первые либретто к таким операм писал Шарль Фавар.
Французские композиторы 18 века оказали большое влияние на оперный стиль и музыкально-теоретическую основу этого жанра.
19 век
Великая Французская революция повлекла за собой значительные изменения в музыкальной культуре. На первый план вышла военно-духовая музыка. Были открыты специальные школы для обучения военных музыкантов. В опере теперь господствовали патриотические сюжеты с новыми национальными героями.
Период Реставрации отметился возвышением романтической оперы. Французский композитор Берлиоз - наиболее яркий представитель этого времени. Его первым программным произведением стала "Фантастическая симфония", отражавшая преувеличенную эмоциональность, типичные настроения того времени. Он стал создателем драматической симфонии "Ромео и Джульетта", увертюры "Король Лир", оперы "Бенвенуто Челлини". В родной стране Гектора Берлиоза оценивали неоднозначно. Связано это было с особенным творческим путем, который он избрал для себя. Его произведения наполнены невероятными оркестровыми эффектами, которые композитор применил первым из французских музыкантов.
Середина 19 века ознаменовалась началом развития оперетты в стране. Но уже в 1870-х на первый план выходит лирическая музыка, но с реалистическими тенденциями. Основателем этого жанра считается Шарль Гуно. Его оперы - "Лекарь поневоле", "Фауст" "Ромео и Джульетта" - выражают все новаторские разработки композитора.
Десятки значимых для культуры Франции произведений создал Жорж Бизе, который прожил короткую жизнь. Он учился в консерватории с 10 лет и с самого начала делал большие успехи. Он выиграл несколько значимых музыкальных конкурсов, что позволило музыканту уехать в Рим на несколько лет. После своего возвращения в Париж Жорж Бизе начинает работать над оперой всей своей жизни - "Кармен". Ее премьера состоялась в 1875 году. Публика не приняла и не поняла этого произведения. Композитор скончался в том же году, так и не увидев триумфа "Кармен".
В последние годы 19 века французские композиторы пишут под влиянием немецких, в особенности Рихарда Вагнера.
20 век
Новое столетие ознаменовалось распространением импрессионизма в музыкальной культуре. Великие французские композиторы стали приверженцами этого стиля. Самым ярким был К. Дебюсси. В его творчестве отразились все основные черты, присущие этому направлению. Эстетика импрессионизма не осталась в стороне и от другого француза. Морис Равель в своих произведениях смешивал разные стилистические тенденции своего времени.
20 век стал периодом создания творческих объединений, членами которых были деятели искусства. Знаменитая "Французская шестерка", созданная под руководством Эрика Сати и Жана Кокто, стала самым мощным сообществом композиторов того времени.
Свое название объединение получило из-за аналогии с русским союзом композиторов - Могучей кучкой. Их сближало желание отстраниться от иностранного влияния (в данном случае немецкого) и развивать национальный пласт этого искусства.
В объединение входили Луи Дюрей ("Лирические приношения", "Автопортреты"), Дариюс Мийо (опера "Виновная мать", балет "Сотворение мира"), Артюр Онеггер (опера "Юдифь", балет "Шота Руставели"), Жорж Орик (музыка для фильмов "Принцесса Клевская", "Римские каникулы"), Франсис Пуленк (опера "Диалоги кармелиток", кантата "Бал-маскарад") и Жермен Тайфер (опера "Маленькая русалочка", балет "Продавец птиц").
В 1935 году зародилось еще одно объединение - "Молодая Франция". Ее участниками стали Оливье Мессиан (опера "Святой Франциск Ассизский"), Андре Жоливе (балеты "Красавица и чудовище", "Ариадна").
Такое новое течение, как музыкальный авангард, появилось после 1950 года. Ярким его представителем и вдохновителем стал Пьер Булез, который учился у Мессиана. В 2010 году он вошел в двадцатку лучших дирижеров во всем мире.
Развитию современного искусства во Франции способствовала новаторская деятельность таких столпов академической музыки, как Дебюсси и Равель.
Дебюсси
Ашиль-Клод Дебюсси, родившийся в Сен-Жермен-ан-Ле, с раннего детства чувствовал тягу к прекрасному. Уже в 10 лет он поступил в Парижскую консерваторию. Учеба давалась ему легко, мальчик даже выиграл небольшой внутренний конкурс. Но Клода тяготили занятия по гармонии, поскольку педагог недружелюбно относился к экспериментам мальчика со звуками.
Прервав учебу, Клод Дебюсси отправился в путешествие с помещицей из России Н. фон Мекк в качестве домашнего пианиста. Время, проведенное на русской земле, благотворно сказалось на Клоде. Он наслаждался творчеством Чайковского, Балакирева и других композиторов.
Вернувшись в Париж, Дебюсси продолжает учиться в консерватории и писать. Он еще формирует свой собственный стиль. Переломным моментом в жизни Клода стало знакомство с Э. Сати, который своими новаторскими идеями указал путь начинающему композитору.
Зрелый стиль Дебюсси окончательно оформился к 1894 году, когда он написал "Послеполуденный отдых фавна", знаменитую симфоническую прелюдию.
Равель
Морис Равель родился на юге Франции, но чтобы обучаться своему любимому делу, переехал в Париж в юном возрасте. Его учителем стал французский композитор-пианист Шарль де Берио.
Как и в случае Дебюсси, на Мориса очень повлияла встреча с Эриком Сати. После нее Равель начал сочинять с удвоенной силой, вдохновленный речами и идеями композитора.
Еще во время учебы в консерватории Равель пишет ряд произведений на испанские мотивы ("Хабанера", "Старинный менуэт"), которые приветливо встречаются товарищами-музыкантами. Однако стиль композитора однажды сыграл с ним злую шутку. Равеля не допустили к участию в конкурсе на престижную Римскую премию, мотивируя это возрастными ограничениями. Но композитор не достиг еще 30 лет и мог, в соответствии с правилами, предоставить свое сочинение. В 1905 году из-за этого разразился огромный скандал в музыкальном мире.
После Первой мировой войны, на которую Равель ушел добровольцем, в его произведениях основным считалось эмоциональное начало. Этим объясняется резкий переход от написания опер к инструментальным сочинениям (сюита "Гробница Куперена"). Также он сотрудничает с Сергеем Дягилевым и пишет музыку для балета "Дафнис и Хлоя".
В это же время композитор начинает работать над своим самым значимым произведением - "Болеро". Музыка была дописана к 1928 году.
Последней работой Мориса Равеля стали "Три песни", написанные для Федора Шаляпина.
Легран
Для русского зрителя имя одного французского композитора звучит очень знакомо. Это Мишель Легран, который создал музыку к культовым фильмам.
Мишель Жан родился в семье дирижера и пианистки. С самого детства мальчик был заворожен музыкальным искусством, поэтому и поступил в парижскую консерваторию. После завершения обучения он уехал в США, где начал писать музыку для фильмов.
Во Франции работал с прославленными режиссерами Жан-Люком Годаром и Жаком Деми. Самой популярной его работой является музыка для фильма "Шербурские зонтики".
Писал джазовую музыку. С 1960-х работал в Голливуде. Среди известных работ композитора - музыка для "Аферы Томаса Крауна", "Обратной стороны полуночи". Мишель Легран является трижды лауреатом премии "Оскар".
21 век
Академическая музыка по-прежнему остается востребованной во Франции. Не счесть всех фестивалей и учрежденных премий за достижения в этой области. В Париже, являющемся культурным центром страны, находятся Национальная консерватория, Опера Бастилия, Опера Гарнье, Театр Елисейских полей. Работают десятки оркестров, известных по всему миру.
Широкой публике музыка французских композиторов становится известна благодаря кинематографу. Наряду с оперной и симфонической музыкой они пишут и для фильмов. В основном это работы для французской индустрии кино, но некоторые композиторы выходят и на международный уровень. Самые успешные ныне живущие французы-композиторы 21 века - это:
- Антуан Дюамель ("Украденные поцелуи", "Изящная эпоха").
- Морис Жарр ("Доктор Живаго", "Прогулка в облаках").
- Владимир Косма ("Укол зонтиком", "Папаши").
- Брюно Куле ("Бельфегор-призрак Лувра", "Хористы").
- Луи Обер (оперы "Голубой лес", "Чарующая ночь").
- Филипп Сард ("Дочь Д"Артаньяна", "Принцесса де Монпансье").
- Эрик Серра (саундтреки к "Леону", "Жанне д"Арк", "Пятому элементу").
- Габриэль Яред ("Английский пациент", "Холодная гора").
Развитие клавесинизма во Франции тесно связано с условиями придворного и дворянского быта. Как уже говорилось, французский абсолютизм оказал значительное влияние на искусство. Литература, живопись, скульптура, музыка и театр использовались для возвеличивания королевской власти и создания блестящего ореола вокруг «короля-солнца» (так аристократы-современники прозвали Людовика XIV). В первой половине XVIII столетия, в период царствования Людовика XV, французский абсолютизм переживал постепенный упадок. Он становился тормозом на пути общественного развития страны. Громадные средства, выкачивавшиеся королем и дворянством из третьего сословия, расходовались на роскошь и светские удовольствия. Их жизненное credo метко выразила известная фраза: «После нас — хоть потоп!» В этих условиях получает распространение галантный стиль (или рококо). Он ярко отражает быт светского общества. Празднества, балы, маскарады, пасторали — таковы сюжеты, использовавшиеся особенно часто в искусстве рококо. Талантливый французский живописец этого времени Антуан Ватто создал серию картин на подобные сюжеты. «Бал под колоннадой», «Праздник в Версале», «Отплытие на остров Цитеры» (богини любви — Венеры) и многие другие.
Легкий флирт, кокетство, «галантная любовь» придавали увеселениям аристократов
особую пикантность. Светская женщина была в центре внимания этих развлечений
и этого искусства. О ней писали стихи, ее изображали на картинах, ей посвящали
музыкальные произведения.
Для искусства рококо характерна миниатюрность форм. Художники создавали
преимущественно небольшие картины, на которых фигуры людей кажутся кукольными,
а обстановка игрушечной. Примечательно, что в быту светский человек окружал
себя бесконечными безделушками. Даже книги и те печатались необыкновенно
маленького размера.
Страсть к миниатюрному отчетливо сказалась в обильном использовании украшений.
Внутренняя отделка салона, мебель, одежда были уснащены орнаментом. Один
искусствовед подсчитал, что если бы развернуть и соединить воедино все
бесчисленные бантики, которыми украшали свой костюм франты того времени,
то получилась бы лента длиною во много десятков метров.
Живописный и лепной орнамент стиля рококо отличался ажурностью и изяществом.
Особенно характерны для него украшения в виде завитков, от которых стиль
и получил свое название (рококо происходит от французского слова го-caille
— раковина).
В русле этого галантного искусства в основном развивался и французский
клавесинизм. Его характер в значительной мере обусловливался запросами
светского общества.
Чтобы яснее их представить, перенесемся мысленно во французский салон
того времени с его изящной отделкой, стильной мебелью и богато разукрашенным
клавесином на тонких изогнутых ножках. Разряженные дамы и галантные кавалеры
в париках ведут непринужденный светский разговор. Желая развлечь гостей,
хозяйка салона приглашает домашнего музыканта или какую-нибудь известную
своим «талантом» любительницу «попробовать» инструмент. От исполнителя
здесь не ждут искусства глубокого, исполненного значительных идей и сильных
страстей. Игра клавесиниста должна, в сущности, продолжить тот же легковесный
светский разговор, выраженный только языком музыкальных звуков.
Каково было отношение к искусству в аристократических салонах, видно из
стихотворения французского поэта периода расцвета стиля рококо — Дефоржа
Мейарда:
Гармонию рождают Ваши руки.
Очарованьем неземным и сладостным объят,
Смущенный, отдаю мой дух ему во власть.
Смотрю, как пальцы легкие, подобные Амуру —
О чародеи ловкие! О нежные тираны! —
Блуждают, бегают по клавишам послушным,
Летают с тысячью пленительных проказ.
Киприды дети, как они резвы и милы,
Но, чтоб похитить сердце, и без них
Довольно, чтоб их брат и мать их, торжествуя,
Царили на устах у Вас и искрились в очах** (153, с. 465).
(Перевод Е. Н. Алексеевой).
Плеяда французских клавесинистов конца XVII — начала XVIII столетия блистала
такими именами, как Франсуа Куперен, Жан-Филипп Рам о, Луи Дакен, Франсуа
Дандриё. В их творчестве ярко проявились важнейшие особенности стиля рококо.
Вместе с тем эти музыканты нередко преодолевали господствующие эстетические
требования и выходили за рамки чисто развлекательного и условного советского
искусства.
Франсуа Куперен (1668—1733), прозванный современниками «великим», — крупнейший
представитель музыкального рода Куперенов. Юношей, после смерти отца,
он получил место органиста в церкви Сен-Жерве в Париже (должность органиста
в те времена была наследственной и передавалась в семьях музыкантов от
поколения к поколению). Впоследствии ему удалось стать придворным клавесинистом.
В этом звании он оставался почти до самой смерти.
Куперен — автор четырех сборников клавесинных пьес ,
изданных в 1713, 1717, 1722 и 1730 годах, ансамблей для клавира со струнными
и духовыми инструментами, а также других сочинений. Среди его пьес много
пасторалей («Жнецы», «Сборщицы винограда», «Пастораль») и «женских портретов»,
в которых воплощены самые различные образы («Флорентинка», «Сумрачная»,
«Сестра Моника», «Девушка-подросток»). В них можно найти тонкие психологические
черточки; недаром в предисловии к первой тетради своих пьес композитор
писал, что эти «портреты» находили «довольно схожими».
Немало пьес Куперена основано на остроумных звукоподражаниях: «Будильник»,
«Щебетание», «Вязальщицы».
Все эти названия в значительной мере условны и нередко без ущерба для
осознания смысла музыки могут быть перенесены из одной пьесы в другую.
Вместе с тем нельзя не признать, что композитору нередко удавалось создавать
характерные и правдивые «зарисовки с натуры».
В пьесах Куперена и других французских клавесинистов его времени богато
разукрашенная мелодия явно доминирует над остальными голосами. Нередко
их всего два (таким образом, вместе с мелодией они образуют трехголосную
ткань). Сопровождающие голоса обычно выдерживаются на протяжении всего
произведения и иногда приобретают самостоятельное значение.
Орнамент в пьесах французских клавесинистов богат и разнообразен. Стилистически
он родствен живописному и лепному орнаменту рококо. Окутывая остов мелодической
линии подобно плющу, обвивающемуся вокруг ствола дерева, мелизмы придают
мелодии изысканность, прихотливость и «воздушность». Характерно, что именно
во Франции получили значительное распространение украшения, «обвивающие»
мелодическую ноту, а наиболее типичное из них — группетто — было впервые
графически обозначено французским музыкантом (Шамбоньером). Широко употреблялись
во французской музыке также трели, форшлаги, морденты.
В пьесах французских клавесинистов XVIII века по сравнению с сочинениями
Шамбоньера мелодика отличается большей широтой дыхания. В ней вырабатывается
четкая периодичность, подготавливающая закономерности мелодического развития
венских классиков.
В связи с проблемой мелодики французских клавесинистов возникает весьма
важный вопрос — о связях их творчества с народной музыкой. На первый взгляд
оно может показаться оторванным от народной почвы. Этот вывод, однако,
был бы поспешным и ошибочным. Глубоко справедлива мысль К. А. Кузнецова,
утверждавшего, что у Куперена «через аристократический тонкий наряд его
клавесинных пьес пробивает себе путь музыка деревенского хоровода, деревенской
песни, с ее структурой» (56, с. 120).
Действительно, если представить себе мелодическую линию некоторых из этих
пьес без ее орнаментального убранства, мы услышим незамысловатый мотив
в духе народных французских песенок.
В творчестве Куперена обнаруживаются симптомы разложения сюиты. Хотя формально
композитор и объединяет свои пьесы в циклы (он называет их ordres — наборы), органичной связи между отдельными
частями сюиты нет. Исключения в этом отношении редки. К ним может быть
причислена интересная попытка объединения нескольких пьес общностью программного
замысла (сюита «Юные годы», включающая пьесы: «Рождение музы», «Детство»,
«Девушка-подросток» и «Прелести», или цикл «Домино» из 12 пьес, рисующих
образы маскарада).
Для Куперена характерны искания в области миниатюры, отвечающие задаче
воплощения различных настроений и мелкой, «ювелирной» работы над деталями,
а не поиски монументальной формы, способной передать большие идейные концепции.
Здесь он проявил себя художником, стоящим на эстетических позициях рококо.
Однако, если в отношении выбора типа клавесинного произведения у Куперена
проявляется тенденция к отходу от крупных форм (сюиты), то все же его
миниатюра более развита и крупнее по масштабам, чем отдельные части сюитного
цикла XVII века. Особенно новым и важным с точки зрения процессов будущего
развития инструментального искусства было создание Купереном контрастности
внутри отдельного произведения (форма рондо), что резко отличает его творчество
от сочинений Шамбоньера. Правда, контрастность у Куперена еще сравнительно
невелика. «Припевы» и «куплеты» в его пьесах далеко не столь контрастны,
как в рондо венских классиков. Кроме того, музыка Куперена значительно
больше связана с танцем, являясь еще в этом отношении скорее «сюитной»,
чем «сонатной». Однако важный шаг в направлении подготовки стиля классицизма
конца XVIII столетия, в частности циклической сонаты (в первую очередь
некоторых типов последних ее частей), Купереном уже сделан.
Жан-Филипп Рамо (1683—1764) — представитель более позднего поколения французских
клавесинистов, и хотя его клавирное творчество хронологически совпадает
с купереновским, в нем по сравнению с этим последним есть новые черты.
Новое у Рамо определяется, по-видимому, в первую очередь несколько иным
характером его творческой деятельности, чем у Куперена, и прежде всего
тем, что в первый период своей жизни—в годы создания клавирных сочинений
—он был связан с иными общественными кругами.
Рамо родился в семье музыканта. В юности он работал скрипачом в оперной
труппе, с которой ездил по Италии, затем был органистом в различных городах
Франции. Параллельно Рамо занимался творчеством; он создал, среди других
сочинений, для клавесина немало пьес и ряд ансамблей. Важно отметить,
что Рамо, кроме того, писал в эти годы музыку для такого демократического
жанра, как ярмарочные комедии. Эта музыка была им частично использована
в клавесинных пьесах (возможно, как предполагает Т. Н. Ливанова, в известном
«Тамбурине» и «Крестьянке»).
Выдающийся оперный и клавесинный композитор, Рамо был также музыкантом-теоретиком,
сыгравшим большую роль в развитии учения о гармонии.
Широкий музыкальный кругозор, творческая работа в различных жанрах — от
оперы до французской ярмарочной комедии, многосторонний исполнительский
опыт органиста, клавесиниста и скрипача — все это отразилось в клавирном
искусстве Рамо. Некоторыми своими гранями оно тесно примыкает к творчеству
Ф. Куперена. Имеется немало пьес этих композиторов, стилистически чрезвычайно
близких друг к другу. Несомненно, что два выдающихся современника не избежали
взаимовлияния.
Во многих сочинениях Рамо, однако, ощущается стремление к меньшей прихотливости
и орнаментальной разукрашенности мелодического рисунка, к более свободной
трактовке танцевальных форм, к более развитой и виртуозной фактуре. Так,
в Жиге e-moll, написанной в форме рондо, скрадываются жанро-во-танцевальные
черты и предвосхищается певучий стиль композиторов-сентименталистов середины
XVIII столетия (Л. Го-довский при обработке этой жиги превратил ее даже
в «Элегию»). В ней характерны и чувствительные обороты мелодии, и меньшее
количество украшений, и сопровождение, напоминающее популярные в более
поздний период «альбертиевы басы»— разложенные аккорды, названные по имени
итальянского композитора первой половины XVIII столетия Альберти, который
начал их широко применять (прим. 11).
Наиболее смелые фактурные новшества Рамо связаны с образами, выходящими
за рамки обычной тематики рококо. В пьесе «Солонские простаки», воспроизводящей
деревенский танец, появляется широкое изложение фигурации в левой руке
(прим. 12).
При передаче образа страстной порывистой «Цыганки» Рамо пользуется также
не характерными для стиля рококо фигу-рациями в виде ломаных арпеджио
(прим. 13).
Необычная фактура применяется Рамо в пьесе «Вихри», где арпеджио, исполняемое
попеременно двумя руками, захватывает диапазон в несколько октав (прим.
14).
Среди пьес других клавесинистов французской школы первой половины XVIII
столетия особой популярностью пользуется < Кукушка» Дакена — действительно
очень талантливое произведение, мастерски созданное на основе одного мотива
— «кукования» кукушки. Значительный художественный интерес представляют
некоторые пьесы Дандриё («Дудочки» и другие). Среди его сочинений обращает
на себя внимание рондо «Страждущая» (или «Воздыхающая»), написанное в
сугубо чувствительных тонах и свидетельствующее об усилении во французском
клавесинизме к середине столетия тенденций сентиментализма (прим. 15).
Подытожим кратко характерные особенности стиля французской клавесинной
музыки периода рококо в том виде, как они проявились в творчестве лучших
ее представителей.
Мы видим, что, несмотря на стилистическую ясность и определенность, музыка
эта таит в себе противоречия.
Отдавая дань условной тематике рококо, французские клавесинисты в лучших
своих произведениях создают элементы жизненно правдивого искусства, намечая
в известной мере жанрово-изобразительное и лирико-психологическое направление
в музыке.
Мелодика клавесинного рококо — главное выразительное начало этой музыки
— несмотря на модный орнаментальный убор, обнаруживает связи с живительным
родником народного творчества и в известной мере предваряет музыкальный
язык классиков конца XVIII столетия.
Отражая типичные черты искусства рококо: изысканность, утонченность, тяготение
к миниатюре, к сглаживанию «острых углов», клавесинная миниатюра-рондо
вместе с тем подготавливает контрастность, динамичность и монументальность
классической сонаты.
Вне этой противоречивости нельзя понять, почему лучшее из наследия французских
клавесинистов продолжает нас привлекать еще и теперь — исполнителей и
слушателей, живущих совершенно другими эстетическими идеалами.
Расцвет французского клавесинизма проявился не только в сфере сочинения
музыки, но и в исполнительском и педагогическом искусстве.
Важнейшими источниками для изучения этих областей музыкального искусства,
помимо памятников творчества композиторов, являются клавирные руководства.
Наиболее значительное из них — трактат Ф. Куперена «Искусство игры на
клавесине» (1716), в котором систематизированы характерные исполнительские
принципы французских клавесинистов и дано немало интересных педагогических
советов, частично не утративших своего значения до настоящего времени.
Весьма интересно и другое педагогическое сочинение того периода — «Метод
пальцевой механики» Рамо, опубликованное во второй тетради его клавесинных
пьес (1724). Оно посвящено только одной проблеме — техническому развитию
ученика.
Отметим на основе этих трактатов и других доступных нам источников важнейшие
черты исполнительского и педагогического искусства французских клавесинистов
первой половины XVIII столетия и остановимся на некоторых проблемах, возникающих
при интерпретации их сочинений.
Характерно прежде всего то внимание, которое уделялось внешнему виду исполнителя
за инструментом. Слушателям не должно было казаться, что игра на клавесине
— серьезное занятие, так как труд, по понятиям светского человека, — удел
слуги, «простого народа». «За клавесином, — учит в своем руководстве Куперен,—
надо сидеть непринужденно; взгляд не должен быть ни пристально сосредоточенным
на каком-либо предмете, ни рассеянным; словом, надо смотреть на общество
так, как будто ничем не занят» (141, с. 5—6). Куперен предостерегает от
подчеркивания такта во время игры движением головы, корпуса или ногой.
По его мнению, это не только ненужная привычка, мешающая слушателю и исполнителю.
Это неприлично. Чтобы «избавиться от гримас» во время игры, он рекомендует
в процессе упражнения посматривать на себя в зеркало, которое предлагает
ставить на пюпитр клавесина.
Вся эта «галантность» поведения исполнителя, напоминающая традиционную
улыбку балерин в классическом балете, — весьма характерная черта исполнительского
искусства эпохи рококо.
Одной из важнейших задач клавесиниста было умение тонко, со вкусом исполнять
в мелодии орнаментику. В XVII веке разукрашивание мелодии в значительной
мере осуществлялось исполнителем. «В выборе украшений, — писал в своем
руководстве Сен-Ламбер, — предоставляется полная свобода. В разучиваемых
пьесах можно играть украшения даже в тех местах, где они не показаны.
Можно выкинуть имеющиеся в пьесах украшения, если их найдут малоподходящими,
и заменить другими по своему выбору» (190, с. 124). С течением времени
отношение к импровизационным изменениям мелизмов стало иным. Развитие
тонкого изощренного мастерства, при котором мельчайшие орнаментальные
детали приобретали большое значение и служили показателем «истинного вкуса»
музыканта, сковывало импровизационное начало в исполнительском искусстве.
Судя по некоторым высказываниям Куперена, уже в его время во французской
клавесинной школе импровизация начала постепенно вырождаться. Ей стали
противопоставлять исполнительское искусство, основанное на тщательном
разучивании заранее написанных и во всех деталях обдуманных сочинений.
Особенно непримиримо выступает Куперен против импровизационных изменений
украшений в своих произведениях. В предисловии к третьей тетради клавесинных
пьес он с поразительной настойчивостью, даже в несколько раздраженном
тоне, столь несвойственном его литературному стилю, настаивает на необходимости
буквального выполнения всех деталей текста, так как иначе, говорит он,
его пьесы не произведут должного впечатления на людей, обладающих настоящим
вкусом.
Эти слова одного из крупнейших клавиристов своего времени не утратили
значения и по сегодняшний день. О них следует помнить каждому пианисту,
играющему пьесы старинных мастеров.
По сравнению с музыкантами других национальных школ Французские клавесинисты
дают более точные правила расшифровки орнамента. В этом нельзя не усмотреть
влияния рационализма, свойственного французской культуре, который порождал
стремление к ясности и подчинению художественного творчества строго установленным
логическим закономерностям.
Знакомство с практикой расшифровки мелизмов французскими клавесинистами
важно потому, что она в значительной мере определяла собой принципы исполнения
украшений и в других национальных школах. Такие, например, указания Куперена,
как исполнение трели с верхней вспомогательной или форшлага за счет последующей
длительности, разделялись большинством музыкантов первой половины XVIII
века.
Приводим некоторые образцы мелизмов Ф. Куперена и их расшифровки согласно
указаниям, сделанным композитором (прим, 16).
Ограниченные в отношении динамической палитры особенностями инструмента,
французские клавесинисты, по-видимому, стремились компенсировать однообразие
динамики разнообразием тембра. Можно предположить, что, подобно современным
исполнителям на клавесине, они меняли краски при повторениях припевов
рондо или усиливали контрасты между куплетами и припевами, используя имеющиеся
в их распоряжении тембры. Умелое применение различных регистров (лютневого,
фаготового и других), несомненно, придает клавесинным произведениям большую
характеристичность и яркость. В качестве примера регистровки клавесинной
миниатюры современными исполнителями рассмотрим трактовку известной пьесы
Куперена «Жнецы» Зузаной Ружичковой (прим. 17).
Все рефрены, за исключением третьего, ею исполняются forte. Лирический
характер двух первых куплетов выявляется иной, более светлой окраской
звучности. Контраст между рефреном и третьим куплетом, вершинным в звуковысотном
отношении, подчеркнут исполнением его октавой выше и серебристым тембром
звучания. Таким образом, регистровка находится в соответствии с общей
линией развития куплетов, намеченной композитором, к «тихой» кульминации
в третьем куплете и усиливает рельефность противопоставления двух образных
сфер — танцев «групповых» и «индивидуализированных» (этому же способствует
ритмика — очень определенная в рефренах и с элементами rubato в куплетах).
Используя богатые динамические возможности фортепиано, пианист должен
неустанно заботиться о красочности исполнения, так как добиться ее особенно
трудно. Для обогащения звуковой палитры надо умело пользоваться динамикой
и педалями. Не всякая педаль и не всякая динамика способствуют усилению
красочности исполнения. Иногда эти выразительные средства могут вызывать
и обратный эффект. Для того чтобы достигнуть тембрового разнообразия,
следует пользоваться контрастными педальными красками и так называемой
«террасообразной» динамикой. Под контрастными педальными красками подразумевается
не непрерывное употребление педали, а чередование построений беспедальных
(или почти беспедальных) и педализируемых густо. В построениях, которые
должны звучать очень прозрачно, приходится порой использовать самые легкие
нажатия педали. Значение такого рода педализации для передачи на фортепиано клавесинных пьес подчеркнуто Н. И. Голубовской в ее предисловии к сочинениям
английских вёрджиналистов. «Особо важную роль при исполнении клавесинных
произведений, — указывается в нем, —приобретает владение тонкими градациями
глубины нажатия педали. Неполная, иногда еле нажатая педаль сохраняет
полифоническую прозрачность, смягчая сухость тона» (32, с. 4).
Принцип «террасообразной» динамики заключается в преимущественном использовании
контрастных сопоставлений градаций силы звучности. Это не означает, конечно,
того, что исключается применение иных динамических оттенков. Речь идет
лишь о том, что определяющим принципом является контрастность, а не плавность
перехода от одной силы звучности к другой. В пределах же одного какого-нибудь
отрезка динамической шкалы, например, в пределах piano или forte, могут
и должны употребляться незначительные diminuendo и crescendo.
Многие композиторы той эпохи писали для клавесина медленные певучие пьесы.
У Куперена и других французских клавесинистов таких сочинений найдется
немало. Характерно, что в пьесах, требовавших звучности legato, клавесинисты
рекомендовали добиваться возможно большей связности игры. Куперен в подобных
случаях предлагал иногда пользоваться подменой пальцев на одной клавише.
Вполне естественно, что при существующих на современном фортепиано больших
возможностях исполнения legato мы должны воплотить в жизнь пожелания клавесинистов
и в нужных случаях, где этого требует характер музыки, стремиться достигнуть
максимальной связности, певучести звука.
Именно в таком плане исполняет пьесы Ф. Куперена и Ж.-Ф. Рамо пианистка
Элен Боскй (запись чешской фирмы «Супрафон»). Они предстают во всем очаровании
их художественной утонченности и при этом без специального подчеркивания
элементов манерности, церемонной этикетности, свойственной искусству стиля
рококо. Подобно Ружичковой, Боски концентрирует свое внимание прежде всего
на выявлении эмоционального содержания пьес, богатства запечатленных в
них оттенков чувств. При этом пианистка в известной мере воспроизводит
тембро-динамические особенности звучания клавесина, но, используя выразительные
возможности фортепиано, придает развитию музыкальных мыслей большую интонационную
изменчивость и выразительность. Характерным примером может служить трактовка
Сарабанды Ф. Куперена h-moll. Автор назвал «Единственная», выразив этим,
по-видимому, свое особое отношение к запечатленному в ней образу. В галерее
«женских портретов» французских клавесинистов Сарабанда выделяется необычной
напряженностью эмоциональной сферы, силой сдерживаемого, но готового вырваться
наружу драматического чувства, озаряемого порой светом задушевного лирического
высказывания. Пьеса привлекает выразительностью своего мелоса, интонационное
содержание которого выпукло оттенено колоритными, смелыми для того времени
гармоническими оборотами.
Передать на клавесине все богатство музыки миниатюры в полной мере не
представляется возможным. В самом деле: как добиться на нем нужной вокально-речевой
гибкости произнесения мелодии, требующей постоянных изменений силы звучания
(задача усложняется еще и обилием мелизмов, которые должны органично слиться
с основными звуками мелодии) (прим. 18)?
Как соотнести эту динамически изменчивую мелодическую линию с сопровождающими
ее голосами, служащими то мягким фоном, то, подобно басу во втором такте,
выходящими на первый план? Как выявить поэтическую прелесть VI низкой
ступени в четвертом и пятом тактах, тончайший эффект «перелива» гармонии
из низкого регистра в верхний, когда она предстает совсем в ином красочном
освещении, вызванном в значительной мере особенно интенсивным «свечением»
мелодического звука?
На фортепиано эти задачи вполне разрешимы. Исполнение Боски может служить
тому подтверждением. В самый ответственный момент — при воплощении «тихой»
кульминации (второй и третий такты примера 18 6) внимание слушателя приковывает
не только особая мягкость звучания арпеджированного минорного секстаккорда,
его мелодического голоса, но и небольшое замедление темпа. В воображении
словно всплывают дорогие воспоминания, которые хочется вновь пережить.
Отметим и исполнение уменьшенного септаккорда в начале следующего такта.
Уменьшенный септаккорд, нещадно «эксплуатировавшийся» композиторами-романтиками,
во времена Куперена звучал еще свежо. Первое и единственное его появление
в пьесе должно было производить впечатление гармонической необычности.
Именно так и услышала его пианистка. Она придает ему немного приглушенную
окраску и этим внезапным затенением эмоционального колорита подготавливает
восприятие дальнейшего порывисто-драматического развития музыки.
Для передачи таких тонких оттенков чувств, требующих гибких тембро-динамических
изменений звука, выразительные средства фортепиано оказываются необходимыми
в еще большей мере, чем при исполнении первого раздела пьесы.
Большое значение при интерпретации клавесинных миниатюр имеет тонкая передача
исполнителем танцевальной метро-ритмики, придающей многим пьесам, еще
не утратившим связи с танцем, особое очарование и подлинную жизненность.
Не случайно в трактатах французских клавесинистов есть указания
именно на этот тип исполнительского метроритма — упругий, активный. Такого
рода танцевальным началом пронизано исполнение Вандой Ландовской «Тамбурина»
Рамо и многих других пьес клавесинистов.
Отметим некоторые характерные принципы французских клавесинистов в двигательной
области.
Виртуозность их по сравнению с виртуозностью современных им клавиристов
других национальных школ — И. С. Баха, Скарлатти — была относительно ограниченного
типа. Они использовали лишь мелкую пальцевую технику и притом преимущественно
технику позиционную, то есть пассажи и фигурации в пределах позиции руки
без подкладывания первого пальца. Но в области пальцевой техники французские
клавесинисты достигали поразительного совершенства. По свидетельству Сен-Ламбера,
парижские виртуозы отличались настолько развитой «самостоятельностью»
пальцев, что могли одинаково свободно исполнять трели любыми пальцами.
Методические принципы французских клавесинистов, лежавшие в основе воспитания
двигательных навыков, отчетливее всего сформулированы Рамо в уже упоминавшемся
его педагогическом труде. В целом эта система взглядов была для того времени
прогрессивной.
Среди наиболее передовых установок Рамо необходимо отметить отстаивание
им громадных возможностей развития человеком своих природных задатков
при условии упорной, целенаправленной и осознанной работы. «Конечно, не
у всех способности одинаковы, — писал Рамо. — Однако, если только нет
никакого особого недостатка, мешающего нормальным движениям пальцев, возможность
развития их до той степени совершенства, чтобы наша игра могла нравиться,
зависит исключительно от нас самих, и я осмелюсь утверждать, что усидчивая
и направленная по верному пути работа, необходимые усилия и некоторое
время неминуемо выправят пальцы, даже наименее одаренные. Кто рискнет
положиться лишь на природные способности? Как можно надеяться их обнаружить,
не предприняв необходимой предварительной работы для их выявления? И чему
тогда можно будет приписать достигнутый успех, как не этой именно работе?»
(186, с. XXXV). Эти слова передового деятеля буржуазной культуры в период
ее формирования, проникнутые непоколебимой уверенностью в силу человеческого
разума, в возможность преодоления значительных трудностей, резко контрастируют
с измышлениями некоторых современных буржуазных ученых, пропагандирующих
фаталистическую предопределенность развития способностей человека его
врожденными задатками.
Одним из плодотворнейших принципов клавесинной методики в двигательной
области была неустанная борьба с вредными мышечными напряжениями. Необходимость
свободы двигательного аппарата при игре неоднократно подчеркивалась Купереном.
Много об этом говорит и Рамо. Большую ценность представляют его замечания
о необходимости сохранения гибкости запястья при игре. «Эта гибкость,—
замечает он,—распространяется тогда и на пальцы, делая их совершенно свободными
и придавая им нужную легкость» (186, с. XXXVI).
Важно также использование Рамо новых аппликатурных приемов, а именно:
подкладывания первого пальца, что связано, несомненно, с появлением в
его сочинениях более развитой фактуры.
Было распространено мнение, что этот прием «изобрел» И. С. Бах. Оно пошло
с легкой руки Ф. Э. Баха, который высказал его в своем методическом труде.
Между тем есть достаточные основания к тому, чтобы не приписывать это
нововведение одному И. С. Баху. Оно начало распространяться в различных
национальных школах, причем во Франции, вероятно, даже раньше, чем в Германии.
По крайней мере, уже упоминавшийся Дени, автор трактата о настройке спинета
(напомним, что трактат был издан еще в 1650 году), рекомендовал широко
употреблять все пальцы. «Когда я начинал учиться, — писал он, — педагоги
придерживались правила, что при игре нельзя пользоваться большим пальцем
правой руки; однако впоследствии я убедился, что если бы человек имел
даже столько рук, сколько у Бриарея (гигант из античной мифологии, у которого
было сто рук и пятьдесят голов. — А. А),—их все равно применяли бы все
при игре, даже если бы на клавиатуре и не было стольких клавишей» (143,
с. 37).
Есть основания полагать, что в первой половине XVIII века большой палец
стали широко применять и некоторые итальянские клавиристы. Д. Скарлатти,
по воспоминаниям современников, говорил, что не видит причины, почему
бы не употреблять при игре все десять пальцев, если природа дала их человеку.
Эти слова, по-видимому, следует понимать как совет использовать подкладывание
первого пальца. С 30-х годов XVIII столетия новый принцип аппликатуры,
называемый «итальянским», стал распространяться и в Англии. Если признать,
что Скарлатти действительно применял подкладывание большого пальца, то
вполне вероятно, что именно он и занес в Англию этот аппликатурный прием.
Подкладывание первого пальца — нововведение громадной важности. Оно быстро
двинуло вперед развитие клавирной техники. Вместе с тем этот прием, облегчив
преодоление многих технических трудностей, как обычно бывает в таких случаях,
в свою очередь оказал влияние на развитие клавирной фактуры, способствуя
ее последующему усложнению. Примененные вначале наиболее выдающимися виртуозами
своего времени новые аппликатурные принципы начали постепенно распространяться
и среди рядовых исполнителей. Понадобилось, однако еще несколько десятилетий,
чтобы они окончательно закрепились в практике. На протяжении всего XVIII
столетия наряду с подкладыванием первого пальца широко употреблялась еще
старинная аппликатура, основанная на перекладывании средних пальцев. Даже
на исходе столетия Д. Г. Тюрк — один из авторитетных фортепианных педагогов
— писал в своем руководстве, что не осмеливается отбросить эту аппликатуру,
несмотря на то что разрешил бы пользоваться ею только в редких случаях.
Лишь в XIX веке принцип подкладывания первого пальца прочно утверждается
в фортепианной педагогике. Что же касается приема перекладывания пальцев,
то он не исчезает совсем из практики. Его используют при игре двойных
нот, в полифонии, в некоторых пассажах (см., например, Этюд Шопена a-moll
op. 10).
Наряду с этими принципами, не утратившими своего прогрессивного значения
для всей последующей истории пианистической культуры, у Рамо есть высказывания
исторически преходящие, но весьма типичные для того времени. Он считал,
например, что такие сложные и тонко организованные психологические явления,
как процесс упражнения, можно свести «к простой механике». В этом сказалась
ограниченность научного мышления XVIII века, присущая даже наиболее выдающимся
мыслителям того времени — философам-материалистам. «Материализм прошлого
века, — писал Энгельс, — был преимущественно механическим,
потому что из всех естественных наук к тому времени достигла известной
законченности только механика. В глазах материалистов XVIII века человек
был машиной так же, как животное в глазах Декарта. Это применение исключительно
масштаба механики к процессам химического и органического характера, —
в области которых механические законы хотя и продолжают действовать, но
отступают на задний план перед другими, более высокими законами,— составляет
первую своеобразную, но неизбежную тогда ограниченность классического
французского материализма» (3, с. 286).
Стремясь исключить по возможности движения руки, Рамо говорит, что она
должна быть «как бы мертвой» и служить лишь для того, чтобы «поддерживать
прикрепленные к ней пальцы и перемещать их в те места клавиатуры, которых
они не могут достигнуть сами» (186, с. XXXVI).
После «постановки» пальцев на клавиатуре Рамо предлагает приступить к
игре упражнений — к «Первому уроку». Этот «Первый урок» не что иное, как
последовательность из пяти звуков: до, ре, ми, фа, соль. Автор рекомендует
учить его вначале каждой рукой отдельно, затем «всевозможными способами,
пока не почувствуешь, что руки приобрели такой навык, Что уже нечего больше
опасаться нарушения правильности их Движений» (186, с. XXXVII).
С точки зрения советских подагогов, приведенные принципы Рамо не выдерживают
критики. Не говоря уже об ошибочности сведения упражнений к «простой механике»,
неправильно стремиться к тому, чтобы рука была как бы «мертвой», нецелесообразно
сразу начинать с упражнений типа «Первого урока» Рамо.
Однако для своего времени эта система двигательных принципов была передовой.
Она отражала прогрессивные тенденции к внедрению в педагогическое искусство
научного метода мышления и к рационализации процесса технического воспитания
ученика. Она была связана с практикой клавесинного исполнения, основывающегося
на использовании мелкой пальцевой техники в пределах относительно незначительного
диапазона инструмента.
Произведения французских клавесинистов,
некогда весьма популярные, уже к концу XVIII столетия перестали занимать
сколько-нибудь значительное место в исполнительском и педагогическом репертуаре.
Возрождение этой музыки во Франции началось в последних десятилетиях прошлого
века. Оно объяснялось в известной мере развитием эстетско-стилизаторских
тенденций, но во многом и здоровым стремлением передовых музыкантов к
развитию национальных классических традиций.
Интерес к произведениям французских клавесинистов XVIII века проявляли
и русские музыканты. Напомним об исполнении произведений Куперена и Рамо
Антоном Рубинштейном в его Исторических концертах. Замечательным образчиком
самобытной трактовки клавесинной миниатюры может служить исполнение «Кукушки»
Дакена Рахманиновым. В отличие от некоторых пианистов, придающих этой
пьесе элегически-томный характер, гениальный пианист заостряет присущие
ей черты изящного юмора и жизнерадостного задора. Значительную роль в
создании такого образа играет остроумная деталь — сильная ритмическая
«оттяжка» короткого звука в мотиве «кукования».
Среди советских исполнителей произведений французских клавесинистов отметим
Е. Бекман-Щербину, Н. Голубовскую, Г. Когана, М. Неменову-Лунц, Н. Перельмана.
Г. Коган также способствовал пропаганде клавесинного наследия своими лекциями
и статьями.
Существует издание академического типа полного собрания сочинений Ф. Куперена,
сделанное группой французских музыковедов во главе с Морисом Коши (Париж,
1932—1933, и сочинений Рамо под редакцией К. Сен-Санса (Париж, 1895—1918).
Представление о первом издании пьес Ф. Куперена дает четырехтомник его
клавесинных произведений, выпущенный в Будапеште в 1969—1971 годах венгерским
пианистом и клавесинистом Й. Гатом. Аналогичным типом издания является
том полного собрания сочинений для клавесина Рамо, опубликованный в 1972
году издательством «Музыка» (редактор Л. Рощина, вступительная статья
В. Брянцевой). Большое количество пьес Ф. Куперена, Рамо и других французских
клавесинистов, снабженных подробными ремарками о характере их исполнения,
содержится в трех сборниках, составленных А. Юровским (М., 1935, 1937).
Доклад по истории наук
то теме «Музыка Франции 18 века»
ученика 10 класса физико-математического факультета
лицея №1525 «Воробьевы горы»
Казакова Филиппа.
Первое, что необходимо сказать про музыку Франции 18 века, это то, что в отличие от ведущих в области музыки стран (таких, как Германия, Австрия, Испания и Италия), Франция не могла похвастаться ни большим количеством особенно известных композитов, ни исполнителями, ни богатым ассортиментом известных произведений. Наиболее известным Французским композитором того времени считается Глюк, но и он был родом из Германии. Отчасти эта ситуация диктовалась интересами общества, определявшими стили музыки. Рассмотрим течение развития музыки в 18 веке.
В начале века наиболее популярным стилем музыки был сентиментальный классицизм . Это была медленная неторопливая музыка, не особенно сложная. Играли ее на струнных инструментах. Обычно она сопровождала балы и пиры, но также ее любили слушать и в непринужденной домашней атмосфере.
Затем, в лютневую музыку начали попадать черты и приемы Рококо, такие как трель и флажоет. Она приобрела более замысловатый вид, музыкальные фразы стали сложнее и интереснее. Музыка стала более оторвана от реальности, более фантастична, менее правильна и, тем самым, ближе слушателю.
Ближе ко второй половине 18 века черты Рококо настолько влились в музыку, что она начала приобретать определенную ориентацию. Так, вскоре в музыке отчетливо выделились два направления: музыка для танцев и музыка для пения. Музыкой для танцев сопровождались балы, музыка для пения звучала в конфиденциальной обстановке. Нередко и аристократы любили попеть под звуки домашнего клавесина. В то же время появился новый театральный жанр комедия-балет, объединявший диалог, танец и пантомиму, инструментальную, иногда вокальную музыку. Создатели ее - Ж. Б. Мольер и композитор Ж. Б. Люлли. Жанр оказал значительное влияние на последующее развитие французского музыкального театра.
Следом за более тонким обособлением музыкальных жанров, начала появляться маршевая музыка. Это была резкая, громкая, шумная музыка. В это время распространение получили ударные инструменты (барабаны и тарелки), которые задавали ритм, тем самым лишая произведение индивидуальности исполнения. Также много использовались такие инструменты, как труба, которые, в основном служили для повышения общей громкости музыки. Именно за счет появления ударников и громких инструментов Французская музыка конца 18 века, на мой взгляд, стала особенно примитивной и не выдающейся. Венцом маршевой музыки стало появление произведения «Марсельеза», написанного Руже Де Лилем в 1792 году.
Руже Де Лиль Клод Жозеф (1760-1836) французский военный инженер, поэт и композитор. Писал гимны, песни, романсы. В 1792 году написал композицию «Марсельеза » , в будущем ставшую гимном Франции.
Куперен Франсуа (1668-1733) - французский композитор, клавесинист, органист. Из династии, сравнимой с немецкой династией Бахов, так как в его роду было несколько поколений музыкантов. Куперен был прозван «великим Купереном» частично за счет его чувства юмора, частично за счет характера. Его творчество - вершина французского клавесинного искусства. Музыку Куперена отличают мелодическая изобретательность, грациозность, отточенность деталей.
Рамо Жан Филипп (1683-1764) - французский композитор и музыкальный теоретик. Используя достижения французской и итальянской музыкальных культур, значительно видоизменил стиль классицистской оперы, подготовил оперную реформу К. В. Глюка. Написал лирические трагедии «Ипполит и Арисия» (1733), «Кастор и Поллукс» (1737), опера-балет «Галантная Индия» (1735), клавесинные пьесы и другое. Его теоретические труды - значительный этап в развитии учения о гармонии .
Глюк Кристоф Виллибальд (1714-1787) – знаменитый франко-немецкий композитор. Наиболее славная его деятельность связана с парижской оперной сценой, для которой он написал свои лучшие произведения на французские слова. Поэтому французы считают его Французским композитором. Многочисленные оперы его: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" и дргуие были даны в Милане, Турине, Венеции, Кремони. Получив приглашение в Лондон, Глюк для театра Hay-Market написал две оперы: "LaCadutadeGiganti" (1746) и "Artamene" и оперу попурри (pasticcio) "Pyram". Эта последняя имела большое влияние надальнейшую деятельность Глюка. Все оперы, доставившие огромный успех Глюку,были написаны по итальянскому шаблону, состояли из ряда арий; в них Глюк не обращал особого внимания на текст. Свою оперу "Pyram" он составил из отрывков прежних опер, имевших наибольший успех, подладив под эти отрывки другой текст нового либретто. Неуспех этой оперы навел Глюкана мысль, что только та музыка может производить надлежащее впечатление, которая находится в прямой связи с текстом. Этого принципа он стал держаться в следующих своих произведениях, усваивая себе постепенно более серьезное отношение к декламации, вырабатывая до мельчайших подробностей речитатив ариозо и не забывая о декламации даже в ариях.
Стремление к тесной связи между текстом и музыкой заметно уже в "Семирамиде" (1748). Но более осязательный поворот композитора к опере, как к музыкальной драме, заметен в "Orfeo", "Alceste", "ParideedElena" (1761 - 64), поставленных в Вене. Реформатором оперы Глюка является в"Iphigеnie en Aulide", данной в Париже с громадным успехом (1774). Там же были даны: "Armide" (1777) и "IphigenieenTauride" (1779) -
величайшее произведение Глюка Последней оперой Г. была "Echo et Narcisse". Кроме опер, Глюк писал симфонии, псалмы и другое. Всех опер, интермедий и балетов написано Глюком более 50.
В заключение следует еще раз подчеркнуть одноликость Французской музыки 18 века. Музыкальное творчество было похоже наремесло или на легкое хобби. На ремесло, потому что все произведения бли однотипными и похожими друг на друга. На хобби же потому, что множество композиторов занималось музыкой просто в свободное время, заполняя таким образов свой досуг. Профессиональным творческим созиданием такое занятие назвать нельзя. Даже самого известного композитора Франции того времени, Глюка (который, кстати, и был не совсем французским композитором), недоброжелатели называют композитором одного произведения. Имеется в виду «Орфей и Эвредика».
Источники:
Большая Энциклопедия Кирилла и Мефодия,
Энциклопедия классической музыки,
Брокгауз и Эфрон,
Классическая Музыка (пособие),
Интернет,
Компетентный музыковед Наталья Богославская.
«МАРСЕЛЬЕЗА» («Marseillaise») - французская революционная песня. Сначала называлась «Боевой песней Рейнской армии», затем «Маршем марсельцев» или «Марсельезой». При Третьей республике стала государственным гимном Франции (с 14 июля 1975 исполняется в новой музыкальной редакции). В России получила распространение «Рабочая Марсельеза» (мелодия «Марсельезы», текст П. Л. Лаврова, опубликован в газете «Вперед» 1.7.1875).
ГАРМОНИЯ, выразительные средства музыки, основанные на объединении тонов в созвучия и на связи созвучий в их последовательном движении. Основной тип созвучия - аккорд. Гармония строится по определенным законам лада в многоголосной музыке любого склада - гомофонии, полифонии. Элементы гармонии - каденции и модуляции - важнейшие факторы музыкальной формы. Учение о гармонии - один из главных разделов теории музыки.
из перламутра,в конце 18 века -из фарфора.В середине 19 века впервые для протезирования использовали полимерный материал.Какой? 1.целлуоид 2.эбонит 3.каучук. 4.полиметилметакрилпт 5.фторопласт 6.силикон.
Искусствовед Алпатов сказал о русской живописи 18 века:"...Из-под парика выглядывает лысина". Что он подразумевал под этим образнымвыражением? Привести не менее трех примеров.
Ну вот у меня есть 1 идея: русские художники 18 века писали в западных стилях(барокко, сентиментализм и тд), но через западные каноны все-равно проявлялся особый русский стиль(появилось русское барокко, например), отличный от западного. Тогда "парик"-своеобразное олицетворение запада(тем более в те времена в моду вошли парики), а "лысина"-те самые русские особенности "выглядывающие" сквозь канон "парика".
Надо еще две
идеи. Помогите, пожалуйста.
из перламутра,в конце 18 века -из фарфора.В середине 19 века впервые для протезирования использовали полимерный материал.Какой?
1.целлуоид
4.полиметилметакрилпт
5.фторопласт
6.силикон.
ПОМОГИТЕ ПЛИЗ)))В каждом вопросе из четырех фамилий композиторов нужно выбрать одну.))))
1. Назовите композитора эпохи барокко.
а) Вивальди;
б) Моцарт;
в) Бетховен;
г) Шуман.
2.Кто из перечисленных композиторов был аббатом?
а) Бах;
б) Гендель;
в) Вивальди;
г) Моцарт.
3. Назовите автора "Хорошо темперированного клавира", "Страстей по Матфею", "Инвенций".
а) Бах;
б) Бетховен;
в) Шопен;
г) Шуман.
4.Кто написал оперу "Фиделио"?
а) Гайдн;
б) Моцарт;
в) Бетховен;
г) Шопен.
5.Кто из композиторов написал оперы "Свадьба Фигаро", "Дон Жуан",
а) Моцарт;
б) Бетховен;
в) Мендельсон;
г) Россини.
6.Кто из этих композиторов не является венским классиком?
а) Гайдн;
б) Шуман;
в) Моцарт;
г) Бетховен.
7. Кто является автором опер "Аида", "Травиата", "Риголетто"?
а) Моцарт;
б) Бетховен;
в) Россини;
г) Верди.
8. Кто написал 32 сонаты для фортепиано?
а) Бах;
б) Моцарт;
в) Бетховен;
г) Шопен.
9. Назовите автора "Симфоний с тремоло литавр", "Прощальной", "Детской".
а) Гайдн;
б) Моцарт;
в) Шуман;
г) Шопен.
10. Кого называют "отцом симфоний и квартета"?
а) Мацарта;
б) Бетховена;
в) Гайдна;
г) Баха.
11. Кто из композиторов первым назвал свое сочинение симфонической поэмой?
а) Гуано;
б) Берлиоз;
в) Бетховен;
г) Лист;
12.Какая музыкальная форма основана на конфликте двух тем?
а) вариации;
б) рондно;
в) сонатная форма;
г) фуга.
13.Назовите автора симфоний, в финале которой использован хор:
а) Гайдн;
б) Моцарт;
в) Шуберт;
г) Бетховен.
14.Кто из этих композиторов писал только для фортепиано?
а) Гуно;
б) Шопен;
в) Малер;
г) Шуман;
15. Кто из этих композиторов написал музыку к драме Ибсена «Пер Гюнт» ?
а) Шопен;
б) Берлиоз;
в) Малер;
г) Шуман.
16. кто написал вокальные циклы «Прекрасная мельничиха» и « Зимний путь» ?
а) Шуберт;
б) Шуман;
в) Мендельсон;
г) Бизе.
17. Назовите автора «Неоконченной симфоний»:
а) Бетховен;
б) Гайдн;
в) Шуберт;
г) Вагнер.
18. Кто написал фортепианный цикл «Карнавал» ?
а) Бетховен;
б) Моцарт;
в) Гайдн;
г) Лист.
19. Кто написал больше 100 симфоний?
а) Бетховен;
б) Моцарт;
в) Гайдн;
г) Шуберт.
20. Русский композитор- скрипач XVIII века:
а) Алябьев;
б) Фомин;
в) Хандошкин;
г) Верстовский.
Современниками Ф. Куперена были французские композиторы-клавесинисты Луи Маршан (1669-1732), Г. Ле Ру (1660-1717), Ж.Ф. Дандриё (1682-1738) и некоторые другие. Их искусство развивалось в том же русле творческой школы с предпочтением программных пьес малой формы, с интересом к традиционным и новомодным танцам. И хотя у каждого из них были на этом пути и свои индивидуальные достижения, творчество Куперена бесспорно выразило свое время с наибольшей полнотой, какая оказалась доступна клавесинизму в его специфически французском преломлении.
Дандриё (Dandrieu, d"Andrieu) Жан Франсуа (1682, Париж - 17 I 1738, там же) - франц. клавесинист, органист и композитор. Вероятно, ученик Ж.Б. Моро. Служил органистом в парижских церквях Сен-Мерри и Сен-Бартельми, с 1721 - также в придв. капелле. Среди сочинений Д.: "Книга трио-сонат" (1705), 3 сборника пьес для клавесина (1724, 1728 и 1734), "Книга пьес для органа" (изд.1739), 2 сборника трио-сонат и сонат для скрипки с бассо континуо, оффертории и др.Д. написал "Руководство по аккомпанементу на клавесине" (1716).
Дакен (Daquin, d"Aquin) Луи Клод (4 VII 1694, Париж - 15 VI 1772, там же) - франц. композитор, органист, клавесинист, Потомок Ф. Рабле. Рано проявил муз. дарование (в возрасте 6 лет играл на клавесине перед Людовиком XIV). Учился у Н. Вернье (композиция) и Луи Маршана (орган и клавесин). С 12 лет органист капеллы Пти-Сент-Антуан. С 1715 служил церк. органистом. После состязания в игре на органе в церкви Сен-Поль в 1727, одержав победу над Ж.Ф. Рамо, получил место органиста этой церкви. С 1739 органист Королевской капеллы, с 1755 - собора Нотр-Дам в Париже. Произведения Дакена написаны главным образом в стиле рококо, с присущими этому стилю чертами утонченной галантности, обилием украшений. Главное в его музыке - выразительность мелодики; его лучшие сочинения отличаются жанровой изобразительностью и лирическим психологизмом. Дакен - автор пьес для клавесина (в 1-й сб. - "Premier livre de piиces de clavecin", 1735, - входит знаменитая миниатюра "Кукушка", сохранившаяся в репертуаре современных пианистов), рождественских песен для органа и для клавесина (1757), в которых он культивирует приёмы фигурационного варьирования, прозрачное гомофонное письмо, а также темброво-регистровую перекраску тем. Писал кантаты (издана только "Роза", 1762); в рукописи остались кантата с симфоническим оркестром "Цирцея" на слова Ж.Ж. Руссо, мотеты, дивертисменты, фуги и трио, 2 мессы, Те Deum и многие другие сочинения разных жанров.
Жан-Филипп Рамой (фр. Jean-Philippe Rameau; 25.09.1683, Дижон - 12.09.1764, Париж)
Жан-Филимпп Рамом - французский композитор и теоретик музыки эпохи барокко. Сын органиста. Учился в иезуитской школе. В 18 лет был отправлен отцом в Италию совершенствовать музыкальное образование в Милане. Вернувшись, выступал скрипачом в оркестре Монпелье. В 1702-1706 и 1716-1723 служил органистом в Клермон-Ферранском кафедральном соборе; в 1706-1716 работал в Париже и Лионе. С 1723 и до конца своих дней Рамо жил в Париже, служил органистом в иезуитском коллеже и в церкви Сен-Круа-де-ля-Бретонри (до 1740). Писал для парижских театров, сочинял духовную и светскую музыку, с 1745 стал придворным композитором.
Рамо - автор трёх сборников клавесинных пьес (1706, 1724, 1727) и пяти концертов для клавесина, скрипки и виолы да гамба (1741). Среди них наиболее известны "Тамбурин", "Курица", "Дофина", "Молоточки", "Перекличка птиц". Клавесинной музыке Рамо свойственен, вразрез с камерными традициями жанра, крупный штрих. Он не склонен к тонкому выписыванию деталей. Его музыка отличается яркой характеристичностью, в ней чувствуется почерк прирожденного театрального композитора. Пьесы для клавесина Рамо - место проведения экспериментов в области гармонии, ритма, фактуры. Например, пьесы "Дикари" и "Циклопы" необычайно изобретательны с точки зрения развёртывания тонального лада, а пьеса "Энгармоническая" - один из первых известных в истории музыки образцов энгармонической модуляции.
Если творчество Куперена было кульминацией французской клавесинной школы, то завершителем ее стал Рамо. Его наследие в этом жанре составляют всего шестьдесят две пьесы, во многом напоминающие предшественников: та же поэтическая изобразительность - "Щебечущие птички", "Нежные жалобы", "Венецианка" (музыкальный портрет), "Беседы муз"; те же двухчастные формы, маленькие вариации, рондо, и обычное двух-трехголосие, и кружево мелизмов. Но клавесинное творчество Рамо во многом отличается от купереновского наследия. Франсуа Куперен был композитором, который мыслил прежде всего клавесинными образами. Между тем, с 30-х годов, стихией Рамо стал музыкальный театр: его клавесинные пьесы несли на себе отблеск театральности ("Циклопы", "Дикари", "Египтянка", "Тамбурин", "Солонские простаки"). Жиги и менуэты из второй сюиты, оркестрованные автором, вошли в партитуры "Кастора и Поллукса" и "Маргариты Наваррской". Тамбурин из той же сюиты повторен в музыке балета "Празднества Гебы". "Солонские простаки" фигурируют в третьем акте "Дарданюса".
Клавесинная сюита у Рамо представляет собою нечто качественно иное, чем ordre у Франсуа Куперена. Прежний ordre, который мог бы быть бесконечно протянут во времени, замыкается в круг маленьких периферийных миниатюр, обрамляющих центральную пьесу-медальон, самую образно значительную, широкую, богатую по фактуре, композиции, развитию и тематизму (иногда Рамо пишет ее в одноименной тональности, еще ярче оттеняющей "медальон"). Также Рамо ищет и находит структурно объединяющие элементы цикла, его ядро, создает симметрию.
Тематизм Рамо - впервые в истории французской музыки - отмечен впечатляющим внутренним контрастом. Его образы выказывают большую близость, отзывчивость на явления реальной народной жизни. Его тематическое развитие многограннее и богаче, нежели у других французских музыкантов начала и середины XVIII века. Именно Рамо вместе с Купереном - один из первооснователей французской сонаты и даже рондо-сонаты ("Циклопы" из сюиты d-moll). Новое, свойственное Рамо и только ему, - это впервые найденные им, по крайней мере во Франции, контрастные тематические отношения в сонатной форме. Наконец, фактура Рамо, далекая от ювелирного изящества фактуры Куперена, гораздо менее клавесинна и тяготеет к фортепианной звучности, динамике и диапазону. Взывает к грядущему фортепиано и аппликатура Рамо, его почти ударная клавирная техника и постановка руки, связанная с усовершенствованием приема подкладывания большого пальца и его применения на черных клавишах. Ко второй тетради клавесинных пьес была приложена "Новая метода пальцевой механики". Здесь Рамо выступает как истый адепт механистического воззрения на искусство клавесинной игры. Тайна виртуозности заключена в пальцевом механизме. Его развитие и усовершенствование посредством упражнения мышечной системы - единственно реальный путь артистизма. Как это далеко от принципов Куперена, его идеала легкой и связной, текучей и кантабильной игры.
Рамо обозначает жанровую природу концертов более точно, подчеркивая тем самым их отличие как от купереновских "Concerts royaux", так и от концертов итальянской школы (Корелли, Вивальди, Тартини): "Pieces de clavecin en concert" ("Пьесы для концертирующего клавесина"). Это название указывает на состав ансамбля, исполняющего произведение: трио клавесина, скрипки и флейты (ad libitum виолы, или второй скрипки, или альта). Новаторской является роль клавесина, который здесь фигурирует не в качестве исполнителя basso continuo или контрапунктирующих полифонических голосов, а как солирующий инструмент с широко развитой, виртуозно концертирующей партией, наподобие того, как это предпринято было двадцатью годами ранее И.С. Бахом в пятом Бранденбургском концерте и в шести сонатах для облигатного клавира и скрипки. В смысле образного содержания, тематизма и манеры "Концерты" состоят главным образом из airs danses, отличающихся особенной кантабильностью мелоса, мягким лиризмом экспрессии и, большей частью, скромной камерностью звучания. Концертное brio этим пьесам не свойственно. "Концертность" вероятнее всего должна быть отнесена к активности всех инструментальных голосов, участвующих в гармонически богатой и тонкой разработке тематического материала. Если трактовать всю серию пьес как один большой цикл, то перед нами - не ordre Куперена, а сюита Рамо с характерной архитектоникой симметрического типа. В целом же "Концерты" Рамо - наименее концертны, более того, наиболее камерны и интимны среди всех его созданий.
Наследие Рамо также состоит из нескольких десятков книг и ряда статей по вопросам музыки и теории акустики, новаторского "Трактата о гармонии" (1722), принесшего ему репутацию крупнейшего музыкального теоретика; нескольких мотетов и сольных кантат; 29 сценических сочинений - опер, опер-балетов и пасторалей. В наши дни наибольшей известностью пользуются его клавирные пьесы, однако основным полем деятельности композитора была опера. Рамо создал новый оперный стиль, шедевром которого стали его лирические трагедии "Ипполит и Арисия" (1733), "Кастор и Поллукс" (1737). Вершиной музыкально-сценического творчества Рамо признана опера-балет "Галантные Индии". Тип оперы у Рамо - французский, а не итальянский: музыкальное развитие не прерывается, переход от законченных вокальных номеров к речитативам сглажен. В операх Рамо вокальная виртуозность не занимает главного места; в них много оркестровых интерлюдий, оркестровой партии уделяется большое внимание; существенное значение имеют также хоры и протяженные балетные сцены. Мелодика Рамо все время следует за текстом; вокальная линия в его операх в принципе ближе к речитативу, чем к кантилене. Основным выразительным средством становится не мелодия, а насыщенное и экспрессивное употребление гармонии, - в этом заключается самобытность оперного стиля Рамо.
После смерти Рамо его наследие надолго затмила слава Глюка как реформатора оперной сцены. На протяжении XIX столетия Рамо забыли и почти не исполняли (хотя его музыку внимательно изучали Гектор Берлиоз и Рихард Вагнер). Лишь на рубеже XIX-XX вв. значение Рамо и его музыки стало расти. Сегодня он признан крупнейшим французским композитором, виднейшей фигурой музыкальной эпохи между Франсуа Купереном и Гектором Берлиозом.
