В данной подборке мы описали основные проблемы, встречающиеся в текстах для подготовки к ЕГЭ по русскому языку. Аргументы, располагающиеся под заголовками с формулировкой проблемы, взяты из известных произведений и демонстрируют каждый проблемный аспект. Все эти примеры из литературы вы можете скачать в формате таблицы (ссылка в конце статьи).

1. В своей пьесе «Горе от ума» А.С. Грибоедов показал бездуховный мир, погрязший в материальных ценностях и пустых развлечениях. Это мир фамусовского общества. Его представители выступают против просвещения, против книг и наук. Сам Фамусов говорит: «Забрать все книги бы, да сжечь». В этом душном болоте, отвернувшемся от культуры и истины, невозможно находиться просвещённому человеку, Чацкому, который болеет за судьбу России, за её будущее.
2. М. Горький в своей пьесе «На дне » показал мир, лишённый духовности. В ночлежке царят ссоры, непонимание, споры. Герои, действительно, находятся на дне жизни. В их обыденности нет места культуре: их не интересуют книги, картины, театры и музеи. В ночлежке читает только молодая девушка Настя, и читает она любовные романы, которые в художественном плане сильно проигрывают. Актёр часто цитирует строки из знаменитых пьес, так как сам раньше выступал на сцене, и это сильнее подчёркивает пропасть между самим Актёром и настоящим искусством. Герои пьесы оторваны от культуры, поэтому их жизнь похожа на череду сменяющих друг друга серых дней.
3. В пьесе Д. Фонвизина «Недоросль» помещики представляют собой невежественных обывателей, помешанных на алчности и чревоугодии. Госпожа Простакова грубит мужу и слугам, хамит и притесняет всех, кто ниже ее по социальному положению. Эта знатная женщина чуждается культуры, зато пытается навязать ее сыну в такт модным веяниям. Однако у нее ничего не выходит, потому что своим примером она учит Митрофана быть глупым, ограниченным и невоспитанным человеком, которому ничего не стоит унизить людей. В финале герой открыто говорит матери, чтобы та оставила его в покое, отказывая ей в утешении.
4. В поэме «Мертвые души» Н. В. Гоголя помещики, опора России, предстают перед читателями гнусными и порочными людьми без намека на духовность и просвещенность. Например, Манилов лишь делает вид, что он – культурный человек, однако книга на его столе покрылась пылью. Коробочка и вовсе не стесняется своего узкого кругозора, открыто демонстрируя несусветную глупость. Собакевич заостряет внимание только на материальных ценностях, духовные ему не важны. И тот же Чичиков не заботится о своем просвещении, его волнует лишь обогащение. Таким писатель изобразил мир высшего общества, мир людей, которым по праву сословия была предоставлена власть. В этом заключена трагедия произведения.

Влияние искусства на человека

1. Одной из ярких книг, где значимое место занимает произведение искусства, является роман Оскара Уайльда «Портрет Дориана Грея». Написанный Бэзилом Холлуордом портрет по-настоящему меняет жизнь не только самого художника, который влюбляется в своё творение, но и жизнь молодого натурщика, самого Дориана Грея. Картина становится отражением души героя: все поступки, которые совершает Дориан, тут же искажают изображение на портрете. В финале, когда герой отчётливо видит, каким стала его внутренняя сущность, он не может больше продолжать спокойно жить. В данном произведении искусство становится магической силой, которая раскрывает человеку его же внутренний мир, отвечая на вечные вопросы.
2. В очерке «Выпрямило» Г.И. Успенский затрагивает тему влияния искусства на человека. Первая часть повествования в произведении связанна с Венерой Милосской, вторая — связана с Тяпушкиным, скромным сельским учителем, перипетиями его жизни и той радикальной переменой, которая произошла в нём после воспоминания о Венере. Центральный образ — образ Венеры Милосской, каменной загадки. Смысл этого образа — олицетворение духовной красоты человека. Это воплощение вечной ценности искусства, которое потрясает личность и выпрямляет ее. Воспоминание о ней позволяет герою найти силы остаться в деревне и сделать для невежественных людей очень многое.
3. В произведении И. С. Тургенева «Фауст» героиня никогда не читала художественную литературу, хотя находилась уже в зрелом возрасте. Узнав об этом, ее друг решил прочитать ей вслух знаменитую пьесу Гёте о том, как средневековый врач искал смысл бытия. Под влиянием услышанного женщина очень изменилась. Она осознала, что жила неправильно, нашла любовь и отдалась чувствам, которых раньше не понимала. Вот так произведение искусства может пробудить личность ото сна.
4. В романе Ф. М. Достоевского «Бедные люди» главный герой всю жизнь прозябал в невежестве, пока не встретил Вареньку Доброселову, которая начала развивать его, присылая книги. До этого Макар читал только низкопробные произведения без глубокого смысла, поэтому его личность не развивалась. Он мирился с ничтожной и пустой рутиной своего существования. Но литература Пушкина и Гоголя изменила его: он стал активно мыслящим человеком, который даже письма писать научился лучше под влиянием таких мастеров слова.

Истинное и ложное искусство

1. Ричард Олдингтон в романе «Смерть героя» в образах Шобба, Бобба и Тобба, законодателей модных литературных теорий модернизма, показал проблему фальшивой культуры. Эти люди заняты лишь пустыми разговорами, а не настоящим искусством. Каждый из них выступает со своей точкой зрения, считает себя уникальным, но, по существу, все их теории — это одно и то же пустословие. Неслучайно и имена данных героев схожи, как братья-близнецы.
2. В романе «Мастер и Маргарита» М.А. Булгаков показал жизнь литературной Москвы 30-х годов. Главный редактор МАССОЛИТА Берлиоз является человеком-хамелеоном, он подстраивается под любые внешние условия, любую власть, строй. Его литературный дом работает по заказу властителей, там давно нет муз и нет искусства, настоящего и искреннего. Поэтому по-настоящему талантливый роман отвергается редакторами и не признаётся читателями. Власть сказала, что Бога нет, значит и литература говорит то же. Однако культура, которая штампуется по заказу, является лишь пропагандой, которая ничего общего с искусством не имеет.
3. В повести Н. В. Гоголя «Портрет» художник променял истинное мастерство на признание толпы. Чартков нашел деньги, спрятанные в купленной картине, но они лишь раздули его честолюбие и алчность, и со временем его нужды только росли. Он начал работать только на заказ, стал модным живописцем, но об истинном искусстве пришлось забыть, в его душе уже не осталось места для вдохновения. Свое убожество он осознал лишь тогда, когда увидел произведение мастера своего дела, каким когда-то он мог бы стать. С тех пор он скупал и уничтожал подлинные шедевры, окончательно потеряв рассудок и способность творить. К сожалению, грань между истинным и ложным искусством очень тонкая, ее легко не заметить.

Роль культуры в обществе

1. Проблему отстранения от духовной культуры в послевоенные времена показал в своём романе «Три товарища» Э.М. Ремарк. Данной теме не отводится центральное место, но один эпизод раскрывают проблему общества, погрязшего в материальных заботах и забывшего о духовности. Так, когда Роберт и Патриция гуляют по улицам города, они забегают в картинную галерею. И автор устами Роберта рассказывает нам, что люди давным-давно перестали заходить сюда для того, чтобы насладиться искусством. Здесь те, кто прячется от дождя или зноя. Духовная культура отошла на второй план в мире, где царят голод, безработица, смерть. Люди в послевоенное время пытаются выжить, и в их мире культура потеряла цену, как и человеческая жизнь. Потеряв ценность духовных аспектов бытия, они озверели. В частности, от выходки бешеной толпы погибает друг главного героя, Ленц. В обществе без нравственных и культурных ориентиров нет места миру, поэтому в нем легко зарождается война.
2. Рэй Брэдбери в романе «451 градус по Фаренгейту» показал мир людей, отказавшихся от книг. Всех, кто пытается сохранить эти ценнейшие кладовые культуры человечества, жестоко наказывают. И в этом мире будущего, есть множество людей, которые смирились или даже поддерживают общую тенденцию уничтожения книг. Таким образом, они сами отстранились от культуры. Автор показывает своих героев пустыми, бессмысленными обывателями, зацикленными на телеэкране. Они разговаривают ни о чём, ничего не делают. Они просто существуют, даже не чувствуя и не думая. Именно поэтому роль искусства и культуры очень важна в современном мире. Без них он оскудеет и потеряет все то, чем мы так дорожим: индивидуальность, свобода, любовь и другие нематериальные ценности личности.

Культура поведения

1. В комедии «Недоросль» Д.И. Фонвизин показывает мир невежественных дворян. Это и Простакова, и её брат Скотинин, и главный недоросль семьи Митрофан. Эти люди в каждом своём движении, слове показывают бескультурье. Лексика Простаковой и Скотинина груба. Митрофан — настоящий лентяй, привыкший, что за ним все бегают и выполняют любой его каприз. Люди, которые пытаются научить чему-то Митрофана, ни Простаковой, ни самому недорослю не нужны. Однако такой подход к жизни не приводит героев ни к чему хорошему: в лице Стародума к ним приходит возмездие, расставляющее все на свои места. Так что рано или поздно невежество все равно падет под своей же тяжестью.
2. М.Е. Салтыков-Щедрин в сказке «Дикий помещик» показал высшую степень бескультурья, когда человека уже невозможно отличить от зверя. Раньше помещик жил на всём готовом благодаря крестьянам. Сам он не утруждал себя ни работой, ни просвещением. Но прошло время. Реформа. Крестьяне ушли. Тем самым внешний лоск дворянина был снят. Начинает проступать его истинная звериная сущность. Он обрастает волосами, начинает ходить на четвереньках, перестаёт разговаривать членораздельно. Так, без труда, культуры и просвещения человек превратился в звероподобное существо.

В рубрике «Банальный вопрос» мы задаем глупые или нелепые на первый взгляд вопросы экспертам и деятелям культуры, но всегда из-за этого «детского» любопытства нам удается получить для наших читателей свежие, интересные и небанальные философские мысли, способные разрушить сложившиеся стереотипы о современной культуре и помочь лучше понимать искусство.

Этот выпуск посвящен проблеме непонимания смыслов, заложенных в произведения современного искусства, с которой часто сталкивается зритель. Один из родоначальников московского концептуализма Андрей Монастырский считал, что если работа художника понятна сразу, то у зрителя «никакой эстетической работы в сознании и в чувствах нет».

Екатерина Фролова поговорила с такими известными и влиятельными деятелями искусства, как Ольга Свиблова, Александра Обухова и Василий Церетели, чтобы узнать, действительно ли непонимание влияет на зрителя не меньше, чем понимание.

Michael Landy, инсталляция Фома неверующий (saints alive)»

Ольга Свиблова, основатель и директор Мультимедиа Арт Музея Москвы

Непонимание вообще плохо влияет на людей. Но непонимание есть основа развития коммуникации, как говорил Юрий Лотман (известный русский культуролог. - Прим. «365»). Современное искусство - это язык, который чрезвычайно быстро меняется. Поэтому, если я пытаюсь говорить с китайцами и не понимаю их - это не повод сердиться на китайцев. Непонимание китайского языка может также осложнить нашу ориентацию в Пекине или привести к заказу в меню не того блюда. Но в этом виноваты не китайцы и не китайский язык, а наше незнание китайского языка. Поэтому, если мы не понимаем какой-то язык, мы либо пытаемся его выучить, либо выбираем ситуации, где можем обойтись без него. То есть, условно говоря, не едем в Китай и не заказываем там в китайском ресторане китайские блюда. У зрителя есть выбор: или пытаться понять язык и делать определенные усилия, с этим связанные, или просто не ходить на выставки современного искусства, потому что он не обязан на них ходить. Непонимание современного искусства никак не влияет на зрителя, потому что само по себе искусство - это символический объект, и оно ни на кого не влияет, если соблюдена техника безопасности в музее или любом другом экспозиционном пространстве.

Инсталляция «Взрыв художника» Ай Вэйвэя на 55-й Венецианской биеннале

Александра Обухова, руководитель научного отдела Музея современного искусства «Гараж»

Непонимание – мощнейший двигатель осознания смысла произведения искусства. Как только открытый, искренний человек говорит: «Я не понимаю, что передо мной», он тем самым объявляет о своем намерении разобраться, понять предмет. И тогда искусство раскрывается для него во всей своей полноте. Что же касается людей, не готовых к новому, закрытых, нетерпимых людей, то непонимание того, что они видят, в частности, непонимание основ и сути современного искусства просто раз и навсегда закрывает для них тему. Непрозрачность для понимания, герметичность произведения современного искусства, на самом деле это одно из важнейших его качеств. В значительной степени актуальные русские художники воспринимали непонимание как одно из положительных свойств работы. Андрей Монастырский, классик московского концептуализма, сказал, комментируя свои объекты: «Если при обращении с ними возникает вопрос «Что это такое? Я не совсем понимаю, в чем тут дело» или лучше всего «Наконец-то я не понимаю, что это такое» - тогда хорошо, тогда они срабатывают, как надо». Это эффект «позитивного непонимания», который должен быть присущ любому хорошему произведению современного искусства. Если зритель готов к новому, готов размышлять о том, что выглядит как нечто чужое, незнакомое, и чувствовать что-то по поводу того, что находится за пределами обыденности, тогда у него есть шанс прорваться на более высокий уровень понимания реальности, не только современного искусства.

Современное искусство не создается для любования. Его вещи – не предметы радостного узнавания. Нет ничего более далекого от простых удовольствий, чем современное искусство. Оно для того, чтобы задействовать как можно больше человеческих ресурсов, то есть не только глаз (то есть чувство), но и разум. Оно призвано заставлять смотрящего думать. С другой стороны, всё ли понимает зритель, когда смотрит на «Троицу» Рублева или «Меланхолию» Дюрера? Признаюсь, я сама далеко не всегда понимаю, что вижу на выставках современного искусства. А когда мне всё ясно, то мне неинтересно.

Томас Хиршхорн, «Срез»

Василий Церетели, исполнительный директор Московского музея современного искусства (ММОМА)

На мой взгляд, образованный человек должен разбираться в среде, которая его окружает, в ситуации и действительности. Искусство сегодня это то, чем дышат современные художники, то, чем пропитана действительность, которая окружает каждого из нас. Тот человек, который стремится быть свободным, образованным и интеллигентным, хочет достичь успеха в карьере и в личной жизни, необязательно должен разбираться и быть профессионалом в искусстве. Он просто должен посещать музеи, много читать, интересоваться искусством в принципе, современной музыкой, литературой. Конечно, можно игнорировать всё и никуда не ходить, не работать над собой, но это просто показатель уровня человека, его развития. Поэтому очень важно, чтобы дети развивались уже с детства, в школах и образовательных учреждениях были созданы курсы по интеграции в современное искусство и культуру, в принципе в историю искусства в целом, чтобы человек знал и понимал культуру. Осознание и переживание таких вещей делает нас добрее, умнее, более приспособленными к любой ситуации в жизни. В противном случае, мы видим множество примеров, когда люди становятся легкомотивируемыми к неправильным действиям, много и того, как люди не ценят то, что было создано раньше, и то, что создаётся сейчас, не ценят труд и талант, который их окружает. Такое общество неминуемо превратится в варварское и безкультурное.

Юлия Грачикова, куратор и заместитель руководителя отдела образовательных программ Музея Москвы

За последние годы институции переживали несколько этапов стратегий взаимодействия со зрителем. Говоря о российском контексте, стоит напомнить, что долгое время аудиторией художественных проектов были профессионалы и художественная тусовка. В 2010-е годы и даже чуть раньше московские институции переживали повышение интереса к современному искусству как формату досуга, необходимому модному атрибуту жизни «светской» публики. Этот процесс запустил «популяризаторские» инструменты, в том числе связанные с упрощением «языка» взаимодействия: армии медиаторов и экскурсоводов, максимально доступные концепции, звездные имена, «места для селфи» на выставках и прочее. Стало ли современное искусство понятнее и доступнее за счет этого — спорный вопрос. Упрощение в данном случае работает скорее не «за», а «против» художественных проектов. Современное искусство использует большое количество информационных источников, апеллирует к философии, истории искусства и истории в целом, к политическим, социальным и экономическим процессам. Для зрителя взаимодействие с искусством - это не меньшая работа, чем для художника. Непонимание в данном случае провоцирует желание анализа, формулировку позиции, отношения не только к конкретной художественной работе или высказыванию, но и к определенным проблемам или идеям, затронутым этой работой. Элитарность искусства заключается не в «закрытости» от широкой публики, а в требовательности к интеллектуальной подготовке, в требовательности к работе с сознанием и с познанием. И в данном случае непонимание дает больше, чем понимание. Современная культура страдает от «политики поп-корна», в которой человек не совершает никакого усилия в интеллектуальном потреблении. Отказ от «непонятного», сложного становится причиной деградации. Другая сторона этого вопроса, что «непонимание» ведет к отторжению, отказу по взаимодействию и резкой критике современного искусства. Но я уже не раз говорила, что и традиционное классическое искусство требует подготовки и точно так же может провоцировать непонимание. А эффект, который это «непонимание» вызывает, напрямую зависит от «качества» зрителя и аудитории. Так что я всецело и полностью за «непонимание» как эффективный инструмент стимулирования сознания и познания.

Ай Вейвей, FOUNTAIN OF LIGHT

Наталья Литвинская (Григорьева), основатель и куратор Центра фотографии имени братьев Люмьер

Наверное, мы можем отвечать только за непонимание нашим зрителем и посетителем конкретных выставочных проектов. Непонимание искусства в целом, надеюсь, в этом мире не происходит. Выставка - это не просто группа работ, развешанных по музейному принципу. У любой выставки, как и любого произведения, есть идея, которую мы пытаемся донести, и это как раз то, ради чего мы эту выставку и делаем. Непонимание или недопонимание может возникнуть лишь в том случае, когда выставка просто не реализовала ту самую идею, о которой мечтала. Куратор либо делал выставку для себя и своей близкой аудитории, либо просто был не способен к её реализации. Как результат, зритель остался в заложниках ожиданий с купленным билетом на выставку в руках и с чувством, что он потратил зря время, а иногда с более горестными ощущениями. Я не очень согласна с какими-то жесткими градациями на не современное и современное искусство, особенно, когда идет речь о ярко выраженном недопонимании последнего. Я не могу вспомнить период в своем детстве, когда все понимали то искусство, которое показывала Третьяковская Галерея в своих основных залах или всеми любимый Пушкинский музей. К тому же, в то время музеи не так открыто шли к своим посетителям в области их обучения, но сегодня всё, что происходит вокруг музейного пространства, - это колоссальный позитивный этап в московской жизни. Искусство даже не идет, а бежит к московскому посетителю, неся ему то, о чем не скажут и не напишут, пытаясь быть честным и актуальным. Художник становится востребованным, его идеи и высказывания и есть тот строительный материал, который куратор несет открытому к нему посетителю. Именно куратор должен сделать посещение выставки гармоничным, а художника я бы оставила в покое и дала ему возможность делать то, что он не делать не может, иначе искусство исчезнет, и останутся только красивые и веселые картинки, хоть и всем понятные, но никому не нужные.

Аристарх Чернышев и Алексей Шульгин, инсталляция «Большой говорящий крест»

Анатолий Осмоловский, лауреат «Премии Кандинского» 2007 года в номинации «Художник года», один из самых ярких представителей Московского акционизма, ректор Московского института современного искусства «База »

Современное искусство, как и все изобразительное искусство, отличается от всех других видов, таких как литература, театр, музыка и кинематограф, тем, что оно имеет отношение к созданию уникальных предметов. Это дает ему большую независимость от публики. Чтобы художник жил и работал, ему необходимо иметь одного или трех богатых поклонников, которые будут покупать его произведения искусства и давать ему возможность работать. Независимость от публики и является основной причиной того, что современное искусство наиболее экспериментальное из всех других видов, которые существуют в данный момент. Естественно, что эксперимент и создание необычных объектов влечет за собой создание сложного научного языка для их описания. Многие зрители, сталкиваясь с непонятными объектами современного искусства, надеются получить разъяснения в различных текстах, которые также оказываются «герметично закрыты» для понимания. Современное искусство - очень строгая дисциплина, здесь невозможно заниматься, как говорится, «что хочешь, то и делаешь». В современном искусстве, как в науке, физике или математике, есть определенные алгоритмы решения, но в искусстве свобода и пространство решений больше. Если люди хотят в этом разобраться, они могут. Я считаю, что для этого потребуется около двух лет. Во-первых, необходимо аналитическое понимание истории искусства, а, во-вторых, - насмотренность. Не существует сильного различия между современным искусством и классическим. Это взаимосвязанные вещи - современное искусство появилось из классического и является его составной частью. Поэтому насмотренность очень важна именно в классическом искусстве. Надо хорошо знать классическое искусство, понимать принципы его развития и исторической трансформации. В искусстве очень высокий процент доходности, если инвестировать в перспективных художников. Их работы поначалу могут стоить дёшево, но через 10 лет, они могут стоить уже в 1000 или в 10 000 раз дороже. «Закрытость» и «непонятность» выполняют очень важную роль отсеивания различных спекулянтов, людей, которые хотят заработать легкие деньги на искусстве.

Инь Сючжэнь, инсталляция Температура

Константин Гроусс, художественный руководитель, директор международного культурного проекта «Арт-Резиденция» и проекта ZERO Dance Gallery

Мне бы хотелось ответить так: зритель бежит в библиотеку или к своему учителю с вопросом «Что это было?» Однако бегут не все. Личный опыт и культурный багаж определяют реакцию на непонимание. Понять возможно всё и всех - от художника зависит, сможет ли он возбудить это «Хочу понять» в сознании аудитории от созвучия культурных кодов. Искусство - это язык художника, поэтому не Что и Как, а Кто определяет мощь медиума, которым художник является, соединяя различные области знания. Зритель отличается от зрителя по остроте зрения и слуха, совокупности жизненного опыта и настроения в моменте. Многие попытки прогнозировать однозначную реакцию зрителя терпели фиаско даже у самых безупречных художников. Как в области визуального искусства, так и в областях театра, танца, музыки. Поэтому реакция на искусство зависит от реакции на медиум (совокупный культурный код художника и его произведения. - Прим. Гроусса.), в том числе на личность самого художника, который в искусстве, особенно современном, важнее своего языка. Лучшей реакцией, на мой взгляд, была бы попытка зрителя передать послание художника своими словами. Поэтому утверждение «А я тоже так смогу!» считаю вполне достойным следствием непонимания, ибо возбуждает встречный вопрос внутри - «А смогу ли?»

Российский павильон XIII Венецианской биеннале

• Музыка может помочь человеку почувствовать красоту, вновь пережить моменты прошлого
• Сила искусства способна перевернуть жизнь человека
• Картины по-настоящему талантливого художника отражают не только внешний облик, но и душу человека
• В тяжелых ситуациях музыка воодушевляет человека, дает ему жизненных сил
• Музыка способна передать людям мысли, которые невозможно выразить словами
• К сожалению, искусство может подтолкнуть человека к духовной деградации

Аргументы

Л.Н. Толстой “Война и мир”. Николай Ростов, проигравший в карты огромную для его семьи сумму денег, пребывает в удрученном, подавленном состоянии. Он не знает, как поступить, как признаться во всем родителям. Уже дома он слышит прекрасное пение Наташи Ростовой. Эмоции, вызванные музыкой и пением сестры, переполняют душу героя. Николай Ростов осознает, что в жизни нет ничего более важного, чем все это. Сила искусства помогает ему побороть страх и признаться во всем отцу.

Л.Н. Толстой “Альберт”. В произведении мы узнаем историю о бедном скрипаче, обладающем выдающимся талантом. Оказавшись на балу, молодой человек начинает играть. Своей музыкой он настолько трогает сердца людей, что тут же перестает казаться им нищим и уродливым. Слушатели будто вновь переживают лучшие моменты своей жизни, возвращаются к тому, что утрачено безвозвратно. Музыка настолько сильно влияет на Делесова, что по щеках мужчины начинают течь слезы: благодаря музыке он переносится в свою молодость, вспоминает первый поцелуй.

К.Г. Паустовский “Старый повар”. Перед смертью слепой старый повар просит свою дочь Марию выйти на улицу и позвать любого человека, чтобы он исповедал умирающего. Мария делает это: на улице она видит незнакомца и передает просьбу отца. Старый повар признается молодому человеку, что в жизни совершил только один грех: из сервиза графини Тун украл золотое блюдце, чтобы помочь больной жене Марте. Желание умирающего было простым: снова увидеть жену такой, какая она была в молодости. Незнакомец начинает играть на клавесине. Сила музыки оказывает на старика такое сильное влияние, что он видит моменты из прошлого как наяву. Молодой человек, подаривший ему эти минуты, оказывается Вольфгангом Амадеем Моцартом, великим музыкантом.

К.Г. Паустовский “Корзина с еловыми шишками”. В лесах Бергена великий композитор Эдвард Григ встречает Дагни Педерсен, дочь местного лесника. Общение с девочкой побуждает композитора написать для Дагни музыку. Зная, что ребенок не может оценить всю прелесть классических произведений, Эдвард Григ обещает сделать подарок для Дагни через десять лет, когда ей исполнится восемнадцать. Композитор верен своему слову: через десять лет Дагни Педерсен неожиданно для себя слышит посвященное ей музыкальное произведение. Музыка вызывает бурю эмоций: она видит свой лес, слышит шум моря, пастуший рожок, свист птиц. Дагни плачет слезами благодарности. Эдвард Григ открыл для нее то прекрасное, чем на самом деле должен жить человек.

Н.В. Гоголь “Портрет”. Молодой художник Чартков совершенно случайно на последние деньги приобретает загадочный портрет. Главная особенность этого портрета – невероятно выразительные глаза, кажущиеся живыми. Необычная картина не дает покоя всем, кто ее видит: каждому кажется, что глаза следят за ним. Позже оказывается, что портрет написал очень талантливый художник по просьбе ростовщика, история жизни которого поражает своей таинственностью. Он вложил все усилия, чтобы передать эти глаза, но потом понял, что это глаза самого дьявола.

О. Уайльд “Портрет Дориана Грея”. Написанный Бэзилом Холлуордом портрет молодого красавца Дориана Грея – лучшее произведение художника. Сам молодой человек восхищен своей красотой. Лорд Генри Уоттон говорит ему, что это не вечно, потому что все люди стареют. В чувствах юноша желает, чтобы вместо него старел этот самый портрет. Позже становится понятно, что желание сбывается: любой поступок, совершенный Дорианом Греем, отражается на его портрете, а сам он остается прежним. Молодой человек начинает совершать бесчеловечные, безнравственные поступки, и это никак на нем не отражается. Дориан Грей совсем не меняется: к сорока годам он выглядит так же, как и в юности. Мы видим, что великолепная картина вместо благотворного влияния разрушает личность.

А.Т. Твардовский “Василий Теркин”. Музыка способна согреть душу человека даже в тяжелое военное время. Василий Теркин, герой произведения, играет на гармони убитого командира. От музыки людям становится теплее, они идут на музыку как на огонь, пускаются в пляс. Это позволяет им хоть на какое-то время забыть о невзгодах, трудностях, несчастьях. Товарищи убитого командира отдают гармонь Теркину, чтобы он и в дальнейшем веселил свою пехоту.

В. Короленко “Слепой музыкант”. Для героя произведения, музыканта Петруся, музыка стала истинным смыслом жизни. Слепой от рождения, он был очень чувствителен к звукам. Когда Петрусь был ребенком, его привлекла мелодия дудки. Мальчик начал тянуться к музыке и в дальнейшем стал пианистом. Скоро он прославился, о его таланте много говорили.

А.П. Чехов “Скрипка Ротшильда”. Люди старались избегать Якова Матвеевича, мрачного и грубого человека. Но случайно найденная мелодия затронула его душу: Якову Матвеевичу впервые стало совестно за то, что он обижал людей. Герой наконец-то понял, что без злобы и ненависти окружающий мир был бы просто прекрасен.

КРЫЛОВ СЕРГЕЙ НИКОЛАЕВИЧ

Аспирант кафедры искусствоведения и культурологии ФГБОУ ВПО «Санкт-Петербургской Государственной художественно-промышленной Академии им. А. Л. Штиглица»

Аннотация:

В статье раскрываются основные факторы затрудняющие взаимопонимание художника и публики. Автор считает, что современное искусство является системой со своим зашифрованным языком, складывавшимся на протяжении последних полутора столетий. Начиная с середины XIX века постепенно происходит смена ценностей западного общества, отразившаяся в искусстве как уход от эстетического идеала в пользу концептуального. Автор считает, что публика, хорошо знакомая с современным искусством, также не всегда может всесторонне оценить ценность художественного произведения без специального пояснения со стороны автора, что несомненно является признаком возрастающего конфликта между обществом и культурой постмодернизма. Если ранее произведение вызывало эмоции путем эстетического воздействия, то современное искусство ищет оригинальные пути воздействия на публику.

Культура в целом выражает духовное состояния общества, тогда как искусство
является реакцией на эмоциональный всплеск. Сколько существует искусствознание,
столько ведутся споры: считается ли любое новаторское явление в искусстве прогрессом
или же постоянной деградацией культуры. В сфере гуманитарных наук нельзя
игнорировать факт трудности, а порой и невозможности построения цельной логической
системы. Лексика, которую используют в описании современного искусства, постепенно
становится особым языком - непростым, часто отпугивающим своей сложностью. Тем не
менее, «в науке об искусстве у теоретического подхода в действительности нет
альтернатив, и не важно, идет ли речь о современном или классическом искусстве. Любая
новая публикация по истории искусства имеет значение лишь в качестве аргумента в
каком-либо теоретическом споре, как часть интеллектуальной истории». До середины
XIX века среди художников мало кто делает попытки сформулировать свою систему,
способную обосновать оригинальность творческой деятельности.
Считается, что Э.Мане предпринял первые попытки самоидентификации искусства,
первым среди живописцев начав поиск формальной сложности произведения. Своим
желанием создать новые принципы в решении обыденных задач он косвенно
предвосхищает практически всё авангардное творчество, в самых реакционных формах
способное покинуть западную систему культуры, основанную на древнегреческом
понимании эстетики и красоты.
В силу простоты решения в реалистической художественной практике вопрос
теоретического обоснования произведения возникает редко, даже в сравнении с
декоративным или церковным искусством. А.В.Макеенкова выводит сложность «языка
произведения», как одну из проблем трудности понимания искусства. Безусловно,
авторский язык может быть непонятен, тем не менее это никак не может зависеть от
направленности произведения. На сложность восприятия скорее влияют формальные
признаки, а именно: используемые художником средства, например, традиционно не
характерные для искусства: новые технические возможности, полимедийность - то есть те
качества, в которых формотворчество пытается обособиться и утвердиться. Понравилось
нам произведение или нет, понять о чем оно, мы можем, а вот каким образом оно
выполнено - не всегда.
Развитие культуры современного глобалистического общества невозможно
рассматривать вне контекста идеологий, созданных правящими слоями. Самобытные
художники - неважно, что они создают - будут расцениваться как радикально
настроенные. Рассмотрим яркий пример: «консервативные политики и искусствоведы в
США в период холодной войны атакуют абстрактное искусство как
«коммунистическое»», спустя же 20 лет Л.Рейнгардт доказывает, что именно
реалистическое искусство на западе - это искусство протеста, а не абстрактное, которое в
то время уже становится символом капиталистической культуры. Ещё К.Маркс отмечает
тот факт, что, совершая покупку, мы приобретаем не просто вещи, а предметы,
наполненные идеологией. Управляя массовой идеологией, можно намеренно
манипулировать чувствами социальных групп. В западной цивилизации люди привыкли
получать от произведения искусства в первую очередь наслаждение: визуальное,
эстетическое, моральное и интеллектуальное. На протяжении последнего столетия мы
наблюдаем постепенный уход от деления на виды искусства, сложившегося
тысячелетиями; происходит слияние визуального статического искусства с поэзией,
музыкой, танцем, с видео и, наконец, с «точными» науками как в формальном, так и в
идеологическом плане. Публика, культурно подготовленная к созерцанию нового
искусства, получает от художника некую головоломку, направленную на активную работу
фантазии, эрудиции, интуиции и интеллекта, получая в этом наибольшее удовольствие.
Восхищение, вызванное чисто визуальными и эстетическими качествами произведения,
отходит на второй план, так как публике представлено всего лишь воплощение идеи
художника. Актуальное искусство призывает зрителя временно отстраниться от
социальных масс, увидеть нечто большее; посредством критики популярной культуры
происходит критика идеологии и самого искусства.
Техническая воспроизводимость искусства несомненно изменила отношение
общества к художнику, с изобретением репродуцируемости картины, для привлечения
интереса зрителя живописцу необходимо вкладывать в произведение то, что не сможет передать
фотография, например, максимальную эмоциональную составляющую, новые технические
средства, одновременное воздействие на разные органы чувств. В некой мере во все времена
существовал синтез искусств, но только в начале ХХ столетия возникают полимедийные
произведения, воздействующие на все органы чувств зрителя, являющие собой
сложнейшие по структуре творения, действия, события. Дадаисты вынуждают публику
принять новый подход к пониманию искусства: не желая угодить, они всё же предлагают
отказаться от пассивного любования и стать частью действия. Произведением искусства
может становить заимствованный из жизни предмет: энвайронмент или реди-мейд, - идея,
в основе которой лежит акцент восприятия, то есть, созерцая предмет, произведением
искусства его делает сам зритель. После М.Дюшана всё искусство по природе становится
словом или концепцией. Наряду с тем классическая миметическая теория переживает
кризис и неспособна оправдать многообразие визуальных репрезантаций. Ранее человек
привык получать от созерцания произведения искусства наслаждение. Общество
принимало как данность, что именно каннотативный характер, сложность и богатство
эстетического знака или даже языка придавали произведению статус искусства, теперь
дистанция между образами в произведении и их референтами практически отсутствует.
За последние полвека искусство обратилось к тем темам, которые ранее даже
отдаленно не интересовали искусствознание. Воплощая идею синтеза, морфологические
рамки искусств распадаются, обнажая фигуру художника перед лицом социума. С
появлением новых средств связи изменилось само восприятие - от визуальной ориентации
к мультисенсорной. Искусство способно подчинить все человеческие способности
стремлению к единству творческого воображения. Тенденция социализированного
искусства в западных странах развивается независимо, в Европе это группа
«Ситуационистский интернационал», в США - неодадаисты и «Флюксус», верящие в
спасение искусства от коммерциализации, угрожающей превратить его в чрезвычайно
престижный предмет потребления. Имеющие свободные убеждения художники работают
над проектами, привлекая музыкантов, поэтов, танцовщиков. Результатом такого рода
деятельности становится новая мультидисциплинарная эстетика, основанная на взаимном
вдохновении, обогащении и экспериментировании. Перформанс позволил художникам
окончательно стереть границы между средствами выражения, между искусством и
жизнью. Перформативная практика явилась протестом, подвергающим сомнению
общепринятые ценности и модели поведения, они не могли существовать без диалога со
зрителем. Художники напрямую связывают себя с другими людьми, их жизненным
опытом и образом поведения. Слияние искусства и жизни, как основная идея приобрела
крайние и курьезные формы у англичан Гилберта и Джорджа. Манцони превращал в
«живые скульптуры» окружающих, они же превратили в «живые скульптуры» себя, и
косвенно сделали свою жизнь предметом искусства.
Б.Е.Гройс с позиции теоретика XXI века выделяет задачу искусства в демонстрации
различных образов и стилей жизни через осуществленное на практике знание. Средством
сообщения становится само сообщение. «Признаем, что одна из наиболее значимых
художественных тенденций последних 10 – 15 лет – это распространение и
институционализация группового и социально ангажированного творчества»,
выражение которой мы находим в особой популярности искусства взаимодействия.
М.Квон рассматривает новую форму искусства как «спецификацию сообщества»,
К.Базуальдо - «экспериментальное сообщество», Г.Кестер определяет его «диалогическим
искусством». Идея Кестера в том, что задача искусства – противостоять миру, в котором
люди оказываются сведены к атомизированному псевдосообществу потребителей, чей
эмоциональный опыт задан обществом спектакля и репетиций. Если сотрудничество с
предварительно организованными группами выявляет эксплуататорский характер, оно не
может отражать модель общественного взаимодействия. В совместном противостоянии
капитализму художники объединяются между собой, призывая стороннюю публику,
которая должна уверенно ощущать себя участником произведения. В отличие от
телевидения, искусство не разрушает, а сплачивает отношения, становясь местом,
создающим специфическое пространство общения. Если Г.Гегель называл одной из
важнейших причин кризиса искусства утрату человеком способности непосредственного
переживания художественного произведения («Свобода произведений искусства, которой
гордится их самосознание и без которой их не было бы, - это лукавство их собственного
разума. Если произведения искусства - это ответы на свои собственные вопросы, то в
силу этого они сами становятся вопросами.»), то преимущество же диалогического
типа художественной практики в том, что критический анализ стереотипов
осуществляется в форме обмена мнениями и дискуссии, а не шока и деструкции.
Коллаборативное искусство стремится к общедоступности, нежели к эксклюзиву; в
диалоге неизбежна рефлексия, так как сам по себе он не может конструировать
произведение.
На практике идея объединения художника и публики сама задаёт барьер,
мешающий сближению, бесспорно становясь наиболее актуальной проблемой. Публика,
мало знакомая с тенденциями искусства, предвзято относится ко всем проявлениям
современного творчества и старается избежать контакта. Отказ от диалога становится
изначальной причиной недопонимания. Художник же выражает самопожертвование,
отрекаясь от авторского присутствия в пользу взаимоотношений, позволяя участникам
говорить через себя. Эта идея выражает жертвенность искусства как такого и его желание
полного растворения в социальной практике.
Единственным же элементом восприятия остаются чувства - главный критерий
возникновения и существования произведения искусства, началом которого являются
переживания и эмоции. Как отмечает В.П.Бранский: «Тот, в ком объект не вызывает
никаких чувств, не замечает в этом объекте и десятой доли тех особенностей, которые
открываются человеку, находящемуся под сильным впечатлением от объекта. Таким
образом, как это ни парадоксально, можно смотреть на нечто - и ничего не видеть».
Первопричина любого искусства не столько контекст, сколько свободное чувство, в
прошлом скованное рамками философии, эстетики, красоты, пропорции и прочих
культурных традиций. Постмодернистское искусство основано в первую очередь на
чувствах, и другим критерием его мерить невозможно!
ЛИТЕРАТУРА
1. Рыков А.В. Западное искусство XX века: Учебно-методическое пособие. - СПб.: Новая Альтернативная
Полиграфия, 2008. С. 3.
2. Демпси, Эми. Стили, школы, направления. Путеводитель по современному искусству. - М.: Искусство -
XXI век, 2008. С. 191.
3. Бишоп, Клер. Социальный поворот в современном искусстве - М.: Художественный журнал, 2005, №
58/59. С. 1.
4. Адорно, В. Теодор. Эстетическая теория / Пер. с нем. А.В. Дранова. - М.: Республика, 2001. С. 12.
5. Бранский В.П. Искусство и философия. Роль философии в формировании и восприятии художественного
произведения на примере истории живописи. - Янтарный сказ, 1999. С. 6.

Текст. К.И. Кривошеина
(1)Вслед за Федором Михайловичем мы не воскликнем сегодня: «Красота спасет мир!», наивность Достоевского умиляет. (2)Наступили времена спасать саму Красоту.
(3)В слово КРАСОТА вложен не только философский смысл, веками складывались объективные оценки Красоты.
(4)Все мы знаем, что дети лет до пяти замечательно умеют рисовать и к тому же отличать красивое от уродливого.
(5)Своим неиспорченным вкусом, интуитивно отделяют правду ото лжи, а по мере взросления и, как говорилось в СССР, «под натиском окружающей среды» теряют свой природный иммунитет. (б)Более того, я почти уверена, что при рождении каждый человек наделен талантом чувствовать Красоту. (7)Современный посетитель музеев запутался, ему вдалбливают новые формулы, вот почему человеку трудно определить, что совершенней: Беллини, Рафаэль, греческая статуя или современные инсталляции. (8)Наносной вкус и мода все равно не могут убить в нас истинную селекцию: мы безошибочно отличим красивого человека от урода или прекрасный пейзаж от бетонного пригорода.
(9)Известный факт: большинство людей совершенно лишено какого-либо желания развивать свой вкус. (Ю)Современное строительство, безликие города, дешевая одежда, литература, рассчитанная на среднего обывателя, «мыльные оперы» и прочее - все это приводит к омещаниванию.
(И)Несмотря на это, я не думаю, что найдется много любителей, как из среды «невоспитанной», так и из «образованной», которые часами бы созерцали инсталляции из унитазов Ильи Кабакова и помоечного хлама... (12)Статистика говорит о другом: любовь и симпатии тянут людской поток к вечным ценностям, будь то Лувр, Эрмитаж или Прадо...
(13)Сегодня я часто слышу, что нужно играть в искусстве, относиться к этому как к легкой забаве. (14)Эта игра в Искусство приравнена к некоей форме новаторства. (15)Я бы сказала, что это достаточно опасные ИГРЫ, можно так заиграться, что потеряешь равновесие, грань, черту... за которой уже царят анархия и хаос, а на смену им приходят пустота и идеология.
(16)Наш апокалипсический XX век сломал устоявшиеся взгляды и пристрастия. (17)Столетиями в основе пластического выражения, литературного и музыкального, конечно же, был наш Творец, Бог и Вера, а Музы Красоты веками трудились над гармонией божественной и земной красоты. (18)В этом основа и смысл самого Искусства.
(19)Наша развивающаяся цивилизация, как огнедышащий дракон, пожирает все на своем пути. (20)Мы живем в вечном страхе за завтрашний день, безбожие привело к одиночеству души, а чувства пребывают в ожидании каждодневного апокалипсиса. (21)Нищета духа притупила не только творцов, но и ценителей. (22)Любоваться красотой нам осталось только в музеях. (23)То, что мы видим в современных галереях, вызывает порой ощущение того, что кто-то издевается над зрителем. (24)Новые формы, манифесты и революция в искусстве, начавшаяся в XX веке, с такой помпой и восторгом прошествовавшая по планете, стали глохнуть и давать осечки под конец тысячелетия. (25)Художник, изощрившись и выпотрошив себя наизнанку, уже не знает, что бы еще придумать, дабы обратить на себя внимание. (26)Настоящие школы мастерства исчезли, на смену пришла любительщина, беспредельное самовыражение и большая игра в деньги.
(27)Что ждет нас в наступившем тысячелетии, найдутся ли те поводыри Красоты, которые выведут ее из лабиринта?
(К.И. Кривошеина)

Сочинение
Автор текста, К.И. Кривошеина, затрагивает важную проблему оценки прекрасного и отношения к искусству. Ситуация, сложившаяся в обществе, навязываемые личности стереотипы в восприятии прекрасного и безобразного кажется автору опасными, в результате чего она и восклицает, что настало время спасать красоту.
К.И. Кривошеина пишет о том, что в детстве человек легко отличает красивое от уродливого, но позже его вкус портится: «современное строительство, безликие города, дешевая одежда, литература, рассчитанная на среднего обывателя, «мыльные оперы» приводят к «омещаниванию». Немногие люди стремятся развить свой вкус. Однако автор уверяет, что никакая мода не сможет убить в человеке чувство прекрасного. Но главное, к чему призывает нас публицист, - это серьезное и бережное обращение с искусством, смысл которого в гармонии земной и божественной красоты.
Тогда и те произведения так называемого искусства, о которых упоминает в тексте автор и которые сводятся к «любительщине» и «игре в деньги», не заслонят собой искусства истинного, созданного не в угоду стереотипам массовой культуры. В этом я согласен с автором.
Проблема оценки прекрасного привлекала внимание писателей и раньше. Мне вспоминается рассказ А.П. Чехова «Ионыч» и описываемая в нем семья Туркиных, которая считалась в городе самой интеллигентной и образованной, чувствующей красоту и имеющей хороший вкус. Но так ли это? Дочь, Екатерина Ивановна, играет гостям на рояле, бьет по клавишам так, что Старцеву кажется, будто с гор сыплются камни. Мать пишет роман о том, чего не бывает в жизни, о несуществующих проблемах и никому не интересных страстях. Можно ли их творчество отнести к категории прекрасного? Думаю, вряд ли. Так их могли оценить только горожане с непритязательным вкусом.
По-моему, то, что можно отнести к категории прекрасного, построено по принципу гармонии. Произведения подлинного искусства переживают века. К ним, без сомнения, можно отнести стихотворения, сказки, поэмы А.С. Пушкина. Написанные простым и в то же время изящным языком, они затрагивают струны души читателя. Меняются поколения, но очарование строк Пушкина не меркнет. Еще будучи детьми, мы погружаемся в чудесный мир сказок поэта, читаем пролог к поэме «Руслан и Людмила», потом знакомимся с лирикой и наконец зачитываемся романом в стихах «Евгений Онегин». Мне особо нравятся пейзажные зарисовки поэта. В них я чувствую дыхание зимы, очарование ранней осени, вижу «гусей крикливых караван», бледное пятно луны или выходящего на дорогу волка. Думаю, многие присоединятся к моему мнению о том, что такое трогательное отражение жизни возможно только в истинном искусстве. Мне хочется надеяться, что и сегодня, вопреки словам автора о том, что «настоящие школы мастерства исчезли», есть авторы, чьи произведения по достоинству оценят потомки.