Хотя религия стояла в египетском обществе на первом месте, светскому искусству отводилась необычайно важная роль. Ведущие художники - зодчие, скульпторы, живописцы - были высокопоставленными лицами, очень часто жрецы, их имена были известны и окружены почетом. Так как искусство считалось носителем жизни вечной, оно освобождалось от всего мгновенного, изменчивого, неустойчивого.
Архитектура Древнего Египта теснейшим образом связано с заупокойным культом.
Классическим образцом архитектурных сооружений являются пирамиды фараонов 4 - й династии (27 в. до н.э.) Хеопса, Хефрена и Микерина (греч. вариант их имен). Их отточенная форма, основанная на пропорциях “золотого сечения”, была предельно лаконична и бесконечно выразительна. Два элемента определяли закономерности формы: основание, квадратное в плане, и схождение сторон в одной точке, подобно тому, как вся египетская жизнь сходилась, сфокусировалась в обожествленном фараоне. Гениальная в своей простоте пирамидальная конструкция несла художественное обобщение самой сути египетского общества, подчиненного безграничной власти фараона.
Характерной особенностью пирамид как архитектурных соображений было отношение массы и пространства: погребальная камера, где стоял саркофаг с мумией, очень небольшая, а подводили к ней длинные и узкие коридоры. Пространственный элемент был сведен к минимуму.
Выше названные пирамиды являются одним из семи чудес света дошедших до наших дней. Они расположены на пустынном плато западной окраины Гизы и впечатляют своими размерами. Самая грандиозная из них, Великая пирамида Хеопса (рис.7), гордо возвышается над пустынным ландшафтом, соседствуя с гигантским сфинксом, высеченным из монолита. Высота усыпальницы достигает 150 м. Пирамида Хефрена (рис.8), расположенная южнее Великой пирамиды, - вторая по величине. Она на 8 м ниже усыпальницы Хеопса, но сохранилась значительно лучше. Часть уцелевшей облицовки даёт представление о высокой технике каменотесных работ того времени. Строительство третьей пирамиды (рис.9) было начато Микереносом, преемником Хефрена. Это самая маленькая усыпальница, её высота всего 66 м. Три великие пирамиды были окружены большим количеством гробниц, принадлежащих царским родственникам и важным чиновникам.
древний египет культура религиозный
Рис.7.
Рис.8.
Скульптура в Египте появилась в связи с религиозными требованиями и развивалась в зависимости от них. Культовые требования обусловили появление того или иного типа статуй, их иконографию и место установки.
Египетские статуи представляли собой фигуры, стоящие с выдвинутой вперёд ногой либо сидящие на троне с прижатыми к груди или лежащими на коленях руками и сомкнутыми ногами. Помещенные в поминальные храмы и гробницы, статуи олицетворяли собой умерших и являлись вместилищем их душ, а потому отличались портретным сходством с ними. Каждая скульптура высекалась из прямоугольного блока камня по заранее прочерченной разметке и затем тщательно отделывалась в деталях.
В изображении фараона были приняты следующие виды: идущего - с вытянутой вперёд ногой; спокойно сидящего на троне - его руки лежат на коленях; усопшего - в облике бога Осириса со скрещёнными на груди руками, которые держат символы власти - жезл и плеть. Символами фараона являлись полосатый платок с концами, спускающимися на плечи; головная повязка; короны - белая, в форме кегли (символ Верховного Египта), и цилиндрическая красная, с высоким закругленным выступом сзади (символ Нижнего Египта). На повязке в середине лба укреплялось изображение священной кобры, хранительницы царской власти на земле и небе.
Рельефы обычно плоски, почти не выступают над поверхностью стены. Силуэт фигуры ясен и графичен. Части человеческой фигуры - голова, плечи, ноги, руки - могли изображаться в разных плоскостях. При выполнении рельефов (скульптурных изображений на плоскости) и настенных росписей использовался традиционный приём плоскостного расположения фигуры: её ноги и лицо изображались в профиль, глаза в фас, а плечи и нижняя часть туловища - в трёхчетвертном развороте. Фараон, вельможа или хозяин поместья всегда изображались более крупными по сравнению с их окружением.
В создании рельефов участвовало несколько мастеров. Сначала опытный художник намечал общую композицию на стене, которую затем завершали в деталях его помощники. Затем резчики переводили рисунок в рельеф; на последнем этапе его раскрашивали плотными густыми красками. В изображении главную роль играла линия, а не цвет. Всем фигурам присуща величавая неподвижность и надмирное спокойствие. Застывшие формы -- «фирменный знак» древнеегипетского искусства.
Для рельефов характерен принцип фризового развития сюжетов, разворачивающихся сцена за сценой. Рельефы развертывались один над другим; каждый представлял собой повествовательный ряд. Фигуры располагались вереницами, изображались сельские работы, труд ремесленников, охота, рыбная ловля, процессии носителей даров, погребальные шествия, загробные пиршества, строительство лодок, игры детей и многие другие сцены.
Своего расцвета древнеегипетская скульптура достигла в XIX в. до н. э. Лучшее, что было создано в этот период, -- скульптурные портреты Эхнатона (рис.10) и его жены Нефертити (рис.11), выполненные в рельефе и круглой пластике. Впервые в истории египетского искусства появилось изображение фараона в кругу семьи. Портрет Нефертити в высокой короне из раскрашенного известняка стал символическим изображением Египта. Гордая голова царицы на тонкой шее поражает совершенством точеных черт прекрасного лица, необычайной гармонией, завершенностью композиции, великолепным сочетанием красок.
Рис.10.
Росписи получили широкое распространение еще при изготовлении герзейской керамики, декор которой, имеющей преимущественно светский характер, включает изображения лодок, растений, зверей и птиц и изредка людей. В дальнейшем росписи (рис.12) и рельефная скульптура превратились в тесно связанные между собой виды искусства. В усыпальницах и храмах времени правления IV, V и VI династий эти искусства достигли высокого уровня развития. Все рельефы эпохи Древнего царства были раскрашены, а росписи на плоской, лишенной вырезанного изображения поверхности еще долгое время выполнялись сравнительно редко.
С 2800 до н. э. до 2300 до н. э. в Кикладах, тридцати крошечных островах в Эгейском море в Греции, зародился стиль, определяемый как "кикладское искусство". Характерными чертами этого стиля были преимущественно женские фигуры с немного согнутыми коленями, сложившие руки под грудью, с плоскими головами. Размеры кикладского творчества колебались от статуй размером с человека до маленьких фигурок, не больше нескольких сантиметров в высоту. Разумно предположить, что было очень распространено идолопоклонство.
Кикладские скульптуры в Национальном археологическом музее Афин
Кикладский идол
"Флейтист", Национальный Археологический музей. Афины
"Скрипка", 2800 до н.э., Британский музей, Лондон
Кикладское искусство стало источником вдохновения для многих современных художников, которые оценили сдержанность и утонченность простых линий и геометрии, минимализма. Влияние кикладского искусства можно заметить в работах Модильяни, особенно в его скульптуре «Женская голова», а также в творчестве других художников, в том числе и Пикассо.
Амедео Модильяни, "Голова", 1910, Национальная галерея искусства, Вашингтон
Кикладская статуэтка и Модильяни
Пабло Пикассо, Женщина, 1907, Музей Пикассо, Париж
Джорджо де Кирико, Гектор и Андромаха
Генри Мур
Константин Бранкузи, Муза, 1912г.
.
Ханс Арп
Барбара Хепуорт
Альберто Джакометти
Связь скульптуры с архитектурой и окружающей средой
Станковая скульптура экспонируется обычно в музеях. Ее смотрят вне зависимости от других произведений и интерьера. Ее можно переставить из зала в зал, перевезти в другой город, она сравнительно легка и подвижна. Монументальная и монументально-декоративная скульптура прочно связана с определенным местом. И хотя известны примеры перестановки памятников (в Москве был передвинут памятник А. С. Пушкину), но случаи эти крайне редки. Монументальная скульптура очень тяжела, вес ее измеряется тоннами и десятками тонн, и перестановки ее сложны и трудоемки. Кроме того, такие передвижения редко имеют смысл: монументальная скульптура воздвигается под открытым небом - на площадях и улицах, - и окружение ее заранее учитывается художниками и архитекторами. Монументально-декоративная скульптура легче по весу, но еще крепче, «корнями», связана с окружающими: с зеленью аллеи, в которой она стоит, с нишей, в которую прячется, со зданием, которое поддерживает или венчает.
Включение скульптуры в архитектурный и природный фон обеспечивает ей наибольшую выразительность. Монументальная скульптура, воздвигнутая на площади, становится ее смысловым и композиционным центром: уходящая вверх вертикаль или чередование объемов монумента создают вокруг себя ритмически организованное пространство, которое, сочетаясь или контрастируя с ритмами обступающих площадь домов и вливающихся в нее улиц, придает ей завершенность.
Нередко скульптура определяет «звучание» площади, окрашивает ее романтически, делает торжественной, радостной или суровой. Так, угрюмая мощь конной статуи Бартоломео Коллеони, вознесенная на очень высокий и несоразмерно узкий постамент, создает вокруг себя такую суровую, напряженно-замкнутую среду, которая не свойственна ни одной другой площади Венеции.
Монументальная скульптура значительно сильнее воздействует на зрителя, чем станковая, и дело здесь не столько в ее размерах, сколько в сопричастности к текущей жизни. Окруженная воздушным пространством, красиво и четко вырисовывающаяся на фоне неба, она взаимодействует с белизной снега и зеленью деревьев, высветляется под лучами солнца, тускнеет вечерами, таинственно мерцает лунными ночами. Станковые произведения в музеях и на выставках нередко поставлены так, что их трудно, а то и совсем невозможно обойти.
Сегодняшние городские ансамбли немыслимы без торжественной монументальной скульптуры. Но не менее важна и скульптура монументально-декоративная (часто ее называют просто декоративной), делающая ансамбль нарядным и радостным. Монументальные па» мятники устанавливаются обособленно. Один монументальный памятник организует площадь; два - сразу вступают в спор. Декоративные скульптуры не мешают друг другу и только выигрывают от соседства с аналогичными произведениями. Двадцать памятников на набережной или проспекте, любила повторять Мухина, убьют любую идею; двадцать декоративных скульптур составят праздничный хоровод.
К декоративной скульптуре относятся статуи и рельефы, не лишенные самостоятельного значения, но являющиеся частью архитектурных ансамблей или предназначенные для украшения городских площадей и улиц, интерьеров зданий, парков. К ней относится также всевозможная скульптурная орнаментация на зданиях - лепные, литые и чеканные украшения, надвратные гербы, маскароны, т. е. рельефы в виде фантастических масок людей и животных, и статуи, несущие функции вспомогательных архитектурных элементов. Таковы атланты и кариатиды - мужские и женские фигуры, исполняющие в архитектуре роль колонн или пилястров.
Оба этих слова - «атланты» и «кариатиды» - пришли к нам из Древней Греции: «кариатида» происходит от слова «кора», т. е. девушка, Атлантом в мифах звали гиганта, поддерживающего земной свод. Античная Греция оставила нам и один из наилучших образцов использования этих полустатуй-полуколонн. Один из портиков афинского храма Эрехтейон (421-460 до н. э.) поддерживают скульптурные изображения девушек в длинных одеждах - ниспадающие вниз складки напоминают ребра колонн. Спокойно и величаво стоят эти высокие, сильные фигуры; ни в их позах, ни в горделиво поднятых головах, ни в безмятежной умиротворенности их лиц не ощущается тяжести, которую они держат. В изображении атлантов скульпторы, напротив, чаще всего подчеркивают, какая огромная тяжесть лежит на их плечах; в образах атлантов прославляется мужская сила и выносливость.
Декоративной скульптурой принято венчать мосты (вспомним хотя бы уже знакомые нам группы «Укротителей коней» на Аничковом мосту в Ленинграде), пролеты парадных, неторопливо поднимающихся кверху лестниц. Ее можно увидеть у порталов и входов, на крышах дворцов, арок, театров: на здании Театра драмы им. А. С. Пушкина в Ленинграде - четверка коней, управляемая Аполлоном, богом поэзии; на здании оперного театра во Львове - аллегорические фигуры Победы, Славы и Любви. Расположение фигур на крышах требует особой продуманности. Поднятая на высоту фигура зрительно меняет пропорции - кажется шире и приземистее, чем она есть на самом деле. Поэтому на большую высоту можно поднять не всякую, но только специально исполненную для этой цели статую. Кроме того, следует учитывать и возможности человеческого зрения: если скульптурный силуэт потеряет четкость, «расплывется», то это будет одинаково плачевно и для скульптуры, и для здания, которое она призвана украшать.
Иногда скульптуру устанавливают в нишах перед зданием. Таким образом она как бы входит в стену и вместе с тем получает только ей отведенное пространство, в котором играют свет и тень. Такая скульптура смотрится только с лицевой стороны, и тем не менее ее положение достаточно удобно и выгодно: появление тени в нише дает более четкое ощущение объемов, световые блики создают впечатление рождающегося в ней экспрессивного движения.
Главная роль в градостроительстве принадлежит архитектуре, но скульптура как монументальная, так и декоративная во многом дополняет облик города. В Париже, Флоренции, Ленинграде, Дрездене, Кракове существуют архитектурно-скульптурные ансамбли, известные всему миру. Их тщательно берегут, они сами по себе являются памятниками искусства. Старинная площадь Рынок во Львове уже больше века сохраняется без малейших изменений. Четыре большие декоративные скульптуры, установленные правильным квадратом на равном расстоянии друг от друга, подчеркивают ее безукоризненную четырехугольную форму; их праздничная нарядность особенно выявляется в контрасте с суровой внушительностью находящейся в центре площади ратуши, с торжественностью стерегущих ее вход геральдических львов. Площадь тесно окружают дома XVI- XVII вв., щедро украшенные статуями античных богов, королей и рыцарей, крылатыми львами, смеющимися маскаронами, орнаментальными рельефами с играющими дельфинами, детскими головками и цветочными гирляндами. Суровая, несколько угрюмая архитектура площади дышит затаенной энергией и силой; скульптура смягчает ее суровость, придает ей мажорное звучание. Идти по площади Рынок надо неторопливо, внимательно вглядываясь в каждый карниз, в каждую статую - каждый шаг приносит новое впечатление, учит понимать, как велики и разнообразны возможности сочетания архитектуры и скульптуры.
Подлинный синтез искусств, сочетание двух или нескольких видов искусства, взаимосвязь всех их частей и видов в новом, гармоническом единстве и в стилевом обобщении достигается в тех случаях, когда элементы различных видов искусств объединены общностью идейного и стилистического замысла и составляют органическое целое. Такого результата можно добиться во взаимодействии монументальной скульптуры с городским ансамблем, декоративной скульптуры с архитектурным окружением. Именно синтезом обусловливается художественная выразительность таких ленинградских ансамблей, как площадь Декабристов с доминирующим над ней «Медным всадником», таких строений, как Главный штаб, Биржа или Адмиралтейство.
От: ,  
Гребцы на Йере, 1877
19 августа 1848 года родился Гюстав Кайботт (1848-1894). Имя этого художника не так известно, как имена его друзей-импрессионистов, многим из которых он помогал материально. Длительное время репутация Кайботта как мецената была значительно выше, чем его репутация художника. Только через семьдесят лет после его смерти историки искусства начали пересматривать его художественное наследие.
Автопортрет, 1888-89. Частная коллекция
Французский художник и коллекционер Гюстав Кайботт унаследовал огромное состояние в возрасте 25 лет. И это дало ему возможность посвятить себя живописи, оказывать финансовую поддержку друзьям-импрессионистам и покупать их работы. Он окончил Школу изящных искусств, где подружился с Дега, Моне, Ренуаром, помог организовать первую выставку импрессионистов в Париже в 1874 году, участвовал на следующий год во второй выставке импрессионистов, сотрудничал в ее организации.
Паркетчики, 1875
Мост Европы, 1876
Живопись этого художника характеризуется очень оригинальным реализмом, но всё же близким принципам импрессионизма. Причем его композиции отличаются необычными перспективными ракурсами.
Дождливый день в Батиньольском квартале, 1877. Холст, масло. Художественный институт, Чикаго.
Кайботт писал много семейных сцен, интерьеров и пейзажей. Обычно это был очень простой сюжет и углублённая перспектива. Наклонная поверхность, общая для этих картин, является характерной чертой творчества Кайботта.
Дремота, 1877. Пастель. Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut, USA
Дорога вверх, 1881
Приемы усечения и увеличения, встречающиеся в работах Кайботта, возможно являются следствием его интереса к фотографии. Во многих работах Кайботт использует очень высокий угол зрения.
Крыши под снегом, 1872
Вид улицы Алеви с высоты шестого этажа, 1878. Частное собрание
Бульвар Осман. Снег, 1880
Интерьер, читающая женщина, 1880
Площадь Европы, 1877. Художественный институт, Чикаго
Женщина у туалетного столика, 1873
Молодой мужчина у окна, 1875
В 1881 году Кайботт приобрёл в собственность поместье в Пети-Женвилье на берегах Сены и переехал туда жить в 1888 году. Он посвятил себя садоводству и строительству гоночных яхт, проводил много времени с братом Марсиалем и другом Ренуаром, которые часто останавливались в Пети-Женвилье.
Гребцы, 1878
Апельсиновые деревья, 1878. Холст, масло. Музей изобразительных искусств, Хьюстон
Шлюпки на Сене
В кафе
Роза и незабудки в вазе, 1871-1878. Частное собрание
Интерьер. Женщина у окна, 1880
Мужчина на балконе, 1880
Отец Мальоре на дороге из Сен-Клер в Этрета, 1884
У моря, 1888 - 1894
21 февраля 1894 года Гюстав Кайботт скоропостижно скончался во время работы в своём саду. Свою богатую коллекцию картин друзей-художников (Эдуарда Мане, Эдгара Дега, Клода Моне, Огюста Ренуара, Поля Сезанна, Камиля Писсаро, Альфреда Сислея и Берты Моризо) -более 60 картин, Кайботт завещал Люксембургскому музею, но правительство отказалось принять этот дар. Спустя несколько лет, стараниями его душеприказчика Огюста Ренуара, государство все же выкупило 39 из этих полотен, и сегодня это гордость французского культурного фонда.
Огород в Петит Женневийе
Хризантемы. Сад в Петит Женневийе
Вся история искусства. Пер. Котельниковой Т.М.
М.: 20 07 - 4 16 с.
В книге представлены: исторические очерки,
рассказывающие об основных мастерах и направлениях в изобразительном искусстве
со времен древнейших цивилизаций до наших дней; указатель для удобного доступа
ко всей информации; художники, архитекторы, скульпторы, мастера декоративно
прикладного искусства; стили, школы, направления. Доступность подачи материала,
логичность изложения и хороший литературный язык книги сделают изучение истории
искусства не только познавательным процессом, но и увлекательным чтением.
Формат: pdf
Размер: 2 9,5 Мб
Скачать: drive.google
Содержание
1 Искусство в
Древнем мире 7
2 Древняя Греция 18
3 Древний Рим 33
4 От раннего христианства до Каролингов 42
5 Романское искусство 51
6 Готика 64
7 Живопись и архитектура XIV-XV вв 81
8 Новая функция искусства в эпоху Возрождения 94
9 Мастера Высокого Возрождения 130
10 Маньеризм 153
11 Классицизм и караваджизм 176
12 Барокко 190
13 От рококо к классицизму 220
14 Живопись в эпоху романтизма 242
15 Импрессионизм и символизм 263
16 Архитектура и декоративно-прикладное искусство XIX в 288
17 Итальянская живопись конца ХГХ в 299
18 У истоков авангарда: экспрессионизм и кубизм 306
19 Италия и авангардные течения 323
20 Абстрактное искусство 335
21 Возврат к фигуративности: от Шагала до «Новой вещественности» 347
22 Дадаизм и сюрреализм 356
23 Архитектура первой половины XX в 370
24 До и после Второй мировой войны 384
25 Формы современного искусства 396
Указатель 410
Искусство служит выражением мыслей, чувств, своеобразной и неповторимой личности художника, но это также зеркало культуры и истории эпохи, в которой этой личности суждено было творить. Энергия творчества, определяющая всю историю искусства, связывает единой нитью мастеров, разделенных во времени. И если смотреть с этой точки зрения, то нет необходимости рассматривать различные художественные течения и их представителей по отдельности, поскольку это разные фазы великого, непрерывного в своей поступательности движения. На смену одним поколениям приходят другие; идеи, теории и страсти стареют, как и люди, уступая место новым веяниям. Когда художнику собственным творчеством удавалось пробудить к жизни некий новый процесс глубокого духовного и художественного поиска, рождались новые стили, и нить, связывающая их с прошлым, никогда не прерывалась, сколь тонкой бы ни казалась.