Historia jednego obrazu Karla Bryullova.

Bryullov K. „Ostatni dzień Pompejów”

Magicznym dotknięciem jego pędzla odrodziło się malarstwo historyczne, portretowe, akwarelowe, perspektywiczne, pejzażowe, czego żywymi przykładami dawał w swoich obrazach. Pędzel artysty ledwo zdążył podążać za wyobraźnią, w jego głowie roiło się od obrazów cnót i przywar, stale się zastępując, całe wydarzenia historyczne urosły do ​​najżywszych, konkretnych zarysów.

Karl Bryullov miał 28 lat, kiedy zdecydował się namalować imponujący obraz „Ostatni dzień Pompejów”. Zainteresowanie tą tematyką artysta zawdzięczał swojemu starszemu bratu, architektowi Aleksandrowi Bryulłowowi, który szczegółowo zapoznał go z wykopaliskami prowadzonymi w latach 1824-1825. Sam K. Bryullov przebywał w tych latach w Rzymie, kończył się piąty rok jego emerytury we Włoszech. Miał już na swoim koncie kilka poważnych dzieł, które odniosły znaczny sukces w środowisku artystycznym, jednak żadne z nich nie wydawało się samemu artyście w pełni godne jego talentu. Miał poczucie, że jeszcze nie spełnił pokładanych w nim oczekiwań.

Przez długi czas K. Bryullova prześladowało przekonanie, że może stworzyć dzieło bardziej znaczące niż te, które stworzył dotychczas. Świadomy swoich mocnych stron, chciał dopełnić duży i złożony obraz i w ten sposób zniszczyć pogłoski, które zaczęły krążyć w Rzymie. Szczególnie irytował go pan Cammuccini, uważany wówczas za pierwszego włoskiego malarza. To on nie ufał talentowi rosyjskiego artysty i często powtarzał: „No cóż, ten rosyjski malarz jest zdolny do małych rzeczy, ale kolosalne dzieło musi wykonać ktoś większy!”.

Inni też, choć uznali wielki talent K. Bryulłowa, zauważyli jednak, że frywolność i roztargnione życie nigdy nie pozwolą mu skoncentrować się na poważnej pracy. Podburzony tymi rozmowami Karl Bryullov nieustannie poszukiwał tematu dla dużego obrazu, który gloryfikowałby jego imię. Przez długi czas nie mógł rozwodzić się nad żadnym z tematów, które przychodziły mu do głowy. W końcu zaatakował wątek, który zawładnął wszystkimi jego myślami.

W tym czasie opera Pacciniego „L” Ultimo giorno di Pompeia” z sukcesem wystawiana była na scenach wielu włoskich teatrów. Nie ulega wątpliwości, że Karl Bryullov widział ją może nawet nie raz. Ponadto wraz ze szlachcicem A.N. Demidowem (szambelan i kawaler Jego Królewskiej Mości Cesarza Rosyjskiego) zbadał zniszczone Pompeje i z własnego doświadczenia wiedział, jak duże wrażenie robią te ruiny na widzu, zachowując ślady starożytnych rydwanów, tych domów, jakby te budynki użyteczności publicznej i świątynie dopiero niedawno opuszczone przez właścicieli; amfiteatry, w których wydawało się, że zaledwie wczoraj zakończyły się walki gladiatorów; wiejskie grobowce z nazwiskami i tytułami tych, których prochy zachowały się do dziś w ocalałych urnach.

Wszędzie dookoła, podobnie jak wiele wieków temu, bujna, zielona roślinność pokryła pozostałości nieszczęsnego miasta. A ponad tym wszystkim wznosi się ciemny stożek Wezuwiusza, dymiąc groźnie na powitalnym lazurowym niebie. W Pompejach K. Bryulłow żywo wypytywał o wszystkie szczegóły służbę, która od dawna nadzorowała wykopaliska.

Oczywiście wrażliwa i podatna dusza artysty odpowiedziała na myśli i uczucia, jakie wzbudziły pozostałości starożytnego włoskiego miasta. W pewnym momencie przyszła mu do głowy myśl, aby wyobrazić sobie te sceny na dużym płótnie. Przekazał ten pomysł A.N. Demidov z takim zapałem, że obiecał zapewnić środki na realizację tego planu i kupić z wyprzedzeniem przyszły obraz K. Bryullova.

Z miłością i zapałem K. Bryullov przystąpił do realizacji obrazu i już wkrótce wykonał wstępny szkic. Jednak inne zajęcia oderwały artystę od zamówienia Demidowa i obraz nie był gotowy w terminie (koniec 1830 r.). Niezadowolony z takich okoliczności A.N. Demidow niemal zniszczył warunki zawartej między nimi umowy i dopiero zapewnienia K. Bryulłowa, że ​​natychmiast przystąpi do pracy, rozwiązały całą sprawę. I rzeczywiście zabrał się do pracy z taką pilnością, że dwa lata później ukończył kolosalne płótno. Genialny artysta czerpał inspiracje nie tylko z ruin zniszczonych Pompejów, inspirowała się także klasyczną prozą Pliniusza Młodszego, który w swoim liście do rzymskiego historyka Tacyta opisał erupcję Wezuwiusza.

Dążąc do jak największej autentyczności obrazu, Bryullov studiował materiały wykopaliskowe i dokumenty historyczne. Konstrukcje architektoniczne na zdjęciu zostały przez niego odrestaurowane z pozostałości starożytnych zabytków, artykuły gospodarstwa domowego i kobieca biżuteria zostały skopiowane z eksponatów znajdujących się w Muzeum w Neapolu. Postacie i głowy przedstawionych osób malowane były głównie z życia, od mieszkańców Rzymu. Liczne szkice poszczególnych postaci, całych grup oraz szkice obrazu ukazują dążenie autora do maksymalnej wyrazistości psychologicznej, plastycznej i kolorystycznej.

Bryullov skonstruował obraz jako osobne epizody, na pierwszy rzut oka niepowiązane ze sobą. Związek staje się wyraźny dopiero wtedy, gdy spojrzenie obejmuje jednocześnie wszystkie grupy, cały obraz.

Na długo przed końcem w Rzymie zaczęto opowiadać o cudownym dziele rosyjskiego artysty. Kiedy drzwi jego pracowni na ulicy św. Klaudiusza otworzyły się szeroko dla publiczności i kiedy obraz został później wystawiony w Mediolanie, Włosi byli nieopisanie zachwyceni. Imię Karla Bryullova natychmiast stało się sławne na całym półwyspie włoskim - od jednego końca do drugiego. Spotykając się na ulicach, wszyscy zdejmowali przed nim kapelusz; kiedy pojawił się w kinach, wszyscy wstali; u drzwi domu, w którym mieszkał, lub restauracji, w której jadł obiad, zawsze gromadziło się wiele osób, aby go powitać.

Włoskie gazety i czasopisma wychwalały Karla Bryullowa jako geniusza na równi z największymi malarzami wszechczasów, poeci śpiewali jego wiersze, a o jego nowym obrazie pisano całe traktaty. Angielski pisarz W. Scott nazwał to eposem malarskim, a Cammuccini (wstydząc się swoich wcześniejszych wypowiedzi) uściskał K. Bryullova i nazwał go kolosem. Od samego renesansu żaden artysta nie był we Włoszech obiektem tak powszechnego kultu jak Karl Bryullov.

Przedstawił zdumionemu spojrzeniu wszystkie zalety nieskazitelnego artysty, choć od dawna wiadomo, że nawet najwięksi malarze nie posiadali jednakowo wszystkich doskonałości w ich najszczęśliwszym połączeniu. Jednak rysunek K. Bryullova, oświetlenie obrazu i jego styl artystyczny są całkowicie niepowtarzalne. Obraz „Ostatni dzień Pompejów” wprowadził Europę w potężny rosyjski pędzel i rosyjską naturę, która w każdej dziedzinie sztuki potrafi osiągnąć niemal nieosiągalne wyżyny.

Co jest przedstawione na obrazie Karla Bryullova?

W oddali płonący Wezuwiusz, z którego głębin we wszystkich kierunkach płyną rzeki ognistej lawy. Światło z nich jest tak mocne, że budynki znajdujące się najbliżej wulkanu wydają się już płonąć. Jedna z francuskich gazet odnotowała ten efekt obrazowy, który artysta chciał osiągnąć, i zauważyła: „Oczywiście zwykły artysta nie omieszkałby wykorzystać erupcji Wezuwiusza do oświetlenia swojego obrazu, ale pan Bryullov zaniedbał ten sposób zainspirowało go śmiałym pomysłem, równie szczęśliwym, ale i niepowtarzalnym: oświetlić całą przednią część obrazu szybkim, drobnym i białawym blaskiem błyskawicy, przecinając gęstą chmurę popiołu pokrywającą miasto, podczas gdy światło z erupcja ledwo przedziera się przez głęboką ciemność, rzucając w tło czerwonawy półcień.”

Rzeczywiście, główna kolorystyka, którą wybrał do swojego malarstwa K. Bryullov, była jak na tamte czasy niezwykle odważna. Była to gama widma zbudowana na kolorach niebieskim, czerwonym i żółtym, oświetlona białym światłem. Zielony, różowy, niebieski występują jako odcienie pośrednie.

Decydując się na namalowanie dużego płótna, K. Bryullov wybrał jedną z najtrudniejszych metod jego kompozycyjnej konstrukcji, a mianowicie światło-cień i przestrzeń. Wymagało to od artysty dokładnego obliczenia efektu obrazu na odległość i matematycznego określenia padania światła. Aby stworzyć wrażenie głębokiej przestrzeni kosmicznej, musiał zwrócić szczególną uwagę na perspektywę powietrzną.

Pośrodku płótna znajduje się leżąca postać zamordowana młoda kobieta jakby w ten sposób K. Bryullov chciał symbolizować umierający świat starożytny (wspomnienie takiej interpretacji można było znaleźć już w recenzjach jego współczesnych). Ta szlachecka rodzina wyjeżdżała rydwanem, mając nadzieję na pośpieszną ucieczkę. Ale, niestety, jest już za późno: po drodze dogoniła ich śmierć. Spłoszone konie potrząsają wodzami, wodze pękają, oś rydwanu pęka, a siedząca na nich kobieta upada na ziemię i umiera. Obok nieszczęsnej kobiety leży różna biżuteria i cenne przedmioty, które zabrała ze sobą w ostatnią podróż. A nieokiełznane konie niosą męża dalej – także na pewną śmierć, a on na próżno próbuje pozostać w rydwanie. Dziecko wyciąga rękę do martwego ciała matki...

Właściciel obrazu, A.N. Demidow był zachwycony ogromnym sukcesem „Ostatniego dnia Pompejów” i z pewnością chciał pokazać obraz w Paryżu. Dzięki jego staraniom wystawiono go na Salonie Sztuki w 1834 r., jednak już wcześniej Francuzi dowiedzieli się o wyjątkowym sukcesie malarstwa K. Bryullova wśród Włochów. Jednak zupełnie inna sytuacja panowała w malarstwie francuskim lat trzydziestych XIX w., była to scena zaciętej walki różnych ruchów artystycznych, dlatego też twórczość K. Bryullowa została przyjęta bez entuzjazmu, jaki spotkał go we Włoszech. Pomimo niezbyt przychylnych dla artysty recenzji w prasie francuskiej, Francuska Akademia Sztuk przyznała Karlowi Bryullovowi honorowy złoty medal.

Prawdziwy triumf czekał u siebie K. Bryullova. Obraz sprowadzono do Rosji w lipcu 1834 roku i od razu stał się przedmiotem patriotycznej dumy i centrum uwagi rosyjskiego społeczeństwa. Liczne rytowane i litograficzne reprodukcje „Ostatniego dnia Pompejów” rozprzestrzeniły sławę K. Bryulłowa daleko poza stolicę. Najlepsi przedstawiciele kultury rosyjskiej z entuzjazmem witali słynny obraz: A.S. Puszkin przetłumaczył swoją fabułę na poezję, N.V. Gogol nazwał obraz „tworem uniwersalnym”, w którym wszystko jest „tak potężne, tak odważne, tak harmonijnie połączone w jedno, gdy tylko mogło powstać w głowie uniwersalnego geniuszu”. Ale nawet te pochwały wydały się pisarzowi niewystarczające i nazwał obraz „jasnym zmartwychwstaniem malarstwa On (K. Bryullov) próbuje chwycić naturę gigantycznym uściskiem”.

Evgeny Baratynsky poświęcił Karlowi Bryullovowi następujące wersety:

Przyniósł łupy pokoju
Zabierz go ze sobą pod baldachim swojego ojca.
I był „Ostatni dzień Pompei”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla.

„Sto wielkich obrazów” N.A. Ionina, Wydawnictwo Veche, 2002

Opowieści o arcydziełach

K. Bryullowa. Autoportret. (romantyzm)

Urodzony w rodzinie artysty, akademika i pedagoga Akademii Sztuk Pięknych. Już w dzieciństwie ojciec dużo z nim pracował, co nie mogło nie pozostawić śladu w jego twórczości. W swojej twórczości na ogół kierował się stylem klasycyzmu (stylem artystycznym tłumaczonym z łaciny jako „wzorowy”, przyjmującym za ideał tradycje antyku i renesansu. Klasycyzm wychwala bohaterstwo, wysokie obywatelstwo, poczucie obowiązku, potępia występki .), którą uparcie wprowadzał w swoje mury Akademii Sztuk Pięknych. Jednak, jak zobaczymy, trendy również nie pozostawiły Bryulłowa obojętnym. Wspaniale ukończył Akademię, otrzymał Wielki Złoty Medal, a następnie doskonalił swoje umiejętności we Włoszech, gdzie szybko zyskał uznanie w Europie. Tematyka wielu jego obrazów inspirowana jest motywami włoskimi. Bryullov jest właścicielem płócien o tematyce historycznej i mitologicznej oraz o tematyce codziennej. Malował także ilustracje do dzieł literackich i wiele portretów.

Ostatni dzień Pompejów (1833)

Obraz odtwarza śmierć starożytnego miasta Pompeje podczas erupcji Wezuwiusza w 79 roku naszej ery. To ogromne płótno o wysokości 4,5 metra i długości 6,5 metra.

Najbardziej złożone tło krajobrazowe i wielopostaciowa kompozycja wymagały dużej energii fizycznej i twórczej. Sukces obrazu tłumaczy się burzliwym dramatem sceny, blaskiem i jasnością kolorów, zakresem kompozycyjnym, rzeźbiarską przejrzystością i wyrazistością form.

Wezuwiusz otworzył usta – wyleciał dym, chmura płomieni

Szeroko rozwinięta jak flaga bojowa,

Ziemia jest wzburzona - od kołyszących się kolumn

Idole upadają! Naród napędzany strachem

Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,

Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.

Najważniejsze, że malarz przekonująco pokazał: nawet najbardziej bezlitosne i nieuniknione siły nie są w stanie zniszczyć człowieka w człowieku. Przyglądając się obrazowi, można zauważyć, że nawet w chwili śmierci każdy z przedstawionych na nim osób nie tyle szuka zbawienia dla siebie, ile stara się przede wszystkim ocalić bliskie mu osoby. Tym samym mężczyzna znajdujący się w samym centrum obrazu, wyciągając otwartą dłoń lewej ręki ku groźnemu niebu, chroni nie siebie przed spadającymi kamieniami, ale swoją żonę, którą okrył płaszczem. Kobieta, pochylona i pochylona całym ciałem do przodu, próbuje swoim ciałem zasłonić dzieci.

Oto dorosłe dzieci próbujące wyciągnąć starego ojca spod ognia. Tutaj matka przekonuje syna, aby ją opuścił i uratował się. A oto pan młody z martwą panną młodą w ramionach.

Oczywiście nie wszyscy ludzie są jednakowo wierni i przyzwoici. W obrazie pojawia się zarówno bestialski strach, zmuszający jeźdźca na koniu do szybkiego ratowania się, jak i nienasycona chciwość, z jaką ksiądz przywłaszcza sobie kościelne skarby, wykorzystując powszechną panikę. Ale nie ma ich wielu.

Jednak na obrazie dominuje szlachetność i miłość.

Twórczość Bryulłowa nosi wyraźny ślad wpływu romantyzmu. Widać to zarówno w wyborze tematu, jak i w ognistej kolorystyce obrazu. Ale z drugiej strony widać tu także wpływ klasycyzmu, któremu Bryullov był zawsze wierny – postacie ludzi bardzo przypominają doskonałe rzeźby antyczne. Niewiele dzieł sztuki zaznało triumfu twórczości Bryullowa.

Słynny angielski pisarz Walter Scott spędził w pobliżu obrazu dwie godziny i ocenił dzieło rosyjskiego mistrza jako epopeję historyczną. Kiedy autor postawił stopę w ojczyźnie, został ciepło przyjęty w Odessie (przybył drogą morską), a szczególnie entuzjastycznie w Moskwie. To na „tronie matki” artystę powitały poetyckie zwrotki E.A. Baratyńskiego:

Przyniosłeś trofea pokojowe

Z tobą pod baldachimem twojego ojca,

I stał się „Ostatnim dniem Pompejów”

Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla!

Autoportret (1848)

Ten autoportret uważany jest za jeden z najlepszych w malarstwie światowym. Artysta oddał w nim nastrój, jaki towarzyszył mu u schyłku życia. Bryullov był w tym czasie poważnie chory. Mistrz przedstawia siebie leżącego na krześle. Czerwona poduszka, na której zmęczona spoczywa głowa, podkreśla chorowitą bladość twarzy. Ręka wychudzonego ramienia, bezsilnie opuszczona z podłokietnika, wzmacnia motyw fizycznego cierpienia. Jednakże uważa się, że do cierpienia fizycznego dodaje się udrękę psychiczną. Wyraz zapadniętych, zmęczonych oczu mówi o nich wyraziście. To arcydzieło powstało w zaledwie dwie godziny.

Portret Julii Samoilovej ze swoją uczennicą

Ten obraz jest szczytem twórczości Bryullova jako malarza portretowego. To triumfalny przejaw piękna i duchowej siły niezależnej, jasnej, wolnej osobowości. Bryullov i Julia Samoilova kochali się. Poznali się w Rzymie, a ich miłość ułatwiła hojna włoska natura. Artystka przedstawiła ją wraz z uczennicą wychodzącą z salonu domu: porywczą, porywczą, olśniewająco piękną, urzekającą pachnącą młodością i namiętnością natury. Artysta Kiprensky powiedział, że z takim powodzeniem można stworzyć portret kobiety, którą nie tylko bez końca podziwiasz, ale którą kochasz namiętnie i szaleńczo...

Drugi tytuł obrazu to „Maskarada”. To jest główna idea artysty.
Tam, z tyłu sali, odbywa się maskarada. Jednak w świecie kłamstw Samoilova, pełna ludzkiej godności, z pogardą zrzuciła maskę i dumnie eksponuje swoją otwartą twarz. Ona jest szczera. Nie kryje swojej miłości do potępionej na tym balu artystki i swojego stosunku do społeczeństwa, które ona i jej siostrzenica wyzywająco odchodzą.
A tam, z tyłu sali, tłum w maskach nadal się bawi, są przedstawiciele wyższych sfer, którzy przywykli do mówienia co innego, robienia czego innego, a co innego myślenia. Istnieje tam całkowicie fałszywe społeczeństwo, z którym Bryullov tak często nie zgadzał się ze swoimi poglądami. Samoilova odegrała ogromną rolę w życiu artysty – wspierała go finansowo i duchowo w trudnych momentach życia Bryulłowa.

Fontanna Bakczysaraju (1849)

Malarstwo-ilustracja poematu Puszkina pod tym samym tytułem. Przedstawił „nieśmiałe żony” Khana Gireya w ogrodzie przy basenie, obserwujące ruchy ryb w wodzie. Obserwuje ich eunuch. Z zainteresowaniem i zachwytem artysta przekazuje egzotykę Wschodu: fantazyjne orientalne stroje, bujny luksus natury - wszystko to nadaje obrazowi świąteczną dekorację. W filmie nie ma dramatu. jak w wierszu. Idylliczny nastrój sprawia, że ​​jest to malownicza ilustracja do wierszy:

Beztrosko czekając na chana,

Wokół zabawnej fontanny

Na jedwabnych dywanach

Siedzieli w tłumie igraszek

I z dziecięcą radością patrzyli,

Jak ryba w czystych głębinach

Szedłem po marmurowym dnie.

Celowo, żeby sprowadzić ją na dół od innych

Porzucili złote kolczyki.

Włoskie popołudnie (1827)

Modelem tego obrazu był rzymski mieszkaniec – pulchna osoba o okrągłej twarzy, którą przedstawił zbierającą winogrona. Stojąc na schodach, w lewej ręce trzyma kosz winogron, prawą ręką ma zamiar zerwać kiść winogron i podziwia grę światła w jagodach wypełnionych bursztynem. Artysta przyłapał ją na tym. Hojne włoskie słońce prześwieca przez zielone liście, płonie złotem w winogronach, błyska jasnym płomieniem na fioletowej pelerynie zarzuconej na lewe ramię młodej kobiety, w rumieńcu jej policzków, w zakrzywieniu jej szkarłatnych ust, przeszywa ją bujny biust, który eksponuje bluzka zsunięta z ramienia. „Włoskie południe” to dojrzała, kwitnąca kobieta, pasująca do dojrzałych i soczystych owoców pielęgnowanych włoskim słońcem. Burza światła i kolorów, typowo włoska, południowa kolorystyka twarzy nie wymaga pokazywania otoczenia, aby podkreślić scenę.

Portret sióstr Shishmarev (1839)

Uroczysty portret córek słynnego miłośnika teatru i artysty Sziszmariewa. Portret namalowany jest w formie malarstwa rodzajowego, Siostry schodzą po marmurowych schodach do ogrodu. Pies szybko biegnie im do stóp. Poniżej etiopski służący trzyma konie arabskie. Ruchy „Amazonek” są płynne i piękne. Ich kostiumy są wykwintne. Kolory niebieskich, szkarłatnych i czarnych ubrań są głębokie i bogate.

Batszeba (1832)

Obraz oparty jest na historii biblijnej. Batszeba jest żoną Uriasza, przyjaciela króla Dawida. Dawid zabił Uriasza i uczynił Batszebę swoją żoną. Ona urodziła mu syna, przyszłego króla Salomona, słynącego ze swojej mądrości. Artysta połączył w obrazie idealne piękno z życiową prawdą. Maluje piękno kobiecego ciała, ale wszystkimi formami rzeźbiarskimi, które przywodzą na myśl klasycyzm, piękno to nie jest zimne, ale żywe, ciepłe. Mitologiczna fabuła utrzymana w duchu romantyzmu zabarwiona jest pikantnością orientalnej egzotyki: śnieżnobiałą piękność Batszeby przełamuje ciemnoskóre ciało czarnej kobiety.

Dziewczyna zbierająca winogrona.

Obraz namalowano w 1827 r. To scena z życia na wsi, widziana w jednym z włoskich miasteczek. Bryullov przekształcił to w elegancki spektakl baletowy.

Młoda wieśniaczka, jak pełna wdzięku tancerka, wspięła się na palce i rozłożyła elastyczne ramiona, ledwo dotykając winorośli kiścią czarnych winogron. Muzykalność jej pozy podkreśla lekka sukienka dopasowana do jej smukłych nóg – chiton. Koralowa nitka podkreśla smukłą szyję i rumianą twarz otoczoną kręconymi brązowymi włosami.

Kolejna dziewczyna, leżąca swobodnie na schodach domu. dzwoni w dzwoneczki tamburynu i kokieteryjnie spogląda na widza.

W wesołym towarzystwie interweniuje młodszy brat w krótkiej koszulce – coś w rodzaju bachicznego kupidyna niosącego butelkę wina.

Wróżenie Swietłana

W Wigilię dziewczyny przepowiadają przyszłość o swoim narzeczonym. Więc Swietłana, patrząc w lustro, zastanawia się. To dziewczyna z ludu - w kokoshniku, w sukience, z koralikami na piersi. Artystka oczywiście znacznie upiększyła portret – dziewczyny z ludu tak się nie ubierają. Swietłana spogląda w lustro i szepcze zaklęcia. Dziewczyna z pasją wypowiada magiczne słowa, jej oczy błagalnie wpatrują się w jej twarz, jakby czekała na spełnienie swojego życzenia. Nieopodal stoi płonąca świeca, oświetlająca twarz dziewczyny.

Portret N. N. Gonczarowej. 1832

To jedyny portret żony Puszkina stworzony za życia poety. To prawdziwe arcydzieło rosyjskiego malarstwa akwarelowego.

Artystka nie zagłębia się w charakter młodej damy. Jest pod całkowitym wpływem piękna i uroku młodości. Dlatego cała uwaga widza skupiona jest na jej młodości, słodyczy niemal dziecięcej twarzy i eleganckiej toalecie. Miała zaledwie 18 lat.

Na portrecie piękna Natalie ma w uszach kolczyki z drogimi diamentami. Biedny Puszkin pożyczył je na bal dla swojej ukochanej żony od swojego przyjaciela Piotra Meszczerskiego. Kiedy poeta zobaczył je na swojej żonie, nalegał, aby Bryullov namalował portret w tych kolczykach. Należy powiedzieć, że według legendy nie były to zwykłe diamenty, ale „diamenty Shirin” - zalicza się je do historycznych „fatalnych” klejnotów. Wierzono. że nie mogą ich nosić kobiety, które nie należą do rodziny Meshcherskich.

Patrząc na ten portret Bryulłowa, mimowolnie przywołuje się na myśl wersety z wiersza Puszkina poświęconego jego ukochanej żonie:

W moim prostym kącie, pośród powolnych prac,

Chciałem być na zawsze widzem jednego obrazu,

Jeden: aby z płótna, jak z chmur,

Najczystszy i nasz boski Zbawiciel...

Moje życzenia się spełniły. Twórca

Przysłał Ciebie do mnie, Ciebie, moja Madono,

Najczystszy przykład czystego piękna.

Portret w parze E. Mussarda i E. Mussarda (1849), akwarela

Za radą lekarzy w 1849 roku Bryullov wyjechał na Maderę, gdzie przebywał przez około rok. Tutaj, wśród małej kolonii Rosjan, artysta spotkał piękną parę Mussardów. Jewgienij Iwanowicz Mussard był sekretarzem księcia Maksymiliana z Lichtenberga i jego żony wielkiej księżnej Marii Nikołajewnej. Artysta podjął się namalowania portretu Musardów. Portret konny, ceremonialny. Bryullov uwielbiał malować takie portrety. I chociaż jest to akwarela, artystce po mistrzowsku udało się oddać fakturę ubioru i piękno dodatków. Ale ich blask nie przeszkadza w podziwianiu na spacerze pięknej pary Mussardów i wyglądu ich wspaniałych koni.

Śmierć Inessy de Castro (1834)

Przed nami dramat z życia kastylijskiego króla Portugalii Alfonsa IV. Nadworna dama żony syna królewskiego Don Pedro Inessy urzekła swoją urodą niemowlę, które po śmierci żony potajemnie ją poślubiło, bo... ojciec miał inną kandydatkę na żonę dla swojego syna. Doradcy króla odkryli tajemnicę jego syna i wyjawili ją Alfonsowi.

Don Pedro odmówił poślubienia konkurenta swojego ojca. Następnie decyzją Rady Królewskiej postanowiono zabić Inessę. Po oczekiwaniu na moment, w którym Don Pedro wyruszy na polowanie, król wraz ze swoimi doradcami udali się do Inessy. Kiedy Inessa zdała sobie sprawę, co ich czeka, rzuciła się do stóp króla. Nieszczęsna kobieta szlochała i błagała o życie. Początkowo król zlitował się nad młodą kobietą, ale jego doradcy przekonali ją, aby nie ulegała niepotrzebnej litości i zabili matkę dwójki dzieci.

Don Pedro nie wybaczył ojcu takiej zdrady i po jego śmierci odnalazł bezpośrednich zabójców i dokonał ich egzekucji. Artystce udało się oddać uczucia matki żarliwie błagającej swoich zabójców. Król i jego sługi przedstawieni są w ciemnych, ponurych kolorach; postacie Inessy i dzieci wyróżniają się jako jasny punkt. I znowu w przedstawieniu kobiety Bryullov pozostaje wierny klasycyzmowi, a przy wyborze tematu, w przedstawieniu pasji skłania się ku romantyzmowi.

Jeździec (1823)

Być może najsłynniejszy portret Bryulłowa. Przed nami uczniowie hrabiny Samoilovej – Giovanna i Amazilia Pacini. To uroczysty portret-obraz: młoda piękność Giovanna w postaci Amazonki zaprzęga konia przed werandą domu, na jej spotkanie wybiegły psy i dziewczynka, patrzy na siostrę z podziwem i adoracja. Portret zdaje się być wypełniony ruchami i dźwiękami: szczekają psy, zdaje się, że w rozbrzmiewających echem korytarzach pałacu wciąż słychać echo tupotu dziecięcych stóp. Koń jest gorący, ale sam jeździec spokojnie siedzi na jego szerokim grzbiecie. Bryullov z wielką wprawą maluje powiewający szmaragdowy szalik jeźdźca na tle ciemnej zieleni parku – zieleń na zieleni. Święto będzie przepełnione radosnym uczuciem zachwytu nad świątecznym bogactwem i różnorodnością życia.

Karl Bryullov mieszkał we Włoszech przez ponad cztery lata, zanim w 1827 roku dotarł do Pompei. W tym czasie poszukiwał tematu do dużego obrazu o tematyce historycznej. To, co zobaczył, zadziwiło artystę. Zebranie materiału i namalowanie epickiego płótna o powierzchni prawie 30 m2 zajęło mu sześć lat. Na zdjęciu biegają ludzie różnej płci, wieku, zawodu i wyznania, dotknięci kataklizmem. Jednak w pstrokatym tłumie można dostrzec cztery identyczne twarze...

W tym samym roku 1827 Bryullov poznał kobietę swojego życia - hrabinę Julię Samoilovą. Po rozstaniu z mężem młoda arystokratka, była druhna, kochająca artystyczny styl życia, przeprowadziła się do Włoch, gdzie moralność jest bardziej swobodna. Zarówno hrabina, jak i artysta mieli reputację łamaczy serc. Ich związek pozostał wolny, ale długi, a ich przyjaźń trwała aż do śmierci Bryulłowa. „Nic nie zostało zrobione zgodnie z zasadami między mną a Karlem” – napisała później Samoilova do swojego brata Aleksandra.

(Łącznie 19 obrazów)

Karl Bryullov, „Portret hrabiny Julii Pawłownej Samoiłowej opuszczającej bal z adoptowaną córką Amazilią Pacini”, 1839-1840, fragment.

Julia o śródziemnomorskim wyglądzie (krążyły plotki, że ojcem kobiety był włoski hrabia Litta, ojczym jej matki) była dla Bryullowa wręcz ideałem, jakby stworzona na potrzeby starożytnej fabuły. Artysta namalował kilka portretów hrabiny i „oddał” jej twarz czterem bohaterkom obrazu, co stało się jego najsłynniejszym dziełem. W „Ostatnim dniu Pompei” Bryullov chciał pokazać piękno człowieka nawet w rozpaczliwej sytuacji, a Julia Samoilova była dla niego doskonałym przykładem tego piękna w realnym świecie.

Badacz Erich Hollerbach zauważył, że podobne bohaterki „Ostatniego dnia Pompejów”, pomimo różnic społecznych, wyglądają jak przedstawiciele jednej wielkiej rodziny, jakby kataklizm zbliżył i zrównał wszystkich mieszczan.

„Wziąłem tę scenerię z życia, nie wycofując się ani nie dodając, stojąc tyłem do bram miasta, aby zobaczyć część Wezuwiusza jako główny powód” – Bryulłow wyjaśnił w liście do brata wybór lokalizacji. To już przedmieście, tzw. Droga Grobów, prowadząca od Bramy Herkulanum w Pompejach do Neapolu. Tutaj znajdowały się grobowce szlachetnych obywateli i świątynie. Artysta naszkicował położenie budynków podczas wykopalisk.

Według Bryulłowa podczas wykopalisk widział szkielety jednej kobiety i dwójki dzieci, pokryte w tych pozach popiołem wulkanicznym. Artystka mogła kojarzyć matkę z dwiema córkami z Julią Samoilovą, która nie mając własnych dzieci, przyjęła do wychowania dwie dziewczynki, krewne przyjaciół. Nawiasem mówiąc, ojciec najmłodszego z nich, kompozytor Giovanni Pacini, napisał operę „Ostatni dzień Pompejów” w 1825 roku, a modne przedstawienie stało się jednym ze źródeł inspiracji dla Bryulłowa.

Chrześcijański ksiądz. W I wieku chrześcijaństwa w Pompejach mógł pojawić się szafarz nowej wiary; na obrazie można go łatwo rozpoznać po krzyżu, naczyniach liturgicznych – kadzielnicy i kielichu – oraz zwoju ze świętym tekstem. Noszenie krzyży na ciele i pektorałów w I wieku nie zostało potwierdzone archeologicznie.

Pogański kapłan. O statusie postaci świadczą przedmioty kultu w jego dłoniach oraz opaska na głowę – infula. Współcześni zarzucali Bryulłowowi, że nie wysunął na pierwszy plan sprzeciwu chrześcijaństwa wobec pogaństwa, ale artysta nie miał takiego celu.

Przedmioty kultu pogańskiego. Trójnóg służył do palenia kadzideł bogom, noże i siekiery rytualne do uboju bydła ofiarnego, a naczynie do mycia rąk przed wykonaniem rytuału.

Ubiór obywatela Cesarstwa Rzymskiego składał się z podkoszulka, tuniki i togi, dużego kawałka wełnianego materiału w kształcie migdała owiniętego wokół ciała. Toga była oznaką obywatelstwa rzymskiego; Rzymianie na wygnaniu utracili prawo do jej noszenia. Kapłani nosili białą togę z fioletowym paskiem wzdłuż krawędzi – toga praetexta.

Sądząc po liczbie fresków na ścianach Pompejów, zawód malarza był w mieście poszukiwany. Bryullov przedstawił się jako starożytny malarz biegnący obok dziewczyny o wyglądzie hrabiny Julii - tak często robili mistrzowie renesansu, których prace studiował we Włoszech.

Według krytyczki sztuki Galiny Leontyjewej leżąca na chodniku Pompejanka, która spadła z rydwanu, symbolizuje śmierć starożytnego świata, za którą tęsknili artyści klasycyzmu.

Rzeczy, które wypadły z pudełka, podobnie jak inne przedmioty i dekoracje na obrazie, Bryullov skopiował z brązowych i srebrnych luster, kluczy, lamp wypełnionych oliwą z oliwek, wazonów, bransolet i naszyjników znalezionych przez archeologów, należących do mieszkańców Pompeje w I wieku naszej ery.

Według pomysłu artysty są to dwaj bracia ratujący chorego, starego ojca.

Pliniusz Młodszy z matką. Starożytny rzymski prozaik, który był świadkiem erupcji Wezuwiusza, opisał ją szczegółowo w dwóch listach do historyka Tacyta. Bryullov umieścił na płótnie scenę z Pliniuszem „jako przykład dziecięcej i macierzyńskiej miłości”, mimo że pisarza i jego rodzinę dotknęła tragedia w innym mieście – Misenach (ok. 25 km od Wezuwiusza i ok. 30 km od Pompei). Pliniusz przypomniał sobie, jak wraz z matką wydostał się z Misenum w szczytowym momencie trzęsienia ziemi, a do miasta zbliżała się chmura pyłu wulkanicznego. Starszej kobiecie trudno było uciec, a ona, nie chcąc spowodować śmierci 18-letniego syna, próbowała go nakłonić, aby ją opuścił. „Odpowiedziałam, że tylko dzięki niej będę zbawiona; Biorę ją pod ramię i zmuszam do przyspieszenia kroku” – powiedział Pliniusz. Obaj przeżyli.

Szczygieł. Podczas erupcji wulkanu ptaki ginęły w locie.

Według starożytnej tradycji rzymskiej głowy nowożeńców dekorowano wiankami z kwiatów. Z głowy dziewczyny spadł flammei, tradycyjny welon starożytnej rzymskiej panny młodej, wykonany z cienkiej żółto-pomarańczowej tkaniny.

Budynek od Drogi Grobów, miejsce spoczynku Aulusa Umbriciusa Skaurusa Młodszego. Groby starożytnych Rzymian budowano zwykle poza granicami miasta, po obu stronach drogi. Skaurus Młodszy przez całe swoje życie piastował stanowisko duumvira, czyli stał na czele władz miejskich, a za swoje zasługi otrzymał nawet pomnik na forum. Obywatel ten był synem zamożnego handlarza sosem rybnym garum (Pompeje słynęły z niego w całym imperium).

Sejsmolodzy, na podstawie charakteru zniszczeń budynków przedstawionych na zdjęciu, określili intensywność trzęsienia ziemi „według Bryulłowa” - osiem punktów.

Erupcja, która miała miejsce w dniach 24–25 sierpnia 79 r. n.e., zniszczyła kilka miast Cesarstwa Rzymskiego położonych u podnóża wulkanu. Z 20–30 tysięcy mieszkańców Pompejów, sądząc po znalezionych szczątkach, nie udało się uratować około dwóch tysięcy.

Autoportret Karola Bryulłowa, 1848.

1799 - Urodził się w Petersburgu w rodzinie akademika rzeźby ozdobnej Pawła Brullo.
1809–1821 – studia w Akademii Sztuk Pięknych.
1822 - Za fundusze Towarzystwa Zachęty Artystów wyjechał do Niemiec i Włoch.
1823 - Utworzono „Włoski poranek”.
1827 - Namalował obrazy „Włoskie popołudnie” i „Dziewczyna zbierająca winogrona w okolicach Neapolu”.
1828–1833 - Praca nad płótnem „Ostatni dzień Pompejów”.
1832 - Napisał „Jeździcę”, „Batszebę”.
1832–1834 - Pracował nad „Portretem Julii Pawłownej Samoiłowej z Giovaniną Pacini i Małym Arabem”.
1835 - Wrócił do Rosji.
1836 - Został profesorem Akademii Sztuk Pięknych.
1839 - Ożenił się z córką burmistrza Rygi Emilią Timm, ale rozwiódł się dwa miesiące później.
1840 - Powstał „Portret hrabiny Julii Pawłownej Samoiłowej opuszczającej bal…”.
1849–1850 – Wyjazd na leczenie za granicę.
1852 - Zmarł we wsi Manziana pod Rzymem, pochowany na rzymskim cmentarzu Testaccio.

Materiał przygotowany dla magazynu przez Natalię Owczinnikową „Dookoła świata”. Opublikowano za zgodą czasopisma.

Pompejusz z przeszłości

Kontynuuję opowieść o małych miasteczkach z cyklu „Małe, ale odważne”.

Zacznij dalej

Na tych stronach wziąłem na siebie wielką odpowiedzialność, aby przedstawić wam, drodzy czytelnicy, małe miasto wielkich Włoch – Pompeje.

Jestem pewien, że wielu z Was, którzy odwiedzili południe Włoch, nie zignorowało wielkiego Wezuwiusza i nie odmówiło sobie przyjemności podróży w głąb wieków, tj. odwiedzić Pompeje.

Przed wyjazdem do Włoch wiedziałem trochę o tym mieście, moja wiedza ograniczała się praktycznie do słynnego obrazu Bryullowa „Ostatni dzień Pompei”, ale przygotowując się do podróży, zdecydowałem, że obraz będzie niepełny, jeśli się nie zagłębię w historię i spróbować zrozumieć, jak żyli ludzie w tym starożytnym mieście, jakie mieli zainteresowania, zwyczaje, preferencje i dlaczego ich życie zakończyło się tak nieoczekiwanie.

Co zatem dotarło do nas z głębi wieków?

Archeolodzy datują powstanie Pompejów na połowę VI wieku p.n.e., wówczas Pompejusz nie wyróżniał się niczym od pozostałych miast Kampanii (tak się nazywała i jest obecnie nazwa żyznego regionu Półwyspu Apenińskiego) , gdzie znajdowało się miasto Pompejusz).

Znacznie później, w I wieku. PRZED CHRYSTUSEM mi. Pompeje stają się centrum kulturalnym. Amfiteatr na 20 tysięcy widzów, Odeon, powstają liczne budynki, brukowane są ulice. Miasto zdobią rzeźby, mozaiki i freski. Były to czasy, kiedy w Cesarstwie Rzymskim szczególną uwagę zwracano na architekturę: budowano wodociągi i mosty, łaźnie i amfiteatry, wille oraz liczne budynki mieszkalne.

5 lutego 62 r. n.e Zabrzmiało pierwsze ostrzeżenie o zbliżającej się katastrofie – w Kampanii doszło do potężnego trzęsienia ziemi, którego epicentrum znajdowało się w okolicach Pompejów. Miasto zostało zniszczone. Do tego momentu miasto doświadczało łagodnych wstrząsów, które nie spowodowały większych zniszczeń. Do tego czasu poczucie zagrożenia wśród mieszkańców osłabło.

Przez kolejne 15 lat Pompeje były w budowie – mieszkańcy miasta odnawiali domy zniszczone przez trzęsienie ziemi i budowali nowe budynki.

Co dziwne, mieszczanie, pomimo okrutnej lekcji losu, nie traktowali Wezuwiusza poważnie i nie spodziewali się z nim dalszych kłopotów.

Wstrząsy nie przeszkadzały mieszkańcom. Za każdym razem naprawiali pęknięcia w domach, jednocześnie aktualizując wnętrze i dodając nowe dekoracje. Bez paniki.

Ale w październiku 79 r. n.e. Wezuwiusz, który do tej pory drzemał, w końcu się obudził i sprowadził całą swoją władzę na miasto, jakby mszcząc się na ludziach za wieloletnie zaniedbania jego wielkiej osoby.

Wstrząsy, płatki popiołu, spadające z nieba kamienie – wszystko to leciało z dużą prędkością w stronę miasta. Ludzie próbowali schronić się w domach, ale tam umierali z powodu uduszenia lub pod gruzami. Śmierć ogarnęła wszędzie: w teatrach, na targowiskach, na forach, w kościołach, na ulicach miasta, poza jego granicami. Jednak większości mieszkańców udało się mimo to opuścić miasto.

Wezuwiusz szalał przez cały dzień. Pompeje pokryła wielometrowa warstwa popiołu. Kurz i popiół wisiały na niebie niczym czarny całun przez następne trzy dni. Miasto zostało utracone na zawsze.

Obraz Bryullowa „Ostatni dzień Pompejów”

„Dążąc do jak największej autentyczności obrazu, Bryullov studiował materiały wykopaliskowe i dokumenty historyczne. Konstrukcje architektoniczne na zdjęciu zostały przez niego odrestaurowane z pozostałości starożytnych zabytków, artykuły gospodarstwa domowego i kobieca biżuteria zostały skopiowane z eksponatów znajdujących się w Muzeum w Neapolu. Postacie i głowy przedstawionych osób malowane były głównie z życia, od mieszkańców Rzymu. Liczne szkice poszczególnych postaci, całych grup oraz szkice obrazu ukazują dążenie autora do maksymalnej wyrazistości psychologicznej, plastycznej i kolorystycznej.

Bryullov skonstruował obraz jako osobne epizody, na pierwszy rzut oka niepowiązane ze sobą. Związek staje się wyraźny dopiero wtedy, gdy spojrzenie obejmuje jednocześnie wszystkie grupy, cały obraz.”

Sto wielkich obrazów” N.A. Ionina, Wydawnictwo Veche, 2002.

Dzięki nagłej i szybkiej śmierci Pompeje okazały się najlepiej zachowanym starożytnym miastem, ponieważ całe wyposażenie domów pozostało nienaruszone pod warstwą stwardniałej lawy.

Do chwili obecnej, dzięki pracom archeologów, odkryto 3/5 miasta (resztę postanowili pozostawić przyszłym pokoleniom!): mury obronne, bramy, nekropolie, bloki budynków mieszkalnych z mozaikami, freskami i rzeźbami, dwa fora, amfiteatr i dwa teatry, świątynie i wiele innych są dostępne do wglądu.

Wejdźmy do bram miasta Pompeje.

Niespodziewanie tuż obok bramy, ledwo przekraczając próg, wchodząc do miasta, ujrzałem na kafelkach podłogi dobrze zachowany wizerunek fallusa.

Wow! - Osłupiałem - jednak to było wesołe miasteczko!

- Czy nie jest prawdą, że w starożytności zachowywali się bardziej niż ekstrawagancko?

Nie potrafię sobie nawet wyobrazić, co by się stało, gdyby ludzie teraz próbowali zachowywać się w ten sam sposób… – ok. autor.

Tablice z wizerunkami wilczyc czy fallusów, które wcześniej wisiały na domach, od dawna znajdują się w muzeach Neapolu i można tylko wierzyć przewodnikom, które kiedyś tu i tu wisiały. Starożytni panowie nie wahali się pochwalić, jeśli coś mieli, i zamówili u artystów specjalne tabliczki przedstawiające ich godność i jej wielkość, które przyczepili nad progiem swojego domu.

Łatwo zgadnąć, jak niezwykłym miastem były Pompeje i dlaczego zawsze gromadzili się tam żeglarze i wojownicy. Luponarzy w mieście było mnóstwo: mieściły się w hotelach i domach prywatnych na drugich piętrach lub na pierwszych piętrach z osobnym wejściem, natomiast w łaźniach i termach ich nie było. (paradoks, dziś w łaźniach rozkwitają usługi intymne! - przyp. autora). Rzymianie uwielbiali się myć i nie chcieli, aby inni odrywali ich od tej świętej czynności

Łatwo je zrozumieć; nie było łazienek w domach, w których brak ciepłej wody przez dwa tygodnie odbieramy jako klęskę żywiołową! Starożytni musieli udać się do instytucji publicznych, gdzie udało im się połączyć przyjemne z pożytecznym: mogli się umyć i spotkać z przyjaciółmi i sąsiadami. - ok. autor.

W luponariach zachowały się ciekawe freski, które wprawiają zwiedzających w odpowiedni nastrój; fresków tych nie należy pokazywać dzieciom. W domach prywatnych znajduje się wiele fresków o charakterze erotycznym, co świadczy o poważnym podejściu dawnych właścicieli do kwestii seksualnych. Jeśli przyjrzysz się bliżej, zdziwisz się, że niewiele zmieniło się w usługach intymnych od czasów starożytnych.

Europejczykom w Pompejach drzwi będą wydawać się wąskie, sufity niskie, pudła krótkie, a pokoje małe. Starożytni ludzie byli mali, mniej więcej wielkości współczesnych Japończyków.

W Pompejach znajdziesz wiele marmurowych kolumn, które obecnie nie podtrzymują niczego poza niebem, mozaikami, freskami, malowniczymi ruinami, starożytną toaletą i pozostałościami starożytnego systemu wodociągowego.

Do wodociągu podłączano jedynie bogate domy, fontanny i łaźnie. Zwykli mieszkańcy miasta czerpali wodę z fontann, więc w ich domach nie ma śladów bieżącej wody. Zachowały się jedynie duże pojemniki do gromadzenia wody deszczowej.

Wystawiono naturalnej wielkości gipsowe figurki starożytnych mieszkańców.

Obecnie w Pompejach jest około 30 ulic i zaułków. Domy były w większości dwupiętrowe, usytuowane od strony ulicy z pustą ścianą, co sugeruje, że starożytni ludzie nie mieli chęci eksponowania swojego życia osobistego. Całe kwartały miejskie zajmowały termy, ulubione miejsca wypoczynku mieszkańców. Pozostałe miejsca wypoczynku i rozrywki położone są peryferyjnie, tam skupiają się teatry. Miasto otoczone jest murem twierdzy z kilkoma bramami.

Podczas występów w teatrze siedzenia są instalowane, a następnie usuwane.

W Pompejach stosowana jest zasada „delikatnej” renowacji, która zakłada renowację i renowację jedynie niewielkiego procentu budynków lub poszczególnych elementów konstrukcyjnych. Celem tego podejścia jest pokazanie m.in. zasugerować, jak ten lub inny obiekt mógłby wyglądać w swojej gotowej formie, pozwolić na dokonanie analogii z innymi obiektami, nie zakłócając przy tym związku z wiarygodnym dziedzictwem archeologicznym – przyp. architekt

Dalszych wykopalisk praktycznie nie prowadzi się, bo... istnieje pilna kwestia zachowania tego, co już zostało objawione.

Obecnie Pompeje atakuje nowy wróg – różnorodna roślinność, która wdziera się wszędzie, nieubłaganie kontynuując proces niszczenia miasta. Nie wynaleziono jeszcze sposobu na walkę z tym wrogiem.

Wizualnie roślinność nadaje miastu pewien urok. Czerwone główki kwitnących maków, gdzieniegdzie cienkie, młode drzewka kołyszą się na lekkim wietrze, potęgują poczucie spokoju i opuszczenia, przypominając spokojne życie i tragedię, która kiedyś tu rozegrała się.

Publikacje w dziale Muzea

Starożytna tragedia rzymska, która stała się triumfem Karla Bryulłowa

23 grudnia 1799 roku urodził się Karol Bryulłow. Karl, syn urodzonego we Francji rzeźbiarza Paula Brulleau, był jednym z siedmiorga dzieci w rodzinie. Jego bracia Paweł, Iwan i Fedor również zostali malarzami, a brat Aleksander – architektem. Jednak najbardziej znany był Karol, który w 1833 roku namalował „Ostatni dzień Pompejów”, główne dzieło jego życia. „Kultura.RF” przypomniała sobie, jak powstawał ten obraz.

Karol Bryulłow. Autoportret. 1836

Historia stworzenia

Obraz powstał we Włoszech, gdzie w 1822 roku artysta udał się na czteroletni wyjazd emerytalny z Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych. Ale mieszkał tam przez 13 lat.

Fabuła opowiada o starożytnej tragedii rzymskiej - śmierci starożytnego miasta Pompeje, położonego u podnóża Wezuwiusza: 24 sierpnia 79 r. n.e. mi. Erupcja wulkanu pochłonęła życie dwóch tysięcy mieszkańców.

W 1748 roku inżynier wojskowy Rocque de Alcubierre rozpoczął wykopaliska archeologiczne w miejscu tragedii. Odkrycie Pompejów stało się sensacją i znalazło odzwierciedlenie w twórczości różnych ludzi. Tak więc w 1825 r. ukazała się opera Giovanniego Paciniego, a w 1834 r. powieść historyczna Anglika Edwarda Bulwer-Lyttona poświęcona śmierci Pompejów.

Bryullov po raz pierwszy odwiedził miejsce wykopalisk w 1827 roku. Wybierając się do ruin, 28-letni artysta nie miał pojęcia, że ​​ta wyprawa okaże się dla niego fatalna: „Nie można przejść przez te ruiny, nie czując w sobie zupełnie nowego uczucia, które sprawi, że zapomnisz o wszystkim oprócz strasznego wydarzenia z tym miastem”.– napisał artysta.

Uczucia, których doświadczył Karl Bryullov podczas wykopalisk, nie opuściły go. Tak narodził się pomysł płótna o tematyce historycznej. Pracując nad fabułą, malarz zapoznawał się ze źródłami archeologicznymi i literackimi. „Wziąłem tę scenerię z życia, nie wycofując się ani nie dodając, stojąc tyłem do bram miasta, aby za główny powód uznać część Wezuwiusza”.. Wzorami postaci byli Włosi – potomkowie starożytnych mieszkańców Pompejów.

Na styku klasycyzmu i romantyzmu

W tym dziele Bryullov jawi się nie jako tradycyjny klasycysta, ale jako artysta ruchu romantycznego. Zatem jego fabuła historyczna poświęcona jest nie jednemu bohaterowi, ale tragedii całego narodu. A jako fabułę wybrał nie wyidealizowany obraz lub pomysł, ale prawdziwy fakt historyczny.

To prawda, że ​​​​Bryullov buduje kompozycję obrazu w tradycji klasycyzmu - jako cykl poszczególnych epizodów zamkniętych w trójkącie.

Po lewej stronie obrazu, w tle, przedstawiono kilka osób na stopniach dużego budynku grobowca Skaurusa. Kobieta patrzy bezpośrednio na widza z przerażeniem w oczach. A za nią artysta z pudełkiem farb na głowie: to autoportret Bryullowa przeżywającego tragedię wraz ze swoimi bohaterami.

Bliżej widza małżeństwo z dziećmi próbuje uciec przed lawą, a na pierwszym planie kobieta przytula córki... Obok niej chrześcijański ksiądz, który już zawierzył swój los Bogu i dlatego jest spokój. W głębi obrazu widzimy pogańskiego księdza rzymskiego, który próbuje uciec, zabierając kosztowności rytualne. Tutaj Bryullov nawiązuje do upadku starożytnego pogańskiego świata Rzymian i początku ery chrześcijańskiej.

Po prawej stronie obrazu, w tle, jeździec na koniu, który stanął dęba. A bliżej widza ogarnięty przerażeniem pan młody, który próbuje trzymać w ramionach narzeczoną (ma na sobie wianek z róż), która straciła przytomność. Na pierwszym planie dwóch synów niesie na rękach starego ojca. A obok nich młody mężczyzna, błaga matkę, aby wstała i uciekła dalej od tego wszechogarniającego żywiołu. Swoją drogą ten młody człowiek to nikt inny jak Pliniusz Młodszy, który faktycznie uciekł i zostawił wspomnienia z tragedii. Oto fragment jego listu do Tacyta: „Patrzę wstecz. Ogarnęła nas gęsta czarna mgła, rozprzestrzeniająca się niczym strumień po ziemi. Wszędzie wokół zapadła noc, w przeciwieństwie do nocy bezksiężycowej czy pochmurnej: ciemno robi się tylko w zamkniętym pokoju przy zgaszonym świetle. Słychać było krzyki kobiet, piski dzieci i krzyki mężczyzn; niektórzy wołali do rodziców, inni do dzieci lub żon i próbowali ich rozpoznać po głosach. Niektórzy opłakiwali własną śmierć, inni śmierć bliskich, niektórzy w obawie przed śmiercią modlili się o śmierć; wielu podniosło ręce do bogów; większość wyjaśniała, że ​​bogów nigdzie nie ma i dla świata była to ostatnia wieczna noc”..

Na zdjęciu nie ma głównego bohatera, ale są centralni: złotowłose dziecko przy leżącym na ziemi ciele zmarłej matki w żółtej tunice - symbol upadku starego świata i narodzin nowego, to jest przeciwieństwo życia i śmierci – w najlepszych tradycjach romantyzmu.

Na tym zdjęciu Bryullov pokazał się także jako innowator, wykorzystując dwa źródła światła - gorące czerwone światło w tle, oddające wrażenie zbliżającej się lawy i zimne zielonkawo-niebieskie na pierwszym planie, dodając dodatkowego dramatyzmu fabule.

Jasna i bogata kolorystyka tego obrazu narusza także klasyczne tradycje i pozwala mówić o artyście jako o romantyku.

Malowanie procesji triumfalnej

Karl Bryullov pracował na płótnie przez sześć lat – od 1827 do 1833 roku.

Obraz został po raz pierwszy zaprezentowany publiczności w 1833 roku na wystawie w Mediolanie – i od razu wywołał sensację. Artystę uhonorowano rzymskim triumfem, a w prasie pojawiły się pochwalne recenzje obrazu. Bryullowa witano brawami na ulicy, a podczas jego podróży po granicach włoskich księstw nie potrzebowali paszportu: wierzono, że każdy Włoch znał go już z widzenia.

W 1834 roku na Salonie Paryskim zaprezentowano Ostatni dzień Pompejów. Krytyka francuska okazała się bardziej powściągliwa niż włoska. Ale profesjonaliści docenili tę pracę, wręczając Bryullovowi złoty medal Francuskiej Akademii Sztuk.

Płótno wywołało sensację w Europie i było niecierpliwie oczekiwane w Rosji. W tym samym roku został wysłany do Petersburga. Po obejrzeniu obrazu Mikołaj I wyraził chęć osobistego spotkania z autorem, jednak artysta udał się z hrabią Władimirem Davydowem w podróż do Grecji i wrócił do ojczyzny dopiero w grudniu 1835 roku.

11 czerwca 1836 roku honorowi goście, członkowie Akademii, artyści i po prostu miłośnicy sztuki zebrali się w Sali Okrągłej Rosyjskiej Akademii Sztuk, gdzie wystawiony został obraz „Ostatni dzień Pompejów”. Autor obrazu, „wielki Karol”, został wniesiony do sali na rękach przy entuzjastycznych krzykach gości. „Tłumy gości, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, żeby popatrzeć na Pompeje”., pisze współczesny i świadek sukcesu, jakiego nie znał żaden rosyjski artysta.

Klient i właściciel obrazu, Anatolij Demidow, podarował go cesarzowi, a Mikołaj I umieścił go w Ermitażu, gdzie pozostawał przez 60 lat. A w 1897 roku został przeniesiony do Muzeum Rosyjskiego.

Obraz dosłownie podekscytował całe rosyjskie społeczeństwo i najlepsze umysły tamtych czasów.

Trofea pokojowe sztuki
Przyniosłeś to pod baldachim swojego ojca.
I był „Ostatni dzień Pompei”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla! -

o obrazie pisał poeta Jewgienij Boratyński.

Aleksander Puszkin poświęcił jej także wiersze:

Wezuwiusz otworzył usta - dym uniósł się w chmurze, płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.

Michaił Lermontow wspomina także „Ostatni dzień Pompejów” w powieści „Księżniczka Ligowska”: „Jeśli kochasz sztukę, to mam dla ciebie bardzo dobrą wiadomość: obraz Bryullowa „Ostatni dzień Pompejów” jedzie do Petersburga. Wiedziały o niej całe Włochy, Francuzi ją skarcili., - Lermontow wyraźnie wiedział o recenzjach paryskiej prasy.

Rosyjski historyk i podróżnik Aleksander Turgieniew powiedział, że ten obraz był chwałą Rosji i Włoch.

A Mikołaj Gogol poświęcił obrazowi długi artykuł, pisząc: „Jego pędzel zawiera poezję, którą tylko czujesz i którą zawsze możesz rozpoznać: nasze uczucia zawsze znają i widzą nawet charakterystyczne cechy, ale słowa nigdy ich nie wyrażą. Jego kolor jest tak jasny, że prawie nigdy wcześniej nie był, jego kolory płoną i rzucają się w oczy. Byliby nie do zniesienia, gdyby artysta pojawił się na poziomie niższym niż Bryullow, ale wraz z nim odziani są w tę harmonię i oddychają tą wewnętrzną muzyką, którą wypełnione są żywe przedmioty natury”..