Bertolta Brechta

Bębny w nocy

Bertolta Brechta. Trommeln in der Nacht. Przetłumaczone przez Grahama Rathhouse'a.

Pismo

Andreas Kragler.

Anna Balik.

Karol Balicki, jej ojciec.

Amalii Balike, jej matka.

Fryderyk Murk, jej narzeczony.

Babusz, dziennikarz.

Dwóch mężczyzn.

Glubb, właściciel pubu.

Mahnkego, kelner z baru Piccadilly.

Mahnkego nazywany „Kochankiem Rodzynek”, jego brat, kelner w pubie Glubba.

Pijana brunetka.

Bulltroter, roznosiciel gazet.

Pracownik.

Laar, chłop.

Augusta, prostytutka.

Maria, prostytutka.

Pokojówka.

Sprzedawczyni gazet.

Braci Mahnke gra ten sam aktor.

Akcja komedii rozgrywa się w listopadową noc, od wieczora do porannego zmierzchu.

Pierwszy akt. Afryka

Apartament Balik

Ciemny pokój z muślinowymi zasłonami. Wieczór.

Balike'a (goli się przy oknie). Od czterech lat nie słyszałem o nim ani słowa. Teraz nie wróci. To diabelnie niepewne czasy. W dzisiejszych czasach każdy człowiek jest na wagę złota. Dwa lata temu dałbym im rodzicielskie błogosławieństwo, ale wtedy zwiódł mnie twój przeklęty sentymentalizm. Ale teraz nie mogę przez to wszystko kichać.

Pani Balike (patrzy na wiszącą na ścianie fotografię Kraglera w mundurze artyleryjskim). Był takim dobrym człowiekiem. Z taką dziecięcą duszą.

Balike'a. Teraz zgnił w ziemi.

Pani Balike. A co jeśli wróci?

Balike'a. Nikt nigdy nie wrócił z raju.

Pani Balike. Przysięgam na zastępy niebieskie, Anna wtedy się utopi!

Balike'a. Jeśli tak mówi, to jest po prostu gęsią, a nigdy nie słyszałem, żeby gęś potrafiła się utopić.

Pani Balike. Z jakiegoś powodu cały czas czuje mdłości.

Balike'a. Nie musi jeść tylu jagód i śledzi. Ten Murk to fajny gość, powinniśmy dziękować za niego Bogu na kolanach.

Pani Balike. No cóż, nieźle zarabia. Ale co go obchodzi Kragler! Chcę tylko płakać.

Balike'a. Przed tym trupem?! Mówię Ci: teraz albo nigdy! Czy czeka na papieża? A może potrzebuje czarnego mężczyzny? Mam dość tej stolicy.

Pani Balike. A jeśli powróci, to zwłoki, które według ciebie już gniją w ziemi, powrócą z nieba lub piekła: „Witajcie. Jestem Kragler! - kto mu wtedy oznajmi, że jest trupem, a jego dziewczyna leży w łóżku z inną?

Balike'a. Sam mu powiem! A teraz powiedz jej, że mam dość, niech zagrają marsz weselny i że wychodzi za Murkę. Jeśli jej powiem, utopi nas we łzach. A teraz proszę, włącz światło.

Pani Balike. Dostanę plaster. Bez światła skaleczysz się tak za każdym razem...

Balike'a. Światło jest drogie, ale nie płacę za cięcie. ( Krzyczy do innego pokoju). Anno!

Anna (przy drzwiach). Co się z tobą dzieje, ojcze?

Balike'a. Słuchaj łaskawie swojej mamy i nie waż się marudzić w taki świąteczny dzień!

Pani Balike. Chodź tu, Anno! Ojciec mówi, że jesteś taki blady, jakbyś w nocy w ogóle nie spał.

Anna. O czym ty mówisz, śpię.

Pani Balike. Pomyśl o sobie, to nie może trwać wiecznie. On nigdy nie wróci. ( Zapala świece).

Balike'a. Znów ma oczy jak krokodyl!

Pani Balike. Oczywiście nie było to dla ciebie łatwe, a on był dobrym człowiekiem, ale teraz już nie żyje!

Balike'a. Teraz zjadają to robaki!

Pani Balike. Charles! Ale Murk cię kocha, to pracowity facet i oczywiście, że daleko zajdzie!

Balike'a. To wszystko!

Pani Balike. I dlatego zgadzasz się z Bogiem!

Balike'a. I nie dawaj nam opery!

Pani Balike. Dlatego ty i Bóg poślubicie go!

Balike'a (wściekle przyklejając plaster). Do cholery, myślisz, że potrafisz bawić się z chłopakami w kotka i myszkę? Tak lub nie! I nie ma sensu wskazywać na Boga!

Nie sądziłam, że jeszcze kiedykolwiek zobaczę tę sztukę na scenie po występie Ułanbeka Bajalijewa w teatrze „Et cetera” dziesięć lat temu:

Któregoś dnia Ułanbek i ja wpadliśmy na siebie na próbie w Teatrze Wachtangowa; w związku ze zbliżającą się premierą Butusowa przypomnieliśmy sobie jego wieloletnią twórczość, która nie trwała długo w repertuarze, i zgodziliśmy się, że oprócz tego obiektywne braki właściwe początkowo wczesnej (drugiej) sztuce Brechta, a także problemy samej inscenizacji i wykonań, „Drums in the Night” w tamtym czasie pojawiły się w złym czasie, nieco przed nią – w efekcie , chybili celu. Z drugiej strony, i tutaj sprzeciwiłem się Ułanbkowi, trzy lub cztery lata temu zbyt dotkliwe znaczenie tej sztuki z pewnością zostałoby odebrane jako spekulatywne. Ale jeśli w zasadzie zasługuje na zintensyfikowanie uwagi, to teraz, teraz.

Ogólnie rzecz biorąc, Butusow, najbardziej nieprzewidywalny reżyser, jakiego znam, ma tak wyjątkowy związek z dramatem, że często ćwiczy „Trzy siostry” - ale okazuje się, że „Otello”, przejmuje „Polowanie na kaczki” Wampilowa - a kończy na „Polowaniu na kaczki” Bułhakowa Bieganie”… Tutaj i Brecht dla Butusowa, obok Szekspira i Czechowa, jest w każdym razie najbardziej ukochanym autorem, sądząc po częstotliwości odwoływania się reżysera do jego dzieła: „Człowiek = człowiek” („Co to za żołnierz , co to za ten”) w Aleksandrince, „Dobry człowiek z Sezuany” w teatrze im. Puszkina, „Kabaret Brecht” w Teatrze. Lensovet to tylko to, co sam widziałem i „na żywo”, cóż, a kiedyś udało mi się obejrzeć w GITIS brechtowski „test” uczniów drugiego roku Zhenovacha, gdzie Butusow także wykładał. Jednocześnie związek Brecht-Butus jest paradoksalny, bo wydawać by się mogło, że teatr Butusowa jest nie do pogodzenia - spontaniczny, zmysłowy, irracjonalny, przekazujący nie myśl, ale energię, a dramaturgia Brechta z jej schematyzmem, prosta (powiedziałbym wulgarna) społeczne, często sięgające po otwartą dydaktykę, wreszcie z zatęchłą ideologią marksistowską. W rzeczywistości, co dziwne, to schematyczne fabuły i postacie Brechta są czasami idealne dla Butusowa do wypełnienia własnymi emocjami, pochodzącymi od reżysera.

Na scenie Teatru Puszkina - znowu w istocie jak podczas wiosennego zwiedzania teatru. Lensovet, tylko teraz stacjonarnie, oprawa „Kabaretu Brechta”: podświetlane konstrukcje metalowe, instrumenty muzyczne (w tym oczywiście duży bęben – czasem zbryzgany „krwią”!), mężczyźni w strojach damskich, kobiety w strojach męskich garnitury, makijaże klaunów i różnokolorowe peruki, pantomima cyrkowa, popowe gagi i stand-up, Jezus Chrystus i Charlie Chaplin, piosenka o Paryżu z repertuaru Piafa „Ksiądz miał psa…” i dziki taniec. Ale w „Kabarecie” Butusow podał wybór wypowiedzi politycznych Brechta i związanych z nim informacji biograficznych, doprawiając je najpopularniejszymi piosenkami ze swoich najpopularniejszych sztuk. Tutaj sztuka nie jest najsłynniejsza (z wyjątkiem Bayaliewa, w rzeczywistości nikt przed Butusowem nie wystawił jej w Moskwie - ale tutaj też korzystają z ekskluzywnego tłumaczenia Jegora Peregudowa) i nie ma zongów (nie licząc Mackeya aria, która posłużyła jako „przerwa”). Nóż z „Opery za trzy grosze” na tle kurtyny pomiędzy IV i V aktem spektaklu), choć dość muzycznej ekscentryczności i zsynchronizowanej bufonady – ale wbrew temu. oczekiwania, to nie ekstatyczne numery taneczne definiują obraz spektaklu, zwłaszcza po przerwie.

W tej ocenie kursu Gitisa „Brechtowskiego”, z którą Butusow pracował jako nauczyciel, przypomniał mi się przede wszystkim refren z „Matki Courage”, bardzo dojrzałej, późnej sztuki dramatopisarza, z refrenem „żołnierz wyjeżdża na wojnę, musi się spieszyć. Dla Brechta wojna jest jedną z głównych kategorii jego artystycznego świata, obejmującą wojnę klas i wojnę płci, ale także wojnę w dosłownym tego słowa znaczeniu. Bohater „Nocnych bębnów” Andreas Kragler zniknął gdzieś na cztery lata wojny, nie dając żadnych wieści o sobie. Uznano go za zmarłego, panna młoda była zmęczona czekaniem i była gotowa poślubić kogoś innego. Ale potem pojawiła się „mamusia”. zapowiedziano, na celebrację życia pojawił się „żywy trup” – prymitywna już brechtowska metafora Butusowa przedstawiona jest dosłownie, wyraźnie, a nawet za pomocą poetyckiego tekstu Pasternaka („Chcę wrócić do domu, do ogromu Apartamentu, co mnie smuci...”) i niewielu potrafiło ucieleśnić „powrót żywych trupów” jednocześnie tak subtelnie i mocno jak Timofey Tribuntsev, który dużo pracował z YN, zaczynając, jak się wydaje, od niezapomnianego „Makbeta” ” na podstawie Ionesco w „Satyriconie”. W ramach zespołu aktorskiego, którego centrum staje się Tribuntsev, tworzy się swego rodzaju trio: Alexandra Ursulyak (Anna) i Alexander Matrosov (Friedrich) również nie po raz pierwszy współpracowali Butusowa; to oni grają główne role w jego „Dobrym człowieku z Szechwanu”. Wśród parodyjnych bohaterów wyróżniają się (podobnie jak wszyscy „bogowie” w „Dobrym człowieku”) Marie-Siergiej Kudryaszow i Manke-Anastasia Lebiediewa ” w nim tutaj zamiast dwóch braci Manke Butusow ma jednego, znakomicie zagranego przez Lebiediewę, a funkcja tej androgynicznej postaci w przedstawieniu jest szczególna, coś w rodzaju kierownika kabaretu, komentuje to, co się dzieje i zwraca się do publiczności, i jednocześnie ma kontakt z innymi postaciami).

Według fabuły powrót Andreasa zbiega się nie tylko z przygotowaniami jego narzeczonej Anny do ślubu z Fryderykiem, ale także z buntem socjaldemokratycznym („spartakusowskim”), na który „zmartwychwstały” mężczyzna z rozpaczy już całkowicie się przyłączył - ale wolał spokojną rodzinną przystań i dlatego, zdaniem marksisty Brechta, „umarł” ponownie, teraz już całkowicie. Ale u Butusowa gdzieś z daleka słychać ryk kanonady, ktoś patrzy śmierci w twarz (kto strzela - czy oni naprawdę są czerwoni? Może już brązowi? Czy jest duża różnica?), a na scenie „ makabryczny taniec” trwa, kabaret, udawanie. W pierwszym akcie, łączącym dwa brechtowskie akty, akcent całkowicie przenosi się na motywy liryczne, wręcz melodramatyczne i tutaj „Bębny w nocy” przypominają nam nie tyle wcześniejsze doświadczenia Butusowa z Brechtem, ile jego własne romantyczne, które narosło wyszedł ze studenckiego przedstawienia i wszedł do repertuaru Teatru im Sztuka Majakowskiego „Liebe. Schiller” na podstawie „Przebiegłości i miłości” Schillera. „Odwróć się i maszeruj” – ale w końcu „przychodzą owce i biją w bębny”, jak zwykle. Wydaje się, że bębny Butusowa wybijają rytm nie rewolucyjnego rytmu marszu, ale pulsowania serca, a reżyser chce opowiedzieć nie o rewolucji i reakcji, ale o miłości i oszustwie, z naciskiem na banalny trójkąt miłosny , choć prezentowany z ekscentryczną jasnością charakterystyczną dla teatru Butusowa.

Akt drugi jednak bardzo różni się od pierwszego, nie tyle stylem, co nastrojem i przesłaniem. I tutaj satyra brechtowska częściowo zdobywa swoje miejsce w akcji scenicznej, w rozwoju postaci. (Zauważyłem, że wielu osobom podoba się pierwszy akt, ale nie drugi i odwrotnie, tylko drugi, ale nie pierwszy - i to w sali „premierowej”, mniej więcej w połowie „profesjonalnej” i „fanowskiej”, ale zawsze przychylnie nastawiony do występów). „Kiedy strzelają, możesz uciec, albo nie możesz uciec. Ratuj tego, którego kochasz... Kochany…” – drobnomieszczańska demagogia brzmi bardziej przekonująco, ale nie jest bardziej szczera niż demagogia rewolucyjna. Nie miałem wątpliwości, że dla Butusowa usprawiedliwianie bohatera spektaklu poprzez osławione „wartości rodzinne” byłoby nie tylko nie do przyjęcia, ale i mało interesujące. No i oczywiście Kragler w wykonaniu Tribuntseva staje się coraz bardziej postacią satyryczną, komiczną: znakomicie pomyślana jest scena pantomimiczna w finale, gdzie Kragler przez długi czas nalewa z dzbanka wodę z dzbanka do kawy, popijając; przez dziobek podlewa kwiat w doniczce, po czym siada przed skrzynką. Ale jednocześnie jest także ofiarą okoliczności silniejszych niż pojedyncza osoba. Taniec Andreasa ze skokami na szczyt fortepianu (!) w tym, co urodziła jego matka, nie licząc czarnej farby, którą wysmarowane jest całe jego ciało (sarkastyczne wspomnienie pobytu w Afryce), skarpetek na nogach i bęben na pasku - jeśli nie semantyczny, to emocjonalny (a to zawsze jest dla Butusowa ważniejsze!) kulminacja drugiego aktu, który zawiera w skrócie trzy ostatnie akty sztuki. Wizualnie najbardziej spektakularny jest odcinek z żarówkami różnej wielkości opadającymi na druty, kiedy bohaterowie znajdują się na krótki czas niczym wśród rozpraszających się gwiazd – powstaje taka krótkotrwała iluzja. A finał z żoną głaszczącą psa u jej stóp przed telewizorem to już życie bez złudzeń, takie jakie jest.

Ale co dziwne, w czysto konwencjonalnej, teatralnej, kabaretowej przestrzeni spektaklu, gdzie nie ma śladu prawdziwych wydarzeń historycznych sprzed niecałych stu lat, związanych z Karolem Liebknechtem, Różą Luksemburg i „Ligą Spartakusa”, znalazło się miejsce na „historia” w bardziej potocznym jej rozumieniu, obejmująca kroniki dokumentalne zawierające nagrania pierwszego powojennego zbombardowanego Berlina, następnie relacje z budowy muru berlińskiego. Spektakl „Drums in the Night” powstał zaraz po pierwszej wojnie światowej, Butusow nawiązuje do drugiej wojny światowej za pomocą kronik filmowych. Ale każdy, kogo mózgi nie skurczyły się jeszcze ani nie uległy rozkładowi pod wpływem prawosławia, ma na myśli następujące rzeczy. Wierzę, że reżyser myśli w tym samym kierunku; patos jego nowej wypowiedzi nie jest rewolucyjny, ale antywojenny. I w tym sensie to zabawne, że świeże „Drums in the Night” Butusowa, podobnie jak poprzednie Bajalijewa, są skierowane nie do teraźniejszości czy niedawnej przeszłości, ale do najbliższej przyszłości, te, podobnie jak te, są przed nami, do przodu - prawdopodobnie bardzo trochę, tylko trochę. Ostatnią rzeczą, którą Butusow, mając już do czynienia z bohaterami Brechta, kieruje bezpośrednio do opinii publicznej, jest obraz wyłaniającego się ceglanego muru: ściany domu, która stanie się ścianą graniczną? więzienie? może od razu przez pluton egzekucyjny?

Krótko mówiąc, rano uderzył mnie „lodowisko” w „Edypie” Tuminasa, wieczorem „ściana” w „Bębnach” Butusowa (w obu przypadkach siedziałem w pierwszym rzędzie) – czyż nie tak dużo w jeden dzień? Ale warto zauważyć, że reżyserzy różni, a jednak pod wieloma względami podobni w swoich poglądach na teatr, na człowieka i na porządek świata w kosmicznej skali (Rimas żadnego innego reżysera nie wita Wachtangowskiego z taką szczerą radością jak YN ) z różnych środowisk, jedna na materiale starożytnej tragedii greckiej z fabułą mitologiczną, druga na podstawie XX-wiecznego dramatu napisanego po piętach wydarzeń politycznych, niemal na równi widzą perspektywę człowieka i ludzkości - i natychmiastowe, krótkoterminowe; i bardziej odległe. Ale oba – i w tym również są podobne – nie ograniczają się do ostrzegawczych horrorów. Dlaczego – wydawałoby się – beznadziejne rozwiązanie „Drums…” – zarówno dla konkretnej postaci, jak i dla całego społeczeństwa – a na koniec artyści (swoją drogą bardzo brechtowscy) wyjdą i zanim rytualne ukłony, słynnie przedstawiające szeroko rozpowszechniony obecnie na scenie pokaz bębnów, ironiczny, zaraźliwy, podnoszący na duchu: tak, że serce wciąż bije i nie przestaje! I zdaje się, że Butusowowi nie spieszy się, idąc za Brechtem, do pręgierza przygwoździć reakcyjnego filistra, który pospieszył schronić się przed groźnie dziwną burzą w swoim małżeńskim łożu, ponieważ myśli we współrzędnych nie politycznych, nie społecznych , nawet nie moralny, ale kosmiczny: ma prawo moralne - nad naszymi głowami, a gwiaździste niebo jest w nas.

Ponieważ bardzo niewielu zainteresowanych biletami na dzisiejszą i jutrzejszą premierę widziało już produkcję, a nawet fotografowie nakręcili tylko pierwszą część, przed przerwą... W sumie opowiedzenie tego, co zobaczyli, byłoby jedynie spoilerem. I nie będę w najbliższym czasie filozofował na temat tego, co zobaczyłem.

Co więcej, nie cały występ był w 100% oparty na duszy i rozłożony na zwoje mózgu. Były momenty, że się po prostu nudziłam... Były jednak takie, że dosłownie bałam się oddychać - super! Raz nawet płakałam... pewnie w momencie dla wielu nieoczekiwanym, ale osobiście kojarzonym ze mną...

Kilka szkiców... ich układanki nie ułożą czekający na premierę, ale muszę chociaż trochę się wypowiedzieć.

... Blask przypomina białą zorzę polarną na czarnym niebie, która w jednej ze scen zamienia się w błyski ognia...

Miasto zniszczone doszczętnie... Co to jest - Berlin czy Wołgograd, Aleppo czy Grozny?..

Nie wiem, jak jest w Petersburgu, ale w Moskwie reżyser coraz WIĘCEJ eksponuje swoich aktorów (ci, którzy widzieli „Otella”, docenią podkreślenie tekstu)…

Jakże inaczej biegają! I tylko jeden idzie spokojnie – z bosymi stopami po oślepiającej powierzchni – jak po wodzie…

Wers o sosnach jest jedyną linijką wypowiadaną przez postać. I jeszcze - zapalniczka do papierosa i zostawiony w uścisku... czy to znaczy, że jest po swojej stronie?..

W pierwszej scenie rozpoczyna się ruch statycznych postaci. Czy warto śledzić, w jakiej kolejności zaczynają się przemieszczać? A może to wypadek i nic nie znaczy?..

Ogólnie wszyscy aktorzy grają znakomicie. Młodzież była zadowolona: na równi z mistrzami...

Albo (napisał znajomy, po obejrzeniu pierwszych zdjęć ze spektaklu): świecące „EAT” i modliszka „TRINK”…

Jeśli to spadające gwiazdy, to dlaczego pokrywają ziemię ogromnymi kamieniami gradowymi, które mogą zabić?..

Andreas w finale wygląda jak Podsekalnikov Erdmana. Potępiać? Następnie niech ten, kto rzuci pierwszy kamień, pójdzie na barykady w pierwszych rzędach. Poza tym, czy naprawdę mają rację ci, którzy tam, w Dzielnicy Gazetowej, którzy pomalowali biały niebiański blask na kolor krwi?..

Czyli wózki dziecięce czy pudełka na muszle?...

Ogólnie rzecz biorąc, zanim dzisiaj ponownie pójdę obejrzeć spektakl, zacytuję: „Aleksander Matrosow: „Praca jeszcze się nie skończyła, wszystko się zmienia i będzie się zmieniać do ostatniej sekundy. Ciągłe zmiany dotyczą nie tylko artystów, ale także tekstu, światła i dźwięku. Pozwolę sobie nawet na to, że podczas premierowych spektakli 11 i 12 listopada, czyli w dni otwarcia, nie będę pewna końcowego rezultatu.

To jest cudowne.

Ale odejdą (opuścili też wybiegi). To już nawet nie jest denerwujące (choć jeden z 20, którzy odeszli, na pewno zostawi recenzję, w której „pełzacz” rzekomo odjechał z nim - ha!).

Nie najpopularniejsza, ale jakakolwiek, po prostu mało znana sztuka w naszym kraju Bertolta Brechta „Bębny w nocy” zaczął mienić się jasnymi kolorami, gdy tylko utalentowany reżyser go dotknął. Jurij Butusow, dyrektor artystyczny petersburskiego teatru Lensoveta, zasłynął swoją pierwszą inscenizacją w 1996 roku. Jego teza „Czekając na Godota” Beckett otrzymał od razu dwie „Złote Maski” – od jury i od krytyków. Dziś reżyser ma za sobą niezliczone występy, zarówno w Rosji, jak i za granicą. Uwielbiają go publiczność i krytycy. Jak trafnie zauważył jeden z dziennikarzy, „gdyby Butusow przejął produkcję książki telefonicznej, sala byłaby pełna”. Charakterystycznym dla reżysera stylem jest niezwykle piękna forma każdego przedstawienia. To naprawdę spektakularny teatr, w którym współistnieją liryzm i dramat, farsa i tragedia, cyrk i klownada. I zawsze jest dużo muzyki i plastyczności.

Wydawać by się mogło, że co można zrobić z krótką zabawą o wyraźnie społecznym orientacji, której fabuła jest prosta: żołnierz poszedł na wojnę i nie wrócił. Jego narzeczona czekała cztery lata i ostatecznie zdecydowała się poślubić odnoszącego sukcesy producenta. Ogłoszono zaręczyny, a on, żołnierz Andreas Kragler, nagle wrócił cały i zdrowy. Nikt go nie potrzebuje, nawet panna młoda Anna, która spodziewa się dziecka od swojego nowego pana młodego. Żołnierz jest zagubiony, nie rozumie, jak dalej żyć, chodzi do tawern, do prostytutek, na dzielnice, gdzie szaleją rewolucyjnie nastawieni proletariusze. I jest już prawie gotowy dołączyć do rewolucjonistów, ale Anna podąża za nim i zapomina o wzniosłych ideach, woląc od nich osobiste szczęście. Jest nawet gotowy przyjąć cudze dziecko i wieść spokojne życie zwykłego człowieka.

Jurijowi Butusowowi udało się tę opartą na sztuce historię, którą 20-letni Bertolt Brecht uznał za swoją porażkę, w spektakularne przedstawienie „na zawsze”. Scena jest wyraźnie przestrzenią kabaretową. Aktorzy ubrani w jaskrawe, czasem wręcz prowokacyjne kostiumy, zastygali w różnych pozach. A teraz ożywają. Przed publicznością stoi duży mężczyzna z zakrwawioną twarzą. To jest ojciec Anny, Karl Balike ( Aleksiej Rachmanow). Dlaczego wszędzie jest krew? Okazało się, że po prostu skaleczyłem się podczas golenia. Przy stole siedzi duża dama w męskim garniturze, z ogoloną głową i przerzuconym przez ramię warkoczem – matka Anny, Amalia Balike ( Iwan Litwinienko). W centrum znajduje się główny bohater, ten sam żołnierz, który jeszcze nie wrócił z frontu, ale jest już obecny na scenie. Ma na sobie białą suknię ślubną „nie pierwszej świeżości”. To jest Andreas Kragler ( Timofey Tribuntsev), oczywiście jako obraz zapisany w pamięci jego narzeczonej Anny ( Aleksandra Ursulak) . Jednocześnie w miarę postępu akcji „obraz” co jakiś czas komentuje, co nadaje spektaklowi dodatkowy efekt komiczny.

Brecht nazwał swoją sztukę komedią. Wśród głównych bohaterów jest także potężnie zbudowany mężczyzna w lakierowanych butach, czarnym solidnym garniturze i pobielonej twarzy – Friedrich Murck ( Aleksander Matrosow), fabrykant, który zyskał sławę jako robotnik i obecny narzeczony Anny. Z drugoplanowych postaci najbardziej zapada w pamięć artysta ( Anastazja Lebiediewa). Krucha dziewczyna w męskim garniturze z zaczesanymi siwymi włosami, która komentuje to, co się dzieje, a także regularnie ogłasza przerwy przy zmianie scenerii i kostiumów. Artyści często zmieniają ubrania. Mężczyźni przymierzają ubrania damskie i odwrotnie. I nie ma w tym żadnych podtekstów – zapewnia reżyser. To jest teatr. " To taki styl, taki język, kiedy jest pewna maskowość – maska ​​daje dystans i z tym oczywiście pracujemy. Szukamy przejść od osoby do roli i przejść odwrotnych.”- wyjaśnia Jurij Butusow. Nie należy więc dziwić się, gdy Andreas Kragler, już nie wytwór wyobraźni panny młodej, ale żywy żołnierz, który powrócił, jak się okazuje, nie z frontu, ale z niewoli w Afryce, gdzie spędził cztery lata, zostaje już ubrany w znoszony garnitur. A potem pojawi się zupełnie nagi, umazany od stóp do głów czarną farbą. Oczywiście, żeby było jasne, że pochodzi z Afryki. A poza tym to wyraźniej pokaże nagość duszy „małego człowieka”, który dla otaczających go ludzi jest niczym więcej jak „kurzem pod jego stopami”.

Do tej roli zaproszono najzdolniejszą osobę Teatru Satyricon. Timofey Tribuntsev. Swoją drogą został uznany najlepszym artystą roku przez Gildię Filmoznawców i Krytyków Filmowych za rolę w filmie Mikołaj Dostal „Mnich i demon”. To on jest centralną postacią spektaklu, kontrastującego z otaczającym go światem zamożnej burżuazji, dla której wojna stała się środkiem wzbogacenia. Ale jeśli zostało to jasno wyrażone w sztuce Brechta, to w sztuce Butusowa jest jeszcze więcej liryzmu. Sam reżyser przyznał: « To jedna z moich ulubionych sztuk, jest po prostu bardzo dobra, bardzo piękna i romantyczna. I społeczne" Jednak nacisk położono na historię miłosną. Do czego jednak ta miłość doprowadzi człowieka, który zbuntował się przeciwko niesprawiedliwej strukturze świata? Reżyser da odpowiedź już w ostatniej scenie swojego spektaklu i dla wielu będzie to nieoczekiwane.

Spektakl zawiera wiele różnorodnej muzyki, wybranej do produkcji przez samego reżysera. Oczywiście zawsze są bębny, które brzmią albo brawurowo, albo niepokojąco. I w ogóle jest tu wiele rzeczy: potem słychać głos Marlena Dietrich, wtedy brzmią wiersze Pasternaka. A do tego wesołe melodie typowego kabaretu. Dla tych, którzy wątpią, czy to naprawdę kabaret, od czasu do czasu z głośnika słychać: „Pałac Friedrichstadt” - i od razu grzmi zapalająca melodia, aktorzy zaczynają tańczyć, by po kilku minutach zamierać, jakby nic się nie stało i wrócić do swoich ról. Pałac Friedrichstadt to najstarszy teatr w Berlinie. Ale ktoś z pewnością pamięta słynny kabaret z czasów NRD o tej samej nazwie, który często odwiedzał Moskwę i nazywano wówczas salą muzyczną. Choć akcja Bertolta Brechta rozgrywa się, choć w Berlinie, jesienią 1918 roku, kiedy tej sali muzycznej po prostu nie było. Czy to naprawdę ma znaczenie, skoro w przedstawieniu nie ma żadnych ograniczeń czasowych? Estetyka kabaretu, zgodnie z wolą reżysera, płynnie przechodzi w cyrkową klownię. Albo nawet w dramat, gdy pojawia się śnieżnobiały ekran, na którym prezentowane są dokumentalne materiały dotyczące budowy muru berlińskiego. Mieszkańcy miasta przyglądają się temu procesowi, żegnając się z bliskimi, którzy znaleźli się „po drugiej stronie”. A okna domów, z których ich starzy rodzice właśnie machali rękami na pożegnanie, na ich oczach okazały się zamurowane cegłami. Oczywiście, w zamyśle reżysera, sens tego odcinka polega na ukazaniu, do czego prowadzi ludzka obojętność, postawa niestawiania oporu i życie według zasady „mój dom jest na krawędzi”.

Jednak pomysłowość reżysera czasami przekracza skalę; za mnóstwem tych wszystkich chwytów dość trudno „odczytać” złożone znaczenia i filozofię sztuki Bertolta Brechta. Już pierwszy akt wystarczył reżyserowi, aby przekazać całą treść spektaklu. Akt drugi wypełniony jest pięknymi liczbami bez słów – najwyraźniej po to, by stworzyć wyjątkową atmosferę. Ale który? I to jest chyba słaby punkt spektaklu, który bez szkody dla pierwotnego źródła i publiczności mógłby zostać przecięty na pół właśnie za sprawą drugiego aktu. Do których nie ma pytań, są artyści. Dają z siebie wszystko w stu procentach, biorąc pod uwagę niesamowite obciążenie taneczne, które tworzy tę szczególną przestrzeń energetyczną, która magicznie oddziałuje na publiczność. Wszyscy znakomicie poradzili sobie ze swoimi rolami, ale „pierwszymi wśród równych” byli oczywiście Timofey Tribuntsev i Alexandra Ursulyak.

– Wydaje mi się, że reżyser określając gatunek spektaklu jako komedię, wabi część swoich widzów w pułapkę. Zwłaszcza jeśli widz nie zobaczy najpierw plakatu... Będzie oczekiwał komedii, ale dostanie... emocjonalną eksplozję...
- Ale się uśmiałem! Bardzo się uśmiałem...szczególnie w pierwszej części...

Myślałam o tym, z jakiegoś powodu nie chciałam się przyznać, że na pierwszym oddziale też płakałam, jeśli nie dużo, to nie raz...

I pomyślałem, może YB nie flirtuje i nie jest nieszczery, zachęcając widzów do potraktowania przedstawienia jako komedii. A te wszystkie aluzje, cytaty i autocytaty to tylko zbiegi okoliczności?... A wszelkie zbiegi okoliczności są przypadkowe?!!!

A biała suknia ślubna Andreasa wcale nie dorównuje jego całunowi i wcale nie oznacza stanu, w którym Anna będzie mogła nosić swoją suknię ślubną z inną, uważając się za wolną od obietnicy złożonej drugiej.. .

A biało-czarna kopuła sukienki nie ma nic wspólnego z podobną kopułą z „Run”. A ciągła zmiana koloru sukni z białej na czarną też nic nie znaczy.

A podobieństwo Anny do lalki, automatycznej, bezdusznej, mechanicznej, nie mówi nic o jej stanie umysłu przy braku miłości... I nawet gdy ona tak gorzko krzyczy: „Nie mogę bez niego żyć”, to nieprawda, on żyje... Ale dlaczego wydaje się, że nie czuje się opuszczona. Dlaczego wydaje się to takie... naturalne?!!

A zwęglony wygląd Andreasa prawdopodobnie też nic nie znaczy. Ani ruiny w duszy, ani upadek planów, ani daremność nadziei - na popiołach domu nie zbudujesz (Co zostało? - Popiół. - Więc zaraza uszczęśliwia cmentarz! (c)) To jest to, sprawia ci to radość. I nagość w tym momencie też może nic nie znaczyć - cóż, po prostu piękny obraz, bez podstawy semantycznej w postaci bezbronnej otwartości, w postaci ani grosza na łonie. O czym mówimy, jeśli nie ma niczego i nic nie równa się NIC, w dosłownym tego słowa znaczeniu, nic poza samym człowiekiem... zwęglonym, wyczerpanym, nagim... ale człowiekiem... żywy osoba...

I fakt, że w przedstawieniu następuje pomieszanie płci w odgrywaniu ról. To tylko zabieg teatralny (być może komediowy); z pewnością nie ma tu podtekstu o wypaczaniu zadań i celów płci w trudnych warunkach wojny. To tylko okazja, aby dać aktorom szansę na wyrażenie siebie i pokazanie swoich umiejętności!

A ściana... nie bierz tego tak poważnie. To przypadek, że wywołuje taki szok, bardziej gwałtownie niż w „Three Sisters” przy piosence porche Pochill…

A porozrzucane instrumenty muzyczne po prostu leżą i nie sugerują, że „muzy milczą, gdy ryczą armaty”. A może to ogólne przyznanie się reżysera, że ​​nawet przy pomocy tych samych narzędzi jest w stanie powiedzieć wiele nowego. Na przykład w gatunku komedii...

Komedia? Trzeba to obejrzeć, żeby uwierzyć, że to komedia... Albo po prostu obejrzeć, nawet jeśli nie możesz się przekonać...

Ale nie wyglądałoby to tak jak ostatnim razem, gdy w Wiśniowym Sadzie w połowie pierwszego aktu czarująca dziewczyna dotknęła mnie w łokieć i powiedziała: „Pójdę. Jakaś nieśmieszna komedia!” Jak ona może to zrobić, skoro czasami jest to tak nieśmieszne, że chce się płakać…