Rodzina wiolonczelistów Borisa Andrianowa. Boris Andrianow: „Wiolonczela jest psychoterapeutą, duchowym ojcem i wszystkim na świecie

Boris Andrianow to jeden z czołowych rosyjskich muzyków swojego pokolenia. Jest ideologicznym inspiratorem i liderem projektu „Pokolenie gwiazd”, w ramach którego odbywają się koncerty młodych utalentowanych muzyków w różnych miastach i regionach Rosji.

Za ten projekt w 2009 roku Borys otrzymał Nagrodę Rządu Rosyjskiego w dziedzinie Kultury. W tym samym roku rozpoczął naukę w Konserwatorium Moskiewskim.

W 2008 roku w Moskwie odbył się pierwszy w historii Rosji festiwal wiolonczelowy, którego dyrektorem artystycznym jest Boris Andrianov. W marcu 2010 odbył się drugi festiwal, a jesienią 2011 trzeci festiwal „VIVACELLO”, na którym wystąpili tak znakomici muzycy jak Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Misha Maisky, David Geringas, Steven Isserlis, Alexander Rudin, Yulian Rakhlin , Siergiej Nakaryakow i wielu innych artystów.

Boris Andrianow urodził się w 1976 roku w rodzinie muzyków. Ukończył dziesięcioletnią szkołę Gnesins (klasa V.M. Birina), następnie studiował w Konserwatorium Moskiewskim (klasa profesora N.N. Shakhovskaya) i kontynuował naukę w Wyższej Szkole Muzycznej im. Hansa Eislera (Niemcy) w klasie słynnego wiolonczelista David Geringas. Od 1991 roku jest stypendystą programu New Names, w ramach którego koncertował w wielu miastach Rosji, a także w Watykanie – rezydencji papieża Jana Pawła II, w Genewie – w Biurze ONZ, w Londynie – w Pałacu Św. Jakuba.

W wieku 16 lat został laureatem pierwszego Międzynarodowego Konkursu Młodzieży im. LICZBA PI. Czajkowskiego, a rok później otrzymał I i Grand Prix na konkursie w Republice Południowej Afryki. W maju 1997 roku Boris Andrianow wraz z pianistą Aleksiejem Goribolem zostali laureatami I Międzynarodowego Konkursu im. D.D. Szostakowicz „Classica Nova” (Hannover, Niemcy). Na VI Międzynarodowym Konkursie Wiolonczelowym im. M. Rostropowicza w Paryżu (1997) Borys Andrianow jako pierwszy w historii konkursu reprezentant Rosji otrzymał tytuł laureata. Udziałem w 2000 roku w Międzynarodowym Konkursie im. Antonio Janigro w Zagrzebiu (Chorwacja), gdzie Boris Andrianow otrzymał I nagrodę oraz wszystkie nagrody specjalne, wiolonczelista potwierdził swoją wysoką reputację, która rozwinęła się po XI Międzynarodowym Konkursie. LICZBA PI. Czajkowskiego (1998), za który zdobył III Nagrodę i Brązowy Medal. W 2003 roku Boris Andrianow został laureatem I Międzynarodowego Konkursu im. Isang Yuna (Korea).

Boris Andrianow posiada bogaty repertuar koncertowy, występując z orkiestrami symfonicznymi i kameralnymi, m.in.: Orkiestrą Teatru Maryjskiego, Rosyjską Orkiestrą Narodową, Akademicką Orkiestrą Symfoniczną Filharmonii Moskiewskiej, Wielką Orkiestrą Symfoniczną im. P.I. Czajkowskiego, Państwowa Orkiestra Kameralna Muzyki Jazzowej im. O. Lundströma, Narodowa Orkiestra Francji, Orkiestry Filharmoniczne Słowenii i Chorwacji, Orkiestry Kameralne Berlina, Wiednia, Zagrzebia, Polski i Litwy, Orkiestra Beethovenowska w Bonn, Orkiestra Padua.

Grał także z tak znanymi dyrygentami jak Valery Gergiev, Vladimir Fedoseev, Mark Gorenstein, Pavel Kogan, Alexander Vedernikov, David Geringas, Roman Kofman i inni. Wspólnie ze słynnym polskim kompozytorem i dyrygentem Krzysztofem Pendereckim wiolonczelista wielokrotnie wykonywał swoje Concerto Grosso na trzy wiolonczele i orkiestrę. Boris wykonuje dużo muzyki kameralnej, grając w zespołach z takimi muzykami jak Yuri Bashmet, Menahem Pressler, Akiko Suwanai, Janine Jansen, Julian Rakhlin.

Borys koncertuje w najlepszych salach Rosji, a także w najbardziej prestiżowych salach koncertowych Holandii, Japonii, Niemiec, Austrii, Szwajcarii, USA, Słowacji, Włoch, Francji, Republiki Południowej Afryki, Korei, Włoch, Indii, Chin i innych kraje. We wrześniu 2006 roku wystąpił w Groznym. Były to pierwsze koncerty muzyki klasycznej w Republice Czeczenii od wybuchu działań wojennych.

Brał udział w wielu międzynarodowych festiwalach, m.in.: Królewskim Festiwalu Szwedzkim, Ludwigsburgu (Niemcy), festiwalach w Cervo (Włochy), Dubrowniku (Chorwacja), Davos (Szwajcaria), festiwalu Crescendo (Rosja). Stały uczestnik festiwalu muzyki kameralnej „Powrót” (Moskwa).

Talent wiolonczelisty został doceniony przez wielu znanych muzyków. Daniil Shafran napisał: „Boris Andrianov jest dziś jednym z najbardziej utalentowanych wiolonczelistów. Nie mam wątpliwości co do jego wspaniałej przyszłości.”

Po wykonaniu Koncertu Boccheriniego w Filharmonii Berlińskiej w gazecie „Berliner Tagesspiegel” ukazał się artykuł zatytułowany „Młody Bóg”, w którym napisano: „...młody rosyjski muzyk gra jak bóg: wzruszający dźwięk, piękna miękka wibracja i mistrzowska kontrola instrumentu stworzonego z bezpretensjonalnego koncertu Boccheriniego, mały cud…”

We wrześniu 2007 roku płyta Borisa Andrianowa i pianisty Rema Urasina została uznana przez angielski magazyn Gramophone za najlepszą kameralną płytę miesiąca. W 2003 roku płyta Borisa Andrianowa, nagrana wspólnie z czołowym rosyjskim gitarzystą Dmitrijem Illarionovem, wydana przez amerykańską firmę DELOS, znalazła się na wstępnej liście nominowanych do nagrody Grammy.

Od 2005 roku Borys gra na unikalnym instrumencie wykonanym przez Domenico Montagnanę z Państwowego Zbioru Unikalnych Instrumentów Muzycznych.

Muzyk dziękuje Jurijowi Wojtsekhowskiemu za pomoc i wsparcie.

Boris Andrianow urodził się w 1976 roku w rodzinie muzyków. Ukończył dziesięcioletnią szkołę Gnessin, następnie studiował w Konserwatorium Moskiewskim w klasie profesora N.N. Szachowskiego i kontynuował naukę w Hans Eisler College of Music w Niemczech w klasie słynnego wiolonczelisty Davida Geringasa.

Od 1991 roku jest stypendystą programu „Nowe Imiona”, w ramach którego koncertował w wielu miastach Rosji, a także w Watykanie – rezydencji papieża Jana Pawła II, w Genewie – w siedzibie ONZ Biuro, w Londynie – w Pałacu św. Jakuba.

W wieku 16 lat został laureatem pierwszego Międzynarodowego Konkursu Młodzieży im. LICZBA PI. Czajkowskiego, a rok później otrzymał I i Grand Prix na konkursie w Republice Południowej Afryki.

W maju 1997 roku Boris Andrianow wraz z pianistą Aleksiejem Goribolem zostali laureatami I Międzynarodowego Konkursu. D.D. Szostakowicz „Classica Nova” (Hannover, Niemcy).

Na VI Międzynarodowym Konkursie Wiolonczelowym im. M. Rostropowicza w Paryżu (1997) Borys Andrianow jako pierwszy w historii konkursu reprezentant Rosji otrzymał tytuł laureata. Udziałem w 2000 roku w Międzynarodowym Konkursie im. Antonio Janigro w Zagrzebiu (Chorwacja), gdzie Boris Andrianow otrzymał I nagrodę oraz wszystkie nagrody specjalne, wiolonczelista potwierdził swoją wysoką reputację, która rozwinęła się po XI Międzynarodowym Konkursie. LICZBA PI. Czajkowskiego (1998), za który zdobył III Nagrodę i Brązowy Medal.

W 2003 roku Boris Andrianow został laureatem I Międzynarodowego Konkursu im. Isang Yuna (Korea). W tym samym roku płyta Borisa Andrianowa, nagrana wspólnie z czołowym rosyjskim gitarzystą Dmitrijem Illarionovem, wydana przez amerykańską firmę DELOS, znalazła się na wstępnej liście nominowanych do nagrody Grammy.

Grał także z tak znanymi dyrygentami jak Valery Gergiev, Vladimir Fedoseev, Mark Gorenstein, Pavel Kogan, Alexander Vedernikov, David Geringas, Roman Kofman i inni. Wraz ze słynnym polskim kompozytorem i dyrygentem Krzysztofem Pendereckim wiolonczelista wielokrotnie wykonywał swoje Concerto Grosso na trzy wiolonczele i orkiestrę. Boris wykonuje dużo muzyki kameralnej, grając w zespołach z takimi muzykami jak Yuri Bashmet, Menachem Pressler, Akiko Suwanai, Janine Jansen, Julian Rakhlin.

Boris Andrianov koncertuje w najlepszych salach Rosji, a także w najbardziej prestiżowych salach koncertowych Holandii, Japonii, Niemiec, Austrii, Szwajcarii, USA, Słowacji, Włoch, Francji, Republiki Południowej Afryki, Korei, Włoch, Indii, Chin i inne kraje. We wrześniu 2006 roku wystąpił w Groznym. Były to pierwsze koncerty muzyki klasycznej w Republice Czeczenii od wybuchu działań wojennych.

We wrześniu 2007 roku płyta Borisa Andrianowa i pianisty Rema Urasina została uznana przez angielski magazyn Gramophone za najlepszą kameralną płytę miesiąca.

W 2008 roku w Moskwie odbył się pierwszy w historii Rosji festiwal wiolonczelowy, którego dyrektorem artystycznym jest Boris Andrianov.

W marcu 2010 odbył się drugi festiwal, a jesienią 2011 trzeci festiwal „VIVACELLO”, na którym wystąpili tak znakomici muzycy jak Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Misha Maisky, David Geringas, Steven Isserlis, Alexander Rudin, Yulian Rakhlin , Siergiej Nakaryakow i wielu innych artystów. Za ten projekt w 2009 roku Borys otrzymał Nagrodę Rządu Rosyjskiego w dziedzinie Kultury. W tym samym roku rozpoczął naukę w Konserwatorium Moskiewskim.

Ciekawostką jest fakt, że od 2005 roku Borys gra na unikalnym instrumencie wykonanym przez Domenico Montagnanę z Państwowego Zbioru Unikalnych Instrumentów Muzycznych. Na tym instrumencie grał kiedyś wielki książę Michaił, brat cesarza Aleksandra I.

Wiolonczelista Boris Andrianow. Zdjęcie – Anna Chobotova

Wiolonczelista Boris Andrianow opowiada, jak został muzykiem „wbrew swojej woli”, dlaczego wybrał wiolonczelę Domenico Montagnany i co jest najważniejsze w tworzonych przez niego festiwalach.

Moskiewski harmonogram wiolonczelisty Borysa Andrianowa jest zaplanowany minuta po minucie; udało nam się porozmawiać późnym wieczorem w drodze na lotnisko Szeremietiewo.

Zwycięzca międzynarodowych konkursów im. P. I. Czajkowskiego w Moskwie i Classica Nova im. D. D. Szostakowicza w Hanowerze, konkursu wiolonczelowego Mścisława Rostropowicza w Paryżu, nie uważa się za gwiazdę i twierdzi, że kiedy nadejdzie to uczucie, twórczy rozwój ustanie. Tak się złożyło, że moje hobby zbiegło się z zawodem.

Po studiach w Rosji wyjechał doskonalić swoje umiejętności do Niemiec, próbował zamieszkać w Ameryce, ale ostatecznie wrócił do Moskwy. Tutaj okazało się wygodniej i ciekawiej. Ponadto zaczęto realizować nowe projekty.

Jednym z nich jest międzynarodowy festiwal muzyki wiolonczelowej Vivacello, który w tym roku odbędzie się po raz dziewiąty i otworzy się w Sali Koncertowej. Czajkowski 13 listopada 2017 r.

Tego wieczoru John Axelrod, uczeń Leonarda Bernsteina i Ilyi Musina, poprowadzi Orkiestrę Symfoniczną Nowej Rosji, a solistami będą laureaci wielu międzynarodowych konkursów Xavier Philips i Laszlo Fenie, a także sam Andrianov.

– Masz wiele twórczych postaci…

– Wydaje mi się, że moją główną cechą jest jedna: gram muzykę. A cała reszta kręci się wokół grania muzyki. Weźmy na przykład nasze festiwale. Moja praca organizacyjna jest tutaj najbardziej bezpośrednio powiązana z kreatywnością.

– Czy liczyłeś kiedyś, ile koncertów dajesz rocznie?

– Może 80 lub 100. Miesiąc, prawdopodobnie osiem lub dziesięć. Oczywiście lepiej byłoby raz dziesięć razy niż dziesięć razy jeden. Ale podoba mi się tak, jak jest teraz. Dopóki mam siłę, występuję z przyjemnością.

Koncerty nie zawsze są równomiernie rozłożone. W tym roku moje lato zbiegło się z kalendarzem i dosłownie od 1 września jestem w cyklu. Wczoraj przyjechałem, zachorowałem, pracowałem ze studentami, a dwie godziny później byłem w samolocie. Rozmawiam z tobą w samochodzie. A ja nawet nie zdążyłam się z dzieckiem zobaczyć... Oczywiście są chwile spokoju, kiedy można odpocząć. A czasami przez tygodnie nic się nie dzieje.

Po raz pierwszy od wielu lat nie grałem na instrumencie przez trzy tygodnie – tego lata pojechałem na biwak do Tadżykistanu. I wiesz, osiągnąłem niesamowitą formę fizyczną! Było jasne, że wkrótce ją stracę, ale oczywiście chciałem, żeby stało się to jak najpóźniej.

– Prawdopodobnie przy takim natężeniu pracy jesteś zmuszony trzymać się rygorystycznego reżimu?

– Ostatnio mój grafik jest dość napięty, więc wstaję nawet pół godziny przed budzikiem. Jeśli jestem w Moskwie, jem śniadanie, spędzam czas z rodziną, uczę się ze studentami i jem lunch. Studiuję, gram koncert, jem obiad i wyjeżdżam do innego miasta. Jeśli nie ma mnie w Moskwie, wstaję, jem śniadanie, uczę się lub ćwiczę. Biegam dziesięć ( 10 km. – ok. wyd.), jem lunch, odpoczywam, gram koncert, a potem – w zależności od okoliczności.

Generalnie nie dzieje się to z dnia na dzień. Na przełomie września i października były bardzo trudne dni: 28 i 29 września grałem koncerty w Chabarowsku, 2 października planowano występ w Moskwie, a 1-go musiałem grać w Japonii. Przyleciałem tam 30-go przez Seul z Chabarowska, a do Moskwy wróciłem nocnym lotem z przesiadką przez Dubaj.

Z jakiegoś powodu wydawało mi się, że z Chabarowska do Japonii było bardzo blisko. Okazało się, że miasto, którego potrzebowałem, było 700 km od Tokio i nie było bezpośredniego lotu. Kiedy wreszcie dotarłem do Moskwy, przy kontroli paszportowej zapytano mnie, skąd jestem. Odpowiedział, że jest z Dubaju. A potem z paszportu wypadła karta pokładowa z napisem: „Seul – Tokio”. Celnik najwyraźniej mnie nie zrozumiał. I naprawdę byłem w trasie przez 2,5 dnia.

Dobrze, że nauczyłam się spać w każdej sytuacji. Ale po przylocie czasami stoisz przez dziesięć sekund przed tablicą odbioru bagażu, żeby przypomnieć sobie, skąd właśnie przybyłeś... Ale taki sposób życia jest fajny. Chociaż pewnie niektórych to przeraża. Najważniejsze, że nie ma utraty jakości.

- Jak temu zapobiec?

– Oczywiście w idealnym przypadku każdy występ jest swego rodzaju szczytem emocjonalnym. To jest to, na co się przygotowujesz, na co gromadzisz energię. Nie ma znaczenia, czy grałeś ten utwór dawno temu, czy niedawno, na dużym koncercie, czy na małym. Proces jest zawsze taki sam: musisz oszczędzać energię, prawidłowo ją rozprowadzać i nie rozlewając niczego po drodze, uzyskać pożądany efekt we właściwym momencie. Potem okazuje się, że są wakacje, cieszysz się nimi i czujesz niesamowite szczęście.

Oczywiście w przeciwieństwie do kompozytorów, architektów, artystów, poetów i pisarzy muzyk nie jest bezpośrednim nosicielem idei. On, niczym aktor, przepuszcza przez siebie myśli innych, miele wszystko i oddaje innym. Dlatego to samo dzieło może mieć setki różnych interpretacji. Wydawałoby się, że grasz te same nuty, czasy trwania, odcienie, niuanse, ale nie ma dwóch identycznych wykonań. Wkład interpretatora jest nie mniejszy niż wkład kompozytora.

W każdym razie odpowiedzialność jest większa: prezentujecie publiczności powszechnie uznane arcydzieła, które od wieków można usłyszeć na scenach całego świata. Na sali są ludzie, którzy słyszeli to dziesiątki razy. Są tacy, którzy słuchają po raz pierwszy. A ty grałeś i powtarzałeś tę kompozycję setki razy. Ale nadal musisz wyjść i grać tak, jakby ta muzyka rodziła się tuż przed publicznością. Każdy koncert trzeba przeżyć jeszcze raz, a to nie jest łatwe.

Co więcej, sytuacja występów, gdy jest ich wiele, nie jest najzdrowsza. Zawsze gdzieś przyjeżdżasz i wszędzie wszystko jest inne: nowa orkiestra, dyrygent, festiwal czy projekt, w którym biorą udział Twoi znajomi i przyjaciele. Właśnie ćwiczyłam, grałam koncert – a potem wielka uczta, która kończy się po północy…

– Czy dużo ćwiczysz?

– Jak potrzeba. Ciężko mi się zmusić do nauczenia się czegoś na przyszłość. Z biegiem lat, wraz z doświadczeniem, oczywiście wszystko dzieje się szybciej. Ale czasu wciąż jest mało, musimy wykorzystać dosłownie każdą wolną minutę.

Niedawno ze wspaniałym skrzypkiem Ilyą Gringoltsem odbyliśmy próbę Koncertu podwójnego Brahmsa w mieście Kondopoga (otwarliśmy tam nowy oddział Filharmonii Karelskiej). Po próbie usiedliśmy każdy w swoim kącie: on uczył się koncertu Dutilleux, ja sonaty Kodály’ego. Zdarza się, że w ogóle nie ma czasu na naukę czegoś nowego.

– Jak zostałeś muzykiem? Czy poczułeś powołanie, czy gwiazdy się ułożyły?

– Zajmuję się muzyką od dzieciństwa, ale [na początku] nie z własnej woli. U mnie wszystko działo się pod presją i bardzo rygorystycznie. Oczywiście bardziej naturalne jest, że dziecko biega, krzyczy i gra w piłkę nożną, niż godzinami gra na instrumencie. Początkowo przydzielono mnie do gry na skrzypcach, ale potem jedna z nauczycielek powiedziała mojej mamie, że mam duże ręce i doskonale się rozciągam. Efektem końcowym jest wiolonczela.

– Z tego, co wiem, w tym roku ponownie wzrosła liczba studentów studiujących na instrumentach smyczkowych, ale chętnych na wiolonczelę nie ma tłumów. Dlaczego?

– Kto chce cały czas nosić na plecach ogromne pudło? Czy w trasie koncertowej warto kupić dwa bilety – dla siebie i na wiolonczelę? W pewnym momencie, ze względów czysto praktycznych, zdajesz sobie sprawę, że lepiej byłoby pouczyć się na przykład kontrabasu, bo nie trzeba go ze sobą nosić.

Ogólnie rzecz biorąc, w naszym kraju istnieją znacznie prostsze i mniej drażliwe sposoby zarabiania pieniędzy i osiągania sukcesu. Kto kocha wiolonczelę, wybiera ją. Moja chrześniaczka niedawno zaczęła uczyć się gry na wiolonczeli.

– Jaki talent muzyczny ma dziecko? Jak należy postępować z tak delikatną materią?

– Można je rozwijać pod względem elastyczności technicznej i muzykalności, ale najważniejsze jest, aby móc je rozwijać bez niszczenia tego, co pierwotnie było w dziecku. I nie chodzi tu tylko o przyrodę. Na przykład na jednym ogólnorosyjskim konkursie, w którym zasiadałem w jury, muzycy z Jakucji spisali się znakomicie, ale trudno powiedzieć, że Jakuci mają z natury większe predyspozycje do gry na wiolonczeli niż inni. Po prostu jest tam znakomita nauczycielka i jej uczniowie osiągają niezmiennie dobre wyniki.

Poza tym każdy ma inny talent. Zdarza się, że słuchasz: wiolonczelista jest nienaganny w technologii, ale brakuje mu muzykalności. Albo wręcz przeciwnie, tak jak ja: trzeba ciężko pracować, żeby osiągnąć wirtuozerię równie dobrą jak inni.

Albo w muzyce kameralnej sugerujesz komuś: „Słuchaj, za dwa tygodnie musimy zagrać”. Wspaniały, znany muzyk może odpowiedzieć: „Co za dwa tygodnie!.. Nie grałem tego od trzech miesięcy. Musimy pamiętać. A teraz utknąłem, nie mam czasu, żeby to powtórzyć. Przepraszam. Gdyby tylko można było powiedzieć rok (!).”

Przesadzam, ale prawie tak się dzieje. Są też inni faceci. Pytam: „Grałeś w to?” „Nie” – odpowiada. „Ale nie martw się, wszystko będzie dobrze”. Czyta z wzroku i w ciągu pięciu minut wszystko na scenie brzmi niesamowicie. Ostatecznie obaj są świetnymi muzykami, ale ich talenty są różne i wymagają innego podejścia, rozumiesz.

– Mniej więcej jasne jest, w jaki sposób w stolicach wykuwają się talenty. A co w regionach? Dzięki Bogu, że grają, czy też wszystko się porusza i rozwija?

„Dzięki Bogu, że w ogóle grają”. Chociaż są szczęśliwe wyjątki. Często podróżujemy z kursami mistrzowskimi po Rosji. Nawiązaliśmy na przykład komunikację z Jamalsko-Nienieckim Okręgiem Autonomicznym. Czasem nawet uczę się tam u skrzypków. I zawsze dziwię się, jak ludzie żyjący w tak trudnych warunkach uczą się grać na nie najprostszych instrumentach muzycznych. Oczywiście, wszędzie są utalentowani chłopcy.

Szkoda, że dzieci w wieku 7–9 lat bawią się bardzo szczerze, z serca, ale gdy dorosną, stają się ograniczone i zaczynają brzmieć inaczej. Ale nie jestem nauczycielem dzieci, więc nie powiem Ci, jak sobie z tym poradzić.

Nauczyciele w regionach z reguły mają ograniczone zasoby. Moim zdaniem jednym z najskuteczniejszych sposobów jest zabieranie dziecka na koncerty dobrych wykonawców, słuchanie płyt i kultywowanie w nim kultury słuchania. A w Rosji jest wiele miejsc odległych od ośrodków, gdzie ludzie po prostu nie mają możliwości nie tylko usłyszeć słynnego muzyka, ale nawet po prostu pójść na koncert w swojej regionalnej filharmonii.

– Jakimi zasadami kierujesz się pracując z uczniami?

– Teraz nie mam czasu, żeby ze wszystkimi pracować tyle, ile potrzeba. Zwykle dzielę się swoim doświadczeniem i patrzę na prace z zewnątrz. Nie zmuszam nikogo, żeby grał tak, jak ja chcę. Zawsze mówię: wypróbuj moją sugestię. A jeśli przekonasz mnie, że inaczej będzie brzmiało lepiej, to śmiało.

Wiele osób ma niestety problemy z ułożeniem dłoni. Analizujemy więc program i pracujemy nad palcowaniem, techniką i dźwiękiem. Chociaż oczywiście chciałbym widzieć na zajęciach już ugruntowane osobowości i uczyć się wyłącznie muzyki, bo jest to dla nich o wiele ciekawsze i strasznie przydatne dla mnie.

– Czy jesteś optymistą, jeśli chodzi o rozwój sztuki wiolonczelowej i muzyki klasycznej w ogóle?

„Bardzo podobało mi się, jak Michaił Pletnew powiedział to w programie Władimira Poznera: „Aby słyszeć muzykę, potrzebny jest ktoś, kto ją zagra”. Niemożliwe, żeby jutro nikt jej nie usłyszał. Dlatego jesteśmy poszukiwani. Chociaż rynki europejski i rosyjski są nadal nieporównywalne. W Rosji wszystko rozwija się znacznie wolniej.

– Nie masz wrażenia, że muzyka stała się biznesem?

– Zawsze była przedsiębiorcza. Kiedy sprzedajesz muzyka do występów w Rosji lub za granicą. Kiedy przyciągasz ludzi do sal i wydajesz płyty audio lub wideo. Wykonywanie muzyki to nasz chleb. A my sami jesteśmy chlebem agentów.

Sztuka już dawno nie istniała w czystej postaci. Tak naprawdę są to dwie różne rzeczy: tworzenie muzyki i kariera. Czego potrzebuje karierowicz? Mają szczególny charakter, umiejętność promowania siebie, chęć pójścia i ofiarowania się dyrygentom. Oczywiście, jeśli jesteś genialnym muzykiem, wszędzie sobie poradzisz. Ale jest ich tylko kilka.

– Jak bardzo genialny muzyk potrzebuje wybitnego instrumentu? Czy dobrze pamiętasz swoje wiolonczele?

– Tak, prawie na poziomie fizycznym. Najpierw było „osiem”, potem „ćwiartka”, „połowa”, „trzy czwarte”… Bardzo dobrze pamiętam instrument, który dała mi przyjaciółka mojej mamy, wspaniała nauczycielka wiolonczeli Natalia Iwanowna Griszyna. Pracowałem nad tym latem, nic nie pomogło, a pewnego dnia tak się wściekłem, że pięścią wybiłem w nim dziurę. Nadal niewygodnie...

Był tam instrument, na którym ukończyłem szkołę. Zatem nadal nie ustaliliśmy, czy był to mistrz rosyjski, czy niemiecki – ta wiolonczela jest u mnie w domu. Grałem z Davidem Geringasem na pięknych wiolonczelach – austriackiej i francuskiej. Wreszcie w 2005 roku wypożyczyłem instrument, który teraz leży obok mnie.

Kolekcja państwowa zaoferowała mi do wyboru dwie wiolonczele. Wybrałem ten. Przede wszystkim ma niesamowicie piękną barwę głosu. Ponadto wiolonczelę tę wykonał wielki mistrz Domenico Montagnana. Ale kiedy po raz pierwszy wypożyczyłem instrument ze zbiorów państwowych, nadal tego nie rozumiałem.

W ciągu 12 lat jego cena wzrosła prawdopodobnie dziesięciokrotnie. Chyba nigdy nie będzie mnie stać na zakup takiej wiolonczeli i być może kiedyś będziemy musieli się z nią rozstać. Ale teraz jest to kawałek mojej duszy, bez którego po prostu nie da się żyć.

Ale moja mama myślała, że po prostu będę uczyć się dla siebie w szkole muzycznej. Ale pewnego dnia, szczęśliwym zbiegiem okoliczności, do naszego domu przybył skrzypek Naum Grigoriewicz Latinsky. Pamiętam, że grałem mu Arię Pergolesiego. Był bardzo poruszony. Od razu zabrałem mamę do osobnego pokoju i powiedziałem jej: „Musimy się uczyć, twoje dziecko ma talent!” To był dla mnie tragiczny moment. Być może wtedy punkt bez powrotu został przekroczony. Później dla wszystkich stało się jasne, że gra na wiolonczeli jest dla mnie głównym i jedynym możliwym zajęciem. Jakoś tak naturalnie się złożyło, że znudziła mi się scena.

A w przypadku festiwali wszystko wydarzyło się niemal przez przypadek. Studiując i mieszkając za granicą, widziałem od środka, jak organizuje się wielkie wydarzenia. Pod koniec lat 90. i na początku XXI wieku niewiele się tu działo. Wtedy pomyślałem – dlaczego nie spróbować zrobić czegoś fajnego w Rosji? Stało się ciekawie i powoli się zaangażowałem. W dzisiejszych czasach festiwale zajmują sporo czasu, wymagają siły i nerwów, ale efektem końcowym są niesamowicie przyjemne emocje.

– Kiedy organizujecie swoje festiwale, co Was przede wszystkim motywuje?

Co łączy projekty? Zawsze chcę grać i sprowadzać dobrych muzyków. Aby można było usłyszeć wspaniałe kompozycje, które nie zawsze często pojawiają się na plakatach. Aby wykonawcy częściej komunikowali się ze sobą i z publicznością.

Oczywiście nie wszystko i wszędzie jest jeszcze doskonale debugowane. Po prostu nie ma wystarczającej ilości pieniędzy. Ale ponieważ mam szczęście znać bogatych ludzi, którzy kochają muzykę, czasami zwracam się do nich o pomoc, gdy nie mam dokąd się zwrócić. Na festiwalach Vivacello i Vivarte występują wspaniali Tamaz i Iveta Manasherovowie, bez nich te festiwale po prostu by nie istniały – to oni przejmują na siebie cały wysiłek organizacyjny i wydatki.

Do „Muzycznej Wyprawy” udało nam się przekonać przywódców obwodów Włodzimierza, a obecnie Wołogdy. Oni są naszymi sponsorami. Naprawdę mam nadzieję, że wszystko będzie kontynuowane w regionach. To wspaniale, że w tym procesie pojawiają się ludzie, którzy wcześniej nie interesowali się specjalnie muzyką. Przychodzą na koncerty, odkrywają dla siebie nowy świat i opowiadają o tym innym. Czy to nie cudowne?

– Opowiedz nam więcej o nadchodzącym festiwalu Vivacello.

– W programie mamy pięć koncertów i staraliśmy się, aby każdy z nich był szczególnie bogaty i ciekawy.

Pomiędzy dwoma koncertami symfonicznymi – otwarciem i zamknięciem – proponujemy słuchaczom trzy wieczory kameralne z muzykami, którzy nie byli wcześniej w Vivacello: Enrico Dindo i jego wspaniały zespół I Solisti Di Pavia – jego honorowym prezesem był Mścisław Rostropowicz; słynna rosyjsko-niemiecka grupa Rastrelli Cello Quartet – oraz Chór Kameralny Wyższej Szkoły Muzycznej im. Gnessins pod kierunkiem Piotra Sawinkowa. Jedną z naszych tegorocznych atrakcji są utwory na chór z wiolonczelą. Jak się okazało, takiej muzyki jest dużo, ale prawie nie brzmi.

Tegoroczny festiwal poświęcimy naszej nauczycielce Natalii Nikołajewnej Szachowskiej. Bez niej jest bardzo źle i smutno. W jakiś sposób zostaliśmy całkowicie osieroceni. Zawsze była niesamowicie uważna, nie umknęła jej żadna nuta... Osoba o niesamowitej sile, szczerości i szlachetności. Natalia Nikołajewna jest dla nas wszystkim. Z jakiegoś powodu myślisz, że tacy ludzie będą żyć wiecznie. A kiedy odchodzą, nie wiadomo, co robić, jak żyć. Choć oczywiście w jakiś sposób nadal istniejesz.

– I ostatnie pytanie. Jaka jest dla Ciebie najbardziej nieoczywista zaleta bycia muzykiem?

– Trudno to w skrócie wytłumaczyć. Każdy z nas ma rodzinę, dzieci, przyjaciół, miłość, ale przychodzi taki moment, kiedy zostaje się sam ze sobą i nic nie można na to poradzić. Ktoś pije, ktoś gra w kasynie, wpada w depresję, zamyśla się, a my, muzycy, możemy usiąść i zagrać na swoim instrumencie.

Wydawać by się mogło, że to po prostu sprytnie wykonana drewniana skrzynka – jednak dla mnie wiolonczela to psychoterapeuta, duchowy ojciec i wszystko na świecie. Wyrzucam wszystko – zarówno dobre, jak i złe. I na szczęście są tacy, którzy lubią tego wszystkiego słuchać.

Wiolonczela rodu Romanowów

Wiolonczela, na której gra Boris Andrianow, została stworzona przez słynnego włoskiego mistrza XVIII wieku. Domenico Montagnana. Arcydzieła tego największego przedstawiciela szkoły weneckiej znane są na całym świecie. Grali na nich znakomici wiolonczeliści od Grigorija Piatigorskiego po Yo-Yo Ma.

Ta wiolonczela, wyjątkowa pod względem zachowania, doboru drewna i doskonałości wykonania, została wykonana przez Montagnana w 1740 roku. Instrument na początku XIX wieku należał do brata Aleksandra I i Mikołaja I, wielkiego księcia Michaiła Pawłowicza.

Po jego śmierci wiolonczela znajdowała się w Pałacu Michajłowskim do czasu włączenia jej do Państwowego Zbioru Unikalnych Instrumentów Muzycznych Federacji Rosyjskiej (Goskollektsiya) w 1924 roku. Kolekcja została przekazana Ogólnorosyjskiemu Muzealnemu Stowarzyszeniu Kultury Muzycznej im. Glinki w 2010 r

Czczony Artysta Rosji Borys Andrianow zdołał zdobyć tak wspaniały instrument muzyczny w 2005 roku dzięki pomocy dyrektora ds. rozwoju biznesu w Ernst & Young Giennadija Alferenko i dyrektora Grupy Kapitałowej Astor Jurija Wojtekhowskiego.

Poprzednia właścicielka wiolonczeli, Artystka Ludowa ZSRR Natalia Gutman, grała na niej do 2002 roku, zanim otrzymała w prezencie od Europejskiego Towarzystwa Stradivariusa unikalny instrument z wczesnej twórczości Guarneriego del Gesu.

Borys Andrianow

Urodzony w 1976 roku w Moskwie. Absolwentka Liceum Muzycznego Specjalnego im. Gnesinsa, Konserwatorium Moskiewskie. Czajkowskiego i Wyższą Szkołę Muzyczną im. Eislera.

2007 – kierownik projektu muzyczno-edukacyjnego „Pokolenie Gwiazd. Młodzi muzycy dla regionów Rosji”, za co w 2009 roku otrzymał Nagrodę Rządu Rosyjskiego w dziedzinie kultury.

2008 – dyrektor artystyczny pierwszego w historii Rosji festiwalu wiolonczelowego Vivacello.

2014 – dyrektor artystyczny objazdowego festiwalu „Muzyczna Wyprawa”.

2016 – dyrektor artystyczny festiwalu muzyki kameralnej Vivarte.

Vivarte – kontynuacja tradycji

W domu Pawła Michajłowicza Tretiakowa przy Ławruszinskim Zaułku w drugiej połowie XIX wieku. Z inicjatywy żony filantropa Very Nikołajewnej regularnie odbywały się przyjacielskie spotkania muzyczne. Dzisiejsze koncerty w Sali Vrubela Galerii Trietiakowskiej są kontynuacją tych tradycji.

To tu odbywa się główna siedziba festiwalu Vivarte, którego koncepcja łączy w sobie muzykę i sztuki wizualne. Każdemu programowi koncertu towarzyszy wystawa jednego obrazu z Galerii Trietiakowskiej z komentarzem czołowych pracowników galerii.

Prace te są niezwykle rzadko pokazywane szerszej publiczności. Drugi festiwal Vivarte odbył się w tym roku w dniach 28 maja – 4 czerwca.

Boris Andrianow urodził się w 1976 roku w rodzinie muzyków. Jest absolwentem Moskiewskiego Liceum Muzycznego. Gnesinsa w klasie V. M. Biriny, następnie studiował w Moskiewskim Konserwatorium Państwowym w klasie Artysty Ludowego ZSRR profesora N. N. Shakhovskaya i kontynuował naukę w Wyższej Szkole Muzycznej. Hansa Eislera (Niemcy) w klasie słynnego wiolonczelisty Davida Geringasa.

W wieku 16 lat został laureatem pierwszego Międzynarodowego Konkursu Młodzieży im. LICZBA PI. Czajkowskiego, a rok później otrzymał I i Grand Prix na konkursie w Republice Południowej Afryki. Od 1991 roku Borys jest stypendystą programu „Nowe imiona”, który prezentował z koncertami w wielu miastach Rosji, a także w Watykanie – rezydencji papieża Jana Pawła II, w Genewie – w Biurze ONZ , w Londynie – w Pałacu św. Jakuba. W maju 1997 Boris Andrianow wraz z pianistą A. Goribolem zostali laureatami I Międzynarodowego Konkursu. D.D. Szostakowicz „Classica Nova” (Hannover, Niemcy). W 1998 - laureat XI Międzynarodowego Konkursu im. LICZBA PI. Czajkowskiego, gdzie zdobył III nagrodę i brązowy medal.

W 2003 roku Boris Andrianow został laureatem I Międzynarodowego Konkursu im. Isang Yuna (Korea). Borys brał udział w wielu międzynarodowych festiwalach, m.in.: Szwedzkim Festiwalu Królewskim, festiwalu nazwanym od jego imienia. PIEKŁO. Sacharowa w Niżnym Nowogrodzie, Festiwal Ludwigsburg, festiwal w Cervo (Włochy), słynny festiwal w Dubrowniku, Festiwal w Davos.

Boris Andrianow posiada bogaty repertuar koncertowy, występując z orkiestrami symfonicznymi i kameralnymi, m.in.: Orkiestrą Teatru Maryjskiego, Francuską Orkiestrą Narodową, Litewską Orkiestrą Kameralną. Wielka Orkiestra Symfoniczna. Orkiestra Filharmonii Słoweńskiej. Chorwacka Orkiestra Filharmoniczna, Orkiestra Kameralna Solistów Zagrzebia, Polska Orkiestra Kameralna, Berlińska Orkiestra Kameralna, Bonn Beethoven Orchestra, Rosyjska Orkiestra Narodowa, Wiedeńska Orkiestra Kameralna.

Grał także ze znanymi dyrygentami, takimi jak V. Gergiev, V. Fedoseev, P. Kogan, M. Gorenshtein, V. Dudarova, V. Ponkin, V. Polyansky, D. Geringas. W 2003 roku Borys wraz z D. Geringasem i T. Wasiljewą wykonał potrójny koncert K. Pendereckiego z Krakowską Orkiestrą Kameralną pod dyrekcją autora. Boris Andrianow wykonuje dużo muzyki kameralnej. Jego partnerami byli tacy muzycy jak Yuri Bashmet, Menachem Pressler, Akiko Suwanai.

W 2002 roku amerykańska firma DELOS wydała płytę CD zawierającą utwory na wiolonczelę i gitarę. w wykonaniu Borisa Andrianowa i Dmitrija Illarionova. To nagranie znalazło się na krótkiej liście nominacji do nagrody Grammy. Borys koncertował w Rosji (Duża i Mała Sala Konserwatorium Moskiewskiego, Sala Czajkowskiego, Filharmonia w Petersburgu), Holandii (Koncert w Gebau), Japonii (Tokyo Opera City), Niemczech (Filharmonia Berlińska), Austrii (Wiedeń Konzerthaus) Szwajcarii, USA, Słowacja, Włochy, Francja, Republika Południowej Afryki, Korea i inne kraje. W 1995 roku został laureatem programu „Nowe imiona”, a jego nazwisko zostało wpisane przez pierwszego prezydenta Rosji B. N. Jelcyna do „Złotej księgi rosyjskich talentów „XX wiek do XI wiek”.

Na kilka dni przed oddaniem numeru do druku Boris Andrianow wrócił z Czeczenii, gdzie wraz z innymi młodymi muzykami wziął udział w pierwszym w powojennej republice koncercie muzyki klasycznej.

- Borys, jaki masz instrument?

Obecnie gram na wiolonczeli Domenico Montagnany, którą udało mi się zdobyć w zeszłym roku ze Zbiorów Państwowych. To jeden z najlepszych instrumentów, jaki istnieje, Natalia Gutman grała na nim jakiś czas przede mną - zanim dostała Guarneri del Gesù.

Jestem oczywiście bardzo szczęśliwy, że dostałem szansę gry na instrumencie na takim poziomie. To prawda, że płacenie za wynajem i ubezpieczenie tej wiolonczeli nie jest tanią przyjemnością, więc nie mogę powstrzymać się od podziękowania Giennadijowi Pietrowiczowi Alference, dyrektorowi Ernst and Young w WNP oraz Jurijowi Wojcechowskiemu, dyrektorowi Grupy Kapitałowej Astor, którzy pomogli mi zdobyć takie narzędzie.

To naprawdę wyjątkowa, fantastyczna wiolonczela – nigdy wcześniej takiej nie miałem i dopiero teraz zdałem sobie sprawę, jakie to wielkie błogosławieństwo. Często o starych włoskich instrumentach mówi się, że są kapryśne, że przyzwyczajenie się do nich zajmuje dużo czasu – po części jest to prawdą.

Ale kiedy w końcu oswoisz się z tym, zaczniesz rozumieć, że dość długi czas, który wcześniej spędziłeś zmagając się z niezbyt dobrym instrumentem, możesz teraz spędzić na rozwiązywaniu pewnych twórczych problemów, których może wcześniej nie miałem w ogóle tego nie ustawiałem.

Okazuje się, że naprawdę dobre narzędzie to co najmniej pięćdziesiąt procent sukcesu. Swoją drogą na mojej stronie w internecie są zdjęcia tego Montognana - między innymi bardzo pięknego instrumentu.

Powiedziano mi, że kiedyś należała do brata Aleksandra Pierwszego, który na niej grał, a potem, po jego śmierci, przez długi czas leżała w jakimś pałacu w Petersburgu, po czym na początku lat dwudziestych trafił do zbiorów państwowych. Swoją drogą, gdy spojrzeli na niego niektórzy eksperci, stwierdzili, że być może to nie Montagnana, ale Pietro Guarneri. Bo kształt tego instrumentu w ogóle nie przypomina zbytnio Montagnana. W zasadzie wszystkie jego instrumenty są duże, ale ten jest mniejszy.

Faktem jest, że Montagnana i Guarneri byli przyjaciółmi i rzekomo mieli jakiś plan, albo na uchylanie się od płacenia podatków, albo na coś innego... Jednym słowem, od czasu do czasu naklejano swoją etykietę na instrument wykonany dla kogoś innego.

— Na jakich strunach wolisz grać?

— Staram się nie myśleć za dużo na ten temat, bo jeśli zagłębić się w analizę porównawczą strun, to nieuchronnie będziesz zajęty przesuwaniem stojaka, chokera i w nieskończoność, a to wszystko bardzo odwraca uwagę od sprawy. Mój akord to ten, który gra wiele osób: „A” i „D” – „Larsen”, „G” i „C” – „Thomastik” Spirocore. To prawda, próbowałem też ustawić dolne struny na „Larsen”, zwłaszcza że niedawno ukazała się ich nowa modyfikacja.

Wcześniej ich „sól” i „do” były bardzo nieskuteczne, ale teraz w końcu pojawiła się znacznie lepsza opcja - ale nadal „do” jest trochę miękkie jak na mój gust. W rezultacie, po pewnym czasie grania tylko na Larsenie, nadal wróciłem do niższych strun Spirocore. Bo póki co moim zdaniem nie ma nic lepszego.

— Z jakiego rodzaju wsparcia korzystasz?

— Plastikowe, z wbudowanymi samochodami. Oczywiście nie metalowy. Nawiasem mówiąc, w Berlinie, gdzie studiowałem, mieszka absolutnie genialny człowiek o imieniu Yasha Zhidovetsky. Absolutny geniusz - sprawia, że instrumenty brzmią. Wiesz, są tacy ludzie: pukają w instrument, przekręcają coś, przesuwają - i instrument się otwiera. Poza tym ma swój własny system - jak siedzieć, jak trzymać instrument... Bardzo ciekawe.

— Czy on jest lutnikiem?

- Właściwie robi absolutnie fantastyczne kokardki. A poza tym robi też iglicę własnego projektu, z dziurami. Iglica jest wykonana z jakiegoś lekkiego metalu i ma w niej dziury. Różnicę czuć od razu – wystarczy najpierw pobawić się zwykłą iglicą, a potem tą.

— Czy rzeczywiście coś się poprawia, czy to jeszcze jakaś „chemia”?

- Nie, różnica jest naprawdę kolosalna. Ale miałem też to: raz zapomniałem gdzieś w trasie mojej iglicy, a potem przyjechałem do Moskwy i znalazłem moją starą drewnianą krzywą iglicę. Okazało się, że efekt tej drewnianej iglicy jest taki sam jak Yashina. Teraz gram i wszyscy są zaskoczeni - co to za rzadkość? Ponieważ gram na starej drewnianej krzywej iglicy. Oczywiście trzeba to uporządkować, bo teraz nie wygląda to zbyt reprezentacyjnie. Ale instrument znów się otwiera.

— Czy jest dla ciebie różnica – iglica krzywa czy prosta?

- Cóż, moja iglica nie jest aż tak krzywa - nie jak na przykład Rostropowicz. Ale w zasadzie jest to wygodniejsze, ponieważ gdy grasz na prostej spince do włosów i pochylasz się trochę do przodu, Twój instrument w naturalny sposób przesuwa się nieco do góry. A kiedy iglica jest zakrzywiona, instrument porusza się wraz z Tobą podczas gry.

Oczywiście kąt gryfu podczas gry na krzywej iglicy zmienia się i ja na przykład raczej nie będę mógł wrócić do prostej iglicy. Swoją drogą na początku na tej Montagnana była prosta iglica, co bardzo mi przeszkadzało. Chociaż Yasha mówi, że to wszystko bzdury. Generalnie często opowiada o podstawach, które wszyscy znamy, ale tłumaczy je w taki sposób, że te wszystkie znane, ale dawno zapomniane rzeczy zaczynają być postrzegane zupełnie inaczej.

Jedzie na niego cała Filharmonia Berlińska. Wiolonczeliści chodzą na treningi, dorośli mężczyźni… A on na to, no wiesz… No cóż – Yasha… „No cóż, po co przyszedłeś, czego potrzebujesz?”

— Kilka lat temu występowałeś w Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego w abonamencie „Gwiazdy”. XXI wiek”. Czy czujesz się jak gwiazda, a przynajmniej czujesz jakąś odpowiedzialność związaną ze swoją sławą?

– Taka subskrypcja to tylko atrakcyjny plakat, dobre posunięcie, które przyciąga ludzi na koncerty – i nic więcej. Ponadto nie wolno nam zapominać, że mamy już XXI wiek i jeśli wcześniej „gwiazdy XXI wieku” były jak gwiazdy jutra, to dziś mówi się już o pewnego rodzaju osiągniętej „gwiazdorstwie”. Co jest błędne.

Ogólnie rzecz biorąc, „gwiazda” jest dość dziwnym i niejasnym pojęciem. I oczywiście nie uważam się za gwiazdę. Gdy tylko ktoś zacznie czuć się jak gwiazda, nawet jeśli inni go tak nazywają, jego twórczy rozwój prawdopodobnie się na tym zakończy. A wciąż mam wiele rzeczy, które chciałbym osiągnąć zarówno twórczo, jak i zawodowo. Chociaż, jak wiadomo, są to zupełnie różne rzeczy. Są ludzie, którzy tworzą muzykę i są tacy, którzy robią karierę.

Zdarza się, że dana osoba robi karierę, ale jednocześnie bawi się jak kurczak łapą. Z drugiej strony są naprawdę wybitni artyści, o których niestety niewiele osób wie. A to zależy od splotu wielu czynników: charakteru danej osoby, umiejętności wypromowania się, chęci pójścia na koncerty i zaoferowania się dyrygentom, dobrej prezentacji własnej osoby…

Tak się robi karierę - a to też sporo pracy. Są też ludzie, którzy są w tym dobrzy, ale jednocześnie nie mają czasu na naukę muzyki. Jakoś osiągają wielkie wyżyny, chociaż nadal grają słabo.

Staram się, aby w moim życiu panowała jakaś harmonia, aby mogło się rozwijać i to, i tamto, choć oczywiście na wszystko nie starcza czasu.

— Czy masz własnego agenta lub menedżera?

- Oczywiście byłoby wspaniale, gdyby była osoba, która mogłaby Ci coś powiedzieć i coś dla Ciebie zrobić. Ale nie mam jeszcze dużej agencji, która naprawdę traktowałaby mnie poważnie. Choć w niektórych krajach są ludzie, którzy mi pomagają, są jakieś kontakty, ale prawdziwego menadżera nie mam. Mam nadzieję, że jeszcze nie.

— Dużo grasz solo, ale regularnie występujesz też na koncertach kameralnych. Co Cię pociąga w muzyce kameralnej?

– Kocham muzykę kameralną. Zwłaszcza z takimi partnerami, z którymi miałem szczęście grać. Listę można by ciągnąć długo: są to Boris Brovtsyn, Maxim Rysanov, Ekaterina Apekisheva, Aleksiej Ogrincuk, hrabia Murzha i wielu innych.

Przy okazji jestem bardzo wdzięczny festiwalowi Crescendo za możliwość wspólnego grania. Zagraliśmy na przykład wszystkie trzy kwartety fortepianowe Brahmsa, kwartet Schumanna i kwintet Szostakowicza, a dołączyła do nas Alena Baeva. To była wielka przyjemność.

Ponadto mamy już ustalony duet z gitarzystą Dmitrijem Illarionovem. Co prawda w wielu utworach, które wspólnie gramy, gitara pełni raczej rolę towarzyszącą, z czego Dima nie zawsze jest zadowolony, ale jest niesamowicie wrażliwym partnerem i zawsze miło jest się z nim bawić.

Wśród pianistów mogę wymienić także Rema Urasina, z którym wkrótce wydamy płytę sonatową – Szostakowicz i Rachmaninow.

Ale solo jest zupełnie inne. Muzyka kameralna jest jak „spółka z ograniczoną odpowiedzialnością”, w której możesz sobie pozwolić na większy relaks i po prostu naćpanie się. Gra solo jest bardziej odpowiedzialna, ale to też ma swój urok, bo jeśli na koncercie wszystko układa się dokładnie tak, jak sobie tego życzyłeś, to także sprawia ci to niesamowitą przyjemność.

Doszedłem też do wniosku, że chcę grać koncerty solowe – całkowicie solo.

- Dlaczego?

— Po pierwsze, jest mnóstwo wspaniałej literatury, którą trzeba zagrać. Bach – to oczywiste, ale jest też Sonata Kodály’ego, trzy sonaty Brittena, Sonata Hindemitha…

Niedawno odkryłem też Giovanniego Sollimę. Znamy go z jego sztuki „Violoncelles, vibrez!”, ale ma też w swoim dorobku ogromną liczbę solowych utworów na wiolonczelę, które sam gra. Kiedy byłem na Festiwalu Wiolonczelowym w Kronbergu, dał tam koncert solowy, w programie którego znalazły się wyłącznie jego własne utwory. I wrażenie z tego koncertu było silniejsze niż z wszystkiego, co tam było, chociaż nikt tam nie grał.

Oczywiście Sollima część swoich utworów odtwarza za pomocą mikrofonu, część nagrywa na taśmę – ale tak czy inaczej jest to bardzo ciekawe. Udało mi się zdobyć nuty jego muzyki i teraz aktywnie je studiuję.

— Miałeś doświadczenie w wykonywaniu takiej muzyki w związku z koncertem wiolonczelowym Guldy?

- Tak, grałem w to więcej niż raz. Swoją drogą, ostatni raz grałem całkiem niedawno, na otwarciu stacji metra Mieżdunarodnaja w Moskwie z orkiestrą Olega Lundstrema. W ogóle przez ostatni tydzień zacząłem czuć się jak jakiś uliczny muzyk: albo w metrze, albo w Dniu Miasta na ulicy przed Konserwatorium z Orkiestrą Państwową...

— Swoją drogą, o ile rozumiem, ma pan pasje bardziej „akademickiego” muzyka niż showmana. Jednak w ostatnim czasie coraz częściej można zaobserwować mieszanie się gatunków i zbliżenie kultury popularnej i akademickiej. Co o tym myślisz?

- To pytanie, które wiąże się między innymi z pewnymi względami zawodowymi, o których już rozmawialiśmy. Ale ważne jest też to, że koncerty o określonym kierunku potrafią przyciągnąć do sali koncertowej słuchaczy, którzy w innym przypadku w ogóle by do niej nie przyszli. Tak, nie oznacza to, że ci ludzie będą nadal chodzić na koncerty lub będą chcieli w jakiś sposób poszerzać swoje horyzonty.

Tak, może to, że wszyscy wiedzą o Denisie Matsujewie, wspaniałym pianiście i moim dobrym przyjacielu, ale nie wszyscy wiedzą o Michaiłu Pletnewie, jest złe. Ale to nie uczyniło Pletnewa mniej błyskotliwym. I wtedy w każdym razie każdy słuchacz, który przychodzi na salę, wie, po co przychodzi – i zgodnie z tym wybiera, jakiego artysty chce posłuchać. Mimo wszystko myślę, że to lepsze, niż gdyby ci sami ludzie poszli tego wieczoru posłuchać muzyki pop.

Ogólnie rzecz biorąc, mieszanie gatunków nie zawsze jest czymś złym. Na przykład ostatnio lepiej poznaliśmy Valerę Grokhovsky - niedawno nagrał fantastyczną podwójną płytę. Na pierwszej płycie gra po prostu Bacha. A na drugiej gra tego samego Bacha, z towarzyszeniem kontrabasu i perkusji, ale niczego nie zmieniając, dodając jedynie pewne melizmaty i akcenty. Rezultatem był po prostu fenomenalny Bach. Być może on i ja zrobimy coś podobnego z wiolonczelą.

Albo na przykład Yo-Yo Ma – w końcu gra na wszystkim. A to człowiek, którego znają absolutnie wszyscy – przynajmniej w Ameryce. Więc jest na to popyt...

— Dużo i chętnie opowiadasz o muzykach swojego pokolenia. Czy jest jakiś muzyk starszy od Ciebie, którego mógłbyś nazwać swoim idolem, którego podziwiasz lub podziwiałeś?

- Cóż, w wieku trzydziestu lat oczywiście powinieneś już mieć własną twarz. Ale oczywiście zawsze warto się od kogoś uczyć. Na przykład naucz się używać prawej ręki od Bashmet. Nikt nie ma takiej prawej ręki, on ma najlepszą zmianę łuku – i nic nie można na to poradzić. Swoją drogą to właśnie w Kronbergu miałem szczęście grać z nim Kwintet Szostakowicza – przez cały tydzień codziennie ćwiczyliśmy i było niesamowicie. Tam też udało mi się zagrać z Presslerem z trio Bozart, jednym z najlepszych muzyków, jak sądzę, i to też dało mi wiele.

Poza tym w tym kontekście nie sposób nie wspomnieć o nauczycielach, z którymi miałam niesamowite szczęście. Zacząłem od Wiery Michajłownej Biriny, która jest prawdopodobnie najlepszą nauczycielką naszych dzieci, choć nadal w większości nie jest doceniana. Ogólnie rzecz biorąc, Rosja nadal ma najlepszą szkołę dla dzieci - ponieważ na Zachodzie ogólnie podejście do dzieci jest inne. Nikt tam z nimi nie siedzi z kijem, robią co chcą. A czasami trzeba siedzieć z kijem, żeby osiągnąć jakieś rezultaty.

Natalya Nikolaevna Shakhovskaya jest doskonałą nauczycielką i niesamowitą osobą, która dała mi wiele pod każdym względem. A ona zareagowała ze zrozumieniem na fakt, że nie kończąc jeszcze konserwatorium, zacząłem uczyć się u Geringasa i pozostaliśmy w przyjacielskich stosunkach. Do tej pory, jeśli muszę coś zagrać lub potrzebuję porady, jej dom jest zawsze otwarty. Były różne sytuacje życiowe, w których pomagała zarówno radą, jak i działaniem.

I oczywiście styl gry Geringasa został mi w takim czy innym stopniu przekazany, ponieważ jest on wyjątkowo bystrą indywidualnością. Do dziś czasami, gdy się uczę, przyłapuję się na robieniu czegoś takiego jak on.

— Co uważasz za ważniejszy wynik swojej gry: przekaz emocjonalny czy doskonałość techniczną?

— Jeśli mówimy o nagraniach, to czasami, jeśli nastrój nagrania okaże się dobry, to myślę, że nie ma potrzeby go niszczyć, aby przepisać kilka nieczystych notatek. W końcu z jednej strony każdy jest człowiekiem, a z drugiej nikomu nie jest potrzebna gra mechaniczna. Nawet na koncercie, kiedy słuchasz, jak ktoś gra i nie ma w nim najmniejszego błędu, wrażenie nie jest już takie samo. Oczywiście stabilność jest bardzo ważna, a twoje wpadki nie powinny przekraczać żadnych granic, ale w pewnych granicach jest całkiem do przyjęcia, a nawet wnosi pewien urok do gry.

— Ale mimo to, jeśli na koncercie wydarzy się coś nieoczekiwanego, czy denerwujesz się?

- Wszystko może się zdarzyć. Ale słuchacz nie tylko nie wybaczy obojętnego występu na koncercie, ale po prostu zapomni o kolejnym dniu i tyle. I nie jest to dokładnie wrażenie, jakie chciałbym pozostawić po swoich występach.

— Jeszcze nie tak dawno byłeś uczniem, nawet uczniem, i nie wiedziałeś, co cię czeka w przyszłości. Miałeś szczęście i udało ci się zostać solistą. Co jednak można powiedzieć tym, którzy dzisiaj chcą posłać swoje dzieci do szkoły muzycznej? Patrząc wstecz i pamiętając wszystkie zmartwienia i trudności na drodze do zawodu, myślisz, że było warto?

— Muzycy to przede wszystkim ludzie, których hobby pokrywa się z wykonywanym zawodem. I w tym sensie nie możemy zapominać o przyjemności, jaką czerpiemy z naszej pracy, której prawdopodobnie nie zawsze można porównać z tym, jak ludzie innych zawodów myślą o swojej pracy.

Ale ogólnie rzecz biorąc, jest to oczywiście ogromna ilość pracy. Nawet w „elitarnej”, powiedzmy, szkole Gnessin, którą ukończyłem, nie wszystko jest tak dobrze. Około osiemdziesiąt procent moich kolegów z klasy pracuje obecnie poza swoim zawodem. Tylko nieliczne osoby wciąż próbują zostać solistami.

Na Zachodzie jest inaczej – wszyscy tam w zasadzie przygotowują się do zostania artystami orkiestrowymi. Nawet mój ojciec, który pracował w Orkiestrze Filharmonii Moskiewskiej, a obecnie pracuje w Hiszpanii, jest znakomitym orkiestratorem, nie ma w tym nic złego, a on sam jest bardzo zadowolony, że pracuje w orkiestrze, grał tak wiele wspaniała muzyka i to nie w najgorszych grupach. A jeśli jesteś też akompaniatorem w zachodniej orkiestrze, to bardzo dobrze, wtedy masz nawet koncerty solowe, jesteś osobą spełnioną, osobą zamożną.

Nasza sytuacja oczywiście stopniowo się zmienia na lepsze, ale zbyt wolno. Dlatego jeśli mówimy o dzieciach, zastanowiłbym się przed wysłaniem ich do muzyki. W naszym kraju istnieją znacznie prostsze i mniej drażliwe sposoby na zarabianie pieniędzy i osiąganie sukcesu. Potrzebujemy muzyki znacznie mniej niż w Europie. Jeśli ktoś chce mieszkać w naszym kraju, studiowanie muzyki klasycznej jest prawdopodobnie ryzykowne. Chociaż jeśli dziecko wykazuje pewne chęci i wybitne zdolności, grzechem jest również tłumienie tego wszystkiego w zarodku.

Myślę, że można posłać dziecko na studia, a potem kierować się jego osiągnięciami. Jeśli w wieku trzynastu, piętnastu lat wszystko to nadal dzieje się wbrew pragnieniom, to prawdopodobnie lepiej jest zwrócić się w innym kierunku.

— Z Twojej historii trudno zrozumieć, gdzie mieszkasz? Oczywiste jest, że muzyk-solista prowadzi nieco koczowniczy tryb życia, ale mimo to, który kraj uważasz za swój dom?

— Rok temu skończyłem studia w Niemczech i przyjechałem tutaj, ponieważ chcę mieszkać i grać w Rosji. Chcę podróżować po naszym kraju i ogólnie tylko tutaj czuję się komfortowo. Gdziekolwiek na Zachodzie jestem, dla mnie wszystkie miasta i kraje wyglądają tak samo, wszystkie obce kraje. Dla mnie jest „tam” i „tutaj”.

Kiedy po raz pierwszy rozmawiałam o tym, jak zamierzam tu wrócić z Niemiec, wszyscy oczywiście próbowali mnie odwieść: co ty robisz, możesz zostać w Niemczech, tam mieszkać, spokojnie pracować… Nie mogę. I wydaje mi się, że nadal mam rację, bo tutaj sytuacja wciąż zmienia się na lepsze, muzycy wciąż zaczynają zarabiać na koncertach nie tylko w Moskwie, ale także w innych miastach.

A w takim razie ilu chłopaków, muzyków z mojego pokolenia, zostaje tutaj i prowadzi chociaż jakąś działalność? Wszyscy wyszli! A przychodzą tylko okazjonalnie. Jednocześnie mam pewne pomysły organizacyjne, które można wdrożyć w Rosji. To nie jest pytanie „kto jeszcze jak nie my”, ale naprawdę jest pole do działania. Niestety niewiele osób się ze mną zgadza, a są muzycy, którzy naprawdę świetnie czują się za granicą. A ja... nie mogłem.

Wywiad przeprowadził Borys Lifanowski

Boris Andrianow – Vangelis „Elegia”

Andrianow Borys

Dzieci urodzone w rodzinach utalentowanych muzyków często cierpią z powodu pragnienia rodziców, aby zmusić je również do zostania muzykami. Nie każde dziecko może długo cieszyć się grą na instrumencie muzycznym, próbami i koncertami, ale Boris Andrianow taki nie był. Już w wieku 4 lat wiedział na pewno, że chce zostać zawodowym muzykiem. Rodzice, którzy nigdy nie narzucali synowi swoich poglądów, pomogli chłopcu zrealizować jego marzenie.

Wielu nauczycieli niestrudzenie powtarza, że to dziecko ma prawdziwy dar. Jeśli inni musieli długo ćwiczyć, aby zagrać jakiś utwór, Borys był w stanie praktycznie odtworzyć wszystko dokładnie za pierwszym razem. Było to w dużej mierze efektem ciężkiej pracy i ciągłego samodoskonalenia. Jednocześnie chłopiec z powodzeniem łączył edukację muzyczną z edukacją klasyczną.

Dziś z całą pewnością możemy powiedzieć, że Boris Andrianow jest wyjątkowy pod wieloma względami. Wszystko w życiu osiągnął całkowicie sam. Wybitni rodzice nigdy nie wykorzystali swoich znajomości, aby ich syn mógł wziąć udział w jakimkolwiek koncercie. Od 10 roku życia chłopiec aktywnie zaczął pracować na własne nazwisko, aby po 15 latach jego imię stało się symbolem prawdziwego talentu.

Występów Borisa Andrianowa można usłyszeć w wielu krajach świata, gdzie gra solo lub w ramach orkiestry symfonicznej. Pomimo tego, że ceny biletów potrafią sięgać wartości astronomicznych, znalezienie darmowego biletu może być bardzo trudne. Pod wieloma względami ta miłość publiczności jest wynikiem talentu i umiejętności odczytania w oryginalny sposób każdego klasycznego utworu na wiolonczelę.

Tytuły i nagrody

Boris Anatolyevich jest autorem i liderem międzynarodowego projektu „Generation of Stars”, który pomógł wielu młodym i niezwykle utalentowanym muzykom rozpocząć własną karierę. Teraz każda młoda osoba mieszkająca w dowolnym regionie Federacji Rosyjskiej ma możliwość wzięcia udziału w tym programie.

Jego pierwsze wielkie osiągnięcie miało miejsce w 1992 roku, kiedy zajął I miejsce na Międzynarodowym Konkursie Młodzieży im. Czajkowskiego. Dwa lata później młody talent zajął zaszczytne miejsce na kolejnym konkursie muzycznym odbywającym się w Republice Południowej Afryki. Po 5 latach na kolejne międzynarodowe uznanie czeka jeszcze zwycięzca pierwszego międzynarodowego konkursu muzycznego w Hanowerze w Niemczech. W tym samym roku znalazł się w gronie laureatów paryskiego konkursu wiolonczelowego.

Na początku XXI wieku Boris Andrianow został laureatem konkursu muzycznego w Zagrzebiu, gdzie zdobył nie tylko pierwszą nagrodę, ale także został niekwestionowanym liderem we wszystkich pozostałych kategoriach. W 2003 roku pojechał na międzynarodowy konkurs muzyczny do Korei Południowej, gdzie zajął I miejsce.

Oprócz udziału w licznych konkursach i forach muzycznych wiolonczelista występuje z orkiestrami kameralnymi i symfonicznymi różnych krajów, z których każda stała się już dawno powszechnie znana. Pomimo dużej liczby ofert z różnych krajów muzyk preferuje muzykę kameralną. Jego ulubioną orkiestrą jest ta prowadzona przez Krzysztofa Pendereckiego.

Andrianov Boris na Twoim wydarzeniu

Aby zaprosić artystę do występu na wydarzeniu, należy wziąć pod uwagę wiele niuansów, takich jak: dostępność wolnych terminów w harmonogramie artysty, indywidualne wymagania dotyczące organizacji zawodników, warunki płatności. W takim przypadku może się okazać, że wybrany artysta nie zgodzi się na występ np. w restauracji lub po prostu zmieni zdanie.

Międzynarodowa agencja koncertowa „RU-CONCERT” od ponad 10 lat z sukcesem rezerwuje artystów na wakacje i imprezy firmowe w Rosji i krajach WNP. Jako lider rynku oferujemy unikalne warunki współpracy:

Gwarancja wykonania zobowiązań

Agencja koncertowa RU-CONCERT i firma ubezpieczeniowa Allianz podpisały umowy, aby zapewnić klientom RU-CONCERT możliwość ubezpieczenia kontraktu koncertowego. W ten sposób zostaje zawarta umowa, która gwarantuje terminowe przybycie artysty do Twojej lokalizacji.