„Ponure zdjęcia”

Zastanówmy się więc nad pewnym momentem w biografii Goi – 1819. Artysta kupuje dwupiętrową posiadłość nad brzegiem rzeki Manzanares w okolicach Madrytu. W tym samym okresie ponownie poważnie zachorował. Artysta zmaga się z chorobą, jednak coraz bardziej ogarnia go głuchota. Dlatego dziwna nazwa nadana posiadłości przez samego Goyę – „Dom Głuchych” – „Quinto del Sordo” – wcale nie jest przypadkowa. Przez kolejne trzy lata Goya malował ściany swojego domu techniką a secco na ponownie zwilżonym tynku. Wiadomo na pewno, że „Mroczne obrazy” powstały na podstawie wcześniejszych obrazów, na których Goya się oparł.

W 1823 roku Goya wyjechał do Bordeaux i pozostawił swój majątek wnukowi Mariano – być może po to, aby uchronić majątek przed ewentualną konfiskatą po przywróceniu w Hiszpanii monarchii absolutnej przez Ferdynanda Siódmego. Przez pół wieku obrazy „Domu Głuchych” były nieznane publiczności, z wyjątkiem kilku przyjaciół artysty i specjalistów. W 1874 roku artysta Salvador Martinez Cubells na zlecenie francuskiego bankiera Frederica Emile d'Erlangera zaczął przenosić wszystkie obrazy ze ścian na płótna. D'Erlanger chciał sprzedać obrazy na całym świecie wystawę w Paryżu, jednak nie było to przeznaczone, dlatego w 1881 roku podarował obrazy Muzeum Prado w Madrycie, gdzie znajdują się do dziś.

Sam Goya nie nadał nazw swoim „Mrocznym obrazom”. Dokonał tego jego przyjaciel, artysta Antonio Brugada, który po śmierci Goi w 1828 roku skatalogował cały cykl. W rezultacie obrazy otrzymały następujące tytuły:

Pierwsze piętro domu.

- „Festiwal w San Isidro”

- „Sabat Czarownic”

- „Judyta i Holofernes”

- „Saturn pożerający swoje dzieci”

- „Dona Leocadia Zorilla”

- „Stary człowiek i mnich” lub „Dwóch starców”.

Drugie piętro domu.

- „Fantastyczne wizje” lub „Asmodeusz”

- „Pielgrzymka do źródeł San Isidro”

- „Atropos” lub „Los”

- „Pojedynek z pałkami”

- „Śmiejące się kobiety”

- „Czytelnicy”

- "Pies"

- „Dwóch staruszków jedzących zupę”

Lokalizacja obrazów w domu znana jest ze zdjęć wykonanych przez fotografa Jeana Laurenta w 1874 roku. Dzięki tym fotografiom wiadomo, że obrazy również były obramowane sztukaterią, podobnie jak okna i drzwi w domu. Ponadto można zauważyć różnicę w stanie obrazów przed przeniesieniem ich na płótno i zobaczyć brakujące fragmenty.

Brak jest merytorycznych informacji na temat samego procesu malowania ścian. W związku z tym krążyły nawet pogłoski, że obrazy nie zostały namalowane przez Goyę - istniała teoria, że ​​​​namalował je Javier, jego syn, po wyjeździe Goyi do Bordeaux. Historycy sztuki odrzucają jednak tę teorię – technika, w jakiej wykonano freski oraz ich styl potwierdza autorstwo artysty.

Nie wiadomo, co dokładnie skłoniło Goyę do pomalowania ścian swojego domu tymi konkretnymi scenami. Wiadomo jednak, że obrazy powstały w niezbyt najlepszym okresie życia artysty. Jego stan fizyczny był niestabilny, a stan życia w Hiszpanii w ogóle był niestabilny. W kraju trwała wojna domowa, która zakończyła się przywróceniem monarchii absolutnej. Trzy lata tej wojny zbiegły się z okresem pisania „Ciemnych płócien”. W obrazach łatwo doszukać się analogii do sytuacji w ówczesnej sferze społecznej, politycznej i religijnej kraju. Przeanalizujmy niektóre prace.

„Saturn pożerający swoje dzieci” to naprawdę przerażające dzieło, patrząc na nie, człowiek budzi nie strach, ale w każdym razie wrogość i niepokój. Starożytne bóstwo - Saturn - ukazane jest na tle czarnej jak węgiel ciemności, jego postać jest załamana i zdaje się drgać, a jego dłonie niczym plątanina gałęzi drzew trzymają ciało dziecka, któremu odcięto głowę przez Saturna. Krew wyróżnia się na płótnie niepokojącą czerwoną barwą. Można powiedzieć, że Goya pisał to w stanie przygnębienia i być może z myślą o wojnie w Hiszpanii – można porównać Saturna do kraju, który niszczy własne dzieci.

W obrazie „Judyta i Holofernes” króluje energia ziemskiego działania, uchwycona w jej chwilowości. Właśnie wyskoczyła z łóżka Holofernesa (lekko widoczne po prawej stronie), nie posprzątawszy jeszcze swojego rozczochranego, pomiętego miłosnymi pieszczotami, bohaterka uniosła miecz nad głowę śpiącego asyryjskiego wodza i teraz ją odetnie (tutaj między nią a Saturnem powstaje pierwsza korespondencja wizualno-semantyczna - zaczął pożerać swoją ofiarę od głowy). Opadający ruch Judyty do przodu, jej ostro podkreślona twarz, ramię, dłoń z mieczem – to wszystko także wystaje z pola przestrzennego obrazu niczym kolana, dłonie i głowa Saturna.

„Pielgrzymka do św. Izydora” nawiązuje do wcześniejszego dzieła Goi, napisanego w 1788 r. „Święta ludowe w dniu św. Izydora”. Obydwa dzieła przedstawiają jedno z ulubionych świąt mieszkańców Madrytu. Co roku 15 maja udali się nad brzeg rzeki Manzanares, aby urządzić pikniki, potańczyć i napić się leczniczej wody ze źródła, które według legendy odkrył św. Izydor. I jeśli w 1788 roku malarz przedstawił tę scenę jako kolorowe i wesołe święto narodowe, pełne beztroskiej zabawy, to w późniejszej wersji z „Domu głuchoniemych” dominują odcienie czerni i panuje niepokojące poczucie zbliżającej się nieuniknionej katastrofy . Po wyschniętym, nierównym terenie wędruje stłoczony tłum ludzi. Ich twarze wykrzywione są strasznymi grymasami, wyrażającymi strach, ból, przerażenie, złośliwość i bestialską złość.

Te same motywy pojawiają się w Sabacie Czarownic. Kompozycyjne centrum obrazu stanowi także pozbawiony twarzy, brzydki tłum, skupiony wokół postaci kozła w klasztornej szacie, wsłuchujący się w każde słowo posłańca Szatana. Twarze ludzi to brzydkie grymasy, które nawet nie przypominają ludzkich twarzy – Goya zdawał się chcieć podkreślić, jak człowiek łatwo może stracić swój ludzki wygląd.

W „Pojedynku z pałkami” można znaleźć także odpowiedź na wydarzenia militarne rozgrywające się w pobliżu artysty – dwie tak podobne do siebie osoby próbują okaleczyć się ciężkimi pałkami w brutalnym pojedynku na ślepo. Nie widać, jak ich stopy stoją na ziemi - zdają się unosić w przestrzeni, podobnie jak bohaterowie obrazów „Atropos, czyli losy” i „Asmodeusz”.

Obrazy te są pełne mistycyzmu, zdają się przedstawiać zupełnie inny, nierealny świat, nie sposób nawet powiedzieć, kim są bohaterowie obrazów - ludzie czy jakieś fantastyczne stworzenia. Fabuła obrazu „Atropos” jest interpretacją obrazów starożytnych greckich bogiń losu - Moir lub los jako taki Homera, Hezjod, Wergiliusz i innych starożytnych autorów. Moirai przewodziła Atropa, bezlitosna bogini, która swoimi nożyczkami przecięła nić życia. Jej towarzyszkami były Kloto i Lachesis, ale na płótnie pojawia się także czwarta postać, przypominająca mężczyznę ze związanymi rękami – być może dlatego, że jest bezsilny wobec bogiń, które decydują o jego losie.

„Pies” namalowany jest w jaśniejszych barwach niż inne „Mroczne płótna”, ale mimo to niesie ze sobą smutek i beznadzieję – obraz przedstawia głowę psa tonącego albo w falach morza, albo w stosach piasku – dokładna fabuła obraz jest niewytłumaczalny, być może w ogóle nie został ukończony, można tylko spekulować. Pysk psa skierowany jest ku górze, jego smutne oczy patrzą gdzieś przed siebie, jakby szukając zbawienia. Na fotografii Laurenta wykonanej w 1874 roku obraz przedstawia kształty przypominające klif i postacie ptaków, na które może patrzeć pies.

Gama wszystkich czternastu obrazów to czerń, brąz, piasek, ciemne odcienie, na obrazach praktycznie nie ma jasnych, bogatych kolorów, z wyjątkiem tego, że w „Pojedynku” wyróżnia się kawałek błękitnego nieba, a w „Saturnie” jest. jasnoczerwona krew. Dzięki takim tonom emocje, jakie niosą ze sobą sceny z samych obrazów, zostają wielokrotnie wzmocnione. To nie przypadek, że te obrazy nazywane są „Ponurymi”.

Trzeba jednak powiedzieć, że wszystkie nazwy i interpretacje obrazów są efektem działalności innych ludzi, innych pokoleń. Nie mamy możliwości dowiedzieć się, co tak naprawdę siedziało w artyście, gdy malował ściany swojego domu, w jakim celu to robił, komu chciał te obrazy zostawić i co z nimi powiedzieć. Można jedynie dokonać analogii ze znanymi faktami biograficznymi dotyczącymi Goi, z wydarzeniami rozgrywającymi się w Hiszpanii w latach dwudziestych XIX wieku. Wydarzenia te nie mogły nie znaleźć odzwierciedlenia w twórczości Goi, który był uważny i wrażliwy, zaniepokojony zmianami w życiu swojego kraju, dostrzegając ludzkie wady i słabości i obnażając je, podobnie jak to miało miejsce w cyklu „Caprichos”.

Pewne jest, że Murale „Domu Głuchych” stanowią wyjątkowe dziedzictwo sztuki hiszpańskiej i światowej; obrazy są naprawdę niezwykłe i wyjątkowe jak na okres, w którym zostały namalowane. Widzimy w nich „prawdziwego” Goyę – wszak artysta namalował je na ścianach swojego domu, a nie po to, żeby je wystawić na widok publiczny czy sprzedać – czyli mógł trafnie przekazać na nich swoje myśli i stany. płótna.

„Dom Głuchych”

W 1819 roku Francisco Goya, który w tym czasie prawie całkowicie stracił słuch, szukał domu na przedmieściach Madrytu. Słynny „Dom Głuchych” idealnie mu odpowiadał – mieszkał tam Antonio Montanez, który też nic nie słyszał. Po przeprowadzce do nowego domu Goya został zupełnie sam. Leocadia Weiss, nawet gdyby była z nim, nie mogłaby mu służyć w godnym towarzystwie.

Artysta malował ściany pomieszczeń olejami, łącznie powstało 14 prac, początkowo fresków olejnych, później przeniesionych na płótno. Są to tematy budzące podziw, zbliżone do tych, które pojawiały się na jego ówczesnych rycinach. Obrazy powstałe w latach 1820–1823 nazywano „obrazami czarnymi”. Równolegle stworzył serię rycin Los disparates - „Disparates” („Pedały” lub „Głupoty”) - 22 arkusze ukazały się w 1863 roku w Madrycie pod tytułem Los Proverbios („Przypowieści”, „Przysłowia”).

Duchy zamieszkujące duszę Goi uwolniły się.

Być może najsłynniejszym i najstraszniejszym obrazem z „czarnej” serii jest „Saturn pożerający swoje dzieci”. Tutaj Goya wykorzystuje mit ojca Jowisza (Zeusa) Saturna (Kronosa) jako alegorię wydarzeń zachodzących na świecie. Nic dziwnego, że starożytny tytan na dziełach Goi wygląda jak szalony maniak-kanibal. Nie mniej przerażające wydają się „Dwaj starcy jedzący zupę”: są to dwa szkielety pokryte skórą i owinięte szmatami. „Kowan. Wielki Kozioł” to przedstawienie satanistycznej Czarnej Mszy w wigilię Wielkanocy i Bożego Narodzenia. „Atropos” („Los”) – lot trzech starożytnych helleńskich bogiń losu Moiry, które zamierzają zakończyć czyjeś życie. „Dwóch starców” („Stary człowiek i mnich”) to kontrast między godną i brzydką starością. „Pojedynek na kije” jest prawdopodobnie przedstawieniem pojedynku biblijnego Kaina z Abelem. „Czytelnicy” nie byliby niczym specjalnym, gdyby nie wyraz głupoty na ich twarzach. „Judyta i Holofernes” – brak szlachetności w osobie biblijnej bohaterki Judyty, jedynie pragnienie krwi ze względu na krew. „Święto San Isidoro” – radość przedstawionych tu dziwaków zdaje się kalać ziemię. „Śmiejące się kobiety” to wciąż ta sama przerażająca, nieprzenikniona głupota. „Pielgrzymka do źródła San Isidoro” – co za niesamowity kontrast w stosunku do starego obrazu „Łąka u San Isidoro”! „Pies” to przerażająca samotność małego stworzenia w przerażającym świecie pozbawionym ciepła i spokoju. „Doña Leocadia Zorrilla” – dama na płótnie przypomina częściowo zmarłą księżną Alby. „Fantastyczne wizje” („Asmodeusz”) – lot demona nad górami.

„Mój ojciec, pracując dla siebie, malował, co mu się podobało, a przy tym nie używał pędzla, ale noża, ale z pewnej odległości obraz ten robił niesamowite wrażenie” – napisał syn artysty. I w tej technice (akwaforta, grawer) Goya również wyprzedził swoją epokę – o kilkadziesiąt lat.

Niniejszy tekst jest fragmentem wprowadzającym.

A „Dwóch staruszków jedzących zupę” ma bardzo podobny klimat i ekspresję do „Jedzących ziemniaki” Van Gogha.

Wybrałeś bardzo dobre cytaty, które towarzyszą oszałamiającym muralom. Bardzo je lubię.

Pisanie bezpośrednio na ścianie jest fantastyczne. Miałem takie przeżycie, niesamowite uczucie.

Julia Ria:
22 listopada 2011 o godzinie 12:20

W porównaniu do Van Gogha. Tak, te same ponure kolory, ta sama atmosfera duszności i bezsilności czy coś... Najbardziej z tych obrazów lubię „Psa”, taki dziwny klimat stworzył Goya.

Nie pamiętam, czytaliście tę książkę o Goi Feuchtwangera? Kończy się dokładnie w miejscu, w którym artysta zdecydował się pomalować ściany swojego domu. Miała być druga część, ale… życie pisarza zostało przerwane – to takie niesprawiedliwe.

:
22 listopada 2011 o 13:47

Pies ma takie żałosne spojrzenie, jest w niej tyle samotności i urazy, a przed nią ledwo widoczny cień (ale może to rzuty ściany), na który patrzy z pytaniem: „ Dlaczego mnie zostawiłeś?”…

Nie pamiętam, czy czytałem Goyę Feuchtwangera, ale nie powstrzymuje mnie to od przeczytania tej książki, kiedy tylko nadejdzie odpowiedni nastrój.

Te późne dzieła Goi to czysty ekspresjonizm. Bardzo wyprzedzał swoją epokę.

:
24 listopada 2011 o godzinie 18:07

:
25 listopada 2011 o godzinie 11:30

Przez długi czas nie akceptowałem i odrzucałem sztukę konceptualną, różne dzikie, odrażające performance, akcje, zdarzenia i tym podobne. W Rosji przyjęto termin „sztuka współczesna”, ale w pozostałej części świata o tym nie wiedzą.))

Jako przykład można podać skandaliczne wybryki najsłynniejszego rosyjskiego artysty, psiego człowieka Olega Kulika. Bardzo podoba mi się jedno z jego starych dzieł „Russian Eclipse”, w którym jest nagi z czerwonym sztandarem w dłoni.))

Dużo czasu zajęło mi czytanie odpowiedniej literatury i artykułów o sztuce współczesnej, zanim zacząłem przekonywać siebie, że w sztuce wszystko ma swoje miejsce. I niczego nie można odmówić.

Nic lepiej nie rozumiem, ale wciąż czasami zastanawiam się, co się dzieje w sztuce konceptualnej (intelektualnej). Przeczytaj wypowiedzi Olega Kulika, zasługują na to. Oto na przykład jedna z jego myśli:

„Wszyscy są dobrzy, ale kłamią, ale artysta nie kłamie, ale jest chciwym i aroganckim egoistą. Przeciętny człowiek również ma wszystkie te cechy, ale we współczesnym świecie nieprzyzwoite jest ich okazywanie. Najstraszniejszą rzeczą na świecie przeciętnego człowieka nie jest bomba atomowa ani bieda, ale to, co powiedzą o Tobie sąsiedzi. Artysta się tego nie boi.”

Oto kolejna rzecz, która bardzo mi się spodobała:

„Sztuka istniejąca tylko po to, by ją sprzedać, nie jest już sztuką”.

Dlatego spotykam się z niechęcią i odrzuceniem sztuki komercyjnej, obrazów na sprzedaż. Ale z tym „słusznym gniewem” walczę już od dawna i całkiem skutecznie.))

Yul, co cię tak obrzydza?

:
25 listopada 2011 o 16:16

A mimo to nie do końca rozumiem, co masz na myśli pisząc o sztuce komercyjnej? Co w zasadzie jest sprzedawane, a co celowo przedstawiane, aby dopasować się do gustu publiczności?

:
25 listopada 2011 o 17:37

Jak mogę sprzeciwić się wszystkiemu, co jest na sprzedaż? Sam sprzedałem kilkanaście obrazów. Poza tym wszystko ostatecznie trafia na rynek sztuki.

Oczywiście mam na myśli to, co jest narysowane specjalnie na sprzedaż. Oznacza to, że trzeba wiedzieć z góry, co kupi społeczeństwo. Według jej gustu. Ale rozumiem to już od dawna. W końcu z czegoś trzeba żyć. Dlaczego nie z obrazów?

Olya, intencja artysty jest dla mnie ważna. Pierwotny. To właśnie stanowi różnicę pomiędzy dziełami. Dlatego jedno nazywamy sztuką malarską, a drugiego nie.

:
25 listopada 2011 o 18:13

Teraz jest jasne. Czasami wydaje mi się, że w ogóle jesteś przeciwny sprzedaży.

:
26 listopada 2011 o 12:57

Oczywiście, że nie! Jestem za. I bardzo się cieszę, gdy artystom udaje się żyć ze swojej sztuki. Jest to bardzo rzadkie.

W tej kwestii ważne jest, aby zrozumieć, jaki jest cel i jaki jest środek.))

:
1 grudnia 2011 o 13:57

Tak, tak, jeśli myślisz przede wszystkim tylko o pieniądzach, duchowość i sens zostaną utracone. Ale obecność dochodu nie zaprzecza istnieniu znaczenia. Nie zawsze dla wszystkich te kwestie są jasne. Zwłaszcza w naszym kraju, w Rosji. Mistrz musi być biedny – to siedzi w głowach wielu, a jeśli mistrz jest bogaty, to nie jest to już sztuka. Ten sam Goya otrzymywał dużo pieniędzy za swoje portrety i był malarzem nadwornym, z czego był dumny. Ale nie przekroczył samego siebie.

Zdanie: „Najgorszą rzeczą na świecie przeciętnego człowieka nie jest bomba atomowa, nie bieda, ale to, co powiedzą o tobie twoi sąsiedzi” - niesamowite! Prosto, ale precyzyjnie. Co powiedzą o Tobie sąsiedzi, współpracownicy i po prostu przechodnie? Jestem tym wszystkim zniesmaczony (choć niestety też to mam).

:
1 grudnia 2011 o godzinie 15:20

Oczywiście, że nie zaprzecza! Ludzie są zdezorientowani co do pojęć, to absolutna prawda. I w jakim stopniu nie mogę sobie z tym poradzić. Na przykład większość ludzi wierzy, że każdy obraz jest sztuką. Automatycznie. Jeśli są wszystkie atrybuty: płótno pokryte farbami, rama, to jest to sztuka. Co jeszcze? To nigdy nie przestaje mnie szokować. Julia, dlaczego słowo sztuka odnosi się do jakiegokolwiek obrazu? Czy masz wersję?

To „co o tobie powiedzą” jest mi boleśnie znajome. Ponieważ zawsze było mi to obojętne, moi rodzice w pełni odczuli konsekwencje mojej obojętności.))

Wśród szlachetnych dzieł sztuki, które cieszą oko i budzą same pozytywne emocje, znajdują się obrazy, delikatnie mówiąc, dziwne i szokujące. Przedstawiamy 20 obrazów światowej sławy artystów, które wprawią Cię w przerażenie...

„Niepowodzenie umysłu w materii”

Obraz namalowany w 1973 roku przez austriackiego artystę Otto Rappa. Przedstawił rozkładającą się ludzką głowę umieszczoną na klatce dla ptaków zawierającej kawałek mięsa.

„Wiszący żywy Murzyn”

To makabryczne dzieło Williama Blake'a przedstawia czarnego niewolnika powieszonego na szubienicy z hakiem przewleczonym przez żebra. Utwór oparty jest na historii holenderskiego żołnierza Steadmana, naocznego świadka tak brutalnej masakry.

„Dante i Wergiliusz w piekle”

Inspiracją dla obrazu Adolphe'a Williama Bouguereau była krótka scena walki dwóch potępionych dusz z Piekła Dantego.

"Piekło"

Obraz „Piekło” niemieckiego artysty Hansa Memlinga, namalowany w 1485 roku, jest jednym z najstraszniejszych dzieł artystycznych swoich czasów. Miała popychać ludzi ku cnocie. Memling spotęgował przerażający efekt tej sceny, dodając podpis: „W piekle nie ma odkupienia”.

„Wielki Czerwony Smok i Potwór Morski”

Słynny XIII-wieczny angielski poeta i artysta William Blake w chwili wnikliwości stworzył serię akwareli przedstawiających wielkiego czerwonego smoka z Księgi Apokalipsy. Czerwony Smok był ucieleśnieniem diabła.

„Duch wody”

Artysta Alfred Kubin uważany jest za najwybitniejszego przedstawiciela symbolizmu i ekspresjonizmu, znany jest ze swoich mrocznych fantazji symbolicznych. Jednym z takich dzieł jest „Duch wody”, ukazujący bezsilność człowieka wobec morza.

„Nekronom IV”

To przerażające dzieło słynnego artysty Hansa Rudolfa Gigera zostało zainspirowane filmem Obcy. Giger cierpiał na koszmary senne i wszystkie jego obrazy inspirowane były tymi wizjami.

„Oskórowanie Marcii”

Stworzone przez włoskiego artystę renesansu Tycjana obraz Obdzieranie Marsjasza znajduje się obecnie w Muzeum Narodowym w Kroměřížu w Czechach. Grafika przedstawia scenę z mitologii greckiej, w której satyr Marsjasz zostaje obdarty ze skóry za to, że odważył się rzucić wyzwanie bogu Apollinowi.

„Kuszenie Świętego Antoniego”

Matthias Grunewald malował tematykę religijną średniowiecza, choć sam żył w epoce renesansu. Mówi się, że św. Antoni podczas modlitwy na pustyni poddawał się próbom swojej wiary. Według legendy został zabity przez demony w jaskini, następnie wskrzesił je i zniszczył. Obraz ten przedstawia świętego Antoniego atakowanego przez demony.

„Odcięte głowy”

Najsłynniejszym dziełem Theodore'a Géricaulta jest Tratwa Meduzy, ogromny obraz namalowany w stylu romantycznym. Géricault próbował przełamać granice klasycyzmu, przechodząc w stronę romantyzmu. Obrazy te były początkowym etapem jego twórczości. Do swoich prac wykorzystywał prawdziwe kończyny i głowy, które znajdował w kostnicach i laboratoriach.

"Krzyk"

Inspiracją dla tego słynnego obrazu norweskiego ekspresjonisty Edvarda Muncha był spokojny wieczorny spacer, podczas którego artysta był świadkiem krwistoczerwonego zachodzącego słońca.

„Śmierć Marata”

Jean-Paul Marat był jednym z przywódców rewolucji francuskiej. Cierpiący na chorobę skóry większość czasu spędzał w łazience, gdzie pracował nad swoimi notatkami. Tam został zabity przez Charlotte Corday. Śmierć Marata była ukazana kilkukrotnie, jednak to dzieło Edvarda Muncha jest szczególnie brutalne.

„Martwa natura masek”

Emil Nolde był jednym z wczesnych artystów ekspresjonistycznych, choć jego sława została przyćmiona przez innych, takich jak Munch. Nolde namalował ten obraz po przestudiowaniu masek w Muzeum Berlińskim. Przez całe życie był zafascynowany innymi kulturami i ta praca nie jest wyjątkiem.

„Smalec z Gallowgate”

Obraz ten to nic innego jak autoportret szkockiego autora Kena Curry’ego, specjalizującego się w mrocznym, socrealistycznym malarstwie. Ulubionym tematem Curry'ego jest nudne życie miejskie szkockiej klasy robotniczej.

„Saturn pożerający swego syna”

Jedno z najbardziej znanych i złowrogich dzieł hiszpańskiego artysty Francisco Goyi zostało namalowane na ścianie jego domu w latach 1820–1823. Fabuła oparta jest na greckim micie o Tytanie Chronosie (w Rzymie – Saturnie), który obawiał się, że zostanie obalony przez jedno ze swoich dzieci i zjadł je zaraz po urodzeniu.

„Judyta zabijająca Holofernesa”

Egzekucję Holofernesa przedstawiali tak wielcy artyści, jak Donatello, Sandro Botticelli, Giorgione, Gentileschi, Lucas Cranach Starszy i wielu innych. Obraz Caravaggia z 1599 roku przedstawia najbardziej dramatyczny moment tej historii – ścięcie.

"Koszmar"

Obraz szwajcarskiego malarza Heinricha Fuseli został po raz pierwszy pokazany na dorocznej wystawie Akademii Królewskiej w Londynie w 1782 roku, gdzie zaszokował zarówno zwiedzających, jak i krytyków.

„Masakra niewinnych”

To wybitne dzieło sztuki Petera Paula Rubensa, składające się z dwóch obrazów, powstało w 1612 roku i uważa się, że pozostawało pod wpływem twórczości słynnego włoskiego artysty Caravaggia.

„Studium portretu Innocentego X Velazqueza”

Ten przerażający obraz autorstwa jednego z najbardziej wpływowych artystów XX wieku, Francisa Bacona, oparty jest na parafrazie słynnego portretu papieża Innocentego X autorstwa Diego Velázqueza. Spryskany krwią, z boleśnie wykrzywioną twarzą, papież przedstawiony jest siedzący w metalowej rurowej konstrukcji, która po bliższym przyjrzeniu się wydaje się być tronem.

„Ogród ziemskich rozkoszy”

To najsłynniejszy i najbardziej przerażający tryptyk Hieronima Boscha. Do chwili obecnej istnieje wiele interpretacji obrazu, jednak żadna z nich nie została ostatecznie potwierdzona. Być może dzieło Boscha uosabia Ogród Eden, Ogród ziemskich przyjemności i Kar, które trzeba będzie ponieść za grzechy śmiertelne popełnione za życia.

Francisco de Goya – hiszpański geniusz malarz New Times, mistrz gatunku portretu i realizmu krytycznego, który na ostatnim etapie swojej drogi twórczej stworzył całą kolekcję mistycznych, przerażających obrazów zwaną „Czarnymi obrazami”.

Po ukończeniu studiów w szkole niedaleko Saragossy, 17-letni Francisco wyjeżdża do Madrytu, aby rozpocząć studia na Akademii Sztuk Pięknych. Należy zaznaczyć, że jako dziecko Francisco nie robił większych postępów w opanowaniu szkolnego programu nauczania, a nauka była dla niego trudna, ale wiejski nauczyciel plastyki od razu zauważył niezwykłe zdolności młodego Franciszka. Zainspirowany uznaniem młody artysta marzył o stołecznej Akademii, jednak dwukrotnie nie udało mu się tam dostać.

Ale Goya stał się jednym z uczniów słynnego mistrza Francisco Bayeu. Imiennik Goi malował w popularnym wówczas gatunku „neoklasycyzmu”, który charakteryzował się zainteresowaniem klasycznymi starożytnymi dziełami malarstwa i architektury. Nawiasem mówiąc, siostra Bayeu, Josepha, została później żoną Francisco Goi. W 1779 roku mistrz namalował słynny portret swojej żony Józefy.

Portrety z wczesnego okresu twórczości mistrza są fotograficznie dokładne, a dbałość o szczegóły jest uderzająca. Kolory na obrazach Goi z tego okresu są bardzo miękkie i naturalne – zwróć uwagę, jak realistycznie wygląda delikatny rumieniec na twarzy Josefy.

W 1774 roku Goya stworzył całą serię prac ze szkicami epizodów z życia zwykłych ludzi. Głównymi bohaterami tych obrazów byli „makhi” – piękni i niepoważni ludzie oraz „makho” – młodzi panowie. Warto dodać, że Franciszek otrzymał zamówienie na ten cykl dzieł od samego króla Karola III. Można to wytłumaczyć nie tylko rosnącą sławą młodego artysty, ale także rozwojem kariery jego nauczyciela, Francisco Bayeu. Nawiasem mówiąc, huśtawki często pojawiały się na obrazach Goi, na przykład obraz „Huśtawki na balkonie” został namalowany w latach 1805–1812.

Kiedy sam Goya został nadwornym malarzem króla Karola IV, do jego nazwiska dodano arystokratyczny przedrostek „de”. W 1800 roku Franciszek stworzył portret zbiorowy rodziny królewskiej, zatytułowany „Rodzina króla Karola IV”.

Pomimo najwyższej techniki malarskiej portret rodziny królewskiej wyglądał bardzo niepochlebnie - jeden ze współczesnych Goi, krytyk sztuki, nazwał osoby przedstawione na płótnie „rodziną piekarza, który wygrał na loterii”. Zwróć uwagę na kompozycję - pośrodku zdjęcia znajduje się żona monarchy, Maria Luis, a z boku sam Karol. To wcale nie przypadek, gdyż Karol był człowiekiem infantylnym, o słabej woli i znajdował się pod piętą swojej przebiegłej i wyrachowanej żony, która wkrótce została de facto głową państwa.

„Caprichos”

Miłośnicy realizmu mogą delektować się wspaniałością portrety, stworzony przez Francisco, ale artysta ten był bardzo różnorodny, a jego geniusz twórczy stał się ciasny w ramach tego gatunku. Jeszcze przed namalowaniem zbiorowego portretu rodziny królewskiej, w latach 1797 - 1799, Goya stworzył serię rycin zatytułowanych „Caprichos” („Kaprysy”), których celem jest ośmieszenie i obnażenie ludzkich przywar i niesprawiedliwości społeczeństwa feudalno-klerykalnego.

W centralnej rycinie serii zatytułowanej „Sen rozumu rodzi potwory” widzimy upadłego człowieka, za którego plecami budzą się i stają aktywne różne zwierzęta i potwory, niektóre z nich są oznaczone jedynie złowieszczymi cieniami .

Tytuł tego dzieła stał się sloganem – rzeczywiście, jeśli człowiek nie posłucha głosu rozsądku, jego myśli i fantazje zamienią się w obrzydliwe potwory generowane przez okrutne i podłe instynkty. Rycinę tę można też interpretować symbolicznie – osoba, która zasnęła, reprezentuje umysł, który przestał nad niczym panować i zapadł w sen, dając wolność tym strasznym bestiom.

Ryciny w groteskowy i surrealistyczny sposób przedstawiają grzechy i przywary tkwiące w człowieku. Na przykład widzimy tu kobietę, która nie może patrzeć na wisielca, ale może wyjąć z jego ust monetę, którą zgodnie ze starożytnym zwyczajem wkładano do ust zmarłego.

Należy zaznaczyć, że układ postaci na każdej rycinie nie jest przypadkowy: wiele z brzydkich stworzeń to karykatury osób publicznych i szlachty madryckiego dworu królewskiego, a u uczestników szabatów i świąt złych duchów cechy widoczny jest król, królowa i główni przywódcy Inkwizycji.

Na tej rycinie widzimy potwory obcinające paznokcie swoich szponiastych stóp. Sam tak skomentował swoją pracę: „Noszenie długich paznokci jest tak karygodne, że zabrania się ich nawet złym duchom”. Prawdopodobnie mistrz miał na myśli potrzebę „obcięcia paznokci” (najwyraźniej symbol obłudy), która pojawiła się wśród nawet najbardziej krwiożerczych oprawców Inkwizycji, którzy na skutek dużej liczby popełnionych okrucieństw utracili ludzki wygląd.

Dzieła nieśmiertelne, będące klasyką satyry, nie mogłyby nigdy zostać opublikowane, gdyż żadnemu organowi cenzury nie mogło umknąć tak ostre kpiny z możnych świata. „Caprichos” został uratowany dzięki osobistej interwencji króla Karola IV (krążyła pogłoska, że ​​ograniczony monarcha z radością rozpoznał siebie na niektórych rycinach).

Jak twierdzą krytycy sztuki, bohaterem dzieła każdego mistrza z cyklu „Caprichos” jest sumienie, beznamiętnie oceniające panujące poglądy i nastroje w społeczeństwie i to właśnie z jego strony wszelkie ludzkie niegodziwości wydają się tak brzydkie.

„Dom Głuchych”

Kiedy mistrz miał 46 lat, nagle zachorował. Choroba miała ciężki przebieg, głównymi objawami był paraliż, głuchota i przejściowe zaburzenia widzenia. Nawiasem mówiąc, nawet teraz naukowcy nie mogą dojść do ostatecznego wniosku, na jaką chorobę cierpiał artysta. Franciszek wyzdrowiał z choroby, jednak w 1820 roku, mając już ponad 70 lat, nastąpił nawrót choroby. Chory, starszy artysta, odszedł z dworu królewskiego (był wówczas artystą nadwornym Ferdynanda VII) i osiedlił się w małym wiejskim domu pod Madrytem. To właśnie ten dom stał się później znany na całym świecie jako „Dom Głuchych”. Francisco de Goya ponownie zaczął pracować i tworzyć arcydzieła, które później nazwano „Czarnymi obrazami”.

Mówimy o ciemnych, surrealistycznych freskach, którymi Francisco pokrył ściany domu. Są jak koszmary i niepokojące, ulotne wizje stworzone przez chorą wyobraźnię.

Kolorystyka większości prac jest bardzo ciemna i ponura, dominuje czerń, szarość i różne odcienie brązu. Czasami pojawiają się plamy czerwieni i bieli, ale one tylko wzmacniają ponurą atmosferę i tworzą ciężką, przygnębiającą atmosferę. Jak na przykład w najsłynniejszym dziele z serii - „Saturn pożerający swego syna”.

Saturn, najwyższy bóg starożytnego rzymskiego panteonu, jest tu przedstawiony jako szalony, nieproporcjonalny potwór, podobny do drapieżnego ptaka. W pracy widać ucieleśnienie irracjonalizmu i bezsensownej nienawiści, które tak obrzydzały artystę.