Collery Louis de – Alegoria pięciu zmysłów. Ermitaż w Petersburgu

„PIĘĆ ZMYSŁÓW”- tradycyjna alegoria sztuk pięknych. W tradycji mistycznej pięć zmysłów człowieka (wzrok, słuch, smak, węch, dotyk) oznaczono pentagramem (pięciokątną gwiazdą) z łacińskimi literami „SALUS” (tworzącymi słowo „zdrowie”). Litery oznaczają początkowe dźwięki łacińskich słów: sensus - „smak”, audytus – „słuch”, libinis – „pragnienie”, visus – „wzrok”, Spiritus – „oddech, zapach”.

Franken Francja (młodszy) (1581-1642). Pięć zmysłów. 1620. Zbiory prywatne



W zbiorach ikonologicznych i kompozycjach alegorycznych XVI-XVIII wieku. pięć ludzkich zmysłów jest reprezentowanych przez postacie, zwykle kobiece, jak muzy, z odpowiednimi atrybutami.
Przesłuchanie personifikowana przez postać z instrumentami muzycznymi, czasem przez św. Cecylię, patronkę sztuk muzycznych;
wizja- piękność z lustrem w dłoniach;
smak- „piękny ogrodnik” z koszem owoców,
ona z bukietem kwiatów - zmysł węchu;
dotykać- trzyma ptaka w dłoni.

Laresse Gerard de (1640-1711). Alegoria pięciu zmysłów. 1668. Glasgow, galeria i muzeum sztuki



Alegoria pięciu zmysłów przedstawiona jest w słynnym cyklu średniowiecznych gobelinów „Dama z Jednorożcem”.
Dama z Jednorożcem to cykl sześciu francuskich gobelinów z końca XV wieku, najsłynniejszy z eksponatów w Muzeum Cluny w Paryżu. Nazwa cyklu jest dowolna i powstała w XIX wieku.



Zwierzęta i ptaki mogą symbolizować ludzkie uczucia: orzeł - wzrok, jeleń - słuch, małpa - smak, pies - węch, jeż - dotyk.

Obrazy Caravaggia „Młody człowiek z lutnią”, „Chłopiec z koszem owoców”, „Chłopiec ugryziony przez jaszczurkę” (lata 90. XVI w.) uważane są za alegorie ludzkich uczuć.
„Lutnista” to obraz Caravaggia. Istnieje w trzech wersjach, obecnie przechowywany: w Ermitażu w St. Petersburgu, Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku (kolekcja Wildenstine) oraz w posiadłości Badminton House w Gloucestershire w Wielkiej Brytanii. Spośród nich do niedawna powszechnie akceptowano jedynie autorstwo obrazu Ermitażu; Teraz pierwsza autorska wersja fabuły uważana jest za obraz w Nowym Jorku. Obraz angielski jest kopią z Ermitażu. Sam artysta uznał „Lutnistę” za „swój najbardziej udany fragment malarstwa”.
Michał Anioł de Caravaggio. Lutenista, olej na płótnie. 94×119 cm Ermitaż, Petersburg


Michał Anioł de Caravaggio. Lutenista, ok. 1595. Olej na płótnie. 100×126,5 cm Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku


Michał Anioł de Caravaggio. Lutenista, ok. 1596. Olej na płótnie. Dom do badmintona 96 × 121 cm, Gloucestershire


Michał Anioł de Caravaggio. Chłopiec z koszem owoców (Młody człowiek z koszem owoców). 1593-1594. 70 x 67 cm Olej na płótnie. Galeria Borghese

Michał Anioł de Caravaggio. Chłopiec ugryziony przez jaszczurkę. Około 1593 r. 65,8 x 39,5 cm Olej na płótnie. Florencja. Kolekcja Longhi

Michelangelo Merisi de Caravaggio (włoski Michelangelo Merisi de Caravaggio; 29 września 1571 (15710929), Mediolan – 18 lipca 1610, Grosseto, Toskania) – włoski artysta, reformator malarstwa europejskiego XVII wieku, jeden z największych mistrzów malarstwa europejskiego XVII w. Barokowy. Jeden z pierwszych zastosował styl malarstwa „światłocieniowy” - ostry kontrast światła i cienia.
Caravaggia. Wirtualna galeria
W malarstwie niderlandzkim i flamandzkim XVII-XVIII w. sceny z gatunku codziennego mają wydźwięk alegoryczny: pijacy w karczmie (smak), palacze (zapach), wiejscy śpiewacy (słuch), chłop dokuczający piękności (dotyk).

Theodore Rombouts (Rombouts, 1597-1637) – malarz flamandzki. Alegoria pięciu zmysłów. Gandawa, Muzeum Sztuk Pięknych

Alegoria zapachu, słynny obraz holenderskiego rytownika z XVII wieku „Nieświadomy pacjent” został odkryty zaledwie rok temu na aukcji w New Jersey po tym, jak został znaleziony w czyjejś piwnicy i wystawiony na aukcję. Mały dom aukcyjny wycenił obraz na 500–800 dolarów. Dwóch ekspertów ds. Rembrandta zasugerowało, że obraz jest oryginalnym dziełem słynnego holenderskiego artysty i podniosło cenę dzieła do 870 000 dolarów.

Od tego czasu obraz został zidentyfikowany i oficjalnie uznany za dzieło najwybitniejszego przedstawiciela złotej epoki malarstwa holenderskiego – Rembrandta. Obraz znajduje się obecnie w Nowym Jorku i stanowi część Kolekcji Leiden, zgromadzonej przez małżeństwo Daphne Recanati i Thomasa S. Kaplana. W kolekcji znajdują się już dwie prace artysty z cyklu przedstawiającego słuch i dotyk. W maju tego roku w Getty Center w Los Angeles wystawiono trzy prace. Teraz dołączyła do nich alegoria wizji, przeniesiona z Muzeum Lekenhal, holenderskiego miasta Leiden – rodzinnego miasta Rembrandta.

Powstały w latach 1624-1625 w Lejdzie cykl obrazów doskonale wpisuje się w tradycję północnoeuropejskiego malarstwa rodzajowego, którego cechą charakterystyczną jest gra z podwójnym znaczeniem słów reprezentujących uczucia.
Na przykład w „Człowieku sprzedającym okulary” Rembrandta (wizja – przyp. „365”) starsze małżeństwo o słabym wzroku przegląda pudełko okularów należące do nierzetelnego sprzedawcy ulicznego. Praca ukazuje oba znaczenia słowa wizja: widzieć i obserwować.

„Te wczesne dzieła Rembrandta są fascynujące, ponieważ pokazują nam zdolności młodego artysty i jego wczesność”– mówi Ann Van Camp, kuratorka sztuki północnoeuropejskiej w Ashmolean Museum. — „Z obrazów wynika, że ​​Rembrandt w wieku osiemnastu lat był już geniuszem: potrafił umiejętnie oddać charakter i emocje ludzi, mając umiejętność zmieszczenia na płótnie całej żywej palety uczuć kilkoma pociągnięciami pędzla”.

Piąty i ostatni obraz z cyklu „Zmysły” Rembrandta, Smak, nie został odnaleziony przez ostatnie 400 lat. Pani Van Camp uważa, że ​​obraz zaginął lub został zniszczony. Na wystawie obok czterech obrazów holenderskiego malarza zostanie umieszczona pusta rama, co – jak ma nadzieję kuratorka wystawy – skłoni gości galerii do zastanowienia się i wyobrażenia sobie, jak mógłby wyglądać piąty obraz oraz – dodała Camp – może zachęcić ich do sami poszukajcie obrazu na strychu.

Tekst: Yana Polyaninova

WSPANIAŁA oferta sklepu internetowego BigArtShop: kup obraz Alegoria pięciu zmysłów. Smak artysty Petera Paula Rubensa na naturalnym płótnie w wysokiej rozdzielczości, oprawiony w stylową ramę bagietkową, w ATRAKCYJNEJ cenie.

Malarstwo Petera Paula Rubensa Alegoria pięciu zmysłów. Smak: opis, biografia artysty, recenzje klientów, inne dzieła autora. Obszerny katalog obrazów Petera Paula Rubensa na stronie sklepu internetowego BigArtShop.

Sklep internetowy BigArtShop prezentuje obszerny katalog obrazów artysty Petera Paula Rubensa. Możesz wybrać i kupić swoje ulubione reprodukcje obrazów Petera Paula Rubensa na płótnie naturalnym.

Peter Paul Rubens urodził się w rodzinie prawnika z Antwerpii. Będąc protestantem, jego ojciec i jego rodzina uciekli do Niemiec, aby uciec przed terrorem. Po śmierci męża w 1587 roku matka ponownie przeszła na katolicyzm i wróciła z dziećmi do Antwerpii. W wieku 11 lat Peter zaczął uczęszczać do szkoły łacińskiej ze swoim starszym bratem. W przyszłości matka postrzegała swoich synów jako kontynuatorów dzieła ojca. Rzeczywiście, starszy brat Piotra, uzyskawszy stopień naukowy i doktorat z obu praw, został sekretarzem Antwerpii. A Peter zaczął studiować malarstwo w wieku 14 lat, mając nieodparte pragnienie tego. Kształcił się w pracowni Otto van Veena, artysty nadwornego i mistrza malarstwa historycznego.

W 1598 roku Piotr otrzymał tytuł wolnego artysty Antwerpskiej Gildii św. Łukasza.

W 1600 roku wyjechał do Włoch, aby doskonalić swoje umiejętności. Rubens wstąpił na służbę księcia Vincenzo Gonzasa jako malarz nadworny. W imieniu księcia, głównego kolekcjonera dzieł sztuki, Rubens kopiował obrazy w Rzymie, Genui, Wenecji i Florencji. Pierwszą samodzielną twórczością artysty były portrety, które zapełniły książęcą galerię „najpiękniejszych dam świata: zarówno księżniczek, jak i kobiet bez tytułu”.

Ale talent Rubensa wymagał szerszego zakresu działań.

Jego talent w znaczący sposób ujawnił się w wielkoformatowych kompozycjach ołtarzowych, tworzonych dla kościołów włoskich. Zrealizowane zamówienia pozwoliły młodemu Flemingowi stać się jednym z pierwszych malarzy Rzymu.

W 1608 roku Rubens musiał nagle wrócić do Antwerpii po otrzymaniu wiadomości o śmiertelnej chorobie matki. Choć pomyślna realizacja zamówień kościelnych otworzyła przed nim we Włoszech wielkie perspektywy, pozostał w ojczyźnie. W 1609 r. Rubens poślubił 18-letnią córkę uczonego-prawnika Jana Branta, Izabelę.

Do 1611 r., po wykonaniu zamówienia na salę ratusza w Antwerpii w postaci obrazu „Pokłon Trzech Króli” i dwóch ogromnych tryptyków - „Podniesienie krzyża” i „Zstąpienie z krzyża”, on stał się czołowym malarzem Antwerpii, nazywany był „bogiem malarzy”.

Chętnych do przyłączenia się do jego warsztatu było tak wiele, że prośby musiały zostać odrzucone. Rubens wiedział, jak uczyć nie tylko rzemiosła, ale także rozwijać umiejętności każdego ze swoich uczniów.

Szkice z zabytków sztuki starożytnej, które Rubens przywiózł później z Włoch, niejednokrotnie były dla niego źródłem inspiracji. Starożytność dla niego zawsze pozostawała szkołą prawdziwego smaku i prawdziwych umiejętności. Artysta miał także zdolność uduchowienia; na tym polegała istota estetyki Rubensa. Cecha ta została wyraźnie ucieleśniona w dziełach drugiej połowy XVII wieku. Należą do nich obraz „Zjednoczenie Ziemi i Wody”, namalowany przez niego w 1618 roku.

Od początku lat dwudziestych XVII wieku Rubens rozpoczął działalność dyplomatyczną. Po śmierci arcyksięcia Alberta w 1621 roku, jako powiernik infantki Izabeli, wykonywał tajne zadania na dworze brukselskim. Bogactwo natury Rubensa pozwoliło mu także w tych latach nadzorować pracę rytowników i malarzy w swoim warsztacie, projektować książki o różnorodnej treści dla wydawnictwa Platen, wykonywać kartony do gobelinów, wykonywać projekty płaskorzeźb rzeźbiarskich i różnych przedmioty rzemiosła artystycznego oraz wydać dwutomową książkę pt. „Pałace Genui z ich planami”, fasady i przekroje”.

Tak wszechstronna działalność artysty stała się możliwa dzięki wyważonemu trybowi życia, jaki prowadził:

Według jednego z biografów Rubens „niezwykle kochał swoją pracę i dlatego zawsze żył tak, aby mógł pracować swobodnie, nie szkodząc zdrowiu”. Wstał o czwartej rano i wysłuchał wczesnej mszy, zapewniając, że taki początek dnia pomoże mu się skoncentrować i poczuć spokój niezbędny do pracy. Następnie siadał przy sztalugach, pracując zawsze w obecności lektora, który czytał mu na głos Plutarcha, Tytusa Liwiusza czy Senekę. Jak świadczą współcześni, jednocześnie Rubens mógł „swobodnie rozmawiać z tymi, którzy go odwiedzali”. Pracował więc „do piątej wieczorem, po czym dosiadł konia i udał się na spacer za miasto lub na fortyfikacje miejskie, albo w inny sposób próbował odpocząć”. Resztę dnia artysta spędził w gronie rodziny i przyjaciół, którzy „przyszli z nim na obiad”. Rubens „nie tolerował ekscesów w winie i jedzeniu, a także w grach”. Od wszystkiego wolał ciekawą rozmowę, czytanie lub studiowanie swoich zbiorów. Pomimo różnorodnych zainteresowań artysty, jego główną pasją nadal pozostawało malarstwo.

W latach dwudziestych XVII wieku Rubens dużo i z równym powodzeniem pracował zarówno w dziedzinie malarstwa „szafowego”, jak i przy tworzeniu dużych zespołów monumentalnych i dekoracyjnych. Zaprojektowane, aby postrzegać duże pomieszczenia w przestrzeni, zawsze były pomyślane przez malarza w jedności z architekturą, dla której były przeznaczone. I tutaj umiejętności kompozytorskie Rubensa, jego pomysłowość i niewyczerpana wyobraźnia nie miały sobie równych.

W styczniu 1622 roku Rubens udał się do Paryża, gdzie zawarł umowę z królową francuską Marią Medyceuszy, matką Ludwika XIII, na namalowanie obrazów dla dwóch galerii nowego Pałacu Luksemburskiego. Jedna seria miała przedstawiać „zgodnie z życzeniem Jej Królewskiej Mości” „wydarzenia z chwalebnego życia i bohaterskich czynów” samej królowej, druga natomiast „bitwy” i „triumfy” jej zmarłego męża Henryka IV. Druga seria pozostała niespełniona. A pierwszy, składający się z dwudziestu czterech obrazów, jest teraz wystawiany w specjalnej sali Luwru.

W latach dwudziestych XVII wieku Rubens również doświadczył powtarzających się ciosów losu:

w 1623 r. – strata córki, a w 1626 r., prawdopodobnie w wyniku szalejącej wówczas w Antwerpii epidemii dżumy, umiera także jego żona, Isabella Brant.

Działalność dyplomatyczna pomaga uśmierzyć ból. W 1627 roku udał się z tajną misją do Paryża, a następnie pod przykrywką malarza podróżującego na studia artystyczne do Holandii, gdzie prowadził tajne negocjacje z prawnikiem angielskiego ministra, księciem Buckingham. W 1628 r. Rubens udał się do Madrytu na spotkanie z królem hiszpańskim, a w 1629 r. do Londynu, aby dokończyć negocjacje. W 1630 roku wieloletnie wysiłki artysty zostały w końcu uwieńczone sukcesem: podpisano pokój między Hiszpanią a Anglią, co oznaczało zakończenie wojny morskiej, w którą Anglia wciągnęła Hiszpanię w 1625 roku i przez którą ucierpiały także południowe Niderlandy.

W grudniu 1630 roku artysta w wieku 53 lat zawarł drugie małżeństwo, poślubiając szesnastoletnią Elenę Fourment, najmłodszą córkę bogatego handlarza gobelinami Daniela Fourmeita.

„Bachus” to prawdziwy cud malarstwa. Rubens namalował go prawdopodobnie dla siebie, a nie na zamówienie, i bardzo go cenił: obraz ten pozostał w pracowni artysty aż do jego śmierci. A potem nie został sprzedany, lecz przekazany jego siostrzeńcowi Filipowi Rubensowi, który sprzedał go księciu Richelieu dopiero w 1676 roku.

Przez ostatnie kilka lat Rubens żył dość odosobniony, spędzając większość roku w posiadłości Steen, którą kupił w 1635 roku, z prawdziwym średniowiecznym zamkiem, w malowniczej okolicy położonej pomiędzy Malines a Antwerpią. Tam malował swoje ostatnie pejzaże, obserwując życie okolicznych wsi, chłopskie święta i uroczystości. Jednak ostatnie lata twórczości artysty poważnie przyćmiła okrutna choroba, której ataki stawały się coraz silniejsze i częstsze i od 1638 roku uniemożliwiały mu dłuższą pracę. A jednak zwykła aktywność nie opuściła Rubensa aż do ostatniego dnia jego życia. Nadal nadzorował swoich asystentów, opiekował się uczniami, a gdy nie mógł już utrzymać pióra w rękach, dyktował listy.

Rubens zmarł na niewydolność serca. Według Joachima von Sandrarta artysta „został pochowany w sposób jak najbardziej uroczysty. Przed trumnę na czarnej aksamitnej poduszce niesiono złotą koronę, a ciało w wielkim żalu miłośnicy sztuki towarzyszyli do miejsca wiecznego spoczynku.”

Faktura płótna, wysokiej jakości farby i wielkoformatowy druk sprawiają, że nasze reprodukcje Petera Paula Rubensa dorównują oryginałowi. Płótno zostanie naciągnięte na specjalnym krośnie, po czym obraz będzie można oprawić w wybraną przez Państwa bagietkę.

Adriaen van Ostade (1610 - 1685). Seria pięciu wnętrz chłopskich przedstawiających pięć zmysłów.

1.

Adriaena van Ostade’a(Haarlem, 1610-1685, ibid.) Jeszcze w warsztacie swojego nauczyciela Fransa Halsa poznał utalentowanego flamandzkiego malarza gatunkowego Adriana Brouwera. Oczywiście ta znajomość ostatecznie potwierdziła zamiar młodego holenderskiego artysty, aby zostać pisarzem życia codziennego zwykłych ludzi. Jego prace przedstawiające sceny z życia chłopskiego (bójki, karczmy, gra w karty i inne) odzwierciedlają obiektywne fakty: upadek gospodarki chłopskiej i zgorszenie moralności to konsekwencja wieloletnich wojen, rabunków i przemocy popełnianej przez Hiszpanów, a czasem przez ich własne wojska. Jednak wyeksponowana karykatura typów i uwypuklenie cech zwierzęcych w zachowaniu i wyglądzie chłopa pokazuje, że artysta podchodzi do oceny tego, co przedstawia z pozycji klasy panującej, dla której ci „ludzie” są istotami podrzędnymi. Zatem zarówno w wyborze tematu, jak i jego interpretacji Ostade jawi się jako ideolog nowego właściciela kraju – burżua, który bardzo wyraźnie zadeklarował swój gust. Nawet gdy artysta tworzy później dzieła przepełnione współczuciem dla swoich bohaterów, codzienna, ciężka walka chłopa o byt nie znajduje w jego twórczości odzwierciedlenia; jest ona w całości poświęcona wesołej stronie życia, chwilom relaksu. Następny... ">

Seria Pięciu Zmysłów - Plotka (opcja)

Jednak największą zasługą artysty było samo to, że ustanowił w swoim malarstwie nowego bohatera – chłopa holenderskiego. Dlatego A. Ostade słusznie uważany jest za twórcę gatunku chłopskiego. To w dużej mierze dzięki jego wysiłkom gatunek ten zajął mocne miejsce wśród innych rodzajów malarstwa i stał się popularny.

Chłopi są także przedstawiani w alegorycznym cyklu „Pięć zmysłów” („Wizja”, „Słuch”, „Węch” i „Smak”; obraz „Dotyk” przedstawiający piąty zmysł nie zachował się; przedstawiana jest kopia) .

2. (Zapach)

Seria Pięciu Zmysłów - Zapach(Zapach)(opcja)

„Pięć zmysłów” to motyw bardzo powszechny w sztuce XVI i XVII wieku. Zgodnie z ówczesnymi koncepcjami alegoryczne przedstawienie uczuć było przedmiotem „wysokiego gatunku” - historycznego, wychwalającego bogów i bohaterów. W związku z tym uczucia zostały przedstawione w idealnych obrazach o wyjątkowych cechach. Ostade inscenizuje je w swoich małych obrazach z pomocą tych samych chłopów. Taka interpretacja pięciu zmysłów nie tylko demokratyzuje „wysoki gatunek” alegorii, ale niesie ze sobą konotację plebejskiego wyzwania rzuconego pojęciom i gustom szanowanych mieszczan.

3. Seria pięciu zmysłów -Smak

Seria pięciu zmysłów -Smak (opcjonalnie) Państwowe Muzeum Ermitażu w St. Petersburgu

Malarstwo realistyczne w Holandii nie mogłoby się ugruntować bez zerwania z konwencjami sztuki feudalno-arystokratycznej i estetyki idealistycznej. Symbolika i alegoria – będące podstawą sztuki poprzedniego okresu – zanim ostatecznie znikną z malarstwa holenderskiego, przechodzą transformację sprowadzającą je do poziomu zwykłych zjawisk gatunku codziennego. Ostrość przedstawienia tego cyklu wciąż graniczy z groteską, jednak dotychczasowa karykatura ustąpiła miejsca dobrodusznemu humorowi.

4.

Seria pięciu zmysłów - wizja (opcjonalnie) Państwowe Muzeum Ermitażu w St. Petersburgu

Seria ta, której miejsce pobytu jest obecnie nieznane, był wielokrotnie powtarzany i kopiowany, co wskazywało na oczywistą popularność motywu i kompozycji.Choć do dziś zachowało się wiele pojedynczych obrazów z tej serii, niezwykle rzadko zdarza się spotkać całą serię pięciu obrazów na raz.Jedna wersja całej serii, która od dawna była w posiadaniu Nowojorskiego Towarzystwa Historycznego, została sprzedana w Sotheby's w Nowym Jorku w 1995 roku. Obecnie całą serię można datować na około połowę XVII wieku.

5. Seria Pięciu Zmysłów - Dotyk(Ból)

Chirurg pracuje nad nogą mężczyzny. Obraz olejny nawiązuje do Cornelisa Macha.

Może Cornelis Mahu skopiował Ostade? Byli jak artyści, rówieśnicy, a Cornelis uwielbiał robić kopie.

https://www.lempertz.com/en/catalogues/lot/1057-1/...aen-van-ostade-copy-after.html

http://vsdn.ru/museum/catalogue/exhibit12095.htm

http://vsdn.ru/museum/catalogue/category70858.htm

Pobierać.

Możesz przesłać dowolne zdjęcie ze swojego urządzenia do dalszej obróbki w studiu online.

Im wyższa rozdzielczość (jakość i rozmiar) plików graficznych, tym wyższa jakość wydruku podczas projektowania obrazu.

Zalecana rozdzielczość plików: najlepiej co najmniej 100 punktów na cal (dpi) przy naturalnym rozmiarze wydruku.

Na przykład, aby uzyskać optymalną jakość podczas drukowania obrazu o wymiarach 40x60 cm, zalecany rozmiar obrazu w pikselach wynosi co najmniej 1575x2362 px.

Pod tym przyciskiem pojawi się ostrzeżenie o jakości przesłanego obrazu dla wybranego rozmiaru wydruku (niski, średni lub wysoki).

Do pobrania dostępne są następujące typy plików graficznych: jpg, png, bmp, gif.

Maksymalny rozmiar pliku to 30 MB.

Możesz dodać dowolne zdjęcie z Internetu podając jego adres.

Pamiętaj, że im wyższa rozdzielczość (jakość i rozmiar) plików graficznych, tym wyższa jakość wydruku.

Z galerii.

Ponad 30 tysięcy wysokiej jakości obrazów z galerii, czy to plakat tematyczny, arcydzieło malarstwa światowego, czy portret do kolażu (wstawienie twarzy w obraz).

Aby wybrać żądane zdjęcie, skorzystaj z menu po lewej stronie, poruszając się po pozycjach tematycznych (Style artystyczne, Tematy, wybór według nazwiska artysty lub według klasyfikacji portretów do kolaży dla mężczyzn, kobiet lub portretów grupowych).

Na rolce.

Zamów wydruk bez podkładu na różnych rodzajach papieru lub płótna.

Na sztywnych podstawach.

Nawijanie papieru lub płótna na płytę piankową to jeden z końcowych etapów projektowania obrazu.

Główną zaletą zwijania na płytę piankową jest to, że gotowa praca zyska sztywną podstawę, a jednocześnie pozostanie lekka.

Nawinięcie na płytę piankową zabezpieczy obraz przed wypaczeniem lub zwijaniem się.

Po nawinięciu na płytę piankową płótno jest gotowe do ekspozycji w każdym pomieszczeniu.

Produkcja ramki do bagietek, zarówno z nadrukiem obrazu na płótnie lub papierze, jak i bez, dla Twojej gotowej pracy.

Do projektu można dodać aż 3 maty o różnych odcieniach i szerokościach, szkło zwykłe lub muzealne, co eliminuje odblaski i chroni dzieło przed promieniami ultrafioletowymi.

W asortymencie znajduje się ponad tysiąc próbek bagietek plastikowych, drewnianych i aluminiowych.

Produkcja obrazów z kilku części, zarówno na papierze z moletowaniem na płycie piankowej (opcja ekonomiczna), jak i na płótnie naciągniętym na krosno. Ponad 100 opcji kompozycji lokalizacji i rozmiarów modułów.

Projekt luster w ramie bagietkowej. Ponad tysiąc opcji kadrowania.

Plakat na papierze

Druk odbywa się na profesjonalnym sprzęcie przy użyciu atramentów pigmentowych, co z kolei chroni kolory przed blaknięciem i pozwala zachować bogate i dokładne odwzorowanie kolorów obrazów.

Do druku używany jest wysokiej jakości papier kredowy o rozdzielczości druku 4800dpi.

Papier matowy 170g/m2

• Ma większą gęstość.
• Wysoka rozdzielczość (1440 dpi) i kontrast.

Papier satynowy 270g/m2

• Najwyższa rozdzielczość to 5760 dpi.
• Bogate i jasne kolory.

Tkanina lustrzana

Srebrna tkanina lustrzana o grubości 4mm, z zabezpieczeniem odwrotnej strony, dokładnie odbija przedmioty i jest używana do produkcji większości luster.

Druk na płótnie

Druk na płótnie naturalnym, artystycznym, lnianym zapobiega jego zapadaniu się przez cały okres urządzania wnętrza.

W odróżnieniu od bawełny płótno lniane nie gromadzi wilgoci i nie ulega gniciu. Druk odbywa się przy użyciu atramentów pigmentowych, które w przeciwieństwie do rozpuszczalnych w wodzie nie blakną pod wpływem światła dziennego.

Kolory pozostają bogate i jasne nawet po długim czasie.

Płótno naciągane jest na krosno artystyczne aż do uzyskania maksymalnej elastyczności, odsłaniając w ten sposób całą fakturę artystycznego płótna, na którym namalowano wszystkie poważne i znaczące dzieła sztuki.

• Płótno bawełniane, matowe
• Wydrukowany obraz ma dobrą odporność na wilgoć

Powłoka lakiernicza znacząco zwiększa jasność, nasycenie i stabilność barw obrazu.

• Płótno lniane, błyszczące
• Odporny na wpływy środowiska.

Idealny materiał do wszelkich kreacji artystycznych.

Jeśli posiadasz już pracę (gobelin, haft, płótno, rysunek itp.), możesz wybrać i zamówić do niej oprawę, matę itp. W tym celu wybierz opcję „Projektowanie ramy bez pracy”. W sekcji „Rozmiar obrazu” wybierz „Rozmiar niestandardowy” i podaj rozmiar swojej pracy w mm. Aby uzyskać bardziej wizualny i wygodny projekt w bagietce, możesz wgrać zdjęcie swojej pracy do modułu projektowania zdjęć, w tym celu kliknij przycisk „Prześlij zdjęcie swojej pracy” i wybierz plik ze zdjęciem swojej pracy pracować na swoim urządzeniu. Obraz jest ładowany do modułu projektowania obrazu w bagietkę. W takim przypadku opcje rozmiaru zostaną obliczone automatycznie, zgodnie z proporcjami obrazu Twojej pracy. Wybierz jeden z sugerowanych rozmiarów lub wpisz swój rozmiar w milimetrach. Następnie wybierz ramkę do bagietki, opcjonalną matę, materiał do druku lub artystyczny obraz olejny i inne opcje. Po zakończeniu rejestracji w bagietce dodaj oprawione zdjęcie do koszyka klikając na odpowiedni przycisk.

Płótno bawełniane, matowe 300 mikronów

Faktura płótna nadaje wydrukowanemu obrazowi wygląd prawdziwego obrazu.

• Wydrukowany obraz ma dobrą odporność na wilgoć.
• Powłoka lakiernicza znacząco zwiększa jasność, nasycenie i stabilność barw obrazu.

Płótno lniane z połyskiem 400 mikronów

Grube, naturalne płótno lniane o błyszczącym wykończeniu.

Na wystawach pokazywane były kopie obrazów wykonane techniką olejną wydrukowane na tym płótnie.

Nawet eksperci nie byli w stanie od razu odróżnić tych kopii od oryginałów wystawionych w pobliżu.

• Odporny na wpływy środowiska.
• Idealny materiał do wszelkich kreacji artystycznych.

Papier matowy 170g/m2 (ekonomiczny)

Przeznaczone do szerokiego zakresu zastosowań: od druku dokumentacji technicznej (rysunki, schematy, mapy) po wykonanie plakatów, plakatów, billboardów i znaków.

• Ma dużą gęstość.
• Wysoka rozdzielczość (1440 dpi) i kontrast.

Papier błyszczący o gramaturze 220g/m2

Podczas drukowania wytwarza jasne, bogate odcienie.

Dzięki poliestrowej powłoce podłoża papierowego, papier w ogóle nie ulega wypaczeniu.

Papier charakteryzuje się dużą gęstością (220 g/m2), dzięki czemu idealnie nadaje się do drukowania zdjęć wielkoformatowych: fotoportretów, fotografii krajobrazów oraz wszelkich fotorealistycznych reklam.

Zapewnia rozdzielczość do 4320 dpi.

Papier satynowy 270g/m2 (premium)

Papier satynowo-satynowy to materiał premium.

Nie powoduje ostrego odblasku. Dzięki temu nawet najdrobniejsze szczegóły są doskonale widoczne na nadrukach.

Ma dużą gęstość i służy do drukowania wysokiej jakości fotografii, plakatów i banerów.

• Najwyższa rozdzielczość to 5760 dpi.
• Bogate i bogate kolory.

Rozmiar obrazu

Wybierz jedną z dostępnych opcji rozmiaru. Sugerowane rozmiary podawane są w centymetrach; jeśli chcesz podać swój rozmiar, wybierz „Rozmiar niestandardowy” i podaj go w milimetrach.

Blok ten wskazuje wielkość obrazu lub gotowej pracy bez uwzględnienia ramy i maty. Pełny wymiar obrazu to suma wymiarów obrazu, maty (jeśli została dodana) oraz szerokości bagietki.
Na przykład, jeśli wybrałeś rozmiar obrazu 30x40cm, 2 maty po 3cm każda. i bagietka o szerokości profilu 4 cm, wtedy pełny rozmiar obrazu będzie równy:
Strona A= 30cm. + 12cm. (marginesy dwóch paszportów z każdej strony wynoszą 3 cm.) + 8 cm. (szerokość profilu bagietki 4 cm z każdej strony) = 50cm.
Strona B= 40cm. + 12cm. (marginesy dwóch paszportów z każdej strony wynoszą 3 cm.) + 8 cm. (szerokość profilu bagietki 4 cm z każdej strony) = 60cm.

Jeśli projektujesz obraz z galerii, przesłany obraz lub gotową pracę, po uprzednim przesłaniu jego zdjęcia, wówczas wymiary są obliczane automatycznie zgodnie z proporcjami obrazu.
Jeśli dekorujesz lustro lub swoją pracę bez przesyłania jej zdjęcia, określ dowolną niezależną szerokość i wysokość, wybierając opcję „Rozmiar niestandardowy”.

Projektując lustro, wielkość obrazu odnosi się do powierzchni lustra. Rozmiar lustra podajesz bez uwzględnienia ramy. W ten sposób zostanie obliczony całkowity rozmiar lustra: rozmiar lustra + szerokość profilu ramy.

Wybierz jedną z proponowanych opcji rozmiaru w centymetrach lub wskaż swój rozmiar w milimetrach wybierając odpowiednią pozycję.

Wybór ramy kadrowej

Aby dodać ramkę do zdjęcia, kliknij przycisk „Wybierz ramkę” i w oknie, które się otworzy, wybierz kategorię bagietki. W wybranej kategorii wybierz odpowiednią ramkę do zdjęć według ceny, koloru, materiału (drewno, tworzywo sztuczne, aluminium) i szerokości profilu, klikając przycisk „Wybierz”.

Do projektu zostanie dodana ramka na zdjęcie, po czym dostępne staną się inne bloki, takie jak „Szkło” (jeśli rodzaj materiału to „druk na plakacie”), mata itp.

Ramkę obrazu można zmienić na poprzednio oglądaną. W tym celu po prawej stronie bloku w sekcji „Przeglądane” prowadzona jest lista, w której dodawane są ramki do ozdabiania obrazów w bagietce, które oglądałeś podczas ozdabiania obrazów w bagietce w ilości ostatnie 6.

Wybór bagietki

Rola ramki do bagietek jest trudna do przecenienia. To drugi po samym obrazie najważniejszy szczegół w projekcie obrazu. Prawidłowo dobrana rama może znacznie zwiększyć postrzeganie obrazu jako całości, tak samo jak źle dobrana rama może całkowicie zrujnować cały wygląd dzieła i zabić cały zamysł artystyczny. Rama musi współgrać nie tylko z obrazem, ale także z matą i wnętrzem, w którym obraz ma w przyszłości stanąć. Harmonię tę osiąga się nie tylko poprzez dobór zestawień kolorystycznych, ale także poprzez szerokość profilu, fakturę wzoru i kształt. Idealnie nadaje się, gdy faktura ramki nawiązuje do głównych linii obrazu. Na przykład projekt wykonany cienkimi i jednokierunkowymi pociągnięciami idealnie łączy się z ramą, na której tekstura jest wykonana w tym samym stylu. Korzystnie wygląda również rama, której kolory powtarzają kolor drugorzędny lub trzeciorzędny zastosowany w samym projekcie. Duży obraz oprawiony w wąską ramę wygląda nieporadnie.

Drewniana bagietka

Drewno jest tradycyjnym, powszechnie akceptowanym materiałem, najczęściej stosowanym do produkcji listew i ościeżnic. Ceniony jest za to, że jest ciepły i naturalny. Wszystkie znaczące dzieła sztuki oprawione są w naturalną drewnianą bagietkę. Głównymi gatunkami drewna do produkcji bagietek są ajos, ramin i sosna europejska.

Plastikowa bagietka

Materiałem na plastikową bagietkę jest styropian (styropian). Jednocześnie wytrzymałość styropianu pozwala na zastosowanie go jako elementu konstrukcyjnego zdolnego do przenoszenia znacznych obciążeń przez długi czas. Istotną zaletą tworzywa sztucznego jest to, że nie zmienia swoich właściwości i wymiarów ani przy długotrwałym kontakcie z wodą, ani przy wielokrotnym narażeniu na zmienne temperatury. Nowoczesne technologie umożliwiają produkcję bardzo podobnych kopii wielu modeli drewnianych bagietek. Wystrój bagietki i powłoka naśladują analogi wykonane z drewna, ale powłoka nigdy nie odda całej różnorodności i indywidualności ręcznej obróbki drewnianej bagietki, jej ciepła.

Bagietka aluminiowa

Dzięki czystości, prostocie i elegancji linii, różnorodności kształtów i powłok, aluminiowa bagietka nadaje się do obrazów w różnych stylach. Chromowane wykończenia i profile wielkoformatowe mogą stanowić oprawę dla reprodukcji antycznych, natomiast profile malowane pasują do większości współczesnych dzieł. Nowoczesny materiał, który ma wiele zalet

• Estetyczna bagietka aluminiowa pasuje zarówno do większości nowoczesnych obrazów, jak i klasycznych obrazów.
• Bogata paleta kolorystyczna Paleta kolorystyczna profili aluminiowych jest bardzo różnorodna. Farby wypalane są w piecu i nie ulegają starzeniu. W każdej chwili możesz znaleźć podobny kolor.
• Niezawodność Aluminium nie ulega zniszczeniu wraz z upływem czasu. Nawet wysoka wilgotność go nie niszczy.

Zakres zastosowania

Podstawowym zadaniem umieszczenia szkła w obrazie jest ochrona obrazu przed działaniem czynników zewnętrznych (kurz, wilgoć itp.). Oprócz tych zadań szkło antyrefleksyjne chroni obrazy i materiały projektowe przed działaniem promieni ultrafioletowych i blaknięciem.

Obecność szkła jest konieczna przy tworzeniu obrazów na papierze. Szkło chroni również hafty, gobeliny, pościel, węgiel drzewny, akwarele itp.

W przypadku druku na papierze i posiadania ramki do oprawienia wymagane jest szkło.

Zwykłe szkło

Zwykłe szkło artystyczne do obrazów ma grubość 2 mm. Zastosowanie cienkiego szkła wynika z najmniejszego zniekształcenia i załamania światła, co pozwala na dokładne wizualne postrzeganie zawartości obrazu. Ponadto dwumilimetrowe szkło charakteryzuje się stosunkowo niską wagą, co jest bardzo istotne, szczególnie przy projektowaniu dzieł wielkoformatowych.

Szkło antyrefleksyjne

Szkło chroni i chroni pracę przed szkodliwym wpływem środowiska. Jednak pomimo wszystkich swoich zalet zwykłe szkło ma jedną istotną wadę: wytwarza silne odblaski. A przede wszystkim widz widzi w szkle własne odbicie, a nie sam obraz.

Rozwiązaniem tego problemu jest szkło antyrefleksyjne, które chroni obrazy bez ich zniekształcania.

Główną różnicą pomiędzy szkłem Anti-Glare jest jego niewidoczna powłoka antyrefleksyjna, dzięki której nie oślepia. Odbicie światła jest ograniczone do minimum, zachowując siłę i bogactwo zakresu kolorów obrazu.

Efekt szkła antyrefleksyjnego jest szczególnie zauważalny w projektach z ciemnymi obrazami i materiałami.

Kluczowe funkcje:

• Ochrona UV – 65%
• odbicie światła mniejsze niż 1%
• przepuszczalność światła - 98,5%
• grubość szkła 2 mm

Dzięki bogatej palecie barw i odcieni matowanie jest narzędziem umożliwiającym osiągnięcie równowagi kolorystycznej pomiędzy obrazem, ramą kadru a ścianą, na której znajduje się obraz. Passepartout pomaga nadać obrazowi „powietrze”, którego potrzebuje i pozwala rozwiązać problemy dekoracyjne w projektowaniu artystycznym. Obecność passe-partout rozwiązuje także problemy praktyczne, takie jak bezpieczeństwo, archiwalność i estetyka.

Funkcje passe-partout:

• Passepartout chroni grafikę, tworzy szczelinę powietrzną pomiędzy dziełem a szkłem i nie pozwala na dociskanie obrazu do szyby, zapobiegając deformacji papieru i utracie kolorów obrazu. Jest to szczególnie ważne w przypadku wrażliwych powierzchni.
• Passe-partout nadaje obrazowi „klimatu”, ułatwia odbiór dzieła, pomaga w skupieniu uwagi widza na obrazie.
• Cięcie passe-partout, wykonane pod kątem 45 stopni, przyciąga wzrok do obrazu, tworząc wokół niego linię, a samo passe-partout nadaje dziełu wykończony, estetyczny wygląd.
• Kolor maty może zmienić postrzeganie obrazu jako całości, zwrócić uwagę na konkretny obszar obrazu lub wyizolować dzieło tak, aby nic nie zakłócało pierwotnego zamysłu artysty.
• Za pomocą maty możesz dodać wizualną objętość do obrazu, obraz będzie postrzegany wyraźniej i realistycznie, krawędzie pracy zostaną rozszerzone, pojawi się objętość i głębia.
• Passepartout tworzy neutralną strefę optyczną pomiędzy dziełem a ramą. Posiadając bogatą paletę odcieni, mata służy jako narzędzie do osiągnięcia równowagi kolorystycznej pomiędzy obrazem, ramą i wnętrzem, w którym znajduje się obraz, pomaga umiejscowić zdobiony obraz we wnętrzu, harmonijnie łącząc go z otoczeniem bliższe dane.
• Sama mata może być dziełem sztuki. Różnorodność odcieni, faktur i kombinacji stwarza ogromne możliwości wyrazistej dekoracji obrazu. Prawidłowo i harmonijnie dobrana mata staje się integralną częścią gotowego dzieła artystycznego.

Dodanie passe-partout

Po dodaniu ramki na bagietkę pojawi się blok projektu passe-partout. Domyślnie wybrana zostanie jedna, losowa mata. Aby zrezygnować z dodawania passe-partout należy kliknąć na „0” obok nagłówka bloku „Ilość passe-partout:”. Aby dodać passe-partout naprzeciwko tego nagłówka, wybierz żądaną ilość. Poniżej pojawi się lista passe-partout zależna od wybranej ilości. Elementy tej listy zawierają:

• numer seryjny passe-partout (od 1 do 3)
• kolor passe-partout
• jego numer artykułu
• rozwijana lista wyboru szerokości pola passe-partout w centymetrach (od 1 do 10)
• strzałka wskazująca położenie maty w układzie

Poniżej blok z próbkami paspatou. Wybrany jest ten, którego próbka wygląda z rzędu ogólnego.

• Wybierz linię z passe-partout, klikając na nią
• W bloku z próbkami wybierz odpowiedni
• Wybierz szerokość, zmieniając ją na liście rozwijanej Szerokość w cm.

W przypadku zaznaczenia więcej niż jednej maty należy przejść do kolejnego rzędu klikając na nią. i wykonaj te same kroki. Oceń wynik projektu w układzie obrazu.

Eksperymentuj z matą, aż uzyskasz ogólną harmonię pomiędzy matą a obrazem i ramą w układzie obrazu.

Klikając w napis „Szczegóły Passepartout”, wyświetli się szczegółowe zestawienie z opisem wybranych przez Ciebie mat.

Dodając matę do swojej pracy, szkło jest koniecznością!

Wybór poziomu stylizacji

Stylizacja jako obraz nie zastąpi w pełni procesu malowania przez artystę, ale znacząco przybliży efekt percepcyjny do dzieła namalowanego olejem. Korzystając ze specjalnego sprzętu i oprogramowania, nasi projektanci stworzą efekt pociągnięć pędzla i „powietrzności” farb olejnych.
Jeśli planujesz zamówić obraz do druku na płótnie, to szczególnie dobrze efekt stylizacji można uzyskać zlecając obróbkę płótna werniksem i Art Gelem, co daje dodatkowe efekty artystycznych pociągnięć pędzla.
Koszt tej usługi jest zależny od poziomu stylizacji.
Poziom 1 oznacza tworzenie efektu artystycznych pociągnięć pędzla obiektów na pierwszym planie, bez szczegółowego rysowania małych obiektów i tła.
II poziom stylizacji obejmuje rysowanie dużych i średnich szczegółów obrazu.
Trzeci poziom stylizacji malowanie obejmuje obróbkę wszystkich obiektów obrazu. Poziom zależy również od zawartości obrazu. Na przykład, jeśli obraz zawiera wiele małych obiektów (krajobraz), wówczas minimalny poziom stylizacji będzie drugi.
Usługa ta jest szczególnie istotna w przypadku zamówienia kolaży fotograficznych (wstawiania twarzy) do portretów, których oryginały zostały namalowane farbą olejną.

Wykonywanie fazy na lustrze

Faza to szlifowana, wypolerowana i fazowana listwa krawędziowa na obwodzie, tworząca pewien kąt z powierzchnią lustra.

Wykonując lustro ze skosem, pod pewnym kątem usuwa się krawędź płótna o długości od 1 do 4 cm. Faza nadaje lustrze efekt objętości i wizualną kompletność. Lustro fazowane wygląda szlachetniej i bardziej efektownie.

Koszt wykonania fazy na lustrze zależy od szerokości fazy i wielkości tafli lustra.

Oferujemy 4 opcje produkcyjne:

• szerokość skosu 10 mm.
• szerokość skosu 20mm.
• szerokość skosu 30mm.
• szerokość skosu 40mm.

Jeśli potrzebujesz wykonać fazę pośrednią, daj nam znać w komentarzach przy składaniu zamówienia lub naszemu menadżerowi, który skontaktuje się z Tobą po złożeniu zamówienia.

Powłoka lakiernicza

Pokrycie powierzchni płótna lakierem jest środkiem ochronnym. Po tej obróbce płótno nie jest narażone na działanie środowiska zewnętrznego. Można go przetrzeć szmatką lub wyczyścić odkurzaczem bez obawy o bezpieczeństwo obrazu. Werniks chroni także płótno przed wilgocią, która z czasem może się gromadzić i negatywnie wpływać na wygląd pracy.

Oprócz właściwości ochronnych pokrycie lakierem nada płótnu „błyszczący” wygląd, a kolory dodadzą bogactwa i przejrzystości obrazu.