Całe życie Ostrowskiego to twórcze poszukiwania, które doprowadziły go do stworzenia wyjątkowego, nowego teatru. To teatr, w którym nie ma tradycyjnego podziału na sztukę dla zwykłych ludzi i klasy wykształconej, a bohaterowie – kupcy, urzędnicy, swaci – przenieśli się na scenę bezpośrednio z rzeczywistości. Teatr Ostrowskiego stał się ucieleśnieniem modelu pokoju narodowego.
Jego dramaturgia realistyczna stanowiła – i nadal stanowi – podstawę repertuaru teatru narodowego. Dla epoki, w której toczyła się działalność literacka i teatralna Ostrowskiego, zadanie to postawiło samo życie. Na scenach teatralnych w dalszym ciągu prezentowano głównie sztuki zagraniczne – tłumaczone, a repertuar spektakli krajowych był nie tylko skromny i składał się głównie z melodramatów i wodewilów, ale także w dużej mierze zapożyczał formy i bohaterów dramatu zagranicznego. Należało całkowicie zmienić życie teatralne, „wizerunek teatru” jako takiego; musiał on stać się miejscem, w którym ludzie za pomocą prostego i przystępnego języka artystycznego będą mogli zapoznać się z najważniejszymi problemami życia.
Wielki dramaturg narodowy podjął się tego zadania. Jego rozwiązanie wiązało się nie tylko z tworzeniem spektakli repertuarowych, ale także z reformą samego teatru. " Dom Ostrowskich„Zwyczajowo nazywa się Teatr Mały w Moskwie. Teatr ten powstał na długo przed przybyciem młodego dramaturga, na jego scenie wystawiano już sztuki twórcy rosyjskiego dramatu realistycznego Gogola, ale stał się Teatrem Małym, który przeszedł do historii i istnieje do dziś dzięki Ostrowskiemu. Jak przebiegał ten rozwój teatru? Jak doszło do tego, że nasz wielki dramaturg go stworzył?
Miłość Ostrowskiego do teatru rozpoczęła się w młodości. Był nie tylko stałym bywalcem Teatru Małego, w którym wówczas błyszczeli Mochałow i Szczepkin, ale także z entuzjazmem obserwował występy teatru ludowego z Pietruszką, które odbywały się na festiwalach folklorystycznych w klasztorach Dziewic i Nowinskich. Dlatego też, zaczynając tworzyć swoje sztuki, Ostrovsky dobrze zapoznał się z różnymi formami teatru i potrafił z każdej wyciągnąć to, co najlepsze.
W Moskwie rozpoczęła się era nowego teatru realistycznego, na którego czele stał Ostrowski. 14 stycznia 1853 w Teatrze Małym w benefisie L.P. Kositskaya, zwana Mochałowem w spódnicy, miała premierę komedii Ostrowskiego „ Nie wsiadaj na własne sanie».
Bohaterowie – „prawdziwi ludzie” – domagali się zagrania ich w zupełnie nowy sposób. Ostrovsky zwrócił na to szczególną uwagę, pracując bezpośrednio z aktorami. Wiadomo, że dramatopisarz był znakomitym czytelnikiem swoich sztuk, i robił to nie tylko jako aktor, ale jako reżyser, który starał się podkreślić istotę postaci, manierę bohaterów i oryginalność ich mowy.
Dzięki staraniom Ostrowskiego trupa Teatru Małego wyraźnie się poprawiła, ale dramaturg nadal nie był usatysfakcjonowany. „Chcemy pisać dla całego narodu” – oznajmił Ostrowski. „Mury Teatru Małego są wąskie dla sztuki narodowej.” Od 1869 roku Ostrowski wysyła notatki do dyrekcji teatrów cesarskich w Petersburgu o konieczności radykalnych reform teatralnych, ale pozostają one bez odpowiedzi. Następnie podjął decyzję o utworzeniu prywatnego teatru ludowego i w lutym 1882 roku otrzymał na to pozwolenie. Wydawało się, że dramaturg był już bliski realizacji swojego ukochanego marzenia. Zaczął przygotowywać listę przyszłych akcjonariuszy teatru rosyjskiego, opracował repertuar i nakreślił skład trupy. Jednak nieoczekiwane zniesienie rządowego monopolu teatralnego na teatry i boom komercyjny, który rozpoczął się później w związku z otwarciem nowych teatrów, uniemożliwiły Ostrowskiemu dokończenie tego zadania. Po otrzymaniu w 1884 r. emerytury państwowej stwierdził, że praca w teatrze prywatnym jest dla niego niewygodna i ponownie zwrócił się ze swoimi propozycjami do dyrekcji teatrów cesarskich. Cała ta przedłużająca się historia wywarła bolesny wpływ na Ostrowskiego. Taki był gorzki paradoks życia: geniusz rosyjskiego dramatu, jego twórca, nie miał teatru dla poważnej, wykwalifikowanej inscenizacji swoich sztuk.
Ale dzięki staraniom brata Michaiła Nikołajewicza, który piastował wysokie stanowisko ministra własności państwowej, sprawa mogła ruszyć z miejsca. W październiku 1884 udał się do Petersburga, gdzie zaproponowano mu objęcie stanowiska dyrektora artystycznego moskiewskich teatrów cesarskich. Wreszcie marzenie autora” Burze" zaczęło się spełniać. Słynny dramaturg, który miał już ponad 60 lat, podjął się trudnego, ale jakże potrzebnego każdemu zadania.
14 grudnia 1885 powrócił do Moskwy. Powitała go cała trupa Teatru Małego. Rozpoczęła się intensywna działalność teatralna Ostrowskiego. Tworzy się rada repertuarowa, zaprasza się nowych aktorów, opracowuje się program szkoły teatralnej, Ostrovsky chce ustanowić nagrody państwowe dla najlepszych sztuk. Ale jego siła słabnie. Jego dni były już policzone: 2 czerwca 1886 roku zmarł wielki dramaturg narodowy, zapalony działacz teatralny i twórca teatru narodowego. Nie udało mu się do końca przeprowadzić wszystkich zaplanowanych reform teatru rosyjskiego. Ale jego fundamenty były mocno położone. Zasługi dramatopisarza zostały wysoko ocenione przez współczesnych.
A teraz wydaje się, że sam Ostrovsky, którego pomnik wzniesiono przy wejściu do jego rodzinnego Teatru Małego, wydaje się uważnie przyglądać swojemu głównemu dziełu i swoją żywą obecnością pomaga tym, którzy teraz grają na słynnej scenie lub przychodzą - po prostu jak 150 lat temu - do spektakli, w których wciąż na nowo rozbrzmiewa jasne, żywe słowo dramatopisarza.
Aleksander Nikołajewicz Ostrowski to znany rosyjski pisarz i dramaturg, który wywarł znaczący wpływ na rozwój teatru narodowego. Założył nową szkołę aktorstwa realistycznego i napisał wiele wspaniałych dzieł. W tym artykule przedstawiono główne etapy twórczości Ostrowskiego. A także najważniejsze momenty jego biografii.
Dzieciństwo
Aleksander Nikołajewicz Ostrowski, którego zdjęcie przedstawiono w tym artykule, urodził się w 1823 r., 31 marca w Moskwie, w regionie. Jego ojciec, Mikołaj Fiodorowicz, wychował się w rodzinie księdza, sam ukończył Moskiewską Akademię Teologiczną , ale nie służył w kościele. Został prawnikiem i zajmował się sprawami handlowymi i sądowymi. Nikołaj Fiodorowicz zdołał awansować do rangi radcy tytularnego, a później (w 1839 r.) otrzymał szlachtę. Matka przyszłej dramatopisarki Savviny Lyubov Ivanovna była córką kościelnego. Zmarła, gdy Aleksander miał zaledwie siedem lat. W rodzinie Ostrowskich dorastało sześcioro dzieci. Nikołaj Fiodorowicz zrobił wszystko, aby dzieci dorastały w dobrobycie i otrzymały przyzwoite wykształcenie. Kilka lat po śmierci Ljubowa Iwanowna ożenił się ponownie. Jego żoną była Emilia Andreevna von Tessin, baronowa, córka szwedzkiego szlachcica. Dzieci miały dużo szczęścia, że miały macochę: udało jej się znaleźć do nich podejście i kontynuowała ich edukację.
Młodzież
Aleksander Nikołajewicz Ostrowski spędził dzieciństwo w samym centrum Zamoskvorechye. Ojciec miał bardzo dobrą bibliotekę, dzięki czemu chłopiec wcześnie zapoznał się z literaturą pisarzy rosyjskich i poczuł skłonność do pisania. Jednak ojciec widział w chłopcu jedynie prawnika. Dlatego w 1835 r. Aleksander został wysłany do Pierwszego Gimnazjum Moskiewskiego, po ukończeniu tam studiów został studentem Uniwersytetu Moskiewskiego. Jednak Ostrowskiemu nie udało się uzyskać dyplomu prawnika. Pokłócił się z nauczycielem i opuścił uczelnię. Za radą ojca Aleksander Nikołajewicz poszedł do sądu jako pisarz i pracował na tym stanowisku przez kilka lat.
Próbka pióra
Jednak Aleksander Nikołajewicz nie poddał się i próbował sprawdzić się na polu literackim. W swoich pierwszych sztukach kierował się oskarżycielskim, „moralno-społecznym” kierunkiem. Pierwsze ukazały się w nowym wydaniu, Moskwa City Listk, w roku 1847. Były to szkice do komedii „Nieudany dłużnik” i eseju „Notatki mieszkańca Zamoskworeckiego”. Pod publikacją widniały litery „A. O." i „D. G." Faktem jest, że niejaki Dmitrij Gorev zaproponował współpracę młodemu dramaturgowi. Nie wyszło to poza napisanie jednej ze scen, ale później stało się źródłem wielkich kłopotów dla Ostrowskiego. Niektórzy nieżyczliwi oskarżyli później dramatopisarza o plagiat. W przyszłości wiele wspaniałych sztuk wyjdzie spod pióra Aleksandra Nikołajewicza i nikt nie odważy się wątpić w jego talent. Poniżej zostanie szczegółowo opisane poniższe zestawienie, które pozwoli na usystematyzowanie otrzymanych informacji.
Pierwszy sukces
Kiedy to się stało? Twórczość Ostrowskiego zyskała dużą popularność po opublikowaniu w 1850 roku komedii „Nasi ludzie - bądźmy ponumerowani!” Dzieło to wywołało pozytywne recenzje w kręgach literackich. I. A. Goncharov i N. V. Gogol pozytywnie ocenili sztukę. Jednak w tej beczce miodu znajdowała się także imponująca mucha w maści. Wpływowi przedstawiciele moskiewskiej klasy kupieckiej, urażeni swoją klasą, skarżyli się najwyższym władzom na śmiałego dramatopisarza. Spektakl natychmiast zakazano produkcji, autora wyrzucono ze służby i umieszczono pod ścisłym nadzorem policji. Co więcej, stało się to na osobisty rozkaz samego cesarza Mikołaja I. Nadzór został wyeliminowany dopiero po wstąpieniu na tron cesarza Aleksandra II. Widzowie teatru obejrzeli komedię dopiero w 1861 roku, po zniesieniu zakazu jej wystawiania.
Wczesne sztuki
Wczesna twórczość A. N. Ostrowskiego nie pozostała niezauważona; jego prace publikowano głównie w czasopiśmie „Moskwitianin”. Dramaturg aktywnie współpracował z tą publikacją zarówno jako krytyk, jak i redaktor w latach 1850-1851. Pod wpływem „młodej redakcji” pisma i głównego ideologa tego środowiska Aleksander Nikołajewicz skomponował sztuki „Ubóstwo nie jest wadą”, „Nie siedź na własnych saniach”, „Nie żyj tak jak chcesz”. Tematami twórczości Ostrowskiego w tym okresie jest idealizacja patriarchatu, starożytnych rosyjskich zwyczajów i tradycji. Nastroje te nieco przyćmiły oskarżycielski patos twórczości pisarza. Jednak w dziełach tego cyklu wzrosły umiejętności dramatyczne Aleksandra Nikołajewicza. Jego sztuki stały się sławne i poszukiwane.
Współpraca z Sovremennikiem
Począwszy od 1853 roku przez trzydzieści lat sztuki Aleksandra Nikołajewicza wystawiano co sezon na scenach teatrów Małego (w Moskwie) i Aleksandryjskiego (w Petersburgu). Od 1856 r. Prace Ostrowskiego są regularnie publikowane w czasopiśmie Sovremennik (prace są publikowane). W okresie ożywienia społecznego w kraju (przed zniesieniem pańszczyzny w 1861 r.) twórczość pisarza ponownie nabrała oskarżycielskiego charakteru. W sztuce „Na czyjejś uczcie jest kac” pisarz stworzył imponujący wizerunek Bruskowa Tit Titycha, w którym ucieleśniał brutalną i mroczną siłę krajowej autokracji. Tutaj po raz pierwszy usłyszano słowo „tyran”, które później zostało przypisane do całej galerii postaci Ostrowskiego. Komedia „Miejsce dochodowe” wyśmiewała skorumpowane zachowanie urzędników, które stało się normą. Dramat „Przedszkole” był żywym protestem przeciwko przemocy wobec jednostki. Inne etapy twórczości Ostrowskiego zostaną opisane poniżej. Ale szczytem osiągnięć tego okresu jego twórczości literackiej był dramat społeczno-psychologiczny „Burza z piorunami”.
"Burza"
W tej sztuce „zwykły” Ostrowski odmalował nudną atmosferę prowincjonalnego miasteczka z jego hipokryzją, chamstwem i niekwestionowanym autorytetem „starszych” i bogatych. W przeciwieństwie do niedoskonałego świata ludzi Aleksander Nikołajewicz przedstawia zapierające dech w piersiach obrazy natury Wołgi. Wizerunek Kateriny jest pełen tragicznego piękna i ponurego uroku. Burza symbolizuje zamęt psychiczny bohaterki, a jednocześnie uosabia ciężar strachu, pod jakim nieustannie żyją zwykli ludzie. Królestwo ślepego posłuszeństwa według Ostrowskiego podważają dwie siły: zdrowy rozsądek, który głosi w sztuce Kuligin, oraz czysta dusza Kateriny. W swoim „Promieniu światła w ciemnym królestwie” krytyk Dobrolyubov zinterpretował wizerunek głównego bohatera jako symbol głębokiego protestu, stopniowo dojrzewającego w kraju.
Dzięki tej grze twórczość Ostrowskiego wzniosła się na nieosiągalny poziom. „Burza z piorunami” uczyniła Aleksandra Nikołajewicza najbardziej znanym i szanowanym rosyjskim dramaturgiem.
Motywy historyczne
W drugiej połowie lat sześćdziesiątych XIX wieku Aleksander Nikołajewicz rozpoczął studia nad historią Czasu Kłopotów. Zaczął korespondować ze słynnym historykiem i Mikołajem Iwanowiczem Kostomarowem. Opierając się na badaniach poważnych źródeł, dramaturg stworzył całą serię dzieł historycznych: „Dmitrij pretendent i Wasilij Shuisky”, „Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk”, „Tushino”. Problemy historii Rosji Ostrowski przedstawił z talentem i autentycznością.
Inne sztuki
Aleksander Nikołajewicz nadal pozostał wierny swojemu ulubionemu tematowi. W latach sześćdziesiątych XIX wieku napisał wiele „codziennych” dramatów i sztuk teatralnych. Wśród nich: „Ciężkie dni”, „Głębia”, „Jokery”. Utwory te utrwalały odnalezione już przez pisarza motywy. Od końca lat 60. XIX wieku twórczość Ostrowskiego przeżywa okres aktywnego rozwoju. W jego dramaturgii pojawiają się obrazy i tematy „nowej” Rosji, która przetrwała reformę: biznesmeni, nabywcy, zdegenerowane patriarchalne worki z pieniędzmi i „zeuropeizowani” kupcy. Aleksander Nikołajewicz stworzył błyskotliwą serię komedii satyrycznych, które obalają poreformistyczne złudzenia obywateli: „Szalone pieniądze”, „Ciepłe serce”, „Wilki i owce”, „Las”. Moralnym ideałem dramatopisarza są ludzie o czystym sercu, szlachetni: Parasza z „Ciepłego serca”, Aksyusza z „Lasu”. Idee Ostrowskiego na temat sensu życia, szczęścia i obowiązku zostały zawarte w sztuce „Chleb pracy”. Prawie wszystkie dzieła Aleksandra Nikołajewicza powstałe w latach 70. XIX w. ukazały się w Otechestvennye zapiski.
„Śnieżna Panna”
Pojawienie się tej poetyckiej zabawy było całkowicie przypadkowe. Teatr Mały został zamknięty z powodu remontu w 1873 roku. Jej artyści przenieśli się do gmachu Teatru Bolszoj. W związku z tym komisja kierownicza Moskiewskich Teatrów Cesarskich postanowiła stworzyć spektakl, w którym zaangażowane będą trzy zespoły: opera, balet i dramat. Podobną sztukę podjął się Aleksander Nikołajewicz Ostrowski. „Śnieżna dziewczyna” została napisana przez dramaturga w bardzo krótkim czasie. Autor wziął za podstawę fabułę z rosyjskiej opowieści ludowej. Pracując nad sztuką, starannie dobierał rozmiary wierszy i konsultował się z archeologami, historykami i znawcami starożytności. Muzykę do spektaklu skomponował młody P. I. Czajkowski. Spektakl miał premierę w 1873 roku, 11 maja, na scenie Teatru Bolszoj. K. S. Stanisławski mówił o „Śnieżnej Dziewicy” jak o bajce, o śnie opowiedzianym dźwięcznym i wspaniałym wierszem. Powiedział, że realista i pisarz życia codziennego Ostrovsky napisał tę sztukę tak, jakby wcześniej nie interesowało go nic poza czystym romansem i poezją.
Praca w ostatnich latach
W tym okresie Ostrowski skomponował znaczące komedie i dramaty społeczno-psychologiczne. O tragicznych losach wrażliwych, utalentowanych kobiet w cynicznym i egoistycznym świecie opowiadają: „Talenty i wielbicielki”, „Posag”. Tutaj dramaturg rozwinął nowe techniki ekspresji scenicznej, które antycypowały twórczość Antoniego Czechowa. Zachowując specyfikę swojej dramaturgii, Aleksander Nikołajewicz starał się ucieleśnić „wewnętrzną walkę” bohaterów w „inteligentnej, subtelnej komedii”.
Działalność społeczna
W 1866 roku Aleksander Nikołajewicz założył słynne Koło Artystyczne. Później dał moskiewskiej scenie wiele utalentowanych postaci. D. V. Grigorowicz, I. A. Goncharov, I. S. Turgieniew, P. M. Sadowski, A. F. Pisemsky, G. N. Fedotova, M. E. Ermolova, P. I. Czajkowski odwiedzili Ostrowskiego, L. N. Tołstoj, M. E. Saltykov-Shchedrin, I. E. Turchaninov.
W 1874 roku w Rosji utworzono Towarzystwo Rosyjskich Pisarzy Dramatycznych i Kompozytorów Operowych. Przewodniczącym stowarzyszenia został wybrany Aleksander Nikołajewicz Ostrowski. Fotografie słynnej osoby publicznej były znane każdemu miłośnikowi sztuk performatywnych w Rosji. Reformator dołożył wszelkich starań, aby ustawodawstwo dyrekcji teatru zostało zrewidowane na korzyść artystów, a tym samym znacząco poprawiło ich sytuację materialną i społeczną.
W 1885 r. Aleksander Nikołajewicz został mianowany kierownikiem wydziału repertuaru i został kierownikiem szkoły teatralnej.
Teatr Ostrowskiego
Twórczość Aleksandra Ostrowskiego jest nierozerwalnie związana z kształtowaniem się prawdziwego teatru rosyjskiego w jego nowoczesnym znaczeniu. Dramaturgowi i pisarzowi udało się stworzyć własną szkołę teatralną i specjalną holistyczną koncepcję inscenizacji przedstawień teatralnych.
Osobliwością twórczości Ostrowskiego w teatrze jest brak sprzeciwu wobec natury aktora i ekstremalnych sytuacji w akcji spektaklu. W twórczości Aleksandra Nikołajewicza zwykłe wydarzenia zdarzają się zwykłym ludziom.
Główne idee reformy:
- teatr należy budować na konwencjach (istnieje niewidzialna „czwarta ściana”, która oddziela widzów od aktorów);
- wystawiając sztukę, należy postawić nie na jednego znanego aktora, ale na zespół artystów, którzy dobrze się rozumieją;
- niezmienność stosunku aktorów do języka: cechy mowy powinny wyrażać niemal wszystko o postaciach przedstawionych w spektaklu;
- ludzie przychodzą do teatru, żeby obejrzeć grę aktorów, a nie po to, żeby zapoznać się ze sztuką – mogą ją przeczytać w domu.
Pomysły pisarza Aleksandra Nikołajewicza Ostrowskiego zostały następnie udoskonalone przez M. A. Bułhakowa i K. S. Stanisławskiego.
Życie osobiste
Życie osobiste dramatopisarza było nie mniej interesujące niż jego twórczość literacka. Aleksander Nikołajewicz Ostrowski przez prawie dwadzieścia lat żył w cywilnym małżeństwie z prostą burżuazyjną kobietą. Ciekawe fakty i szczegóły relacji małżeńskiej pisarza z jego pierwszą żoną wciąż ekscytują badaczy.
W 1847 r. Na ulicy Nikoło-Worobinowskiej, obok domu, w którym mieszkał Ostrowski, młoda dziewczyna Agafia Iwanowna zamieszkała ze swoją trzynastoletnią siostrą. Nie miała rodziny ani przyjaciół. Nikt nie wie, kiedy poznała Aleksandra Nikołajewicza. Jednak w 1848 roku młodym ludziom urodził się syn Aleksiej. Nie było warunków do wychowania dziecka, więc chłopca tymczasowo umieszczono w sierocińcu. Ojciec Ostrowskiego był strasznie zły, że jego syn nie tylko porzucił prestiżową uczelnię, ale także związał się z prostą mieszczanką mieszkającą obok.
Jednak Aleksander Nikołajewicz okazał stanowczość i kiedy jego ojciec i macocha wyjechali do niedawno zakupionego majątku Szczelykowo w guberni Kostromskiej, zamieszkał z Agafią Iwanowną w jego drewnianym domu.
Pisarz i etnograf S.V. Maksimov żartobliwie nazwał pierwszą żonę Ostrowskiego „Marfą Posadnitsą”, ponieważ była obok pisarza w czasach poważnej potrzeby i ciężkiej deprywacji. Przyjaciele Ostrowskiego charakteryzują Agafię Iwanownę jako osobę z natury bardzo inteligentną i serdeczną. Bardzo dobrze znała zwyczaje i zwyczaje życia kupieckiego i miała bezwarunkowy wpływ na twórczość Ostrowskiego. Aleksander Nikołajewicz często konsultował się z nią w sprawie powstania swoich dzieł. Ponadto Agafya Iwanowna była wspaniałą i gościnną gospodynią. Ale Ostrovsky nie sformalizował swojego małżeństwa z nią nawet po śmierci ojca. Wszystkie dzieci urodzone w tym związku zmarły bardzo młodo, tylko najstarszy, Aleksiej, na krótko przeżył matkę.
Z biegiem czasu Ostrovsky rozwinął inne hobby. Był namiętnie zakochany w Ljubowie Pawłownie Kositskiej-Nikulinie, która grała Katerinę na premierze Burzy z piorunami w 1859 roku. Wkrótce jednak nastąpił osobisty rozłam: aktorka opuściła dramatopisarza dla bogatego kupca.
Następnie Aleksander Nikołajewicz związał się z młodą artystką Wasiljewą-Bachmetiewą. Agafia Iwanowna wiedziała o tym, ale wytrwale niosła swój krzyż i zdołała zachować szacunek Ostrowskiego dla siebie. Kobieta zmarła w 1867 roku, 6 marca, po ciężkiej chorobie. Aleksander Nikołajewicz do samego końca nie opuścił łóżka. Miejsce pochówku pierwszej żony Ostrowskiego jest nieznane.
Dwa lata później dramatopisarz ożenił się z Wasiljewą-Bakhmetyevą, która urodziła mu dwie córki i czterech synów. Aleksander Nikołajewicz mieszkał z tą kobietą do końca swoich dni.
Śmierć pisarza
Intensywne życie towarzyskie nie mogło nie odbić się na zdrowiu pisarza. Ponadto, pomimo dobrych honorariów za produkcję sztuk teatralnych i rocznej emerytury w wysokości 3 tysięcy rubli, Aleksandrowi Nikołajewiczowi zawsze brakowało pieniędzy. Wyczerpany ciągłymi zmartwieniami ciało pisarza w końcu zawiodło. W 1886 roku, 2 czerwca, pisarz zmarł w swojej posiadłości Szczelykowo pod Kostromą. Na pochówek dramatopisarza cesarz ofiarował 3 tysiące rubli. Ponadto przyznał wdowie po pisarzu emeryturę w wysokości 3 tysięcy rubli, a kolejne 2400 rubli rocznie na wychowanie dzieci Ostrowskiego.
Tabela chronologiczna
Życie i twórczość Ostrowskiego można pokrótce przedstawić w tabeli chronologicznej.
Urodził się A. N. Ostrovsky. |
|
Przyszły pisarz wstąpił do Pierwszego Gimnazjum Moskiewskiego. |
|
Ostrovsky został studentem Uniwersytetu Moskiewskiego i rozpoczął studia prawnicze. |
|
Aleksander Nikołajewicz opuścił uniwersytet bez otrzymania dyplomu wykształcenia. |
|
Ostrowski zaczął służyć jako skryba na moskiewskich sądach. Zajmował się tą pracą do 1851 roku. |
|
Pisarz wymyślił komedię „Obraz szczęścia rodzinnego”. |
|
Esej „Notatki mieszkańca Zamoskworeckiego” i szkice sztuki „Obraz szczęścia rodzinnego” ukazały się na „Liście miast Moskwy”. |
|
Publikacja komedii „Biedna panna młoda” w czasopiśmie „Moskwitianin”. |
|
Pierwsza sztuka Ostrowskiego została wystawiona na scenie Teatru Małego. To komedia zatytułowana „Nie wsiadaj na własne sanie”. |
|
Pisarz napisał artykuł „O szczerości w krytyce”. Odbyła się premiera spektaklu „Ubóstwo nie jest wadą”. |
|
Aleksander Nikołajewicz zostaje pracownikiem magazynu Sovremennik. Bierze także udział w wyprawie etnograficznej Wołgi. |
|
Ostrovsky kończy pracę nad komedią „Bohaterowie się nie dogadywali”. Produkcja jego drugiej sztuki „Miejsce dochodowe” została zakazana. |
|
Premiera dramatu Ostrowskiego „Burza z piorunami” odbyła się w Teatrze Małym. Dzieła zebrane pisarza publikowane są w dwóch tomach. |
|
„Burza z piorunami” ukazuje się drukiem. Dramaturg otrzymuje za to Nagrodę Uvarowa. Cechy twórczości Ostrowskiego zarysowuje Dobrolyubov w artykule krytycznym „Promień światła w mrocznym królestwie”. |
|
W Sovremenniku ukazuje się dramat historyczny „Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk”. Rozpoczynają się prace nad komedią „Ślub Balzaminova”. |
|
Ostrowski otrzymał Nagrodę Uvarowa za sztukę „Grzech i nieszczęście nie żyją na nikim” i został członkiem korespondentem Akademii Nauk w Petersburgu. |
|
1866 (według niektórych źródeł - 1865) | Aleksander Nikołajewicz utworzył Koło Artystyczne i został jego brygadzistą. |
Wiosenna bajka „Śnieżna Panna” zostaje przedstawiona publiczności. |
|
Ostrowski został szefem Towarzystwa Rosyjskich Pisarzy Dramatycznych i Kompozytorów Operowych. |
|
Aleksander Nikołajewicz został powołany na stanowisko kierownika działu repertuaru teatrów w Moskwie. Został także dyrektorem szkoły teatralnej. |
|
Pisarz umiera w swojej posiadłości pod Kostromą. |
Życie i twórczość Ostrowskiego były pełne takich wydarzeń. Tabela wskazująca główne wydarzenia z życia pisarza pomoże lepiej przestudiować jego biografię. Dramatyczne dziedzictwo Aleksandra Nikołajewicza jest trudne do przecenienia. Jeszcze za życia wielkiego artysty Teatr Mały zaczęto nazywać „domem Ostrowskiego”, a to wiele mówi. Praca Ostrovsky'ego, której krótki opis przedstawiono w tym artykule, warto przestudiować bardziej szczegółowo.
TJ. Zajcewa
Badacze łączą kształtowanie się realizmu krytycznego w teatrze rosyjskim w połowie XIX wieku z wieloma przemianami, jakie w tym czasie zachodziły w Rosji we wszystkich formach świadomości społecznej, także w sztuce.
Główny kierunek poszukiwań artystycznych epoki wyznaczała znajomość rzeczywistości ze wszystkimi jej społecznymi sprzecznościami. W połowie lat czterdziestych powstała szkoła, która za główne kryterium dzieła sztuki uznawała wierność prawdzie życia.
Miłość do teatru i służba mu stała się powołaniem całego życia Aleksandra Nikołajewicza Ostrowskiego (1823–1886). Dramaturg rozpoczął swoją działalność teatralną w okresie gwałtownych reakcji, jakie nastąpiły po rewolucjach europejskich 1848 roku. To „ciemne siedmioletnie” panowanie Mikołaja w sferze kulturalnej charakteryzowało się najsurowszą cenzurą, dominacją biurokratycznych urzędników, którzy nic nie rozumieli ze sztuki, oraz wzmocnieniem monopolu teatrów cesarskich. Ta polityka teatralna przyczyniła się do rozkwitu na scenie „pustych” wodewilów (głównie tłumaczonych), łzawych melodramatów, wiernych dramatów odpowiadających gustom teatrów „preferowanych” przez dwór. Jednym z najpopularniejszych autorów był N.V. Lalkarz, „przedstawiciel „fałszywie majestatycznej szkoły”, wzbudzający podziw publiczności dla przeszłego i obecnego stanu państwa” (Historia dramatu rosyjskiego XVII - pierwszej połowy XIX wieku. - L., 1982. - s. 24). Oczywiście złotym funduszem, klasyczną podstawą rosyjskiego teatru, były genialne komedie D.I. Fonvizina, A.S. Griboyedova, N.V. Gogol, sztuka A.S. Puszkin. Było ich jednak zbyt mało, nie byli w stanie zapewnić stałego repertuaru.
Słowa Gogola „Na litość boską, dajcie nam rosyjskie charaktery, dajcie nam nas samych, naszych łobuzów, naszych ekscentryków! „Na scenę, dla twojego śmiechu” – współcześni postrzegali je jako program rosyjskiego dramatu narodowego. Ostrowski próbował to urzeczywistnić w „sztukach życia”.
Dramaturg napisał czterdzieści siedem oryginalnych dzieł, przetłumaczył z języka ukraińskiego sztukę G.F. Kvitki-Osnovyanenko „Shchira Lyubov” („Szczera miłość, czyli Kochanie, jest cenniejsze niż szczęście”), a także przetłumaczył dwadzieścia dwa dzieła dramatyczne z języka angielskiego, francuskiego, hiszpańskiego i włoskiego.
Ostrowski znakomicie poradził sobie z historycznie ważnym zadaniem artystycznym - ukończył tworzenie rosyjskiego dramatu, „całego teatru ludowego”. Miał się pojawić właśnie dlatego, że pod koniec lat 40. szybki rozwój kapitalizmu doprowadził do procesu demokratyzacji kultury, do wzrostu warstwy kulturowej społeczeństwa, a w związku z tym powstał porządek społeczny dla dramatu z Życie rosyjskie (Polyakova E.I. Rosyjski dramat epoki Ostrowskiego // Rosyjski dramat epoki Ostrowskiego. - M., 1984. - s. 9). Nowy demokratyczny widz przyniósł sukces debiutantowi Ostrowskiemu. Dramaturg wierzył, że nowy widz, który dopiero próbuje związać się ze sztuką teatralną, stawia swoje pierwsze kroki w kierunku kulturowym, można go kształcić, rozwijać i kształtować w nim potrzebę piękna, wysoce artystycznego: „. ..trzeba obudzić w nim dobre instynkty - i to jest kwestia sztuki... Teatr władczą ręką chwyta świeżą duszę i prowadzi ją, dokąd chce. Akcja teatru jest oczywiście krótka, nie podąża za widzem wszystkimi jego śladami, ale wystarczą te trzy, cztery godziny, gdy dziki człowiek znajduje się pod wpływem wszechmocnej sztuki nad nim – głębokich bruzd kultury przeszły już przez jego wilgotny mózg, już się dzieje z kulturowym zaszczepieniem dzikiego człowieka” (Ostrovsky A.N. Kompletne dzieła zebrane: W 16 tomach - M., 1951. - T. 10. - s. 137-138). Tymi słowami Ostrowski jawi się jako demokrata-wychowawca. Z czasem utopijny charakter edukacyjnych nadziei dramatopisarza staje się coraz bardziej oczywisty: sztuce nie udało się przerobić „świeżego” kupieckiego widza. Jeśli chodzi o inteligencję, oczekiwali bezpośredniej propagandy zaawansowanych idei ze sztuki, dlatego Ostrowski wydawał im się nienowoczesny (E.I. Polyakova).
Dramaturg od początku swojej twórczości bezpośrednio uważał się za jednego z „autorów nowego kierunku w naszej literaturze”. Jego innowacyjność przejawiała się w tym, że udało mu się odkryć nowy charakter dramatu, którego istotą są rzeczywiste sprzeczności społeczne tamtych czasów, które nieuchronnie budzą protest przeciwko samej rzeczywistości. Jego dzieła opierały się na konfliktach, które dramaturg zaobserwował w prawdziwym życiu, co nadało im nazwę „zabawy życia”.
Badacze przypisują pojawienie się „zabaw w życie” A.N. Ostrowskiego na scenie z dwoma zjawiskami: triumfem tradycji rosyjskiej komedii narodowej, ustanowionej przez Fonvizina, Kryłowa, Gribojedowa, Gogola oraz zasadami „szkoły naturalnej”, teoretycznie uzasadnionymi przez krytyka V.G. Bieliński. Zasługą Ostrowskiego dla rosyjskiej kultury teatralnej jest utalentowane połączenie i dalszy rozwój tych dwóch zjawisk w jego twórczości.
W 1847 roku dramaturg rozpoczął i częściowo opublikował „Notatki mieszkańca Zamoskworeckiego”. Świat Zamoskvorechye, w którym Aleksander Nikołajewicz spędził dzieciństwo i młodość, oraz Moskiewski Sąd Handlowy, w którym pełnił funkcję ławnika przysięgłych przy stole ustnym, zapewniły bogaty materiał, historie prawdziwie życiowe i szczególny folkowy posmak.
Zrywając zasłonę ciemności z życia Zamoskworiecka, dramatopisarz stał się pionierem w tajemniczej krainie Zamoskworiecka, po raz pierwszy odsłaniając społeczeństwu sposób życia, tradycje, zwyczaje i język jego mieszkańców. Pokazał rosyjskiemu widzowi szczególny świat Zamoskworeczy, który krytyk Dobrolubow określił jako „ciemne królestwo”, w którym działają prawa Domostrojewskiego, absurdalne uprzedzenia, filisterska rutyna i upokarzające zwyczaje. Dzięki talentowi dramatopisarza na scenie pojawili się prawdziwi ludzie, jakby skopiowani z życia, i przemówili żywym językiem - prostym, codziennym, niespotykanym dotąd na teatralnej scenie.
14 lutego 1847 roku w domu profesora Uniwersytetu Moskiewskiego S.P. Szewrew Ostrowski przeczytał swoją pierwszą sztukę „Obraz szczęścia rodzinnego”. Współczesny dramatopisarz, aktorka Teatru Małego V.N. Ryżowa, która wielokrotnie słuchała wykonania własnych dzieł swojego autora, wspomina: „Czytałam A.N. Ostrowski jest zadziwiająco prosty, bez teatralności i afektacji, ale tak serdeczny i wzruszający: że... serca drżały ze współczucia, oburzenia i radości. Aleksander Nikołajewicz szczególnie dobrze radził sobie w rolach kobiecych i choć wcale nie zmienił głosu, w wersach bohaterek można było wyczuć albo czysto kobiecą melancholię, albo matczyną miłość, albo ogromne kobiece oddanie... I wydawało mi się, że że kiedy ludzie rozpoznają się w losach bohaterów Ostrowskiego, kiedy artyści będą o nich mówić tak, jak czyta sam wielki dramaturg, ludzie będą się wstydzić wyrządzania sobie nawzajem krzywdy i obrazy, niszczenia ludzkiego szczęścia” (Ryżow o Ryżowej. - M., 1983. - s. 83).
Jednoaktowa komedia, opowiadająca o życiu kupca Puzatowa, zadziwiła wszystkich obecnymi, błyskotliwie zademonstrowaną przez autora, wiedzą o życiu codziennym i klasie kupieckiej. Był to autentyczny szkic z natury świata Zamoskvorechye. Jednak cenzor, uznając przedstawienie za obraźliwe dla kupców, zakazał jego wystawiania (premiera odbyła się dopiero w 1855 r.).
W 1849 r. Ostrovsky zakończył pracę nad komedią „Bankrut” („Będziemy własnym ludem”), która również została zakazana. Pomimo kategorycznie negatywnej oceny dzieła przez cenzorów, początkujący dramaturg nie poddawał się. Wraz ze swoim przyjacielem, młodym aktorem Małego Teatru Prow Sadowskiego, występował w komediach w różnych moskiewskich domach. Odniósł spektakularny sukces i stał się sensacją artystyczną. JEST. Turgieniew mówił o debiucie: „Zaczął nietypowo” – A.F. Pisemsky napisał do dramaturga: „Twój „bankrut” to „biada dowcipu” kupca lub. dokładniej: kupiec „Dead Souls”; A.Y. Herzen nazwał tę komedię „krzykiem gniewu i nienawiści wobec rosyjskiej moralności”.
Sztukę opublikowano w 1850 r. nakładem pisma „Moskwitianin”, ale Komitet Cenzury ponownie zakazał jej wystawiania, a car Mikołaj I własnoręcznie napisał: „Całkowicie uczciwe, na próżno wydrukowano, grać nie wolno…”. Autor należał do nierzetelnych, wszczęto przeciwko niemu sprawę i ustanowiono nadzór, został „zwolniony ze służby” w Sądzie Handlowym.
W 1850 r. Ostrowski został pracownikiem „młodej redakcji” magazynu Moskvityanina. Redaguje, pisze artykuły, tworzy jeszcze pięć sztuk, ale wszystkie spotyka ten sam los, co poprzednie.
Pierwszą sztuką dopuszczoną do produkcji był melodramat „Nie wsiadaj na własne sanie”, którego premiera odbyła się 14 stycznia 1853 roku na scenie Teatru Małego podczas benefisu aktorki L. P. Nikuliny-Kositskiej, która zadziwiła publiczność penetracja jej aktorstwa. Ten dzień jest punktem wyjścia scenicznej historii sztuk Ostrowskiego. Współczesny dramatopisarz, jeden z członków „młodej redakcji” „Moskwitianina”, artysta I. F. Gorbunow, który był obecny na pierwszym przedstawieniu komedii, przekonywał, że wraz z nią rozpoczęła się nowa era na moskiewskiej scenie: „. ..Kurtyna podniosła się i ze sceny usłyszano dźwięki nowych słów, nowego języka, niespotykanego wcześniej na scenie, pojawili się żywi ludzie…” (Gorbunov I.V. Fragmenty wspomnień // A.N. Ostrovsky we wspomnieniach współczesnych. - M., 1966. - s. 49). Występ, w wykonaniu znakomitego zespołu, zakończył się triumfalnym sukcesem.
Od samego początku swojej twórczości Ostrovsky był klasyfikowany przez współczesnych jako dramaturg codziennego życia. Sam artysta rozumiał życie jako porządek, spokój, uświęcony tradycją, chroniony siłą przyzwyczajenia. To Ostrowski jako pierwszy poruszył takie tematy, obrazy, „warstwy życia codziennego, które przed nim uważano za niegodne artystycznego ujęcia. Talent mistrza pozwolił mu w tej tradycji, w tym porządku dostrzec nieuniknione sprzeczności, które podważają i niszczą ich nienaruszalność, oraz ujawnić sprzeczności życia codziennego jako społeczne. Głęboko zdawał sobie sprawę z siły bezwładności, odrętwienia codziennego życia: „Nie bez powodu nazwałem tę siłę Zamoskworiecką: tam, za rzeką Moskwą, jest jej królestwo, tam jest jej tron. Wpędza mężczyznę do kamiennego domu i zamyka za nim żelazną bramę; ubiera człowieka w bawełnianą szatę, stawia na bramie krzyż, aby chronić złego ducha, a po podwórzu wypuszcza psy, aby chronić ludzi przed złem. ... Jest oszustką, zawsze udaje rodzinne szczęście, a niedoświadczona osoba szybko jej nie rozpozna i być może będzie jej pozazdrościć. Jest zdrajcą: pielęgnuje i pielęgnuje osobę, ale nagle uderza go tak mocno, że nawet nie ma czasu się przeżegnać” (Ostrovsky A.N. Kompletne dzieła zebrane: w 16 tomach - M., 1952. - tom. 13. – s. 43).
Kierując się zasadą wierności prawdzie życia, wyłamuje zamki i zasuwy, otwiera okiennice i okna „ciemnego królestwa”, aby pokazać swoim bohaterom w życiu domowym, w rodzinie, gdzie są naturalni, gdzie są objawiają się najpełniej: „Tutaj człowiek – wtedy zostanie rozpoznany!
Kolejna sztuka dramatopisarza „Ubóstwo nie jest występkiem” (1854) nieoczekiwanie wysunęła na pierwszy plan głównego bohatera, pijaka Lyubima Torcowa, obdarzając go człowieczeństwem i szlachetnością, wywołując gorące kontrowersje zarówno w środowisku teatralnym, jak i na łamach „ prasa. We wspomnieniach współczesnego, który widział to przedstawienie, czytamy:
„- Szersza droga - nadchodzi Miłość Tortsov! – zawołał siedzący z nami nauczyciel literatury rosyjskiej pod koniec przedstawienia, zakładając płaszcz.
Co przez to rozumiesz? - zapytał student. – Nie widzę ideału w Lyubimie Torcowie. Picie nie jest idealne.
Widzę prawdę! – odpowiedział ostro nauczyciel. - Tak, proszę pana, to prawda. Szersza droga! Prawda chodzi po scenie. Kochamy Tortsova – naprawdę! To koniec krajobrazów scenicznych, koniec Lalkarza: na scenie pojawiła się wcielona prawda” (Gorbunov I.V. Fragmenty wspomnień A.N. Ostrowskiego we wspomnieniach współczesnych. - M.. 1966. - s. 55 - 56) .
Znany krytyk Ap. Grigoriew entuzjastycznie ogłosił w teatrze „nowe słowo” - o narodowości, wypowiadając się w artykule, który nazwał: „Szersza droga - nadchodzi kochamy Torcowa!” Przeciwnicy spektaklu ostro sprzeciwili się krytyce. Tym samym w sporach i dyskusjach zderzała się nowa i stara estetyka teatralna.
Ostrovsky wciąż doskonali swój styl, mieszając gatunki i ich granice. Dziedzicząc tradycje swoich wielkich poprzedników, wzbogaca dramat epizodami komediowymi, a do komedii wprowadza sceny dramatyczne, napełniając je autentycznością życiową, wykorzystując całe piękno i różnorodność kolorystyczną rosyjskiego języka ludowego.
W 1856 roku w komedii „Na czyjejś uczcie kac” Ostrowski po raz pierwszy użył pojęcia „tyrana”, tłumacząc jego istotę ustami jednego z bohaterów: „Tyranem – nazywa się to, jeśli ktoś nie Nie słuchaj nikogo, przynajmniej go zabawisz kołkiem na głowie, ale on jest cały twój. Tupie nogą i powie: kim jestem? Tutaj wszyscy w domu powinni leżeć u jego stóp, bo inaczej będą kłopoty…” Spektakl zarysowuje cechy tyranii jako zjawiska społecznego. Jednak w miarę postępu życia zjawisko to stopniowo stawało się przestarzałe. Temat tyranii niszczącej świadomość ludzi można prześledzić w wielu jego sztukach.
Bezprecedensowy sukces odniósł spektakl „Burza z piorunami”, który uderzał społeczną ostrością i patosem potępienia tyranii. Jego premiera odbyła się w dwóch teatrach – Małym w Moskwie i Aleksandryjskim w Petersburgu.
Widzowie po raz pierwszy obejrzeli „Burzę z piorunami” 16 listopada 1859 roku na benefisie aktora Teatru Małego S.V. Historycy teatru uważają, że pochodzenie i triumf spektaklu związane są z nazwiskiem L.P. Nikuliny-Kositskiej, dla której napisano rolę Kateriny. Tworząc ten obraz, Ostrovsky wyszedł z indywidualności utalentowanej aktorki (byłej chłopki pańszczyźnianej), która zachwyciła go znajomością mowy ludowej, życia i tradycji. Uduchowienie spektaklu, głębokie zrozumienie kobiecej duszy i tragizm spektaklu pozwoliły odtwórcy głównej roli wznieść się na wyżyny aktorskiej sztuki scenicznej. Jej Katerina, silna, namiętna, czysta i poetycka, buntująca się przeciwko przemocy wobec żywej duszy ludzkiej, stała się prawdziwym „promieniem światła” dla swoich współczesnych.
Dramaturg wymyślił Burzę z piorunami jako komedię, a następnie nazwał ją dramatem. Dobrolyubov widział w tej sztuce, że „wzajemne relacje tyranii i bezgłosu dochodzą w niej do najbardziej tragicznych konsekwencji” (Dobrolyubov N.A. Promień światła w ciemnym królestwie // Wybrane artykuły literacko-krytyczne. - K., 1976. - s. 178). Współczesna krytyka literacka klasyfikuje swój gatunek jako tragedię społeczną. Krytyk sztuki B.V. Alpers uważa to dzieło za tragedię romantyczną rosyjskiego teatru narodowego, mówiąc o czystce społecznej i moralnej, o katharsis, jakie „Burza z piorunami” niczym prawdziwą tragedię wnosi do widowni (Alpers B.V. Eseje teatralne. M., 1981. - T 1. – s. 505).
W tej beznadziejności, w tej „krypcie życia” Dikichów i Kabanowów kryje się żywe, niezniszczalne – duchowe bogactwo Kateriny. Jej naturę estetyczną cechuje religijność, poetyckie postrzeganie natury i poczucie piękna.
Jak trafnie zauważyła badaczka V.V. Osnovin, w modlitwie, służbie, postrzeganiu piękna otaczającego ją świata, stara się zastosować swoje duchowe moce. A najwyższym punktem tej aplikacji jest dla niej miłość. Cała Katerina objawia się w miłości. Buntuje się przeciwko tyranii, uzbrojona tylko w jedno – świadomość prawa do miłości. Odkrywszy miłość, poznawszy wolę, wolność, chce żyć. Życie dla niej oznacza bycie sobą. Ale w królestwie Kalinow jest to niemożliwe. Jest tylko jedno wyjście – śmierć. Jest w nim wolność.
Rosyjska scena nigdy nie znała takiej postaci. Krytycy sztuki tłumaczą tym ogromny oddźwięk publiczny dramatu i jego pierwszych przedstawień w teatrach Małym i Aleksandryjskim.
Po premierze „Burzy z piorunami” rozgorzała wokół niego dyskusja. Autorowi zarzucano niemoralność, argumentowano, że jego sztuka nie jest dramatem, ale satyrą. Ale zaawansowani pisarze rosyjscy wysoko cenili „Burzę”: N. A. Dobrolyubov nazwał to „najbardziej decydującym dziełem Ostrowskiego”, I. A. Gonczarow argumentował, że „takiego dzieła nie było… w naszej literaturze”, I. S. Turgieniew uważał, że było to niewątpliwie „najbardziej niesamowite, wspaniałe dzieło potężnego rosyjskiego talentu, który całkowicie się opanował”.
Ostrovsky otrzymał nagrodę naukową za sztukę „Burza z piorunami”. W 1863 roku jako pierwszy dramaturg w historii literatury rosyjskiej został wybrany członkiem korespondentem Akademii Nauk.
Historia rosyjskiej sztuki teatralnej zawiera wiele niezapomnianych stron poświęconych scenicznej interpretacji obrazów „Burzy” w wykonaniu wybitnych aktorów. Jedna z luminarzy Teatru Małego, aktorka G. N. Fedotova, pełniąc rolę Kateriny w 1863 roku, grała ją przez trzydzieści lat, zamieniając ten obraz w szczyt swojej twórczości. Aktorka stopniowo pojmowała wielowymiarowy charakter swojej bohaterki, wybierając specjalne środki wyrazu artystycznego – szczegóły życia codziennego, gesty, chód i sposób mówienia. Katerina zadziwiła ją „muzyką” rosyjskiej mowy. Rzadka autentyczność charakteru zrodziła się ze znajomości specyficznej etykiety staroruskiej. Fedotova przekazała swoje zamęt i rozpacz z temperamentem i pasją. O interpretacji roli przesądziła litość dla ofiary „ciemnego królestwa”. W przedstawieniu tej aktorki nie było tematu protestu.
Nowe cechy w rozwiązaniu tragicznego obrazu Kateriny zostały dodatkowo ucieleśnione w przedstawieniu M. N. Ermolovej (1873), który wysunął na pierwszy plan aktywny protest Kateriny. Odgrywając tragedię, Ermolova obdarzyła swoją bohaterkę „nieugiętą wolą, odwagą i duchowym maksymalizmem” (B.V. Alpers). Dla jej namiętnej i kochającej wolność natury miłość do Borysa była wiedzą o całkowitej wolności. Utrata tej wolności oznaczała śmierć. Twórczą apoteozą spektaklu były dwa ostatnie akty, w których występ Ermolovej szokował tragiczną intensywnością. Ta Katerina pozostała nienaruszona, niepokonana w umysłach współczesnych.
Wizerunek Kateriny, stworzony przez aktorkę znakomicie złamanego dramatu E. Roshchiny-Insarovej w przedstawieniu Meyerholda z 1916 roku w Teatrze Aleksandryjskim, ukazał się widzom w zupełnie innej interpretacji. B.V. Alpers nazwał ją Kateriną „pod koniec stulecia”, która „nie miała już siły ani chęci do walki”. W sposobie, w jaki patrzyła na Borysa, żyła „nie miłość, nie pasja… ale ostatnie pożegnanie z życiem”. Krytyk dochodzi do wniosku, że wizerunek Kateriny Roszcziny jest nierozerwalnie związany z przedburzową atmosferą, w jakiej żył stary świat przed przełomem 1916 i 1916 roku. Katerina Roshchina – jego dzieło i ofiara – była skazana na śmierć wraz z nim.
O niekonwencjonalnej interpretacji spektaklu przez reżysera krytyk sztuki K.L. Rudnitsky pisał: „Unikając codziennej autentyczności, odmawiając bezpośredniego przedstawienia „ciemnego królestwa”, zamieniając prozaiczny i dziki Kalinow w swego rodzaju bajkowe miasto Kiteż, Meyerhold wyrwał całą dramatyczną sytuację „Burzy” z specyficzne okoliczności historyczne życia Rosjan w połowie XIX wieku. Ale jednocześnie ujawnił znaczenie tej sytuacji dla początku XX wieku. Poetycki, nabrał znaczenia uniwersalności. Zamiast specyficznego królestwa ciemnego kupca i mrocznego stylu życia pojawiła się moc ciemnych sił duchowych” (Rudnitsky K.L. Dyrektor Meyerhold. - M., 1969. - s. 191).
W tym nieoczekiwanym zamyśle reżysera wizerunek Kateriny brzmiał świeżo. „Katerina była sama… nie potrafiła się przed nikim całkowicie otworzyć, przez nikogo niezrozumiana, nikomu niepotrzebna. Przeszła przez przedstawienie w całkowitej i zamrożonej samotności.” Rudnitsky porównał Katerinę Roszczinę do kobiety Bloka, „która pojawiła się na scenie aleksandryńskiej „tak obojętna i bystra, jakby swobodnie podała rękę aniołowi upadku”. W oderwaniu, w zagładzie, w gotowości na śmierć była jej godna pozazdroszczenia wolność” (tamże – s. 192).
Artysta Teatru Małego S.V. Wasiliew, pierwszy wykonawca roli Tichona, stworzył tragiczny obraz „bezosobowego” człowieka zniszczonego przez „ciemne królestwo”. „Strasznie było na niego patrzeć” – napisał współczesny, „kiedy przeżywając śmiertelną agonię, uciekł z rąk matki. Nie tyle słowami, co gestami i mimiką walczył z matką i błagał ją, żeby go wypuściła. Jego ostatni krzyk: „Mamo! Zniszczyłeś ją!” – było okropne; szokowało, a potem długo nie dawało widzowi spokoju” (Rocznik Teatrów Cesarskich. Sezon 1895/1986. Dodatek, tom 3. – s. 8).
Współcześni pozostawili wiele wspomnień z występu roli Tichona przez aktora Teatru Aleksandryjskiego A.E. Martynowa, uważając tę rolę za szczyt twórczości wybitnego aktora, który umiejętnie ucieleśniał estetykę dramatopisarza na scenie petersburskiej . Triumf aktora był ostatnim aktem, którego nie zagrał, ale przeżył w przeszywająco wzruszający, szczery sposób. Dowiedziawszy się, że Katerina opuściła dom, pospieszył na poszukiwanie żony i cicho płakał, wracając z niczym, rozbrajając publiczność głębią miłości i litości dla Kateriny. Ostatnie słowa Tichona sprawiły, że widzowie dostrzegli w nim narodziny nowego człowieka, zdolnego obronić swoją godność.
Aktor P. M. Sadowski, wcielając się w rolę Dzikiego, zadziwił publiczność swoją niesamowitą oskarżycielską mocą w przedstawieniu, obdarzając go nieokiełznanym temperamentem i ludzką dzikością, która z despotyczną siłą dominowała nad całym Kalinowem. Był to jasny i znaczący wkład do scenicznej galerii obrazów tyranii kupieckiej. Za życia aktora dramaturg stworzył trzydzieści dwie sztuki, a wiele postaci zostało napisanych specjalnie dla Prow. Sadowskiego. Należy zauważyć, że będąc bliskim przyjacielem dramaturga, współpracownikiem, osobą o podobnych poglądach i bystrym promotorem jego nowatorskiego dramatu, aktor stworzył ponad trzydzieści różnorodnych ról w sztukach A. N. Ostrowskiego, imponując współczesnymi „nowa prawda o surowej prostocie”.
Uczennica A. N. Ostrowskiego O. O. Sadowska, która za radą dramatopisarza zadebiutowała w Teatrze Małym, zagrała czterdzieści ról w sztukach swojego ulubionego autora. W „Burzy z piorunami” aktorka wcieliła się w rolę Varvary, Feklushi i Kabanikha. Zarówno dla samego dramatopisarza, jak i dla Sadowskiej, głównym środkiem wyrazu w spektaklu było słowo, które ona, podobnie jak pauza sceniczna, doskonale opanowała. Według krytyków połączenie ciszy (pauzy) i mowy, wyjątkowej wyrazistości twarzy dało początek rozwojowi obrazu.
Wiadomo, że pracując nad sztukami Ostrovsky pisał role specjalnie dla artystów Teatru Małego. W ten sposób napisał rolę Varvary w „Burzy z piorunami” dla aktorki Varvary Borozdiny, nazywając tę bohaterkę jej imieniem, ponieważ traktował młodą utalentowaną aktorkę „nie tylko przyjacielsko, z głęboką ludzką sympatią, ale także bardzo cenił jej talent, złościł się, że w ówczesnym repertuarze Teatru Małego nie było dla niej dość ciekawych ról” (Ryżow o Ryżowej. - M., 1983. - s. 18). Fakt ten mówi o Ostrowskim jako o wrażliwej, troskliwej osobie i artyście, który martwi się o los utalentowanych aktorów i teatru.
Formę sceniczną „Burzy” w przenośni określił jako reżyserską V.I. Niemirowicz-Danczenko: „Występ nie powinien być imponujący, ale prosty, jak piosenka. Piosenka rosyjska zawsze niesie w sobie głębokie i proste uczucie... Aby wznieść się na scenę spektaklu, trzeba być niezwykle głębokim i prostym” (Rocznik Moskiewskiego Teatru Artystycznego. - M.. 1045. - P. 276 - 278).
Ale żadnemu reżyserowi nie udało się jeszcze w pełni rozwikłać tajemnicy tej sztuki. W rozwiązaniu kompozycyjnym „Burzy” dramatopisarz połączył tragizm z komizmem, epos z liryką. Spektakl jest tak wielowymiarowy i wieloaspektowy, że znalezienie w nim odpowiedniej tonacji jest niezwykle trudne. Jak dotąd w tej sztuce nie odnaleziono klucza do „natury uczuć” (według G. A. Towstonogowa). To najwyraźniej tłumaczy fakt, że w historii teatru rosyjskiego nie pojawiło się jeszcze „harmonijnie integralne” przedstawienie oparte na sztuce dramaturga, które stałoby się prawdziwym wydarzeniem artystycznym.
Ale jak szczerze, jak odważnie może dziś brzmieć Ostrovsky. Wystarczy przypomnieć spektakle „Każdemu mędrcowi wystarczy prostoty” w Lenkomie w reżyserii M. A. Zacharowa czy „Wilki i owce” G.A. Towstonogowa w Teatrze Dramatycznym Bolszoj im. M. Gorki. Można mieć tylko nadzieję, że pojawi się reżyser, który „najwięcej przysłuży się rosyjskiemu teatrowi, rozwikłając zagadkę Burzy”.
Po genialnym sukcesie Burzy z piorunami Ostrovsky napisał pięć nowych sztuk. W 1861 r. Ostatecznie zniesiono zakaz cenzury z jego genialnego pomysłu - komedii „Nasi ludzie - będziemy ponumerowani”. Tylko w Moskwie i Petersburgu w 1561 roku wystawiono osiemdziesiąt pięć przedstawień opartych na sztukach dramaturga. Pisarz przez ostatnie dwie dekady pracował bardzo intensywnie.
Paleta twórcza dramatopisarza jest różnorodna. Obiektami jego uwagi są: demaskowanie tyranii „ciemnego królestwa” jako zjawiska społecznego; duchowe zubożenie szlachty, detronizacja aparatu biurokratycznego: pojawienie się nowych sił społecznych; los kobiety w istniejącym systemie; wyłaniający się typ biznesmena - „nowy pan życia”; talent i społeczeństwo i wiele więcej.
Oskarżycielsko-satyryczna linia twórczości A. N. Ostrowskiego („Prostota wystarczy każdemu mędrcowi”, „Ciepłe serce”, „Wilki i Baran” itp.) upodabnia jego sztuki do satyry M. E. Saltykowa-Shchedrina i A. V. Suchowo- Kobylina. Linia społeczno-psychologiczna („Ostatnia ofiara”, „Posag”, „Talenty i wielbiciele”, „Winny bez winy” itp.) - przybliża nas do teatru Turgieniewa i antycypuje teatr Czechowa. Zainteresowanie historią Rosji owocuje szeregiem kronik historycznych, a zamiłowaniem do mitologii słowiańskiej – w poetyckiej „bajce wiosennej” – „Śnieżnej Dziewicy”, która stała się źródłem inspiracji dla N. A. Rimskiego-Korsakowa i P. I. Czajkowskiego.
Bardzo ważną cechą stylistyczną artystyczną dramaturga była chęć tworzenia uogólnionych obrazów, łączących w nich to, co typowe społecznie i indywidualne. Będąc jeszcze początkującym pisarzem, Ostrovsky tak opowiadał o swojej komedii „Nasi ludzie – będziemy ponumerowani”: „Chciałem, aby społeczeństwo napiętnowało występek imieniem Podchalyuzin w taki sam sposób, w jaki piętnuje się nazwiskami Garpogon, Tartuffe, Nedorosl , Khlestakov i inni” (Ostrovsky A. N. Kompletny zbiór dzieł: w 16 tomach - M., 1953. - T. 14. - s. 16). Marzenie stało się rzeczywistością: więcej niż jedno z jego obrazów stało się powszechnie znane.
W latach 80., ostatnim okresie twórczości dramaturga, krytycy pisali o erozji jego talentu. Prawdziwe znaczenie dzieła Ostrowskiego podsumował I. A. Goncharov, który w dniu 35. rocznicy swojej działalności literackiej napisał: „Ty sam ukończyłeś budynek, pod którego fundamentami Fonvizin, Griboyedov, Gogol położyli kamienie węgielne. Ale dopiero po Was my, Rosjanie, możemy z dumą powiedzieć: mamy własny rosyjski teatr narodowy. Należy go słusznie nazwać Teatrem Ostrowskiego” (Goncharov I.A. Dzieła zebrane: w 8 tomach - M., 1955. - T. 8. - s. 491 - 492).
Jednak w historii kultury rosyjskiej Ostrowski jawi się nie tylko jako twórca rosyjskiego teatru narodowego, ale także teoretyk sztuki, który nakreślił nowe drogi rozwoju rosyjskiej estetyki teatralnej.
W 1865 roku to Ostrovsky stał się jednym z inicjatorów organizacji „Koła Artystycznego” z udziałem pisarza V.F. Odoevsky, muzyk N. G. Rubinstein, towarzysz broni i przyjaciel, aktor P. M. Sadovsky. Było to pierwsze twórcze stowarzyszenie rosyjskich pracowników teatralnych, zastępujące szkołę teatralną.
Odkryty przez pisarza nowy typ dramatu zrodził potrzebę stworzenia szkoły aktorstwa realistycznego, odpowiadającej zasadom „sztuki życia”. „Aby widz był usatysfakcjonowany” – pisał – „trzeba, aby przed nim nie było spektaklu, ale życie, aby powstała pełna iluzja, aby zapomniał, że jest w teatrze. Dlatego konieczne jest, aby aktorzy, przedstawiając sztukę, potrafili także wyobrazić sobie życie, aby wiedzieli, jak żyć na scenie” (A. N. Ostrovsky, Kompletny zbiór dzieł: W 16 tomach - M.. 1952. - T. 12. - s. 151).
Niekwestionowany autorytet aktorski, dramaturg uważa, że reżyser powinien być jednocześnie nauczycielem pracującym z aktorem nad rolą. Nie akceptując „premierstwa”, mówi o stworzeniu „zespołu”, co jest niemożliwe bez woli reżysera, dyscypliny artystycznej i tradycji, które przyczyniają się do ujednolicenia występu scenicznego.
Czytając sztuki teatralne i ucząc aktorstwa, Ostrovsky stawia problem udziału autora spektaklu w pracy twórczej reżysera. Autorka pomaga aktorom zrozumieć istotę spektaklu i jego bohaterów oraz odnaleźć właściwy ton.
Zmagając się ze stereotypami w sztukach performatywnych, ma negatywny stosunek do „amatorstwa”: dla amatora teatr nie jest sprawą poważną, a jedynie zabawą.
Aktor zawsze pozostawał duszą spektaklu, mistrzem „prawdziwej sztuki scenicznej” dla dramatopisarza. Przywiązując należytą wagę do szkoły aktorskiej, w której kładzie się podwaliny zawodowe, Ostrovsky przypisuje wiodącą rolę w procesie dalszego rozwoju zawodowego scenie teatralnej, na której kształtują się „prawdziwi, kompletni artyści”.
W 1874 roku, przy udziale krytyka teatralnego i tłumacza V.I. Rodisławskiego, Ostrowski utworzył Towarzystwo Rosyjskich Pisarzy Dramatycznych. Wielokrotnie przebywając za granicą, Ostrowski interesował się rozwojem teatru w krajach europejskich. Zgromadzone wrażenia i analiza doświadczeń zagranicznych pomogły dramaturgowi w ocenie rodzimej sfery teatralnej. Pracuje nad szeregiem notatek i artykułów, w których kompleksowo opisuje ówczesny stan rosyjskiego dramatu i teatru, dochodząc do wniosku, że stołeczny teatr cesarski nie jest w stanie spełnić wysokiej misji rosyjskiego teatru narodowego. Wyjście widzi w stworzeniu w Moskwie teatru nowej kultury scenicznej, publicznie dostępnego i demokratycznego.
Krótko przed śmiercią Ostrowski kierował działem repertuarowym Moskiewskich Teatrów Cesarskich. Starszy dramaturg chętnie zabiera się do pracy, jednak nie udaje mu się pracować długo – sześć miesięcy później zmarł.
Teatr Ostrowskiego, zgodnie z trafną definicją krytyka, jest „teatrem etycznym”, którego ładunek moralny daje wiarę w życie. Jego sztuka jest autentyczna, poważna i dlatego konieczna.
Aby potwierdzić istniejący związek sztuki Ostrowskiego z nowoczesnością, na zakończenie chciałbym przypomnieć jedną z najbardziej uderzających interpretacji scenicznych komedii „Wilki i owce” wystawionej przez wybitnego reżysera XX wieku Georgija Aleksandrowicza Towstonogowa na scenie Teatru im. Teatr Dramatyczny w Leningradzie Bolszoj. M. Gorkiego, przeprowadzony w latach 80-tych.
Spektakl G. A. Tovstonogova stał się zwycięstwem, gdy teatrowi udało się połączyć szkołę, wakacje, spektakl i rozrywkę. Reżysera interesowała psychologia nieingerencji i pobłażania. „Skąd się biorą „wilki”, co przyczynia się do ich aktywacji? Obojętność Łyjajewa. Dramaturg widział, jak z pokolenia na pokolenie rosła skala drapieżnictwa” – napisał reżyser. Teatr musiał tak zrobić, „aby przedstawienie pokazało aktualną skalę samego zjawiska, aby naiwna intryga „wilków” sprzed stu lat kazała pomyśleć o mafii powszechnej w dzisiejszym świecie” (Tovstonogov G. A. Lustro sceny. Księga 2. – L., 1984. – s. 72). Taka jest aktualność tematu.
W zapierającej dech w piersiach różowej kamizelce, z „uroczym” okrągłym brzuchem, oszałamiającymi baczkami i wąsami, majestatyczny, wyczerpany, królewsko leniwy, bezczynny „kot” - Michaiła Borysych Łyniajew w wykonaniu O. V. Basilaszwilego rozśmieszał publiczność do łez. Widownia, podążając za ekscytującym procesem narodzin myśli Łyniajewa, zdawała się antycypować kierunek swego ruchu. A główny problem, wokół którego intensywnie pracowała myśl Łyniajewa, sprowadzał się do jednego: jak spać przez godzinę lub dwie. Taki Łyniajew był centralną postacią tej sztuki o porozumieniu. Tovstonogov nadał „Wilkom i owcom” czystość gatunku – na scenie była komedia, satyra, na scenie królował śmiech. Rzeczywiście, w wielu profesjonalnie „wysokiej jakości” przedstawieniach opartych na tej sztuce Ostrowskiego śmiech był rzadkim gościem. Występ BDT „leczył” śmiechem, wywoływał sumienia, wprawiał w emocje, pozostając jednocześnie „ucztą” radości dla oka i duszy.
Na scenie było wszystko, o czym marzył Ostrovsky: prawda życia, genialne partnerstwo, świetnie zgrany zespół; w wyjątkowym zespole aktorskim każdy był gwiazdą, każdy miał swoją melodię, ale wszystko to było podporządkowane ogólnemu planowi - ujawnieniu Łyniajewa, Łyniawszczyny jako niebezpiecznego zjawiska społecznego XX wieku.
Dziś, już od XXI wieku, możemy śmiało powiedzieć: Ostrovsky jest naszym współczesnym.
L-ra: Literatura rosyjska w szkołach ukraińskich. – 2002. – nr 5. – s. 40-45.
Słowa kluczowe: Aleksander Ostrowski, charakterystyka twórczości Aleksandra Ostrowskiego, krytyka twórczości Aleksandra Ostrowskiego, krytyka, pobierz krytykę, pobierz za darmo, streszczenie, literatura rosyjska XIX wieku, dramatopisarze XIX wieku
Urodzony 31 marca (12 kwietnia) 1823 roku w Moskwie, wychowywał się w środowisku kupieckim. Jego matka zmarła, gdy miał 8 lat. I ojciec ożenił się ponownie. W rodzinie było czworo dzieci.
Ostrovsky kształcił się w domu. Jego ojciec miał dużą bibliotekę, w której mały Aleksander po raz pierwszy zaczął czytać literaturę rosyjską. Jednak ojciec chciał zapewnić synowi wykształcenie prawnicze. W 1835 r. Ostrowski rozpoczął naukę w gimnazjum, a następnie wstąpił na Uniwersytet Moskiewski na Wydziale Prawa. Ze względu na zainteresowania teatralne i literackie nie ukończył studiów na uniwersytecie (1843), po czym za namową ojca pracował jako skryba sądowy. Ostrovsky służył w sądach do 1851 roku.
Twórczość Ostrowskiego
W 1849 roku powstało dzieło Ostrowskiego „Nasz naród – bądźmy ponumerowani!”, które przyniosło mu literacką sławę; został wysoko oceniony przez Mikołaja Gogola i Iwana Gonczarowa. Następnie, pomimo cenzury, ukazało się wiele jego sztuk i książek. Dla Ostrowskiego pisma są sposobem na prawdziwe przedstawienie życia ludzi. Do jego najważniejszych dzieł należą sztuki „Burza z piorunami”, „Posag”, „Las”. Sztuka Ostrowskiego „Posag”, podobnie jak inne dramaty psychologiczne, niestandardowo opisuje bohaterów, świat wewnętrzny i mękę bohaterów.
Od 1856 roku pisarz bierze udział w wydawaniu magazynu Sovremennik.
Teatr Ostrowskiego
W biografii Aleksandra Ostrowskiego teatr zajmuje pierwsze miejsce.
Ostrovsky założył Koło Artystyczne w 1866 roku, dzięki czemu w kręgu teatralnym pojawiło się wielu utalentowanych ludzi.
Wraz z Kołem Artystycznym znacząco zreformował i rozwinął teatr rosyjski.
Dom Ostrowskiego był często odwiedzany przez znane osobistości, m.in. I. A. Gonczarowa, D. W. Grigorowicza, Iwana Turgieniewa, A. F. Pisemskiego, Fiodora Dostojewskiego, P. M. Sadowskiego, Michaiła Saltykowa-Szczedrina, Lwa Tołstoja, Piotra Czajkowskiego, M. N. Ermołowa i innych.
W krótkiej biografii Ostrowskiego warto wspomnieć o powstaniu w 1874 r. Towarzystwa Rosyjskich Pisarzy Dramatycznych i Kompozytorów Operowych, którego przewodniczącym był Ostrowski. Dzięki swoim innowacjom osiągnął poprawę życia aktorów teatralnych. Od 1885 roku Ostrowski kierował szkołą teatralną i był szefem repertuaru moskiewskich teatrów.
Życie osobiste pisarza
Nie można powiedzieć, że życie osobiste Ostrowskiego zakończyło się sukcesem. Dramaturg mieszkał z kobietą z prostej rodziny, Agafią, która nie miała wykształcenia, ale jako pierwsza czytała jego dzieła. Wspierała go we wszystkim. Wszystkie ich dzieci zmarły w młodym wieku. Ostrovsky mieszkał z nią przez około dwadzieścia lat. A w 1869 roku ożenił się z artystką Marią Wasiljewną Bachmetiewą, która urodziła mu sześcioro dzieci.
Ostatnie lata życia
Do końca życia Ostrovsky doświadczał trudności finansowych. Ciężka praca bardzo wyniszczała organizm, a zdrowie pisarza coraz bardziej podupadało. Ostrovsky marzył o ożywieniu szkoły teatralnej, w której można byłoby uczyć profesjonalnego aktorstwa, ale śmierć pisarza uniemożliwiła realizację jego długo obmyślanych planów.
Ostrovsky zmarł 2 czerwca (14) 1886 w swojej posiadłości. Pisarz został pochowany obok ojca, we wsi Nikoło-Bereżki w prowincji Kostroma.
Tabela chronologiczna
Inne opcje biografii
- Od dzieciństwa Ostrovsky znał grekę, niemiecki i francuski, a w późniejszym wieku nauczył się także angielskiego, hiszpańskiego i włoskiego. Przez całe życie tłumaczył sztuki teatralne na różne języki, doskonaląc w ten sposób swoje umiejętności i wiedzę.
- Droga twórcza pisarza obejmuje 40 lat udanej pracy nad dziełami literackimi i dramatycznymi. Jego działalność wpłynęła na całą epokę teatru w Rosji. Za swoje dzieła pisarz otrzymał w 1863 roku Nagrodę Uvarowa.
- Ostrovsky jest twórcą współczesnej sztuki teatralnej, której naśladowcami były tak wybitne osobistości, jak Konstantin Stanisławski i
Życie i twórczość Aleksandra Nikołajewicza Ostrowskiego (1823-1886) „Pracuję całe życie…” „Moim zadaniem jest służyć rosyjskiej sztuce dramatycznej…” Dzieciństwo i młodość Urodzony 31 marca 1823 r. w rodzinie urzędnika (prawnik). Ojczyzna - rejon Zamoskvorechye (gdzie mieszkała większość moskiewskich kupców). Zamoskvorechye w XIX wieku Otrzymał dobre wykształcenie w domu, od dzieciństwa uczył się języków obcych. Następnie znał grecki, francuski, niemiecki, a później angielski, włoski i hiszpański. 1840 – ukończył gimnazjum w Moskwie. Wstęp na Uniwersytet Moskiewski na Wydziale Prawa. Silna pasja teatralna 1843 - Wydalony z uniwersytetu. Postanowiłem studiować literaturę. Na prośbę ojca pełni funkcję w Moskiewskim Sądzie Sumiennym (1843 - 1845), gdzie rozpatrywane były sprawy pomiędzy krewnymi. 1845 - 1851 - przeniesienie do Moskiewskiego Sądu Handlowego. Wszystko to stanowi niepowtarzalną okazję do obserwacji i analizy działań ludzi z różnych warstw społecznych. 1849 – ślub cywilny (wbrew woli ojca) z Agafią Iwanowną, dziewczyną z mieszczaństwa. Początek twórczości 1850 (marzec) - w czasopiśmie „Moskvityanin” ukazała się pierwsza komedia „Nasi ludzie - będziemy ponumerowani” („Bankrut”). Autor od razu stał się sławny. „Nasi ludzie – będziemy policzeni!” Spektakl był aresztowany przez 10 lat, ponieważ według Dobrolyubova „...godność ludzka, wolność osobista, wiara w miłość i szczęście oraz świętość uczciwej pracy zostały w prochu rzucone i bezczelnie zdeptane przez tyranów”. działalność Na początku lat 50. repertuar teatrów rosyjskich był ubogi. Teatr potrzebował dramatopisarza... Ostrowski rozpoczyna pracę nad sztuką „Nie wsiadaj na własne sanie” Premiera odbyła się w styczniu 1853 roku. to początek teatralnej sławy Ostrowskiego W sierpniu - „Biedna panna młoda”. Współpraca z Teatrem Małym 1853 - 1856 - sztuki „Ubóstwo nie jest wadą”, „Nie żyj tak, jak chcesz”, „W kimś”. na cudzej uczcie jest kac”, „Miejsce dochodowe” Bohaterowie Ostrowskiego 1856 - Współpraca z czasopismem „Sovremennik” Wyprawa literacka „wzdłuż Wołgi. Celem jest poznanie życia i zwyczajów osadnictwa Wołgi. 1857, lato. - kontynuacja podróży wzdłuż Wołgi 1859 - premiera dramatu „Burza” (w wyniku „wypraw”) Spektakl „Burza” odzwierciedla okres ożywienia społecznego, kiedy kruszyły się podstawy pańszczyzny. Tytuł dramatu to wstrząs społeczny. Ostrowski jest jednym z pierwszych pisarzy rosyjskich, który ujawnił tragiczną pozycję kobiet w rodzinie. 1861 - Komedia „Po co pójdziesz, znajdziesz” („Ślub Balzaminowa”) 1863 - Wybrany na członka-korespondenta Akademii Nauk 1866 - Wykładał w nowym moskiewskim „Kole Artystycznym”. Stało się to podstawą do powstania rosyjskiego teatru narodowego „Teatr Ostrowskiego”. 1867 - śmierć żony Agafii Iwanowna 1869 - poślubienie Marii Bakhmetyevy (Vasilieva), aktorki Teatru Małego. Żona i dzieci pisarza 1870–1886 – najbardziej owocny okres w jego życiu Komedie „Szalone pieniądze”, „Las”, „Wilki i owce”. Dramaty „Posag”, „Talenty i wielbiciele”, „Winny bez winy” Szczególne miejsce w dziedzictwie Ostrowskiego zajmuje „wiosenna bajka” „Śnieżna dziewica” (1873) - spojrzenie na starożytną, patriarchalną, bajkową- świat baśni, w którym dominują także relacje materialne. 2 czerwca 1886 r. - śmierć pisarza w jego majątku Szczełokowo (przy biurku) W sumie A.N. Ostrovsky napisał 47 sztuk, 7 sztuk we współpracy z innymi dramatopisarzami, przetłumaczył ponad 20 sztuk z języka włoskiego, hiszpańskiego, francuskiego, angielskiego i języków łacińskich. Od 1853 do 1872 r jego sztuki wystawiano 766 razy w teatrach stołecznych i prowincjonalnych, przynosząc Dyrekcji Teatrów Cesarskich dochód w wysokości ponad 2 milionów rubli. Zasługa A.N. Ostrowskiego A.N. Ostrowskiego ujawniła światu osobę nowej formacji: kupiec-staroobrzędowca i kupiec-kapitalista, który podróżuje za granicę i prowadzi własny biznes. Słusznie nazywany jest „Kolumbem z Zamoskvorechye”. Przed A.N. Ostrowskim w historii teatru rosyjskiego było tylko kilka nazwisk. Dramaturg wniósł ogromny wkład w rozwój rosyjskiego teatru. Twórczość A.N. Ostrowskiego, kontynuująca tradycje Fonvizina, Gribojedowa, Puszkina, Gogola, wyróżnia się innowacyjnością w przedstawianiu bohaterów, w języku bohaterów oraz w poruszanych problemach społecznych i moralnych. „Kolumb z Zamoskvorechye” „Ty sam ukończyłeś budowę, pod którą Fonvizin, Gribojedow i Gogol położyli kamienie węgielne. Ale dopiero po Was my, Rosjanie, możemy z dumą powiedzieć: „Mamy swój rosyjski, narodowy teatr”. Trzeba go uczciwie nazwać „Teatrem Ostrowskiego”. I.A.Goncharov
