W tym roku na festiwalu NET nie będzie teatru interpretacyjnego, a jedynie rozwój nowych przestrzeni teatralnych i nowe sposoby komunikowania się z publicznością. Odbędą się trzy taneczne „dzieła sztuki” (jak Marina Davydova określiła Galę dzieła Jerome’a Bela, ale tak samo można nazwać inne taneczne występy w NET): wspomniana już Gala, Climax Yasmin Godder i „The Returned” Victora Karina, Mia Zanetti i choreograf Miguel.

Nasz zespół pomoże Państwu wybrać spektakle, na które z pewnością będziecie chcieli się wybrać. Przewodnik po sieci.

WAKACJE PRZYSZŁOŚCI

Forced Entertainment/Reżyseria: Tim Etchells (Sheffield, Wielka Brytania)

Co to jest: Dwóch aktorów (mężczyzna i kobieta) na zmianę wypowiadają się na temat swoich i cudzych założeń na temat przyszłości, tych najbardziej koszmarnych lub absurdalnych. Czasami między wykonawcami panuje poczucie rywalizacji, a każdy z nich stara się przedstawić coraz bardziej niepokojącą i zabawną wersję rzeczywistości. Tak naprawdę mówią o teraźniejszości – nadziejach i obawach, także tych dotyczących przyszłości.

Dlaczego warto obejrzeć: Forced Entertainment to grupa brytyjskich artystów, którzy spotkali się w 1984 roku i zaczęli zgłębiać strukturę teatrów i nowoczesność. I nie boją się eksperymentować. Od 30 lat firma podróżuje już po całym świecie i aktywnie bada się na akademickim polu sztuki. Teatr nieustannie poszukuje nowych form sztuki teatralnej i performatywnej, niestrudzenie studiuje współczesne życie w miastach. „Wakacje przyszłości” to bardzo ironiczny dialog o nas wszystkich.

TYBETAŃSKA KSIĘGA Umarłych

Theatre.doc / Reżyseria: Wasilij Berezin (Moskwa, Rosja)

Co to jest: Opuszczona stuletnia zajezdnia PKP Kursk, graffiti, aktorzy, bezdomni... Widzowie będą musieli wyobrazić sobie, że oni już umarli, nie mają się już czego bać, i posłuchać instrukcji o tym, co ich czeka po nich śmierć. Nie będzie smutku i przygnębienia, wszystko będzie z humorem. A tak naprawdę sztuka jest o życiu i o tym, co jeszcze jest do zrobienia.

Dlaczego warto obejrzeć: Tybetańska Księga Umarłych to buddyjski tekst mówiący o tym, co czeka ludzką świadomość po śmierci i przed reinkarnacją. Książka ta wywarła ogromny wpływ na poglądy i prace naukowe C. G. Junga. Sam temat jest pasjonujący i nawet rozgrywany w tak kameralnym miejscu, a nawet przez Teatr.doc. Oto być może trzy ważne powody, dla których powinieneś ubierać się ciepło i pokonać swoje lęki.

Gdzie/kiedy: Opuszczona zajezdnia stacji Kursk (ul. Zemlyanoy Val, 9) / 19 listopada, godz. 20:00

10 10 10

Spektakl multimedialny / Grupa Anonymus

Co to jest: 10 opowiadań wideo inspirowanych 10 dziełami (Władimir Nabokov „Obrona Łużyna” / „Camera Obscura”. Franz Kafka „Ameryka”, Thomas Mann „Czarodziejska góra”, Fiodor Dostojewski „Zbrodnia i kara”, Virginia Woolf „Pokój Jakuba” / „Fale”, Henry Miller „Zwrotnik raka”, William Burroughs „Nagi lunch”, Joseph Brodsky „Nabrzeże nieuleczalnego”). Motywem, który ich wszystkich łączy, są niewidzialne obrazy pokoju hotelowego, w którym człowiek znajduje się w próżni ze swoimi myślami, pomiędzy przeszłością a przyszłością.

Dlaczego warto obejrzeć: Grupa anonimowa- twórcze stowarzyszenie absolwentów berlińskiej szkoły Bauhaus. Ich obszarem działania są projekty multidyscyplinarne i wielokulturowe łączące wideo, dźwięk, sztuki wizualne, kino i współczesną choreografię. Ciekawe, że nakręcili coś takiego, inspirowanego tak różnymi dziełami.

Gdzie/kiedy: Nowa przestrzeń Teatru Narodów, 20–28 listopada, w godzinach 16:00–21:00 (wstęp wolny)

ROZMOWY UCHODŹCÓW

Dyrektor produkcji: Konstantin Uchitel, reżyser: Władimir Kuzniecow (St. Petersburg, Rosja)

Co to jest: Spektakl na promenadzie na Dworcu Leningradzkim na podstawie sztuki Bertolta Brechta, napisanej w latach 1940-41 w Finlandii. Spektakl jest rozmową dwóch niemieckich uchodźców z II wojny światowej, której akcja rozgrywa się na dworcu głównym w Helsinkach. Widz będzie spacerował po stacji Leningradzkiej i słuchał dialogu dwóch aktorów, którzy albo się zbiegną, albo rozejdą. Dzięki temu widz ma wybór – za jakim aktorem podążać i czy w ogóle podążać – może po prostu spacerować po stacji w dowolnym wybranym kierunku.

Dlaczego warto obejrzeć: spektakl promenadowy jest zawsze dla widza okazją do włączenia się w spektakl, do stworzenia własnego, poczucia aktu tworzenia teatru tu i teraz. Co więcej, tematy pojawiające się w dialogach napisanych 75 lat temu są nadal aktualne. Każdy znajdzie swoje podobieństwa.

ZŁOTY OSÓŁ. OTWARTA PRZESTRZEŃ PRACY

Stanisławski Elektroteatr, Dyrektorzy: grupa twórcza Borysa Juchanowa (Moskwa, Rosja)

Co to jest: Nowym gatunkiem dla Rosji jest otwarta przestrzeń pracy, tj. aktorzy przeczytają swoją rolę, po czym zatrzymają się i skomentują ich występ lub sam Juchanow przerwie przedstawienie i również skomentuje. Wszystko potrwa pięć dni i będzie podzielone na pokazy dzienne (od 14:00 do 18:00) i wieczorne (19:00 do 23:00). Przez cały czas trwania projektu zostanie odczytany w całości tekst powieści Apulejusza „Metamorfozy, czyli złoty osioł”.

Dlaczego warto obejrzeć: Nowy gatunek, prawie tydzień oglądania. A także skomplikowana kompozycja: pięć dni to pięć części motyla (cztery skrzydła i ciało) - dwie „Kudłate”, dwie „Białe” i „Miasto”. Intrygujący i tajemniczy, prawie jak „The Drillers”.

WYSTAWA „MUR CHRISTOPHA SCHLINGENSIEFFA: MIĘDZY RZECZYWISTOŚCIĄ A WYOBRAŹNIĄ”

galeria na Solance

Co to jest:Ściana poświęcona twórczości Christopha Schlingensiefa - fragmenty wideo z przedstawień teatralnych, zdjęcia spektakli, cytaty oraz fragmenty wywiadu z samym Schlingensiefem, jednym z najoryginalniejszych niemieckich artystów. który pracował w teatrze postdramatycznym, w kinie, w operze i w akcjonizmie.

Dlaczego warto obejrzeć: Schlingensief jest bardzo popularny na Zachodzie, ale nie tutaj. Trzeba wypełnić tę lukę i udać się tam, aby wyrobić sobie własną wizję tego artysty.

Reżyseria: Pippo Delbono (Włochy-Chorwacja)

Co to jest: Wspomnienia chorwackich performerów, którzy przeżyli traumatyczne wydarzenia brutalnej wojny, która zmieniła historię i granice ich ojczyzny, przeplatają się z materiałami wideo z włoskiego obozu dla uchodźców. W przedstawieniach Delbono nie ma jasno określonych postaci, zarysu dramatycznego, a nawet mise-en-scène w tradycyjnym tego słowa znaczeniu.

Dlaczego warto obejrzeć: Kiedy Pippo Delbono przyjechał do Moskwy, nie zrozumieli go. Teraz powraca, ale jako gwiazda europejskiej sceny. Vangelo (po włosku: Ewangelia) to wewnętrzny dialog ze swoją zmarłą, katoliczką, matką, która tego pragnęła. aby mógł wystawić Ewangelię na scenie. „Jak mogę to zrobić, jeśli nawet nie wierzę w Boga?” – mówi reżyser na początku spektaklu. Musimy teraz przyjść zobaczyć, jak tego dokonał i spróbować zrozumieć, przynajmniej tym razem.

ZWRÓCONY

Projekt YBW, reżyseria: Victor Karina, Mia Zanetti, choreograf: Miguel

Co to jest: wciągające przedstawienie oparte na sztuce „Duchy” Henrika Ibsena. Widzowie będą nosić maski i będą mogli wędrować po rezydencji z epoki wiktoriańskiej przez ponad trzy godziny. W każdym pomieszczeniu będzie się działo coś, dosłownie na wyciągnięcie ręki. Oczywiście nie da się zobaczyć wszystkiego na raz. Każdy będzie miał swój własny występ.

Dlaczego warto obejrzeć: Ten wciągający gatunek serialu, nowy w Rosji, będzie jak zapierająca dech w piersiach podróż pełna tajemnic i intryg. Czy marzyłeś kiedyś o zagraniu w filmie Davida Lyncha? Proszę. Widz niczym duch będzie przemierzać labirynty rezydencji, obserwując dziwne relacje jednej rodziny.

Gdzie/kiedy: Dashkov Lane, 5 / 27 listopada (zapowiedź), 1 grudnia, sesje indywidualne

KARINA I DRON

Laboratorium kreatywne „Ugol”, dyrektor: Dmitry Volkostrelov (Kazań, Rosja)

Co to jest: sztuka Pawła Pryażki o uczniach pokolenia 2000, którzy nie wyobrażają sobie życia bez Internetu i smartfona. Aktorzy to nastolatkowie z Kazania w wieku 14–16 lat, niektórzy to uczniowie szkół teatralnych, a niektórzy to zwykli uczniowie. Oprócz „werbalnych śmieci” uczniów, spektakl, zdaniem reżysera, zawiera historię „ryku ziemi”, który jest zwiastunem apokalipsy.

Dlaczego warto obejrzeć: Dramaturg Paweł Pryażko przez długi czas podsłuchiwał uczniów w Mińsku, aby zebrać materiały do ​​spektaklu. Warto przyjechać i posłuchać, jak żyje współczesna młodzież, co jej chodzi po głowie i jak przedstawił to założyciel petersburskiego teatru pocztowego Dmitrij Volkostrelov.

ODDECH

Reżyseria: Marat Gatsalov (Moskwa, Rosja)

Co to jest: Sztuka Duncana MacMillana „Oddech” to refleksje mężczyzny i kobiety na temat tego, co leży u podstaw ich pragnienia posiadania dziecka. Jeśli prowadzisz samochód, używasz plastikowych toreb, czyli zanieczyszczasz planetę na wszelkie możliwe sposoby, jak możesz mieć dzieci? Kto umrze szybciej – planeta czy związek mężczyzny i kobiety?

Dlaczego warto obejrzeć: Moskale widzieli tę sztukę w reżyserii Katie Mitchell na festiwalu NET w 2014 roku. Teraz tę sztukę wystawia „młody, ale bardzo doświadczony” reżyser Marat Gatsalov, który niedawno wystawiał na Nowej Scenie Teatru Aleksandryjskiego. A scenografką jest tutaj nominowana do wielu nagród Ksenia Peretrukhina.

Koncepcja i produkcja: Jérôme Bel

Co to jest: Dekonstrukcja akademickiego rozumienia tańca. Walka z popularnymi wyobrażeniami o selektywności i ekskluzywności wykonawcy przybiera tu formę gali, zbiorowego amatorskiego pokazu, w którym idea „dobrego tańca” ustępuje czystej przyjemności występowania na scenie. Gala bada fizyczną i mentalną plastyczność nietrenowanych ciał, mobilizując ich pragnienie wyrażania siebie w tańcu i ich zdolność do ucieleśnienia, choćby w minimalnym stopniu, wiedzy choreograficznej. Te. nieprofesjonalny koncert galowy.

Dlaczego warto obejrzeć: Jérôme Bel jest jednym z liderów ruchu nietanecznego. Występował z Preljocajem i Obadiahem, a także z Decouflé inscenizował ceremonię Zimowych Igrzysk Olimpijskich (1992). Trzy lata temu został gwiazdą Festiwalu w Awinionie spektaklem Disable Theatre, w którym wzięli udział tancerze ze specjalnymi potrzebami (aktorzy z Zurich Hora Theatre). Produkcja zachwyciła także Marinę Davydovą)

Choreografia: Yasmin Godder

Co to jest: Tworząc krąg, patrząc sobie prosto w oczy, 6 tancerzy, początkowo wśród publiczności, stopniowo wyklucza tę drugą ze swoich szeregów, przekazując sobie nawzajem sygnały poprzez ruch, pantomimę, krzyk, śpiew i ciszę, czasem rozluźnioną, czasem napiętą granice jako Zarówno taniec, jak i sztuka performance, Climax wykorzystuje powtórzenia, zsynchronizowany i grupowy ruch, aby krytycznie zbadać współczesne pojęcia tożsamości narodowej i samostanowienia.

Dlaczego warto obejrzeć: Yasmin Godder urodziła się w Jerozolimie, studiowała w Martha Graham School, a następnie w Tisch School of Art na Uniwersytecie Nowojorskim. Przez 15 lat rozwijała swoje słownictwo związane z tańcem i badała ruch. Praca Climaxu wymaga od tancerzy niesamowitego poświęcenia i uczciwości, które przekażą widzom, którzy nie będą mieli nawet gdzie usiąść.

MEDEA. TWORZYWO

Stowarzyszenie kreatywne ORTA, dyrektor: Rustem Begenov (Ałmaty, Kazachstan)

(Program WYŁĄCZONY)

Co to jest: Technologiczna zagadka na szesnaście modelek, sześciu muzyków, cztery ekrany, trzy kamery i dwa głosy na styku teatru, performansu, koncertu współczesnej muzyki akademickiej i baletu automatycznego. Opiera się na tekstach Heinera Müllera „Medea.Material” i Olzhasa Suleimenova „AZ and I”. To pejzażowy teatr muzyczny, w którym muzyka, technika, ciało, scenografia, kostium i tekst są w równych relacjach i równej sile obecności. Jeśli nadal nie wszystko jest jasne, obejrzyj fragment filmu (co jednak niewiele pomoże).

Dlaczego warto obejrzeć: Rustam Begenow, uczeń Borysa Juchanowa, pracował w Stanislavsky Electrotheater jako producent i asystent. Muzykę do spektaklu napisał Sanzhar Baiterekov, a wykonał ją zespół Igeru, pierwszy kazachski zespół współczesnej muzyki akademickiej. Scenografię stworzyła słynna kazachska artystka filmowa Julia Lewicka, cała maszyneria spektaklu, w tym automatyczne kamertony, została opracowana i skonstruowana przez studio Artdepartment. A zamiast aktorów są prawdziwe kazachskie modele.

Dużo ciekawych rzeczy będzie się działo również w klubie festiwalowym, więcej szczegółów na stronie festiwalu: http://netfest.ru

Jeden z najjaśniejszych festiwali teatralnych w Rosji po raz kolejny zachwyci publiczność przełomowymi dziełami europejskich dramaturgów i odważnymi eksperymentami służby domowej Melpomeny.

Od swojego powstania w 1998 roku Nowy Teatr Europejski (NET) ugruntował swoją pozycję „zaawansowanej placówki” postępowej sceny zachodniej na terenie poradzieckim. Twórcy forum sztuki postawili sobie za cel wprowadzenie w stołeczny – i szerzej – w rosyjski – krajobraz kulturowy tego, co najodważniejsze i awangardowe, jakie czynią dziś czołowe teatry Europy. Uczynić z Moskwy międzynarodowy biegun atrakcji, w którym spotkają się „nowe fale” sztuki europejskiej i rosyjskiej. Aby sprostać tak ogromnemu zadaniu, Nowy Teatr Europejski wykorzystuje najbogatszą paletę gatunkową współczesnego teatru – od nowatorskiego spojrzenia na dramat klasyczny po spektakl multimedialny.

Najlepsze przestrzenie kulturalne stolicy, w tym Teatr Narodów, Centrum nazwane im. Słoneczny. Meyerholda, Stanisławski Elektroteatr, Galeria Państwowa na Sołyance. Zgodnie z duchem nowatorskiej twórczości, jaki leży u podstaw konceptualnych NET, akcja spektakli festiwalowych z łatwością opuszcza „znaną” scenę teatralną. Sale muzealne, kluby nocne czy moskiewskie dworce kolejowe stają się żywymi miejscami przedstawień i występów tanecznych. Do głównych miejsc festiwalu teatralnego dołącza zwykle kameralny loft „Komnaty Bojara” w budynku Związku Pracowników Teatru Rosji, w którym działa Klub Festiwalowy NET.

Ceny biletów na festiwal NET zaczynają się od 700 rubli. Udział w niektórych wydarzeniach forum kulturalnego jest bezpłatny.

18. Festiwal jest dla nas punktem wyjścia do dalszego rozwoju po długiej drodze formacyjnej. Uspokoiliśmy się, ale nadal staramy się zrozumieć nieznane wcześniej formy.

W tym roku w programie: brytyjska sztuka utopijna o dynamicznych formach teraźniejszości i przyszłości („Wakacje przyszłości”), wyzwanie słynnego włoskiego reżysera Pippo Delbono (Vangelo), produkcja posłannicza Dmitrija Volkostrelova o życie współczesnych nastolatków („Karina i Drone”), spektakl taneczny Francuza Jerome’a Bela z udziałem osób ze specjalnymi potrzebami (Gala), fenomen tańca izraelskiego w twórczości Yasmin Godder (Climax), spektakl św. Spektakl na petersburskim deptaku według sztuki Bertolta Brechta („Rozmowy uchodźców”); jasne premiery moskiewskich teatrów: spektakle „Tybetańska księga umarłych”, „Oddech” i „Złoty osioł”. Otwarta przestrzeń do pracy”; a także dwa projekty specjalne - performans multimedialny oparty na znanych dziełach sztuki („10 10 10”) oraz wystawa poświęcona twórczości niemieckiego artysty Christopha Schlingensiefa.

Na program OFF składają się: wciągające widowisko koprodukowane przez amerykańsko-rosyjską firmę („The Returned”) oraz kazachski popowo-mechaniczny występ Rustema Begenowa („Medea. Material”).

PROGRAM GŁÓWNY:

„Wakacje przyszłości”

Tegoroczna Nagroda Ibsena, czasami nazywana „teatralną Nagrodą Nobla”, trafiła do doświadczonego angielskiego zespołu talk-teatralnego Forced Entertainment. Zespół z nieteatralnego miasta Sheffield, który nie ma nawet własnej sali, ale jest znany na całym świecie dzięki swoim kameralnym, mobilnym występom. NET pokaże jedną z najnowszych premier, której oryginalny tytuł nawiązuje do utworu kultowej grupy Velvet Underground.

„W przyszłości nie będzie narodów i krajów…” Dwoje aktorów, mężczyzna i kobieta, stojąc przez ponad godzinę naprzeciw widza, niemal nie patrząc na siebie, fantazjują o przyszłości całej ludzkości. „W przyszłości…” – zaczyna się, „Albo…” – sprzeciwia się drugi… Być może w przyszłości na każdym kontynencie pozostanie tylko jedna osoba; lub kilka osób będzie korzystać z tego samego ciała; lub budząc się rano, każda osoba będzie mogła zdecydować, w jakim ciele będzie żyła tego dnia; albo każda rasa zajmie swój własny kontynent, albo nie będzie żadnych ras; albo seks stanie się czymś nieciekawym, zajęciem tylko dla starych ludzi...

Sprzeciwy często wydają się być zwykłym sparingiem kobiet i mężczyzn, niemal flirtem, czasem jednak aktorzy zręcznie wcielają się w role konserwatystów i liberałów, a wtedy futurystyczne ćwiczenia nabierają aktualnego, politycznego tonu. Dynamiczny i dowcipny spektakl Forced Entertainment nie opowiada oczywiście o przyszłości, ale o teraźniejszości – o nadziejach i fobiach dzisiejszego człowieka oraz o nieprzezwyciężonym strachu przed przyszłością. To nie przypadek, że dialog bohaterów kończy się założeniem, że pewnego dnia życie ludzkie będzie trwało tylko godzinę.

Projekt będzie wspierany przez British Council w Rosji.

Jednym z głównych i najpotężniejszych „czarnych koni” nadchodzącego programu festiwalu będzie spektakl Vangelo w inscenizacji światowej sławy włoskiego reżysera Pipo Delbono. Punktem zwrotnym w teatralnej karierze artysty, zwanego często „najbardziej kontrowersyjnym geniuszem współczesnej sceny włoskiej”, była współpraca z Piną Bausch. Wtedy Delbono zdał sobie sprawę, że najważniejsza jest dla niego osoba i jego ciało. W przedstawieniach Włocha nie ma jasno określonych postaci, zarysu dramatycznego, a nawet mise-en-scène w tradycyjnym tego słowa znaczeniu. Trwa gorączkowy monolog samego reżysera – wysoki, tęgi, łysy mężczyzna z długimi ramionami, który swobodnie porusza się po scenie niczym dziecko, którego nigdy nie uczono sztuki tańca. Są też artyści jego ekscentrycznej trupy: stary autystyczny Bobo, którego Pipo uratował ze szpitala psychiatrycznego, down-transwestyta Gianluca… Z ich pomocą Delbono stara się wyeliminować sztuczność ze sztuki. Zamień przedstawienie sceniczne w spowiedź sceniczną. Jego prace przepojone są chęcią zmierzenia się z tym, co naturalne i fałszywe, a przez to przełamania konwencji teatru, w którym nie da się już grać ról, można być tylko sobą.

O czymkolwiek Delbono mówi, zawsze ma na myśli niestabilny chaos, w który wszyscy jesteśmy zanurzeni od urodzenia i niewzruszony fundament istnienia, który staramy się odnaleźć przez całe życie.

Performance Vangelo (po włosku „Ewangelia”) powstał ku pamięci matki artysty, która będąc prawdziwą katoliczką, przed śmiercią zadała synowi pytanie, dlaczego nigdy nie sięga po tematy religijne. Nie należy jednak spodziewać się znanych historii ani kanonicznego wcielenia.

We Włoszech, po Marksie i Pasolinim, ikonografia biblijna niezmiennie komentuje współczesne historie cierpiących i wyrzutków.

Zdjęcie: Luca Del Pia

„Karina i dron”

Pierwsza poza obydwoma stolicami inscenizacja Dmitrija Wołkostrełowa (założyciela petersburskiego teatru pocztowego i zdobywcy Narodowej Nagrody Teatralnej „Złota Maska”) oparta jest na sztuce jej stałego autora Pawła Pryażki. Tekst wygląda jak losowo ułożone sceny rejestrujące mowę współczesnych nastolatków.

Volkostrelov zmierzył się w przedstawieniu z wczorajszymi uczniami - w zasadzie rodzimymi użytkownikami tego języka. Twarze są prawie niewidoczne, słowa często nie są rozróżnialne, a sama komunikacja bohaterów przypomina czaty na portalach społecznościowych, gdzie ortografia, interpunkcja i składnia są niestabilne i znajdują się w fazie nowej formalizacji. W ten sposób powstają nowe kody komunikacyjne i kształtuje się osoba przyszłości.

W ostatnim czasie szczególną uwagę praktyków teatru zaczęto poświęcać teatrowi włączającemu i inscencjom z udziałem osób ze specjalnymi potrzebami. Spektakl francuskiego reżysera i choreografa Jerome’a Bela jest doskonałym przykładem udanej pracy wybitnego choreografa z wykonawcami profesjonalnymi i nieprofesjonalnymi. W przedstawieniu bierze udział 20 tancerzy moskiewskich zawodowych i nieprofesjonalnych (w tym 2 tancerzy baletu, 2 performerów tańca współczesnego, 2 aktorów, 2 dzieci w wieku 6-10 lat, 2 nastolatków, 3 emerytów, 1 osoba transpłciowa, 1 osoba z zespołem Downa, 1 osoba z porażeniem mózgowym).

W pierwszej części spektaklu performerzy na zmianę prezentują swoją interpretację jednego ze stylów tanecznych, ilustrując tezę Jérôme’a Bela o zjawisku pamięci społecznej. W drugiej wykonują solowe tańce, które znają z życia codziennego, a pozostali uczestnicy Gali odtwarzają ich ruchy. W rezultacie, zgodnie z zamysłem autora, spektakl zamienia się w prawdziwy hedonistyczny manifest tańca pozbawiony ograniczeń i kompleksów.

Jedyne w ramach festiwalu przedstawienie spektaklu zostanie zaprezentowane na dużej scenie Teatru Narodów.

Jérôme Bel to tancerz, choreograf i reżyser, jeden z liderów ruchu „nietanecznego”. Urodzony w 1964 roku w Montpellier. W 1985 roku ukończył Narodowe Centrum Tańca Współczesnego w Angers. Brał udział w przedstawieniach czołowych choreografów Francji i Włoch. Był asystentem Philippe'a Decouflé przy inscenizacji ceremonii Zimowych Igrzysk Olimpijskich w Albertville (1992). W 1994 roku zadebiutował jako choreograf. Występował na całym świecie, m.in. w Operze Paryskiej Garnier, Operze w Lyonie i brukselskim teatrze La Monnaie. Współpracuje ze znanymi tancerzami, których imionami nadaje spektakle (Veronique Doisneau, Isabel Torres, Lutz Forster, Cedric Andrieu). Aktywnie pracuje z osobami z niepełnosprawnością rozwojową.

Projekt będzie realizowany wspólnie przez festiwal NET, Teatr Narodów i Instytut Francuski w Moskwie.

Zdjęcie: Herman Sorgeloos

Fenomen izraelskiego tańca współczesnego jest mało reprezentowany na moskiewskiej scenie, a jedną z jego kluczowych postaci jest urodzona w Jerozolimie, a wychowana w Nowym Jorku Yasmin Godder. Jako studentka Martha Graham Dance School interesowała się manhattańską sceną punkową lat 80., a po ukończeniu prestiżowej Tisch Art School skupiła się wyłącznie na nauce ruchu.

Jedno z najnowszych dzieł Goddera, Climax, powstało na zamówienie Muzeum Sztuk Pięknych Petah Tikva i pierwotnie powstało z myślą o przestrzeni wystawienniczej. Łącząc sztuki żywe i nieożywione, wizualne i performatywne, dziewczynie udało się stworzyć dzieło ostro polityczne, które rezonuje z kruchym poczuciem wspólnoty, pragnieniem bezpieczeństwa we wspólnocie, nieodłącznym z jednej strony współczesnemu artyście, a z drugiej w każdym Izraelczyku, a jednocześnie przyćmione poczuciem zagrożenia zagrażającego z zewnątrz.

Utwór wymaga dużego wysiłku fizycznego od wykonawców – sześciu tancerzy – i zawiera unikalne słownictwo taneczne, które Godder rozwijał przez ostatnie 15 lat. Tworząc krąg, patrząc sobie prosto w oczy, performerzy, początkowo wśród publiczności, stopniowo wykluczają tę drugą ze swoich szeregów, przekazując sobie nawzajem sygnały poprzez ruch, pantomimę, krzyk, śpiew i ciszę, czasem relaksującą, czasem napiętą. Przejścia z jednego sposobu istnienia do drugiego są szybkie i nieoczekiwane.

Przesuwając granice zarówno tańca, jak i sztuki performance, Climax krytycznie analizuje współczesne pojęcia tożsamości narodowej i samostanowienia poprzez wykorzystanie powtórzeń, ruchu zsynchronizowanego i grupowego.

Zdjęcie: Gadi Dagon

„Rozmowy o uchodźcach”

Spektakl na promenadzie na podstawie sztuki Bertolta Brechta, napisanej w latach 1940-1941 w Finlandii. Lokalizacja to główny dworzec kolejowy w Helsinkach. Akcja rozgrywa się w holach, kawiarniach i na peronie stacji. Uzbrojony w sprzęt monitorujący widz ma okazję obserwować prywatną rozmowę pomiędzy niejakim Ziffelem i Kalle. Każdy ma prawo określić własną strategię inwigilacji: możesz podążać za artystami lub zniknąć w tłumie i zbudować własną sekwencję wizualną, spontanicznie nałożoną na kanał dźwiękowy. Bohaterami spektaklu, których głosy towarzyszą widzowi, są dwaj niemieccy uchodźcy z II wojny światowej, dyskutujący zarówno o globalnych, uniwersalnych sprawach, jak i drobnych codziennych nieszczęściach. W obrazie Calle’a można dostrzec cechy samego Brechta. Być może widzowi wyda się, że część tego, co usłyszano, straciła na aktualności.

Spektakl powstał w ramach petersburskiego festiwalu „Access Point”, specjalizującego się w sztuce site-specific, w szczególności teatrze w przestrzeniach nieteatralnych.

PROGRAM MOSKWA:

„Tybetańska Księga Umarłych”

Wasilij Berezin, reżyser spektaklu:

„...Ten spektakl jest instrukcją obsługi, tego, co nas wszystkich czeka po śmierci. Akcja rozgrywa się w opuszczonej zajezdni stacji kolejowej Kursk, pomalowanej dookoła. Budynek zlokalizowany jest obok eleganckiego centrum biurowo-biznesowego. A cały smród dochodzi w stronę kolei, w stronę opuszczonego budynku z napisem Cyryl Who – „wszystko podtrzymuje sufity… Oprócz aktorów na planie są też bezdomni, którzy zostawili tu swoje ciała na sen lub jedzenie. Dzięki miejscowym zdaliśmy sobie sprawę, że to była komedia. Mają to uczucie - nie rozpaczać, ale z humorem znosić każdy cios losu. A teraz wyobraźmy sobie, że wszyscy już umarliście i w ogóle nie macie się czego bać w tym życiu. Spektakl nie jest o śmierci, ale o życiu. W miarę upływu czasu jest jeszcze wiele do zrobienia.”

Zdjęcie: Alexander Chusov

"Oddech"

Spektakl „Oddech” brytyjskiego dramaturga Duncana Macmillana to dyskusja pomiędzy mężczyzną i kobietą na temat tego, co leży u podstaw ich pragnienia posiadania dziecka. Jeśli prowadzisz samochód, używasz plastikowych toreb, czyli zanieczyszczasz planetę na wszelkie możliwe sposoby, jak możesz mieć dzieci? Kto umrze szybciej – planeta czy związek mężczyzny i kobiety? Jedną z najciekawszych sztuk ostatnich lat w Teatrze Narodów wystawi młody, ale już doświadczony reżyser Marat Gatsalov (w niedawnej przeszłości główny reżyser Nowej Sceny Teatru Aleksandryjskiego).

„Złoty osioł. Otwarta przestrzeń do pracy”

Sesja publiczna nowego projektu procesowego grupy twórczej Borysa Juchanowa, poświęconej pracy nad tekstem Apulejusza. Projekt realizowany był w gatunku Otwarta Przestrzeń Pracy, który jest zasadniczo nowy w rodzimej praktyce teatralnej.

Akcja jest cyklem projekcji z komentarzami i analizami i stanowi prawdziwą kontynuację dzieła - ale w obecności obserwatorów. Atrakcyjność polega na tym, że publiczność jest świadkiem żywego, pozbawionego ochrony, ale zrównoważonego dialogu i uczestniczy w doświadczeniu uczenia się. Karnawałowy charakter tekstu Apulejusza jest w tym przypadku idealną przestrzenią do przekształcenia teatru w praktykę performatywną.

PROJEKTY SPECJALNE W RAMACH FESTIWALU:

„10 10 10”

10 filmów, 10 minut, 10 historii

Grupa Anonymous prezentuje spektakl multimedialny oparty na:

Władimir Nabokow „Obrona Łużyna” / „Camera Obscura”

Franza Kafki „Ameryka”

Tomasz Mann „Czarodziejska góra”

Fiodor Dostojewski „Zbrodnia i kara”

Virginia Woolf „Pokój Jakuba” / „Fale”

Henry Miller „Zwrotnik raka”

William Burroughs „Nagi lunch”

Joseph Brodski „Nasyp nieuleczalnego”

Grupa Anonymous przyjęła rolę katalizatora, odsłaniając niewidzialne obrazy wypełniające przestrzeń każdego pokoju hotelowego. W hotelu człowiek często zostaje sam ze sobą i swoimi myślami, neutralne otoczenie prowokuje nieoczekiwane decyzje i działania, a całe jego życie zostaje zresetowane. Ta dziwna próżnia, swego rodzaju przystanek między przeszłością a przyszłością, od zawsze przyciągała pisarzy i artystów.

Tak powstało dziesięć wideohistorii, inspirowanych klimatem twórczości wielkich pisarzy.

Grupa Anonymous to twórcze stowarzyszenie absolwentów berlińskiej szkoły Bauhaus. Ich obszarem działania są projekty multidyscyplinarne i wielokulturowe łączące wideo, dźwięk, sztuki wizualne, kino i współczesną choreografię.

Wystawa „Ściana Christopha Schlingensiefa: między rzeczywistością a wyobraźnią”

Archiwalna wystawa poświęcona twórczości Christopha Schlingensiefa, jednego z najoryginalniejszych i najbardziej znaczących artystów dla kultury niemieckiej, opowie o człowieku, któremu na przestrzeni 49 lat życia udało się stworzyć wiele ikonicznych dzieł w postdramatycznym teatr, kino, opera i sztuka akcjonizmu.

Interdyscyplinarność Schlingensiefa w połączeniu z ulubioną przez artystę metodą prowokacji przyczyniły się do wypracowania unikalnego języka artystycznego, który pozwala mu trafnie i zwięźle opowiadać o najbardziej nieprzyjemnych przejawach natury ludzkiej we współczesnym świecie. Celowo mieszając fakty i wyimaginowane szczegóły, Schlingensief wywrócił do góry nogami wszystkie tajniki cywilizowanego społeczeństwa, ironizując problemy społeczne. Nie bał się wywołać wstydu i potępienia obnosząc się z własną chorobą – artysta zmarł w 2010 roku na nowotwór.

Fragmenty wideo filmów i przedstawień teatralnych, zdjęcia spektakli, cytaty i fragmenty wywiadów z samym Schlingensiefem, tworzące „żywą ścianę” wystawy, wskazują jedynie warstwy „rzeczywistości” artysty. A to, jak może to wyglądać dla każdego odwiedzającego, zależy od indywidualnej interpretacji tego, co zobaczył.

Kuratorką wystawy jest Margarita Osepyan. Galeria Państwowa na Sołyance (ul. Solanka, 1/2, budynek 2; wejście od ul. Zabeliny). Przy wsparciu Goethe-Institut w Moskwie.

PROGRAM WYŁĄCZONY:

Wciągający spektakl „Powrót”

Koprodukcja: zespół teatralny Jorney Lab (Nowy Jork, USA) i zespół YesBWork (Moskwa, Rosja).

Reżyseria: Victor Karina i Mia Zanetti

Choreograf: Miguel

Producenci: Wiaczesław Dusmukhametow i Miguel

Zdaniem nowojorskich krytyków „immersyjne spektakle Journey Lab całkowicie zanurzają widza w ciągłą interaktywną akcję, umiejętnie łącząc estetykę filmów Davida Lyncha z energią współczesnego teatru, wyjątkową choreografią i imponującymi efektami specjalnymi”.

Widzowie znajdą się w środku tajemniczych wydarzeń rozgrywających się jednocześnie na całym terenie starożytnej posiadłości. W rezydencji pojawiły się dziesiątki tajnych przejść i drzwi, a w wyniku sześciomiesięcznych prób, prowadzonych w ścisłej tajemnicy, rosyjskim aktorom udało się opanować unikalne techniki interakcji z publicznością. Akcja, oparta na sztuce Henryka Ibsena „Duchy”, rozgrywać się będzie na dystansie, angażując wszystkie zmysły widza, a niezbędny atrybut spektaklu – maska ​​– stworzy poczucie anonimowości i bezpieczeństwa.

„Medea. Tworzywo"

Technologiczna zagadka na szesnaście modelek, sześciu muzyków, cztery ekrany, trzy kamery i dwa głosy na styku teatru, performansu, koncertu współczesnej muzyki akademickiej i baletu automatycznego. Opiera się na tekstach Heinera Müllera „Medea.Material” i Olzhasa Suleimenova „AZ and I”.

Pierwsze w historii kazachskiego teatru przedstawienie Heinera Müllera zaprojektowane jest w estetyce pejzażowego teatru muzycznego, gdzie muzyka, technika, ciało, scenografia, kostium i tekst pozostają w równym związku i mają jednakową siłę obecności.

Reżyseria: Rustem Begenow.

Kompozytor: Sanzhar Baiterekov.

Scenografia: Julia Lewicka.

Kostiumy: Aidan Kozhageldin.

Muzykę wykonuje Zespół Muzyki Współczesnej „Igeru”.

Produkcja: Stowarzyszenie Twórcze ORTA wraz z Goethe-Institut Kazakhstan, z udziałem Kazachskiego Konserwatorium Narodowego im. Kurmangazy.

Klub Festiwalowy

W ramach NET 2016 ponownie odbędzie się Klub Festiwalowy, w którym porozmawiamy o najciekawszych wydarzeniach we współczesnej sztuce i kulturze, o nowych nazwiskach w kinie niezależnym.

Jednym z głównych celów klubu jest otwarta komunikacja w nieformalnej atmosferze z reżyserami, choreografami, kompozytorami, krytykami teatralnymi i filmowymi. Program klubu zostanie ogłoszony w późniejszym terminie.

Festiwal odbywa się przy tradycyjnym wsparciu Instytutu Francuskiego w Moskwie, Goethe-Institut w Moskwie i British Council w Rosji.

Dziękujemy firmie Academservice i Związkowi Pracowników Teatru Rosji za wieloletnią współpracę.

Partner generalny festiwalu NET: Fundacja Michaiła Prochorowa.

", czyli NET. Coroczny festiwal dożynek teatralnych z całej Europy odbywa się już po raz 18. W programie znalazły się wyłącznie prace eksperymentalne, dla kuratorów Mariny Davydovej i Romana Dolzhansky’ego pojęcie „teatru” nie ma wyraźnych granic i każdy spektakl można nazwać performansem. Skrót NET nawiązuje do koncepcji festiwalu – zaangażowania rosyjskiej publiczności w kontekście międzynarodowym, w globalną sieć teatralną. Wioska opowiada o głównych wydarzeniach 18. programu.

„Wakacje przyszłości”

Teatr Narodów (mała scena)

Dyrektor

Tima Etchellsa

Malutka angielska trupa Forced Entertainment ma swoją siedzibę w małym, prowincjonalnym Sheffield, co nie przeszkadza jej reprezentować aktualnego brytyjskiego teatru na najważniejszych międzynarodowych festiwalach – m.in. w Awinionie i Edynburgu. " Wakacje przyszłości„- kameralny talk show, przypominający stand-up dla dwojga: aktorzy Katie Naden i Jeremy Killick omawiają perspektywy ludzkości w formie burzy mózgów. Za nieco ponad godzinę postawią i od razu podważą dziesiątki hipotez, prawdopodobnych i szalonych, komicznych i poważnych, próbując odgadnąć, jak zmieni się polityka, geografia, życie codzienne i fizjologia. Być może nauczymy się zmieniać ciało jak ubranie. Być może rasy, narody i państwa znikną. Albo populacja zostanie zmniejszona do sześciu osób i każdy otrzyma kontynent. To lakoniczny, dynamiczny spektakl w dobie komunikatorów internetowych i Twittera, mądry, a jednocześnie zabawny – nietypowe dla teatru połączenie.

„Rozmowy o uchodźcach”

Dworzec Leningradzki

Na zaproszenie

Dyrektor artystyczny

Konstanty Uchitel

dyrektor

Władimir Kuzniecow

Widzowie gromadzą się na stacji kolejowej, aby podsłuchać rozmowę dwóch Niemców emigrujących z nazistowskich Niemiec. Ich głosy nieustannie słychać w słuchawkach, ale samych bohaterów trzeba odnaleźć i zidentyfikować w tłumie pasażerów. Publiczność ma do wyboru różne opcje: możesz pozostać na miejscu lub śledzić jednego z artystów. Niezwykły wybór lokalizacji sugeruje tekst: Bohaterowie Bertolta Brechta – fizyk Ziffel i robotnik Calle – rozmawiają o polityce i społeczeństwie na Dworcu Centralnym w Helsinkach. W czasie II wojny światowej, kiedy sztuka powstawała, sam antyfaszysta Brecht był niemieckim emigrantem w Finlandii. Nawiasem mówiąc, macierzystym miejscem spektaklu jest stacja Finlyandsky w Petersburgu.

Spektakl powstał na koszt petersburskiego młodego festiwalu „Access Point”, który w całości poświęcony jest sztuce site-specific – sztuce tworzonej dla konkretnego miejsca i w dialogu z tym miejscem. Na zlecenie festiwalu artyści i reżyserzy zamieszkują przestrzenie publiczne – parki, nasypy, sklepy – za każdym razem wypełniając dobrze znane publiczności miejsce nowymi treściami. Widzowie spektaklu „Rozmowy z uchodźcami” spacer po dworcu odbierają jako przeżycie estetyczne, które dla autorów jest nie mniej ważne niż rewizja Brechta.

Vangelo

Teatr Narodów (scena główna)

Od 700 rubli

Dyrektor

Pippo Delbono

Włoch Pippo Delbono to charakterystyczna postać epoki, którą eksperci nazywają teatrem postdramatycznym. Prawa dramatu i reżyserii są dla niego zbędnym balastem, podobnie jak normy dobrego smaku. Formy jego występów nie da się określić jednym słowem – czy jest to dramat, czy taniec, czy performance. Artyści Delbono nie chowają się za postaciami, lecz prezentują się na scenie: reżysera interesuje osobowość performera, a nie suma jego umiejętności. Dlatego w jego produkcjach często biorą udział ludzie o wybitnych biografiach: np. ulubieniec Delbono, głuchy aktor Vincenzo Cannavacciolo, znany pod pseudonimem Bobo, spędził ponad 30 lat w klinice psychiatrycznej, gdzie znalazł go reżyser. Sam reżyser regularnie wychodzi na scenę, co upodabnia go do artystów akcji i performerów.

Vangelo przetłumaczone z języka włoskiego jako „Ewangelia”. Delbono wystawił to przedstawienie ku pamięci swojej katolickiej matki, która przed śmiercią próbowała zainteresować go religią. Reżyser w tym projekcie próbuje pogodzić się z Chrystusem: pojawia się przed widzami jako zadeklarowany ateista i po półtorej godzinie dochodzi do takiej wersji chrześcijaństwa, która mu się podoba. A wszystko to przy muzyce, dzikich tańcach i Bóg jeden wie, co jeszcze.

„Karina i dron”

Nowa przestrzeń Teatru Narodów

Od 1000 rubli

Dyrektor

Dmitrij Wołkostrełow

Premiera reżysera Dmitrija Volkostrelova w Moskwie czy Petersburgu jest korzystną dla obu stron opcją otwarcia nowego miejsca. W Kazaniu jest inaczej, ale szefowa przestrzeni artystycznej „Ugol”, Inna Yarkova, nadal ryzykowała. Faktem jest, że Volkostrelov jest niezwykle daleki od rozrywki. Nie każdy widz zgodzi się na uznanie jego twórczości za performans (sprawdź sam: posłuchaj wykład kompozytor Cage w wykonaniu dwóch niewidzialnych artystów – czy to liczy się jako wizyta w teatrze, czy nie?). Do produkcji w Kazaniu Volkostrelov wybrał sztukę swojego ulubionego dramaturga Pawła Pryazhki „Karina i Dron” o codziennym życiu uczniów. W tym tekście tak naprawdę nie ma żadnej fabuły, wszystkie 14 stron to po prostu pogawędki uczniów szkół średnich. Supermocą autora jest fenomenalny słuch do codziennej mowy. Spektakl przypomina transkrypcję nagrania na dyktafonie i składa się wyłącznie z wersów typu „Zróbmy to lepiej później, w drodze powrotnej pojadę z tobą”. Przedmiotem zainteresowań Pryażki jest język 15-latków, który opanował jako język ojczysty: nie każdy dramaturg potrafi organicznie wpasować w dialog „omnomnom” czy „uzbagoysję”.

Volkostrelov swoim przedstawieniem prawdopodobnie naruszył wszelkie konwencje teatralne. Wyselekcjonował nieprofesjonalnych nastoletnich aktorów, ustawił ich na scenie, zminimalizował oświetlenie i zrezygnował z mikrofonów, zapraszając publiczność do godzinnego wpatrywania się w nieruchome osoby, które były prawie niewidoczne i ledwo słyszalne. Reżyser dosłownie ilustruje powiedzenie „obca dusza jest w ciemności”, tyle że w roli obcego pojawia się tu całe niezbadane pokolenie, począwszy od Francuza Jerome’a Bela, taniec nie jest rzemiosłem kilku wtajemniczonych, ale sposobem przystępnym wszystkim do wyrażania emocji.

Wprowadzając na prawdziwą scenę teatralną amatorów, na równi z artystami zawodowymi, choreograf rehabilituje sztukę nieprofesjonalistów, z której zwykle się wyśmiewa. W jego układzie współrzędnych nie ma pojęcia o „sylwetce baletowej”: szczupły, gruby, starszy, młody może tańczyć – jeśli tylko chce. W Gali biorą udział także osoby z dodatkowymi potrzebami – performerzy z zespołem Downa, artyści poruszający się na wózku inwalidzkim. Wśród twórców projektu nie ma kostiumografa – każdy sam decyduje, jak będzie wyglądał na scenie. Gala jest alternatywą nie tylko dla profesjonalnego tańca, ale w ogóle dla zawodowej twórczości: zamiast oceniać warsztat artysty, widz jest proszony o zaakceptowanie i pokochanie jego indywidualności.

zdjęcia: okładka, 3 – Pippo Delbono/Teatr Narodów, 1 – Hugo Glendinning/Forced Entertainment, 2 – „Access Point”, 4 – Ramis Nazmiev/Creative Laboratory „Ugol”, 5 – R.B. Hieronim Bel