Nawet te arcydzieła malarstwa, które wydają nam się znajome, mają swoje tajemnice.

Niedawno dokonano dziwnego i niezwykłego odkrycia w historii sztuki - amerykański student rozszyfrował zapis muzyczny przedstawiony na pośladkach grzesznika z obrazu Boscha. Powstały utwór stał się jedną z internetowych sensacji ostatnich czasów.

Wierzymy, że niemal w każdym znaczącym dziele sztuki kryje się tajemnica, „podwójne dno” lub tajemnicza historia, którą pragniesz odkryć. Dziś udostępnimy kilka z nich.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, „Ogród rozkoszy ziemskich”, 1500-1510.

Fragment prawej strony tryptyku.

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie ucichły od czasu jego pojawienia się. Prawe skrzydło tryptyku zatytułowanego „Muzyczne piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma wytłoczone nuty na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.

Naga Mona Lisa

Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nazywa się „Monna Vanna” i została namalowana przez mało znanego artystę Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „Stary rybak”. Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane jest prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane jest lewe ramię Starego Człowieka).

Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.

Pisząc Ostatnią Wieczerzę Leonardo da Vinci przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo namalował z niego Chrystusa.

Niewinna historia „Gotyku”

Grant Wood, Amerykański gotyk, 1930.

Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi. Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem byliby idealni jako mieszkańcy. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, „Nocna straż”, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się pojawiać na ciemnym tle, nazwano go „Nocną Strażą” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej. I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie okazało się, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.

Przewrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

Obraz Henriego Matisse’a „Łódź” został wystawiony w nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1961 roku. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody. Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina. Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, Obiad na trawie, 1863.

Claude Monet, Obiad na trawie, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Monet zapożyczył nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Obiad na trawie” i napisał własny „Obiad na trawie”.

Obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek w lesie sosnowym”, 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające się niedźwiedzie nie wyjdą tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.

Savitsky namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o metodzie twórczej charakterystyczne dla Szyszkina.

Można znaleźć ogromną ilość informacji o znanych artystach – o tym, jak żyli, jak tworzyli swoje nieśmiertelne dzieła. Wiele osób zwykle nie myśli o cechach charakteru i stylu życia artysty. Ale niektóre fakty z biografii lub historii powstania tego czy innego obrazu są czasami bardzo zabawne, a nawet prowokujące.

Pabla Picassa
Dobrzy artyści kopiują, wielcy artyści kradną.

Kiedy urodził się Pablo Picasso, położna uznała go za martwego. Dziecko uratował wujek, który palił cygara i widząc dziecko leżące na stole, dmuchnął mu dymem w twarz, po czym Pablo zaczął ryczeć. Można zatem powiedzieć, że palenie uratowało życie Picassa.

Najwyraźniej Pablo urodził się jako artysta – jego pierwszym słowem było PIZ, skrót od LAPIZ (po hiszpańsku „ołówek”).

W pierwszych latach pobytu w Paryżu Picasso był tak biedny, że czasami zmuszony był palić swoje obrazy zamiast drewna na opał.

Picasso nosił długie ubrania i miał długie włosy, co było wówczas niespotykane.

Pełne imię Picassa składa się z 23 słów: Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Clito Ruiz and-Picasso.

Vincenta van Gogha
Nie bój się popełniać błędów. Wielu ludzi wierzy, że staną się dobrzy, jeśli nie zrobią nic złego.

Uważa się, że obfitość żółtych i żółtych plam o różnych odcieniach na jego obrazach jest spowodowana intensywnym zażywaniem leków na padaczkę, która powstała w wyniku nadmiernego spożycia absyntu. „Gwiaździsta noc”, „Słoneczniki”.

W swoim burzliwym życiu Van Gogh odwiedził więcej niż jeden szpital psychiatryczny z diagnozami od schizofrenii po psychozę maniakalno-depresyjną. Jego najsłynniejszy obraz „Gwiaździsta noc” powstał w 1889 roku w szpitalu w miejscowości San Remy.

Popełnił samobójstwo. Postrzelił się w brzuch, ukrywając się na podwórku za stertą nawozu. Miał 37 lat.

Przez całe życie Van Gogh cierpiał na niską samoocenę. W ciągu swojego życia sprzedał tylko jedno ze swoich dzieł – Czerwoną Winnicę w Arles. A sława przyszła do niego dopiero po śmierci. Gdyby tylko Van Gogh wiedział, jak popularna stanie się jego twórczość.

Van Gogh nie odciął sobie całego ucha, a jedynie kawałek płatka ucha, co prawie nie bolało. Jednak nadal istnieje powszechna legenda, że ​​artysta amputował całe ucho. Legenda ta znalazła nawet odzwierciedlenie w zachowaniu pacjenta, który sam operuje lub nalega na określoną operację - nazywano to zespołem Van Gogha.

Leonarda da Vinci
Kto żyje w strachu, umiera ze strachu.

Leonardo jako pierwszy wyjaśnił, dlaczego niebo jest niebieskie. W książce „O malarstwie” napisał: „Błękit nieba wynika z grubości oświetlonych cząstek powietrza, które znajdują się pomiędzy Ziemią a czernią nad nami”.

Leonardo był oburęczny – równie dobrze radził sobie prawą i lewą ręką. Mówi się nawet, że różnymi rękami potrafił pisać różne teksty jednocześnie. Jednak większość swoich dzieł pisał lewą ręką, od prawej do lewej.

Po mistrzowsku grał na lirze. Kiedy sprawa Leonarda toczyła się w sądzie w Mediolanie, pojawił się tam właśnie jako muzyk, a nie jako artysta czy wynalazca.

Leonardo był pierwszym malarzem, który rozczłonkował zwłoki, aby zrozumieć położenie i strukturę mięśni.

Leonardo da Vinci był surowym wegetarianinem i nigdy nie pił mleka krowiego, uważając to za kradzież.

Salvadora Dali
Gdybym nie miał wrogów, nie byłbym tym, kim jestem. Ale, dzięki Bogu, było wystarczająco dużo wrogów.

Przybywając do Nowego Jorku w 1934 roku, jako dodatek niósł w rękach 2-metrowy bochenek chleba, a zwiedzając wystawę twórczości surrealistycznej w Londynie ubrał się w kostium nurka.

Dali napisał obraz „Trwałość pamięci” („Miękkie godziny”) pod wrażeniem teorii względności Einsteina. Pomysł zrodził się w głowie Salvadora, gdy pewnego upalnego sierpniowego dnia patrzył na kawałek sera Camembert.

Salvador Dali często kładł się spać z kluczem w dłoni. Siedząc na krześle, zasnął z ciężkim kluczem ściskanym w palcach. Stopniowo chwyt słabł, klucz spadł i uderzył w leżący na podłodze talerz. Myśli, które pojawiły się podczas drzemek, mogą być nowymi pomysłami lub rozwiązaniami złożonych problemów.

Wielki artysta za życia zapisał się na pochówek w taki sposób, aby ludzie mogli chodzić po grobie, dlatego jego ciało zamurowano w ścianie w Muzeum Dali w Figueres. W tym pomieszczeniu zabronione jest fotografowanie z lampą błyskową.

Pseudonim Salvadora Dali brzmiał „Avida Dollars”, co w tłumaczeniu oznacza „pasjonat dolarów”.

Logo Chupa Chups zostało narysowane przez Salvadora Dali. W nieco zmodyfikowanej formie przetrwał do dziś.

Prawie każde dzieło Dalego zawiera jego portret lub sylwetkę.

Henryk Matisse
Kwiaty kwitną wszędzie i każdy, kto chce je zobaczyć.

W 1961 roku obraz Henriego Matisse’a „Łódź” (Le Bateau), wystawiony w nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej, wisiał do góry nogami przez czterdzieści siedem dni. Obraz wisiał w galerii 17 października i dopiero 3 grudnia ktoś zauważył pomyłkę.

Henri Matisse cierpiał na depresję i bezsenność, czasami płakał przez sen i budził się z krzykiem. Któregoś dnia bez powodu nagle przestraszył się, że oślepnie. Nauczył się nawet grać na skrzypcach, aby po utracie wzroku móc zarabiać na życie jako muzyk uliczny.

Przez wiele lat Matisse żył w biedzie. Miał około czterdziestu lat, kiedy w końcu był w stanie samodzielnie utrzymać rodzinę.

Henri Matisse nigdy nie malował skał, domów z przezroczystego kryształu, pól uprawnych.

W ciągu ostatnich 10 lat życia zdiagnozowano u niego raka dwunastnicy i musiał poruszać się na wózku inwalidzkim.

Edwarda Muncha
W swojej sztuce próbowałam sobie wytłumaczyć życie i jego sens, ale także pomagałam innym w wyjaśnianiu ich życia.

Munch miał zaledwie pięć lat, gdy jego matka zmarła na gruźlicę, a potem stracił starszą siostrę. Od tego czasu motyw śmierci pojawiał się w jego twórczości nie raz, a droga życiowa artysty od pierwszych kroków deklarowała się jako życiowy dramat.

Jego obraz „Krzyk” jest najdroższym dziełem sztuki sprzedanym na aukcji publicznej.

Miał obsesję na punkcie pracy i sam tak mówił: „Pisanie to dla mnie choroba i odurzenie. Choroba, której nie chcę się pozbyć, i upojenie, w którym chcę pozostać.”

Paula Gauguina
Sztuka jest abstrakcją, wydobądź ją z natury, fantazjuj na jej podstawie i myśl bardziej o procesie tworzenia niż o rezultacie.

Artysta urodził się w Paryżu, ale dzieciństwo spędził w Peru. Stąd jego miłość do krajów egzotycznych i tropikalnych.

Gauguin łatwo zmieniał techniki i materiały. Interesował się także rzeźbą w drewnie. Często doświadczając trudności finansowych, nie mógł kupić farb. Potem wziął nóż i drewno. Ozdobił drzwi swojego domu na Markizach rzeźbionymi panelami.

Paul Gauguin pracował jako robotnik na Kanale Panamskim.

Artysta malował martwe natury głównie bez uciekania się do modela.

W 1889 roku, po dokładnym przestudiowaniu Biblii, namalował cztery płótna, na których przedstawił siebie na obraz Chrystusa.

Częste i rozwiązłe relacje z dziewczynami doprowadziły do ​​tego, że Gauguin zachorował na kiłę.

Renoira Pierre’a Auguste’a
W wieku czterdziestu lat odkryłam, że królem wszystkich kolorów jest czarny.

Około 1880 roku Renoir po raz pierwszy złamał prawą rękę. Zamiast się zmartwić i użalać nad tym, bierze pędzel lewą ręką i po chwili nikt już nie wątpi, że obiema rękami będzie mógł malować arcydzieła.

W ciągu 60 lat udało mu się namalować około 6000 obrazów.

Renoir był tak zakochany w malarstwie, że nie przestawał pracować nawet w starszym wieku, cierpiąc na różne formy zapalenia stawów, i malował pędzlem przywiązanym do rękawa. Któregoś dnia jego bliski przyjaciel Matisse zapytał: „Auguste, dlaczego nie rzucisz malowania, tak bardzo cierpisz?” Renoir ograniczył się do odpowiedzi: „La douleur passe, la beauté reste” (Ból mija, ale piękno pozostaje).

Sprzedam obrazy współczesnych artystów

Wielkie arcydzieła malarstwa, z którymi na co dzień spotykamy się w muzeach, książkach, grach, filmach, a nawet reklamach, to nie tylko piękny obraz, ale także kod zawierający mnóstwo szczegółów i interpretacji semantycznych.

Nic więc dziwnego, że zdjęcia, które każdy widział już milion razy, potrafią nie raz sprawdzić Twoją logikę, uwagę, inteligencję i znajomość historii. Szukaj malowniczych scen, demaskuj rodzime mity. To nie tylko trening mentalny, ale także dobry sposób na przyćmienie wszystkich irytujących bystrych facetów w następnej rozmowie. I zaimponuj ładnej osobie słabym błyskiem myśli w jej bezdennych oczach.

NASTRÓJ BOTTICELLIUSZA

Botticellego Sandro. Narodziny Wenus, 1482-1486.

Uffizi, Florencja

Styl: wczesny renesans

Na pierwszy rzut oka Wenus, właśnie zrodzona z morskiej piany, cnotliwie zakrywająca swoje piersi i łono, płynie na muszli do brzegu. Po lewej stronie Zephyr i jego żona Chloris dmuchają w nią różami. Na brzegu nimfa Ora z jakiegoś powodu spieszy się, aby zakryć nagość Wenus fioletowym płaszczem. Ale naga, bezwstydna kobieta czuje się świetnie i w tym, co urodziła jej matka, nie zwraca uwagi na zmartwienia i patrzy w przyszłość, poprzez widza. Lekki smutek zamarł w oczach bogini, jakby szła do ziemskiego życia w celu zarabiania pieniędzy… przepraszam, czekała ją męka.

W rzeczywistości Obraz ilustruje mit o narodzinach Wenus. Główną rolę zagrała Simonetta Vespucci – pierwsza piękność Florencji, kochanka Giuliano Medici i, według plotek, sekretna pasja samego Botticellego. Czy muszę mówić, że najszlachetniejsza Simonetta była żoną trzeciego, nieznajomego? Gesty i proporcje ciała Wenus zapisane są zgodnie z kanonami klasycznej rzeźby greckiej. Płaszcz w rękach Ory symbolizuje granicę między dwoma światami, a muszla symbolizuje czystość i czystość, ale gdy tylko wyjdzie na brzeg…

To wszystko! Dzięki temu, że Botticelli wylał na obraz ochronną warstwę żółtka jaja, Narodziny Wenus zachowały się znacznie lepiej niż wiele arcydzieł.

SEROWA GODZINA

Dali Salvador. Trwałość pamięci, 1931.

Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.

Styl: surrealizm.

Na pierwszy rzut oka Zegar wtapia się w parne tło krajobrazu Port Ligat.

W rzeczywistości Roztopiony zegar jest obrazem względności i żarłoczności czasu, który pożera siebie i wszystko inne, a zegar pokryty mrówkami symbolizuje śmierć. Na bezludnym brzegu, uosabiając wewnętrzną pustkę, śpi sama głowa Dali, który jest głównym więźniem wszechogarniającego czasu.

To wszystko! Zainspirowany roztopionym serem Camembert Dali postanowił stopić zegar na swoim płótnie. Artysta często udzielał zabawnych wyjaśnień do swoich obrazów, aby celowo wprowadzić ludzi w błąd. I to nie jest wyjątkiem.

REALIZM MAGICZNY

Rene Magritte’a. Syn Człowieczy, 1964.

Kolekcja prywatna

Styl: surrealizm.

Na pierwszy rzut oka Schludnie ubrany yuppie zaraz zostanie uderzony jabłkiem w twarz... ale tego nie robi.

W rzeczywistości W obrazach Magritte’a najciekawsze jest zawsze – na szczęście – ukryte za jakimś prostym przedmiotem. W tym przypadku jest to jabłko symbolizujące pokusę. Nieustannie lewituje przed powściągliwą twarzą biznesmena, w obliczu którego artysta przedstawił „syna Adama” i siebie. Dlatego nie czujemy się tak urażeni, bo wiemy, jak wygląda twarz Magritte'a.

OCZY, USTA I CO NAJWAŻNIEJSZE DŁONIE

Mona Lisa, 1503-1505.

Luwr, Paryż

Styl: wysoki renesans

Na pierwszy rzut oka Kształtna kobieta z wygolonymi brwiami i rzadkimi piersiami, obracająca się o pół obrotu, siedzi na krześle na tle tajemniczego krajobrazu. W rzeczywistości cud obrazu tkwi w technice zwanej sfumato: dzięki płynnym przejściom od światła do cienia i lekkiemu cieniowaniu oczodołów, kącików ust i wdzięcznych dłoni, sprzeczny obraz nieśmiałej dziewczyny i powstaje zmysłowa kochanka. Drugą zaletą obrazu jest kontrast fantastycznego krajobrazu i bardzo realnej postaci. Wyskubane brwi i ogolone czoło nie są oznaką ekstremizmu, a jedynie hołdem złożonym modzie ery Quattrocento.

To wszystko! Wbrew otchłani nonsensów pisanych przez krytyków sztuki, głównym zadaniem Da Vinci było ożywienie twarzy modelki.

OBJAWIENIE „PROFESORA KOSZMARÓW”

Bosch Hieronim. Ogród rozkoszy ziemskich, 1500-1510.

Muzeum Prado w Madrycie

Styl: renesans północny

Na pierwszy rzut oka Tryptyk o tematyce biblijnej, przypominający ogromną kolekcję miłych niespodzianek.

W rzeczywistości Po lewej stronie, w Raju, Bóg przedstawia Ewę oszołomionemu Adamowi. Spokojne życie zwierząt zostaje zakłócone przez lwią mączkę, a ze źródła Życia (budynek pośrodku) wystaje sowa, posłaniec nieszczęścia. W centrum znajduje się prototyp hippisowskich przyjęć erotycznych – ogród przyjemności, w którym wszyscy przez las wydają boskie instrukcje: bawią się, jedzą i oddają się cielesnym przyjemnościom. Według psychoanalizy: spożywane tutaj wiśnie, truskawki, truskawki i winogrona oznaczają grzeszną seksualność, ryby - pożądanie, a ptaki - pożądanie i rozpustę. Po prawej stronie, co jest nieuniknionym rezultatem, znajdują się potwory dowodzone przez Szatana Skorupkę Jaja i maszyny tortur. Bosch pokazuje nam zgubny wpływ pożądania. A wszystko zaczęło się tak dobrze!

To wszystko! Pomimo ukazanych tu bachanaliów BDSM, obraz ten w pełni odpowiada rygorystycznym kanonom biblijnym i cieszy się sympatią władz kościelnych.

Styl: barok.

Na pierwszy rzut oka Stylowy młody mężczyzna z gromadą chłopców przyleciał na skrzydlatym koniu, aby flirtować z nagim fetyszystą.

W rzeczywistości Piękna Andromeda, przykuta do skały, planowała zostać zjedzona przez potwora morskiego. Ale gdy grzebał w przyprawach, młody Perseusz, ubrany w modne sandały ze skrzydełkami, zamienił potwora w kamień. Widzimy tutaj wszystkie modne atrybuty starożytnego greckiego hipstera: hełm niewidzialności, lustrzaną tarczę z głową Gorgony Meduzy i skrzydlatego konia Pegaza. Ale starożytne mity służyły Rubensowi raczej jako pretekst do przedstawiania nagich kobiecych wdzięków. Nie bez powodu lekkie, z lekką nadwagą ciało Andromedy jest dominującą częścią obrazu, na którą przede wszystkim zwraca uwagę widz. Prawda?

To wszystko! Pomimo wielkiego wkładu Rubensa w przedstawianie nagich piękności, ma on także swoich przeciwników, którzy zarzucają mu nadmierny entuzjazm wobec kwitnącego piękna nagiego kobiecego ciała. Czy to nie głupie?

Krzesło Cienia Męczennik...

Rembrandta van Rijna. Nocna Straż, 1642.

Rijksmuseum w Amsterdamie.

Styl: barok

Na pierwszy rzut oka Kapitan Cock (w środku) wydał rozkaz wymarszu porucznikowi Reitenburgowi (z prawej) i wszyscy natychmiast zaczęli się awanturować.

W rzeczywistości Na zdjęciu poruszają się nawet szczegóły ubioru strzelców. Zwróć uwagę na mistrzowską grę światła i cienia: kontrast ciemnej uliczki (z tyłu) i oświetlonego placu. Dziewczyna w jasnozłotej sukience rekompensuje jasną koszulkę Reitenburga, a jego halabarda wyznacza kierunek ruchu całego płótna.

To wszystko! Przez sadzę, która pokryła obraz, przez długi czas nikt nie zdawał sobie sprawy, że akcja toczy się w dzień – spójrzcie na cień lewej ręki kapitana Koka.

PÓŁNOCNA MONA LISA

Vermeer Jan. Dziewczyna z perłą, około 1565 r.

Mauritshuis w Hadze.

Styl: barok

Na pierwszy rzut oka Zwykła twarz zwykłej dziewczyny.

W rzeczywistości Artystka starała się oddać moment spontanicznego ruchu, kiedy dziewczyna odwraca głowę, zauważając naszą obecność. Zgodnie z nazwą i wypowiedziami krytyków sztuki, uwagę widza przyciąga przede wszystkim perłowy kolczyk. Naszym zdaniem, urzeczony atrakcyjnym spojrzeniem i zmysłowymi ustami, które w tajemniczy sposób milczały przez ponad trzysta lat, wnikliwy widz raczej nie zapamięta kolczyka.

To wszystko! Obraz ten ma nowoczesną, bardzo nieprzyzwoitą „reprodukcję”, ale nie mówiliśmy Wam o tym!

STAROŻYTNA RZYMSKA KATASTROFA Z KATALOGEM MALOA

Bryulłow Karol. Ostatni dzień Pompejów, 1830-1833.

Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu.

Styl: romantyzm

Na pierwszy rzut oka Miasto jest w morzu ognia, wokół panuje chaos. W centrum kompozycji znajduje się ciało bogatej kobiety, która spadła z rydwanu wiozonego w głąb obrazu przez konie. Po prawej dwaj bracia ratują starszego ojca. Wszyscy wpadają w panikę.

W rzeczywistości W oddali płonie wulkan Wezuwiusz, sprawca katastrofy. Ale główną scenę oświetla nie jego płomień, ale niezwykłe znalezisko Bryullowa – drugi błysk błyskawicy. Kolorystyka obrazu – błękit, czerwień i żółć, rozświetlone białym światłem – była jak na tamte czasy bardzo odważna.

To wszystko! Bryullov wymyślił „Pompeje” jako szybki sposób na zdobycie sławy i miał rację – obraz stał się obiektem powszechnego kultu Rosjan, Włochów i Francuzów.

Prawie każde znaczące dzieło sztuki ma tajemnicę, „podwójne dno” lub sekretną historię, którą chcesz odkryć.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, „Ogród rozkoszy ziemskich”, 1500-1510.

Fragment części tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie ucichły od czasu jego pojawienia się. Prawe skrzydło tryptyku zatytułowanego „Muzyczne piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma wytłoczone na pośladkach nuty. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.

Naga Mona Lisa

Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nazywa się „Monna Vanna” i została namalowana przez mało znanego artystę Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „Stary rybak”. Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane jest prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane jest lewe ramię Starego Człowieka).

Czy był wieloryb?

Hendrik van Antonissen, Scena na brzegu.

Wydawać by się mogło, że to zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i bezludne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale oglądali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba, i przepisał obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, „Obiad na trawie”, 1863.

Claude Monet, „Obiad na trawie”, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Monet zapożyczył nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Obiad na trawie” i napisał własny „Obiad na trawie”.

Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.

Pisząc Ostatnią Wieczerzę Leonardo da Vinci przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo namalował z niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, „Nocna straż”, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się pojawiać na ciemnym tle, nazwano go „Nocną Strażą” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej.

I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie okazało się, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.

Przewrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

Obraz Henriego Matisse’a „Łódź” został wystawiony w nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1961 roku. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, „Autoportret z fajką”, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.

Obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające się niedźwiedzie nie wyjdą tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.

Savitsky namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o metodzie twórczej charakterystyczne dla Szyszkina.

Niewinna historia „Gothica”

Grant Wood, Amerykański gotyk, 1930.

Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem byliby idealni jako mieszkańcy. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Gala nie była jeszcze wówczas obecna w życiu artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego zachowania.

W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salvadora. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku ukazał się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, krajobraz za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do „Postać w oknie”. Istnieje wersja, w której Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae”, 1636 - 1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Przykładowo strzelanina pokazała, że ​​we wczesnej wersji twarz księżniczki, która wdała się w romans z Zeusem, była podobna do twarzy Saskii, żony malarza, zmarłej w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertje Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

W maju 1888 roku Van Gogh nabył małą pracownię w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować „Sypialnię Van Gogha w Arles”. Dla artysty bardzo ważny był kolor i wygoda pomieszczenia: wszystko musiało przywoływać na myśl o relaksie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych odcieniach.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na odcienie zieleni i żółci.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret Lady Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

Powszechnie panuje opinia, że ​​Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny i tajemniczy. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że ​​sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył także blizny wokół ust. „Uśmiecha się” właśnie z powodu tego, co ją spotkało – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.

Specjalizacja w kontroli twarzy

Paweł Fedotow, „Swatanie majora”, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnej publiczności. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez wymaganych bukietów dla panny młodej i jej matki. A jej kupieccy rodzice sami ubrali pannę młodą w wieczorową suknię balową, mimo że był dzień (w pokoju zgasły wszystkie lampy). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego Liberty jest naga?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Wolność na barykadach”, 1830.

Zdaniem krytyka sztuki Etienne Julie Delacroix wzorował twarz kobiety na słynnej paryskiej rewolucjonistce – praczce Annie-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artysta przedstawił ją z nagimi piersiami. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: naga pierś pokazuje, że Liberty jako zwykły człowiek nie nosi gorsetu.

Kwadrat niekwadratowy

Kazimierz Malewicz, „Plac Czarnej Suprematyzmu”, 1915.

Tak naprawdę „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do ​​żadnego z pozostałych boków, ani do żadnego boku kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor to efekt zmieszania różnych barw, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, poruszającej formy.

Specjaliści z Galerii Trietiakowskiej odkryli autorski napis na słynnym obrazie Malewicza. Napis głosi: „Bitwa Czarnych w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do tytułu humorystycznego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który miał kształt całkowicie czarnego prostokąta.

Melodramat austriackiej Mony Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdinada Blocha-Bauera. Cały Wiedeń omawiał burzliwy romans Adele ze słynną artystką. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypową metodę: postanowił zamówić Klimtowi portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zaczął na nią wymiotować.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, aby opiekunka mogła zobaczyć, jak słabną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie wiedziała, że ​​jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.

Najsłynniejszy obraz Gauguina ma jedną cechę charakterystyczną: „czyta się” go nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewy dolny róg).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka pojechał do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego działalność zaczęła się poprawiać i rozpoczął się w jego pracy jaśniejszy okres.

112 przysłów na jednym obrazku

Pieter Bruegel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559

Pieter Bruegel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Obraz zawiera około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, np.: „płyń pod prąd”, „walenie głową o ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą rybkę”.

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Subiektywność sztuki

Paul Gauguin, „Bretońska wioska pod śniegiem”, 1894

Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod nazwą „Wodospad Niagara”. Mężczyzna prowadzący aukcję przez przypadek powiesił obraz do góry nogami, bo zobaczył na nim wodospad.

Ukryty obraz

Pablo Picasso, „Niebieski pokój”, 1901

W 2008 roku promieniowanie podczerwone ujawniło, że pod Błękitnym Pokojem ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z muszką i opierającego głowę na dłoni. „Gdy tylko Picasso wpadł na nowy pomysł, chwycił za pędzel i ożywił go. Nie miał jednak możliwości zakupu nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – historyk sztuki Patricia Favero wyjaśnia możliwą przyczynę tego stanu rzeczy.

Niedostępne Marokańczycy

Zinaida Serebryakova, „Nago”, 1928

Któregoś dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą propozycję – wybrania się w twórczą podróż mającą na celu przedstawienie nagich postaci orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy – przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikomu wcześniej ani później nie udało się uchwycić z bliska nagich kobiet z Orientu.

Spontaniczny wgląd

Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900

Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu cara. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ramiona... I wtedy dotarło do artysty - oto obraz! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Portret ten uważany jest za najlepszy wizerunek ostatniego cesarza.

Kolejny dwójka

© Fedor Reshetnikov

Słynny obraz „Deuce Again” to dopiero druga część artystycznej trylogii.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z robotniczych obrzeży, szczyt roku szkolnego, przygnębiony idiota, który znów dostał złą ocenę. W lewym górnym rogu widać obraz „Przybył na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy idą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zmuszony jest siedzieć w czterech ścianach i tłoczyć się. W lewym górnym rogu widać obraz „Deuce Again”.

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i zaczęła patrzeć przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim ten sam epizod w pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, „Stworzenie Adama”, 1511

Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że ​​Michał Anioł rzeczywiście pozostawił po sobie pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Wierzą, że prawa strona obrazu przedstawia ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A przyciągająca wzrok zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.

„Ostatnia wieczerza” Van Gogha

Vincent Van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że ​​obraz Van Gogha „Taras kawiarni nocą” zawiera zaszyfrowaną dedykację dla „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. Pośrodku obrazu stoi kelner z długimi włosami i ubrany w białą tunikę przypominającą szaty Chrystusa, a wokół niego znajduje się dokładnie 12 osób odwiedzających kawiarnię. Baxter zwraca także uwagę na umieszczony bezpośrednio za kelnerem krzyż w kolorze białym.

Obraz pamięci Dali

Salvador Dali, „Trwałość pamięci”, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Zatem, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.

O czym Munch krzyczy?

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch opowiadał o idei jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem z dwoma przyjaciółmi ścieżką – słońce zachodziło – nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, wyczerpany, oparłem się o płot – patrzyłem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem drżący z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę.” Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, że ​​pomysł na „Krzyk” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka potężnych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Obfite ilości pyłu i popiołu rozprzestrzeniły się po całym świecie, docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.

Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego głównego obrazu. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, widać postać w tunice. Iwanow napisał to od Mikołaja Gogola. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad podczas procesu malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Raphael Santi, „Szkoła ateńska”, 1511.

Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michelangelo Buonarotti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Lustro pary Arnolfinich

Jan van Eyck, „Portret pary Arnolfinich”, 1434

W lustrze za parą Arnolfinich widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Tu był Jan van Eyck”. W ten sposób zazwyczaj zawierano umowy.

Jak wada zamieniła się w talent

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że ​​artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba sprawiła, że ​​artysta potrafi lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, właśnie ta wada Rembrandta może być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus”, 1482-1486.

Przed pojawieniem się Narodzin Wenus wizerunek nagiego kobiecego ciała w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym z europejskich malarzy, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że pogańska bogini miłości symbolizuje na fresku chrześcijański obraz: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.

Lutniarz czy lutnista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Lutnista”, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że obraz przedstawia młodego mężczyznę (pozował mu prawdopodobnie znajomy Caravaggia, artysta Mario Minniti): na notatkach przed muzykiem widać nagranie basu wers madrygału Jakuba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta nie mogłaby dokonać takiego wyboru - po prostu ciężko jest jej w gardle. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w czasach Caravaggia uważana była za instrument męski.

Ten materiał przedstawia ciekawe fakty na temat artystów. Kolejność jest naturalnie przypadkowa, a ciekawość faktów jest subiektywna. Jeśli interesuje Cię świat sztuki i kreatywności, ten materiał jest lekturą obowiązkową.

Ucho Van Gogha

„Autoportret z odciętym uchem i fajką”. 1888

Wszyscy wiedzą, że Van Gogh odciął sobie ucho, ale wyobrażają sobie, jakby odciął sobie całe ucho. Chociaż w rzeczywistości odciął tylko czubek płata. Następnie zaniósł go do burdelu, do ukochanej kobiety Gauguina, i kazał jej zatrzymać go jako swój najcenniejszy skarb. O uchu Van Gogha można przeczytać szerzej w materiale, który opublikowałem wcześniej. Nawiasem mówiąc, kolejny fakt dotyczy przyjaciela Van Gogha, a mianowicie porozmawiamy o Paulu Gauguinie.

Jakie kobiety lubił Paul Gauguin?

Matka Gauguina pochodziła z Peru, w związku z tym, że całe dzieciństwo spędził w ojczyźnie swojej matki, rozwinęła się w nim miłość do egzotycznej i niezwykłej, pozaeuropejskiej kobiecej urody. Był notorycznym kobieciarzem i słynął z upodobania do grubych i szorstkich kobiet. Zawsze szukał najbardziej niezwykłych i niestandardowych przedstawicieli płci pięknej. Wkrótce jednak przeniósł się na Markizy i zmarł na kiłę, obok swojej młodej żony z Tahiti.

Ogród Claude'a Moneta

Claude Monet był wielkim miłośnikiem kwiatów i flory w ogóle. Lubił malować przyrodę o różnych porach dnia i pór roku. Jego ulubioną rozrywką jest obserwowanie zmieniających się kolorów kwiatów :) Był bardzo znanym i wpływowym artystą, co pozwalało mu żyć z godnością. Udało mu się spełnić swoje marzenie z dzieciństwa, stworzył idealny ogród, który kwitnie przez cały rok, zrobiono to specjalnie, aby zawsze było co rysować. Nadal istnieje i również pięknie kwitnie, oto film z niego:

Szybki portret Picassa

Pisarz Ehrenburg był dobrym przyjacielem Picassa i pewnego dnia artysta postanowił namalować portret swojego dobrego przyjaciela. Erenburg był bardzo szczęśliwy i zaczął nerwowo siadać, prostować włosy i na wszelkie możliwe sposoby przygotowywać się do długiego, odpowiedzialnego procesu. Artysta potrzebował niespełna 5 minut, a on powiedział: „to wszystko, spójrzcie”. Erenburg był bardzo zaskoczony i zapytał, dlaczego tak szybko? Mistrz odpowiedział mu: „Znam cię od 40 lat, przez 40 lat uczyłem się też rysować portrety, dlatego nie potrzebuję więcej czasu”.

Ranek w sosnowym lesie i niedźwiedziach

Nie wiem wszystkiego o tym popularnym „oszustwie”, ale jest to częsta sytuacja wśród artystów, zwłaszcza gdy są członkami stowarzyszeń twórczych. Szyszkinowi nigdy nie udało się dokończyć swojego obrazu, a mianowicie nie mógł zmusić niedźwiedzi do pracy. Wtedy na ratunek przyszedł jego przyjaciel Konstantin Savitsky, dla którego to zadanie nie było trudne. Z biegiem czasu, aby zwiększyć wartość Szyszkina i „promować” go jako artystę, Savitsky został usunięty ze współautorstwa.

Logo Chupa Chups zostało wymyślone przez Salvadora Dali

To wielki mistrz surrealizmu wymyślił kształt kwiatu; naszkicował go w jeden wieczór. Logo przetrwało w tej formie kilka dekad. Za to zapłacono mu porządną sumę. To właśnie po tym incydencie otrzymał przydomek „Avida Dollars” (Zakochany w dolarach).

Tajemnica czarnego kwadratu

Sam Malewicz powiedział, że czarny kwadrat jest symbolem ostatecznego zerwania między sztuką a akademizmem. Sam obraz, zarówno pod względem piękna, jak i estetyki, nie ma oczywiście dużej wartości. Ale pod względem znaczenia ten obraz jest bardzo ważny i ma wielką wartość. Został napisany dokładnie w swoim czasie i stał się prawdziwym symbolem dla współczesnych artystów tamtych czasów, dał im „zielone światło”, pozwolił tworzyć to, czego chcą.

Pierwsza martwa natura Michała Anioła da Caravaggia

Oznacza to, że jest to nie tylko pierwsza prawdziwa martwa natura tego wielkiego artysty, ale także jedna z pierwszych martwych natur w historii malarstwa. W swoich obrazach dużą wagę przywiązywał do owoców, a w wieku 23 lat (w tym wieku powstał ten obraz) zdobył się na odwagę i rzucił wyzwanie wszelkim podstawom i namalował wyłącznie owoce w koszyku. Nikt wcześniej tego nie robił. Oto kilka interesujących faktów na temat artystów.

Dali współpracował z Hitchcockiem

Hitchcock poprosił artystę o pomoc w inscenizacji wymarzonej sceny głównego bohatera. Dali słynął z surrealistycznych obrazów, które w istocie były snami na płótnie. Dali zaproponował Hitchcockowi długą i zawiłą scenę ze sprytnymi odniesieniami, ale reżyser zostawił tylko kilka minut. W rzeczywistości możesz sam obejrzeć tę scenę:

W rzeczywistości Dali wystawił wymarzoną scenę w innym hollywoodzkim filmie pt „Ojciec panny młodej”.

Van Gogh zjadł żółtą farbę

„Pole pszenicy z wronami”

Oczywiście nie jadał farby olejnej, ale czasami, gdy artysta odczuwał smutek i melancholię, zjadał farbę w swoim ulubionym kolorze – żółtym. Kolor ten można zobaczyć najczęściej i najczęściej na obrazach Van Gogha. Warto dodać, że żółty jest ulubionym kolorem osób chorych na schizofrenię.

Wpis opublikowany w . Zakładka w książce.