Jeśli zadacie pytanie, czy żyjemy obecnie w epoce oświeconej, odpowiedź będzie brzmieć: nie, ale żyjemy w epoce oświeconej.

Emmanuel Kant

Popularność artysty jest w dużej mierze kluczem do sukcesu sprzedaży obiektów jego twórczości. Popularność oczywiście również jest różna, ale porozmawiamy o tej, która zapewnia wysoki stopień popytu, jej absolutnym znaczeniu w branży artystycznej i niektórych metodach jej uzyskiwania za pomocą technologii internetowych.

Wszystko jest w Internecie!

Dzięki smartfonom stale podłączonym do Internetu uzyskanie informacji stało się kwestią sekund. Szybkie, tzw. „surfowanie” po stronach internetowych, bez większej wnikliwej analizy, całkowicie zmieniło zasadę linearnego postrzegania informacji. Pamiętacie, jak czytaliśmy literaturę w bibliotekach – zgodnie z oczekiwaniami – od lewej do prawej, przygotowując się do lekcji, seminariów, czy jak pisaliśmy eseje itp., korzystając z wielu książek i ich zawartości? W dużej liczbie zjawisko to odchodzi już w przeszłość. Nie będziemy się zastanawiać, czy to dobrze, czy źle, ale skupimy się na tym, jak właściwie dostosować się do nowych form i źródeł informacji, a korzystając z nich zyskać popularność.

Wyszukując jakiekolwiek informacje w Internecie, większość internautów jest przyzwyczajona do ufania autorytatywnym zasobom różnego typu: od serwisów informacyjnych po strony umożliwiające rezerwację hoteli, restauracji itp. I to prawda! Im bardziej wiarygodne są zasoby internetowe, z reguły są one popularne i wie o nich wiele osób, tym większe są szanse na otrzymanie nowszych i obiektywniejszych informacji.

Ale te zasoby internetowe początkowo nie miały wysokiego statusu autorytatywnego; również pilnie zdobywały swoje miejsce na słońcu, publikując wysokiej jakości treści (informacje), poprawiając jakość funkcjonalności, różne sztuczki reklamowe i niereklamowe, przyciągając coraz więcej. uwagę na siebie, zdobywając zaufanie odwiedzających, a tym samym zwiększając ruch (frekwencję) na Twojej stronie.

A jeśli naprawdę zamierzasz stać się popularnym i odpowiednio poszukiwanym, musisz zaopatrzyć się w samokontrolę, być konsekwentnym i regularnym w swoich działaniach oraz zwracać uwagę na szczegóły. A sukces jest gwarantowany! Oczywiście istotny jest też element szczęścia czy błogosławieństwa Bożego (w zależności od tego, co jest wygodniejsze), ale dla nas to już nieistotne.

Promocja w Internecie. Czy tego potrzebujesz?

Nie zwracajcie uwagi na słowo „promocja”, jest ono nieco pretensjonalne i, wydawałoby się, wcale nie odpowiada wielkiej sztuce, ale uwierzcie, że to właśnie w to słowo wiele osób i firm na świecie zainwestowało miliardy dolarów dolarów i ostatecznie ukazały się przed nami w idealnej formie, w jakiej wy i ja je dzisiaj znamy. Historie tych ludzi i firm opierają się na setkach legend wymyślonych przez marketerów z bardzo dużymi zarobkami. A produkty tych firm, niezależnie od branży produkcji, wydają nam się najlepsze w swojej klasie, a my, sami tego nie zauważając, staliśmy się naśladowcami, ślepo ufając wywołanemu przez nas wrażeniu.
Odpowiadając na pytanie „Czy tego potrzebujesz?” Powiem – tak, to konieczne! Aby stać się popularnym i odpowiednio poszukiwanym, potrzebujesz promocji w Internecie, ale od razu Cię zapewnię - nie musisz inwestować miliardów dolarów w swoją promocję. Co więcej, postaramy się przedstawić Ci pewien plan działania, zgodnie z którym nie będziesz musiał wydawać ani grosza, a jedynie określoną część swojego czasu i wysiłku.

Kto kupuje sztukę w Internecie.

Tak się dzisiaj składa, że ​​jeśli chcemy się czegoś dowiedzieć: o czymś lub o kimś, to przede wszystkim (w większości przypadków) otwieramy przeglądarkę internetową i wpisujemy nazwy w pasku wyszukiwania obiektu wyszukiwarki (najczęściej Google) , wydarzenie lub imię i nazwisko osoby, o której chcemy znaleźć informacje. Następnie w zależności od uzyskanych wyników wyszukiwania przystępujemy do przeglądu odnalezionych stron internetowych w celu znalezienia jak najbardziej obiektywnych i szczegółowych informacji. Nasze działania trwają do czasu, aż będziemy usatysfakcjonowani kompletnością otrzymanych informacji lub do momentu, gdy poczujemy się rozczarowani obecnością informacji złej jakości lub jej całkowitym brakiem.

Potencjalni nabywcy dzieł sztuki w Internecie kierują się tą samą zasadą. Jedyną różnicą jest to, że szukają konkretnego autora i jego dzieła, czy też szukają dzieła autora spełniającego określone kryteria (gatunek, styl, rozmiar itp.), konkretnego miejsca lub platformy, powiedzmy galerii internetowej, gdzie możesz szybko i bezpiecznie kupić wysokiej jakości dzieło sztuki.

Z naszego doświadczenia wynika, że ​​nabywców dzieł sztuki możemy z grubsza podzielić na dwie kategorie.

Pierwsi (mniej wymagający i rzadsi) nazwijmy ich „koneserami” – takimi, którzy kupują dzieło autora na miejscu. Tacy nabywcy wyraźnie cenią sztukę, w przeciwnym razie kupiliby jakiś gadżet zamiast oryginalnego dzieła, ale kierują się zasadą „jak ci się podoba, to kupujesz”. Z reguły przedstawiciele tej grupy zakupów sprawdzają się jako prezenty lub jako wyposażenie wnętrza ich domu lub biura. Nie zastanawiają się głęboko nad kulturową i artystyczną wartością swojego zakupu i prawie nigdy nie rozważają zakupu z punktu widzenia inwestycji w sztukę.

Do drugiej kategorii (bardziej przemyślanej i najczęściej spotykanej) nazwijmy ich „inwestorami” – tymi, którzy kupują nie tylko obraz, ale także jego historię – historię powstania, historię autora. Ta kategoria kupujących jest bardziej kapryśna. Chcą wiedzieć, co kupują i mieć pewność co do jakości i wartości kupowanych dzieł sztuki. Inaczej mówiąc, przedstawiciele tej kategorii nabywców rozważają zakup obrazu czy rzeźby uwzględniając element inwestycyjny. Nawet jeśli nie planują później odsprzedawać Twojej pracy, chcą przynajmniej mieć pewność, że kupują naprawdę oryginalne dzieło autorskie, które ma wartość artystyczną.

Narysujmy więc linię pod powyższym.

1. Wszyscy, młodsi i starsi, a nawet kupujący obrazy, korzystają z Internetu i szukają produktu wysokiej jakości.
2. Właściwa promocja w Internecie gwarantuje rozwój Twojego biznesu artystycznego i można go osiągnąć bez inwestowania ogromnych środków finansowych.
3. Według naszej klasyfikacji warunkowej nabywców obrazów dzielimy na dwie kategorie: koneserów (działają na zasadzie „polubione - kupione”) i inwestorów (traktują zakup dzieł sztuki jako inwestycję).

Biorąc pod uwagę te trzy punkty, przejdźmy dalej, ale najważniejszą rzeczą, którą musisz zrozumieć, jest to, że Twoja obecność w Internecie jest istotnym elementem Twojej popularności, a może nawet jej większością. Jednocześnie musisz także nauczyć się odróżniać swoją obecność w Internecie jako osoby czysto fizycznej od obecności jako artysty.

Co oznacza:
Ty, jako jednostka, jesteś swoją stroną w sieciach społecznościowych, gdzie opowiadasz, gdzie byłeś, z kim piłeś herbatę, co widziałeś, a nawet ewentualnie jaki obraz namalowałeś przedwczoraj itp.

Ty jako artysta to pojęcie znacznie szersze. Są to publikacje celowe, artykuły tematyczne o Tobie jako artyście, w których możesz uzyskać informacje na temat Twojej działalności twórczej - dzieł sztuki i ścieżki twórczej.

Oczywiście w sprzyjających okolicznościach jedno jest nierozerwalnie związane z drugim, ale jeśli Twoim celem jest zdobycie sławy jako autora dzieł sztuki, to będziesz musiał skupić się na rozpowszechnianiu informacji o sobie jako o artyście w Internecie. Pamiętaj też, że kupujący często chcą wiedzieć o autorze jak najwięcej, ale zdecydowanie nie chcą zagłębiać się w Twoje codzienne sprawy, może to nawet zrujnować ich wrażenie na Tobie. Dlatego uważnie monitoruj publikowane treści i informacje. Co więcej, najczęściej kupując dzieła sztuki, kupujący wierzą, że za jego dziełem stoi wyjątkowa osoba, powiedziałbym nawet więcej niż osoba - twórca! Pamiętaj o tym w chwilach, gdy budujesz sobie reputację prawdziwego artysty, nawet współczesnego.

W kolejnych artykułach przyjrzymy się krok po kroku, jak stworzyć odpowiednie treści o sobie, gdzie i jak publikować artykuły oraz jak w ogóle przeprowadzić „poprawną” promocję siebie w Internecie.

W 2012 roku w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku odbyła się wystawa poświęcona narodzinom sztuki abstrakcyjnej. „Wynalezienie abstrakcji: 1910–1925” pokazało radykalne odejście ponad 80 artystów od tradycji sztuk pięknych. Już na początku zwiedzającym pokazano interaktywną sieć, która pokazywała, czy artyści się znają. Można ją poznać online. W centrum sieci znajdują się Pablo Picasso i Wassily Kandinsky, artyści posiadający największe kontakty.

Jedną z kuratorek wystawy była Leah Dickerman (obecnie dyrektorka ds. strategii wydawniczej muzeum). To ona zaproponowała pomysł takiej sieci, zainspirowany kursem w Columbia School. Profesor Paul Ingram powiedział kuratorom, jak wykorzystać kontakty zawodowe, aby osiągnąć sukces.

Ingram pomógł opracować wczesną wersję sieci pionierów wczesnej abstrakcji, a później zorganizował badanie. Ingram i jego kolega Mitali Banerjee wykorzystali informacje z wystawy, aby zrozumieć rolę, jaką odgrywają w przypadku artystów talenty i powiązania. Wyniki zaprezentowali w artykule z 2018 roku.

Badanie

Ingram i Banerjee rozpoczęli badania od ilościowego określenia sławy, kreatywności i sieci społecznościowych artystów w artykule Inventing Abstraction. Aby określić sławę każdego artysty, skorzystali z bazy danych Google.

Ponieważ większość artystów zajmujących się abstrakcją mieszkała w Stanach Zjednoczonych i Francji, badacze odnotowali liczbę wzmianek w tekstach historycznych w języku angielskim i francuskim. Postrzegali sławę jako kwestię, o której mówi się poza ich kręgami towarzyskimi. „Jeśli o Tobie piszą, oznacza to, że jesteś sławny” – wyjaśnia Ingram.

Aby określić swój krąg społeczny, skorzystali z badań w Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Na podstawie biografii i listów artystów autorzy ustalili powiązania społeczne. Pod uwagę brano także narodowość, płeć, wiek i szkołę, w której studiowali artyści. Według Igrama nie uwzględniono w nich wystaw i rynku dzieł. Jednak przyszłe badania Banerjee obejmą również ten fragment.

Najtrudniej było określić „kreatywność” dzieł sztuki abstrakcyjnej. Aby to zrobić, Ingram i Banerjee zastosowali dwie metody. Po pierwsze, posłużyły do ​​analizy i oceny twórczości artystycznej. W programie oceniano, na ile wyjątkowe są te dzieła w porównaniu z wybranymi dziełami XIX-wiecznymi.

Ingram i Banerjee poprosili także czterech krytyków sztuki o ocenę tych samych obrazów. Badacze byli mile zaskoczeni, że zarówno maszyna, jak i ludzie wystawili wysokie oceny tym samym artystom.

Co znaleźliśmy

Poprzednie badania wykazały, że istnieje związek między talentem a sławą. Natomiast Ingram i Banerjee odkryli, że między tymi artystami nie było takiej korelacji. Głównym czynnikiem dla abstrakcjonistów była bogata sieć znajomych. Im większa i bardziej zróżnicowana sieć, tym bardziej znany będzie artysta, niezależnie od kreatywności jego twórczości.

Najważniejszym predyktorem sławy artysty była sieć jego znajomych z różnych krajów. Ingram wierzy, że artyści byli kosmopolitami i mieli możliwość rozwijania pomysłów inspirowanych obcymi kulturami. „Głównym ogniwem sieci” – dodaje Ingram, był Kandinsky. Kolejny ważny szczegół: sława koreluje z wiekiem. Stało się tak prawdopodobnie dlatego, że starsi artyści byli już sławni, gdy pojawiła się sztuka abstrakcyjna.

Ale badacze wpadli w kłopoty, jeśli chodzi o talent. Ani komputer, ani oceny ekspertów nie są wyznacznikiem sławy artysty. Innymi słowy, utalentowany artysta niekoniecznie będzie sławny.

„Ta praca doprowadziła do ważnego wniosku: sieci są ważne nie tylko z powodu rozpowszechniania pomysłów. Im bardziej jesteś popularny wśród swoich kolegów, tym bardziej jesteś sławny wśród innych ludzi.

Co to oznacza

W dzisiejszym środowisku odkrycia Ingrama i Banerjee nie są zaskakujące. Jesteśmy zmuszeni do ciągłego poznawania nowych ludzi i poszerzania kręgu znajomych w sferze zawodowej. Ta praca przypomina nam jednak, że w próżni nie będziemy sławni.

Aby zilustrować wyniki, badacze podali przykład dwóch artystek: Vanessy Bell i Suzanne Duchamp. Pochodzenie, obecność sławnych krewnych (odpowiednio Virginii Woolf i Marcela Duchampa) i talent - wszystko to się zbiega. Jednak Bell jest bardziej znany. Dlaczego tak jest?

„Vanessa była częścią grupy Bloomsbury, a Suzanne częścią społeczeństwa Dadaistycznego. Niemniej jednak krąg społeczny Duchampa zakończył się na Dadaistach. Natomiast świat społeczny Vanessy Bell obejmował Bloomsbury Group, grupę artystów wchodzących w skład London Group i tak dalej. Ostatecznie bardziej zróżnicowany krąg randkowy Bell koreluje z jej sławą.

I chociaż badanie skupiało się na konkretnej dziedzinie sprzed stu lat, Ingram przewiduje, że wyniki będą prawdziwe w przypadku współczesnych artystów.

Standardowy plan składa się z pragnienia, poznania kontekstu i działania. Współczesny artysta jest hybrydą, łączącą w równym stopniu cechy antropologa i alpinisty, dlatego posiada odpowiednie przygotowanie.

Rozmowę trzeba będzie zacząć od końca, żeby lepiej wskazać dystans. To znaczy z działań.

1. Działania

Sztuka współczesna to wspólnota i zespół działań: tworzenie dzieł, wystaw, wykładów, esejów krytycznych, teorii, sprzedaży, grantów i tak dalej. Nie wisi w próżni, jak idealny przedmiot Sokratesa, pojawia się w momencie, gdy się z nim mamy do czynienia. Działania te łączy fakt, że odbywają się ponownie w kontekście sztuki współczesnej - i jeśli podstawy logiki formalnej sugerują tu tautologię, to jest to słuszne. Sztuka jest pojęciem samookreślającym się.

Innymi słowy, stajesz się artystą współczesnym, występując w kontekście sztuki współczesnej. Dlatego kiedy Michael Heitzer buduje żelbetowe pomniki na środku pustyni w Nevadzie, ma to coś wspólnego ze sztuką współczesną, nawet jeśli nikt tego nie widzi – ale sprzedaż ceramicznych kubków na Etsy nadal nie ma, nawet jeśli dobrze sobie radzą.

Bramy kontekstu są otwarte dla każdego, kto puka – a przeciętny widz często odbiera to jako przyzwolenie na permisywizm, koprofagię i kanibalizm. Nie jest to do końca prawdą.

Kontekstualność jako kryterium jest w równym stopniu filtrem demokratycznym, co środkiem samoobrony przed oszustami.

Fotografowie ślubni i fotografowie krajobrazu motelowego często narzekają, że ich prace nie są kupowane przez muzea lub galerie sztuki, które nie są nimi zainteresowane. Łatwo byłoby założyć, że duże instytucje nie interesują się takimi rzeczami, bo wszystkie tamtejsze miejsca już dawno zostały sprzedane kanibalom i koprofagom – trudno jednak wytłumaczyć, dlaczego małe galerie, których kuratorzy najwyraźniej organizują wystawy wyłącznie z miłości, nie są zainteresowane też się nimi interesują.

Powód leży w kontekście. Niekonsekwencja w dyskursie zawsze będzie widoczna zarówno u artysty, jak i jego twórczości, a determinuje ją nie zestaw wiedzy, ale niewłaściwa metoda badań. Nie da się wiedzieć wszystkiego i nikt tego nie wymaga. Ale metoda jest czymś, czego nie można pomylić.

Inaczej mówiąc, problem pejzażysty motelowego nie polega na tym, że nie był na ostatniej wystawie Kiefera i dlatego jest frajerem i plebejuszem. Problem w tym, że w jego twórczości widać systemową nieznajomość warstw kulturowych całych epok i kontynentów. Widzicie, kustosz galerii chce na ten temat powiedzieć, historii sztuki jest wszystko jedno, czy ktoś lubi sztukę XX wieku, czy nie. Mnie też może nie podobać się wiek XVIII, z jego ciastami, kolonialnymi srebrnymi i porcelanowymi amorkami. Ale ja muszę się z nimi liczyć i ty musisz się liczyć z tym, co wydarzyło się w XX wieku.

Możesz nie lubić abstrakcji, performance, teorii queer i pop-artu. Ale wypaczone ich zrozumienie nie jest opinią. Jest to błąd metody. Sztuka współczesna nie tylko nie pozwala na błędy metodologiczne, ale oddziela od kontekstu, a kontekst oddziela od działań.

To jest test. Nie przed kimś odpowiedzialnym za całą sztukę. Przed tobą. I tak, otwiera to drogę do koniunktury, ale problem ten wykracza poza zakres naszego pytania.

2. Znalezienie kontekstu

Skoro już zarysowaliśmy zależność działań od integracji z dyskursem, możemy przejść do części praktycznej, czyli skąd ta integracja się bierze.

Zasadniczo możesz po prostu powiedzieć „absolwent” i iść dalej.

Nie da się przecenić znaczenia studiów podyplomowych. Licencjat niewiele znaczy, gdyż do 25. roku życia zrozumiałość człowieka pozostaje praktycznie zerowa i dopiero na podstawie poziomu ambicji w niektórych przypadkach można określić, czy dana osoba po otrzymaniu dyplomu będzie nadal zajmować się sztuką. Większość nie kontynuuje. Niektórzy zajmują się handlem, gdyż ich dusza od początku była handlem. Niektórzy wchodzą do handlu, bo mają mało odwagi.

Dzieje się tak dlatego, że w idealnym przypadku szkoła wyższa zobowiązuje się do skorygowania wszystkich błędów w człowieku właśnie na poziomie metody. Położyć na głowie swój wściekły europocentryzm i marzenie o artystycznym życiu w Paryżu, przywrócić próby tworzenia w latach 60. i 90. XIX w., w formalizmie zombie, w konceptualistach i w ramach gotowych rozwiązań, oraz o mniejszościach, o środowisku i o wszystkim innym. Ostatnią rzeczą, jakiej potrzebuje dobra szkoła, są niedzielni kreślarze, którzy za kilka lat otworzą kawiarnię i będą uczyć na YouTubie haftu etnicznego.

Co więcej, studia podyplomowe pokazują również, że siedzenie w piwnicy i rysowanie nie będzie dla ciebie skuteczne. Na Twoje zaangażowanie w ten proces składa się wiele czynników, a jednym z nich jest praca teoretyczna: pisanie esejów, krytyka, wypowiedzi autorskie. Sztuka zawsze była dziełem nie tylko formy, ale także znaczenia, a teraz oznacza to pracę z tekstem. Ignorowanie tej części pracy, jakby Cię nie dotyczyło, jest w równym stopniu błędem metodologicznym, co konsekwentną ślepotą kulturową.

Dlatego warto dobrze wybrać szkołę policealną. To nie jest ostateczny czynnik determinujący i niekoniecznie trzeba „dostać się” na najlepszą uczelnię i na tę, która najbardziej Ci odpowiada. Ale musisz unikać wpadnięcia w zły.

Dobra definicja dobrej szkoły podyplomowej Dave'a Hickeya była taka, że ​​uniwersytet powinien znajdować się w dużym mieście portowym. Oznacza to długą historię gromadzenia bagażu kulturowego i przepływu ludzi różnych zawodów. A jeśli z akumulacją kulturową wszystko jest jasne, to o multidyscyplinarności również trzeba będzie porozmawiać osobno.

Rośnie multidyscyplinarność. Sztuka współczesna przeniknęła do wszystkich dziedzin życia w ogóle, więc z niemal stuprocentowym prawdopodobieństwem w przyszłości będziesz musiał współpracować nie tylko z innymi artystami, ale także z muzykami, architektami, migrantami, przemysłowcami, naukowcami, finansistami, programistami, politykami , zwierzęta. Im więcej szkół wyższych daje takie możliwości, tym lepiej.

I tak, wszystko to oznacza, że ​​studia podyplomowe najlepiej studiować w USA lub Europie. Smutne, ale prawdziwe. To, gdzie wcześniej studiowałeś - jak już mówiłem, nie jest tak ważne, najważniejsze jest, aby portfolio wprowadzające było na odpowiednim poziomie.

I nie, nie jest to kryterium absolutne. Można być artystą nie kończąc studiów, a swoje zaangażowanie w dyskurs udowodnić w inny sposób. Ale to standardowy sposób i chociaż ma swoje specyficzne problemy, nie jest to zły sposób.

Podsumujmy więc.

Być artystą to pracować w polu sztuki. Kryteria zaliczenia mają charakter kontekstowy. Kontekst kształtuje się poprzez edukację formalną lub nieformalną. Pozostaje tylko jedna rzecz do ustalenia, a mianowicie, jak uniknąć śmierci w tym procesie.

Twoje pragnienie powinno wystarczyć, aby poświęcić temu całe życie. Wyobraź sobie, że jeśli masz, powiedzmy, 15 lat i myślisz, że chcesz zostać artystą, prawdopodobnie zaczniesz być artystą dopiero po trzydziestce. Do tego czasu będziesz po prostu... cóż... robić coś. Farba. Rzeźbić. Może nawet coś sprzedasz. To po prostu nie wystarczy.

Bo ostatecznie chęć bycia artystą oznacza chęć bycia częścią wielkiego dialogu. Zbadaj temat, podążaj ścieżką i nie zostawiaj na niej żadnych pustych miejsc. Nie patrz na dwa metry kwadratowe przestrzeni znanej z dzieciństwa i nie mów, że wszystko inne nie istnieje. Precyzja formy wymaga całkowitego poświęcenia, a droga do całkowitego poświęcenia jest długa.

Zacznijmy od tego określenia – „profesjonalny”. Pomimo całej swojej paradoksalnej natury nie ma dokładnego i jednolitego zrozumienia tego, kim jest profesjonalny artysta. Są jednak znaki, po których można oceniać artystę z punktu widzenia właśnie tego profesjonalizmu.

Słuchaj, każda działalność zawodowa ma swój własny minimalny próg. Dla asystenta prawnika jest to średnie wykształcenie prawnicze, dla stolarza – szkoła zawodowa, dla lekarza – uczelnia medyczna. A dla profesjonalnego artysty poprzeczka jest dość wysoka – ukończone studia wyższe i średnie zawodowe, które nastawione są na praktyczne opanowanie przez absolwenta grafiki artystycznej, malarstwa i rzeźby. To jest pierwszy znak.

Jak to wpływa na artystę? Bardzo często, gdy klient szuka dobrego artysty, jego poszukiwania zawężają się do najbardziej wykwalifikowanych rzemieślników, czyli mistrzów z dyplomem. Wtedy może nie zwracają uwagi na samouka, ale to nie znaczy, że z tym drugim jest jakoś gorzej. Posiadanie dyplomu nie gwarantuje, że artysta rzeczywiście posiada wysokie umiejętności. Istnieją setki, jeśli nie tysiące przykładów, gdzie przykłady samouków zrobiły znacznie większe wrażenie niż artyści z dyplomem. A jednak warto wziąć pod uwagę ten formalny znak.

Drugą oznaką profesjonalizmu jest prawdziwy poziom umiejętności artysty, a mianowicie jego technika. A naprawdę zweryfikować to może jedynie praca, którą wykonał w sposób realistyczny, tj. z naturą.

Inne funkcje uzupełniają się. Na przykład, gdy jego głównym zajęciem jest malarstwo, czerpie z niego dochody i angażuje się w aktywną działalność wystawienniczą.

I jeszcze jednym dość ważnym argumentem, o którym porozmawiamy nieco później, rozważając sposoby zostania profesjonalnym artystą, jest członkostwo w Związku Artystów Rosji.

Wniosek: teraz bez nudnych i zawiłych słów. Czy warto studiować i zdobywać wykształcenie? Powiedzmy, że jeśli twój wiek nadal ci na to pozwala, to bardzo pomoże ci to jako przyszłemu mistrzowi. I nie odmówiłbym takiej możliwości. Pod warunkiem, że nie masz zmartwień związanych z pieniędzmi, sprawami rodzinnymi, domem, dziećmi itp. - złoty czas, pisz i ucz się.

Cóż, jeśli pociąg odjechał, są samoloty. Żart! Nie ma wieku na kreatywność. Możesz zostać profesjonalistą bez żadnych problemów. Co więcej, dzięki dzisiejszej dostępności informacji, możesz podnosić swój poziom samodzielnie, a także poprzez różnorodne kursy dla początkujących, a nawet profesjonalistów.

Uważam, że profesjonalnym artystą nie jest ktoś, kto ma wiele dyplomów, ani nawet ktoś, kto pięknie pisze. Dla mnie profesjonalny artysta to taki, który wie, jak przenieść swoje uczucia i emocje na płótno, wywołując je w widzach.

„Artysta maluje nie to, co widzi, ale to, co czuje”. Pabla Picassa

Jak zostać profesjonalnym artystą i co jest do tego potrzebne?

1. Od czego powinieneś zacząć?

Naturalnie, na podstawie twoich umiejętności. Jak daleko zajdziesz, nie wiedząc, jak zastosować w praktyce nawet podstawowe zasady rysowania? Jeśli masz talent od Boga, nawet to nie oznacza, że ​​możesz zrezygnować z nauki. Bardziej wytrwali i celowi ludzie cię przewyższą. Dlatego trzeba się uczyć zawsze i stale. Niestety, bez tego nie ma możliwości zostania profesjonalistą.

Kup minimalny zestaw dla początkującego malarza i zacznij malować. Wystarczy kilka farb, pędzli i płótno (lub zagruntowana płyta pilśniowa). Nie próbuj od razu tworzyć arcydzieł. Nie spiesz się. Jeśli nie czujesz się komfortowo malując przed obcymi lub nawet bliskimi osobami, znajdź i przeznacz dla siebie wolny czas, gdy jesteś sam.

Rada. Gorąco polecam przeczytanie książki Betty Edwards „Odkryj w sobie artystę”. Pozwoli pozbyć się wewnętrznych problemów psychologicznych związanych z malarstwem. Naucz się także nowych technologicznych i technicznych sztuczek i technik z książki Smitha Raya „The Artist's Handbook”. Obie książki można pobrać w Internecie.

2. Postęp, realizacja obrazów, promocja

A teraz wyobraźmy sobie taką sytuację: powiedzmy, że zdobyłeś już pewne doświadczenie, namalowałeś kilka obrazów, a może ukończyłeś uczelnię artystyczną. Co dalej? Gdzie powinny trafić obrazy? I praca, rodzina, codzienne sprawy...

Na tym zatrzymuje się 90% artystów, bo po prostu nie wiedzą, co dalej robić. Czy wiesz, co powiedział Cezanne? - „Jeśli chcesz zostać artystą, twoi rodzice muszą być bogaci”. Do czego służą te słowa? I o tym, że artysta jest osobą twórczą, która cały swój czas i energię musi poświęcić malarstwu. Ale jakie są dzisiejsze realia? Każdy człowiek potrzebuje domu, jedzenia, ubrania. Niezależnie od tego, czy jesteś artystą, czy kimś innym, musisz myśleć o tych rzeczach i spędzać czas na ich zdobywaniu. Jak więc może być osoba kreatywna? W związku z powyższym nadal całkiem możliwe jest zostanie profesjonalnym artystą, a na to są tylko 3 sposoby:

• Internet i galerie

Warto od razu dokonać rezerwacji: artysta nie jest sprzedawcą, jest producentem. Aby stworzyć prawdziwe arcydzieła, artysta nie powinien marnować swojej cennej energii na myślenie o sprzedaży obrazów. Niech zrobią to ci, którzy wiedzą, jak to zrobić. Jest nawet powiedzenie: „Dobry biznesmen to zły artysta”.

Internet daje wiele. Każdy artysta może teraz być widoczny dla widza za pomocą sieci społecznościowych, forów i blogów dla artystów. Dzięki Internetowi możesz stworzyć własną stronę i przedstawić innym swoją pracę nad nią.

Jeśli chodzi o galerie, są one pośrednikami między artystą a kupującym. Na przykład w Moskwie jest ich około 70, jeśli co najmniej jedna trzecia z nich zawiera co najmniej jeden z twoich obrazów, nigdy więcej nie będziesz mógł martwić się o stronę finansową, ponieważ będzie więcej niż zadowolony.

Brzmi to oczywiście słodko, ale wciąż musisz tam dotrzeć. Początkujący artysta będzie musiał uzbroić się w cierpliwość i wytrwałość, aby w ogóle chciał spojrzeć na Twoje dzieło. A wytrwałość czyni cuda, czego przykładami są nasz wielki Lewitan, Picasso, Monet i Korovin.

Po prostu zacznij stopniowo przenosić swoje prace do galerii, nie mając tak naprawdę nadziei na ich akceptację. Prędzej czy później osiągniesz swój cel. To tylko kwestia czasu.

• Dołącz do profesjonalnej organizacji

Na początku artykułu poruszyliśmy tę kwestię. Takimi organizacjami są dziś Moskiewski Związek Artystów i Rosyjski Związek Artystów. Organizacje te prowadzą aktywną działalność wystawienniczą na skalę ogólnorosyjską i w elitarnych miejscach. Takim wystawom zawsze towarzyszy wzmożone zainteresowanie mediów, dziennikarzy, ludzi bogatych, szanowanych krytyków, koneserów i funkcjonariuszy. Wyobraź sobie, jaką sławę i status możesz zyskać, jeśli pojawisz się na jednym ze swoją pracą?!

Co ci to daje? Być może jest to najprostsza droga na szczyt, gdyż samotny wędrowny artysta nie jest w stanie sam zrobić tyle, co dwóch, trzech lub więcej. Dzięki życiu w organizacji w ciągu 1-2 lat możesz już osiągnąć niesamowite wyżyny.

Czego się od Ciebie wymaga? Aktywna praca i życie społeczne, utalentowana praca, wypełnianie zadań, wzajemna pomoc, wytrwałość, komunikacja z czołowymi ludźmi. Ale co najważniejsze, artysta musi wybrać grupę, z którą jego poglądy i zainteresowania ideowe są zbieżne, w przeciwnym razie trzeba będzie je dostosować. Neutralna pozycja nic nie przyniesie, więc musisz wybrać. Tak, nawet w takich organizacjach panuje podział na grupy i rywalizacja o promowanie i przedstawianie swojego pomysłu jako najlepszego i najbardziej trafnego. Dlatego polecam wybrać jednego z renomowanych i bronić jego interesów, aby dostać się na sam szczyt i tam pozyskać bliskie kontakty.

• Marka własna (nazwa)

Droga ta jest bardzo trudna, nieprzewidywalna i dla wielu – porażką z powodu braku cierpliwości i presji zewnętrznej. Na przykład zorganizowałeś kolejną wystawę, na której nic nie sprzedałeś. Rezultatem jest utrata pieniędzy, siły i pewności siebie. I nagle pojawiają się „filozofowie”, którzy mówią: „Daj sobie spokój z tym pomysłem, nic nie zadziała, to strata czasu”!

Najważniejsze tutaj to nie poddawać się, rozwijać i dojść do gorzkiego końca.

„Jeśli przestanę, umrę”. A. Mironow

Znajdź najwyższą warstwę ludzi, którym będziesz oferować swoje obrazy. Jeśli udasz się gdzieś do ruin, aby sprzedawać obrazy, nie zyskasz nic wartościowego poza sławą wśród małej grupy ludzi. Potrzebujesz elity biznesowej swojego miejsca, czyli tzw. ludzie sukcesu i bogaci. I to z nimi konieczne jest nawiązanie kontaktu, ponieważ ich potencjał jest znacznie większy niż zwykłych ludzi.

Jak to zrobić? Organizowanie drogiej wystawy nie jest konieczne. Wszystko, czego potrzebujesz, to katalog z Twoimi obrazami, dzięki któremu możesz przeglądać wszystkie duże i odnoszące sukcesy firmy. Przedstaw się, podaj cel wizyty i najlepiej udaj się do samego menadżera. Jeśli go tam nie ma, zostaw katalog lub dysk sekretarce, a następnie zadzwoń do niego telefonicznie i dowiedz się, co i jak. Ale lepiej spotkać się osobiście.

Większość liderów biznesu jest skłonna zawierać układy z artystami. Lubią oglądać obrazy i je kupować. Dla Ciebie są to dobre kontakty, nowe kontakty i sława.

Wznawiać. Aby zostać profesjonalistą, trzeba zawsze się rozwijać i pracować nad swoimi słabymi punktami. Próbuj swoich sił w różnych kierunkach, analizuj swoje błędy, zrelaksuj się i patrz na najlepszych. Rozwijaj się na wszystkich frontach - ekonomii, stosunkach społecznych, kulturze, religii. Przecież ludzie nie są zainteresowani kontemplacją doświadczeń tylko jednej osoby. Ale z drugiej strony będą patrzeć z zachwytem na to, co ich osobiście ekscytuje i co jest ściśle związane z ich życiem, środowiskiem, wpływami itp.

P.S. Na koniec radzę nie brać sobie do serca krytyki innych. Zwłaszcza od tych, którym do malowania daleko. Co może Ci powiedzieć osoba, która nie ma pojęcia, jak powstaje dzieło sztuki? Jeśli potrzebujesz odpowiedniej rady lub krytyki, skontaktuj się z mistrzem. Wszystkim innym powiedz po prostu: „dziękuję za uwagę”. Ale nie traktuj ich słów poważnie!

„Wszyscy kłamią!” dr. Dom.