Historia sztuki: geneza, rodzaje i gatunki, najważniejsze etapy rozwoju. Etapy rozwoju sztuki prymitywnej „Historia kultury i sztuki”

Sztuka prymitywna wyrażała światopogląd i wartości ludzi, które determinowały działalność kulturalną.

Sztuka prymitywna nie istniała w czystej postaci. Wynika to z synkretycznego charakteru kultury pierwotnej, z niepodzielności jej podstawowych elementów. Dlatego sztuka starożytna jest nierozerwalnie związana z mitologią, magią, rytuałami itp. Na przykład prymitywni myśliwi stworzyli nie tylko wizerunek zwierzęcia, ale utworzyli prawdziwy przedmiot polowania i wierzyli, że pokonanie tego zwierzęcia włócznią lub strzałą koniecznie zapewni im sukces w polowaniu. Sztuka tworzyła także znaki identyfikacyjne, symbole określonej grupy ludzi, amulety ratujące przed nieszczęściami i chorobami. Takim znakiem może być na przykład wizerunek zwierzęcia totemicznego, który nanosi się nie tylko na ściany domów czy przedmiotów gospodarstwa domowego, ale także na ciało ludzkie w postaci specjalnego zabarwienia lub tatuażu. To samo można powiedzieć o zdobieniu naczyń ceramicznych, które różniło się u różnych plemion.

Sztuka jest wskaźnikiem rozwoju nie tylko kultury duchowej, ale także materialnej. Jego pochodzenie można wiązać zarówno z pracą, jak i zabawą człowieka. Sztuka w pewnym stopniu odzwierciedlała otaczający nas świat i była jego kopią. Uważa się, że jednym z pierwszych dzieł sztuki prymitywnej było ręczny druk- „znak przynależności”, który często można spotkać wśród malowideł naskalnych. Takie wizerunki dłoni (najczęściej lewej) służyły jako znak posiadania i magicznej władzy nad określonym terytorium lub przedmiotem. W niektórych krajach wschodnich na masce samochodu nadal przyczepiony jest wizerunek lewej ręki kobiety, który ma to samo znaczenie, co podkowa Słowian – „na szczęście”.

Według archeologów w epoce pojawiły się główne rodzaje sztuk pięknych Paleolityczny. W Europie, Azji Południowej i Afryce Północnej odkryto liczne zabytki rzeźby, malarstwa i sztuki użytkowej z tego okresu. Wczesne rysunki prymitywnych ludzi były bardzo prymitywne: są to zarysy głów zwierząt na płytach wapiennych w jaskini La Ferrassie(Francja), odciski ludzkiej dłoni zarysowane farbą, przeplatające się palcami falistych linii wykonanych na mokrej glinie. Nieco później nastąpił wyraźny postęp w malarstwie jaskiniowym: przedstawia się ogromną liczbę postaci różnych zwierząt, nakładanych dłutem krzemiennym na kamień lub farbą na warstwie surowej gliny. W tym przypadku prymitywni artyści używali jako farb ochry, czerwono-żółtej rudy żelaza, czarnego manganu i węgla, uciekając się w niektórych przypadkach do techniki reliefowej.


Sztuka paleolitu osiągnęła w tym okresie swój najwyższy szczyt Madeleine(około 20-10 tysięcy p.n.e.) W tym czasie wizerunki zwierząt nabierają specyficznych cech, pojawia się dokładność formy i umiejętność wyróżnienia najważniejszej rzeczy z masy znaków i szczegółów. Zwierzęta nie są już przedstawiane statycznie, ale w różnych ruchach i pozach, w tym w szybkim biegu. W malarstwie jaskiniowym nastąpiło przejście od prostego rysunku konturowego, równomiernie wypełnionego farbą do malarstwa wielobarwnego, które umożliwiało symulowanie form trójwymiarowych poprzez zmianę tonów za pomocą dwóch lub trzech kolorów. Wybitne malowidła tego typu odkryto we Francji w jaskini von de Gaume’a oraz w jaskini hiszpańskiej Altamira. Obrazy te nie odzwierciedlają tylko wyglądu zwierząt - przekazują ich charakter, zwyczaje, siłę, ruch, a nawet emocje. Z tego okresu datuje się także pojawienie się pomysłów na kompozycję spajającą cały wielopostaciowy obraz. Na przykład we francuskiej jaskini Lascaux przedstawiono osobną scenę śmierci myśliwego uderzonego przez śmiertelnie rannego żubra.

W epoce Górny paleolit Rozwija się sztuka plastyczna okrągła, rzeźba w kamieniu, kości i drewnie. W tym okresie figurki tzw „Paleolityczna Wenus”, którego pochodzenie najwyraźniej wiąże się z kultem płodności, zachowanym do dziś wśród wielu ludów etnograficznych, a także prawdopodobnie z magią erotyczną. Figurki kobiece o konwencjonalnych rysach twarzy oraz przesadnie dużych rozmiarach klatki piersiowej, bioder i brzucha symbolizowały życiodajną moc natury i zmysłową przyjemność, która została ucieleśniona w wizerunku żeńskiej przodkini. Jednocześnie „Wenus paleolitu” pozbawione były indywidualnych cech osobowych - wręcz przeciwnie, prymitywni rzeźbiarze podkreślali naturalną, zwierzęcą naturę, unikając w każdy możliwy sposób szczegółów i specyfiki w przedstawieniu twarzy czy jakichkolwiek innych cech, które może powiązać obraz z konkretnym modelem.

W epoce Mezolit Zmienił się sposób życia prymitywnych ludzi. Lodowiec cofnął się, a małe grupy myśliwych zaczęły szybko eksplorować nowe terytoria. W tym czasie znacznie udoskonalono broń, zaczęto powszechnie stosować łuki i strzały, udomowiono psa i niektóre inne rodzaje zwierząt. Pojawiają się także nowe sposoby i metody twórczości artystycznej. Jednak większość energii ludzkiej ma na celu opanowanie zewnętrznego świata przyrody. Z tego powodu w dziełach sztuki pojawia się schematyzm, a w malarstwie dominuje monochromia. W obrazach mezolitycznych postacie ludzi i zwierząt są przedstawiane w sylwetkach; nie ma trójwymiarowości obrazów monochromatycznych. Jednak w tych malowidłach naskalnych pojawia się coś, czego wcześniej nie było - nabierają charakter narracyjny, zdarzenia są przesyłane sekwencyjnie i wzajemnie powiązane. Obrazy te stopniowo przekształciły się w rodzaj kroniki człowieka pierwotnego, opowiadającej o jego twórczości i odkryciach.

Centrum zainteresowań artystów mezolitycznych przesunęło się ze zwierząt na ludzi, która stopniowo wznosi się ponad naturę, narzucając jej swoją wolę, o czym świadczą liczne sceny związane nie tylko z działalnością gospodarczą czy militarną ludzi, ale także z ich rozrywką (słynny wizerunek tańczących kobiet na skale na Przylądku Dobrego Mieć nadzieję).

Podczas neolityczny W rolnictwie zachodzą istotne zmiany. W tym momencie następuje przejście od działalności zawłaszczającej do działalności produkcyjnej. Pojawiają się nowe rodzaje działalności produkcyjnej - rolnictwo, hodowla bydła, nowe technologie produkcji narzędzi kamiennych, produkcja ceramiki, budownictwo, tkactwo. W tym czasie zasiedlono rozległe obszary, a walka między plemionami o tereny łowieckie i dogodne do życia nasiliła się.

W tym okresie wzrasta rola magii, rozwija się mitologia i następuje przejście od matriarchatu do patriarchatu, w wyniku czego wzmacniają się więzi plemienne między ludźmi. W malowidłach naskalnych na obrazach występuje schematyczny wzór, co jest szczególnie widoczne w petroglify, które zostały wyrzeźbione w otwartych obszarach przybrzeżnych skał i dużych głazów. Obrazy te w niektórych przypadkach osiągały wysokość około 10 metrów i najczęściej były to schematycznie wykonane postacie jeleni, łosi, niedźwiedzi, wielorybów, ryb i fok. Czasami pojawiają się prymitywne wizerunki ludzi. Petroglify występują w północno-wschodniej Europie, na Kaukazie, Uralu, Krymie, Dalekim Wschodzie i Azji Środkowej.

Rzeźba antropomorficzna stała się powszechna w południowej Europie. Najbardziej znane to „kamienne kobiety” z północnego regionu Morza Czarnego, które wyglądają jak okrągłe kamienne filary. Oprócz dzieł monumentalnych rozwijała się także mała sztuka plastyczna, sztuka dekoracyjna i użytkowa oraz zdobnictwo, co oznaczało przejście do abstrakcyjnych wzorów geometrycznych. Szczególnie rozpowszechnione stały się wzory geometryczne na ceramice. Przykładem takich dzieł są naczynia Trypolisu (Europa Południowa, 4-3 tys. p.n.e.), które charakteryzują się polichromowanymi wzorami oraz różnymi paskami, spiralami i okręgami.

W epoce brązowy Następuje dalszy postęp w produkcji narzędzi, w których wykorzystuje się miedź i brąz. Rzemiosło oddziela się od produkcji rolnej i ostatecznie ustanawia się patriarchat. W tym samym okresie na Bliskim i Dalekim Wschodzie powstały pierwsze państwa. Wraz z rozwojem działalności gospodarczej i pojawieniem się niewolnictwa pojawiły się sprzyjające warunki dla rozwoju kultury duchowej.

Najważniejszym zjawiskiem epoki brązu był megalit architektura (Grecki mega- duży, litos- kamień), ściśle związany z ideami i koncepcjami religijnymi i kultowymi.

Istnieją trzy rodzaje megalitów: menhiry, dolmeny i kromlechy.

Menhiry(Bretończycy – kamień, hir – długi) – są to pojedyncze, ustawione pionowo kamienie o różnej wysokości (od 1 do 20 m). Prawdopodobnie były obiektami kultu jako symbole płodności, strażnikami pastwisk i źródeł lub wyznaczonymi miejscami ceremonii. Przykładem jest znana aleja menhirów w Bretanii, a także „Kamienna Armia” (Armenia).

Dolmeny(bretoński. tol- tabela, mężczyźni- kamień) - konstrukcje wykonane z dużych płyt kamiennych stojących pionowo i przykrytych kolejną płytą na górze. Były miejscem pochówku członków klanu. Takie konstrukcje znajdują się nie tylko w Europie, ale także w Afryce, na Kaukazie i na Krymie.

Kromlechowie(bretoński. crom- koło, lech- kamień) - najważniejsze budowle starożytności. Są to kamienne płyty lub filary ułożone w okrąg, które czasami przykrywano płytami. Kromlechy ustawiane są wokół kopca lub kamienia ofiarnego. Najbardziej znanym cromlechem jest budowla w Stonehenge (Anglia), która ma zewnętrzną średnicę 30 metrów i składa się z czterech pierścieni. Istnieje przypuszczenie, że kromlech był sanktuarium słońca.

Z początkiem Epoka żelaza kamienne konstrukcje nabierają wyraźnego charakteru użytkowego - powszechne stały się kamienne fortece i komory grobowe w kurhanach przywódców plemiennych, które rozpowszechniły się w Europie Zachodniej, na Bałkanach i Zakaukaziu.

W epoce prymitywnej w rozwoju sztuki pojawiły się dwa główne nurty - naturalizm I symbolizm. Na bardzo wczesnym etapie rozwoju twórczości artystycznej dominował ten pierwszy – artysta za swój główny cel uważał jak najbardziej wiarygodne odwzorowanie wyglądu zewnętrznego przedmiotu rzeczywistego, którym najczęściej było zwierzę. Następnie następuje zwrot w stronę uogólnień i schematyzacji obrazów. W kolejnym etapie następuje powrót do naturalizmu i detalu, kiedy odtwarzane są całe epizody z życia, a nawet długie wątki narracyjne. Ale ostatecznie symbolika zwycięża w sztuce prymitywnej, gdy naturalistyczny obraz zostaje zastąpiony znakiem, a suchy symbol zastępuje żywą imitację. Wielu nadal wierzy, że człowiek prymitywny nie przywiązywał dużej wagi do sztuki, całkowicie pochłonięty walką o byt.

Nie należy jednak zapominać, że człowiek prymitywny stosunkowo niedawno oddzielił się od natury, a sztuka odegrała w tym procesie bardzo ważną rolę – człowiek prawdopodobnie nie stałby się człowiekiem, gdyby został pozbawiony możliwości wyrażenia siebie w twórczości. Ponadto, sądząc po formach i liczbie dzieł sztuki prymitywnej, człowiek prymitywny miał nie mniejsze zdolności twórcze niż człowiek współczesny, a najprawdopodobniej nawet większe. Miał absolutny gust artystyczny, będąc aktywnym artystą na tyle, na ile był myśliwym, rybakiem czy zbieraczem. Jest oczywiste, że sztuka dla człowieka pierwotnego była integralną częścią jego życia, jego naturalną potrzebą i warunkiem przetrwania. Być może dlatego zainteresowanie zjawiskami kultury artystycznej czasów pierwotnych, których dziedzictwo wpływa na rozwój sztuki współczesnej i w ogóle życia duchowego, nie słabnie.

Historyczne i kulturowe znaczenie kultury prymitywnej widać w następujący sposób:

· kultura prymitywna jest początkowym i najdłuższym etapem w historii kultury światowej;

· miał charakter uniwersalny, gdyż cała ludzkość przeszła przez erę prymitywną;

· w społeczeństwie prymitywnym stworzono podwaliny współczesnej cywilizacji (zasób wiedzy, doświadczenia praktycznego, inteligencji i cnót psychofizycznych człowieka);

· kultura pierwotna odegrała kluczową rolę w historii kultury światowej: na wiele stuleci, a nawet tysiącleci, wyznaczała z góry nie tylko tempo, ale także treść, tematykę i różnorodność cech regionalnych procesu kulturowo-historycznego;

· znaczna liczba osiągnięć ludzkości pierwotnej zachowała swoje znaczenie w inwentarzu kultury nowożytnej.

Specyfika badań nad kulturą prymitywną, która powstała w najstarszym okresie historii wraz z Homo sapiens, komplikuje brak źródeł pisanych i niewystarczająca baza danych archeologicznych. Dlatego różne nauki uciekają się do rekonstrukcji pewnych epizodów historii tego okresu, analogii kulturowych i historycznych z obecnie istniejącymi typami wczesnych etapów rozwoju kulturalnego, najczęściej australijscy aborygeni, plemiona Afryki Środkowej itp. odgrywają tę rolę .

Co charakteryzowało kulturę ludów prymitywnych?

Najbliższe związki z naturą, bezpośrednia zależność od niej. Kulturę społeczeństwa prymitywnego charakteryzowało to, że działalność człowieka związana ze zbieractwem i polowaniem przeplatała się z procesami naturalnymi, człowiek nie oddzielał się od natury, w związku z czym nie istniała żadna produkcja duchowa. Całkowite uzależnienie człowieka od natury, niezwykle uboga wiedza, strach przed nieznanym – wszystko to nieuchronnie doprowadziło do tego, że świadomość prymitywnego człowieka od jego pierwszych kroków nie była ściśle logiczna, ale emocjonalno-skojarzeniowa, fantastyczna.

Przystosowaniu się do życia otaczającej przyrody towarzyszyło pojawienie się wiary w nadprzyrodzone siły natury. Najwyraźniej istniała opinia, że ​​​​życie człowieka i jego klanu zależy od życia jakiegoś zwierzęcia lub rośliny, które były czczone albo jako przodkowie klanu, albo jako jego totemy opiekuńcze. Procesy kulturalne i twórcze zostały organicznie wplecione w procesy zdobywania środków utrzymania. Wiąże się z tym cecha tej kultury - prymitywny synkretyzm, tj. jego niepodzielność na odrębne formy. Ze względu na silną jedność wszystkich rodzajów działalności kultura pierwotna jest synkretycznym kompleksem kulturowym, w którym wszystkie rodzaje działalności kulturalnej są powiązane ze sztuką i wyrażają się poprzez sztukę.

Nawrócenie prymitywnych ludzi na nowy dla nich rodzaj działalności - sztukę - jest jednym z największych wydarzeń w historii ludzkości.

Funkcje sztuki prymitywnej są poznanie, samoafirmacja człowieka, systematyzacja obrazu świata, czary, kształtowanie zmysłu estetycznego. Jednocześnie funkcja społeczna jest ściśle spleciona z funkcją magiczno-religijną. Różne narzędzia, broń i naczynia są ozdobione obrazami, które mają znaczenie magiczne i społeczne.

Co podsunęło pomysł na przedstawienie określonych obiektów? Czy malowanie ciała było pierwszym krokiem w tworzeniu obrazów, czy może człowiek odgadł znajomą sylwetkę zwierzęcia w przypadkowym zarysie kamienia i poprzez wycięcie go nadawał mu większe podobieństwo? A może podstawą rysunku był cień zwierzęcia lub osoby, a odcisk dłoni lub stopy poprzedza rzeźbę?

Wierzenia starożytnych ludzi były pogańskie , oparty na politeizmie. Główne kulty i rytuały religijne były powszechnie kojarzone z religijnymi formami sztuki. Należy zauważyć, że celem sztuki prymitywnej nie była przyjemność estetyczna, ale rozwiązywanie problemów praktycznych. Ale brak przedmiotów czystej sztuki nie oznacza obojętności na elementy dekoracyjne. Te ostatnie, jako znaki i ozdoby geometryczne, stały się wyrazem wyczucia rytmu, symetrii i właściwej formy.

Sztuka prymitywna odzwierciedlała pierwsze wyobrażenia człowieka o otaczającym go świecie, dzięki niej utrwalano i przekazywano wiedzę i umiejętności, a ludzie porozumiewali się ze sobą. W kulturze duchowej prymitywnego świata sztuka zaczęła odgrywać tę samą uniwersalną rolę, jaką w działalności zawodowej odgrywał spiczasty kamień.

W epoce prymitywnej powstały wszystkie rodzaje sztuk pięknych: grafika (rysunki, sylwetki), malarstwo (kolorowe obrazy wykonane farbami mineralnymi), rzeźba (figury z kamienia, gliny). Pojawia się sztuka dekoracyjna - rzeźby w kamieniu, kości, płaskorzeźby.

Sztuka epoki pierwotnej stała się podstawą dalszego rozwoju światowej twórczości artystycznej. Kultura starożytnego Egiptu, Sumeru, Iranu, Indii, Chin powstała na bazie wszystkiego, co stworzyli ich prymitywni poprzednicy.

Do niedawna naukowcy wyznawali dwa poglądy na temat historii sztuki prymitywnej. Niektórzy znawcy za najstarsze uznawali malarstwo i rzeźbę jaskiniowo-naturalistyczną, inni natomiast uważali za schematyczne znaki i figury geometryczne. Obecnie większość badaczy wyraża opinię, że obie formy pojawiły się mniej więcej w tym samym czasie. Na przykład wśród najstarszych obrazów na ścianach jaskiń z epoki paleolitu znajdują się odciski dłoni danej osoby i przypadkowe przeplatanie się falistych linii wciśniętych palcami tej samej dłoni w wilgotną glinę.

Jak i dlaczego zaczęła się sztuka piękna? Dokładna i prosta odpowiedź na to pytanie jest niemożliwa; czas powstania pierwszych dzieł sztuki jest bardzo względny. Nie zaczęła się w ściśle określonym momencie historycznym, ale stopniowo wyrastała z działalności człowieka, kształtowała się i modyfikowała wraz z osobą, która ją stworzyła.

Przez kilka tysiącleci sztuka prymitywna przechodziła ewolucję techniczną: od rysowania palcami na glinie i odcisków dłoni po wielokolorowe malarstwo; od zadrapań i grawerów po płaskorzeźbę; od fetyszyzacji skały, kamienia z zarysami zwierzęcia - po rzeźbę.

Za jedną z przyczyn powstania sztuki uważa się ludzką potrzebę piękna i radość tworzenia, za drugą uważa się ówczesne wierzenia. Z wierzeniami kojarzą się piękne pomniki epoki kamienia – malowane farbami, a także wizerunki wyryte na kamieniu pokrywającym ściany i sufity podziemnych jaskiń – malowidła jaskiniowe.

W jaskini Montespan we Francji archeolodzy znaleźli posąg glinianego niedźwiedzia ze śladami uderzeń włócznią. Prawdopodobnie pierwotni ludzie kojarzyli zwierzęta ze swoimi wizerunkami: wierzyli, że „zabijając” je, zapewnią powodzenie w nadchodzącym polowaniu. Takie znaleziska ujawniają związek starożytnych wierzeń religijnych z działalnością artystyczną. Ludzie tamtych czasów wierzyli w magię: w to, że za pomocą obrazów i innych obrazów można wpływać na przyrodę. Wierzono na przykład, że aby zapewnić powodzenie prawdziwego polowania, konieczne jest trafienie wylosowanego zwierzęcia strzałą lub włócznią.

Pojawienie się sztuki oznaczało ogromny krok naprzód w rozwoju ludzkości, przyczyniło się do wzmocnienia więzi społecznych w ramach prymitywnej społeczności, ukształtowania duchowego świata człowieka, jego początkowych idei estetycznych.

A jednak sztuka prymitywna wciąż pozostaje tajemnicą. A przyczyny jego powstania dają podstawę do wielu hipotez. Tutaj jest kilka z nich:

  • 1) Pojawienie się obrazów na kamieniu i rzeźb z gliny poprzedzone było malowaniem ciała.
  • 2) Sztuka pojawiła się przez przypadek, to znaczy osoba, nie dążąc do określonego celu, po prostu przesunęła palcem po piasku lub wilgotnej glinie.
  • 3) Sztuka pojawiła się w wyniku ustalonego układu sił w walce o byt (świadomość własnego bezpieczeństwa, pojawienie się polowań zbiorowych, istnienie dużych grup ekonomicznych i obecność dużych zapasów żywności). W rezultacie jednostki „zwolniły” czas na profesjonalne zajęcia twórcze.
  • 4) Henri Breuil zasugerował związek pomiędzy rozwojem sztuki jaskiniowej a polowaniem na duże zwierzęta. Polowanie rozwijało wyobraźnię i zręczność, „wzbogacało pamięć o żywe, głębokie i trwałe wrażenia”.
  • 5) Powstanie sztuki jest bezpośrednio związane z przekonaniami religijnymi (totemizm, fetyszyzm, magia, animizm). To nie przypadek, że wiele prymitywnych obrazów znajduje się w trudno dostępnych obszarach jaskiń.
  • 6) Pierwsze dzieła epoki paleolitu i znaki piktograficzne tworzą jedną całość (ideogramy-znaki, które mają określone znaczenie, ale nie są powiązane z konkretnym słowem). Być może narodziny sztuki zbiegły się z rozwojem pisma i mowy.
  • 7) Sztukę wczesną można postrzegać jako „nic innego jak ślady zwierząt pozostawione ludzką ręką”. Dopiero w epoce następującej po górnym paleolicie obrazy (lub ideogramy) są wypełnione znaczeniami. Obrazy i koncepcje pojawiły się znacznie później niż pierwsze rysunki i rzeźby.
  • 8) Sztuka pełniła rolę swoistego mechanizmu hamującego, czyli niosła obciążenie fizjologiczne. Niektóre obrazy miały zdolność wyciszania nadmiernej zawziętości czy negatywnych reakcji związanych z systemem zakazów. Nie można wykluczyć jego ścisłego związku z rytuałami inicjacyjnymi.

Najstarsze etapy rozwoju kultury prymitywnej, kiedy pojawiła się sztuka, należą do paleolitu, a sztuka pojawiła się dopiero w późnym (lub górnym) paleolicie. Późniejsze etapy rozwoju kultury prymitywnej sięgają mezolitu (średnia epoka kamienia), neolitu (nowa epoka kamienia) oraz czasów rozpowszechnienia się pierwszych narzędzi metalowych (epoka miedzi i brązu).

Oto, co prymitywne kultury pozostawiły w spadku przyszłym pokoleniom:

  • - malowidła ścienne i naskalne;
  • - rzeźbiarskie wizerunki zwierząt i ludzi;
  • - wiele amuletów, biżuterii, przedmiotów rytualnych;
  • - malowane kamyki - churingi, gliniane talerze, jako naiwne pomysły na temat ludzkiej duszy i wiele, wiele więcej.

SZTUKA PRYMITYWNA – w szerokim znaczeniu – sztuka społeczeństw na etapie rozwoju przedpaństwowego i przedpiśmiennego; w wąskim znaczeniu – sztuka epoki kamienia, czyli rozwijająca się w izolacji od ośrodków cywilizacji.

Czasami sztukę prymitywną włącza się w ramy „sztuki tra-di-tsi-on-native”. Istnieje pogląd, że sztuki prymitywnej nie można uważać za sztukę, pod warunkiem użycia określenia „obraz” -zi-tel-ny działalność. Przeciwnie, w wielu dziełach sztuka prymitywna nie jawi się jako specyficzne zjawisko, ale jej pamięć przywołuje epoki i regiony.

Odkrycie pierwszej sztuki życia. Po raz pierwszy pomnik sztuki paleo-li-ta (obraz la-ney, you-gra-vi-ro-van-noe na kości jelenia-nya) został pokryty 1834, podczas amatorskich wyścigów w Grocie Chaf-faux (Francja). Jednak wiek ruchu został zakwestionowany i został wprowadzony do obiegu naukowego w 1887 roku. On-li-chee hu-doge. twórczość w paleo-li-te na-cha-recogniz-after-then, jak podczas wykopalisk E. Lar-te i G. Christie w La Made-len (1864) nay-de-ale ty-gra -vi-ro-van-noe na obrazie bi-not-bra-zhe-nie ma-mon-ta. Pewnego dnia fi-gu-rams i zna-kam, żony w Nyo (1864), nie otrzymały znaku, lecz wyrosły-pisi, otwarte w Al-ta-mi-re (1879 ), na międzyludowym kongresie an-tro-po-logów i ar-heo-logów w Lis-sa-bo-na (1880) uznano je za przypadek. Pri-chi-na od-no-she-niya do on-go-kam - w stanie-pod-domu-ewolucyjnych-lu-tsio-ni-st-st-reprezentacji -nie-yah o ludziach Ka-men-no-go wieku jako istoty prymitywne, niezdolne do twórczości artystycznej -woo. Ostateczne uznanie sztuki paleo-li-ta nastąpiło po jej otwarciu w 1901 roku przez D. Pei-ro-ni, L. Ka-pita-nom, A. Breuil ryciny rycin w Com-ba -rel i life-in-pi-si w Font-de-Gaume.

Pro-ble-ma pro-is-ho-zh-de-niya sztuki. Ten problem-ble-ma zostanie wkrótce omówiony przed otwarciem pamięci paleo-li-tich. hu-doge. kreatywność. W ramach „teorii gier”, opartej na es-te-tich. kon-tsep-tsi-yah I. Kan-ta i F. Shil-le-ra, rozwinęli się z ducha ra-zha-shay tezy ro-man-tiz-ma, że ​​twierdzenie powstało jako re-zul-tat es-te-tich. twórczy sposób życia człowieka ku wolności od sił i praw natury i społeczeństwa. W przyszłości praca będzie dotyczyła wrodzonego dążenia człowieka do hu-doge. twórczość opiera się na jednej z podstawowych teorii w szeregu teorii (K. Bucher, francuski badacz J. A. Luke, francuski is-to-rik per-in-by-no-sti L. R. Nuzhier i in.). Szerokie uznanie jasnego punktu widzenia na temat związku między P. a. z ma-gi-ey, zwłaszcza-ben-ale-po-pracy-jesteś Francuzem. ar-heo-lo-ha S. Ray-na-ka o wszechogólnym is-to-rii plastiku. sztuka (1904).

W miarę postępu faktycznej ma-te-ria-la pojawiło się pytanie o gene-ne-zi-se sztuki. W połowie XIX wieku J. Boucher de Pert wysunął hipotezę „po prostu ten etap”, zgodnie z którą osoba tłumacząca -początkowo zauważyłem podobieństwo niektórych obiektów naturalnych (kamienie, płaskorzeźby ścian jaskiń itp.) z żywymi i ludźmi, następnie zaczął robić lub podchodząc do obrazów istniejących w jego świadomości, następnie zbliżył się do siebie -istotnej twórczości artystycznej. Francuski archeolog E. Piette uważał rzeźbę za najprostszą i najstarszą formę obrazowania, która powstała w człowieku rezul-ta-te under-raz-zha-niya według naturalnych wzorów. Na początku XX w. A. Breuil rysował obrazy, które mogły stanowić punkt wyjścia w procesie powstawania pierwszych pomników sztuki: „ma-ka-ro-ny”, czy „me-an- d-ry” (grupy równoległych linii fal, rysowane palcami po glinie lub na powierzchni skały objętością narzędzi zębatych); si-lu-te ręce, ty-pełny jako pozytyw lub negatyw (np. z prasy) obraz i tak - ten sam obwód wokół wody. W drugiej połowie XX w. A. Le-roy-Gu-ran w stworzonym przez siebie schemacie ewolucji stylistycznej sztuki europejskiej w wyższym świecie -że-de-lil początkowy etap (styl I), ha -rak-te-ri-zo-va-sh-sya z oddzielnymi znakami i obrazami from-sut-st-vi-em -zhe-nyh. Jednorazowe otwarcie w Sho-ve ri-sun-kov z ery-khi Orin-yak poddało w wątpliwość te i inne teorie evo-lu-tsio-ni-st.

Wśród badań krajowych najbardziej rozwinięte koncepcje powstania sztuki form-mu-li-rova-ny A.P. Ok-ok-nie-dla ciebie i A.D. Sto la-rum, is-ho-div-shi-mi z idei, że sztukę przewagi należy poprzedzić etap symbolicznej aktywności nie-an-der-tal-tsa, a nawet ar-chana-tropowa . Najstarszy przejaw twórczości artystycznej na terytorium środkowego i górnego paleo-li-ta według Sto-la-ru znajdował się „na-t-ral-nye-ma-ke-you” żywych - es-te-st-ven-nye (na przykład sta-lag-mit w pe -sche-rah Ba-zua, Włochy) i art-art-vin-nye (na przykład sztukaterie w Mont-tes-pan i Pech-Merle, Francja) os-no-you, to -były pokryte skórkami pokrytymi miodem. We współczesnych badaniach wspomnienia te sięgają znacznie później, z epoki – on Made-len, kiedy wydałeś wyrok pod moimi wątpliwościami.

Współczesna wiedza na temat chronologii sztuki jaskiniowej i sztuki małych form opiera się na radio-ang-le-rod-you, w tym uzyskanych dla pigmentu ros-pi-sey (AMS 14C). Nowe odkrycia pokazują, że najstarsze zabytki sztuki prymitywnej demon-mon-st-ri-ru-posiadają osobistą wiedzę na-tu-ry, opracowane obrazy artystyczne, warstwowe życie-na-ty pracujesz z farbą, skomplikowane kompozycje -si- qi-on-nye decyzje. Odkrycie naturalnych obiektów zawierających postacie ludzkie i niedopracowane drzewa -no-mi People-mi w Ashe-le (sto-yan-ka Be-re-hat-Ram, Go-lan-skie vy-so-you, Pa -le-sti-na, 1981; Tan-Tan ), ponownie de-la-yut ak-tu-al-ny-mi gi-po-te-zy J. Boucher de Per-ta i E. Piette. Pewnego dnia pojawił się problem, ale sztuka artystyczna pozostała otwarta.

Większość starożytnych zabytków sztuki prymitywnej w Europie Północnej, głównie w Europie Zachodniej, z maksymalnym con-cen-tra-tsi-ey (zwłaszcza-ben-but zhi-vo-pi-si) w tzw. Region Kan-Tab-riy (południowo-zachodnia Francja, północ Hiszpanii).

Generał ha-rak-te-ri-sti-ka per-in-life-no-go art-kus-st-va

Wspomnienia sztuki prymitywnej znane są z zachowanych do dziś próbek wykonanych na bryłach. Wizerunki na szczycie kamienia przedstawiają grafiki (m.in. pet-rog-li-fs) i życie w pi-sue (patrz Malowidło na skale), które zachowały się jedynie w jaskiniach. Pozwala to na podzielenie skalnych wspomnień sztuki paleolitycznej na o-ve-ve-ness (zlokalizowane w-la-gav- zlokalizowane na otwartych powierzchniach; np. Foch-Koa) i zlokalizowane w ciemnych jaskiniach, np. os-mot-ra i tworzenie pewnych sztucznych źródeł światła. Z paleo-li-ta z-ves-ny com-po-zi-tion; Niektóre z nich mają złożone rozwiązanie (na przykład przedstawienie zwierząt z Chau-ve). Paleta kolorów jest jak zwykle używana w kolorze czarnym, w kolorach czerwonym, czarnym, żółtym, które są również używane - wykorzystuje biel. Spoiwo w farbach nie jest używane, ale są one wyjątkowe – Ty. Już w paleo-znano kwiaty (na przykład w Al-ta-mi-re), techniczna objętość -chi za pomocą po-lu-to-new, jeden na jednego nawet w obrazach polichromowanych, graficzne -niya zachowuje ważne znaczenie. Ich własne pro-tsa-ra-pan-nye na glinie na kamieniach na ścianach z-li-linii, z-ra-ra-te figuratywne obrazy, a także obrazy zwierząt, pro-cher-chen-chen-i you-le-p- pościel z gliny na dnie jaskiń (np. bi-zons z Nyo i Tuc d'Auduber). Grafika jest pre-ob-la-da-et i wśród obrazów na kościach i małych kamieniach. Najstarsza rzeźba została przedstawiona na niewielkim talerzyku wykonanym z kłów, kości, gliny, kamienia, a także na beczce e-fa-mi, którą przeważnie osadzano na skalistych szczytach.

Wśród paleo-li-tic-fi-gu-ra-tywnych obrazów do-mi-ni-ru-yut przedstawiających byki, bi-zo-novs, lo-sha-dey, deer-ney, ma- mon-tov, no-so-ro-gov, miód-ve-dey, lwy (ptaki i ryby ma-lo). Wizerunek mężczyzny jest znany, ale jest znacznie mniejszy; wizerunki kobiet pre-about-la-yes, zwłaszcza w małych plastikach („We-ne-ry pal-leo-li-ta”). Osoba fi-gu-ra może mieć zoomorficzne (na przykład „czarodziej” z Trzech Braci z Jaskiń), w tym or-ni-to-morficzne (na przykład „kobiety-ptaki” w Me- zi-ne, Al-ta-mi-re, ludzie z głową ptaka w Las-ko), żywioły; znajdują się stylizowane wizerunki kobiecego ciała (tzw. formy cla-vi). Wraz ze znakami fi-gu-ra-tiv-ny-mi-bra-zhe-niya-mi, su-sche-st-vo-va-li, wiele z nich jest między-ter-pre -ti-ru- jako symbole żeńskich narządów płciowych, słońca, księżyca, zjawisk naturalnych itp. Najstarszy or-na-men-you (po-lo-sy, Sleep-ra-li, plant mo-ti-you), z reguły ob-raz-zo-va- my rit-mich-ale ja powtarzaj-schi-mi-sya li-niya-mi, yam-ka-mi, około-ale-sty-mi itp. W obrazach ludzi i żywych istot me-zo-li-those i neo-li-those jest więcej schematów, me-nya-ut-sti-li-sti-ka i prin-tsi-py or-ga-ni- za-tion związków, bardziej-inaczej-o-teraz-mi sta-no-vyat-sya or-na-men-you.

Nie ma wątpliwości, że sztuka prymitywna nie była obca muzyce i tańcom, o czym świadczą chociażby kościane flety, z których najstarsze znajdują się w środkowym paleo-li-tom (np. Mo-lo-do-va) . W ne-o-li-those pojawia się ar-hi-tek-tu-ra (kilka osad Żyznego Półksiężyca; zobacz także Mega-ga-lit, Mega-ga-li-Ti-che-skie kult- tu-ry).

Włączanie wyrobów sztuki prymitywnej do rytuałów religijnych zostało już potwierdzone w przeszłości – nie pamiętam żadnych wspomnień w trudnych do ogłupiania miejscach jaskiń, nie pamiętam „ran” na obrazie, dla -ho-ro-don't-eat sta-tu-etok w specjalnych dołach itp. Możliwe, że paleo-lityczne zestawienia fabuł są już powiązane z mi-fa-mi.

Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.allbest.ru/

1. Prymitywne społeczeństwo

Epoka paleolitu. Człowiek prymitywny rysował węglem drzewnym i zaostrzonym kamieniem. Być może najpierw wykonał wstępny rysunek węglem, następnie utrwalił go (zarysował) kamieniem, a następnie pomalował farbami w kolorze ochry.

Obrazy miały charakter magiczny, rytualny i dlatego stanowiły wyjątkową formę przekazu myśli ludzkiej. Na tej podstawie powstało i rozwinęło się później pismo, najpierw piktograficzne (obrazowe), potem ideograficzne, gdzie każdy znak odpowiadał słowu lub jego części, a wreszcie dźwiękowi litery.

Człowiek prymitywny nabył umiejętności rysowania poprzez bezpośrednią obserwację i naśladownictwo. W epoce paleolitu nie było nauki jako takiej.

W epoce neolitu Ludzie zaczęli wykorzystywać umiejętność rysowania do ozdabiania przedmiotów rękodzielniczych, głównie naczyń ceramicznych. W epoce neolitu wyroby ceramiczne pokrywano ozdobami.

W różnych krajach miał swoje własne typy i cechy. W związku z tym zaczęły pojawiać się metody nauczania. Artysta-rzemieślnik nie pozostał już obojętny na sukcesy swojego ucznia. Stało się dla niego ważne, aby uczeń, przejmując jego sztukę, stał się asystentem, a następnie kontynuatorem jego pracy, doskonaląc swój kunszt. Aby to zrobić, nauczyciel musiał kilkakrotnie pokazać uczniowi, jak pracować, jak przedstawić ten lub inny wzór.

W ten sposób zaczęto opracowywać techniki i metody nauczania. Nie było jednak jeszcze jasno opracowanych zasad nauczania.

2. Starożytny Egipt

Dokumenty historyczne wskazują, że w starożytnym Egipcie rysunku uczono w szkołach równolegle z rysunkiem. Po ukończeniu szkoły młody człowiek musiał umieć zmierzyć i narysować powierzchnię pola, naszkicować plan piętra, narysować i narysować schemat kanału. Zatem , Z Po raz pierwszy zetknęliśmy się z rysunkiem jako ogólnym przedmiotem nauczania wśród starożytnych Egipcjan. Szkolenia nie odbywały się już okazjonalnie, ale systematycznie. Metoda i system nauczania dla wszystkich artystów-nauczycieli był taki sam, ponieważ zatwierdzone kanony i zasady nakazywały najściślejsze przestrzeganie wszystkich ustalonych norm.

Należy również zauważyć, że Egipcjanie położyli podwaliny pod teoretyczne podstawy praktyki rysowania. To oni jako pierwsi ustanowili prawa obrazu i przekazali je nowym pokoleniom. Nie wiadomo, czy istniała teoria samego procesu uczenia się – dydaktyka, ale najwyraźniej istniało coś podobnego, gdyż samo istnienie kanonów mówi o jasnych regułach i prawach reprezentacji, których uczniowie musieli ściśle przestrzegać.

Nauka rysowania w starożytnym Egipcie opierała się nie na znajomości otaczającego świata, ale na zapamiętywaniu diagramów i kanonów oraz kopiowaniu próbek.

Ucząc rysunku artysta-nauczyciel nie zmuszał ucznia do obserwacji i badania przyrody (przyroda nie istniała jako przedmiot badań), ale zmuszał go do zapamiętania zasad przedstawiania kształtów przedmiotów według ustalonych kanonów.

Jest to pewne historyczne ograniczenie starożytnej egipskiej metody nauczania rysunku.

3. Starożytna Grecja

Artyści starożytnej Grecji podeszli do problemu nauczania i wychowania w nowy sposób i znacznie wzbogacili metody nauczania. Zachęcali młodych artystów do uważnego studiowania rzeczywistości, odnajdywania w niej harmonii i przekonywali, że najpiękniejszą rzeczą w życiu jest człowiek. W swoich pracach teoretycznych greccy artyści Parrhasius, Eupompus, Pamphilus, Apelles i inni wskazywali, że w świecie panuje ścisły wzór, a istota piękna tkwi w harmonijnym porządku, w symetrii, w harmonii części i całości, w prawidłowe zależności matematyczne. Tak więc w 432 rpne. mi. rzeźbiarz w Sikionie Poliklet z Argos napisał esej „Kanon” o idealnej proporcjonalności pomiędzy częściami ludzkiego ciała. Aby zilustrować swoje zasady teoretyczne, stworzył posąg „Doriphoros”, czyli „Włócznik”, który zaczęto wykorzystywać jako wizualną pomoc edukacyjną.

Do IV wieku p.n.e. mi. W Grecji istniało już kilka znanych i ugruntowanych szkół rysunku: Sikyon, Efez i Teby. Szczególnie sławna stała się szkoła rysunku Sikyon.

Szkoła Sikyon rysunek miał ogromny wpływ nie tylko na metodę nauczania, ale także na dalszy rozwój sztuk pięknych. Szkoła ta trzymała się naukowej metody nauczania, starała się przybliżyć ucznia do natury, odsłonić jej prawa i zaszczepić zamiłowanie do poznawania piękna przyrody. Ze szkoły sycyońskiej wywodzili się tak znani artyści, jak Pamphilus, Melantius, Pausius i wielcy Apelles.

W starożytnej Grecji rysunek zaczęto uważać za ogólny przedmiot edukacji. Dzięki dyrektorowi szkoły Sikyon, Pamphilusowi, rysunek został wprowadzony do wszystkich szkół średnich w Grecji. Zasługa Pamfila jest to, że jako pierwszy zrozumiał, że zadanie nauki rysowania obejmuje nie tylko przedstawianie obiektów rzeczywistości, ale także znajomość praw ich struktury. To uświadomiło postępowym obywatelom Grecji, jak ważne jest nauczanie sztuki w edukacji.

W starożytnej Grecji ustalono metodę naukowego rozumienia sztuki. Greccy artyści-nauczyciele zachęcali swoich uczniów i naśladowców do studiowania przyrody, obserwowania jej piękna i wskazywali, czym ona jest. Greccy artyści-nauczyciele jako pierwsi ustalili metodę nauczania rysunku opartą na czerpaniu z życia.

O technice rysowania w starożytnej Grecji. Malowali głównie na tablicach drewnianych (bukowych). Deski bukowe przygotowywano na dwa sposoby: do rysowania rysikiem (szpiczastym patyczkiem metalowym lub kościanym) deski pokrywano warstwą wosku, czasem wosk zabarwiano jakimś kolorem; do malowania farbą i pędzlem deskę bukową zagruntowano białym gesso (ulubiona metoda pracy w szkole ateńskiej). Tablice takie służyły głównie do prac studenckich, do szkiców i szkiców. Na woskowanych tabliczkach rysownik wydrapywał rysikiem wzór, na przykład zarys postaci.

4. Starożytna era rzymska

Rzymianie wysoko cenili dzieła greckich artystów.

Tak naprawdę jednak Rzymianie nie wprowadzili niczego nowego do metodologii i systemu nauczania. Korzystali jedynie z dorobku artystów greckich; Nie zachowały przy tym wielu cennych zasad metodyki nauczania rysunku.

W epoce Cesarstwa Rzymskiego artysta-nauczyciel najmniej myślał o wysokich problemach twórczości artystycznej. Interesowało go głównie rzemiosło i strona techniczna. Dominowało kopiowanie próbek i powtarzanie technik pracy wielkich mistrzów Grecji, a jednocześnie artyści rzymscy stopniowo odchodzili od głęboko przemyślanych metod nauczania rysunku, jakie stosowali greccy artyści-nauczyciele.

5. Średniowieczei renesans

W średniowieczu odrzucono osiągnięcia sztuki realistycznej. Artyści średniowiecza nie znali ani zasad konstruowania obrazu na płaszczyźnie, ani metod nauczania opracowanych przez Greków. Podczas formowania się chrześcijaństwa dzieła teoretyczne wielkich mistrzów Grecji, a także wiele znanych dzieł sztuki pięknej, zostały barbarzyńsko zniszczone.

Podboje tureckie również przyczyniły się do zniszczenia starożytnej kultury; Turcy zgasili ostatnie ośrodki kultury starożytnej.

W średniowieczu istniała jasna metodologia nauczania i teoretycznego rozwoju podstaw sztuk pięknych. Dopiero artyści renesansu zaczęli wykonywać tę pracę. Zniknął także rysunek jako przedmiot kształcenia ogólnego.

renesans otwiera nową erę zarówno w historii rozwoju sztuk pięknych, jak i w zakresie metod nauczania rysunku. Choć rysunek jako przedmiot nie był objęty programem szkolnym, renesans wniósł ogromny wkład w teorię metod nauczania rysunku zarówno w szkolnictwie zawodowym, jak i ogólnym. Artyści tego czasu na nowo rozwijali teorię sztuk pięknych, a jednocześnie metody nauczania rysunku. Nad problemami rysunku zaczynają pracować najlepsi mistrzowie sztuk pięknych: Cennini Cennino, Alberti, Leonardo da Vinci, Dürer i wielu, wielu innych. Aktywnie wkraczają na ścieżkę badań naukowych, starają się zrozumieć prawidłowości zjawisk naturalnych, nawiązać związek nauki ze sztuką. Leonardo da Vinci na podstawie literackich informacji o sztuce starożytnej Grecji opracował plac starożytnych. Doktryna proporcji, perspektywy i anatomii są w centrum uwagi teoretyków i praktyków sztuki tego czasu. Artyści renesansu potrafili nie tylko teoretycznie uzasadnić najpilniejsze problemy sztuki, ale także wskrzesić (stąd nazwa) starożytne dziedzictwo kulturowe.

Cenne zapisy metodyczne przedstawił w traktat „Trzy książki o malarstwie” Leona Battisty Albertiego. Praca ta jest znaczącym dziełem z zakresu teorii rysunku renesansowego. Traktat mówi nie tyle o malarstwie i farbach, ile o rysunku i podstawowych zasadach prawidłowego konstruowania obrazu na płaszczyźnie. Alberti sugeruje oparcie całego procesu uczenia się na czerpaniu z życia. W pierwszej książce przedstawia ścisły system szkolenia. Znajomość zaczyna się od punktu i linii prostych, następnie zapoznaje się z różnymi kątami, następnie z płaszczyznami, a na końcu z ciałami wolumetrycznymi. Traktując tę ​​pracę jako swego rodzaju podręcznik, trzeba zwrócić uwagę na obecność w niej podstawowych zapisów dydaktycznych.

W drugiej książce Alberti przecenia znaczenie zasłony, zaprzeczając metodzie nauczania czerpania z życia, zamieniając sztukę rysowania w mechaniczny projekt natury na płaszczyźnie. Metoda była następująca: pomiędzy modelką a artystą instalowano płaszczyznę obrazu (welon), która mogła być dwojakiego rodzaju: ramka z naciągniętym przezroczystym muślinem lub kalką, na której artysta wykonywał swój rysunek, lub ramka z rozciągnięte nitki. Aby rysownik miał stały punkt widzenia i mógł dokładnie przestrzegać zasad perspektywy, do kurtyny przymocowano specjalne urządzenie (wzrok), przez które artysta dokonywał obserwacji. Przez zasłonę w postaci ramy z naciągniętej kalki artysta obserwował obiekt i dokonywał na nim perspektywicznego przedstawienia natury. Drugi rodzaj zasłony to rama z naciągniętymi nićmi. Wątki dzielą ramkę na określoną liczbę komórek. Papier, na którym rysuje artysta, również jest podzielony na komórki. Obserwując przyrodę poprzez wzrok, rysownik zapisuje wyniki obserwacji na swoim rysunku i uzyskuje perspektywiczny obraz kształtu przedmiotu.

Ten sposób rysowania, choć pomagał w dokładnym przestrzeganiu praw perspektywy, miał jednocześnie istotną wadę: zamieniał rysunek w projektowanie mechaniczne.

„Książka o malarstwie” Leonardo da Vinci. Książka ta porusza problematykę rysunku, a co najważniejsze, Leonardo (podobnie jak Alberti) traktuje rysunek jako poważną dyscyplinę naukową. Mówiąc o tej samej zasłonie, którą chwali Alberti, Leonardo da Vinci słusznie zauważa, że ​​jest ona szkodliwa dla ucznia. Bardzo pozytywny jest także sposób utrwalania wiedzy poprzez czerpanie z pamięci.

Dürer wierzyłże w sztuce nie można polegać wyłącznie na odczuciu i wrażeniu wzrokowym, ale należy opierać się na dokładnej wiedzy naukowej. Zaproponowana przez Dürera metoda uogólniania formy ma ogromne znaczenie w nauczaniu rysunku. Dürer sugeruje, aby w początkowej fazie konstruowania obrazu rozpatrywać go jako sumę najprostszych kształtów geometrycznych. Dürer poruszał problemy pedagogiki i wychowania dzieci. Wśród artystów renesansu niewielu o tym myślało. We wstępie do „Księgi Malarstwa”.

Podsumowanie działalności artystów renesansu Przede wszystkim zwróćmy uwagę na kolosalną pracę, jaką wykonali w dziedzinie naukowego i teoretycznego uzasadnienia reguł rysunkowych. Ich prace nad perspektywą pomogły artystom uporać się z trudnym problemem konstruowania obrazu trójwymiarowego kształtu obiektów na płaszczyźnie. Wielu artystów renesansu, zafascynowanych perspektywą, poświęcało temu zagadnieniu cały swój czas.

Artyści renesansu umiejętnie wykorzystywali dane swoich obserwacji naukowych w praktyce artystycznej. Nawet dziś ich prace zadziwiają głęboką znajomością anatomii, perspektywy i praw światłocienia. Osiągnął niespotykany wcześniej poziom. Ma dla nas ogromną wartość artystyczną i pomaga rozwijać metodykę nauczania rysunku.

Mistrzowie renesansu potrafili stworzyć wysokie standardy zarówno dla praktykujących artystów, jak i nauczycieli. Nie tylko uzasadniali teoretycznie najpilniejsze problemy sztuki, ale także praktycznie udowadniali ich konieczność. Kultura artystyczna renesansu jest droga światu ze względu na stworzony przez nią kodeks zasad i praw sztuk pięknych. Wszyscy, którzy kochają i znają sztuki piękne renesansu, zwracają się do niej jako do źródła mądrości, wiedzy i wysokich umiejętności.

Artyści renesansu wskazali kolejnym pokoleniom artystów-nauczycieli właściwą drogę rozwoju metodologii i przyczynili się do ustanowienia rysunku jako przedmiotu edukacyjnego. Jednak w tamtej epoce rysunek edukacyjny nie zyskał jeszcze samodzielnego znaczenia. Mistrzowie renesansu niewiele poruszali w kwestiach dydaktyki i niewiele robili, aby połączyć problemy dydaktyczne z zagadnieniami sztuk pięknych. Nie postawili sobie zadania opracowania systemu szkolenia i edukacji.

6. Akademia Sztuki rysunek, otwarty na końcuXVIwiek

sztuka artystyczna malarstwo rysunek

Wiek XVII w historii metod nauczania rysunku to okres kształtowania się nowego systemu pedagogicznego – akademickiego. Nowy system zaczął stawiać jasne wymagania nie tylko uczniom, ale także nauczycielom. Najbardziej charakterystyczną cechą tego okresu jest powstawanie specjalnych placówek edukacyjnych – akademii artystycznych i szkół artystycznych.

Szczególnie wiele zrobiły akademie w zakresie nauczania metod rysunku, malarstwa i kompozycji. Nauczyciele akademii zastanawiali się przede wszystkim nad tym, jak ulepszyć metodologię, jak ułatwić i skrócić uczniom naukę materiału edukacyjnego. Argumentowali, że metody nauczania i wychowania należy budować na podstawach naukowych; sztuka, sukces artysty, nie jest darem Bożym, ale wynikiem wiedzy naukowej i poważnej pracy. Skuteczność akademickiego systemu nauczania polegała na tym, że nauczanie sztuki odbywało się jednocześnie z edukacją naukową i wpajaniem wysokich idei. Badając historię metod nauczania rysunku, widzimy, że akademie miały jasny i rygorystyczny system nauczania, chęć oświecenia i wzniesienia uczuć artysty.

Stanowisko w sprawie korzyści płynących z rysunku jako przedmiotu kształcenia ogólnego wyraził wielki czeski nauczyciel Ya. A. Komensky w swojej „Wielkiej dydaktyce”.

Francuski filozof-encyklopedysta opowiedział bardziej szczegółowo o rysunku jako ogólnym przedmiocie edukacyjnym. Jean-Jacques Rousseau. W książce „Emile” Rousseau napisała, że ​​dla zrozumienia otaczającej rzeczywistości ogromne znaczenie mają zmysły, które można rozwijać u dziecka, ucząc go czerpania z życia. Rousseau słusznie zauważył, że zajęcia z rysunku należy prowadzić wśród natury, gdyż w przyrodzie uczeń może wyraźnie dostrzec zjawiska perspektywy i zrozumieć jej prawa. Dodatkowo obserwując przyrodę uczeń rozwija swój gust, uczy się kochać przyrodę i zaczyna rozumieć jej piękno.

Idee pedagogiczne Komeńskiego, Locke’a, Rousseau i Goethego wzbogaciły teorię i praktykę nauczania rysunku. Ich prace teoretyczne stały się impulsem do dalszego rozwoju myśli pedagogicznej w ogóle, a w szczególności w zakresie metod nauczania rysunku. Dziś ich prace pomagają łączyć teorię sztuki z teorią pedagogiki, uzupełniają zasady sztuki o zasady dydaktyki, wzbogacając tym samym metody nauczania rysunku zarówno w szkołach średnich, jak i w specjalnych szkołach artystycznych.

Wasze poglądy na metodologię nauczania rysunku Pestalozzi najpełniej opisano w książce „Jak Gertruda uczy swoje dzieci”. Pestalozzi uważał, że nauka rysowania powinna odbywać się z życia, gdyż przyroda jest dostępna dla obserwacji, dotyku i pomiaru. Zgodnie z tym podejściem sam termin „rysunek” definiuje jako ustalanie formy za pomocą linii; wielkość formy – podkreśla – można określić na podstawie dokładnego pomiaru.

Po Pestalozzim we wszystkich szkołach podstawowych zaczęto wprowadzać rysunek jako przedmiot kształcenia ogólnego. Wiele pomocy dydaktycznych do rysunku jest publikowanych także dla szkół średnich, z różnymi ustawieniami i metodami nauczania. Wielką sławę zdobyły dzieła Josepha Schmidta, ucznia Pestalozziego, Petera Schmida, Soldana, braci Dupuis i Galliarda.

Duży wpływ na rozwój metodologii szkolnej wywarły prace berlińskiego nauczyciela plastyki. Piotr Schmid. Opracował metodykę nauczania rysunku opartą na postępowych ogólnych zasadach pedagogicznych. Jego pierwsze dzieło datuje się na rok 1809.

Schmid posługiwał się modelami geometrycznymi. Położył podwaliny pod rozwój tzw. „metody geometrycznej”.

Według Petera Schmida rysunek to nie tylko mechaniczne ćwiczenie ręki, to także gimnastyka umysłu, ćwiczy się także obserwację, ogólne poczucie formy i wyobraźnię. Kolejność nauczania rysunku według Schmida powinna być następująca: najpierw obraz najprostszej formy - równoległościanu, potem obraz krzywoliniowych kształtów przedmiotów - i tak stopniowo uczeń jest doprowadzany do rysowania z gipsowych głów i popiersi. Każde zadanie determinuje następne, a kolejne zakłada poprzednie i na nim się opiera.

W 1835 w Paryżu Alexandre i Ferdinand Dupuis założył bezpłatną szkołę rysunku dla uczniów i rzemieślników. W tej szkole bracia stworzyli metodę nauczania, wykorzystując specjalne modele. Ferdinand Dupuis był zajęty opracowywaniem metodologii szkolenia wstępnego, Aleksander opracował modele nauczania rysowania głowy i postaci ludzkiej.

Modele Ferdinanda Dupuya podzielono na pięć kategorii. Do pierwszej zaliczały się modele liniowe: linie, kąty, figury zamknięte, ramy brył geometrycznych, zarówno wzięte osobno, jak i z wpisanymi w nie ramami innych brył. Przykładowo rama walca została wpisana w ramę równoległościanu, a rama stożka została wpisana w ramę piramidy. Modele te wykonano z drutu o grubości 5 mm i pomalowano białą farbą, a części pomocnicze - czerwoną. Drugą grupę modeli stanowiły klocki drewniane, również malowane białą farbą. Trzecia grupa to białe deski drewniane: kąt prosty trzech desek, wklęsła powierzchnia itp. Czwarta grupa to bryły geometryczne: sześcian, kula, pryzmat. Piąta grupa to modele łuków. kolumny, wnęki, schody i proste meble.

Pod koniec XIX wieku. Specjaliści od nauczania rysunku szkolnego dzielili się na dwa obozy: jedna grupa skupiała zwolenników metody geometrycznej, druga - naturalnej.

Od 1888 roku we wszystkich szkołach średnich wprowadzono metodę geometryczną. Metoda ta miała wiele zalet w porównaniu z innymi. Podążając za nim, uczniowie bardziej świadomie oswajali się z rysowaniem, nie tylko obserwowali przedmiot, jego kształt, ale także go analizowali.

Jednak już wkrótce znaleźli się nauczyciele, którzy zaczęli wyolbrzymiać tę metodę nauczania. Zaczęli wymagać od uczniów nienagannej czystości rysunku, dokładności i poprawności rysowania figur geometrycznych. Wielu nauczycieli błędnie rozumiało proces uczenia się i podchodziło do lekcji formalnie i sucho. Figury geometryczne zaczęto badać abstrakcyjnie, bez żadnego związku z obiektami świata rzeczywistego.

Metoda naturalna szkolenie polegało na tym, że uczeń musiał rysować obiekty natychmiast tak, jak je widzi, bez żadnego upraszczania formy. Zwolennicy tej metody argumentowali, że w odróżnieniu od geometrycznej przybliża ona ucznia do życia, do natury. Uważali, że metoda geometryczna nadaje się tylko do kształcenia zawodowego i jest całkowicie nieodpowiednia dla szkół średnich, ponieważ rzekomo nie uwzględnia cech wiekowych dzieci i ich zainteresowań. Abstrakcyjne formy geometryczne, zdaniem zwolenników metody naturalnej, nie odpowiadają potrzebie dzieci przekazywania w sposób graficzny wrażeń z otaczającego ich świata.

W wieku 30 latXXwiek Czołowymi teoretykami zajmującymi się problematyką edukacji artystycznej dzieci są: w Niemczech - G. Kerschensteiner, w Ameryce - J. Dewey, w naszym kraju - A. V. Bakushinsky. Pomimo różnych podejść do rozwiązywanego problemu i różnych jego interpretacji, wszystkie inspirowane są wspólną ideą – ideą „wolnego wychowania”, afirmacji osobowości dziecka wraz z jego prawem do wyrażania swoich uczuć i myśli, oraz usunięcie nauczyciela ze stanowiska kierowniczego. Według nich dzieci nie muszą opanowywać umiejętności graficznych, zwłaszcza na początkowym etapie edukacji.

Ten punkt widzenia utrzymuje się do dziś w wielu krajach Zachodu. Zwolennicy teorii bezpłatnej edukacji nadal kultywują metodę zapewnienia uczniowi całkowitej wolności, a nauczyciel schodzi na dalszy plan.

Z powyższego wynika, że ​​już w latach 50. W XX wieku w wielu szkołach za granicą złamano rygorystyczny system nauczania, a rysunek jako przedmiot nauczania ogólnego stracił na znaczeniu.

Opublikowano na Allbest.ru

Podobne dokumenty

    Narodziny sztuki w epoce jaskiniowej. Rozwój sztuki w starożytnej Grecji i Rzymie. Cechy rozwoju malarstwa w średniowieczu, renesansie i baroku. Ruchy artystyczne w sztuce współczesnej. Istota piękna z moralnego punktu widzenia.

    artykuł, dodano 16.02.2011

    System klasyfikacji sztuki na typy przestrzenne (plastyczne), tymczasowe (dynamiczne), syntetyczne (spektakularne). Rozwój historyczny, cechy i techniki wykorzystania materiałów artystycznych w grafice, rzeźbie i malarstwie.

    test, dodano 29.01.2010

    Historia powstania dramatu greckiego i pierwsze etapy jego rozwoju. Organizacja przedstawień teatralnych, architektura teatralna w Grecji, aktorzy i widzowie w teatrze starożytnym. Struktura teatru w starożytnym Rzymie, cechy przedstawień w epoce cesarstwa.

    praca na kursie, dodano 28.09.2014

    Przegląd cech klasycyzmu jako głównego kierunku sztuki i architektury w Rosji ostatniej tercji XVIII wieku. Formy i projekty budynków w stylu późnego klasycyzmu. Wybitni architekci tamtych czasów. Historia powstania Akademii Nauk i Sztuk.

    prezentacja, dodano 18.10.2015

    Otwarcie szkoły rysunku w Odessie. Utworzenie partnerstwa artystów z południowej Rosji. Rozwój malarstwa, grafiki, rzeźby, sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Działalność towarzystwa artystycznego imienia Kiriaka Konstantinowicza Kostandiego.

    streszczenie, dodano 17.12.2014

    Historia pojawienia się biżuterii. Produkty do celów świeckich. Sztuka emaliowanych miniatur portretowych. Tradycje jubilerskie renesansu. Umiejętność jubilerów z XIV wieku. Zastosowanie stylu renesansowego we współczesnej biżuterii.

    praca na kursie, dodano 01.12.2014

    Renesans jako ważny etap w rozwoju kultury europejskiej. Sztuka piękna w renesansie. Rozwój polifonii wokalnej i instrumentalnej w muzyce. Oddzielenie poezji od sztuki śpiewu, bogactwo literatury późnego średniowiecza.

    test, dodano 12.10.2009

    Historia rozwoju technik malarstwa olejnego za granicą i w Rosji od XVIII wieku. Etapy rozwoju krajobrazu jako gatunku sztuki. Obecny stan malarstwa olejnego w Baszkortostanie. Technologia wykonywania pejzaży z wykorzystaniem technik malarstwa olejnego.

    praca dyplomowa, dodana 09.05.2015

    Rozwój miast i rozwój rzemiosła, wzrost światowego handlu, wielkie odkrycia geograficzne końca XV i początku XVI wieku. Epoka włoskiego renesansu. Podstawy wartości sztuki renesansu. Człowiek w epoce renesansu jako główny temat sztuki.

    streszczenie, dodano 04.03.2009

    Charakterystyczne cechy sztuki renesansu. Badania i szczegółowa analiza najsłynniejszych dzieł sztuki badanego okresu - literatury, malarstwa, dramatu. Ocena zasadności nazwy XVI–XVII w. w Japonii w okresie renesansu.

Sztuka prymitywna obejmuje geograficznie wszystkie kontynenty z wyjątkiem Antarktydy, a czasowo całą epokę istnienia człowieka, zachowaną do dziś przez niektóre ludy żyjące w odległych zakątkach planety. Nawrócenie prymitywnych ludzi na nowy dla nich rodzaj działalności - sztukę - jest jednym z największych wydarzeń w historii ludzkości. Sztuka prymitywna odzwierciedlała pierwsze wyobrażenia człowieka o otaczającym go świecie, dzięki niej utrwalano i przekazywano wiedzę i umiejętności, a ludzie porozumiewali się ze sobą. W kulturze duchowej prymitywnego świata sztuka zaczęła odgrywać tę samą uniwersalną rolę, jaką w działalności zawodowej odgrywał spiczasty kamień.

Starożytni ludzie mogli wpaść na pomysł przedstawiania przedmiotów nie w jeden, ale na wiele sposobów.

Do niedawna naukowcy wyznawali dwa przeciwstawne poglądy na temat historii sztuki prymitywnej. Niektórzy eksperci uważali za najstarsze malarstwo i rzeźbę jaskiniowo-naturalistyczną, inni za schematyczne znaki i figury geometryczne. Obecnie większość badaczy wyraża opinię, że obie formy pojawiły się mniej więcej w tym samym czasie. Na przykład wśród najstarszych obrazów na ścianach jaskiń z epoki paleolitu znajdują się odciski dłoni danej osoby i przypadkowe przeplatanie się falistych linii wciśniętych palcami tej samej dłoni w wilgotną glinę.

Cechy sztuki prymitywnej

Przejście człowieka na nowy sposób życia i inną niż dotychczas relację z otaczającą przyrodą nastąpiło jednocześnie z ukształtowaniem się odmiennego postrzegania świata. Za każdą koncepcją krył się obraz, żywe działanie. W starożytności rola sztuki była jeszcze większa niż obecnie: w przypadku braku nauki zawierała w sobie niemal całe doświadczenie rozumienia świata.

Ludzie starożytnej epoki kamienia nie znali ozdób. Na wizerunkach zwierząt i ludzi wykonanych z kości czasami widać rytmicznie powtarzające się pociągnięcia lub zygzaki, przypominające ozdobę. Ale patrząc uważnie, widzisz, że jest to symbol wełny, ptasich piór lub włosów. Tak jak wizerunek zwierzęcia „kontynuuje” skaliste tło, tak i te motywy zdobnicze nie stały się jeszcze samodzielnymi, oddzielonymi od rzeczy konwencjonalnymi figurami, które można nanieść na dowolną powierzchnię.

To samo powiązanie z formami naturalnymi można znaleźć w narzędziach i innych produktach. Najstarsze z nich to po prostu potłuczone kamienie. Stopniowo narzędzia zaczęły przybierać formy, które jedynie mgliście przypominały to, co można zobaczyć w naturze. Często ludzie zachowywali to, co stworzyła natura, w niezmienionym stanie.

Zatem w postrzeganiu przyrody dominowało podążanie za nią, uwaga na zmienne formy, konkretne zjawiska, a nie na cechy wspólne między nimi, nie na cechy stale powtarzające się, które dziś nazywamy wzorami. Świat osiadłych rolników stał się inny. Charakterystyczne jest, że w ich sztukach plastycznych ornament zaczyna odgrywać wiodącą rolę. Rytmicznie powtarzające się postacie pokrywają gładkie ściany naczyń i ściany mieszkań. Dywany i tkaniny, które nie zachowały się do dziś, prawdopodobnie zdobiono ozdobami. Ozdoba pojawiła się, gdy ludzie odkryli trwałe cechy w strukturze rzeczy, które stworzyli.

Motywy zdobnicze często przedstawiały wizerunki ludzi, zwierząt i ptaków w konwencjonalnej formie. Ale wiele z nich miało charakter geometryczny, a z czasem takich ozdób jest coraz więcej. Geometryczne kształty nadano zarówno dekoracjom, jak i pieczęciom stemplowym, którymi nanoszono obrazy na tworzywa sztuczne (glina, ciasto). Wyrzeźbione z gliny postacie ludzi zbliżone były w zarysie do kształtów geometrycznych. Wszystko to pokazuje, że zaczęli patrzeć na świat inaczej niż wcześniej: w końcu w naturze nie ma wielu obiektów i stworzeń, które wyglądają jak ścisłe figury geometryczne.

W ozdobach zaczęły pojawiać się jeszcze odległe znaki znaków pisanych: wszak wiadomo, że znaki najstarszych pism były obrazowe. Ich znaczenie jest ściśle związane z tym, co przedstawiały

Sztuka paleolitu

Pierwsze dzieła sztuki prymitywnej powstały około trzydzieści tysięcy lat temu, u schyłku epoki paleolitu, czyli starożytnej epoki kamienia.

Najstarsze współczesne obrazy rzeźbiarskie to tak zwane „paleolityczne Wenus” - prymitywne figurki kobiece. Wszystkie mają pewne wspólne cechy: powiększone biodra, brzuch i piersi, brak stóp. Prymitywni rzeźbiarze nie interesowali się nawet rysami twarzy. Ich zadaniem nie było odtworzenie konkretnej natury, ale stworzenie pewnego uogólnionego obrazu kobiety-matki, symbolu płodności i strażniczki ogniska domowego. Wizerunki mężczyzn w epoce paleolitu są bardzo rzadkie. Prawie wszystkie rzeźby paleolityczne są wykonane z kamienia lub kości.

W historii malarstwa jaskiniowego epoki paleolitu eksperci wyróżniają kilka okresów. W czasach starożytnych (od około 30 tysiąclecia p.n.e.) prymitywni artyści wypełniali powierzchnię wewnątrz konturu rysunku czarną lub czerwoną farbą.

Później (od około 18 do 15 tysiącleci pne) prymitywni rzemieślnicy zaczęli zwracać większą uwagę na szczegóły: przedstawiali wełnę ukośnymi równoległymi pociągnięciami, nauczyli się używać dodatkowych kolorów (różne odcienie żółtej i czerwonej farby) do malowania plam na skórkach byków, koni i żubrów. Zmieniała się także linia konturu: stawała się jaśniejsza i ciemniejsza, zaznaczając jasne i zacienione partie sylwetki, fałdy skóry i gęstą sierść (np. grzywy koni, masywny kark żubra), nadając w ten sposób objętość. W niektórych przypadkach starożytni artyści podkreślali kontury lub najbardziej wyraziste detale za pomocą rzeźbionej linii.

W 1868 roku w Hiszpanii, w prowincji Santander, odkryto jaskinię Altamira, do której wejście zostało wcześniej zakryte przez osuwisko.

Do niezwykłego odkrycia doszło zupełnie przypadkowo we wrześniu 1940 roku. Jaskinię Lascaux we Francji, która stała się jeszcze bardziej znana niż Altamira, odkryło czterech chłopców, którzy podczas zabawy weszli do dziury otwierającej się pod korzeniami drzewa, które upadł po burzy. Następnie obrazy jaskiniowe straciły swoją wyrazistość i objętość; nasiliła się stylizacja (uogólnianie i schematyzacja obiektów). W ostatnim okresie realistyczne obrazy są całkowicie nieobecne

Sztuka mezolitu

W epoce mezolitu, czyli środkowej epoce kamienia (XII-VIII tysiąclecie p.n.e.), warunki klimatyczne na planecie uległy zmianie. Niektóre zwierzęta, na które polowano, zniknęły; zastąpiono je innymi. Zaczęło rozwijać się rybołówstwo. Ludzie stworzyli nowe rodzaje narzędzi, broni (łuki i strzały) oraz oswoili psa.

Wcześniej uwaga starożytnego artysty skupiała się na upolowanych przez niego zwierzętach, obecnie na postaciach ludzkich ukazanych w szybkim ruchu. Jeśli paleolityczne malowidła jaskiniowe przedstawiały pojedyncze, niezwiązane ze sobą postacie, to w mezolitycznych malowidłach naskalnych zaczęły dominować wielofigurowe kompozycje i sceny, które żywo odtwarzają różne epizody z życia ówczesnych myśliwych. Oprócz różnych odcieni czerwonej farby stosowano czarną i sporadycznie białą, a jako trwałe spoiwo służyło białko jaja, krew i ewentualnie miód.

Centralnym elementem sztuki naskalnej były sceny myśliwskie, w których myśliwi i zwierzęta są połączeni energetycznie rozwijającą się akcją.

Duże obrazy zastąpiono małymi. Postacie ludzkie są bardzo konwencjonalne, są raczej symbolami służącymi do przedstawienia scen zbiorowych.

Sztuka neolityczna

Topnienie lodowców w neolicie, czyli nowej epoce kamienia (5000-3000 p.n.e.), wprawiło w ruch ludy, które zaczęły zasiedlać nowe przestrzenie. Nasiliła się walka międzyplemienna o posiadanie najkorzystniejszych terenów łowieckich i o zajęcie nowych ziem. W epoce neolitu człowiekowi groziło najgorsze niebezpieczeństwo – inny człowiek! Malarstwo jaskiniowe w epoce neolitu stawało się coraz bardziej schematyczne i konwencjonalne: obrazy tylko w niewielkim stopniu przypominały osobę lub zwierzę.

Sztuka naskalna istniała we wszystkich częściach świata, ale nigdzie nie była tak rozpowszechniona jak w Afryce.

W III-II tysiącleciu p.n.e. mi. konstrukcje pojawiły się z ogromnych bloków kamienia - megality (od greckich „megas” - „duży” i „lithos” - „kamień”). Do budowli megalitycznych zaliczają się menhiry – pionowo stojące kamienie o wysokości ponad dwóch metrów; dolmeny – kilka kamieni wkopanych w ziemię, przykrytych kamienną płytą; kromlechy to skomplikowane budowle w formie okrągłych ogrodzeń o średnicy dochodzącej do stu metrów, wykonanych z ogromnych bloków kamiennych.

Najbardziej znanym z nich jest kromlech ze Stonehenge (II tysiąclecie p.n.e.), niedaleko miasta Salisbury w Anglii.

Oprócz schematyzmu wyróżnia je niestaranność wykonania. Oprócz stylizowanych rysunków ludzi i zwierząt pojawiają się różnorodne kształty geometryczne (koła, prostokąty, romby i spirale itp.), wizerunki broni (siepory i sztylety) oraz pojazdów (łodzie i statki). Reprodukcja dzikiej przyrody schodzi na dalszy plan. Nauczywszy się tworzyć obrazy (rzeźbiarskie, graficzne, malarskie), człowiek z czasem nabył pewną władzę.

Może Cię zainteresuje