Gatunek muzyczny(fr. gatunek muzyczny) to ogólne pojęcie obejmujące najistotniejsze właściwości i powiązania zjawisk w świecie sztuki, zespół cech formalnych i merytorycznych dzieła. Wszystkie istniejące dzieła odzwierciedlają pewne warunki, uczestnicząc jednocześnie w tworzeniu definicji pojęcia gatunku.

Arioso- mała aria z melodią o charakterze melodyjnym, deklamacyjnym lub pieśniowym.

Aria- ukończony odcinek opery, operetki, oratorium lub kantaty, wykonywany przez solistę z towarzyszeniem orkiestry.

Ballada- solowe kompozycje wokalne wykorzystujące teksty dzieł poetyckich i zachowujące ich główne cechy; kompozycje instrumentalne.

Balet- rodzaj sztuki scenicznej, której treść ujawnia się w obrazach tanecznych i muzycznych.

Blues- piosenka jazzowa o smutnej, lirycznej treści.

Bylina- Rosyjska epicka piosenka ludowa-legenda.

Wodewil- zabawna zabawa teatralna z numerami muzycznymi. 1) rodzaj serialu komediowego z piosenkami dwuwierszowymi, romansami, tańcami; 2) pieśń końcowa w wodewilu.

Hymn- uroczysta piosenka.

Jazz- rodzaj improwizowanej muzyki tanecznej.

Dyskoteka- styl muzyczny o uproszczonej melodii i sztywnym rytmie.

Wynalazek- mały utwór muzyczny, w którym istotne jest jakieś oryginalne odkrycie w dziedzinie rozwoju melodyki i budowania formy.

Pokaz poboczny- niewielki utwór muzyczny wykonywany pomiędzy częściami utworu.

Intermezzo- małe przedstawienie swobodne, a także samodzielny epizod w operze lub innym utworze muzycznym.

Kantata- duże dzieło wokalno-instrumentalne o charakterze uroczystym, zwykle przeznaczone na solistów, chór i orkiestrę.

Kantylena- melodyjna, gładka melodia.

muzyka kameralna - (dosłownie „pokój”). dziełami kameralnymi są albo utwory na instrumenty solowe: pieśni bez słów, wariacje, sonaty, suity, preludia, improwizacje, momenty muzyczne, nokturny, albo różne zespoły instrumentalne: trio, kwartet, kwintet itp., gdzie odpowiednio trzy, cztery, pięć instrumentów a wszystkie części są równie ważne i wymagają od wykonawców i kompozytora starannego wykończenia.

Capriccio- wirtuozowski utwór instrumentalny o charakterze improwizacyjnym, z nieoczekiwaną zmianą obrazów i nastrojów.

Koncert- utwór na jeden lub (rzadziej) kilka instrumentów solowych i orkiestrę oraz publiczne wykonanie utworów muzycznych.

Madrygał- małe dzieło muzyczno-poetyckie o treści miłosnej i lirycznej z XIV-XVI wieku.

Marsz- utwór muzyczny o wyważonym tempie i wyraźnym rytmie, zwykle towarzyszący procesji zbiorowej.

Musical- utwór muzyczny łączący w sobie elementy opery i operetki; balet, muzyka pop.

Nokturn- w XVIII - początkach XIX wieku. XIX w. wieloczęściowy utwór instrumentalny, głównie na instrumenty dęte, wykonywany najczęściej w plenerze wieczorem lub w nocy. krótki liryczny utwór instrumentalny.

o tak- uroczysty utwór muzyczny poświęcony jakieśmu ważnemu wydarzeniu lub osobie.

Opera- utwór muzyczno-dramatyczny oparty na syntezie słowa, akcji scenicznej i muzyki.

Operetka- utwór komediowy o charakterze muzyczno-scenicznym, obejmujący sceny wokalne i taneczne, towarzyszenie orkiestry oraz epizody mówione.

Oratorium- utwór na solistów, chór i orkiestrę, przeznaczony do wykonania koncertowego.

Dom to styl i nurt w muzyce elektronicznej. House jest potomkiem stylów tanecznych wczesnej ery post-disco (electro, high power, soul, funk itp.). Główną różnicą pomiędzy muzyką house jest powtarzane rytmiczne uderzenie, zwykle w taktowaniu 4/4, oraz samplowanie - praca z wstawkami dźwiękowymi, które w muzyce powtarzają się od czasu do czasu, częściowo pokrywając się z jej rytmem. Jednym z najważniejszych współczesnych podstylów house jest house progresywny.

Chór - utwór na duży zespół śpiewaczy. dzieła chóralne dzielą się na dwie duże grupy – z towarzyszeniem instrumentalnym (lub orkiestrowym) (a cappella) lub bez.

Piosenka- utwór poetycki przeznaczony do śpiewu. jego forma muzyczna jest zwykle dwuwierszowa lub stroficzna.

Składanka- spektakl składający się z fragmentów kilku popularnych melodii.

Grać- ukończone dzieło muzyczne o niewielkich rozmiarach.

Rapsodia- utwór muzyczny (instrumentalny) na tematy pieśni ludowych i opowieści epickich, jakby odtwarzający wykonanie rapsodu.

Msza żałobna- prace chóru pogrzebowego (msza pogrzebowa).

Romans- utwór liryczny na głos z akompaniamentem muzycznym.

R&B (Rhythm and Blues, Angielski Rhythm & Blues) to styl muzyczny z gatunku pieśni i tańca. pierwotnie uogólniona nazwa muzyki masowej opartej na stylach bluesowych i jazzowych lat trzydziestych i czterdziestych XX wieku. Obecnie skrót rytm i blues (angielski r&b) używany jest w odniesieniu do współczesnego rytmu i bluesa.

Rondo- utwór muzyczny, w którym główna część powtarza się kilka razy.

Serenada- piosenka liryczna przy akompaniamencie lutni, mandoliny lub gitary, wykonywana na cześć ukochanej osoby.

Symfonia- utwór muzyczny na orkiestrę, napisany w formie cyklicznej sonatowej, najwyższej formy muzyki instrumentalnej.

Symfoniczny Muzyka- w odróżnieniu od muzyki kameralnej wykonywana jest w dużych salach i przeznaczona jest dla orkiestry symfonicznej. dzieła symfoniczne charakteryzują się głębią i wszechstronnością treści, często rozmachem, a jednocześnie przystępnością języka muzycznego.

Współbrzmienie- połączenie kilku dźwięków o różnych wysokościach brzmiących jednocześnie.

Sonata- utwór muzyczny składający się z trzech lub czterech części o różnym tempie i charakterze.

Sonatina- mała sonata.

Zestaw- utwór na jeden lub dwa instrumenty, składający się z kilku odmiennych utworów, połączonych wspólną koncepcją.

Symfoniczny Wiersz- gatunek muzyki symfonicznej wyrażający romantyczną ideę syntezy sztuk. Poemat symfoniczny to jednoczęściowy utwór orkiestrowy, który dopuszcza różne źródła programu (literaturę i malarstwo, rzadziej filozofię lub historię; malarstwo przyrodnicze).

Toccata- wirtuozowski utwór muzyczny na instrument klawiszowy w szybkiej części i wyraźnym tempie.

Ton- dźwięk o określonej wysokości.

Dotknij- krótkie muzyczne powitanie.

Uwertura to utwór orkiestrowy, który ma służyć jako wprowadzenie do opery, baletu i dramatu. w swojej obrazowości i formie wiele uwertur klasycznych jest bliskich pierwszym częściom symfonii.

Fantazja- utwór muzyczny o dowolnej formie.

Elegia- utwór muzyczny o charakterze smutnym.

Etiuda- utwór muzyczny oparty na wirtuozowskich fragmentach.

Praca diagnostyczna nad muzyką dla klasy szóstej

Instrukcje dla uczniów.

Okres na wykonanie prac diagnostycznych wynosi 1 lekcję.

Praca składa się z 3 części obejmujących 14 zadań.

Część 1

Zadania 1-10

Do każdego zadania dostępne są trzy możliwe odpowiedzi, z których tylko jedna jest prawidłowa. Wpisz w formularzu odpowiedzi właściwą literę zgodną z numerem zadania.

Część 2

Zadania 11-12

Wybór prawidłowej odpowiedzi na podstawie zgodności terminu z jego definicją, twórcą muzyki i jego dziełem.

Wpisz w formularzu odpowiedzi właściwą literę zgodną z numerem zadania.

Część 3

Zadania 13-14

13. Na końcu zadania znajdują się słowa, które należy wstawić do tekstu zgodnie z ich znaczeniem. Zapisz te słowa w formularzu odpowiedzi.

14. W formularzu odpowiedzi należy podać szczegółowe wyjaśnienie.

Wykonując zadania, możesz skorzystać z wersji roboczej. Informujemy, że wpisy w projekcie nie będą brane pod uwagę przy ocenie pracy.

Punkty otrzymane za wszystkie wykonane zadania sumują się. Postaraj się wykonać jak najwięcej zadań i zdobyć jak najwięcej punktów.

Życzymy sukcesu!

CzęśćI

1. Dzieła literackie, o których w starożytności zwyczajowo nie opowiadano, ale śpiewano:

a) zagadki;

b) bajki;

c) eposy.

2. Utwór przeznaczony do śpiewania bez słów:

a) wokalizacja;

c) romans.

3. Uroczysta pieśń państwowa:

c) kantata.

4. Utwór na orkiestrę symfoniczną i instrument solowy:

Koncert;

c) symfonia.

5. Znajdź poprawną definicję słowa polifonia:

a) w tłumaczeniu z języka greckiego słowo to oznacza polifonię – rodzaj polifonii, który polega na jednoczesnym połączeniu dwóch lub więcej niezależnych melodii.

b) forma muzyczna polegająca na wielokrotnym powtarzaniu części głównej - refrenu, z którym naprzemiennie są odcinki.

c) forma muzyczna składająca się z tematu i jego zmodyfikowanych powtórzeń.

a) kompozytor M. I. Glinka i poeta W. Goethe

b) kompozytor M. I. Glinka i poeta A. S. Puszkin;

c) kompozytor P.I. Czajkowski i poeta A.S. Puszkin.

7. N. A. Rimski-Korsakow napisał operę na 100. rocznicę A. S. Puszkina:

a) „Sadko”;

b) „Śnieżna Dziewica”;

c) „Opowieść o carze Saltanie”.

8. Nazwa Konserwatorium w Petersburgu pochodzi od:

a) M.I. Glinka;

b) N. A. Rimski-Korsakow;

c) P.I. Czajkowski.

9. Nazwa Państwowej Kaplicy Akademickiej w Petersburgu pochodzi od:

a) M.I. Glinka;

b) N. A. Rimski-Korsakow;

c) P.I. Czajkowski.

10. Z podanych nazwisk wybierz tylko nazwiska znanych Ci kompozytorów rosyjskich:

a) K.I. Czukowski, A.S. Puszkin, N.V. Niekrasow;

b) F. Schubert, E. Grieg, L. Beethoven;

c) W. Kikta, W. Gawrilin, S. Rachmaninow.

CzęśćII

11. Ustal zgodność nazw środków wyrazu z ich definicjami:

12. Dopasuj nazwy dzieł i kompozytorów:

CzęśćIII

Uzupełnij brakujące wyrazy zgodnie z ich znaczeniem:

W swoim pamiętniku artysta W. Borys-Musatow pisze o przenikaniu się muzyki i malarstwa:

„Siedzę w domu i pytam ______ sam siebie.

Zamiast ______________ są w nich wszystkie kolory. I _______________________________.

Moje marzenia są zawsze przed nami. Tworzą dla mnie całość ____________.

Moje myśli to kolory, moje kolory to ____.”

Słowa: improwizacja, melodie, dźwięki, koncerty, symfonie.

Uzasadnij dobór słów i terminów.

Środki wyrazu muzycznego

Gatunki muzyki:

Gatunek muzyczny(przetłumaczone z francuskiego - rodzaj, typ, sposób) - rodzaj sztuki o pewnym, historycznym charakterze

ustalone cechy.

1. gatunek wokalno-chóralny– obejmuje utwory stworzone na potrzeby performansu

kantata, oratorium, msza itp.

1. gatunek instrumentalny– obejmuje utwory stworzone z myślą o wykonaniu na różnych instrumentach muzycznych: spektakl, cykl instrumentalny – suita, sonata, koncert, zespół instrumentalny (trio, kwartet, kwintet) itp.
2. gatunek teatru muzycznego- obejmuje utwory stworzone do występów w teatrze: operze, operetce, balecie, muzykę do przedstawień dramatycznych.
3. gatunek symfoniczny- obejmuje utwory napisane na orkiestrę symfoniczną: utwór symfoniczny, suita, uwertura, symfonia itp.

Elementy mowy muzycznej:

1. Melodia(w tłumaczeniu z języka greckiego - pieśń) - myśl muzyczna wyrażona monofonicznie.

Rodzaje melodii:

Cantilena (śpiew) – spokojna, melodyjna melodia

Melodia wokalna to melodia stworzona do wykonywania przez głos.

Melodia instrumentalna to melodia stworzona do grania na instrumencie muzycznym.

2. Chłopak(w tłumaczeniu ze słowiańskiego - harmonia, harmonia, porządek, pokój) - wzajemne połączenie

brzmienia muzyczne, ich spójność i konsystencja. Z wielu trybów

Najczęściej używane są dur i minor.

1. Harmonia(przetłumaczone z greckiego - proporcjonalność, połączenie) - łączenie dźwięków w współbrzmienia i ich

relacja. (Innym znaczeniem słowa harmonia jest nauka o akordach).

1. Metr(w tłumaczeniu z greckiego - miara) - ciągła i jednolita naprzemienność mocnych i słabych uderzeń. Rozmiar – cyfrowe oznaczenie licznika.

Podstawowe mierniki: dwustronny (polka, galop, ekozaise),

trzytaktowy (polonez, menuet, mazurek, walc), czterotaktowy (marsz, gawot).

1. Rytm(w tłumaczeniu z greckiego - proporcjonalność) - naprzemienność trwania, dźwięków i pauz.

Rodzaje rytmu:

Płynne – rzadkie zmiany czasów trwania z przewagą tych samych.

Kropkowany (w tłumaczeniu z łaciny - kropka) - grupa dwóch dźwięków, z których jeden jest trzykrotnie krótszy od drugiego (ósemka z kropką i szesnastka).

Omdlenie (w tłumaczeniu z greckiego - pominięcie, redukcja) to rozbieżność pomiędzy akcentem rytmicznym i dynamicznym a akcentem metrycznym. (przesunięcie uderzenia mocnego na słabe).

Ostinato (z włoskiego – uparty, uparty) – powtarzane wielokrotnie

zwrot rytmiczny lub melodyczny.

6. Zakres(w tłumaczeniu z greckiego - przez wszystko) - odległość od najniższego do najwyższego

dźwięk, jaki może wydać instrument lub głos.

1. Rejestr– część zakresu dźwięku instrumentu muzycznego lub głosu zawierająca

brzmi podobnie pod względem koloru (rozróżnia się rejestry górny, środkowy i dolny).

1. Dynamika- siła dźwięku, jego głośność. Dynamiczne odcienie - specjalne warunki,

określenie poziomu głośności utworu muzycznego.

1. Tempo(w tłumaczeniu z łaciny - czas) - prędkość ruchu muzyki. W dziełach muzycznych

tempo jest oznaczone specjalnymi terminami.

1. Właz(w tłumaczeniu z włoskiego - kierunek, cecha) - sposób wytwarzania dźwięku podczas śpiewania lub gry na instrumentach muzycznych.

Podstawowe akcenty:

Legato - spójne, gładkie

Staccato – nagłe, ostre

Non legato – oddzielanie poszczególnych dźwięków

1. Tekstura(w tłumaczeniu z łaciny - obróbka, urządzenie) - muzyczna tkanka dzieła,

sposób prezentacji muzyki. Elementy tekstury: melodia, akordy, bas, głosy środkowe,

Główne rodzaje tekstur:

Monodia (w tłumaczeniu z greckiego - pieśń jednego śpiewaka) - monofonia lub jedna melodyka

Faktura polifoniczna (w tłumaczeniu z greckiego - wiele dźwięków) - zawiera tkankę muzyczną

składa się z kombinacji kilku melodyjnych głosów. Każdy głos

niezależna melodia.

Tekstura homofoniczno-harmoniczna lub homofonia (przetłumaczone z języka greckiego - główny lider

dźwięk) - wyraźnie odróżnia głos wiodący - melodię i pozostałe do niej głosy

towarzyszyć.

rodzaje akompaniamentu:

akord, bas – akord, figuracje harmoniczne.

Tekstura akordów to sekwencja akordów, w których występuje głos wyższy

reprezentuje melodię.

1. Tembr(w tłumaczeniu z francuskiego - znak, znak rozpoznawczy) - szczególna kolorystyka brzmienia musicalu

oktawy. Wykonawcy: Tamara Milashkina, Galina Vishnevskaya, Montserrat Caballe i inni.

Odmiana sopranowa - sopran koloraturowy.

Koloratura(w tłumaczeniu z języka włoskiego - dekoracja) - szybkie wirtuozowskie pasaże i melizmaty,

służący do dekoracji solowej partii wokalnej.

Mezzosopran – średni głos żeński śpiewający o zakresie małej oktawy „A” – „A”

(„B”) drugiej oktawy. Wykonawcy: Nadieżda Obuchow, Irina Arkhipowa,

Elena Obraztsova i inni.

Kontralt to najniższy głos żeński śpiewający w zakresie „F” małej oktawy – „F”

druga oktawa. Wykonawcy: Tamara Sinyavskaya i inni.

Wykonawcy: Leonid Sobinov, Sergey Lemeshev, Ivan Kozlovsky, Vadim Kozin, Enrico

Caruso, Placido Domingo, Luciano Pavarotti, Jose Careras i inni.

oktawy. Wykonawcy: Yuri Gulyaev, Dmitry Hvorostovsky, Tita Ruffo i inni.

Wykonawcy: Fiodor Chaliapin, Borys Sztokołow, Jewgienij Nesterenko i inni.

Muzyka wokalna

Utwory wokalne można wykonywać z towarzyszeniem instrumentów muzycznych lub bez niego – a cappella.

Muzyka wokalna może być wykonywana:

Solo – przez jednego piosenkarza

Zespół wokalny – duet (2), trio (3), kwartet (4) itd.

Chór – duża grupa wykonawców licząca 15 lub więcej osób.

Chóry

chóry mogą różnić się składem wykonawców:

Męskie

Damskie

Dziecięce

Mieszany

chóry mogą różnić się sposobem wykonania:

Akademicka – wykonywanie muzyki klasycznej i współczesnej, śpiew

„pokryty” „zaokrąglonym” dźwiękiem.

Folk - śpiew w szczególny sposób z „otwartym” dźwiękiem.

Gatunki muzyki wokalnej

Piosenka – najbardziej rozpowszechniony gatunek muzyki wokalnej.

Pieśni ludowe narodziły się i żyły wśród ludzi. Nie spisane przez nikogo, przekazywane były ustnie z pokolenia na pokolenie. Wykonawca był jednocześnie twórcą: do każdego utworu wnosił coś nowego. Najbardziej znane rodzaje pieśni ludowych to kołysanki, piosenki do zabawy dla dzieci, dowcipy, piosenki taneczne, piosenki komiksowe, tańce okrągłe, gry, pieśni robocze, pieśni rytualne, pieśni historyczne, pieśni epickie i pieśni liryczne.

Piosenka masowa jako gatunek zaczęła się rozwijać w latach 20. XX wieku. Pieśni popularne są bliskie pieśniom ludowym, bo każdy je kocha i zna; często śpiewa się je na swój sposób, nieznacznie zmieniając melodię i nie znając imienia poety i kompozytora. Etapy rozwoju pieśni masowych: pieśni wojny domowej, pieśni lat 30., pieśni II wojny światowej itp.

Piosenki popowe rozpowszechniły się w drugiej połowie XX wieku. Wykonywane są z

różnorodni wykonawcy to profesjonaliści.

Największą popularność pieśni autorskie (bardowskie) zyskały w latach 60. XX wieku. W oryginalnej pieśni poeta, kompozytor i wykonawca występują w jednej osobie. Jej najwybitniejszymi przedstawicielami są Władimir Wysocki, Bułat Okudżawa, Aleksander Rosembaum, Siegey Nikitin i inni.

Romans - utwór wokalny na głos z akompaniamentem.

Romanse pojawiły się w Hiszpanii, skąd rozprzestrzeniły się po całej Europie. Do Rosji przybyły w XIX w. z Francji i początkowo wykonywano je wyłącznie w języku francuskim. Utwory wokalne z tekstem rosyjskim nazywano „pieśniami rosyjskimi”.

Z biegiem czasu znaczenie słowa „romans” rozszerzyło się. Romans zaczęto nazywać utworem na głos z akompaniamentem, napisanym w formie bardziej złożonej niż piosenka. W pieśniach powtarzają się melodie zwrotki i refrenu, odzwierciedlając ogólną treść tekstu. W romansie melodia, zmieniając się, elastycznie podąża za słowem. Ogromną rolę odgrywa akompaniament (najczęściej partia fortepianu)

Kantata i oratorium.

Gatunek oratoryjny wywodzi się z Kościoła. W Rzymie pod koniec XVI wieku, kiedy wierzący katolicy zaczęli gromadzić się w kościołach w specjalnych pomieszczeniach – oratoriach – aby czytać i interpretować Biblię. Ich kazaniom zawsze towarzyszyła muzyka. W ten sposób powstały specjalne dzieła o tematyce biblijnej dla solistów, chórów i zespołów instrumentalnych - oratoria. W XVIII wieku pojawiły się oratoria świeckie, tj. przeznaczone do występów koncertowych. Ich pierwszym twórcą jest G. F. Handel. Należy pamiętać, że w przeciwieństwie do opery w oratorium nie ma akcji teatralnej.

W XVII wieku pojawił się gatunek bliski oratorium – kantata – utwór koncertowo-wokalny o charakterze lirycznym, gratulacyjnym lub powitalnym, składający się z arii i recytatywów. Wykonywany przez solistów lub chór z towarzyszeniem orkiestry. (różnica od oratorium – brak fabuły)

J. S. Bach napisał wiele wspaniałych kantat.

Obecnie zaciera się rozróżnienie między oratorium a kantatą:

Teraz są to duże, wieloczęściowe dzieła wokalne i symfoniczne, których głównymi tematami są: gloryfikacja Ojczyzny, wizerunki bohaterów, bohaterska przeszłość ludu, walka o pokój itp.

Aria - najbardziej uderzający numer solowy w operze.

To monolog wokalny, w którym najpełniej i wszechstronnie scharakteryzowano bohatera oraz zarysowano jego muzyczny portret. W operze klasycznej aria ma bardziej złożoną formę niż piosenka.

Odmiany arii to: arioso, arietta, cavatina.

Przed ariami w operze zwykle występuje recytatyw.

Recytatyw - rodzaj muzyki wokalnej opartej na intonacji mowy.

Jest skonstruowana swobodnie, zbliżając się do mowy.

Masa - wieloczęściowy utwór muzyki kościelnej na chór, solistów z instrumentami

akompaniament

Msza Święta jest pamiątką męki, śmierci na krzyżu i zmartwychwstania Chrystusa. Dochodzi do chrześcijańskiego sakramentu dziękczynienia, a chleb i wino zamieniają się w Ciało i Krew Chrystusa.

Na Mszę składają się obowiązkowe śpiewy:

· Kirie eleison – Panie zmiłuj się

· Gloria – chwała Bogu na wysokościach

· Credo – wierzę

Sanctus – święty

· Benedictus – błogosławiony

· Agnus Dei – Baranek Boży (przypomnienie tradycji zabijania baranka na ofiarę, gdyż sam Chrystus złożył ofiarę)

Połączone razem, pieśni te jednocześnie ukazują obraz Boga i mówią o uczuciach, jakich człowiek doświadcza przed Bogiem.

Muzyka instrumentalna

Zespół instrumentalny

(Ensemble - razem, zgodnie)

Widelec - instrument w postaci dwuzębnego widelca, który wydaje jeden dźwięk „la”.

Wynaleziony w 1711 roku przez Johna Shore'a.

Za pomocą kamertonu wszyscy muzycy dostrajają swoje instrumenty, aby grać razem.

Zespoły kameralne (od łacińskiego słowa komora - tj. pokój) - małe, stabilne typy zespołów, w których instrumenty dobrze równoważą się dźwięcznie.

Najpopularniejsze zespoły kameralne to:

Kwartet smyczkowy - składa się z 2 skrzypiec, altówki i wiolonczeli

Trio smyczkowe - składa się ze skrzypiec, altówki i wiolonczeli

Trio fortepianowe – składa się ze skrzypiec, wiolonczeli i fortepianu

Istnieją zespoły składające się wyłącznie ze skrzypków lub samych harf itp.

Rodzaje orkiestr

Orkiestra – grupa muzyków wykonujących wspólnie muzykę instrumentalną.

Konduktor - dyrektor orkiestry.

Na przestrzeni lat metody prowadzenia zmieniały się wielokrotnie:

dyrygenci byli za sceną, przed orkiestrą, za orkiestrą, w środku orkiestry. Podczas gry siedzieli i chodzili. Dyrygowali w ciszy, śpiewali, krzyczeli na całe gardło i grali na jednym z instrumentów.

Dyrygowali wielką pałką; rolka papieru zwinięta w tubę; ciosy w stopę obutą w sandały, których podeszwy były pokryte żelazem; ukłon; pałka dyrygencka – trampolina.

Wcześniej dyrygenci stali tyłem do orkiestry. Niemiecki kompozytor Ryszard Wagner w XIX wieku. złamał tę tradycję i zwrócił się twarzą do orkiestry.

Wynik – zapis muzyczny polifonicznego utworu muzycznego, w którym łączone są partie poszczególnych instrumentów

Orkiestra symfoniczna:

Narodziny pierwszych orkiestr wiążą się z pojawieniem się opery w XVI – XVII wieku. Grupę muzyków umieszczono osobno na specjalnej małej powierzchni przed sceną, którą nazwano „orkiestrą”. Zestaw instrumentów w pierwszych orkiestrach był niejednolity: altówki (poprzedniczki skrzypiec i wiolonczeli), 2-3 skrzypiec, kilka luten, trąbki, flety, klawesyn. Jednocześnie wszystkie te instrumenty zabrzmiały jedynie w utworze wprowadzającym, który wówczas nazywano „symfonią”. Aż do XVIII wieku kompozytorzy poszukiwali najlepszego zestawienia instrumentów w orkiestrze.

Klasycy wiedeńscy – J. Haydn i W. A. ​​Mozart – zdeterminowali skład klasycznej orkiestry symfonicznej.

Nowoczesna orkiestra symfoniczna liczy do 100 muzyków.

Cztery główne grupy orkiestry symfonicznej

Czasami w skład orkiestry wchodzą: harfa, organy, fortepian, celesta (w tłumaczeniu z włoskiego, niebiański – perkusyjny instrument klawiszowy przypominający mały fortepian. Barwa – delikatna, krystaliczna)

Orkiestra Dęta

Brzmi głównie na scenach plenerowych oraz towarzyszy procesjom i marszom. Jego brzmienie jest szczególnie mocne i jasne. Głównymi instrumentami orkiestry dętej są instrumenty dęte blaszane: klarnety, trąbki, rogi. Występują także instrumenty dęte drewniane: flety, klarnety, a w dużych orkiestrach pojawiają się także oboje i fagoty, a także instrumenty perkusyjne – bębny, kotły, talerze. Istnieją utwory napisane specjalnie dla orkiestry dętej, ale często wykonywane są utwory symfoniczne zaaranżowane dla orkiestry dętej.

Różnorodna orkiestra

Najbardziej zróżnicowany pod względem składu instrumentów i rozmiarów - od dużych, podobnych do symfonii, po bardzo małe, bardziej przypominające zespół. Orkiestry popowe często zawierają ukulele, saksofony i wiele instrumentów perkusyjnych. Orkiestra popowa wykonuje: muzykę taneczną, różne rodzaje piosenek, utwory muzyczne o charakterze rozrywkowym, popularne utwory klasyczne o prostej treści.

Znane są orkiestry popowe prowadzone przez O. Lundstrema, P. Morię, B. Goodmana i innych.

Orkiestra Instrumentów Ludowych

Ich kompozycje są różne, ponieważ Każdy naród ma swoje własne instrumenty narodowe. W Rosji orkiestra instrumentów ludowych obejmuje

Instrumenty smyczkowe: domry, bałałajki, gusli,

Mosiądz – rury, rury, rogi, dysze, flety

Bayany, harmonijki ustne

Duża grupa instrumentów perkusyjnych

Pierwsza profesjonalna orkiestra instrumentów ludowych powstała w 1888 roku pod kierunkiem słynnego muzyka V.V. Andreeva.

Jazz - orkiestry

W przeciwieństwie do orkiestry symfonicznej orkiestra jazzowa nie ma stałego składu instrumentów. Jazz to zawsze zespół solistów. Orkiestry jazzowe obejmują fortepian, saksofony, banjo i gitary. Można uwzględnić smyczki, puzony, trąbki i klarnety. Grupa instrumentów perkusyjnych jest bardzo duża i różnorodna.

Głównymi cechami jazzu są improwizacja (zdolność solistów do komponowania muzyki bezpośrednio podczas występu); rytmiczna swoboda.

W Ameryce pojawiły się pierwsze orkiestry jazzowe – najsłynniejszy mistrz jazzu: Louis Armstrong.

W Rosji pierwszą orkiestrę jazzową stworzył Leonid Utesow.

Struktura dzieł muzycznych. Forma muzyczna. Temat muzyczny.

Temat (w tłumaczeniu z języka greckiego - jaka jest podstawa) - główna idea muzyczna dzieła. Jedna praca może mieć jeden lub kilka (zwykle kontrastowych) tematów.

Motyw przewodni (w tłumaczeniu z języka niemieckiego - motyw przewodni) - wielokrotnie powtarzane zdanie lub cały temat

powtarzane w pracy.

Powtórzenie - takie przedstawienie tematu, w którym powtarza się ono kilka razy bez zmian lub z niewielkimi zmianami.

Sekwencja – wielokrotne powtarzanie tematu bez zmian na różnych wysokościach.

Zmiana – wielokrotne powtórzenie tematu ze znaczącymi zmianami.

Opracowanie motywacyjne (rozwój) – wyodrębnienie jasnych elementów (motywów) z tematu i jego

sekwencja, rejestr, barwa, rozwój tonalny.

Forma muzyczna

Formularz (w tłumaczeniu z łaciny - obraz, zarys) - konstrukcja dzieła muzycznego, relacja jego części.

Elementy formy muzycznej: motyw, fraza, zdanie.

Motyw (w tłumaczeniu z języka włoskiego „podstawa”) to najmniejszy element formy muzycznej. Z reguły motyw zawiera jeden akcent i jest równy jednej mierze.

Fraza (przetłumaczona z języka greckiego jako wyrażenie) to element formy muzycznej zawierający dwa lub

kilka motywów. Głośność frazy wynosi od dwóch do czterech taktów. Czasami frazy nie są podzielone na motywy.

Zdanie to stosunkowo kompletny element formy muzycznej, składający się z kilku fraz. Długość zdania wynosi od czterech do ośmiu taktów. Są zdania, których nie da się podzielić na frazy.

Okres- najprostsza forma muzyczna zawierająca pełną lub względną

kompletna myśl. Kropka składa się z dwóch (rzadziej trzech) zdań. Objętość okresu

od ośmiu do szesnastu taktów. Istnieją okresy:

Powtarzana konstrukcja (kiedy drugie zdanie powtarza pierwsze dosłownie lub z

małe zmiany. Schemat: a + a lub a + a 1)

Struktura niepowtarzająca się (gdy drugie zdanie nie powtarza pierwszego. Schemat: a + b)

Istnieją formy proste i złożone:

Prosty - zwana formą, w której każda część jest nie dłuższa niż kropka.

Złożony - zwana formą, w której przynajmniej jedna część jest większa od kropki.

Dowolną z form można opatrzyć wstępem i zakończeniem (kodą).

Prosta dwuczęściowa forma

Forma muzyczna składająca się z dwóch części, każda nie dłuższa niż kropka

Odmiany:

Odwet - gdy drugie zdanie drugiej części powtarza jedno ze zdań pierwszej części

Na przykład:

Czajkowski „Pieśń starofrancuska” Schemat: A.B

za + za 1 b + za 2

Nierozpoznane – składające się z dwóch różnych okresów. Na przykład:

Czajkowski „Śpiewa kataryniarz” Schemat: A.B

za + b do + do 1

Prosta, trzyczęściowa forma

Forma muzyczna składająca się z trzech części, z których każda jest nie dłuższa niż kropka.

Odmiany:

Odwet - gdzie trzecia część jest powtórzeniem pierwszej części dosłownie lub z mollą

zmiany. Na przykład:

Czajkowski „Marsz drewnianych żołnierzy” Schemat: A B A

za + za 1 b + b 1 za 2 + za 3

Non-reprise - w którym trzecia część nie jest powtórką pierwszej części. Na przykład:

Czajkowskiego „Pieśń neapolitańska”. Schemat: A B C

za + za 1 b + b do + do 1

Złożona, trzyczęściowa forma

Trzyczęściowa forma odwetu, w której części zewnętrzne są prostą formą dwuczęściową lub trzyczęściową, a część środkowa kontrastuje z częściami zewnętrznymi i reprezentuje dowolną prostą formę.

Na przykład: Czajkowski „Walc”. Schemat:

za + za 1 b + b 1 do + do 1 za + za 1 b + b 1

(proste dwie części) (kropka) (proste dwie części)

Kształt Ronda

Rondo (przetłumaczone z francuskiego – koło, taniec okrągły) – forma muzyczna, w której powtarza się temat główny

co najmniej trzy razy, na zmianę z innymi tematami - odcinkami.

Główny temat to tzw refren (przetłumaczone z francuskiego - refren).

Refreny i epizody można przedstawić w dowolnej prostej formie.

Schemat: A B A C A

Forma odmian

Forma odmian – forma muzyczna, w której temat jest prezentowany wielokrotnie ze zmianami.

Zmodyfikowane powtórzenie tematu nazywa się zmiana (w tłumaczeniu z łaciny - zmiana,

różnorodność).

W odmianach dowolne elementy mowy muzycznej mogą się zmieniać.

Liczba odmian waha się od dwóch do kilkudziesięciu.

Temat można zapisać w dowolnej prostej formie. Ale najczęściej - w prostej dwuczęściowej.

Schemat: A A 1 A 2 A 3 A 4 itd.

Temat 1 odm. 2 wari. 3 wari. 4 wari.

Forma sonatowa

Forma sonatowa – forma muzyczna polegająca zazwyczaj na zestawieniu rozwoju dwóch tematów

kontrastujące.

Forma sonatowa składa się z trzech części.

Sekcja 1 – ekspozycja (w tłumaczeniu z łaciny - pokaż) - początek akcji.

Wystawa prezentuje dwa główne tematy - dom I Strona .

dom temat brzmi w głównej, głównej tonacji dzieła i Strona Temat jest w innej tonacji.

dom I Strona tematy łączą Spoiwo temat.

Kończy wystawę Finał temat.

Sekcja 2 – rozwój – centrum dramatyczne formy sonatowej;

porównanie, zderzenie i rozwinięcie tematów prezentowanych na wystawie. Rozwój charakteryzuje się częstymi zmianami tonacji. Główną metodą opracowywania tematów jest rozwój motywacyjny.

Sekcja 3 – powtórka - zakończenie działań.

Przeprowadzenie materiału ekspozycyjnego w tonacji głównej.

Powtórka z rozwoju ekspozycji

Gl.t. Svyaz.t. Pob.t. Zakl.t. Gl.t. Svyaz.t. Pob.t. Zakl.t.

T------------- D, VI, III T T

Formy cykliczne

Cykl - na pasie z języka greckiego - koło.

Formy cykliczne - formy muzyczne składające się z kilku niezależnych

kontrastujące części połączone jedną koncepcją.

Do najważniejszych form cyklicznych zalicza się suitę i cykl sonatowy.

Zestaw.

Starożytny Apartament (XVI - XVIII w.) - cykl różnorodnych tańców starożytnych zapisany w jednym

tonalność.

Główne tańce starożytnej suity:

Umiarkowany alemande (niemiecki czteroosobowy)

Pełen życia kurant (francuski trójpłatowy)

Powolny Sarabanda (hiszpański trójpłatowy)

Szybko giga (angielski trójstronny)

Czasami suita starożytna obejmowała menuet, gawot, bure i inne tańce, a także utwory nietaneczne - preludium, fugę, arię, rondo.

Przykłady suit antycznych w twórczości G. Handla, J. S. Bacha, F. Couperina, J. Lully'ego, J. Rameau.

Nowy apartament (XIX – XX w.) – cykl jaskrawo kontrastujących sztuk pisanych w różnych tonacjach.

W nowej suitie dominują utwory nietaneczne.

Przykłady nowego pakietu:

P.I. Czajkowski „Pory roku”;

M.P. Musorgski „Obrazy z wystawy”;

E. Griega „Peer Gynt”;

N.A. Rimski – Korsakow „Szeherezada”;

K. Sen – Sans „Karnawał zwierząt”.

Cykl sonatowy- forma muzyczna, w której przynajmniej jedna część zapisana jest w formie sonatowej.

Cykl sonatowy dla jednego lub dwóch wykonawców solowych nazywa się - sonata;

dla trzech wykonawców – trio;

dla czterech wykonawców – kwartet;

dla pięciu wykonawców – kwintet.

Cykl sonatowy napisany na orkiestrę symfoniczną nazywa się - symfonia;

na instrument solowy i orkiestrę – koncert.

Cykle trzyczęściowe – sonata, koncert.

Cykle czteroczęściowe - symfonia, kwartet, kwintet.

Formy polifoniczne

Polifonia(greckie poli - wiele, telefon - głos, dźwięk) - rodzaj polifonii, który pojawił się znacznie wcześniej niż homofonia i rozpowszechnił się w XVI i XVII wieku. Tutaj wszystkie głosy prowadzą własne, niezależne i równie ważne, równie wyraziste melodie.
Sztuka polifoniczna ma swoje specjalne gatunki: passacaglia, chaconne, wynalazek i kanon . Wszystkie te przedstawienia wykorzystują technikę imitacji.

Imitacja oznacza „naśladowanie”, czyli powtarzanie melodii innym głosem.

Na przykład, Kanon opiera się na ścisłym, ciągłym naśladowaniu tej samej melodii we wszystkich głosach. Głosy powtarzają melodię głosu wiodącego, wchodząc zanim ta melodia zakończy się poprzednią.
Szczytem sztuki polifonicznej jest fuga . Ta forma polifonii osiągnęła swój największy rozkwit w twórczości Jana Sebastiana Bacha.
Słowo "Fuga" pochodzi od łacińskiego słowa „bieganie”. Fugę komponuje się według specjalnych, bardzo rygorystycznych praw. Z reguły fuga opiera się na jednym musicalu temat - jasny, dobrze zapamiętany. Temat ten wybrzmiewa konsekwentnie różnymi głosami. W zależności od liczby głosów fuga może być dwugłosowa, trzygłosowa, czterogłosowa itp.
Ze względu na swoją strukturę fuga dzieli się na trzy części:

Pierwsza to ekspozycja, w której temat poruszany jest wszystkimi głosami. Każdemu wykonaniu tematu towarzyszy melodia w innym głosie, tzw przeciw dodaniu . Są w fudze fragmenty, w których nie ma tematu, są to - pokazy poboczne, znajdują się pomiędzy tematami.
Druga część fugi nazywa się rozwinięciem, gdzie temat ulega rozwinięciu, przechodząc na przemian przez różne głosy.
Trzecia część to powtórka, tutaj tematy utrzymane są w tonacji głównej. W przypadku repryzy technika ta jest często stosowana w celu przyspieszenia rozwoju muzycznego. stretta. Jest to imitacja, w której każde kolejne powtórzenie tematu zaczyna się, a następnie kończy innym głosem.
Do repryzy dołącza koda podsumowująca rozwój fugi.
W literaturze muzycznej istnieją fugi pisane nie na jeden, ale na dwa, a nawet trzy tematy. Następnie nazywane są odpowiednio podwójnym i potrójnym. Bardzo często fugę poprzedza krótki utwór – fantazja, wariacja lub chorał. Jednak szczególną popularnością cieszyły się cykle „preludiów i fug”. JEST. Bach napisał 48 preludiów i fug, które zebrał w dwóch tomach zatytułowanych The Well-Tempered Clavier.

Wynalazki

Słowo wynalazek przetłumaczone z łaciny oznacza „wynalazek”. Właściwie wynalazek jest tematem wynalazku - krótką wyrazistą melodią. Co więcej, konstrukcja wynalazku prawie nie różni się od struktury fugi, tylko wszystko jest znacznie prostsze i bardziej dostępne dla początkujących muzyków.

Temat - krótka ekspresyjna fraza muzyczna, przekazywana kolejno wszystkimi głosami.

Przeciwdodanie – melodia w innym głosie, towarzysząca tematowi.

Pokazy boczne - znajduje się pomiędzy tematami.

Pobierać:

Zapowiedź:

https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Zabawa „Odgadnij instrument muzyczny” Zadanie: Wymień instrumenty, które wykonują tematykę bohaterów baśni S.S. Prokofiewa „Piotruś i Wilk”.

Obój Który instrument gra motyw ptaków? flet prosty

Jaki instrument odgrywa motyw Dziadka? Obój fagotowy

Flet Który instrument gra motyw kota? Klarnet

Flet Który instrument gra motyw Kaczki? Obój

Struny smyczkowe Jakie instrumenty wykonują motyw Petita? Instrumenty dęte drewniane

Zapraszam na bajkę „Piotruś i Wilk”

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji utwórz konto Google i zaloguj się na nie: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

„Opowieść wędrująca po lesie” Mus. V. Pshenichnikova

Bajka idzie przez las, Bajkę prowadzi za rękę, Bajka wychodzi z rzeki, Z tramwaju, z bramy.

Co to za okrągły taniec? To bajkowy okrągły taniec! Bajka jest mądra i urocza, żyje obok nas.

Po to, żeby Dobre Zło znów zwyciężyło. Aby Dobro przekonało Zło, aby stało się dobrem.

A za mną i za tobą Bajki biegną tłumem. Uwielbiane bajki Słodsze niż jakakolwiek jagoda.

W bajce pali się słońce, króluje w nim Sprawiedliwość. Bajka jest mądra i urocza, ścieżka jest dla niej otwarta wszędzie!

Po to, żeby Dobre Zło znów zwyciężyło. Aby Dobro przekonało Zło, aby stało się dobrem.

Po to, żeby Dobre Zło znów zwyciężyło. Aby Dobro przekonało Zło, aby stało się dobrem.

Po to, żeby Dobre Zło znów zwyciężyło. Aby Dobro przekonało Zło, aby stało się dobrem.

Po to, żeby Dobre Zło znów zwyciężyło. Aby Dobro przekonało Zło, aby stało się dobrem.

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji utwórz konto Google i zaloguj się na nie: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

„Instrumenty orkiestry symfonicznej w bajce S. Prokofiewa „Piotruś i Wilk” Odpowiedzi na testy:

Instrumenty smyczkowe Instrumenty dęte drewniane nr 1: Jakie instrumenty wykonują motyw Petita? Zadanie nr 2:

Pomyśl jeszcze raz! Pomyśl jeszcze raz!

Prawidłowy! Wygięte sznurki

Zadanie nr 3: Flet Obój Klarnet Który instrument gra motyw Kota? Nr 2:

Nie spiesz się!

Prawidłowy! KLARNET

Zadanie nr 4: Obój na klarnet fletowy Który instrument gra motyw ptaka? Nr 3:

Pomyśl jeszcze raz!

FLET Zgadza się!

Zadanie nr 5: Fagot klarnetowy Który instrument gra temat Dziadka? Nr 4: Flet

Pomyśl jeszcze raz!

Prawidłowy! FAGOT

Jaki instrument odgrywa motyw Ducky? Obój klarnetowy nr 5: flet

O nie, nie, nie! Nie spiesz się!

OBO Poprawnie!

Zapowiedź:

Mapa technologiczna modelu lekcji według programu"Sztuka. Muzyka” (T.I. Naumenko, V.V. Aleev)

Nauczyciel muzyki w MBU „Gimnazjum nr 39” Malova Daria Anatolyevna

Temat: „Obraz Wielkiej Wojny Ojczyźnianej w VII Symfonii D. Szostakowicza”.

Typ lekcji: lekcja odkrywania nowej wiedzy

Klasa 7

Cel lekcji: Pielęgnowanie części ogólnej kultury duchowej uczniów poprzez sztukę muzyczną, a także rozwój patriotyzmu w świadomości uczniów

Cele Lekcji:

1) Edukacyjne: ukształtować koncepcję muzyki Szostakowicza jako muzyki odpowiadającej duchowi czasu;dać wyobrażenie o gatunku symfonii na przykładzie VII symfonii D. Szostakowicza

2) Rozwojowe: kształtowanie umiejętności świadomego emocjonalnie odbioru muzyki symfonicznej, umiejętności analizy dzieła muzycznego, uświadomienia sobie nierozerwalnego związku działalności kompozytora z wydarzeniami historycznymi,kontrolować swoje działania edukacyjne.

3) Edukacyjne: kultywować szacunek, dumę i poczucie wdzięczności wobec narodu rosyjskiego, zwłaszcza wobec pokolenia, które przeżyło oblężenie Leningradu.

Podstawowe koncepcje:symfonia, kulminacja, środki wyrazu (odcienie dynamiczne, tempo, instrumenty, barwa...)

Formy organizacji aktywności poznawczej:frontalny, łaźnia parowa, niezależny

Sprzęt: Podręcznik metodyczny, informacje historyczne, fragmenty biografii D. Szostakowicza opracowane przez nauczyciela, karty z zadaniami dla grup. ekran, rzutnik, fragmenty wideo z życia oblężonego Leningradu, centrum muzyczne, nagrania fragmentów VII symfonii D. Szostakowicza, nagrania audio pieśni wojennych, fotografia pomnika „Przerwanego Pierścienia” (A3), prezentacja, liście laurowe dla wieniec.

Podczas zajęć:

Etap lekcji	Działalność nauczyciela	Działalność studencka	Planowane wyniki UUD
I. Org. za chwilę Ustalenie tematu lekcji Ustalanie celów lekcji	Wystąpienie wprowadzające nauczyciela, nastrój emocjonalny do aktywnej pracy twórczej. Nauczyciel zadaje problematyczne pytanie, na które uczniowie będą mogli odpowiedzieć pod koniec lekcji.	Słuchaj, przygotuj się na przyjęcie Z poszczególnych słów układają zdanie „Muzy milczą, gdy ryczą armaty” i zastanawiają się, jaki znak (., ?, ... lub!) postawić na jego końcu. Ustal temat lekcji i jej cele.	Gotowość organizacyjna i psychologiczna do lekcji. Umiejętność rozumowania, słuchania opinii innych ludzi i wyznaczania celów. Uumiejętność ustnego wyrażania swoich myśli;umiejętność słuchania i rozumienia mowy innych osób.
II. Aktualizowanie wiedzy, wprowadzanie jej w kontekst nowej wiedzy	Prowadzi frontalną rozmowę, aby dowiedzieć się, czego dzieci dowiedziały się o życiu w Leningradzie podczas oblężenia, informacji biograficznych i muzykologicznych niezbędnych do przestudiowania tematu. Zwracając się z kolei do krytyków sztuki, historyków i biografów, nauczyciel wraz z uczniami odkrywa nowe pojęcie „symfonii”, okoliczności powstania VII symfonii przez D. Szostakowicza i jej cechy.	Studiują proponowany tekst, dzieląc się na 3 grupy: historyków, biografów i muzykologów. Weź udział w ogólnej rozmowie, odpowiadając na pytania zadawane przez nauczyciela. Weź udział w rozmowie, opierając się na swojej wiedzy i proponowanym tekście.	Umiejętność poruszania się po tekście, wyszukiwania niezbędnych informacji,formułowanie odpowiedzi na pytania; umiejętność poruszaj się po swoim systemie wiedzy:znaleźć odpowiedzi na pytania, korzystając ze swojego doświadczenia życiowego i informacji,otrzymane na zajęciach. zaplanuj swoje działanie zgodnie z zadaniem i warunkami jego realizacji.
Odkrycie czegoś nowego.	Konstruuje percepcję fragmentów muzycznych, cytując wiersze I. Saczkowa o warunkach, w jakich wykonywano VII symfonię w oblężonym Leningradzie. Oferuje pracę z listą obrazów muzycznych. Organizuje frontalną rozmowę, podczas której przeprowadzana jest analiza fragmentów muzycznych (obrazu muzycznego i środków wyrazu, za pomocą których autor ten obraz tworzy) Pomaga uczniom wyciągnąć wnioski na temat znaczenia VII symfonii D. Szostakowicza nie tylko dla mieszkańców oblężonego Leningradu, ale także dla ich potomków. Organizuje złożenie wieńca laurowego pod pomnikiem „Rozbitego Pierścienia” (zdjęcie A3) Organizuje wykonanie 1 zwrotki piosenki „Pokłońmy się tym wspaniałym latom”	Posłuchaj fragmentów symfonii. Omawiając w parach, utwórz listę słów charakteryzujących pierwszy i drugi fragment. Uczestnicząc w rozmowie, wspólnie ustalają cechy obrazu muzycznego pierwszego i drugiego fragmentu, analizują je pod kątem środków wyrazu muzycznego oraz ustalają, do której części symfonii należą dane fragmenty. Dochodzą do wniosku, że VII symfonia jest konieczna dla wzmocnienia ducha mieszkańców oblężonego Leningradu, Zastanawiają się nad swoim stosunkiem do tych ludzi. Piszą na liściach laurowych i czytają krótkie przesłanie mieszkańcom Leningradu. Złożyli wieniec z liści laurowych przed pomnikiem „Rozbitego Pierścienia”. Wykonaj 1 zwrotkę piosenki „Pokłońmy się tym wspaniałym latom” przed pomnikiem „Przerwany Pierścień”	Umiejętność postrzegania muzyki i Rozmowny:dopuszczać możliwość posiadania przez osoby różnych punktów widzenia, także tych, które nie pokrywają się z jego własnym, i skupiać się na pozycji partnera w komunikacji i interakcji; uwzględniać różne opinie i interesy oraz uzasadniać swoje stanowisko.
Zreasumowanie. Odbicie.	Oferuje skomponowanie i zapisanie w zeszycie definicji pojęcia „symfonia” Zwraca uczniów do problemu, który pojawił się na początku lekcji i proponuje jego rozwiązanie. Co pomogło nam rozwiązać nasz problem?	Skomponuj i zapisz w zeszycie pojęcie „symfonii”. Określają, jakie powinno być sformułowanie, abyśmy mogli się z nim zgodzić („Kiedy ryczą armaty, muzy nie milczą!”, „Kiedy ryczą muzy, milczą armaty!” itp.)
Praca domowa.	Proponuję dowiedzieć się w domu, jakie inne dzieła powstały w czasie wojny: opowiadania, wiersze, piosenki. I rozmawiajcie o nich na zajęciach.	Zapisz pracę domową w pamiętniku.

Słowo „orkiestra” jest teraz znane każdemu dziecku w wieku szkolnym. Tak nazywa się duża grupa muzyków, którzy wspólnie wykonują utwór muzyczny. Tymczasem w starożytnej Grecji terminem „orkiestra” (od którego później powstało współczesne słowo „orkiestra”) określano obszar przed sceną, na którym znajdował się chór, nieodzowny uczestnik tragedii starożytnej Grecji. Później w tym samym miejscu zaczęto umieszczać grupę muzyków, którą nazwano „orkiestrą”.

Minęły wieki. A teraz samo słowo „orkiestra” nie ma określonego znaczenia. Obecnie istnieją różne orkiestry: dęte, ludowe, akordeonowe, kameralne, pop-jazzowe itp. Żadna jednak nie jest w stanie sprostać konkurencji z „cudem dźwięku”; Tak często i oczywiście słusznie nazywa się orkiestrę symfoniczną.

Możliwości orkiestry symfonicznej są naprawdę nieograniczone. Do jego dyspozycji są wszystkie odcienie dźwięczności, od ledwo słyszalnych wibracji i szelestów po potężne grzmoty. I nie chodzi nawet o samą różnorodność dynamicznych odcieni (są one w ogóle dostępne dla każdej orkiestry), ale o tę zniewalającą ekspresję, która zawsze towarzyszy brzmieniu prawdziwych arcydzieł symfonicznych. Na ratunek przychodzą tutaj kombinacje barw, potężne, przypominające fale wzloty i upadki, ekspresyjne solowe wskazówki i stopione warstwy dźwięków „organowych”.

Posłuchaj przykładów muzyki symfonicznej. Przypomnij sobie bajkowy obraz słynnego rosyjskiego kompozytora A. Lyadova „Czarodziejskie jezioro”, niesamowity w swojej uduchowionej ciszy. Tematem obrazu jest tu przyroda w jej nienaruszonym, statycznym stanie. Kompozytor podkreśla to także w swojej wypowiedzi na temat „Czarodziejskiego Jeziora”: „Jakże malownicze, czyste, z gwiazdami i tajemnicą w głębinach! A co najważniejsze – bez ludzi, bez ich próśb i skarg – po prostu martwa natura – zimna, zła, ale fantastyczna, jak w bajce.” Jednak partytury Lyadova nie można nazwać martwą ani zimną. Wręcz przeciwnie, ogrzewa go ciepły, liryczny nastrój - pełen czci, ale powściągliwy.

Słynny radziecki muzykolog B. Asafiew napisał, że w tym „poetyckim, kontemplacyjnym obrazie muzycznym… twórczość Lyadowa włada sferą lirycznego pejzażu symfonicznego”. Barwną paletę „Magicznego Jeziora” tworzą zawoalowane, stłumione dźwięki, szelesty, szelesty, ledwo zauważalne rozpryski i wibracje. Dominują tutaj cienkie, ażurowe akcenty. Dynamiczne narosty są ograniczone do minimum. Wszystkie głosy orkiestrowe niosą ze sobą niezależny ładunek wizualny. Nie ma rozwoju melodycznego w prawdziwym tego słowa znaczeniu; jak migoczące światła, świecą pojedyncze krótkie frazy-motywy... Lyadov, który umiał z wyczuciem „słyszeć ciszę”, z niesamowitą umiejętnością maluje obraz zaczarowanego jeziora - obraz zadymiony, ale natchniony, pełen bajecznego aromatu i czystego , czyste piękno. Taki pejzaż można było „namalować” jedynie przy pomocy orkiestry symfonicznej, gdyż żaden instrument i żaden inny „organizm orkiestrowy” nie jest w stanie oddać tak wizualnego obrazu i znaleźć dla niego tak subtelnej barwy i odcieni.

Ale oto przykład odwrotnego typu - finał słynnego „Poematu ekstazy” A. Skriabina. Kompozytor ukazuje w tym utworze różnorodność stanów i działań ludzkich w stałym i logicznie przemyślanym rozwoju; muzyka konsekwentnie przekazuje bezwładność, przebudzenie woli, konfrontację z zagrażającymi siłami, walkę z nimi. Kulminacja następuje po kulminacji. Pod koniec wiersza napięcie rośnie, przygotowując nowy, jeszcze wspanialszy wzrost. Epilog „Poematu ekstazy” zamienia się w olśniewający obraz o kolosalnym rozmachu. Na mieniącym się wszystkimi kolorami mieniącym się wszystkimi kolorami tłem (z wielką orkiestrą połączone są także organy) osiem rogów i trąbka radośnie głoszą główny temat muzyczny, którego dźwięczność osiąga w końcu nadludzką siłę. Takiej mocy i majestatu dźwięku nie ma żaden inny zespół. Tylko orkiestra symfoniczna jest w stanie tak bogato, a zarazem barwnie wyrazić zachwyt, ekstazę i szalony przypływ uczuć.

„Magiczne jezioro” Lyadova i epilog „Poematu ekstazy” to, że tak powiem, skrajne bieguny brzmieniowe i dynamiczne w bogatej palecie dźwiękowej orkiestry symfonicznej.

Przejdźmy teraz do przykładu innego rodzaju. Druga część XI Symfonii D. Szostakowicza nosi podtytuł – „9 stycznia”. Kompozytor opowiada w nim straszne wydarzenia „Krwawej Niedzieli”. I w tym momencie, gdy krzyki i jęki tłumu, salwy armatnie, żelazny rytm kroków żołnierza łączą się w dźwiękowy obraz niesamowitej siły i mocy, ogłuszający ostrzał nagle się kończy... I w ciszy, która po nim nastąpiła, w „świszczącym” szeptie instrumentów smyczkowych wyraźnie słychać cichy i żałobny śpiew chóru. Według trafnej definicji muzykologa G. Orłowa można odnieść wrażenie, „jakby powietrze Placu Pałacowego jęczało z żalu na widok potworności, która się wydarzyła”. Posiadając wyjątkowe wyczucie barwy i błyskotliwe mistrzostwo w pisaniu instrumentów, D. Szostakowicz potrafił stworzyć iluzję brzmienia chóralnego za pomocą środków czysto orkiestrowych. Zdarzały się nawet przypadki, gdy podczas prawykonań XI Symfonii słuchacze wstawali z miejsc, myśląc, że na scenie za orkiestrą znajduje się chór…

Orkiestra symfoniczna jest w stanie przekazać szeroką gamę efektów naturalistycznych. I tak wybitny niemiecki kompozytor Richard Strauss w poemacie symfonicznym „Don Kichot”, ilustrującym słynny epizod z powieści Cervantesa, zaskakująco „wizualnie” uchwycił beczenie stada owiec w orkiestrze. W suity francuskiego kompozytora C. Saint-Saënsa „Karnawał zwierząt” dowcipnie oddane są krzyki osłów, niezdarny chód słonia oraz niespokojny apel kur i kogutów. Francuz Paul Dukas w symfonicznym scherzu „Uczeń czarnoksiężnika” (napisanym na podstawie ballady o tym samym tytule V. Goethego) znakomicie namalował obraz żywiołu dzikiej wody (pod nieobecność starego czarodzieja uczeń postanawia zamień miotłę w sługę: zmusza go do niesienia wody, która stopniowo zalewa cały dom). Nie trzeba nawet mówić, ile efektów onomatopeicznych rozproszonych jest w muzyce operowej i baletowej; tutaj także są one przekazywane za pośrednictwem orkiestry symfonicznej, ale pod wpływem bezpośredniej sytuacji scenicznej, a nie, jak w utworach symfonicznych, programu literackiego. Wystarczy przypomnieć takie opery, jak „Opowieść o carze Saltanie” i „Śnieżna dziewczyna” N. Rimskiego-Korsakowa, balet I. Strawińskiego „Pietruszka” i inne. Fragmenty lub suity z tych dzieł są często wykonywane na koncertach symfonicznych .

A ile wspaniałych, niemal wizualnych obrazów elementów morza można znaleźć w muzyce symfonicznej! Suita N. Rimskiego-Korsakowa „Szeherezada”, „Morze” C. Debussy’ego, uwertura „Spokój na morzu i szczęśliwe żeglowanie” F. Mendelssohna, fantazje symfoniczne „Burza” P. Czajkowskiego i „The Morze” A. Głazunowa – lista takich dzieł jest bardzo obszerna. Na orkiestrę symfoniczną powstało wiele utworów, przedstawiających obrazy natury lub zawierających trafne szkice krajobrazowe. Nazwijmy na przykład Szóstą („pastoralną”) symfonię L. Beethovena z obrazem nagłej burzy, która uderza siłą jej obrazu, obraz symfoniczny A. Borodina „W Azji Środkowej”, fantazja symfoniczna A. Głazunowa „ Las”, „scena na polach” z Symfonii fantastycznych G. Berlioza. Jednak we wszystkich tych utworach przedstawienie natury zawsze wiąże się ze światem emocjonalnym samego kompozytora, a także z ideą, która determinuje charakter dzieła jako całości. I ogólnie momenty opisowe, naturalistyczne, onomatopeiczne zajmują bardzo niewielką część na płótnach symfonicznych. Co więcej, sama muzyka programowa, czyli muzyka konsekwentnie przekazująca fabułę literacką, również nie zajmuje czołowego miejsca wśród gatunków symfonicznych. Najważniejsze, czym może poszczycić się orkiestra symfoniczna, to bogata paleta różnorodnych środków wyrazu, kolosalne, wciąż niewyczerpane możliwości różnorodnych zestawień i zestawień instrumentów, najbogatsze zasoby brzmieniowe wszystkich grup tworzących orkiestrę.

Orkiestra symfoniczna różni się znacznie od innych grup instrumentalnych tym, że jej skład jest zawsze ściśle określony. Weźmy na przykład liczne zespoły pop-jazzowe, których obecnie jest mnóstwo w niemal wszystkich zakątkach globu. Wcale nie są do siebie podobni: różni się liczbą instrumentów (od 3-4 do dwudziestu i więcej) i liczbą uczestników. Ale najważniejsze, że te orkiestry nie są podobne w brzmieniu. W niektórych dominują smyczki, w innych saksofony i instrumenty dęte blaszane; w niektórych zespołach wiodącą rolę odgrywa fortepian (wspomagany przez perkusję i kontrabas); w orkiestrach popowych różnych krajów znajdują się instrumenty narodowe itp. Prawie każda orkiestra popowa czy jazzowa nie trzyma się więc ściśle określonego składu instrumentalnego, lecz swobodnie posługuje się kombinacjami różnych instrumentów. Dlatego ten sam utwór brzmi inaczej w różnych grupach popowo-jazzowych: każda z nich oferuje swoje własne, specyficzne podejście. I to jest zrozumiałe: w końcu jazz to sztuka polegająca zasadniczo na improwizacji.

Orkiestry dęte również są inne. Niektóre składają się wyłącznie z instrumentów dętych blaszanych (z obowiązkowym udziałem perkusji). A większość z nich nie może obejść się bez instrumentów dętych drewnianych - fletów, obojów, klarnetów, fagotów. Orkiestry instrumentów ludowych też się od siebie różnią: rosyjska orkiestra ludowa nie przypomina kirgiskiej, a włoska nie przypomina orkiestr ludowych krajów skandynawskich. I tylko orkiestra symfoniczna – największy organizm muzyczny – ma ugruntowany, ściśle określony skład. Dlatego utwór symfoniczny napisany w jednym kraju może zostać wykonany przez dowolny zespół symfoniczny w innym kraju. Dlatego język muzyki symfonicznej jest językiem prawdziwie międzynarodowym. Jest używany od ponad dwóch stuleci. I nie starzeje się. Co więcej, nigdzie indziej nie ma tak wielu interesujących zmian „wewnętrznych”, jak we współczesnej orkiestrze symfonicznej. Z jednej strony, często uzupełniana o nowe kolory barwy, orkiestra z każdym rokiem staje się bogatsza, z drugiej strony coraz wyraźniej wyłania się jej główny szkielet, ukształtowany jeszcze w XVIII wieku. A czasem kompozytorzy naszych czasów, sięgając po tak „staromodną” kompozycję, po raz kolejny udowadniają, jak wielkie są jej możliwości ekspresyjne…

Chyba żaden inny zespół muzyczny nie stworzył tak wspaniałej muzyki! W olśniewającej galaktyce kompozytorów symfonicznych nazwiska Haydna i Mozarta, Beethovena i Schuberta, Mendelssohna i Schumanna, Berlioza i Brahmsa, Liszta i Wagnera, Griega i Dvoraka, Glinki i Borodina, Rimskiego-Korsakowa i Czajkowskiego, Rachmaninowa i Skriabina, Głazunow i Tanejew, błyszczą Mahler i Bruckner, Debussy i Ravel, Sibelius i R. Strauss, Strawiński i Bartok, Prokofiew i Szostakowicz. Ponadto orkiestra symfoniczna jest niezastąpionym uczestnikiem przedstawień operowych i baletowych. I dlatego do setek dzieł symfonicznych należy dodać te fragmenty z oper i baletów, w których orkiestra (a nie soliści, chór czy po prostu akcja sceniczna) odgrywa pierwszoplanową rolę. Ale to nie wszystko. Oglądamy setki filmów i większość z nich jest „nagrywana” przez orkiestrę symfoniczną.

Radio, telewizja, płyty CD, a za ich pośrednictwem muzyka symfoniczna na dobre wkroczyły w nasze życie. W wielu kinach przed seansami grają małe orkiestry symfoniczne. Takie orkiestry powstają także w ramach wykonań amatorskich. Innymi słowy, z ogromnego, niemal ogromnego oceanu muzyki, która nas otacza, dobra połowa jest w ten czy inny sposób związana z dźwiękiem symfonicznym. Symfonie i oratoria, opery i balety, koncerty i suity instrumentalne, muzyka dla teatru i kina – wszystkie te (i wiele innych) gatunków po prostu nie mogą obejść się bez orkiestry symfonicznej.

Błędem byłoby jednak zakładać, że w orkiestrze można wykonać dowolny utwór muzyczny. W końcu wydawałoby się, że znając zasady i prawa instrumentacji, każdy kompetentny muzyk może zaaranżować fortepian lub inny utwór, czyli ubrać go w jasny strój symfoniczny. Jednak w praktyce zdarza się to stosunkowo rzadko. Nieprzypadkowo N. Rimski-Korsakow stwierdził, że instrumentacja jest „jednym z aspektów duszy samej kompozycji”. Dlatego już myśląc o tym pomyśle, kompozytor liczy na pewną kompozycję instrumentalną. Dlatego na orkiestrę symfoniczną można pisać zarówno lekkie, bezpretensjonalne dzieła, jak i okazałe płótna o dużej skali.

Zdarzają się jednak przypadki, gdy utwór otrzymuje drugie życie w nowej, symfonicznej wersji. Tak było w przypadku genialnego cyklu fortepianowego M. Musorgskiego „Obrazy z wystawy”: został on po mistrzowsku zaaranżowany przez M. Ravela. (Były też inne, mniej udane próby orkiestracji Obrazy z wystawy.) Partytury oper M. Musorgskiego „Borys Godunow” i „Chowanszczina” ożyły na nowo pod okiem D. Szostakowicza, który przeprowadził ich nowe wydanie orkiestrowe . Czasem w spuściźnie twórczej kompozytora pokojowo współistnieją dwie wersje tego samego dzieła – solowo-instrumentalna i symfoniczna. Takich przykładów jest niewiele, ale są dość interesujące. Pavane Ravela istnieje zarówno w wersji fortepianowej, jak i orkiestrowej i obie prowadzą równe życie koncertowe. Prokofiew zaaranżował powolną część swojej IV Sonaty fortepianowej, czyniąc z niej samodzielne, czysto symfoniczne dzieło. Leningradzki kompozytor S. Słonimski napisał cykl wokalny „Pieśni wolnych ludzi” oparty na tekstach ludowych; Utwór ten ma także dwie wersje o równym znaczeniu artystycznym: jedna z towarzyszeniem fortepianu, druga z towarzyszeniem orkiestry. Jednak najczęściej kompozytor, gdy zabiera się do pracy, ma dobry pomysł nie tylko na ideę kompozycji, ale także na jej ucieleśnienie barwy. A takie gatunki jak symfonia, koncert instrumentalny, poemat symfoniczny, suita, rapsodia itp. zawsze są ściśle powiązane z brzmieniem orkiestry symfonicznej, można by nawet powiedzieć, nierozerwalnie z nią związane.