W trudnych czasach dla Włoch rozpoczął się krótkotrwały „złoty wiek” włoskiego renesansu - tzw. Wysoki Renesans, najwyższy punkt rozkwitu sztuki włoskiej. Wysoki renesans zbiegł się zatem z okresem zaciętej walki miast włoskich o niepodległość. Sztuka tamtych czasów przesiąknięta była humanizmem, wiarą w twórcze siły człowieka, w nieograniczone możliwości jego możliwości, w rozsądną strukturę świata, w triumf postępu. W sztuce na pierwszy plan wysuwają się problemy obowiązku obywatelskiego, wysokich walorów moralnych, bohaterskich czynów, wizerunku pięknego, harmonijnie rozwiniętego, silnego duchem i ciałem bohatera, któremu udało się wznieść ponad poziom codzienności. Poszukiwanie takiego ideału doprowadziło sztukę do syntezy, uogólnień, do odkrycia ogólnych wzorców zjawisk, do identyfikacji ich logicznego związku. Sztuka wysokiego renesansu porzuca szczegóły i nieistotne szczegóły w imię uogólnionego obrazu, w imię pragnienia harmonijnej syntezy pięknych aspektów życia. Jest to jedna z głównych różnic między wysokim renesansem a wczesnym renesansem.

Pierwszym artystą, który wyraźnie ucieleśniał tę różnicę, był Leonardo da Vinci (1452-1519). Pierwszym nauczycielem Leonarda był Andrea Verrocchio. Postać anioła na obrazie nauczyciela „Chrzest” już wyraźnie pokazuje różnicę w postrzeganiu przez artystę świata minionej epoki i nowej ery: brak czołowej płaskości Verrocchio, najdoskonalsze odcięcie modelowania objętości i niezwykła duchowość obrazu. . Badacze datują „Madonnę z kwiatem” („Benois Madonna”, jak ją wcześniej nazywano od nazwiska właścicieli) na czas wyjazdu Verrocchio z warsztatu. W tym okresie Leonardo był niewątpliwie pod wpływem Botticellego. Od lat 80-tych XV w. Zachowały się dwa niedokończone utwory Leonarda: „Pokłon Trzech Króli” i „Św. Hieronim.” Prawdopodobnie w połowie lat 80. w starożytnej technice tempery powstała także „Madonna Litta”, w której obrazie wyrażono typ kobiecej urody Leonarda: ciężkie, na wpół opuszczone powieki i subtelny uśmiech nadają twarzy Madonny szczególnej duchowości.

Łącząc zasady naukowe i twórcze, posiadając zarówno logiczne, jak i artystyczne myślenie, Leonardo spędził całe życie zajmując się badaniami naukowymi i sztukami pięknymi; rozproszony, wydawał się powolny i pozostawił po sobie niewiele dzieł sztuki. Na dworze mediolańskim Leonardo pracował jako artysta, naukowiec techniczny, wynalazca, matematyk i anatom. Pierwszym większym dziełem, które wykonał w Mediolanie, była „Madonna na skałach” (lub „Madonna w grocie”). Jest to pierwsza monumentalna kompozycja ołtarzowa okresu wysokiego renesansu, ciekawa także dlatego, że w pełni wyrażała cechy stylu pisarskiego Leonarda.

Największym dziełem Leonarda w Mediolanie, najwyższym osiągnięciem jego sztuki, było malowanie ściany refektarza klasztoru Santa Maria della Grazie na temat Ostatniej Wieczerzy (1495-1498). Chrystus po raz ostatni spotyka się ze swoimi uczniami przy obiedzie, aby oznajmić im zdradę jednego z nich. Dla Leonarda sztuka i nauka istniały nierozerwalnie. Zajmując się sztuką, zajmował się badaniami naukowymi, eksperymentami, obserwacjami, przeszedł przez perspektywę w dziedzinę optyki i fizyki, przez problemy proporcji - w anatomię i matematykę itp. „Ostatnia wieczerza” zamyka cały etap w twórczości artysty badania naukowe. To także nowy etap w sztuce.

Leonardo zrobił sobie przerwę w studiowaniu anatomii, geometrii, fortyfikacji, melioracji, językoznawstwa, wersyfikacji i muzyki, aby pracować nad „Koniem”, pomnikiem konnym Francesco Sforzy, dla którego przyjechał głównie do Mediolanu i który ukończył w pełnym rozmiarze na początku lat 90-tych w glinie. Pomnik nie miał być wykonany z brązu: w 1499 r. Francuzi najechali Mediolan, a gaskońscy kusznicy strzelili do pomnika konnego. W 1499 roku rozpoczęły się lata wędrówek Leonarda: Mantua, Wenecja i wreszcie rodzinne miasto artysty – Florencja, gdzie namalował karton „Św. Anna z Marią na kolanach”, z którego tworzy obraz olejny w Mediolanie (dokąd wrócił w 1506 r.)

We Florencji Leonardo rozpoczął kolejny obraz: portret żony kupca del Giocondo, Mony Lisy, który stał się jednym z najsłynniejszych obrazów na świecie.

Portret Mony Lisy Giocondy to zdecydowany krok w kierunku rozwoju sztuki renesansu

Po raz pierwszy gatunek portretu zrównał się z kompozycjami o tematyce religijnej i mitologicznej. Pomimo wszystkich niezaprzeczalnych podobieństw fizjonomicznych portrety Quattrocento wyróżniała się, jeśli nie zewnętrzną, to wewnętrzną przymusem. Majestat Mony Lisy wyraża się już w zestawieniu jej zdecydowanie obszernej, mocno wypchniętej aż do krawędzi płótna postaci z pejzażem ze skałami i strumieniami widocznymi jakby z daleka, rozpływającymi się, ponętnymi, nieuchwytnymi, a przez to mimo wszystko cała rzeczywistość motywu, fantastyczna.

W 1515 roku za namową króla francuskiego Franciszka I Leonardo wyjechał do Francji na zawsze.

Leonardo był największym artystą swoich czasów, geniuszem, który otworzył nowe horyzonty sztuki. Pozostawił po sobie niewiele dzieł, ale każde z nich było etapem w historii kultury. Leonardo jest również znany jako wszechstronny naukowiec. Jego odkrycia naukowe, na przykład badania w dziedzinie samolotów, są przedmiotem zainteresowania naszej epoki astronautyki. Tysiące stron rękopisów Leonarda, obejmujących dosłownie każdą dziedzinę wiedzy, świadczą o uniwersalności jego geniuszu.

Idee monumentalnej sztuki renesansu, w której połączyły się tradycje starożytności i duch chrześcijaństwa, znalazły swój najżywszy wyraz w twórczości Rafaela (1483-1520). W jego sztuce dojrzałe rozwiązanie znalazły dwa główne zadania: plastyczna doskonałość ludzkiego ciała, wyrażająca wewnętrzną harmonię wszechstronnie rozwiniętej osobowości, w której Rafael podążał za starożytnością, oraz złożona, wielofigurowa kompozycja, oddająca całą różnorodność świat. Rafael wzbogacił te możliwości, osiągając niesamowitą swobodę w przedstawianiu przestrzeni i ruchu w niej postaci ludzkiej, nienaganną harmonię pomiędzy otoczeniem a człowiekiem.

Żaden z mistrzów renesansu nie dostrzegł pogańskiej istoty starożytności tak głęboko i naturalnie jak Rafael; Nie bez powodu uznawany jest za artystę, który najpełniej połączył tradycje starożytne ze sztuką zachodnioeuropejską epoki nowożytnej.

Rafael Santi urodził się w 1483 roku w mieście Urbino, jednym z ośrodków kultury artystycznej we Włoszech, na dworze księcia Urbino, w rodzinie nadwornego malarza i poety, który był pierwszym nauczycielem przyszłego mistrza

Wczesny okres twórczości Rafaela doskonale charakteryzuje niewielki obraz w formie tondo „Madonna Conestabile”, z jego prostotą i lakonizmem ściśle wybranych detali (mimo nieśmiałości kompozycji) oraz wyjątkowym, właściwym całej twórczości Rafaela dzieła, subtelny liryzm i poczucie spokoju. W 1500 roku Rafael opuścił Urbino i udał się do Perugii, aby uczyć się w warsztacie słynnego umbryjskiego artysty Perugino, pod którego wpływem powstały Zaręczyny Marii (1504). Wyczucie rytmu, proporcjonalność plastycznych mas, odstępy przestrzenne, związek postaci z tłem, koordynacja podstawowych tonów (w „Zaręczynach” są to złoto, czerwień i zieleń w połączeniu z delikatnym tłem błękitnego nieba) tworzą harmonię, która jest widoczne już we wczesnych pracach Rafaela i odróżnia go od artystów poprzedniej epoki.

Rafael przez całe życie poszukiwał tego obrazu w Madonnie, a liczne dzieła interpretujące wizerunek Madonny przyniosły mu światową sławę. Zasługą artysty jest przede wszystkim to, że udało mu się ucieleśnić wszystkie najsubtelniejsze odcienie uczuć w idei macierzyństwa, połączyć liryzm i głęboką emocjonalność z monumentalną wielkością. Jest to widoczne we wszystkich jego Madonnach, począwszy od młodzieńczo nieśmiałej „Madonny Conestabile”: w „Madonnie z Zielonych”, „Madonnie ze Szczygiełem”, „Madonnie w Fotelu”, a zwłaszcza u szczytu ducha i umiejętności Rafaela - w „Madonnie Sykstyńskiej”.

„Madonna Sykstyńska” to jedno z najdoskonalszych pod względem językowym dzieł Rafaela: postać Maryi z Dzieciątkiem, ściśle zarysowana na tle nieba, łączy wspólny rytm ruchu z postaciami św. W dolnej części kompozycji znajdują się barbarzyńcy oraz papież Sykstus II, którego gesty są adresowane do Madonny, a także widoki dwóch aniołów (bardziej przypominające charakterystyczne dla renesansu putta). Postacie łączy także wspólny złoty kolor, jakby uosabiał Boski blask. Ale najważniejsze jest typ twarzy Madonny, która ucieleśnia syntezę starożytnego ideału piękna z duchowością ideału chrześcijańskiego, tak charakterystycznego dla światopoglądu wysokiego renesansu.

Madonna Sykstyńska to późne dzieło Rafaela.

Na początku XVI wieku. Rzym staje się głównym centrum kulturalnym Włoch. Sztuka Wysokiego Renesansu osiąga swój największy rozkwit w tym mieście, gdzie z woli protekcjonalnych papieży Juliusza II i Leona X pracują jednocześnie artyści tacy jak Bramante, Michał Anioł i Rafael.

Rafael maluje dwie pierwsze zwrotki. W Stanza della Segnatura (sala podpisów, pieczęci) namalował cztery freski-alegorie głównych dziedzin duchowej działalności człowieka: filozofii, poezji, teologii i prawoznawstwa („Szkoła ateńska”, „Parnas”, „Spór”. , „Miara, mądrość i siła” „W drugim pomieszczeniu, zwanym „Staną Eliodora”, Rafael namalował freski przedstawiające sceny historyczne i legendarne wychwalające papieży: „Wypędzenie Eliodora”

W sztuce średniowiecza i wczesnego renesansu powszechne było przedstawianie nauki i sztuki w formie indywidualnych postaci alegorycznych. Rafael rozwiązywał te tematy w formie kompozycji wielopostaciowych, czasami przedstawiających rzeczywiste portrety grupowe, ciekawe zarówno ze względu na swoją indywidualność, jak i typowość

Studenci pomagali także Rafaelowi w malowaniu loggii watykańskich sąsiadujących z pokojami papieża, malowanych według jego szkiców i pod jego okiem motywami starożytnych ozdób, zaczerpniętych głównie z nowo odkrytych starożytnych grot (stąd nazwa „groteski”).

Rafael wykonywał dzieła różnych gatunków. Jego talent dekoratora, reżysera i gawędziarza w pełni objawił się w serii ośmiu kartonów na gobeliny do Kaplicy Sykstyńskiej, przedstawiających sceny z życia apostołów Piotra i Pawła („Cudowny połów ryb”, m.in. przykład). Te malowidła z XVI-XVIII wieku. służył jako swego rodzaju standard dla klasycystów.

Rafael był także największym portrecistą swojej epoki. („Papież Juliusz II”, „Leon X”, przyjaciel artysty pisarz Castiglione, piękna „Donna Velata” itp.). A w jego portretach z reguły panuje wewnętrzna równowaga i harmonia.

Pod koniec życia Rafael był nieproporcjonalnie obciążony różnorodnymi dziełami i zamówieniami. Trudno sobie nawet wyobrazić, że tego wszystkiego mogłaby dokonać jedna osoba. Był centralną postacią życia artystycznego Rzymu; po śmierci Bramantego (1514) został głównym architektem katedry św. Piotra, był odpowiedzialny za wykopaliska archeologiczne w Rzymie i okolicach oraz ochronę zabytków starożytnych.

Rafael zmarł w 1520 r.; jego przedwczesna śmierć była dla współczesnych nieoczekiwana. Jego prochy pochowano w Panteonie.

Trzeci największy mistrz wysokiego renesansu - Michał Anioł - znacznie przeżył Leonarda i Rafaela. Pierwsza połowa jego twórczości przypadła na okres rozkwitu sztuki wysokiego renesansu, druga zaś na okres kontrreformacji i początków kształtowania się sztuki barokowej. Spośród genialnej galaktyki artystów wysokiego renesansu Michał Anioł przewyższał wszystkich bogactwem swoich obrazów, patosem obywatelskim i wrażliwością na zmiany nastrojów społecznych. Stąd twórcze ucieleśnienie upadku idei renesansowych.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) W 1488 roku we Florencji zaczął uważnie studiować rzeźbę starożytną. Jego płaskorzeźba „Bitwa centaurów” jest już w swej wewnętrznej harmonii dziełem Wysokiego Renesansu. W 1496 roku młody artysta wyjechał do Rzymu, gdzie stworzył swoje pierwsze dzieła, które przyniosły mu sławę: „Bachusa” i „Pietę”. Dosłownie uchwycone przez obrazy starożytności. „Pieta” otwiera całą serię prac mistrza na ten temat i stawia go wśród pierwszych rzeźbiarzy Włoch.

Wracając do Florencji w 1501 roku, Michał Anioł na zlecenie Signorii podjął się wyrzeźbienia postaci Dawida z bloku marmuru zniszczonego przed nim przez nieszczęsnego rzeźbiarza. W 1504 roku Michał Anioł ukończył słynny posąg, który Florentczycy nazywali „Olbrzymem” i umieścił przed ratuszem Palazzo Vecchia. Otwarcie pomnika stało się świętem narodowym. Wizerunek Dawida zainspirował wielu artystów Quattrocento. Ale Michał Anioł ukazuje go nie jako chłopca, jak u Donatella i Verrocchio, ale jako młodzieńca w pełnym rozkwicie sił, i to nie po bitwie, z głową olbrzyma u stóp, ale przed bitwą, w tej chwili o najwyższym napięciu siły. W pięknym wizerunku Dawida, w jego surowej twarzy, rzeźbiarz przekazał tytaniczną siłę namiętności, nieustępliwą wolę, odwagę obywatelską i nieograniczoną moc wolnego człowieka.

W 1504 r. Michał Anioł (jak już wspomniano w związku z Leonardem) rozpoczyna pracę nad obrazem „Sali Pięciuset” w Palazzo Signoria

W 1505 roku papież Juliusz II zaprosił Michała Anioła do Rzymu, aby zbudował mu grobowiec, ale potem odmówił wykonania zamówienia i nakazał mniej okazałe malowanie sufitu Kaplicy Sykstyńskiej w Pałacu Watykańskim.

Michał Anioł pracował samotnie nad malowaniem sufitu Kaplicy Sykstyńskiej od 1508 do 1512 roku, malując powierzchnię około 600 metrów kwadratowych. m (48x13 m) na wysokości 18 m.

Michał Anioł poświęcił środkową część sufitu scenom z historii sakralnej, począwszy od stworzenia świata. Kompozycje te ujęte są w ten sam malowany gzyms, ale tworzący iluzję architektury i oddzielone, także malowniczymi prętami. Malownicze prostokąty podkreślają i wzbogacają prawdziwą architekturę sufitu. Pod malowniczym gzymsem Michał Anioł namalował proroków i Sybille (każda figura ma około trzech metrów), w lunetach (łuki nad oknami) przedstawił epizody z Biblii i przodków Chrystusa jako prostych ludzi zajętych codziennymi sprawami.

Dziewięć centralnych kompozycji przedstawia wydarzenia z pierwszych dni stworzenia, historię Adama i Ewy, globalną powódź, a wszystkie te sceny są w rzeczywistości hymnem na cześć tkwiącej w nim osoby. Wkrótce po zakończeniu prac na Sykstynie zmarł Juliusz II, a jego spadkobiercy powrócili do idei nagrobka. W latach 1513-1516. Na tym nagrobku Michał Anioł wykonuje figurę Mojżesza i niewolników (jeńców). Wizerunek Mojżesza jest jednym z najpotężniejszych w dziele dojrzałego mistrza. Zainwestował w niego marzenie o mądrym, odważnym przywódcy, pełnym tytanicznej siły, wyrazu, cech woli, tak niezbędnych wówczas dla zjednoczenia swojej ojczyzny. W ostatecznej wersji grobowca nie uwzględniono postaci niewolników.

W latach 1520–1534 Michał Anioł pracował nad jednym z najważniejszych i najbardziej tragicznych dzieł rzeźbiarskich - na grobowcu Medyceuszy (florencki kościół San Lorenzo), wyrażającym wszystkie doświadczenia, jakie spotkały samego mistrza, jego rodzinne miasto i całą historię kraj jako całość. Od końca lat dwudziestych Włochy były dosłownie rozdzierane przez wrogów zewnętrznych i wewnętrznych. W 1527 r. najemni żołnierze pokonali Rzym, protestanci splądrowali katolickie świątynie Wiecznego Miasta. Burżuazja florencka obala Medyceuszy, którzy rządzili ponownie od 1510 roku

W nastroju głębokiego pesymizmu, w stanie rosnącej głębokiej religijności, Michał Anioł pracuje nad grobowcem Medyceuszy. Sam dobudował dobudówkę do florenckiego kościoła San Lorenzo – małe, ale bardzo wysokie pomieszczenie, nakryte kopułą, a dwie ściany zakrystii (jej wnętrze) ozdobił rzeźbionymi nagrobkami. Jedną ścianę zdobi postać Lorenza, przeciwną Giuliano, a poniżej u ich stóp znajdują się sarkofagi ozdobione alegorycznymi rzeźbiarskimi wizerunkami - symbolami szybko płynącego czasu: „Poranek” i „Wieczór” na nagrobku Lorenza „Noc” i „Dzień” na nagrobku Giuliano.

Obydwa obrazy – Lorenzo i Giuliano – nie mają podobieństwa do portretu, co odbiega od tradycyjnych rozwiązań XV wieku.

Paweł III zaraz po swoim wyborze zaczął uparcie domagać się od Michała Anioła realizacji tego planu, a w 1534 r. przerywając prace nad grobowcem, które ukończył dopiero w 1545 r., Michał Anioł wyjechał do Rzymu, gdzie rozpoczął swoje drugie dzieło w Kaplicy Sykstyńskiej - do obrazu „Sąd Ostateczny” (1535–1541) – wspaniałego dzieła, które wyraziło tragedię rodzaju ludzkiego. Cechy nowego systemu artystycznego ukazały się jeszcze wyraźniej w dziele Michała Anioła. W centrum kompozycji umieszczony jest sąd twórczy, karzący Chrystus, a wokół niego w obrotowym ruchu okrężnym ukazani są grzesznicy rzucający się do piekła, sprawiedliwi wstępujący do nieba i umarli powstający z grobów na sąd Boży. Wszystko jest pełne grozy, rozpaczy, złości, zamętu.

Malarz, rzeźbiarz, poeta Michał Anioł był także genialnym architektem. Ukończył klatkę schodową Biblioteki Florentynów Laurentian, zaprojektował Plac Kapitolu w Rzymie, wzniósł Bramę Piusowską (Porta Pia), a od 1546 roku pracuje przy katedrze św. Piotra, zapoczątkowany przez Bramantego. Michał Anioł jest właścicielem rysunku i rysunku kopuły, który został wykonany po śmierci mistrza i nadal stanowi jeden z głównych dominujących elementów panoramy miasta.

Michał Anioł zmarł w Rzymie w wieku 89 lat. Jego ciało przewieziono w nocy do Florencji i pochowano w najstarszym kościele w jego rodzinnym mieście Santa Croce. Trudno przecenić historyczne znaczenie sztuki Michała Anioła, jej wpływ na współczesnych i na kolejne epoki. Niektórzy zagraniczni badacze postrzegają go jako pierwszego artystę i architekta baroku. Ale przede wszystkim jest interesujący jako nosiciel wielkich realistycznych tradycji renesansu.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, nazywany Giorgione (1477-1510), jest bezpośrednim naśladowcą swojego nauczyciela i typowym artystą wysokiego renesansu. Jako pierwszy na ziemi weneckiej zajął się tematyką literacką i mitologiczną. Krajobraz, przyroda i piękne nagie ciało ludzkie stały się dla niego przedmiotem sztuki i obiektem kultu.

Już w pierwszym znanym dziele „Madonna z Castelfranco” (ok. 1505 r.) Giorgione pojawia się jako artysta o ugruntowanej pozycji; Obraz Madonny jest pełen poezji, zamyślonej senności, przesiąknięty nastrojem smutku, charakterystycznym dla wszystkich kobiecych wizerunków Giorgione. Artysta w ciągu ostatnich pięciu lat życia stworzył swoje najlepsze dzieła, wykonane w technice olejnej, najważniejszej wówczas w szkole weneckiej. . Na obrazie „Burza z piorunami” z 1506 roku Giorgione przedstawia człowieka jako część natury. Kobiety karmiącej dziecko, młodzieńca z laską (którego można pomylić z wojownikiem z halabardą) nie łączy żadne działanie, lecz łączy w tym majestatycznym pejzażu wspólny nastrój, wspólny stan ducha. Obraz „Śpiącej Wenus” (około 1508-1510) przesiąknięty jest duchowością i poezją. Jej ciało jest napisane łatwo, swobodnie, z wdziękiem, nie bez powodu badacze mówią o „muzyczności” rytmów Giorgione; nie jest pozbawiony zmysłowego uroku. „Koncert wiejski” (1508-1510)

Tycjan Vecellio (1477?-1576) to największy artysta weneckiego renesansu. Tworzył dzieła zarówno o tematyce mitologicznej, jak i chrześcijańskiej, zajmował się portretem, jego talent kolorystyczny jest wyjątkowy, jego inwencja kompozytorska jest niewyczerpana, a szczęśliwa długowieczność pozwoliła mu pozostawić po sobie bogate dziedzictwo twórcze, które miało ogromny wpływ na jego potomków.

Już w 1516 roku został pierwszym malarzem republiki, od lat 20. XX w. – najsłynniejszym artystą Wenecji

Około 1520 roku książę Ferrary zamówił mu serię obrazów, na których Tycjan pojawia się jako śpiewak starożytności, który potrafił poczuć i, co najważniejsze, ucieleśnić ducha pogaństwa („Bachanalia”, „Święto Wenus”, „ Bachus i Ariadna”).

Bogaci patrycjusze weneccy zlecili Tycjanowi wykonanie ołtarzy, a on stworzył ogromne ikony: „Wniebowzięcie Marii”, „Madonna z Pesaro”

„Prezentacja Maryi do świątyni” (ok. 1538), „Wenus” (ok. 1538)

(portret zbiorowy papieża Pawła III z siostrzeńcami Ottavio i Aleksandrem Farnese, 1545-1546)

Nadal dużo pisze na tematy starożytne („Wenus i Adonis”, „Pasterz i nimfa”, „Diana i Akteon”, „Jowisz i Antiopa”), ale coraz częściej zwraca się ku tematyce chrześcijańskiej, ku scenom męczeństwa, w których poganie pogodę ducha, dawną harmonię zastępuje postawa tragiczna („Biczowanie Chrystusa”, „Pokutująca Maria Magdalena”, „Św. Sebastian”, „Lamentacja”),

Ale u schyłku stulecia wyraźnie widać już cechy zbliżającej się nowej ery w sztuce, nowego kierunku artystycznego. Widać to w twórczości dwóch najważniejszych artystów drugiej połowy tego stulecia – Paolo Veronese i Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, nazywany Veronese (urodził się w Weronie w latach 1528-1588), miał zostać ostatnim śpiewakiem świątecznej, radosnej Wenecji XVI wieku.

: „Uczta w domu Lewiego” „Ślub w Kanie Galilejskiej” dla refektarza klasztoru San Giorgio Maggiore

Jacopo Robusti, znany w sztuce jako Tintoretto (1518-1594) („tintoretto” – farbiarz: ojciec artysty był farbiarzem jedwabiu). „Cud św. Marka” (1548)

(„Ocalenie Arsinoe”, 1555), „Wprowadzenie do świątyni” (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro w Piombino, Villa Rotonda w Vicenzy, ukończona po jego śmierci przez studentów według jego projektu, wiele budynków w Vicenzy). Efektem jego studiów nad starożytnością były książki „Starożytności rzymskie” (1554), „Cztery księgi o architekturze” (1570-1581), ale starożytność była dla niego „żywym organizmem”, jak wynika z trafnej obserwacji badacza.

Holenderski renesans w malarstwie rozpoczyna się od „Ołtarza Gandawskiego” autorstwa braci Huberta (zm. 1426) i Jana (ok. 1390-1441) van Eycka, ukończonego przez Jana van Eycka w 1432. Van Eyck ulepszył technikę olejną: olej ją wytworzył możliwe jest przekazanie większej wszechstronności blasku, głębi, bogactwa obiektywnego świata, który przyciąga uwagę holenderskich artystów, swoją kolorową dźwięcznością.

Spośród wielu Madonn Jana van Eycka najsłynniejszą jest „Madonna kanclerza Rollina” (ok. 1435 r.)

(„Człowiek z goździkiem”; „Mężczyzna w turbanie”, 1433; portret żony artysty Margaret van Eyck, 1439

Sztuka holenderska w rozwiązywaniu takich problemów wiele zawdzięcza Rogierowi van der Weydenowi (1400?-1464). „Zejście z krzyża” jest typowym dziełem Weydena.

W drugiej połowie XV w. relacjonuje dzieło wybitnie utalentowanego mistrza, Hugo van der Goesa (ok. 1435-1482) „Śmierć Marii”).

Hieronymus Bosch (1450-1516), twórca mrocznych wizji mistycznych, w których nawiązuje także do alegoryzmu średniowiecznego, „Ogród rozkoszy”

Szczytem holenderskiego renesansu było niewątpliwie dzieło Pietera Bruegla Starszego, zwanego Mużyckim (1525/30-1569) („Kuchnia chudych”, „Kuchnia grubych”) cykl „Pory roku” (inny tytuł – „Łowcy na śniegu”, 1565), „Bitwa karnawału i Wielkiego Postu” (1559).

Albrechta Dürera (1471-1528).

„Święto Różańcowe” (inna nazwa to „Madonna z Różańcem”, 1506), „Jeździec, śmierć i diabeł”, 1513; „Św. Hieronim” i „Melancholia”,

Hans Holbein Młodszy (1497-1543), „Triumf śmierci” („Taniec śmierci”), portret Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Renesansowy Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (ok. 1420-1481), Portret Karola VII

Jean Clouet (ok. 1485/88-1541), syn François Cloueta (ok. 1516-1572) to najważniejszy artysta francuski XVI wieku. portret Elżbiety Austriackiej, ok. 1571 r. (portret Henryka II, Marii Stuart itp.)

Renesans rozpoczął się we Włoszech. Swoją nazwę zawdzięcza dramatycznemu rozkwitowi intelektualnemu i artystycznemu, który rozpoczął się w XIV wieku i wywarł ogromny wpływ na społeczeństwo i kulturę europejską. Renesans znalazł swój wyraz nie tylko w malarstwie, ale także w architekturze, rzeźbie i literaturze. Najwybitniejszymi przedstawicielami renesansu są Leonardo da Vinci, Botticelli, Tycjan, Michał Anioł i Rafael.

W tamtych czasach głównym celem malarzy było realistyczne przedstawienie ludzkiego ciała, dlatego malowali głównie ludzi i przedstawiali różne tematy religijne. Wynaleziono także zasadę perspektywy, która otworzyła przed artystami nowe możliwości.

Centrum renesansu stała się Florencja, drugie miejsce zajęła Wenecja, a później, bliżej XVI wieku, Rzym.

Leonardo jest nam znany jako utalentowany malarz, rzeźbiarz, naukowiec, inżynier i architekt renesansu. Leonardo większość swojego życia pracował we Florencji, gdzie stworzył wiele arcydzieł znanych na całym świecie. Wśród nich: „Mona Lisa” (znana także jako „La Gioconda”), „Dama z gronostajem”, „Benois Madonna”, „Jan Chrzciciel” i „Św. Anna z Maryją i Dzieciątkiem Jezus”.

Artysta ten jest rozpoznawalny dzięki niepowtarzalnemu stylowi, który wypracował przez lata. Na osobiste zamówienie papieża Sykstusa IV namalował także ściany Kaplicy Sykstyńskiej. Botticelli napisał słynne obrazy o tematyce mitologicznej. Takie obrazy to „Wiosna”, „Pallas i centaur”, „Narodziny Wenus”.

Tycjan był głową florenckiej szkoły artystów. Po śmierci swojego nauczyciela Belliniego Tycjan stał się oficjalnym, powszechnie uznanym artystą Republiki Weneckiej. Malarz ten znany jest z portretów o tematyce religijnej: „Wniebowstąpienie Maryi”, „Danae”, „Miłość ziemska i Miłość niebiańska”.

Włoski poeta, rzeźbiarz, architekt i artysta namalował wiele arcydzieł, w tym słynną statuę „Dawida” wykonaną z marmuru. Pomnik ten stał się główną atrakcją Florencji. Michał Anioł namalował sklepienie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, co było głównym zleceniem papieża Juliusza II. W okresie swojej twórczości więcej uwagi poświęcił architekturze, ale dał nam „Ukrzyżowanie św. Piotra”, „Złożenie do grobu”, „Stworzenie Adama”, „Forteller”.

Jego twórczość kształtowała się pod wielkim wpływem Leonarda da Vinci i Michała Anioła, dzięki którym zdobył bezcenne doświadczenie i umiejętności. Malował sale reprezentacyjne Watykanu, przedstawiające działalność człowieka i przedstawiające różne sceny z Biblii. Do słynnych obrazów Rafaela należą „Madonna Sykstyńska”, „Trzy Gracje”, „Św. Michał i diabeł”.

Iwan Siergiejewicz Ceregorodcew

Narody Europy starały się wskrzesić skarby i tradycje utracone w wyniku niekończących się wojen eksterminacyjnych. Wojny zabrały z powierzchni ziemi ludzi i wielkie rzeczy, które ludzie stworzyli. Idea odrodzenia wysokiej cywilizacji starożytnego świata dała początek filozofii, literaturze, muzyce, rozwojowi nauk przyrodniczych i przede wszystkim rozkwitowi sztuki. Epoka wymagała ludzi silnych, wykształconych, nie bających się żadnej pracy. To właśnie wśród nich możliwe stało się wyłonienie tych nielicznych geniuszy, których nazywa się „tytanami renesansu”. Ci sami, których nazywamy tylko po imieniu.

Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka osiągnęła w tym okresie najwyższy rozkwit i rozkwit. To tutaj pojawiają się dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, wielkich i po prostu utalentowanych artystów.

MUZYKA LEONARDA.

Co za szczęściarz! – powie o nim wielu. Obdarzony rzadkim zdrowiem, przystojny, wysoki i miał niebieskie oczy. W młodości nosił blond loki, jego dumna sylwetka przypominała św. Jerzego Donatella. Miał niesłychaną, odważną siłę i męskie męstwo. Wspaniale śpiewał, komponował melodie i wiersze przed swoją publicznością. Grał na każdym instrumencie muzycznym, a ponadto sam je stworzył.

Dla sztuki Leonarda da Vinci współcześni i potomkowie nigdy nie znaleźli innych definicji niż „genialny”, „boski” i „wielki”. Te same słowa odnoszą się do jego odkryć naukowych: wynalazł czołg, koparkę, helikopter, łódź podwodną, ​​spadochron, broń automatyczną, hełm do nurkowania, windę, rozwiązał najbardziej złożone problemy akustyki, botaniki, medycyny, kosmografii , stworzył projekt okrągłego teatru, wynaleziony sto lat wcześniej, niż Galileusz, wahadło zegarowe, narysował współczesne narty wodne, rozwinął teorię mechaniki.

Co za szczęściarz! - wielu powie o nim i zacznie wspominać jego ukochanych książąt i królów, którzy szukali z nim znajomości, przedstawień i wakacji, które wymyślił jako artysta, dramaturg, aktor, architekt i bawił się przy nich jak dziecko.

Czy jednak szczęśliwy był niepohamowany stulatek Leonardo, którego każdy dzień dostarczał ludziom i światu wizji i spostrzeżeń? Przewidział straszny los swoich dzieł: zniszczenie Ostatniej Wieczerzy, zestrzelenie pomnika Franceski Sforzy, niski handel i podłe kradzieże jego pamiętników i zeszytów ćwiczeń. W sumie do dziś przetrwało jedynie szesnaście obrazów. Niewiele rzeźb. Ale rysunków, zakodowanych rysunków było mnóstwo: niczym bohaterowie współczesnej fantastyki naukowej zmienił szczegół w swoim projekcie, tak jakby inny nie mógł z niego skorzystać.

Leonardo da Vinci zajmował się różnymi rodzajami i gatunkami sztuki, jednak największą sławę przyniosło mu malarstwo.

Jednym z najwcześniejszych obrazów Leonarda jest Madonna Kwiatowa lub Madonna Benois. Już tutaj artysta zachowuje się jak prawdziwy innowator. Przełamuje ramy tradycyjnej fabuły i nadaje obrazowi szersze, uniwersalne znaczenie, jakim jest macierzyńska radość i miłość. W tym dziele wyraźnie zamanifestowało się wiele cech twórczości artysty: wyraźna kompozycja postaci i objętość form, chęć zwięzłości i uogólnienia, psychologiczna ekspresja.

Kontynuacją rozpoczętego tematu był obraz „Madonna Litta”, w którym wyraźnie ujawniła się kolejna cecha twórczości artystki – gra kontrastami. Dopełnieniem tematu był obraz „Madonna w grocie”, w którym odnotowano idealne rozwiązanie kompozycyjne, dzięki któremu przedstawione postacie Madonny, Chrystusa i aniołów łączą się z krajobrazem w jedną całość, obdarzoną spokojną równowagą i harmonią .

Jednym ze szczytów twórczości Leonarda jest fresk „Ostatnia wieczerza” w refektarzu klasztoru Santa Maria Della Grazie. Praca ta zachwyca nie tylko całością kompozycji, ale także dokładnością. Leonardo nie tylko oddaje stan psychiczny apostołów, ale robi to w momencie, gdy osiąga on punkt krytyczny, przeradza się w psychologiczną eksplozję i konflikt. Wybuch ten jest spowodowany słowami Chrystusa: „Jeden z was mnie zdradzi”. Leonardo w pełni wykorzystał w tej pracy technikę specyficznego porównywania postaci, dzięki czemu każda postać jawi się jako niepowtarzalna indywidualność i osobowość.

Drugim szczytem twórczości Leonarda był słynny portret Mony Lisy, czyli La Gioconda. Praca ta zapoczątkowała gatunek portretu psychologicznego w sztuce europejskiej. Tworząc go, wielki mistrz znakomicie wykorzystał cały arsenał środków wyrazu artystycznego: ostre kontrasty i miękkie półtony, zamrożony bezruch oraz ogólną płynność i zmienność, subtelne niuanse psychologiczne i przejścia. Cały geniusz Leonarda tkwi w niesamowicie żywym spojrzeniu Mony Lisy, jej tajemniczym i enigmatycznym uśmiechu, mistycznej mgle spowijającej krajobraz. Dzieło to jest jednym z najrzadszych arcydzieł sztuki.

Każdy, kto widział „La Giocondę” przywiezioną z Luwru w Moskwie, pamięta chwile całkowitej głuchoty przy tym małym płótnie, napięcie tego, co najlepsze w sobie. Gioconda wydawał się „Marsjaninem”, przedstawicielem nieznanego – zapewne przyszłości, a nie przeszłości ludzkiego plemienia, ucieleśnieniem harmonii, o której świat nie jest zmęczony i nie znudzi się marzyć.

Można o nim powiedzieć dużo więcej. Dziwię się, że to nie fikcja ani fantasy. Pamiętacie na przykład, jak proponował przeniesienie katedry San Giovanni – takie dzieło zadziwia nas, mieszkańców XX wieku.

Leonardo powiedział: „Dobry artysta musi umieć namalować dwie główne rzeczy: osobę i przedstawienie jej duszy. A może mówi się o „Orlinie” z Ermitażu w Petersburgu? Niektórzy badacze nazywają ją, a nie płótno Luwru, „La Gioconda”.

Chłopiec Nardo, tak miał na imię w Vinci: nieślubny syn zjadającego listy notariusza, który uważał ptaki i konie za najlepsze stworzenia na Ziemi. Kochany przez wszystkich i samotny, który wyginał stalowe miecze i malował wisielców. Wymyślił most przez Bosfor i miasto idealne, piękniejsze od Corbusiera i Niemeyera. Śpiewał delikatnym barytonem i wywoływał uśmiech Mony Lisy. W jednym ze swoich ostatnich notatników ten szczęściarz napisał: „Wydawało mi się, że uczę się żyć, ale uczę się umierać”. Następnie jednak podsumował to: „Dobrze przeżyte życie to długie życie”.

Czy można nie zgodzić się z Leonardem?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli urodził się we Florencji w 1445 roku w rodzinie garbarza skórzanego.

Za pierwsze oryginalne dzieło Botticellego uważa się „Pokłon Trzech Króli” (ok. 1740 r.), w którym główne cechy jego oryginalnego sposobu bycia – senność i subtelna poezja – zostały już w pełni odzwierciedlone. Miał wrodzony zmysł poezji, ale dosłownie we wszystkim przenikał go wyraźny dotyk kontemplacyjnego smutku. Nawet święty Sebastian, dręczony strzałami swoich oprawców, wygląda na zamyślonego i oderwanego od niego.

Pod koniec lat 70. XIV w. Botticelli zbliżył się do kręgu faktycznego władcy Florencji, Lorenza Medici, zwanego Wspaniałym. W luksusowych ogrodach Lorenzo zgromadziło się społeczeństwo ludzi, prawdopodobnie najbardziej światłych i utalentowanych we Florencji. Byli tam filozofowie, poeci i muzycy. Panowała atmosfera zachwytu nad pięknem, ceniono nie tylko piękno sztuki, ale także piękno życia. Za prototyp idealnej sztuki i idealnego życia uważano antyk, postrzegany jednak przez pryzmat późniejszych warstw filozoficznych. Bez wątpienia pod wpływem tej atmosfery powstał pierwszy duży obraz Botticellego „Primavera (Wiosna)”. To zjawiskowa, wykwintna, cudownie piękna alegoria odwiecznego cyklu, ciągłej odnowy natury. Przesiąknięty jest złożonym i kapryśnym rytmem muzycznym. Ozdobiona kwiatami postać Flory i tańczące wdzięki w Ogrodzie Eden przedstawiały obrazy piękna, jakiego wówczas jeszcze nie widziano, i dlatego wywoływały szczególnie urzekające wrażenie. Młody Botticelli natychmiast zajął czołowe miejsce wśród mistrzów swoich czasów.

To właśnie wysoka reputacja młodego malarza zapewniła mu zamówienie na freski biblijne do watykańskiej Kaplicy Sykstyńskiej, które stworzył na początku lat osiemdziesiątych XIV wieku w Rzymie. Napisał „Sceny z życia Mojżesza”, „Karę Koracha, Datana i Abirona”, wykazując się niesamowitym kunsztem kompozytorskim. Klasyczny spokój starożytnych budowli, na tle którego Botticelli umieścił akcję, ostro kontrastuje z dramatycznym rytmem przedstawionych postaci i namiętności; ruch ciał ludzkich jest złożony, zagmatwany, nasycony siłą wybuchową; ma się wrażenie trzęsącej się harmonii, bezbronności widzialnego świata wobec gwałtownego nacisku czasu i ludzkiej woli. Freski Kaplicy Sykstyńskiej po raz pierwszy wyraziły głęboki niepokój, który żył w duszy Botticellego, który z czasem nasilał się. Te same freski odzwierciedlały niesamowity talent Botticellego jako malarza portretów: każda z wielu namalowanych twarzy jest całkowicie oryginalna, niepowtarzalna i niezapomniana...

W latach osiemdziesiątych XIV wieku, wracając do Florencji, Botticelli kontynuował niestrudzoną pracę, ale spokojna przejrzystość Primery była już daleko za nim. W połowie dekady napisał swoje słynne „Narodziny Wenus”. Badacze zauważają w późniejszej twórczości mistrza niezwykły wcześniej moralizm i egzaltację religijną.

Być może ważniejsze od późnego malarstwa są rysunki Botticellego z lat 90. - ilustracje do Boskiej Komedii Dantego. Malował z wyraźnym i nieskrywanym zachwytem; Wizje wielkiego poety z miłością i pieczołowitością oddają doskonałe proporcje licznych postaci, przemyślana organizacja przestrzeni, niewyczerpana zaradność w poszukiwaniu wizualnych odpowiedników słowa poetyckiego...

Mimo wszelkich burz i kryzysów psychicznych Botticelli do końca pozostał wielkim artystą, mistrzem swojej sztuki (zmarł w 1510 r.). Wyraźnie świadczy o tym szlachetna rzeźba twarzy w „Portrecie młodego mężczyzny”, wyrazista charakterystyka modelki, która nie pozostawia wątpliwości co do jej wysokich ludzkich zasług, solidny rysunek mistrza i jego życzliwe spojrzenie.

Dla Europejczyków zakończył się okres ciemnego średniowiecza, ustępując miejsca renesansowi. Pozwoliło to wskrzesić niemal wymarłe dziedzictwo antyku i stworzyć wspaniałe dzieła sztuki. Ważną rolę w rozwoju ludzkości odegrali także naukowcy renesansu.

Paradygmat

Kryzys i zniszczenie Bizancjum doprowadziły do ​​pojawienia się w Europie tysięcy chrześcijańskich emigrantów, którzy przywieźli ze sobą książki. Rękopisy te zawierały wiedzę z okresu starożytnego, na wpół zapomnianą na zachodzie kontynentu. Stały się podstawą humanizmu, który na pierwszym planie umieścił człowieka, jego idee i pragnienie wolności. Z biegiem czasu w miastach, w których wzrosła rola bankierów, rzemieślników, handlarzy i rzemieślników, zaczęły powstawać świeckie ośrodki nauki i edukacji, które nie tylko nie znajdowały się pod władzą Kościoła katolickiego, ale często walczyły z jego nakazami.

Malarstwo Giotta (renesans)

Artyści średniowiecza tworzyli dzieła o przeważnie treściach religijnych. W szczególności przez długi czas główny gatunek malarstwa odbyło się malowanie ikon. Pierwszym, który zdecydował się przedstawiać na swoich płótnach zwykłych ludzi, a także porzucić kanoniczny styl malarstwa tkwiący w szkole bizantyjskiej, był Giotto di Bondone, uważany za pioniera protorenesansu. Na freskach kościoła San Francesco, znajdującego się w mieście Asyż, wykorzystał grę światłocienia i odszedł od ogólnie przyjętej struktury kompozycyjnej. Jednak głównym dziełem Giotta był obraz przedstawiający kaplicę Arena w Padwie. Co ciekawe, zaraz po tym zamówieniu artysta został wezwany do dekoracji ratusza. Pracując nad jednym z obrazów, chcąc osiągnąć jak największą autentyczność w przedstawieniu „znaku niebieskiego”, Giotto konsultował się z astronomem Pietro d’Abano. Tym samym dzięki temu artyście malarstwo przestało przedstawiać ludzi, przedmioty i zjawiska naturalne według określonych kanonów, a stało się bardziej realistyczne.

Leonardo da Vinci

Wiele postaci renesansu miało wszechstronny talent. Jednak żaden z nich nie może się równać z Leonardem da Vinci pod względem wszechstronności. Wyróżnił się jako wybitny malarz, architekt, rzeźbiarz, anatom, przyrodnik i inżynier.

W 1466 roku Leonardo da Vinci wyjechał na studia do Florencji, gdzie oprócz malarstwa studiował chemię i rysunek, a także nabył umiejętności pracy z metalem, skórą i gipsem.

Już pierwsze obrazy artysty wyróżniały go wśród współpracowników. Podczas swojego długiego, wówczas 68-letniego życia, Leonardo da Vinci stworzył takie arcydzieła jak „Mona Lisa”, „Jan Chrzciciel”, „Dama z gronostajem”, „Ostatnia wieczerza” itp.

Podobnie jak inne wybitne postacie renesansu, artysta interesował się nauką i inżynierią. W szczególności wiadomo, że wynaleziony przez niego zamek pistoletowy na koło był używany aż do XIX wieku. Ponadto Leonardo da Vinci stworzył rysunki spadochronu, maszyny latającej, reflektora, luneta z dwoma obiektywami itp.

Michał Anioł

Kiedy dyskutuje się o tym, co postacie renesansu dały światu, na liście ich osiągnięć koniecznie znajdują się dzieła tego wybitnego architekta, artysty i rzeźbiarza.

Do najsłynniejszych dzieł Michała Anioła Buonarrotiego należą freski na suficie Kaplica Sykstyńska, posąg Dawida, rzeźba Bachusa, marmurowy posąg Madonny z Brugii, obraz „Męki św. Antoniego” i wiele innych arcydzieł sztuki światowej.

Rafał Santi

Artysta urodził się w 1483 roku i żył zaledwie 37 lat. Jednakże wielkie dziedzictwo Raphaela Santiego stawia go na szczycie wszelkich symbolicznych rankingów „Wybitnych Postaci Renesansu”.

Do arcydzieł artysty należą: „Koronacja Marii” do ołtarza Oddiego, „Portret Pietro Bembo”, „Dama z jednorożcem”, liczne freski zamówione do Stanza della Segnatura itp.

Za szczyt dzieła Rafaela uważa się „Madonnę Sykstyńską”, stworzoną na ołtarz kościoła klasztoru św. Sixta w Piacenzie. Obraz ten robi niezapomniane wrażenie na każdym, kto go zobaczy, gdyż przedstawiona na nim Maryja w niezrozumiały sposób łączy w sobie ziemską i niebiańską istotę Matki Bożej.

Albrechta Durera

Znane postacie renesansu były nie tylko Włochami. Należą do nich niemiecki malarz i rytownik Albrecht Dürer, urodzony w Norymberdze w 1471 roku. Do jego najważniejszych dzieł należą „Ołtarz Landauera”, autoportret (1500), obraz „Święto Wianków Różowych” i trzy „Ryciny warsztatowe”. Te ostatnie uznawane są za arcydzieła grafiki wszystkich czasów i narodów.

tycjanowski

Wielkie postacie renesansu w dziedzinie malarstwa pozostawiły nam obrazy swoich najsłynniejszych współczesnych. Jednym z wybitnych portrecistów tego okresu sztuki europejskiej był Tycjan, pochodzący ze słynnego rodu Vecellio. Uwiecznił na płótnie Federico Gonzagę, Karola V, Clarissę Strozzi, Pietro Aretino, architekta Giulio Romano i wielu innych. Ponadto w jego pędzlach znajdują się płótna o tematyce ze starożytnej mitologii. O tym, jak wysoko ceniony był artysta przez współczesnych, świadczy fakt, że pewnego dnia cesarz Karol V pospieszył podnieść pędzel, który wypadł z rąk Tycjana. Monarcha wyjaśnił swój czyn, mówiąc, że służba takiemu mistrzowi jest dla każdego zaszczytem .

Sandro Botticellego

Artysta urodził się w 1445 r. Początkowo miał zostać jubilerem, ale potem trafił do warsztatu Andrei Verrocchio, który kiedyś uczył się u Leonarda da Vinci. Oprócz dzieł o tematyce religijnej artysta stworzył kilka obrazów o treści świeckiej. Do arcydzieł Botticellego należą obrazy „Narodziny Wenus”, „Wiosna”, „Pallas i centaur” i wiele innych.

Dantego Alighieri

Wielkie postacie renesansu pozostawiły niezatarty ślad w literaturze światowej. Jednym z najwybitniejszych poetów tego okresu jest Dante Alighieri, urodzony w 1265 roku we Florencji. W wieku 37 lat został wydalony z rodzinnego miasta ze względu na poglądy polityczne i tułał się do ostatnich lat życia.

Już jako dziecko Dante zakochał się w swojej rówieśniczce Beatrice Portinari. Dojrzała dziewczyna wyszła za mąż za innego mężczyznę i zmarła w wieku 24 lat. Beatrice stała się muzą poety i to jej zadedykował swoje dzieła, w tym opowiadanie „Nowe życie”. W 1306 roku Dante zaczął tworzyć „Boską komedię”, nad którą pracował prawie 15 lat. Obnaża w nim wady włoskiego społeczeństwa, zbrodnie papieży i kardynałów oraz umieszcza swoją Beatrice w „raju”.

William Szekspir

Choć idee renesansu dotarły na Wyspy Brytyjskie nieco późno, powstały tam także wybitne dzieła sztuki.

W szczególności jeden z najsłynniejszych dramaturgów w historii ludzkości, William Shakespeare, pracował w Anglii. Jego sztuki wystawiane są na scenach teatralnych we wszystkich zakątkach świata od ponad 500 lat. W jego piórze znajdują się tragedie „Otello”, „Romeo i Julia”, „Hamlet”, „Makbet”, a także komedie „Wieczór Trzech Króli”, „Wiele hałasu o nic” i wiele innych. Ponadto Szekspir słynie z sonetów poświęconych tajemniczej Mrocznej Damie.

Leona Battisty Albertiego

Renesans przyczynił się także do zmiany wyglądu miast europejskich. Powstały w tym okresie wielkie arcydzieła architektury, m.in. rzymska katedra św. Piotra, schody Laurentiana, katedra we Florencji itp. Wraz z Michałem Aniołem słynny naukowiec Leon Battista Alberti jest jednym ze słynnych architektów renesansu. Wniósł ogromny wkład w architekturę, teorię sztuki i literaturę. W kręgu jego zainteresowań znalazły się także problemy pedagogiki i etyki, matematyki i kartografii. Stworzył jedno z pierwszych dzieł naukowych na temat architektury, zatytułowane „Dziesięć książek o architekturze”. Praca ta wywarła ogromny wpływ na kolejne pokolenia jego kolegów.

Teraz znasz najsłynniejsze postacie kultury renesansu, dzięki którym cywilizacja ludzka weszła w nowy etap swojego rozwoju.