Na początku lat 90. widziałem młodego Galina Stoeva siedzącego na schodach wypełnionej po brzegi sali Teatru Ludowego w Sofii. On, wówczas jeszcze student Akademii Teatralnej VITIZ, przywiózł swoją inscenizację „Iluzje” z prowincjonalnego miasta Sliwen. W czasach pierestrojki przedstawienie wywołało w stolicy prawdziwą sensację, ponieważ reżyserowi za pomocą tekstu kanonicznego udało się wyrazić stale zmieniające się społeczeństwo. W tym celu przekształcił sztukę Corneille'a w takim stopniu, w jakim wydawało mu się to konieczne, co w dobie upadłej cenzury było wyrazem wolności. Na sali można było odnieść wrażenie, że świat na scenie zbudowany jest z piasku, a Galin wydał mi się człowiekiem, który zdawał sobie sprawę, że ledwo ukończony, ten świat staje się kłamstwem i trzeba go zmieść.

Ponad 15 lat później Galin Stoev ponownie wciela się w grę Corneille’a. Aktorzy Comédie Française grają inny spektakl, ale reżyser pozostaje wierny dominującej zasadzie autora, dla którego zmienność jest podstawową właściwością rzeczywistości.

Galin Stoev: Klasycyzm jest dla mnie gigantycznym impulsem do zadeklarowania władzy myśli nad chaosem i uczynienia życia i natury znośnymi. Reguły Trójcy i forma poetycka są środkami, które przekształcają tajemnicę i grozę istnienia w coś namacalnego i łatwego do opanowania. W „Comic Illusion” Corneille podąża za kanonem, ale materia tekstu, szybko eksplodująca, wymyka się spod kontroli. Autor nazwał go „dziwnym potworem”, ale dziś to właśnie te błędy i odchylenia czynią zabawę interesującą. One, niczym inteligentne bakterie, wstrzykiwane są w organizm rodzącego się klasycyzmu, aby nieustannie przypominać o daremności zamiaru utrzymania całkowitej kontroli nad wszystkim. To stwarza ciągłe napięcie, które z kolei podsyca chęć opanowania wszystkiego... Pytanie brzmi, jak w ramach XVII wieku opowiedzieć własną historię, historię współczesnego człowieka. Prezentowanie dzisiaj „Comic Illusion” oznacza wyraz szacunku i bezczelność.

Słuch Stojewa, dostrojony do współczesnych wibracji, nadaje takie brzmienie wierszowi Aleksandryńskiego i taką głębię specyficznym pauzom Corneille’a, co znacznie zwiększa słyszalność tekstu. Dziś odbierany jest jako skomponowany dla nas i nabiera wzruszającej poezji. Humor i dramatyzm, dodane do stylu, formy i subtelności, to elementy obsady zespołu: Matamor (Denis Podalydès), Isabella (Judith Chemla), Clindor (Loïc Corbery), który jest zakochany w Isabelli. Julie Sicard szczególnie wyróżniała się w roli Lisy, pokojówki Izabeli. Czarna peruka zakrywająca niemal całe ciało nadaje jej wizerunkowi nierealny charakter. Pridaman, ojciec Clindora (Alain Lenglet), szukając syna, trafia do jaskini czarodzieja Alcandre (Hervé Pierre), który według Platona wystawia teatr cieni. Ojciec widzi syna i wchodząc na niestabilną przestrzeń teatru w teatrze, zrywa Lisie perukę z głowy. Ta nieoczekiwana akcja otwiera przed widzem własny labirynt skojarzeniowy, w którym staje się on uczestnikiem gry w rozwikłanie nieskończonych przemian włosów: w brodę, w koński ogon, w szalik, w pasek… co można, a czego nie można sobie wyobrazić.

Budując prawdziwe relacje między bohaterami, Stoev przeciwstawia się iluzji, ale paradoksalnie w toku akcji ją zwielokrotnia. Jak w finale, gdzie śmierć Klindora jest dość naturalistyczna, a iluzja staje się rzeczywistością. To, że śmierć dokonał aktor teatralny w teatrze, nie przeczy poczuciu tragizmu. Odbiór ten ułatwia płynna, zmienna przestrzeń sceniczna – ruchome korytarze, ściany, okna i lustrzane powierzchnie (artyści Saskia Louwaard i Katrijn Baeten).

Wieczorem 30 grudnia publiczność na dwie godziny wryła się w siedzenia Richelieu Hall i po opadnięciu kurtyny jednym impulsem długo biła brawo. Występ mojego kolegi i przyjaciela to najlepszy i niespodziewany prezent, jaki mogłem sobie wymarzyć na Sylwestra. Galin odkrywa nowe możliwości teatru i odnawia w nas – aktorach i reżyserach – chęć zrozumienia życia poprzez teatr.

Mniej jednomyślni byli paryscy krytycy w stosunku do premiery na głównej scenie Comédie Française. Liberalny „Le Monde” z 16 grudnia 2008 roku określił spektakl jako „dziwną iluzję... w niezaprzeczalnie ultranowoczesnym i bardzo mądrym przedstawieniu”, w którym melancholia Corneille’a wobec upływu czasu odsłania daremność nasze pragnienia i kruchość naszego życia. Felietonista konserwatywnego „Le Figaro”, najwyraźniej uznając Teatr Słowa za maszynę do odtwarzania tekstu, nazywa spektakl „poważnym błędem” i zarzuca reżyserowi nieprzestrzeganie rzekomo prostych zasad „mise-en-scene”, m.in. wyrażając wątpliwości co do kompetencji dyrektorki teatru, Madame Muriel Mayette, która zaprosiła zagranicznego reżysera, „który nie chce zrozumieć tej sztuki”.

Debaty tego rodzaju towarzyszą Comédie Française od chwili jej powstania w 1680 roku i uważa się, że rozpoczęły się od sporu o „Cyda” Corneille’a. „Płomień tego sporu ogarnął cały Paryż” i stał się początkiem stuletniej polemiki, w której uczestniczyli Kościół, dwór, Akademia Francuska, gazety, opinia publiczna, dramatopisarze, sam Pierre Corneille, komicy, a także jeden jego konstruktywnych wyników stanowiło pierwsze studium techniki dramatycznej „Praktyka teatru „Abbé d'Aubignac, napisane na zlecenie Richelieu i opublikowane w 1657 r. Organizacja teatru, zatwierdzona przez Napoleona dekretem moskiewskim z 1812 r., została pozostał prawie niezmieniony do dziś i dał aktorom – stowarzyszeniom i pensjonariuszom Comédie Française – wyłączne prawa do przyjmowania tej czy innej sztuki do repertuaru Wraz z narodzinami teatru reżyserskiego konserwatyzm takiej organizacji skłonił Konstantina Stanisławskiego do przyłączenia się do teatru. początku XX wieku, aby nazwać Comédie Française wrogiem Moliera. Warto zauważyć, że Czechowa zagrano tu po raz pierwszy dopiero w 1961 r., a absurdystów Ionesco i Becketta – w latach 70.

Pierwsza praca Galiny Stoevy w Comédie Française powstała za namową Madame Mayette, pierwszej kobiety powołanej przez rząd francuski na stanowisko dyrektora administracyjnego teatru od chwili jego powstania. Uważa, że ​​statut napoleoński to najlepsze, co ma teatr. Jej podejście do budowy teatru można porównać do twórczości Stoeva nad sztuką Corneille’a: utrzymując starożytną pozycję, że w Richelieu Hall może grać tylko stała trupa, Muriel Mayette przyciąga nieznanych Paryżowi reżyserów, zdolnych do konsekwentnej i długotrwałej pracy z trupą . Po obejrzeniu twórczości Galina Stoeva w Belgii, skąd do Awinionu sprowadzono jego produkcję „Genesis 2” Iwana Wyrypajewa, zaprasza go do pracy nad „Anniversary” Spiro Simone, a następnie do wystawienia „Sweet Vengeance and Other Sketches” Hanocha Levina na scenie teatru studyjnego. Według niej „aktorzy go uwielbiają”, a „próby są jak miłosne spotkanie”.

Antonia Malinova jest profesorem aktorstwa w Szkole Teatralnej Florent w Paryżu, aktorką i reżyserką. Występowała w sztukach reżyserowanych przez Jeana-Michela Rieba i Andreya Shcherbana w Comédie Française, grała w innych teatrach francuskich, a także w Maly City Theatre „Za kanałem” i Bułgarskim Teatrze Narodowym w Sofii. Antonia pracuje obecnie nad dwiema sztukami wystawianymi na Festiwal w Awinionie w 2009 roku, a w dniu publikacji prowadzi kurs „Iluzja komiczna” w Teatrze Narodowym w Angoulême we Francji.

P.P.S. Maja Pramatarowa.

Wideo Władimir Gusiew

Czarodziej, którego słowa kontrolują rozległy świat,
Woli mieszkać w tej ciemnej jaskini...

W intrygujący sposób francuski klasycysta Corneille wprowadza nas w akcję jednej ze swoich słynnych sztuk. Fabuła tej baśni jest niezwykle prosta: ojciec, który stracił syna (Clindor), przychodzi do czarodzieja Alcandera, który ma moc pokazania ojcu losu zaginionego syna.

Pomaga nam w tym iluzja powstająca dzięki sekretnym zdolnościom Alcandre... Dołączając do tajnej akcji, wraz z Alcandre i Pridamanem oglądamy szereg obrazów z życia zaginionego Klindora: służba Gaskonowi, miłość dla pięknej Izabeli ucieczka kochanków z domu ojca.

Tutaj wszystko jest już dla nas jasne – historia stara jak świat, pięknie napisany trójkąt miłosny, a potem nastąpi pojednanie z ojcem, albo ucieczka za granicę, albo…

Ale nie, dzieje się coś bardzo dziwnego. Clindor reprezentujący Theazhen i Isabella reprezentująca Hippolytę bardzo otwarcie opowiadają o jego niepohamowanej namiętności do pokojówki Izabeli, a stronę dalej Clindor ginie z rąk mściciela.

Jak to połączyć, co się z nimi stało, skąd wziął się Theagen i dlaczego np. „Isabella przedstawia Hippolytę”?

Podziw dla nieoczekiwanego wglądu, szok, utrata punktu oparcia – tutaj gra się rozwidla, złudzenia zaczynają się odbijać i popadasz w poczucie cudu, który się pojawił.

Ja, widz, czytam i oglądam zwyczajną historię miłosną – czarodziej pokazuje ją mnie i ojcu głównego bohatera. Na tego rodzaju scenie widzę Pridamana przyglądającego się temu, czego doświadczył jego syn Klindor. A Klindor i jego ukochana Isabella po ucieczce z domu bawią się w teatrze - i to Klindor w roli Theagena i Isabella w roli Hippolyty pokazują nam możliwą kontynuację ich romansu.

Widzę Pradamana, tak jak on, angażuję się i wczuwam w niego, patrząc na śmierć jego syna Klindora w iluzorycznym teatrze… ale to już nie jest historia Klindora – Klindor gra w paryskim teatrze Theagen ; Patrzę na Theazhena i Hippolytę i zdaję sobie sprawę, że to Clindor i Isabella dojrzeli i stracili zapał miłosny.

Zgubiono współrzędne i punkty podparcia – Panie, kim jestem, widz? W jakim miejscu się znajduję, w jakiej historii i czyimi oczami patrzę? Byłem także czytelnikiem historii Pridamana poszukującego syna, byłem także Pridamanem czytającym przygody Clindora, a potem niespodziewanie znalazłem się jako widz w paryskim teatrze, gdzie Clindor i Isabella grają nową sztukę o Theojenie i Hippolyta, kontynuując starą historię, którą Pridaman ogląda teraz poprzez magiczną Alcandrę...

Następuje pewne jakościowe poszerzenie zakresu dzieła literackiego w tym sensie, że znajduję się w teatrze książki i oglądam sztukę, której uczestnikami są w istocie Autor i Widz, którzy sami z entuzjazmem oglądają przedstawienie, główną których bohaterami, jak nam się wydaje, są Clindor i Isabella, w rzeczywistości nimi nie są. Z jednej strony są to ci sami Klindor i Isabella, z drugiej (o czym dowiadujemy się na ostatnich stronach) – to aktorzy grający w pewnym teatrze sztukę innego autora…o swojej przyszłości. Zawroty głowy – złudzenia, odbicia – niezliczona ilość.

P.S. W komentarzach Corneille zauważa, że ​​technika, którą odkrył, działa tylko raz, więc nie ma sensu powielać jej w innych sztukach.

* (Po napisaniu tej sztuki na sezon teatralny 1635-1636 Corneille przedstawił ją trupie teatru Burgundy Hotel. Fabuła komedii Corneille'a nie była nowa: w 1631 i 1634 r. Wystawiono już dwie komedie na ten sam temat pod tym samym tytułem „Komedia komediantów”. Idąc za przykładem autorów tych sztuk Gougenota i Scuderiego, Corneille wprowadził do swojej „Iluzji” technikę „teatru w teatrze”, jednak konsekwentniej niż jego poprzednicy utrzymywał w niej klasyczną zasadę trzech jedności.

Pyszny kapitan Matamor, narysowany przez Corneille'a, kontynuował galerię wizerunków komicznego wojownika, który po raz pierwszy pojawił się w „Żołnierzu Fanfaron” Plauta. Matamor stał się częstym bohaterem komedii XVII wieku. W latach 1637-1638 Marechal wystawił w teatrze Marais swoją sztukę „Prawdziwy kapitan Matamor, czyli Fanfaron”; Scarron napisał wierszowaną komedię Sztuczki kapitana Matamora (1647).

„Iluzja” Corneille’a jest interesująca także pod innym względem. Umieszczony w ostatnim akcie natchniony monolog w obronie teatru otwiera w istocie wspaniałą epokę w historii teatru francuskiego. Corneille zdawało się tu wyznaczać drogę, która w kolejnych latach miała doprowadzić sztukę francuską do najważniejszych osiągnięć estetycznych.

Komedia odniosła ogromny sukces już podczas pierwszego przedstawienia. Za życia autora nie schodził ze sceny przez wiele dziesięcioleci, aż do roku 1680, kiedy wystawił go teatr Comédie Française. W XVIII wieku o tej komedii zapomniano. Grano ją ponownie we fragmentach dopiero w latach 60. XIX wieku, a publiczność bardzo ciepło przyjęła jej powrót na scenę Comedie Française. W 1906 roku, w roku trzechsetnej rocznicy powstania Corneille'a, ponownie wystawiono kilka scen z Iluzji. W 1937 roku komedię wystawił (z pewnymi cięciami) reżyser Louis Jouvet.

Sztuka ta została po raz pierwszy opublikowana w 1639 roku. Do 1660 roku wydawana była i wystawiana na scenie pod tytułem „Iluzja komiczna”. Od 1660 roku zaczęto ją ukazywać pod nazwą „Iluzja”.

Komedia nie została jeszcze przetłumaczona na język rosyjski.

Dla tego tomu Biblioteki Literatury Światowej dokonano tłumaczenia M. Kudinowa.)

DO Mademoiselle M.F.D.R.

* (Mademoiselle M.F.D.R. – Nie wiadomo, kto kryje się za tymi inicjałami.)

Mademoiselle!

Przed tobą stoi brzydka istota, którą ośmielam się ci poświęcić.

Pierwszy akt jest jedynie prologiem, trzy kolejne to niedoskonała komedia, ostatni to tragedia; a wszystko to razem wzięte stanowi komedię. Niech taki wynalazek będzie nazywany kapryśnym i ekstrawaganckim, jak kto lubi, - w każdym razie jest nowy, a urok nowości dla nas, Francuzów, ma bynajmniej dozę godności. Sukces komedii nie sprawił, że zarumieniłem się dla teatru i śmiem twierdzić, że inscenizacja tej kapryśnej sztuki wcale Cię nie rozczarowała, skoro kazałeś mi zwrócić się do Ciebie z dedykacją po wydaniu sztuki. Jestem zrozpaczony, że przedstawiam wam to w tak okropnej formie: stało się prawie nie do poznania; liczba błędów, które drukarz dodał do moich, odmieniła zabawę lub, lepiej mówiąc, całkowicie ją zmieniła. A wszystko to dlatego, że nie byłem w Paryżu*, kiedy sztuka była drukowana: interesy zmusiły mnie do wyjazdu i całkowitego pozostawienia korekty na łasce drukarza. Błagam cię, abyś nie czytał tej sztuki, dopóki nie zadasz sobie trudu poprawienia tego, co znajdziesz na końcu tej wiadomości. Nie przytaczam wszystkich błędów, które się wkradły: ich liczba jest tak duża, że ​​przestraszyłaby czytelnika; wybrałem tylko te, które znacząco zniekształcają sens i które niełatwo odgadnąć. Jeśli zaś chodzi o inne błędy, dotyczące jedynie rymu, ortografii czy interpunkcji, to uważałem, że rozsądny czytelnik zauważy je bez większych trudności, dlatego też nie ma potrzeby obciążać nimi pierwszej strony. To wszystko nauczy mnie w przyszłości, aby nie podejmować ryzyka i nie publikować więcej sztuk podczas mojej nieobecności.

Bądź tak miły i nie traktuj tej zabawy z pogardą, bez względu na to, jak okaleczona może być. Czyniąc to, zobowiążesz mnie jeszcze bardziej do pozostania przez całe życie,

mademoiselle,

Twój najwierniejszy i najgorętszy sługa.

* (...Nie byłem w Paryżu... - Do 1662 roku Corneille mieszkał w Rouen.)

DEMONTAŻ

Niewiele powiem o tej sztuce: jest to ekstrawagancka historia miłosna, w której jest tyle nieregularności, że nie warto się nią zajmować, choć nowość takiego kaprysu przyniosła jej sukces, dla mnie zupełnie wystarczający żałować czasu poświęconego na to. Akt pierwszy to tylko prolog; kolejne trzy tworzą sztukę, którą nie wiem, jak nazwać: jej wynik jest tragiczny. Adrastus zostaje zabity, a Clindor jest w śmiertelnym niebezpieczeństwie; ale styl i postacie należą wyłącznie do komedii. Wśród nich jest nawet taki, który istnieje tylko w wyobraźni i którego oryginału nie można znaleźć wśród ludzi: został specjalnie wymyślony, aby wywoływać śmiech. To pewien wojownik, który dość konsekwentnie pokazuje swój chełpliwy charakter, dając tym samym do myślenia, że ​​niewielu takich jak on poradziło sobie tak dobrze ze swoją rolą, niezależnie od języka, w jakim została napisana.

Akcja nie jest tu zakończona, gdyż pod koniec czwartego aktu nie wiadomo, co stanie się z głównymi bohaterami, którzy raczej uciekają przed niebezpieczeństwem, niż je pokonają. Jedność miejsca jest dostatecznie zachowana, jednak czas nie mieści się w jednym dniu. Akt piąty to tragedia, ale zbyt krótka, aby miała prawdziwą wielkość, której żąda Arystoteles. To właśnie próbowałem wyjaśnić. Clindor i Isabella, stając się nieznanymi jeszcze aktorami, przedstawiają na scenie historię związaną z ich własną i niejako jej kontynuację. Niektórzy przypisują ten zbieg okoliczności brakowi pomysłowości, ale jest to jedynie zabieg artystyczny – mający na celu lepsze wprowadzenie w błąd ojca Klindora, który widzi, co się dzieje, za pomocą wyimaginowanej śmierci i uczynienie przejścia od smutku do radości bardziej zaskakującym i przyjemne.

Wszystko to razem składa się na komedię, której akcja trwa tak długo, jak samo przedstawienie; jest jednak mało prawdopodobne, aby sama sztuka mogła służyć za wzór. Tego rodzaju kaprysy udaje się tylko raz; a jeśli oryginał był piękny, to kopia nigdy nie jest nic warta. Styl wydaje się całkiem spójny z tematem, z wyjątkiem przypadku Lisy w szóstej scenie aktu trzeciego, kiedy wydaje się ona nieco ponad swoją pozycją służącej. Następne dwa wersety Horacego * posłużą jako jej usprawiedliwienie, podobnie jak w przypadku ojca Kłamcy, gdy ten jest zły na syna w akcie piątym:

Interdum tamen et vocem comoedia tollit, Iratusque Chremes tumido delitigat ore ** .

* (Kolejne dwa wersety Horacego... - Quintus Horace Flaccus, rzymski poeta I wieku. pne e., swoje poglądy na twórczość poetycką przedstawił w przesłaniu „Nauka o poezji”. Wypowiedzi Horacego na temat poezji odegrały ważną rolę w kształtowaniu się estetyki klasycyzmu. Corneille odwołuje się w tym przypadku do wersetów 93 i 94 The Science of Poetry.)

** (Czasami komedia nabiera wyższego tonu,

* (Kremes to postać z jednej ze sztuk rzymskiego komika Terence'a; uosabia złego ojca rodziny, zabawnego w swojej surowości.)

Nie będę się szerzej rozwijał na temat tego wiersza: niezależnie od tego, jak błędny może być, ma on pewne zalety, gdyż przezwyciężył spustoszenie czasu i nadal pojawia się na scenach naszego teatru, choć minęło już ponad trzydzieści lat* od jego ukazania się zobaczył światło; przez tak długi czas wiele okazało się przykryte warstwą kurzu, mimo że ona, wydawałoby się, miała więcej racji niż ona, twierdząc, że żyje tak długo i pomyślnie.

* (...choć minęło ponad trzydzieści lat... - „Iluzja” powstała w latach 1635-1636; Corneille opublikował „analizę” tej komedii dopiero w wydaniu z 1668 roku.)

POSTACIE

Alkandra, czarodziej.

Iridaman, Ojciec Clindora.

Dorait, Przyjaciel Pridamana.

Matamor, oficer gaskoński zakochany w Izabeli.

Clindor, sługa Matamora i kochanek Izabeli.

Adrast, szlachcic zakochany w Izabeli.

Geronta, Ojciec Izabeli.

Brunatnożółty, córka Geronty.

Lisa, Pokojówka Izabeli.

Strażnik więzienny z Bordeaux.

Strona Matamora.

Clindor, reprezentujący Theagena, angielskiego arystokratę.

Brunatnożółty, reprezentujący Hippolytę, żonę Theagena.

Lisa, przedstawiający Clarinę, pokojówkę Hippolyty.

Erast, giermek Florilama.

Słudzy Adrasta.

Słudzy Florilama.

Akcja rozgrywa się w Touraine*, na obszarze niedaleko groty czarodzieja.

* (Touraine to starożytna prowincja Francji, położona w Dolinie Loary.)

Teatr Czerwona Pochodnia uczcił swoje urodziny premierą. Spektakl oparty na tragedii wielkiego francuskiego dramaturga Pierre'a Corneille'a "Iluzja" w reżyserii znanego rosyjskiego reżysera Filip Grigorian.

Wszystko tutaj jest iluzją, a widz będzie musiał sam rozgryźć tę zawiłość. Reżyserzy sceniczni (oprócz reżysera jest także dramatopisarz-producent Olga Fedyanina i projektantka kostiumów Włada Pomirkowa) wręczają kartę programową, w której szczerze przestrzegają, że libretto jest jedynie przewodnikiem po teatralnym labiryncie, ale nie sprawi, że widz zagubi się w tym labiryncie, poza czasem i przestrzenią.

Przestrzeń teatralna jest naprawdę ponadczasowa. Trudno poważnie traktować tekst poetycki XVII wieku, ale Grigorian nie absolutyzuje pompatycznego języka poetyckiego klasycznej tragedii. Jak w dobrym, nowoczesnym filmie, jego bohaterowie mówią jedno, a pokazują drugie. Wyznanie miłości brzmi jak groźba, pokora przeradza się w bunt. Aby widz postrzegał całą tę ekstrawagancję jako jedną całość, reżyser wykorzystuje wszystkie współczesne możliwości techniczne - nagrywanie i nadawanie wideo, kierunkowskazy sceniczne i wszelkiego rodzaju mikrofony...

Nad czarną sceną panuje ekran, na którym rozgrywa się zarejestrowana akcja, niczym okno w nieznane. Ale czerń sceny to tylko kurtyna, a w niej otwierają się drzwi lub pokrywa - kolorowa grota, w której toczy się akcja. Obrazy zastępują się nawzajem – teraz jest to hotelowe lobby, teraz bar, znajoma hotelowa toaleta, a może nagle – Ogród Edenu, z którego wyrzucono pokojówkę Lisę Irina Krivonos…

Ale magiczne pudełko nie otwiera się do końca, a jeśli chcesz zobaczyć wszystko, weź bilety na środek pierwszych rzędów. Z daleka na ogromnej czarnej scenie raczej nic nie zobaczysz, może poza Maksym Misiutin, który przez cały występ pełni rolę pianisty.

Filmowe skojarzenie rodzi się natychmiast, ponieważ pierwszą rzeczą, którą widz widzi, jest mały ekran. I już na nim Pridaman skarży się przyjacielowi na jego troskę o syna, którego sam wyrzucił z domu...

Pridaman Czczonego Artysty Rosji Włodzimierz Lemeszonok- prawdziwy pułkownik, surowy i asceta. Jest bezpośredni i kategoryczny, ale tutaj, na oczach widza, jego kategoryczność pęka w szwach. Bo w końcu jest synem. Pęka, ale nie poddaje się. A czasami Pridman zatrzymuje się w owalu swojego ekranu – albo pomnik swojej przeszłości, albo ikona kategoryczności.

Przyjaciel Dorant ( Oleg Mayboroda) zgadza się pomóc, zaprasza znanego mu czarodzieja i jest gotowy pokazać niepocieszonemu ojcu, jak żyje teraz wygnany Klindor. A na scenie pojawiają się postacie...

Urocza wróżka w kapeluszu i długiej cygarniczce – Alcandre w wykonaniu Konstanty Telegin.

Kolejnym ojcem jest finansista Geront (Artysta Ludowy Rosji Igor Biełozierow). Klasyczny typ bohatera lat 90., brakuje tylko szkarłatnej marynarki. Jest także pomnikiem, zmarzniętym i surowym. A on też nie rozumie i nie chce zrozumieć swojej córki Izabeli, która również przed nim ucieka. Cykl ojców i synów...

Zarówno bogaty Adrast, aprobowany przez jej ojca, jak i była „gwiazda serialu” Matamor są zakochani w Isabelli. Wybiera jednak biednego służącego Klindora, którego kocha także jej pokojówka Lisa.

Historia Corneille'a jest tradycyjna i klasyczna - kochankowie próbują wszystkich oszukać, ale udaje im się to. Cały spektakl polega na rzeźbieniu i intarsji na pięknym, niesamowitym, tajemniczym pudełku. Wzory misternie się przeplatają, przemieniając jeden w drugi, blask złotego garnituru Matamora, który tutaj jest emerytowanym aktorem serialu, zamienia się w złoto tła Ogrodu Edenu, do którego dąży kochanek Adrast Ilia Muzyko. Klasyczny współczesny chłopak-major, jest tak przekonujący w swojej grze aktorskiej, że wersety, które bohater zmuszony jest wypowiadać zgodnie z prawami XVII-wiecznego gatunku dramatu, wcale nie denerwują.

Lisa Irina Krivonos to skromna służąca, która na jej oczach przemienia się z obrażonej, nieszczęśliwej kobiety w mściwą, straszną wiedźmę, a potem nagle w piękną powierniczkę...

Pompatyczny Matamor z grzywką Doktora Spocka ze Star Trek – Czczonego Artysty Rosji Andriej Czernych zabawny i niezwykle wzruszający w swoim przechwalaniu się. Nie potrzebuje Klindora - on sam jest świetny w przekonywaniu siebie do wszelkich bzdur. Izabeli też nie potrzebuje – po prostu bohater ma mieć ukochaną, więc wybrał tę, która jest gotowa bawić się razem z nim. Jest piękny w swojej kompletności i absolutny w swoim narcyzmie. I jest niesamowicie stabilny – gdy tylko jego świat pęka, natychmiast pokrywa go złotem. Isabella cię nie kocha? Cóż, OK. Klindor pomachał ręcznikiem – o nie, on wszystkim przebacza! Już nie ma! Majestatycznie i płynnie, zupełnie jak Malvolio Tabakowej w starym filmie...

Klindor przypadkowo zabija swojego rywala, trafia do więzienia, ale Lisa pomaga Isabelli i Klindorowi uciec do nowego życia...

Szczęśliwi kochankowie rozpoczynają nowe życie. Ale jakoś to nie wychodzi. Klindorowi znudziło się i wdał się w romans z sąsiadką. Isabella przyłapuje go niemal na miejscu zbrodni i robi mu wyrzuty. Skruszony Klindor jest gotowy położyć kres swoim zdradom, ale wtedy wynajęty zabójca podobny do Adrasta przychodzi z okrzykiem: „Wróciłem!”

Ogólnie rzecz biorąc, w pudełku Grigoriana można znaleźć wiele aluzji i skojarzeń. Zagadka Clindoru ( Siergiej Bogomołow) rozgrywana na tle muzyki z „Twin Peaks”, wynajęta zabójczyni z nawykami Terminatora, Isabella, postarzała się i straciła ogień (Ekaterina Żyrowa) chodzi w kapeluszu i z manierą a la Nadieżda Krupska...

Młody poseł Keksik nawiązuje do hrabiego Wiśni z niedawnej premiery „Cipollino” (Siergiej Mayboroda).

Złota wstawka, zachwycające wzory. Wzory te można oglądać bez końca.

Ale wtedy pudełko się otwiera – Klindor zostaje zabity, zszokowany Pridaman prosi o uratowanie go…

„To tylko przedstawienie, wszystko na świecie jest iluzją” – ogłasza Konstantin Telegin, zdejmując wymyślny wróżkowy kapelusz. Zamordowany Klindor powstaje, artyści kłaniają się.

Występ dobiegł końca. Pudełko zatrzaskuje się i możesz ponownie zacząć przyglądać się wzorom na wieczku.

Jewgienija Butorina
Fot. Frol Podlesny