Galeria Heritage obchodzi w lutym swoje 7. urodziny wystawą „Soviet Design. Od konstruktywizmu do modernizmu” w Muzeum Architektury: Meble Projektowe Nikolai Lansere, Boris Iofan, Karo Alabyan— teraz nowy profil galerii, która wcześniej specjalizowała się w artystach z Rosji za granicą i ich wystawach, w tym muzealnych, — Andre Lansky, Borys Grigoriew. Właścicielka Heritage opowiedziała, czego jeszcze można się spodziewać po jej galerii – i od niej osobiście.
Dlaczego przestałeś organizować aukcje?
Z dwóch powodów. Po pierwsze, jest to zadanie bardzo pracochłonne i kosztowne. Po drugie, nie mamy jeszcze kultury kupowania na aukcjach. Ja i moi koledzy staramy się zaszczepić coś takiego, ale jest to trudne. Na aukcje chodzą głównie dealerzy, a domy aukcyjne są skierowane do dealerów. Ale wśród ogółu społeczeństwa, nie kolekcjonerów, ale po prostu kupujących, tych, którzy kupują od czasu do czasu, nie weszło to jeszcze w nawyk - odwiedzanie aukcji, pchlich targów, eksperymenty w organicznym łączeniu starego z nowym... Wszyscy są bardzo zależy od ich projektanta. A projektanci mają swoje własne preferencje i zasady. W rezultacie wszystko skutkuje wnętrzami naciąganymi „pod klucz”, które wkrótce stają się moralnie przestarzałe. Kilka lat - i człowiek rozumie, że nie może już w tym żyć. Teraz buduję własne mieszkanie, w którym jest mieszanka wszystkiego. Eklektyzm z zasady – staraliśmy się to wytłumaczyć klientom począwszy od pierwszej wystawy mebli kolekcjonerskich tutaj w Moskwie (wystawa z udziałem znanych paryskich galerii Didier Aaron I Yves Gastou rozciągał się na przełom XVIII i XX w., od r Jean-Francois Ebena Do Ettore Sottsassa. — TANR). Będę więc mieć meble skandynawskie z lat 60., sztukę radziecką, rosyjską, nowoczesną i nie taką nowoczesną.
Ale sztuka współczesna to dla Ciebie nowy obszar działania.
To osobny projekt, w którym pełnię bardziej funkcję menadżera artystycznego. Jest kilku rosyjskich artystów, których, że tak powiem, chcę zintegrować w kontekście międzynarodowym – dla mnie to ciekawe zadanie, powód, aby sięgnąć po sprawdzone, znane technologie. Zobaczymy, co z tego wyniknie. Póki co mam dwa oddziały. Aleksiej Morozow Lubię go, bo ma szkołę, ale ma też mundurek akademicki współczesny dotyk: pomimo akademizmu jego sztuka nie przypomina salonu. Bardzo lubię Morozowa i jestem gotowy go nadzorować Aleksandra Romaniniego, który zrobił więcej niż jedną wystawę Botero, w tym tę z ostatniej rocznicy. W przygotowaniu jest zwiedzanie: najpierw wystawa Morozowa w Narodowym Muzeum Archeologicznym w Neapolu w grudniu 2015 r., następnie w marcu 2016 r. w Moskwie w MMOMA na Gogolewskiego. Prowadzimy negocjacje z Wenecją – podczas Biennale chcemy zaprezentować marmurową rzeźbę Morozowa na jednym z placów miasta.
Inny artysta - Oksana Mas. Oksana jest osobą kreatywną. Trafiła do mnie, gdy zdała sobie sprawę, że realizacja jej projektów wymaga pracy całego zespołu. Jeden z jej Ołtarz ile to jest warte (pokażemy to w marcu w Parku Gorkiego)! Zainteresował się nią kurator i krytyk sztuki Żanet Zwingenberger, która widziała jej prace kilka lat temu, od tego czasu ją obserwuje, a teraz zamierza napisać monografię o Oksanie. Oksana jest także w trasie: wystawa Uczucie Światła odbędzie się w Baku od 5 lipca do 5 września, następnie w Astanie, Berlinie, a teraz negocjujemy w sprawie Stambułu.
Ale to nie jest galeria, to jestem ja; Galeria ma jeszcze pewne ograniczenia formatu. Galeria zajmuje się artystami z rosyjskiej diaspory oraz designem kolekcjonerskim. A ja, jak każdy człowiek, chcę się rozwijać. Aby to zrobić, potrzebuję perspektyw, w których nie będę już występować jako galeria, ale jako Christina.
A jeśli wybierzesz jedną rzecz, co byś wybrał?
Oczywiście na designie. Ale dlaczego? Zdecydowałem, że stać mnie na kilka niepowiązanych ze sobą projektów. Na Zachodzie jesteśmy znani jako galeria zajmująca się designem; projektowanie kolekcji - w Rosji jest to nisza, w której staliśmy się pionierami; Galeria zgromadziła znaczącą kolekcję, w skład której wchodzą unikaty, od konstruktywizmu po modernizm - za kilka lat kolekcja ta może stać się muzeum. W Moskwie i w Rosji nadal jesteśmy znani głównie z tego, że jesteśmy zaangażowani w rosyjską diasporę: wykonaliśmy wiele wartościowych projektów na poziomie muzealnym, współpracujemy z muzeami, należymy do stowarzyszenia przyjaciół Muzeum Rosyjskiego , mamy swoich kolekcjonerów, których zbiory utrzymujemy i uzupełniamy o nowe dzieła, radzimy... Ale na 7-lecie galerii chcę zrobić w Muzeum Architektury wystawę poświęconą specjalnie wzornictwu - retrospektywę sowieckiej design, obejmujący niemal wszystkie kierunki w tym obszarze, historyczną wycieczkę zaczynającą się od mebli Borys Iofan dla Government House i zakończył się w latach sześćdziesiątych XX wieku. Pracując nad katalogami, zwłaszcza na targi międzynarodowe, zdałem sobie sprawę, że oprócz informacji czysto technicznych i towarzyszących, wszystkich zawsze interesują informacje ogólne. Pomyślałem, że potrzebny jest program edukacyjny. Pojawił się pomysł, aby zrobić film dokumentalny, w którym można przedstawić epokę właśnie poprzez rzeczy - poprzez rzeczy spektakularne, rzeczy pompatyczne, rzeczy tragicznie umierające i zapomniane... Chcę zrobić film tak poważny, aby można było wziąć udział w filmie dokumentalnym festiwal z nim np. Planuję pokazać film w Bazylei latem – na luty nie mamy czasu.
Nie pojechałeś do Bazylei zeszłego lata...
...Ale w przyszłym roku jedziemy. Jeśli sytuacja polityczna na to pozwala. Mamy specyficzny materiał - radziecki projekt. A wyjazd do Europy z sowieckimi meblami propagandowymi, jak widzisz, byłby teraz absurdalny. Więc odmówiliśmy. Organizatorzy byli oburzeni. Mówili, że krąg zainteresowanych nami już się utworzył, a dla organizatorów taka sytuacja, gdy galeria uczestniczy przez trzy lata, a potem nagle nie uczestniczy, jest niejasna, sztuka powinna być poza polityką i poza granicami . Oczywiście – ale co ze sztuką o treści politycznej? Targi w Bazylei cieszą się wówczas szerokim zainteresowaniem mediów. Kto o nas nie pisał: Tapeta, Guardian, Daily Telegraph! Teraz pojawia się pytanie, po co to wszystko robić i zabierać to do Bazylei, wiedząc z góry, że ryzykujesz zaprogramowaną negatywną reakcją na wszystko, co rosyjskie? Wcześniej miałem doskonałą reputację – nie chciałem jej zepsuć.
Ale czy zamierzasz nadal promować radziecki design w Design Miami?
Niedawno podczas kolacji we Włoszech moi kolekcjonerzy powiedzieli mi, że lata 50. i 60. są tak fajne, że nigdy nie zrezygnuję z tego tematu. Rema Koolhaasa skontaktował się z nami, gdy byliśmy w Bazylei, ponieważ właśnie pracował nad jednym z przyszłych pomieszczeń Garażu, powstałym w odpowiednim czasie. Ale nie ograniczamy się tylko do tego okresu. Tyle, że rzeczy z lat 20., 30., 40. są rzadsze i bardziej kolekcjonerskie, tak to ujmę; chociaż z lat 60. też niewiele zostało. Jednak zapotrzebowanie na te rzeczy jest większe niż kiedykolwiek wcześniej i rzeczywiście wydaje się, że ta era znów staje się aktualna. Nasz materiał przyciąga muzea. Zaprzyjaźniłem się z Muzeum Sztuki Dekoracyjnej w Nowym Jorku, które niedawno stało się oddziałem Smithsonian Institution; wykazali zainteresowanie wspólnymi wystawami: ich kierownik działu wystaw, zastępca dyrektora, zajmuje się tekstyliami propagandowymi. Dziękuję Craiga Robinsa, założyciel i współwłaściciel Zaprojektuj Miami, co dało rosyjskiej galerii możliwość pokazania radzieckiego wzornictwa na takich targach - i odpowiedniego zadeklarowania się.
Skąd wziął się pomysł pracy na meblach radzieckich?
Pomysł pojawił się w chwili, gdy to zauważyłem, pilnie uczestnicząc Zaprojektuj Miami z roku na rok udział najmodniejszego, najdroższego, najbardziej poszukiwanego stylu Art Deco zaczął spadać, stopniowo ustępując miejsca meblom z lat 50. i 60. XX wieku. Plus gdzieś grały wspomnienia z sowieckiego dzieciństwa. Craig Robins zabrał mnie kiedyś na stoisko galerii zajmującej się skandynawskim designem i kiedy zobaczyłem te minimalistyczne, ascetyczne meble, ze zdziwieniem dowiedziałem się od właściciela galerii, że właśnie od niego kupiłem całe stoisko Roman Abramowicz. Tak, kolekcjonerów jest niewielu, ale są. Tyle, że niewiele osób wie, że Abramowicz ma dom, wyposażony w zabytki w stylu lat 30. XX wieku. Co kupił Abramowicz? Boczek- oni to wiedzą.
Miałeś nie tylko sprzedawać meble kolekcjonerskie, ale najwyraźniej także je produkować.
Kiedy rok temu o tym mówiłem, wierzyłem, że do tej pory będziemy w nieco innym momencie, niż się znaleźliśmy. Nadal pielęgnuję pomysł odtworzenia radzieckich projektów, jednak projekt nie został jeszcze uruchomiony. Co jest dobrego w replikach: nie każdy jest gotowy na zakup starych, zabytkowych mebli – nawet odrestaurowanych i ponownie tapicerowanych krzeseł, ale wciąż w przyzwoitym wieku – a replika to inna sprawa. Nie wymyśliłem koła na nowo, ale zaledwie kilka lat temu w galerii w Paryżu Yves Gastou Widziałem powtórki Ettore Sottsassa, edycja limitowana. Ewelina Chromczenko powiedział: „Będę Twoim pierwszym klientem repliki”. I nie jest sama. Czy będzie produkowany tutaj, czy za granicą? Biorąc pod uwagę obecne realia, najprawdopodobniej tutaj.
Ale bez odtwarzania radzieckiej jakości?
Mówisz o materiałach? Tak, jakość spadła i większość mebli z tamtych czasów została później wyrzucona właśnie z tego powodu. Ale materiały źródłowe były normalne. Kiedy więc zaczęliśmy studiować ten okres Jurij Wasiljewicz Słuczewski(86-letni profesor wydziału mebli, zasłużony artysta Jurij Słuczewski nadal prowadzi główny kurs „Projektowanie mebli” w Moskiewskiej Państwowej Akademii Sztuki i Nauki im. S. G. Stroganowa. - TANR) opowiadał o wystawach w WDNKh pod koniec lat pięćdziesiątych - na początku lat sześćdziesiątych, kiedy w warsztacie doświadczalnym Stroganówki wykonywano prototypy - z wysokiej jakości, trwałych materiałów. W produkcji masowej używano oczywiście innych materiałów. Prototypy zostały rozesłane do daczy i mieszkań.
31 marca kończy się jej praca, poświęcona ósmej rocznicy Galerii Dziedzictwa. Dziś ta galeria jest jedyną w Rosji zajmującą się kolekcjonerskim wzornictwem zachodnim i sowieckim.
Właścicielka „Dziedzictwa” Kristina Krasnyanska opowiedziała redaktor naczelnej „365” Yany Kharina, na czym polega fenomen sowieckiego modernizmu, co jest dobrego w „Chruszczowach” i czy meble z lat 60. będą miały wartość kolekcjonerską.
Spacerując po wystawie, zdałem sobie sprawę, że wiele tutejszych rzeczy było mi boleśnie znanych. Dla kogo przeznaczona jest ta wystawa: dla osób zaznajomionych z sowieckim designem, czy dla tych, którzy nie mieli czasu się z nim zetknąć?
Mamy obszerną wystawę. Oczywiście przeznaczony jest dla obu typów gości. Z jednej strony jest to interesujące dla ludzi, którzy byli otoczeni sytuacją sowiecką. Z drugiej strony ma charakter edukacyjny dla młodszej publiczności, a jednym z głównych celów naszej wystawy jest przełamanie schematów. Pokazywanie tego, co sowieckie, nie jest sposobem sowieckim.
To nie przypadek, że kilka lat temu galeria skupiła się na sowieckim designie: jest wiele znanych rzeczy, nazwisk, które są znane nie tylko na Zachodzie, ale nawet tutaj. Ze względów historycznych usunięto stronę z kontekstu naszej historii sztuki. Istnieje cała plejada wykwalifikowanych architektów, rzeźbiarzy, projektantów, znanych dziś bardzo wąskiemu kręgowi specjalistów. Pojęcie „projektu radzieckiego” jest bardzo szerokie. Awangardowi artyści zwrócili się w stronę projektowania, każdy próbował coś zrobić. Jednak do dziś nie zachował się ani jeden egzemplarz awangardowego projektu. Ale zachowały się rzeczy z późnej awangardy i konstruktywizmu, m.in. Boris Iofan (jeden z czołowych przedstawicieli architektury stalinowskiej. - Dopisek „365.”) W naszej kolekcji znajduje się jedno krzesło z „Domku na Nabrzeżu”. Resztę można zobaczyć w muzeach.
Czym właściwie jest „radziecki modernizm”?
Mówimy o najnowszym stylu w historii radzieckiego wzornictwa - modernizmie. Oficjalnie pochodzi z lat 1955-85. Kiedy przypomnimy sobie, czym jest radziecki modernizm, pojawia się odniesienie do wielkiej architektury. Na przykład do tego samego niefortunnie zburzonego hotelu Rossija, który był jednym z najjaśniejszych obiektów sowieckiego modernizmu. Styl ten narodził się po śmierci Stalina, kiedy przyszedł kolejny rząd, nowy kult jednostki. Jednocześnie nastał zupełnie niezwykły dla ZSRR okres - tzw. „odwilż”, kiedy „żelazna kurtyna” lekko się otworzyła i przybył do nas strumień świeżego zachodniego wiatru. Przełomem był VI Światowy Festiwal Młodzieży i Studentów w 1957 roku, na który specjalnie Picasso wykonał „Gołębicę Pokoju”.
Co jest prezentowane na wystawie?
Na naszej wystawie prezentujemy nie tylko design, ale także fotografię, malarstwo, designerskie szkło, brąz i porcelanę. Zadaniem kuratorów było pokazanie, jak te rzeczy w swojej estetyce wpisują się w to, co działo się na Zachodzie. Wraz z zakończeniem II wojny światowej zaistniała pilna potrzeba ponownego zasiedlenia mieszkań komunalnych. Ludzie zaczynają zdobywać własne mieszkania „Chruszczowka”. Ci sami „Chruszczow” to jeden z negatywnych wzorców, z którymi większość ludzi kojarzy ten okres. W rzeczywistości jest to bardzo interesujący styl, który zastąpił styl imperium stalinowskiego. A ci projektanci i architekci, którzy pracowali za Stalina, czuli się niekomfortowo, bo ten styl jest pozbawiony zasad zdobniczych, jest bardziej minimalistyczny, ciężki w formie i ma swoje korzenie w ideach Bauhaza: funkcjonalność, prostota linii, lakonizm, masywność.
Ale dla młodych projektantów było to szerokie pole działania, na którym mogli wyrobić sobie markę i pozostawić po sobie zupełnie nową architekturę. I przez te 30 lat ukształtował się styl taki jak radziecki modernizm, który wpisywał się w modny design lat 50. i 60. na Zachodzie. Nieporęczne meble Stalina nie zmieściły się w nowych kompaktowych mieszkaniach. Pojawia się nowy rozmiar mebli i projektant mebli. Pierwszy projektant tamtych czasów, Yu.V. Sluchevsky, który wprowadził modułowe meble szafkowe, wciąż żyje. Początkowo wywołało to straszliwe oburzenie wśród opinii publicznej. Ale te meble zostały zatwierdzone i wprowadzone na rynek. Styl ten ma z jednej strony uzasadnienie społeczno-ekonomiczne, z drugiej jest to estetyka, która istniała na Zachodzie. To okres abstrakcji, to kultura, która rozwijała się równolegle z oficjalnym socrealizmem.
Czy są jakieś koncepcje lub nazwy, które powinni znać goście wystawy?
Wystawy są po to, żeby coś ludziom powiedzieć. Jeśli ktoś tu przychodzi i wie wszystko, to albo jest ekspertem w tej dziedzinie, albo kolekcjonerem i szuka rzeczy do kupienia. Ogólnie rzecz biorąc, wystawy są tworzone w celu pokazania nowego materiału. Myślę, że był to dla nas trudny projekt: musieliśmy połączyć w naszym kierunku bardzo różne rzeczy i żeby nie powstał jakiś bałagan, trzeba było to odpowiednio wyeksponować. I oczywiście chciałem, żeby rzeczy ze sobą współpracowały. Mamy na wystawie wczesny fragment Oscara Rabina z płonącą Biblią i obok Powstania Ukraińskiego z 1970 roku. To jest rzecz eksperymentalna. Chcemy zmusić, w dobrym tego słowa znaczeniu, do spojrzenia na stare w nowy sposób. Istniała cała plejada utalentowanych ludzi, którzy tworzyli rzeczy całkowicie awangardowe, które idealnie pasowałyby dziś do nowoczesnego zachodniego wnętrza i byłoby zupełnie niezrozumiałe, że robiono to w ZSRR. Dlatego jest to cenne, bo robili to artyści żyjący w stanie zamkniętym. To równoległa estetyka, równoległa kultura.
Czy dobrze rozumiem, że wystawa powstała z myślą o pokazywaniu przedmiotów unikatowych, a nie masowych?
Niewątpliwie . Kiedy zaczynaliśmy pracować nad tym konkretnym okresem, aż do końca lat 50., panowała zasada, że architekci są także projektantami. Zrobili świetną architekturę, zrobili też wnętrza. Boris Iofan projektując Dom na Nabrzeżu stworzył także jego wnętrza. Karo Alabyan, jeden z czołowych projektantów i architektów stylu imperium stalinowskiego, wzniósł nie tylko gmach Teatru Armii Radzieckiej, ale także całe jego wyposażenie. To był całkowicie jego projekt. Dopiero w latach 50. rozpoczął się podział na architektów i projektantów. I oczywiście za każdą rzeczą stoi człowiek, który ją wymyślił. Na naszej wystawie znajdują się wyłącznie oryginalne przedmioty. Dzięki Akademii Stroganowa udało nam się znaleźć autora każdego przedmiotu. Tak, to były grupy projektowe, bo dizajn zaczął ulegać depersonalizacji, ale za każdym przedmiotem stoją ludzie. Jednak nie było to reklamowane; było to niepotrzebne.
Czy te meble mają wartość kolekcjonerską?
Meble z tego okresu są już w modzie. Jestem pewien, że za pięć lat będzie na niego popyt nieco większy niż obecnie. Nie powiem, że ma wartość kolekcjonerską, ale ze względu na to, że zniknie z rynku, będzie jednym z głównych obiektów poszukiwań. Dziś nawet to, co było w masowej produkcji, jest trudne do znalezienia. Rozstali się bezlitośnie: niektórzy zabrali ją na daczę, inni po prostu wyrzucili. Pokazujemy tu rzeczy radzieckie, a nie czeskie, rumuńskie czy NRD.
Meble są odzwierciedleniem epoki. Ale z punktu widzenia dzisiejszego trendu, w obliczu powszechnego zainteresowania w latach 50. i 60., istnieje szansa, aby zobaczyć, co zrobiono tutaj, w ZSRR.
Wystawa nosi tytuł „Wzornictwo radzieckie – fenomen kultury i designu XX wieku”. Co to jest za zjawisko?
Ogólnie rzecz biorąc, koncepcja radzieckiego modernizmu jest definicją fenomenalną. Modernizm to termin kojarzony ze sztuką Zachodu pierwszej tercji XX wieku. Fenomenem radzieckiego modernizmu jest także to, że jest to styl, który można zintegrować z kontekstem międzynarodowym. Są rzeczy absolutnie międzynarodowe, bez podtekstu propagandowego, bez akcentu totalitarnego i propagandy. Rzeczy te z łatwością mogą dorównać obiektom zachodniego designu zarówno w muzeach, jak i ozdobić mieszkania.
Co najbardziej podoba Ci się na wystawie??
Bardzo podoba mi się sofa muszelkowa. Ja oczywiście lubię prace naszych nonkonformistycznych artystów, wspaniałego dyptyku Viktora Pivovarova. On i Ilya Kabakov kupili farbę, która w ogóle nie nadawała się do malowania. Jest to farba techniczna, emalia nitro, dość śmierdząca o sowieckim zapachu. Wykonywali prace na płycie pilśniowej, które od razu stały się obiektami. Zrobiła to w czasie jego „abstrakcyjnego” okresu, o którym niewiele osób wie. A prace Kabakowa, które tu prezentujemy, również powstały w tej technice nitroemalii. Bardzo lubię Erika Bułatowa i Olega Wasiliewa. Wykonany ze szkła – zachwycający dekoracyjny wazon „Elektryfikacja” autorstwa artystki Heleny Põld. Wazon należy do szkła projektanta; takie eksponaty znajdują się tylko w dwóch muzeach. Bardzo podobają mi się rzeźby Nikołaja Silisa i uważam go za radzieckiego Henry’ego Moore’a. Zaskakujące jest to, że estetyka ich dzieł jest bardzo zbliżona, mimo że Silis nie miał pojęcia, że istnieje taki rzeźbiarz jak Henry Moore. Ciekawe, że w tym samym czasie, w różnych częściach świata, zupełnie inni ludzie robili to samo.
Spójrzmy 10-15 lat do przodu. Czy jest możliwość zrobienia wystawy poświęconej designowi lat 90. i 2000.?
Nie, i powiem ci dlaczego. Po 1985 roku produkcja krajowa praktycznie zanikła, wszystko zastąpił import. W tym momencie nasza działalność projektowa zostaje zakończona. Lata 90. nie są generalnie najlepszym okresem w najnowszej historii; w ogóle nie wyprodukowano zbyt wiele.
A teraz?
Niestety nie. Prawdopodobnie w Akademii Stroganowa są utalentowani studenci, którzy dobrze radzą sobie z egzaminami końcowymi. Ale to nie idzie dalej. Moim marzeniem jest stworzenie grupy projektantów, którzy stworzyliby rzeczy wartościowe, posiadające własną osobowość, godne pojawienia się w Bazylei.
Od 21 lutego do 30 kwietnia w moskiewskiej galerii "Dziedzictwo" odbędzie się wystawa „Postkonstruktywizm, czyli narodziny radzieckiego Art Deco: Paryż – Nowy Jork – Moskwa”, rysując podobieństwa i szukając skrzyżowań i wpływów w sztuce, architekturze i designie w Rosji, Ameryce i Francji w latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku. Wystawą tą galeria świętuje swoje 10-lecie, w przededniu którego założyła swoją założycielkę Krystyna Krasniańska rozmawiała z ARTANDHOUSES o różnicach między kolekcjonerami a inwestorami, wierze w przekaz ustny i korzyściach płynących z konsultantów ds. sztuki.
W ostatnich latach zrealizowałeś kilka projektów muzealnych w Rosji, ale wieści o pracy galerii docierały głównie z zagranicy – o udziale w. Dlaczego?
Był okres, kiedy projektów było dużo – brałem na siebie wszystko i ważne było dla mnie, żeby stale prowadzona była aktywna działalność wystawiennicza. Obecnie jest to mniej istotne z kilku powodów. Z biegiem czasu ilość jednak przekształca się w jakość i nie można już chwytać się wszystkiego. Wykonujemy dość skomplikowane projekty, które wymagają dość długich przygotowań, w szczególności związanych ze zgromadzeniem materiału. Dlatego robienie ich dużo i często po prostu nie wychodzi, a mnie nie interesuje robienie czegoś prostego.
Tak się złożyło, że działalność galerii z skupienia się na rosyjskich artystach za granicą – choć podkreślam, że nie zapominamy o tym kierunku i włączamy prace na wystawy – płynnie przeniosła się na temat radzieckiego wzornictwa. Jednak najnowsze wystawy mają jednak znacznie szerszy zakres: obejmują nie tylko design, ale także malarstwo, grafikę i architekturę. Podoba mi się, że są bogate i eklektyczne, i widzę, że ten nurt wystawienniczy wspierają inni. Bo mając taką wystawę, można zobaczyć nie tylko coś wyrwanego z kontekstu, ale cały kontekst na raz.
Dlatego podążając za trendami zacząłeś współpracować ze współczesnymi artystami?
Oczywiście, odpowiednia galeria musi mieć określoną tematykę, ale mimo że koncentrujemy się na pierwszej połowie XX wieku, chętnie wspieram współczesnych artystów. Niektórym pomagam nawet w promocji na Zachodzie: przed rokiem nadzorowałem projekt rzeźbiarza Aleksieja Morozowa w Muzeum Archeologicznym w Neapolu. A w zeszłym roku była współkuratorką wystawy Oksany Mas w Muzeum MAGA pod Mediolanem, gdzie jej prace znalazły się na wystawie mistrzów arte povera – Fontany, Castellani i innych. Swoją drogą patronami tego muzeum jest rodzina Missoni, a ja mam teraz pomysł, żeby zrobić wystawę o ich domu mody w Moskwie.
Williama Kleina
„Tatiana, Mary Rose i wielbłądy, piknik, Maroko”
1958
Twoja galeria ma dziesięć lat. Czy uważacie, że to dużo czy mało jak na galerię w Rosji?
Biorąc pod uwagę uwarunkowania rynkowe i polityczne, wydaje mi się, że jest to przyzwoite. W kontekście globalnym to oczywiście nie wystarczy, ale w naszym kontekście rosyjskim wystarczy. Szczególnie pamiętając, że w tym czasie przeżyliśmy kilka kryzysów.
Jak Twoja galeria przetrwała kryzysy?
Pierwszy z nich jest bardzo łatwy. Dotknęło to raczej międzynarodowe domy aukcyjne, bo kryzys był naprawdę globalny, a ludzie nie chcieli dawać rzeczy na publiczną sprzedaż. Drugie jest trudniejsze, bo związane z naszymi kolekcjonerami, z naszymi wydarzeniami politycznymi i gospodarczymi. Nastąpiła więc swego rodzaju rotacja: ludzie, którzy z jakiegoś powodu aktywnie kupowali sztukę, przestają kupować, ale pojawiają się nowi nabywcy. Nasza działalność jest tak skonstruowana, że galeria musi być organizmem elastycznym i dostosowywać się do okoliczności. Zawsze interesowało mnie zachowanie równowagi pomiędzy aspektem komercyjnym i kuratorskim.
Pamiętam, że kilka lat temu narzekałeś na brak dyrektora artystycznego w galerii. Znalazłeś to, czy nadal robisz wszystko sam?
Niestety, sam nadal nią jestem, chociaż regularnie myślę o pojawieniu się takiej osoby.
Wracając do przeszłości... Masz wykształcenie ekonomiczne i historię sztuki. Czy celowo kształciłaś się na historyka sztuki, aby później otworzyć galerię?
Tak. Potem pracowałam już z przyjaciółmi w jednej prywatnej, zamkniętej galerii. Specjalizowała się w malarstwie klasycznym, a wraz z moim przybyciem zaczęli zajmować się sztuką współczesną. To był wspaniały czas! Takie pole manewru, gdzie mogłam przestudiować jak galeria i ten biznes w ogóle działa od środka. W pewnym momencie doszło tam nawet do sytuacji, że musiałam aktywnie zająć się sprzedażą i zarządzaniem sprawami finansowymi galerii. Więc to była taka dobra szkoła.
Iba Kofoda Larsena, fotel, 1950 / Borge Mogensena, kanapa, 1962
Dlaczego zdecydowałeś się początkowo stworzyć zamkniętą galerię?
Po prostu nie wierzę, że mamy kolekcjonerów spacerujących ulicami i zaglądających do okien. Wydaje mi się, że w naszym kraju temat kolekcjonowania jest nadal zamknięty, a najlepiej sprawdza się tutaj „poczta pantoflowa”, ugruntowany autorytet wśród kolekcjonerów, gdy wracają do Was i polecają. To chyba najlepsza reklama.
Czyli sami właściciele naszych galerii nadal podtrzymują aurę elitarności w kolekcjonowaniu i tworzą wokół siebie jakąś magię?
Wierzę, że kolekcjonowanie to magia. A ja zawsze powtarzam, że klub kolekcjonerów to klub zamknięty i tak naprawdę dorobek elity. Bo nie wystarczy mieć dużo pieniędzy i możliwość zakupu drogich dzieł sztuki, nie wystarczy też po prostu czytać książki, chodzić na wystawy i targi, czy zdobyć jakieś specjalne wykształcenie. W końcu zrozumcie, że nie wszyscy ludzie są gotowi i nie wszyscy są zarażeni tym duchem gromadzenia się. Nawet ci, którzy coś kupują, niekoniecznie stają się kolekcjonerami. Prawdziwi kolekcjonerzy to bardzo skomplikowani ludzie. I, szczerze mówiąc, w pewnym sensie nawet obsesję. Żyją tym i postrzegają sztukę zupełnie inaczej. Bo sztuka jest kategorią warunkową. Nie należy do artykułów pierwszej potrzeby, nawet do nich towary luksusowe jak luksusowy samochód, duże diamenty, jacht czy dom na Lazurowym Wybrzeżu. To coś, co trzeba poczuć sercem, coś, na co trzeba mieć „oko” i zasmakować. Tak, zwiedzając wystawy, można zapamiętywać nazwiska i popularne trendy, ale nie każdego interesuje zrozumienie sztuki i kolekcjonowania oraz głębokie zgłębianie jej subtelności. I nie każdy jest do tego zdolny. Dlatego klub tych ludzi, zarażonych „bakcylem” kolekcjonerstwa, którzy lubią się w nim tarzać, którzy zazdroszczą sobie nawzajem zakupów i pilnują rzeczy latami, którzy lubią oddawać swoje dzieła muzeom, aby „żyją” jakimś własnym życiem i zbierają pochodzenie, zamknięte. Aby do niego wejść, nie wystarczy samo posiadanie pieniędzy. Co więcej, istnieją znane kolekcje, w których ludzie nie kupowali dzieł za wygórowane kwoty, po prostu mieli dobry instynkt i wiedzę oraz dobrych doradców.
Właśnie opisałeś postać prawdopodobnie kanonicznego pasjonata kolekcjonera. Okazuje się, że tych, którzy zbierają na cele inwestycyjne, nie uważacie za kolekcjonerów?
Zawsze powtarzam: są nabywcy i są kolekcjonerzy. Kupujący to ci, którzy kupują sztukę do domu, na prezent, czasami pod wpływem emocji, co szczególnie często zdarza się na targach. Są też kolekcjonerzy, inna kategoria, wcale nie mitologiczna. W naszym kraju takich osób jest na przykład dziesięć.
Ci, którzy kupują w celach inwestycyjnych, są po prostu inwestorami. Oczywiście w sztuce jest dużo pieniędzy i wiele osób chce w nią inwestować, aby później uzyskać dodatkowy dochód. Ale żeby to zrobić, trzeba albo bardzo dobrze znać ten rynek, śledzić go nie mniej niż giełdę, albo mieć w pobliżu doświadczonego konsultanta. A najlepiej jedno i drugie na raz. Cóż, ogólnie rzecz biorąc, uważam, że są bardziej dochodowe i mniej ryzykowne rodzaje biznesu niż inwestowanie w sztukę.
Dawno, dawno temu Matthew Stevenson, ówczesny szef rosyjskiego oddziału Christie’s, i ja wygłosiliśmy wykład o tym, jak kolekcjonować, aby sztuka była zawsze płynna. Było pięć podstawowych zasad.
Czy możesz je wypowiedzieć?
Pierwszym z nich jest nazwa. Nie mówimy teraz o inwestycjach w wschodząca sztuka(młoda sztuka), ale mówimy o tym, że ktoś chciałby zainwestować swoje pieniądze i jeśli nie je zwiększyć, to chociaż zaoszczędzić. To powinien być pierwszy rząd nazw.
Po drugie, okres. Ponieważ każdy artysta ma okres rozkwitu, a są mniej interesujące - początek, kiedy jeszcze się nie ukształtował, upadek kreatywności. Ważne jest, aby zrozumieć, że kupujesz najlepszy okres tego autora.
Trzecia to fabuła. Musi istnieć rozpoznawalna fabuła charakteryzująca tego artystę, a dzieło musi mieć wszystkie jego, że tak powiem, sztuczki. Jeśli masz przed sobą dzieło Picassa i nie rozpoznajesz, że to jego ręka, nie ma potrzeby kupować z inwestycyjnego punktu widzenia.
Czwarty to bardzo ciekawy parametr. Istnieje taka koncepcja: siła ściany. Oznacza to, że praca musi być spektakularna. Nawet jeśli jest to np. obraz z późnego Magritte’a, nie z najlepszego okresu, ale jeśli jest spektakularny, to da się go w przyszłości dobrze zrealizować.
I ostatnia kwestia to stan pracy i pochodzenie. Tutaj musisz przyjrzeć się bezpieczeństwu pracy, niezależnie od tego, czy konserwatorzy interweniowali, czy nie. I jego pochodzenie: do kogo należał, gdzie był wystawiany lub w jakiej renomowanej galerii został zakupiony.
Jeśli zastosujesz się do tych prostych zasad, wydaje mi się, że sukces Twojej inwestycji jest gwarantowany.
Davida Duboisa
„Stół z paskami”
2014
Dlaczego więc konsultanci ds. sztuki będą potrzebni?
Cóż, nie jest łatwo zastosować się do tych zasad (śmiech). Trzeba poświęcić mnóstwo czasu na studiowanie zagadnień i to dla każdego artysty z osobna. Aby zdobyć wymaganą ilość informacji, prawdopodobnie będziesz musiał całkowicie odłączyć się od swojej głównej działalności.
Jak powstała nazwa Twojej galerii?
To bardzo proste: chciałam nadać nazwę tak, aby z jednej strony była międzynarodowa, a z drugiej niosła ze sobą znaczenie. A słowo „dziedzictwo” wydawało się uniwersalne, jak mówią, z dobrą karmą.
Zaczynałeś od rosyjskich artystów za granicą, teraz zająłeś się sowieckim designem – tak, całe nasze dziedzictwo. Dlaczego zaczęli tu sprowadzać rzeczy od zagranicznych projektantów?
Już na początku zdawałem sobie sprawę, że w naszym kraju nisza zwana „designem kolekcjonerskim” nie została jeszcze wypełniona. A wiele lat temu zrobiłem wystawę wyłącznie tego typu rzeczy zachodnich. Pokazała tam najlepsze obiekty podręcznikowe, zarówno zabytkowe, jak i z całego XX wieku, współczesnym projektantom Martinowi Basowi i Fabio Novembre. Ciekaw byłem reakcji ludzi, ale w tamtym czasie niewielu było na to gotowych. Dziś na szczęście kilka osób już robi takie rzeczy.
My, szczególnie na tej wystawie z okazji rocznicy galerii, skupiamy się na wzornictwie sowieckim w szerokim kontekście międzynarodowym – staramy się pokazać, jak Ameryka i Francja wpłynęły na ZSRR, co stamtąd do nas przyszło i co jest autentyczne w sowieckim dizajnie.
Aktywnie pokazujesz radziecki design na Zachodzie. Jak reagują lokalni kolekcjonerzy?
Zachodnie muzea są bardzo zainteresowane i prowadzę szereg negocjacji w sprawie wystawienia tego dzieła. Kolekcjonerzy to lubią, ale zachowują ostrożność - za granicą jest bardzo mało literatury na ten temat. Chociaż oprócz rosyjskich odbiorców mamy teraz klientów z Niemiec i Szwajcarii, jednego Francuza z rosyjskimi korzeniami i, mam nadzieję, trochę z Włoch.
Głównym kierunkiem prac Galerii Dziedzictwa jest powrót utraconego dziedzictwa kulturowego Rosji. Od 2011 roku galeria buduje kolekcję oryginalnego wzornictwa zachodniego i radzieckiego. W 2012 i 2011 roku została pierwszą i jedyną rosyjską galerią zaproszoną do udziału w Design Miami / Basel. Lutowa wystawa w Muzeum Architektury „Soviet Design. Od konstruktywizmu do modernizmu 1920 - 1960” to owoc wspaniałej pracy kuratorskiej. Po raz pierwszy w historii wystawa prezentuje widzom w całości nie tylko radzieckie wzornictwo, ale także zabytkowe przedmioty o jakości muzealnej.
Kristina Krasnyanskaya, krytyczka sztuki, kolekcjonerka, właścicielka i dyrektor artystyczna międzynarodowej galerii sztuki „Heritage”, kuratorka projektu wystawienniczego „Soviet Design. Od konstruktywizmu do modernizmu 1920-1960”.
Christina, proszę opowiedzieć naszym czytelnikom o koncepcji kuratorskiej. Jaka jest główna koncepcja projektu?
W pięciu salach amfiladowych muzeum prezentowanych jest łącznie około dwustu elementów wyposażenia wnętrz, w tym mebli, tworzyw sztucznych, naczyń, tkanin itp. Konceptualną decyzją kuratorską podzieliliśmy wystawę na style i kierunki: pięć sal – pięć epok – pięć stylów. Kiedy początkowo zaczynaliśmy pracę nad projektem, zetknąłem się z faktem, że w zasadzie na Zachodzie, poza rosyjską awangardą i sowieckim konstruktywizmem, nikt nic nie wie o sowieckim dizajnie. Jednak to samo, niestety, w dużej mierze dzieje się tutaj. Niestety tak jest skonstruowana nasza mentalność; kiedy zmieniliśmy, jak mówią, kamienie milowe, wszystko zostało zniszczone, wszystkie materialne zabytki poprzedniej epoki. Niewiele pozostałości po dziedzictwie zwanym projektem sowieckim. Architektura miała więcej szczęścia. W ciągu tych czterech lat pracy nad projektem zupełnie niespodziewanie dla siebie odkryłam całą warstwę stylów, epok i trendów. Niektóre istniały równolegle. Niektórzy zastąpili się nawzajem. Nasza wystawa ma absolutny nacisk historyczny i kulturowy.
Gdzie zaczyna się wystawa?
Wystawę rozpoczyna sala poświęcona konstruktywizmowi. Oto rzadkie przykłady mebli zaprojektowanych przez Borisa Iofana do jego słynnego „Domku na nabrzeżu” (1927-1931), w którym architekt całkowicie zaprojektował wszystkie wnętrza. Prezentowane są tu także meble propagandowe z lat 30. XX w., np. zestaw zaprojektowany przez architekta Igora Krestowskiego dla smoleńskiego domu komunalnego „Chleb Komunizmu”. Naturalnie wszystkie style i trendy mają związek z procesami zachodzącymi w państwie. Jak to mówią, z piosenki nie da się usunąć słów. Pojawienie się nowej osobowości, zmiana kursu, zawsze miały wpływ na życie codzienne, architekturę i design. Teraz meble propagandowe stały się rzadkością, a na wystawie znalazło się kilka autentycznych przedmiotów z Izby Gmin - wielki sukces! Przedmioty prezentowane w projekcie pochodzą nie tylko ze zbiorów naszej galerii, ale także ze zbiorów prywatnych i muzealnych, m.in. Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej oraz Muzeum Architektury. W MUARE przeprowadziliśmy, jak to się mówi, rekonesans i znaleźliśmy bardzo ciekawe rzeczy, na przykład zdjęcia.
Sofa z zestawu mebli "Chleb Komunizmu". Igor Krestovsky i Artel „Leninets” – 1937
Druga sala?
Druga sala poświęcona jest sowieckiemu Art Deco. Styl Art Deco, jego radziecka wersja, ma swoje korzenie w konstruktywizmie. Są tu doskonałe przykłady, np. meble wykonane w latach 30. XX wieku według projektu Nikołaja Lanceraya dla Muzeum V.I. Lenina w
Leningrad, mieszczący się w Pałacu Marmurowym. Co szczególnie ciekawe, Lanceray zaprojektował ten zestaw mebli, siedząc w Gułagu, w „szaraszce”, w „Specjalnym Biurze Projektowo-Technicznym”. W tej sali znajdują się także wspaniałe przykłady sowieckiej propagandy Wedgwooda, co jest bardzo interesujące.
Trzeci pokój?
W trzecim pokoju znajdują się wspaniałe elementy wystroju z lat 30., takie jak lodówka. Dziś trudno zrozumieć, że jest to lodówka. Nawiasem mówiąc, ta lodówka ma nawet napis, że została przedstawiona pewnemu funkcjonariuszowi ochrony Morozowowi. W tym samym pomieszczeniu prezentowane są także rysunki ulubionego architekta-projektanta Stalina, Borysa Smirnowa.
Czwarta sala?
W tym pokoju panuje styl imperium sowieckiego. Tutaj sprawy Karen Alabyan, twórczyni Teatru Armii Czerwonej, ukazują się w całej okazałości. Meble w stylu imperium stalinowskiego pokazane są także w unikatowych egzemplarzach: przekształcającym się krześle i radiu, które zostały wykonane na zamówienie Leningradzkiego Teatru Opery i Baletu Kirowa (Teatru Maryjskiego) jako prezent dla Michaiła Iwanowicza Kalinina. Rzeczy są różne, ciekawe, a wszystko to okraszone grafiką i zdjęciami.
Radiola. 1940
A ostatnia, piąta sala?
Ostatnia sala poświęcona jest coraz popularniejszemu, modnemu obecnie sowieckiemu modernizmowi i funkcjonalizmowi lat 60. XX wieku. Tematem przewodnim jest tutaj przestrzeń. To czas lakonicznych, funkcjonalnych mebli, które miały być wbudowywane w budynki Chruszczowa. Radziecki modernizm, reprezentowany przez dzieła projektantów z lat 50. i 60. XX wieku
lat kontynuował tradycje awangardy. Przykładem są rysunki mebli Jurija Słuczewskiego, z jego oryginalnym systemem modułowym regulującym wysokość i szerokość konstrukcji, nastawionym na rozwój człowieka.
Ściśle współpracując z Akademią Strogonowa, z Jurijem Słuczewskim, który pod koniec lat pięćdziesiątych miał eksperymentalną produkcję w Strogonowce, wyraźnie widzieliśmy, jak w okresie odwilży projektanci inspirowali się awangardą lat 10. i 20. XX wieku. Z pewnością była ciągłość! Taka jest koncepcja.
Regał (lata 60., dąb, 125x90x24 cm, z gamy mebli wykonanych specjalnie dla modelowego mieszkania w moskiewskiej dzielnicy Cheryomushki)
Co jeszcze można powiedzieć o wystawie, w tym o jej rozwiązaniu projektowym?
Wystawę łączy jedno rozwiązanie artystyczne. Na podłodze umieściliśmy suprematystyczne figury z dywanu, które łączą wszystkie pięć pomieszczeń we wspólną kompozycję. Ekspozycja koncentruje się oczywiście na meblach, choć nie brakuje także Palech, porcelany, szkła i tekstyliów propagandowych. Ale głównym bohaterem są oczywiście meble. Przedstawiamy unikatowe, kolekcjonerskie przedmioty, które w dzisiejszych czasach niezwykle trudno znaleźć. To designerskie meble. To wielka rzadkość, mająca pochodzenie i historię. Aby ułatwić widzom oglądanie wystawy, wydaliśmy przewodnik.
Jak przydatna jest wystawa dla profesjonalistów?
Jest to bardzo przydatne dla projektantów, architektów i dekoratorów. Niszczy białą plamę w historii rosyjskiego designu. Wystawa to prawdziwe źródło inspiracji, zrozumienia podstaw... Muszę przyznać, że nasi klienci w końcu nie boją się już starych rzeczy we wnętrzach. A wystawa po raz kolejny się do tego przyczynia. Tętniące życiem wnętrze to wnętrze eklektyczne, w którym krzesła z różnych epok stoją obok sztuki współczesnej i zabytkowej komody. Gdybym specjalizował się we wnętrzach, jak dekorator, tworzyłbym właśnie takie wnętrza, ze szczególnym uwzględnieniem sowieckiego wzornictwa.
Nikołaj Lansere. Fotel. 1932
Christina, powiedz mi, jak zaczęła się Twoja kolekcja projektów do galerii? To zawsze interesujące.
Muszę powiedzieć, że zebraliśmy już kolekcję dla małego, ale wysokiej jakości muzeum; zbieraliśmy ją przez cztery lata! Wszystko zaczęło się bardzo zabawnie, od Iofana. Kiedy realizowaliśmy projekt poświęcony awangardzie i postawangardzie dla Bazylei, natknęliśmy się na krzesło Iofanowa. Podeszła do naszego stoiska Amerykanka i zaczęła po niej strasznie skakać. Serce mi zamarło, odgrodziliśmy krzesło i zawiesiliśmy napis: nie siadaj! Nie dotykać! nie na sprzedaż! Tak zaczęła się nasza kolekcja. Wszystko wyszło bardzo koncepcyjnie. Krzesło to architektura!
Fotel (
Wystawa odbywa się w Państwowym Muzeum Architektury im. A.V. Szczuszewa. (Enfilada gmachu głównego) do 22 marca.
1 lipca 2013, 12:36Program edukacyjny na Gossipniku trwa) Dziś zaczniemy od Anastazja Ragozina, co często można zobaczyć w felietonach plotkarskich, ale dla mnie osobiście jej działalność była zagadką. Aż do dzisiaj. Napisano o niej w glosie: „właścicielka firmy jubilerskiej (Stephen Webster), a obecnie także wytwórni filmowej”.
Okazało się, że Anastasia to producentka, w której filmach znajdują się filmy Nikołaja Chomerikiego i Iwana Wyrypajewa. Jak sama mówi (z wywiadu dla Sobaki Ru) „nie jest zainteresowana kręceniem filmów mających wyłącznie na celu sukces komercyjny. Jaki jest sens kręcenia filmów z Dmitrijem Dyużewem i Verą Breżniewą, dodawania nazwisk ze względu na kasę i kasę. oceny, czy mam biznes, który przynosi znacznie większe zainteresowanie inwestycjami? Ale dla mnie arthouse nie jest obszarem działalności charytatywnej ani mecenatu. Jestem osobą dość zorientowaną na biznes i znajduję schematy, które pozwalają mi tak formułować budżet aby film nie stał się nierentowny.”
Anastazja była dwukrotnie zamężna. Pierwszy mąż, Cyryl, zginął tragicznie: spadł z lodu, jadąc na skuterze śnieżnym w Zatoce Fińskiej. Cyryl Ragozin
Drugim mężem jest Eduard Boyakov, twórca Złotej Maski i założyciel teatru Praktika, którego rada nadzorcza nadal zasiada Anastasia.
Małżeństwo z Eduardem rozpadło się, ale byli małżonkowie pozostają przyjaciółmi
Nawiasem mówiąc, po rozwodzie z Anastazją Edward przez jakiś czas spotykał się z Ksenią Sobchak: 
Następny na liście Krystyna Krasniańska.
Wiedziałem o niej tylko tyle, że przyjaźniła się z Ksenią Chilingarovą (patrz poniżej). Z czego więc słynie Christina? Google zwraca: „Krytyk sztuki, kolekcjoner sztuki rosyjskiej „złotej” emigracji, dyrektor artystyczny międzynarodowej galerii sztuki „Dziedzictwo, kurator projektów wystawienniczych dotyczących sztuki XX i XXI wieku” oraz „Ekonomista z dyplomem MGIMO, córka właściciela kopalni.”
Ojciec - Georgy Krasnyansky, były współwłaściciel Eurocementu. Mąż - Matvey Urin.
Ciekawa jest historia z moim mężem, piszą o nim: „Były bankier, biznesmen. Do 2005 r. stał na czele Brizbanku, w latach 2009-2010 prawdopodobnie stał się faktycznym właścicielem kilku banków. W 2011 r. został odnaleziony winny zorganizowania chuligańskiego ataku na obywatela Holandii, Jorrita Faassena”. Matwiej Urin
Nie wiem, czy Christina i Matvey są teraz razem.
Teraz kilka słów o przyjaciółce Christiny, Ksenia Chilingarova (ur. 1982). 
Na stronie wiedzą o niej, że jej tata jest słynnym polarnikiem. To był koniec osiągnięć dziewczyny (na razie). Czym jeszcze Ksenia zasłynęła poza zasługami ojca dla Ojczyzny?
Ksenia jest podpisana jako „dziennikarka”. W Internecie znalazłem następujące informacje:
Ksenia uzyskała wykształcenie wyższe na Wydziale Dziennikarstwa Międzynarodowego Uniwersytetu MGIMO rosyjskiego Ministerstwa Spraw Zagranicznych
W 2007 roku ukazał się jej pierwszy zbiór pięknych wierszy, któremu nadała nazwę „Reflection”
W przyszłości Ksenia marzy o napisaniu własnej książki
Jest dyrektorem PR Lublu by Kira Plastinina (ale nie jestem pewna, czy nadal jest aktywna, czy już nie)
Przykład artykułu naszej bohaterki (o zegarkach wysadzanych diamentami, jeśli pamiętacie, kiedyś o tym rozmawialiśmy).
Mąż (były?) wirtuoz skrzypiec Dmitry Kogan
To tyle na dzisiaj, do zobaczenia na antenie :)
Zaktualizowano 01.07.13 14:26:
Dodam kilka wiarygodnych informacji:
Christina jest od dawna rozwiedziona, Ksenia pisze dla Elle i jest „dyrektorem-ambasadorem” galerii Krasnyanskaya, właściwie są partnerami. Ponadto Chiligarova od 4 lat jest dyrektorem niezwiązanym z PR w Kira Plastinina.
