Istnieje przesąd, że namalowanie portretu może przynieść nieszczęście modelce. W historii malarstwa rosyjskiego było kilka znanych obrazów, które zyskały mistyczną reputację.

Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r. Ilja Repin

Ilya Repin miał reputację „śmiertelnego malarza”: wielu z tych, których portrety namalował, zmarło nagle. Wśród nich są Musorgski, Pisemsky, Pirogov, włoski aktor Mercy d'Argento i Fiodor Tiutchev.

Najciemniejszy obraz Repina jest rozpoznawany jako „Iwan Groźny zabija swojego syna”. Ciekawostka: nadal nie wiadomo, czy Iwan IV zabił swojego syna, czy też legendę tę rzeczywiście ułożył poseł Watykanu Antonio Possevino.

Obraz zrobił przygnębiające wrażenie na zwiedzających wystawę. Odnotowano przypadki histerii, a w 1913 malarz ikon Abram Bałaszow rozerwał obraz nożem. Później został uznany za szaleńca.

Dziwny zbieg okoliczności: artysta Myasoedov, z którego Repin namalował wizerunek króla, wkrótce prawie zabił swojego syna Iwana w przypływie gniewu i pisarza Wsiewołoda Garszyna, który został kwoka dla carewicza Iwana oszalał i popełnił samobójstwo.

„Portret MI Lopukhiny”. Władimir Borowikowski

Maria Lopukhina, pochodząca z rodu hrabiego Tołstoja, została modelką artystki w wieku 18 lat, niedługo po ślubie. Niezwykle piękna dziewczyna była zdrowa i pełna sił, ale zmarła 5 lat później. Po latach poeta Polonsky napisał „Borovikovsky uratował jej piękno ...”.

Krążyły pogłoski o związku obrazu ze śmiercią Lopukhiny. Narodziła się miejska legenda, że ​​długo nie można patrzeć na portret - ucierpi smutny los „modelki”.

Niektórzy twierdzili, że ojciec dziewczynki, mistrz loży masońskiej, zawarł na portrecie ducha swojej córki.

Po 80 latach obraz został nabyty przez Tretiakowa, który nie bał się reputacji portretu. Dziś obraz znajduje się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej.

"Nieznany". Iwan Kramskoj

Obraz „Nieznany” (1883) wzbudził duże zainteresowanie petersburskiej publiczności. Ale Tretiakow kategorycznie odmówił zakupu obrazu do swojej kolekcji. Tak więc „Nieznajomy” rozpoczął swoją podróż przez prywatne kolekcje. Wkrótce zaczęły się dziać dziwne rzeczy: pierwszego właściciela porzuciła żona, dom drugiego spłonął, trzeci zbankrutował. Wszystkie nieszczęścia przypisywano fatalnemu obrazowi.

Sam artysta nie uniknął kłopotów, wkrótce po namalowaniu obrazu zginęli dwaj synowie Kramskoya.

Obrazy zostały sprzedane za granicę, gdzie nadal przynosiła właścicielom tylko nieszczęścia, aż płótno wróciło do Rosji w 1925 roku. Kiedy portret trafił do kolekcji Galerii Trietiakowskiej, nieszczęścia ustały.

"Trójka". Wasilij Pierow

Pierow przez długi czas nie mógł znaleźć opiekunki dla centralnego chłopca, dopóki nie spotkał kobiety, która podróżowała przez Moskwę na pielgrzymkę ze swoim 12-letnim synem Wasią. Artystce udało się przekonać kobietę, by pozwoliła Wasilijowi pozować do zdjęcia.

Kilka lat później Pierow ponownie spotkał tę kobietę. Okazało się, że rok po obrazie Vasenka zmarła, a jego matka specjalnie przyszła do artysty, by kupić obraz za ostatnie pieniądze.

Ale płótno zostało już zakupione i wystawione w Galerii Trietiakowskiej. Kiedy kobieta zobaczyła trojkę, upadła na kolana i zaczęła się modlić. Wzruszona artystka namalowała dla kobiety portret syna.

„Pokonany demon” Michaił Vrubel

Syn Vrubela, Savva, zmarł nagle, wkrótce po tym, jak artysta ukończył portret chłopca. Śmierć jego syna była ciosem dla Vrubela, więc skoncentrował się na swoim ostatnim obrazie, Demon Pokonany.

Chęć dokończenia płótna przerodziła się w obsesję. Vrubel kontynuował prace nad obrazem, nawet gdy został wysłany na wystawę.

Ignorując zwiedzających, artysta przyszedł do galerii, wyjął pędzle i kontynuował pracę. Zmartwieni krewni skontaktowali się z lekarzem, ale było już za późno - tasca rdzenia kręgowego sprowadziła Vrubela do grobu, pomimo leczenia.

"Syreny". Iwan Kramskoj

Ivan Kramskoy postanowił namalować obraz oparty na historii N.V. Gogol „Majowa noc, czyli utopiona kobieta”. Na pierwszej wystawie w Stowarzyszeniu Wędrowców obraz zawisł obok pasterskiej książki „Przybyły gawrony” Aleksieja Sawrasowa. Już pierwszej nocy ze ściany spadł obraz „Garry”.

Wkrótce Tretiakow kupił oba obrazy, w biurze zajęło miejsce „Rooks Have Arrived”, a w holu wystawiono „Syrenki”. Od tego momentu służący i domownicy Tretiakowa zaczęli narzekać na żałobne śpiewy, które dobiegały z sali w nocy.

Co więcej, ludzie zaczęli zauważać, że obok zdjęcia doznają załamania.

Mistyka trwała, dopóki stara niania nie poradziła, aby przenieść syreny ze świata na drugi koniec sali. Tretiakow zastosował się do rady i dziwactwa ustały.

„O śmierci Aleksandra III”. Iwan Aiwazowski

Gdy artysta dowiedział się o śmierci cesarza Aleksandra III, doznał szoku i namalował obraz bez rozkazu. Zgodnie z koncepcją Aiwazowskiego obraz miał symbolizować triumf życia nad śmiercią. Ale po ukończeniu zdjęcia Aiwazowski ukrył go i nikomu nie pokazał. Po raz pierwszy obraz został wystawiony na widok publiczny dopiero po 100 latach.

Obraz podzielony jest na fragmenty, płótno przedstawia krzyż, Twierdzę Piotra i Pawła oraz postać kobiety w czerni.

Dziwnym efektem jest to, że pod pewnym kątem postać kobieca zamienia się w roześmianego mężczyznę. Niektórzy widzą w tej sylwetce Mikołaja II, inni widzą Pachoma Andriejuszkina, jednego z tych terrorystów, którym nie udało się zamordować cesarza w 1887 roku.

Niektóre dzieła sztuki jakby uderzając widza w głowę, oszołomiony i niesamowity. Niektóre z nich wciągają w myśl i poszukują warstw semantycznych, tajemnej symboliki. Niektóre obrazy kryją tajemnice i mistyczne tajemnice, a inne zaskakują za wygórowaną cenę.

Malowanie, jeśli nie bierzesz pod uwagę realistów, zawsze była, jest i będzie dziwna. Metaforyczny, poszukujący nowych form i środków wyrazu. Ale niektóre dziwne obrazy są dziwniejsze niż inne.

Oczywiście „dziwne” to dość subiektywny termin., a każdy ma swoje niesamowite obrazy, które wyróżniają się spośród wielu innych dzieł sztuki.

Celowo nie uwzględniliśmy w tej kolekcji Salvador Dali, którego prace całkowicie mieszczą się w formacie tego materiału i jako pierwsze przychodzą na myśl.

1. Edvard Munch „Krzyk”

1893, karton, olej, tempera, pastel. 91x73,5 cm

Galeria Narodowa, Oslo

„Krzyk” jest uważany za przełomowe wydarzenie ekspresjonizm i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.

„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi- słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się wyczerpany i oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem - moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę” – powiedział Edvard Munch o historii obrazu.

Istnieją dwie interpretacje przedstawionego: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przyciskając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na krzyk otaczającego go świata i natury. Munch napisał 4 wersje Krzyku, a jest wersja, że ​​ten obraz jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po kuracji w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.

2. Paul Gauguin „Skąd przyszliśmy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?"

1897-1898, olej na płótnie. 139,1 x 374,6 cm

Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie

Głęboki obraz filozoficzny postimpresjonista Paul Gauguin został napisany przez niego na Tahiti, gdzie uciekł z Paryża. Pod koniec pracy chciał nawet popełnić samobójstwo, ponieważ „wierzę, że to płótno jest nie tylko lepsze od wszystkich moich poprzednich i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego ani nawet podobnego”.

W kierunku samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy rycin ilustrują pytania postawione w tytule. Trzy kobiety z dzieckiem to początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w końcowej grupie, zdaniem artysty, „stara kobieta zbliżająca się do śmierci wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje bezsens słów”.

3. Pablo Picasso „Guernica”

1937, olej na płótnie. 349x776 cm

Muzeum Królowej Zofii, Madryt

Ogromny fresk „Guernica”, napisany przez Picassa w 1937 roku, opowiada o nalocie jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego sześciotysięczne miasto zostało całkowicie zniszczone. Obraz został namalowany w zaledwie miesiąc - pierwsze dni pracy nad obrazem Picasso pracował przez 10-12 godzin i już w pierwszych szkicach można było zobaczyć główną ideę. To jedna z najlepszych ilustracji koszmaru faszyzmu, a także ludzkiego okrucieństwa i żalu.

„Guernica” przedstawia sceny śmierci, przemoc, okrucieństwa, cierpienie i bezradność, bez sprecyzowania ich bezpośrednich przyczyn, ale są oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do paryskiego Gestapo. Rozmowa natychmiast zeszła na obraz. "Czy ty to zrobiłeś?" - "Nie, zrobiłeś to."

4. Jan van Eyck „Portret Arnolfini”

1434, olej na drewnie. 81,8x59,7 cm

Londyńska Galeria Narodowa, Londyn

Portret prawdopodobnie autorstwa Giovanniego di Nicolao Arnolfini a jego żona jest jednym z najbardziej złożonych dzieł zachodniej szkoły malarstwa renesansu północnego.

Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbole, alegorie i różne odniesienia – aż do podpisu „Jan van Eyck tu był”, co przekształciło go nie tylko w dzieło sztuki, ale w historyczny dokument potwierdzający prawdziwe wydarzenie, na którym artysta był obecny.

W Rosji w ostatnich latach obraz zyskał dużą popularność ze względu na portretowe podobieństwo Arnolfini do Władimira Putina.

5. Michaił Vrubel „Siedzący demon”

1890, olej na płótnie. 114x211 cm

Galeria Tretiakowska, Moskwa

Obraz Michaiła Vrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Smutny długowłosy facet wcale nie przypomina uniwersalnych wyobrażeń o tym, jak powinien wyglądać zły duch. Sam artysta mówił o swoim najsłynniejszym obrazie:

„Demon jest nie tyle złym duchem, jak cierpiący i żałobny, przy tym wszystkim duch jest potężny, majestatyczny. To obraz siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, wątpliwości. Z rękami splecionymi tragicznie, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony kwiatami. Kompozycja podkreśla ograniczenie postaci demona, jakby wciśniętego między górną i dolną poprzeczkę ramy.

6. Wasilij Vereshchagin „Apoteoza wojny”

1871, olej na płótnie. 127x197 cm

Państwowa Galeria Tretiakowska, Moskwa

Vereshchagin jest jednym z głównych Rosjan malarzy bitewnych, ale malował wojny i bitwy nie dlatego, że je kochał. Wręcz przeciwnie, starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Kiedyś Vereshchagin, w ogniu emocji, wykrzyknął: „Nie napiszę więcej obrazów bitewnych - wystarczy! Zbyt mocno biorę to, co piszę, wykrzykuję (dosłownie) żal każdego rannego i zabitego. Prawdopodobnie wynikiem tego okrzyku był straszny i urzekający obraz „Apoteoza wojny”, przedstawiający pole, wrony i górę ludzkich czaszek.

Obraz jest napisany tak głęboko i emocjonalnieże za każdą czaszką leżącą w tej kupie zaczyna się widzieć ludzi, ich losy i losy tych, którzy już tych ludzi nie będą widzieć. Sam Vereshchagin ze smutnym sarkazmem nazwał płótno „martwa natura” - przedstawia „martwą naturę”.

Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor symbolizują śmierć i zniszczenie. Czyste błękitne niebo podkreśla martwotę obrazu. Ideę „Apoteozy wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach na czaszkach.

7. Grant Wood „Amerykański gotyk”

1930, olej. 74x62 cm

Instytut Sztuki w Chicago, Chicago

„American Gothic” jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazy w sztuce amerykańskiej XX wieku, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku.

Malowanie z ponurym ojcem i córką pełne szczegółów, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób. Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, ubrania staromodne nawet jak na standardy z 1930 roku, odsłonięty łokieć, szwy na ubraniu gospodarza, które powtarzają kształt wideł, a więc groźba skierowana do każdego który wkracza. Wszystkie te szczegóły można oglądać w nieskończoność i wzdrygać się z dyskomfortu.

Co ciekawe, sędziowie konkursu w Chicago Institute Sztuka postrzegała „gotyk” jako „humorous Valentine”, a mieszkańcy Iowa byli strasznie urażeni przez Wooda za przedstawianie ich w tak nieprzyjemnym świetle.

8. Rene Magritte „Kochankowie”

1928, olej na płótnie

Malarstwo „Kochankowie” („Kochankowie”) istnieje w dwóch wariantach. Z jednej strony całuje się mężczyzna i kobieta, których głowy są owinięte w białą tkaninę, z drugiej „patrzą” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje. Z dwiema postaciami bez twarzy Magritte przekazał tę ideę ślepocie miłości. O ślepocie pod każdym względem: kochankowie nikogo nie widzą, my nie widzimy ich prawdziwych twarzy, a poza tym kochankowie są tajemnicą nawet dla siebie nawzajem. Ale z tą pozorną jasnością nadal patrzymy na miłośników Magritte'a i myślimy o nich.

Prawie wszystkie obrazy Magritte'a- są to zagadki, których nie da się do końca rozwiązać, ponieważ rodzą pytania o samą istotę bytu. Magritte cały czas mówi o zwodniczości widzialnego, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie dostrzegamy.

9. Marc Chagall „Spacer”

1917, olej na płótnie

Państwowa Galeria Tretiakowska

Zwykle bardzo poważna na swoim obrazie Marc Chagall napisał zachwycający manifest własnego szczęścia, pełen alegorii i miłości. „Spacer” to autoportret z żoną Bellą. Jego ukochana szybuje w powietrzu i wygląda na wciągniętą do lotu, a Chagall stoi niepewnie na ziemi, jakby dotykał jej tylko czubkami butów. Chagall ma w drugiej ręce cyca - jest szczęśliwy, ma cyca w rękach (zapewne jego obraz), a na niebie dźwiga.

10. Hieronim Bosch „Ogród rozkoszy ziemskich”

1500-1510, olej na drewnie. 389x220 cm

Prado, Hiszpania

„Ogród rozkoszy ziemskich”- najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha, który swoją nazwę wziął od tematu części centralnej, poświęcony jest grzechowi zmysłowości. Do tej pory żadna z dostępnych interpretacji obrazu nie została uznana za jedyną prawdziwą.

Trwały urok i obcość jednocześnie tryptyk jest sposobem, w jaki artysta wyraża główną ideę poprzez wiele szczegółów. Obraz pełen jest przezroczystych postaci, fantastycznych konstrukcji, potworów, które stały się halucynacjami, piekielnych karykatur rzeczywistości, na które patrzy przenikliwym, niezwykle ostrym spojrzeniem. Jedni naukowcy chcieli zobaczyć w tryptyku obraz ludzkiego życia przez pryzmat jego próżności i obrazów ziemskiej miłości, inni - triumf zmysłowości. Jednak niewinność i pewien dystans, z jakim odczytywane są poszczególne postacie, a także przychylny stosunek do tej pracy władz kościelnych, każą wątpić, że jej treścią może być gloryfikacja przyjemności cielesnych.

11. Gustav Klimt „Trzy wieki kobiety”

1905, olej na płótnie. 180x180 cm

Narodowa Galeria Sztuki Nowoczesnej, Rzym

„Trzy wieki kobiety” są jednocześnie radosne, i smutny. W nim historia życia kobiety zapisana jest w trzech postaciach: beztroski, spokoju i rozpaczy. Młoda kobieta jest organicznie wpleciona w ozdobę życia, stara kobieta wyróżnia się od niej. Kontrast między stylizowanym wizerunkiem młodej kobiety a naturalistycznym wizerunkiem starej kobiety nabiera symbolicznego znaczenia: pierwsza faza życia niesie ze sobą nieskończone możliwości i metamorfozy, ostatnia to niezmienna stałość i konflikt z rzeczywistością.

Płótno nie puszcza, wspina się w duszę i skłania do zastanowienia się nad głębią przekazu artysty, a także głębią i nieuchronnością życia.

12. Egon Schiele „Rodzina”

1918, olej na płótnie. 152,5x162,5 cm

Galeria Belvedere, Wiedeń

Schiele był uczniem Klimta, ale jak każdy doskonały uczeń, nie kopiował swojego nauczyciela, ale szukał nowego. Schiele jest o wiele bardziej tragiczny, dziwny i przerażający niż Gustav Klimt. W jego pracach jest wiele tego, co można by nazwać pornografią, różnych perwersji, naturalizmu i jednocześnie bolesnej rozpaczy.

„Rodzina” – jego najnowsza praca, w którym desperacja zostaje doprowadzona do absolutu, mimo że jest to najmniej dziwnie wyglądające jego zdjęcie. Namalował go tuż przed śmiercią, po tym, jak jego ciężarna żona Edith zmarła na hiszpańską grypę. Zmarł w wieku 28 lat, zaledwie trzy dni po Edycie, po tym, jak udało mu się narysować ją, siebie i ich nienarodzone dziecko.

13. Frida Kahlo „Dwie Fridy”

1939

Historia trudnego życia meksykańskiego artysty Frida Kahlo stała się powszechnie znana po premierze filmu „Frida” z Salmą Hayek w roli tytułowej. Kahlo malował głównie autoportrety i tłumaczył to po prostu: „Maluję siebie, bo spędzam dużo czasu sam i dlatego, że jestem tematem, który znam najlepiej”.

Żaden z autoportretów Fridy Kahlo nie uśmiecha się: poważna, nawet żałobna twarz, zrośnięte gęste brwi, lekko wyczuwalny wąsik nad zaciśniętymi ustami. Idee jej obrazów zaszyfrowane są w szczegółach, tle, postaciach, które pojawiają się obok Fridy. Symbolika Kahlo opiera się na tradycjach narodowych i jest ściśle związana z mitologią indyjską okresu przedhiszpańskiego.

W jednym z najlepszych obrazów - „Dwie Fridy”- wyrażała zasady męskie i żeńskie, połączone w niej jednym układem krążenia, demonstrując jej integralność.

14. Claude Monet „Most Waterloo. Efekt mgły»

1899, olej na płótnie

Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Podczas oglądania obrazu z bliskiej odległości widz nie widzi nic prócz płótna, na które nakładane są częste, gęste pociągnięcia olejem. Cała magia dzieła ujawnia się, gdy stopniowo zaczynamy oddalać się od płótna na większą odległość. Najpierw zaczynają się przed nami pojawiać niezrozumiałe półkola przechodzące przez środek obrazu, potem widzimy wyraźne zarysy łodzi i po przebyciu odległości około dwóch metrów wszystkie prace łączące są ostro narysowane i ustawione w linii logiczny łańcuch przed nami.

15. Jackson Pollock „Numer 5, 1948”

1948, płyta pilśniowa, olej. 240x120 cm

Dziwność tego obrazu toże płótno amerykańskiego lidera abstrakcyjnego ekspresjonizmu, które namalował, wylewając farbę na rozłożony na podłodze kawałek płyty pilśniowej, jest najdroższym obrazem na świecie. W 2006 roku na aukcji Sotheby's zapłacili za nią 140 milionów dolarów. David Giffen, producent filmowy i kolekcjoner, sprzedał go meksykańskiemu finansiście Davidowi Martinezowi.

„Ciągle odchodzę od konwencjonalnych narzędzi artysta, taki jak sztaluga, paleta i pędzle. Wolę kije, łopaty, noże i wylewanie farby lub mieszankę farby z piaskiem lub potłuczonym szkłem lub czymkolwiek. Kiedy jestem w obrazie, nie jestem świadomy tego, co robię. Zrozumienie przychodzi później. Nie boję się zmiany lub zniszczenia obrazu, bo obraz żyje własnym życiem. Po prostu pomagam jej wyjść na zewnątrz. Ale jeśli stracę kontakt z obrazem, jest brudny i brudny. Jeśli nie, to jest to czysta harmonia, łatwość brania i dawania.

16. Joan Miro „Mężczyzna i kobieta przed stosem ekskrementów”

1935, miedź, olej, 23x32 cm

Fundacja Joan Miro, Hiszpania

Dobry tytuł. A kto by pomyślał, że ten obraz opowiada nam o okropnościach wojen domowych.

Obraz został wykonany na blasze miedzianej na tydzień od 15 do 22 października 1935. Według Miro jest to wynik próby zobrazowania tragedii hiszpańskiej wojny domowej. Miro powiedział, że to obraz o okresie niepokojów. Obraz przedstawia mężczyznę i kobietę chwytających się za ramiona, ale nie poruszających się. Powiększone genitalia i złowieszcze kolory zostały opisane jako „pełne odrazy i odrażającej seksualności”.

17. Jacek Yerka "Erozja"

Polski neosurrealista znany na całym świecie dzięki jego niesamowitym obrazom, w których rzeczywistości łączą się, tworząc nowe. Trudno rozpatrywać jego niezwykle szczegółowe i do pewnego stopnia wzruszające prace jedna po drugiej, ale taki jest format naszego materiału i musieliśmy wybrać jeden - by zilustrować jego wyobraźnię i kunszt. Polecamy przeczytać więcej.

18. Bill Stoneham „Ręce mu się opierają”

1972

Tej pracy oczywiście nie można brać pod uwagę do arcydzieł sztuki światowej, ale fakt, że jest dziwny, jest faktem.

Dookoła obrazek z chłopcem, lalką i palmami, przyciśnięte do szyby, krążą legendy. Od „z powodu tego obrazu umierają” do „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i domysłów u osób o słabej psychice.

Artysta zapewnił, że na zdjęciu on sam jest przedstawiony w wieku pięciu lat, że drzwi są wyobrażeniem linii podziału między światem realnym a światem snów, a lalka jest przewodnikiem, który może przeprowadzić chłopca przez ten świat. Ręce reprezentują alternatywne życie lub możliwości.

Obraz stał się sławny w lutym 2000 roku. kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz jest „nawiedzony”. „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith, który został następnie zasypany listami z przerażającymi historiami i żądaniami spalenia obrazu.

Istnieje przesąd, że namalowanie portretu może przynieść nieszczęście modelce. W historii malarstwa rosyjskiego było kilka znanych obrazów, które zyskały mistyczną reputację.

Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r. Ilja Repin

Ilya Repin miał reputację „śmiertelnego malarza”: wielu z tych, których portrety namalował, zmarło nagle. Wśród nich są Musorgski, Pisemsky, Pirogov, włoski aktor Mercy d'Argento i Fiodor Tiutchev.

Najciemniejszy obraz Repina jest rozpoznawany jako „Iwan Groźny zabija swojego syna”. Ciekawostka: nadal nie wiadomo, czy Iwan IV zabił swojego syna, czy też legendę tę rzeczywiście ułożył poseł Watykanu Antonio Possevino.

Obraz zrobił przygnębiające wrażenie na zwiedzających wystawę. Odnotowano przypadki histerii, a w 1913 malarz ikon Abram Bałaszow rozerwał obraz nożem. Później został uznany za szaleńca.

Dziwny zbieg okoliczności: artysta Myasoedov, z którego Repin namalował wizerunek króla, wkrótce prawie zabił swojego syna Iwana w przypływie gniewu i pisarza Wsiewołoda Garszyna, który został kwoka dla carewicza Iwana oszalał i popełnił samobójstwo.

„Portret MI Lopukhiny”. Władimir Borowikowski

Maria Lopukhina, pochodząca z rodu hrabiego Tołstoja, została modelką artystki w wieku 18 lat, niedługo po ślubie. Niezwykle piękna dziewczyna była zdrowa i pełna sił, ale zmarła 5 lat później. Po latach poeta Polonsky napisał „Borovikovsky uratował jej piękno ...”.

Krążyły pogłoski o związku obrazu ze śmiercią Lopukhiny. Narodziła się miejska legenda, że ​​przez długi czas nie można patrzeć na portret - ucierpi smutny los „modelki”.

Niektórzy twierdzili, że ojciec dziewczynki, mistrz loży masońskiej, zawarł na portrecie ducha swojej córki.

Po 80 latach obraz został nabyty przez Tretiakowa, który nie bał się reputacji portretu. Dziś obraz znajduje się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej.

"Nieznany". Iwan Kramskoj

Obraz „Nieznany” (1883) wzbudził duże zainteresowanie petersburskiej publiczności. Ale Tretiakow kategorycznie odmówił zakupu obrazu do swojej kolekcji. Tak więc „Nieznajomy” rozpoczął swoją podróż przez prywatne kolekcje. Wkrótce zaczęły się dziać dziwne rzeczy: pierwszego właściciela porzuciła żona, dom drugiego spłonął, trzeci zbankrutował. Wszystkie nieszczęścia przypisywano fatalnemu obrazowi.

Sam artysta nie uniknął kłopotów, wkrótce po namalowaniu obrazu zginęli dwaj synowie Kramskoya.

Obrazy zostały sprzedane za granicę, gdzie nadal przynosiła właścicielom tylko nieszczęścia, aż płótno wróciło do Rosji w 1925 roku. Kiedy portret trafił do kolekcji Galerii Trietiakowskiej, nieszczęścia ustały.

"Trójka". Wasilij Pierow

Pierow przez długi czas nie mógł znaleźć opiekunki dla centralnego chłopca, dopóki nie spotkał kobiety, która podróżowała przez Moskwę na pielgrzymkę ze swoim 12-letnim synem Wasią. Artystce udało się przekonać kobietę, by pozwoliła Wasilijowi pozować do zdjęcia.

Kilka lat później Pierow ponownie spotkał tę kobietę. Okazało się, że rok po obrazie Vasenka zmarła, a jego matka specjalnie przyszła do artysty, by kupić obraz za ostatnie pieniądze.

Ale płótno zostało już zakupione i wystawione w Galerii Trietiakowskiej. Kiedy kobieta zobaczyła trojkę, upadła na kolana i zaczęła się modlić. Wzruszona artystka namalowała dla kobiety portret syna.

„Pokonany demon” Michaił Vrubel

Syn Vrubela, Savva, zmarł nagle, wkrótce po tym, jak artysta ukończył portret chłopca. Śmierć jego syna była ciosem dla Vrubela, więc skoncentrował się na swoim ostatnim obrazie, Demon Pokonany.

Chęć dokończenia płótna przerodziła się w obsesję. Vrubel kontynuował prace nad obrazem, nawet gdy został wysłany na wystawę.

Ignorując zwiedzających, artysta przyszedł do galerii, wyjął pędzle i kontynuował pracę. Zmartwieni krewni skontaktowali się z lekarzem, ale było już za późno - tasca rdzenia kręgowego sprowadziła Vrubela do grobu, pomimo leczenia.

"Syreny". Iwan Kramskoj

Ivan Kramskoy postanowił namalować obraz oparty na historii N.V. Gogol „Majowa noc, czyli utopiona kobieta”. Na pierwszej wystawie w Stowarzyszeniu Wędrowców obraz zawisł obok pasterskiej książki „Przybyły gawrony” Aleksieja Sawrasowa. Już pierwszej nocy ze ściany spadł obraz „Garry”.

Wkrótce Tretiakow kupił oba obrazy, w biurze zajęło miejsce „Rooks Have Arrived”, a w holu wystawiono „Syrenki”. Od tego momentu służący i domownicy Tretiakowa zaczęli narzekać na żałobne śpiewy, które dobiegały z sali w nocy.

Co więcej, ludzie zaczęli zauważać, że obok zdjęcia doznają załamania.

Mistyka trwała, dopóki stara niania nie poradziła, aby przenieść syreny ze świata na drugi koniec sali. Tretiakow zastosował się do rady i dziwactwa ustały.

„O śmierci Aleksandra III”. Iwan Aiwazowski

Gdy artysta dowiedział się o śmierci cesarza Aleksandra III, doznał szoku i namalował obraz bez rozkazu. Zgodnie z koncepcją Aiwazowskiego obraz miał symbolizować triumf życia nad śmiercią. Ale po ukończeniu zdjęcia Aiwazowski ukrył go i nikomu nie pokazał. Po raz pierwszy obraz został wystawiony na widok publiczny dopiero po 100 latach.

Obraz podzielony jest na fragmenty, płótno przedstawia krzyż, Twierdzę Piotra i Pawła oraz postać kobiety w czerni.

Dziwnym efektem jest to, że pod pewnym kątem postać kobieca zamienia się w roześmianego mężczyznę. Niektórzy widzą w tej sylwetce Mikołaja II, inni widzą Pachoma Andriejuszkina, jednego z tych terrorystów, którym nie udało się zamordować cesarza w 1887 roku.

W malarstwie wyobraźnia skłania się do malowania pastorałów i reprezentacyjnych portretów. Ale w rzeczywistości sztuka piękna jest wieloaspektowa. Zdarzało się, że spod pędzla wielkich artystów wyszły bardzo niejednoznaczne obrazy, które mało kto chce powiesić w domu. W naszym przeglądzie 10 najstraszniejszych obrazów znanych artystów.

1. Wielki czerwony smok i potwór z morza. William Blake

William Blake jest dziś znany ze swoich rycin i poezji romantycznej, ale za życia był mało doceniany. Ryciny i ilustracje Blake'a to klasyka stylu romantycznego, ale dziś rozważ serię akwarelowych obrazów Blake'a, które przedstawiają wielkiego czerwonego smoka z Księgi Objawienia. Ten obraz przedstawia dużego czerwonego smoka, który jest ucieleśnieniem diabła, który stoi na siedmiogłowej bestii w morzu.

2. Studium portretu Innocentego X Velázqueza. Franciszek Bacon

Francis Bacon był jednym z najbardziej wpływowych artystów XX wieku. Jego obrazy, uderzające śmiałością i ponurością, sprzedawane są za miliony dolarów. Podczas swojego życia Bacon często malował własne interpretacje portretu papieża Innocentego X. W oryginalnym dziele Velázqueza papież Innocenty X wygląda w zamyśleniu z płótna, podczas gdy Bacon przedstawia go krzyczącego.

3. Dante i Virgil w piekle. Adolphe William Bouguereau

Piekło Dantego, przedstawiające przerażające tortury, inspiruje artystów od czasu publikacji tej pracy. Bouguereau jest najbardziej znany ze swoich realistycznych przedstawień klasycznych scen, ale na tym obrazie przedstawił krąg piekła, w którym oszuści nieustannie walczą, kradnąc sobie nawzajem tożsamość przez ugryzienie.

4. Śmierć Marata. Edvard Munch

Edvard Munch to najsłynniejszy norweski artysta. Jego słynny obraz „Krzyk”, który uosabia melancholię, jest mocno zakorzeniony w umysłach każdej osoby, która nie jest obojętna na sztukę. Marat był jednym z czołowych przywódców politycznych rewolucji francuskiej. Ponieważ Marat cierpiał na chorobę skóry, większość dnia spędzał w łazience, gdzie pracował nad swoimi pracami. To tam Marat został zabity przez Charlotte Corday. Śmierć Marata została przedstawiona przez więcej niż jednego artystę, ale obraz Muncha jest szczególnie realistyczny i okrutny.

5. Odcięte głowy. Teodor Géricault

Najbardziej znanym dziełem Géricaulta jest Tratwa Meduzy, ogromny obraz w stylu romantycznym. Przed stworzeniem dużych dzieł Gericault malował obrazy „rozgrzewające”, takie jak „Odcięte głowy”, do których używał prawdziwych kończyn i odciętych głów. Podobny materiał artysta pobierał w kostnicach.

6. Kuszenie św. Antoniego. Maciej Grunewald

Grunewald często malował obrazy religijne w stylu średniowiecza, choć żył w okresie renesansu. Św. Antoni przeszedł kilka prób swojej wiary, żyjąc na pustyni. Według jednej z legend święty Antoni został zabity przez demony żyjące w jaskini, ale później wskrzesił je i zniszczył. Ten obraz przedstawia świętego Antoniego, który został zaatakowany przez demony.

7. Martwa natura masek. Emil Nolde

Emil Nolde był jednym z pierwszych malarzy ekspresjonistycznych, choć jego sławę wkrótce przyćmiło wielu innych ekspresjonistów, takich jak Munch. Istotą tego nurtu jest zniekształcanie rzeczywistości w celu ukazania subiektywnego punktu widzenia. Ten obraz został wykonany przez artystę po zbadaniu masek w Muzeum Berlińskim.

8. Saturn pożera swojego syna. Francisco Goya

W mitach rzymskich, które są mocno oparte na mitologii greckiej, ojciec bogów pożerał własne dzieci, aby nigdy go nie zdetronizowały. To właśnie ten akt zabijania dzieci przedstawił Goya. Obraz nie był przeznaczony dla publiczności, ale został namalowany na ścianie domu artysty, wraz z kilkoma innymi ponurymi obrazami, zwanymi zbiorczo „Czarnym Malowaniem”.

9. Judyta i Holofernes. Caravaggio

W Starym Testamencie jest opowieść o dzielnej wdowie Judycie. Judea została zaatakowana przez armię dowodzoną przez dowódcę Holofernesa. Judyta opuściła mury miejskie i udała się do obozu wojsk oblegających miasto. Tam swoją urodą uwiodła Holofernesa. Kiedy dowódca spał w nocy pijany, Judith odcięła mu głowę. Ta scena jest dość popularna wśród artystów, ale wersja Caravaggia jest szczególnie przerażająca.

10. Ogród rozkoszy ziemskich. Hieronim Bosch

Zwykle Hieronymus Bosch kojarzy się z malarstwem fantastycznym i religijnym. Ogród rozkoszy ziemskich to tryptyk. Trzy panele obrazu przedstawiają odpowiednio Ogród Eden i stworzenie ludzkości, Ogród rozkoszy ziemskich i Karę za grzechy, które występują w ogrodzie ziemskim. Dzieło Boscha jest jednym z najbardziej makabrycznych, a zarazem najpiękniejszych dzieł w historii sztuki zachodniej.

Klątwa zabójczych obrazów

Mistyczne historie i tajemnice kojarzą się z wieloma dziełami malarskimi. Co więcej, niektórzy eksperci uważają, że w tworzenie wielu płócien zaangażowane są ciemne i tajne siły. Są podstawy do takiego twierdzenia. Zbyt często zdarzały się zdumiewające fakty i niewytłumaczalne wydarzenia z tymi fatalnymi arcydziełami - pożary, zgony, szaleństwo autorów...

Jednym z najsłynniejszych obrazów „przeklętych” jest „Płaczący chłopiec” – reprodukcja obrazu hiszpańskiego artysty Giovanniego Bragolina. Historia jego powstania jest następująca: artysta chciał namalować portret płaczącego dziecka i wziął jego małego synka jako opiekunkę. Ale ponieważ dziecko nie mogło płakać na zamówienie, ojciec celowo doprowadził go do łez, zapalając zapałki przed jego twarzą. Artysta wiedział, że jego syn strasznie boi się ognia, ale sztuka była mu droższa niż nerwy własnego dziecka i dalej się z niego kpił.
Po doprowadzeniu do histerii dzieciak nie mógł tego znieść i krzyknął, roniąc łzy: „Spal się!” Ta klątwa szybko się spełniła - dwa tygodnie później chłopiec zmarł na zapalenie płuc, a wkrótce jego ojciec został żywcem spalony we własnym domu... Tak wygląda kulisy. Obraz, a właściwie jego reprodukcja, swoją złowrogą sławę zyskała w 1985 roku w Anglii.
Stało się to dzięki serii dziwnych zbiegów okoliczności – w północnej Anglii, jedna po drugiej, zaczęły palić się budynki mieszkalne. Były ofiary ludzkie. Niektóre ofiary wspominały, że z całego majątku ocalała tylko tania reprodukcja przedstawiająca płaczące dziecko. I takich doniesień było coraz więcej, aż w końcu jeden z inspektorów przeciwpożarowych ogłosił publicznie, że we wszystkich bez wyjątku spalonych domach znaleziono „Płaczącego chłopca”.
Natychmiast gazety zalała fala listów, które informowały o różnych wypadkach, zgonach i pożarach, które miały miejsce po zakupie tego obrazu przez właścicieli. Oczywiście „Płaczący chłopiec” od razu zaczął być uważany za przeklęty, historia jego powstania wypłynęła na powierzchnię, zarośnięta plotkami i fikcją… W rezultacie jedna z gazet opublikowała oficjalne oświadczenie, że każdy, kto ma tę reprodukcję, powinien natychmiast pozbyć się go, a władze odtąd zabraniają go nabywać i przechowywać w domu.
Płaczący chłopiec jest wciąż niesławny do dziś, zwłaszcza w północnej Anglii. Nawiasem mówiąc, oryginału jeszcze nie znaleziono. To prawda, że ​​\u200b\u200bniektórzy wątpiący (zwłaszcza tutaj w Rosji) celowo zawiesili ten portret na swojej ścianie i wydaje się, że nikt nie spłonął. Jednak wciąż jest niewielu, którzy chcą przetestować legendę w praktyce.

Założenie

Amerykańscy astronomowie rozwiązali zagadkę obrazu „Krzyk” norweskiego artysty Edvarda Muncha. Znaleźli odpowiedź na pytanie, które od dawna dręczyło historyków sztuki - dlaczego niebo na słynnym obrazie Muncha z 1893 roku ma tak dziwną i niepowtarzalną ognistoczerwoną barwę.

Jak się okazało, kolorystyka obrazu nie jest bynajmniej wytworem wyobraźni, ale całkowicie realistycznym obrazem zachodów słońca w ówczesnej Europie. Nabrały zupełnie nieoczekiwanego koloru po erupcji wulkanu Krakatau w Indonezji w sierpniu 1883 roku, kiedy do atmosfery planety wrzucono ogromną ilość popiołu. Ta erupcja jest uważana za jedną z najpotężniejszych i najtragiczniejszych w historii ludzkości.

Naukowcy z University of Texas przeprowadzili szczegółową analizę pamiętników Muncha, materiałów o erupcji Krakatoa i przestudiowali doniesienia norweskich gazet w 1883 roku. „Nasza podróż badawcza do Oslo osiągnęła swój główny punkt, kiedy znaleźliśmy zakręt na drodze i zdaliśmy sobie sprawę, że jesteśmy dokładnie w miejscu, w którym stał Munch 120 lat temu” – powiedział kierownik badań Donald Olson, profesor fizyki i astronomii na uniwersytecie. Patrząc w tym kierunku można było zobaczyć zachody słońca związane z erupcją Krakatau zimą 1883-84.
**********************
Holenderski artysta Pieter Brueghel Starszy malował Adorację Trzech Króli przez dwa lata. „Skopiował” Matkę Boską od swojego kuzyna. Była niepłodną kobietą, za co otrzymywała od męża stałe kajdanki. To ona, jak zwykli średniowieczni Holendrzy plotkowali, „zainfekowała” obraz. Cztery razy "Magi" kupowali prywatni kolekcjonerzy. I za każdym razem powtarzała się ta sama historia: w rodzinie przez 10-12 lat nie urodziły się dzieci ...

Ostatecznie w 1637 roku obraz kupił architekt Jacob van Campen. W tym czasie miał już troje dzieci, więc klątwa go tak naprawdę nie przestraszyła.

*******************

Chyba najsłynniejszy zły obraz przestrzeni internetowej z następującą historią: Pewna uczennica (często wspominana Japonka), zanim otworzyła sobie żyły (wyskakując przez okno, łykając pigułki, wieszając się, topiąc się w łazience) namalowała ten obraz.

Jeśli spojrzysz na nią przez 5 minut z rzędu, dziewczyna się zmieni (oczy staną się czerwone, włosy staną się czarne, pojawią się kły).
W rzeczywistości jasne jest, że obraz wyraźnie nie jest rysowany odręcznie, jak wielu lubi twierdzić. Chociaż nikt nie daje jasnych odpowiedzi, jak powstał ten obraz.

**********************

8. Teraz wisi skromnie bez ramy w jednym ze sklepów w Winnicy. „Kobieta deszczowa” jest najdroższą ze wszystkich prac: kosztuje 500 dolarów. Według sprzedawców obraz był już trzykrotnie kupowany, a następnie zwracany. Klienci tłumaczą, że o niej marzą. A ktoś nawet mówi, że zna tę panią, ale nie pamięta gdzie. A każdy, kto kiedykolwiek spojrzał w jej białe oczy, na zawsze zapamięta uczucie deszczowego dnia, ciszę, niepokój i strach.

Eksponaty zostały skradzione z muzeum znajdującego się w pobliżu centralnego placu Tahrir, gdzie w ciągu ostatnich trzech tygodni odbywały się masowe demonstracje przeciwko byłemu władcy Egiptu Hosniemu Mubarakowi.

Szabrownicy weszli do muzeum 28 stycznia, korzystając z chaosu, który panował podczas masowych niepokojów, donosi Agence France-Presse, powołując się na egipskiego ministra starożytności Zahi Hawassa.

Wśród skradzionych przedmiotów o wartości kulturowej znajduje się posąg młodego starożytnego egipskiego faraona Tutanchamona wykonany z pozłacanego drewna oraz fragment innego posągu tego samego władcy.

przeklęty skarb

Ponadto złodzieje zabrali wapienne posągi faraona Echnatona i jego żony Nefertiti, popiersie księżniczki Amarany, amulet w postaci skarabeusza wiszącego na mumii oraz szereg innych obiektów kultury antycznej.

W sprawie kradzieży została już wszczęta sprawa karna, a obecnie lokalna policja przesłuchuje podejrzanych.

„Przedstawiciele organów ścigania i wojska planują przesłuchać przestępców, którzy już przebywają w areszcie” – zapewnił Hawass.

Muzeum, założone w 1858 r. przez francuskiego egiptologa Auguste Mariette, było chronione przez wolontariuszy wojskowych i cywilnych przez trzy tygodnie po rozpoczęciu protestów.

W budynku przechowywanych jest około 100 tysięcy eksponatów, z których chyba najbardziej znanym jest rzekomo przeklęty skarb z grobowca Tutenchamona.

Zdjęcia wróciły.

Dodano po 42 minutach 59 sekundach
Anna Achmatowa powiedziała kiedyś: „Kiedy człowiek umiera, jego portrety się zmieniają”. Malowniczy portret, obraz to potężna struktura energetyczna. Malarz nie tylko maluje płótno na określony temat - przekazuje swoje uczucia, myśli, światopogląd, a co najważniejsze - nastrój, który tworzy energię płótna artystycznego. Jest również nazywany „katarsis”. Jeśli fabuła obrazu jest nieskrywanie agresywna, powoduje to agresję u widza. Należy zauważyć, że obrazy, portrety niosą ze sobą różną energię. Niekiedy artysta, nie zdając sobie z tego sprawy, „obciąża” kontemplatora swoich obrazów tym katharsis, z którego sam wyzwala się w procesie tworzenia płótna.

Wszyscy znają fakt wandalizmu związanego z obrazem Ilji Repina „Iwan Groźny zabija syna”. Ale niewiele osób wie, że Repin przez długi czas nie pisał „żywej” krwi sączącej się przez palce jego morderczego ojca. I wtedy artysta zobaczył to na własne oczy na twarzy kobiety, która wpadła pod powóz, pognała do domu i kilkoma pociągnięciami "ożywiła" ją na płótnie.
Kiedy krew ludzi lub zwierząt wypływa z ciała, to w pierwszych minutach tego procesu emituje promieniowanie o specjalnej sile.
Wypływ krwi, szalony wygląd zabójcy wpłynął na psychikę studenta Bałaszowa: w przypływie wściekłości strzępił słynny obraz Repina. Sprawca został później uznany za niepoczytalnego. Poeta Maksymilian Wołoszyn w przemówieniu na rozprawie o incydencie oskarżył Repina o podświadomie umieszczanie agresji w obrazie. To ona wstrząsnęła chorą i wrażliwą wyobraźnią Bałaszowa. Potem nie słuchali Wołoszyna, oskarżając jego teorię o brak dowodów, ale historia powtórzyła się w latach 80. – tym razem z obrazem Rembrandta „Danae”. Został prawie doszczętnie zniszczony kwasem siarkowym przez szalonego fanatyka z krajów bałtyckich.

Aleksander Benois, który głosił wolność twórczą, był z przekonania kosmopolitą, nagle ostro wypowiedział się przeciwko kosmopolityzmowi Malewicza, nazywając go „Czarnym kwadratem”, ikoną ofiarowaną zamiast Madonny. Malewicz obudził się sławny w 1915 roku, kiedy wystawił na wystawie „0,10” – „Czarny kwadrat” – ostatni obraz na świecie, jak sam go nazwał. Na tym kończy się sztuka. Malewicz zmarł w 1935 roku na raka. Urna z prochami została umieszczona na otwartym polu w pobliżu daczy na Niemczynowce. Na grobie - kładą kostkę z czarnym kwadratem.

Dodano po 17 godzinach 50 minutach 27 sekundach
Michaił Aleksandrowicz Wrubel i jego Demon

Po tym zdjęciu zaczęli o nim mówić na całym świecie. Z nieznanego studenta stał się artystą kultowym, ikoną swoich czasów.
Mówimy o Michaił Vrubel. Zdecydował się na niesłychany wyzywający i śmiały czyn – zakwestionował wieloletni zakaz przedstawiania Demona.
Uczynił Demona głównym bohaterem swoich obrazów, ale czekała go za to kara. Vrubel nie mógł sobie nawet wyobrazić, że klątwy się spełnią i Demon przejmie świadomość swojego twórcy.
Obraz „Siedzący demon” obejrzy moskiewska publiczność, a następnego ranka Michaił Vrubel obudzi się sławny. A po wielu latach te same gazety, które go wychwalały, napiszą: „Demon zabija swojego autora”.
Jego zdjęcie wisiało na wystawie, ale Demon był niejako nieodłączny od duszy artysty, a kiedy Vrubel próbował go złamać i zniszczyć w sobie, trafił do szpitala psychiatrycznego, gdzie zmarł.
Ale czy rzeczywiście istniał ten mistyczny związek z obrazem? Za co tak naprawdę zapłacił Michaił Vrubel?

Żaden z diabłów stworzonych wcześniej przez artystów nie miał żywego pierwowzoru. A Demon Michaiła Vrubela miał, ponieważ został napisany od prawdziwej osoby, a ponadto ukochanej kobiety.
Rysując swojego Demona, artysta dążył do określonego celu - zemsty na tej kobiecie. Jeden pojedynczy obraz sprawił, że Vrubel stał się światowej sławy artystą.
Jego Demona zna dziś każdy student Akademii Sztuk Pięknych. Ale mało kto się domyśla - obraz miał konkretny prototyp.
Była to kobieta, Kijwanka, a spotkanie z nią uczyniło z Vrubela genialnego artystę i głęboko nieszczęśliwą osobę. Vrubel, kiedy przybył do Kijowa, był, mówiąc w przenośni, nikim.
Był wczorajszym studentem Akademii i bez przesady można powiedzieć, że w Kijowie ukształtowały się wszystkie trzy punkty zwrotne jego charakteru: jako człowieka, jako chorego i jako wielkiego artysty. Ta fatalna kobieta i fatalna miłość, która rozgorzała w jego duszy do tej kobiety, odegrała w tym znaczącą rolę.

Niesamowite szczęście sprowadziło do Kijowa nieznanego artystę Michaiła Wrubla. W 1860 roku w jednym z kijowskich kościołów wydarzyło się cudowne zjawisko. W kościele św. Cyryla nagle ukazały się ludziom starożytne malowidła.
Ksiądz przypadkiem znalazł te wyjątkowe freski. Podczas nabożeństwa Wielkiego Dnia ze ściany odpadł kawałek tynku i wszyscy zobaczyli, że anioł patrzy na stado. Następnie ksiądz oderwał kolejny kawałek tynku ze ściany, a pod nim znajdowały się antyczne malowidła, które jak się okazało miały ponad 700 lat.
Freski te trzeba było pilnie odrestaurować. W końcu, będąc pod dostępem powietrza, unikalne malowidła ścienne mogą się zawalić. Ale znalezienie mistrza do tego nie było takie łatwe.
Artyści jeden po drugim odmawiali tej pracy. A głównym powodem było to, że Kościół św. Cyryla miał złą, bardzo złą reputację.
Kościół św. Cyryla znajdował się na terenie szpitala psychiatrycznego. W rzeczywistości ten, kto będzie pracował w tym kościele, będzie pracował w szpitalu psychiatrycznym.
Przez długi czas nie mogli znaleźć konserwatora kościoła św. Cyryla. Aż do pojawienia się w Kijowie nieznanego studenta Petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych Michaiła Wrubla.
Skromny, chudy młodzieniec w ciemnym garniturze, który został zaproszony przez słynnego historyka sztuki Adriana Prakhova do odrestaurowania tajemniczych malowideł znalezionych w kościele św. Cyryla. I nie mylił się. Vrubel znakomicie poradził sobie z zadaniem, ale zarówno Vrubel, jak i Prakhov będą musieli zapłacić zbyt wysoką cenę.
Słynny szpital Pavlovka, do którego od dawna przywożono i wyjeżdżano ludzi chorych psychicznie, błogosławionych i świętych głupców. Mieszkańcy Kijowa zawsze omijali to miejsce. W tamtych czasach osoby chore psychicznie nie były uważane za chorych. Byli utożsamiani z przestępcami i na zawsze wyrzuceni ze społeczeństwa.
To miejsce wyglądało tak, jak za panowania Katarzyny II. Ale w XIX wieku psychiatria staje się przedmiotem badań naukowych. Pacjenci Pavlovki zostaną zbadani przez lekarzy. Kiedy Vrubel przybył tutaj, straszne więzienie dla szalonych ludzi zamieniło się już w szpital.
Ale jej zła sława pozostała równie straszna. Mieszkańcy Kijowa widzieli, że na terenie Pavlovka, pod nadzorem sanitariuszy, chodzą dziwni ludzie o szalonych i strasznych oczach. Skaczą, płaczą i strasznie się śmieją. Kiedy Vrubel po raz pierwszy wszedł na teren szpitala, uderzył go wzrok pacjentów. Przez wiele lat nie będzie mógł zapomnieć o ich wyrazie i wciąż będzie odtwarzał się na płótnach.
Ale po pierwsze, Vrubel nie będzie zwracał uwagi na uprzedzenia. Dla niego to fenomenalna okazja. Przecież jemu, studentowi IV roku, powierzono cenne freski, które miały już 700 lat. Już pierwszego dnia rozpoczyna prace konserwatorskie, nie zatrzymując się nawet przy mieszkaniu, które zaoferował mu Prakhov, tylko prosi o przysłanie tam swoich rzeczy.
Sam Vrubel został zabrany do kościoła św. Cyryla. A kiedy Vrubel wspiął się na rishtovkę, poczuł mistyczne drżenie - otworzył się przed nim inny świat: patrzyły na niego twarze świętych czczonych przez ludzi 700 lat temu. Vrubel przerysowuje freski w album, skrupulatnie zapisuje każdy rys twarzy, każdą fałdę ubrania. Aby nie tracić czasu na jedzenie, zabiera ze sobą do rishtovki dzban wody i kawałek chleba.

W pierwszych tygodniach swojej pracy prawie nigdy nie opuszcza kościoła św. Cyryla i reaguje na inne osoby tylko wtedy, gdy idą po grani, by dać artyście nowy ołówek lub zagnieść farby. Ale pewnego dnia do kościoła przychodzi niezwykły gość - elegancko ubrana kobieta z zakrytą głową. Długo stoi na dole i stara się zwrócić na siebie uwagę. A kiedy w końcu artysta odrywa się od pracy, władczo prosi go, by zszedł.
Zewnętrznie nie była piękna. Niskiej postury, miała krępą sylwetkę, ale miała niesamowite, ogromne oczy o niewiarygodnych rozmiarach, a zachowane fotografie to potwierdzają. A wyraz tych oczu, wygląd, kiedy patrzyła, mógł naprawdę oczarować i oczarować. Kobieta nazywała się żoną klienta Emilii Prakhowej. Przyszła zaprosić mistrza na zwykły rodzinny obiad.
A Vrubel na zawsze zapamięta jej władczy ton i dumną postawę. Później napisze – nie wiedział wtedy, że przyjechała z jednym zaproszeniem, by zmienić jego życie. Tego wieczoru skromny student trafia do bajki. Faktem jest, że Vrubel dorastał w rodzinie surowego oficera, w której, jeśli było przyjęcie świeckie, to było to konieczne zgodnie ze wszystkimi zasadami etykiety.
Dom Prakhovów wydaje mu się fantastycznym miejscem, terytorium wolności. Tutaj wszystko było inne niż w rodzinie jego rodziców i do czego był przyzwyczajony w dzieciństwie. Była to rodzina cyganerii, do której uczęszczało wielu kreatywnych ludzi. Przede wszystkim Vrubel uderzyła sama gospodyni.
Emily ma 32 lata i trójkę dzieci. Nie można jej było nazwać pięknością, ale Michaił Vrubel nigdy nie widział, żeby kobieta tak się zachowywała. Emilia Prakhova swoimi manierami nie pasowała do żadnych ram tamtych czasów.
Od pierwszego spotkania wizerunek tej kobiety na zawsze pozostanie w wyobraźni Vrubela. I to właśnie ten obraz zaprowadzi artystę do niesłychanej chwały i do przekleństwa na całe życie. Emilia była naturalna w swoich przejawach, a jej działania nie zawsze odpowiadały zasadom postępowania tamtego społeczeństwa i tamtego czasu.
Była to ekscentryczna, ekstrawagancka kobieta, która z jednej strony znała kilka języków, az drugiej mogła sobie pozwolić na wylanie dzbanka wody na głowę gościa tylko dlatego, że nie spodobała jej się uwaga tego gościa.
Nic specjalnego: po prostu podtrzymywała z nim rozmowę - dowcipna i wolna. Ale po tej znajomości Vrubel stracił zainteresowanie pracą konserwatora. Święci i aniołowie Rusi Kijowskiej staną się wobec niego obojętni.
Za kilka dni skromny i wymagający mistrz zamieni się w skandalicznego dandysa, zacznie prowokacyjnie ubierać się i dziwnie zachowywać, a potem popełnić czyn, za który zapłaci całe życie.
Praktykanci i asystenci nie rozpoznają artysty. Coraz rzadziej pojawia się na rishtovka. Dla klienta Prakhova wymyśla wymówkę - musi pomyśleć o wizerunku Dziewicy, a on sam liczy zarobione pieniądze. Prakhov płaci Vrubelowi ani grosza – w końcu władze miasta prawie nic nie przeznaczyły na renowację fresków.

Ale Vrubel to nie obchodzi. Zostawi wszystkie pieniądze w sklepie odzieżowym i poprosi sprzedawcę o zaoferowanie mu koszuli z najlepszego jedwabiu z samego Paryża. Sprzedawca jest zaskoczony: mówią, dlaczego Vrubel potrzebuje tak drogiej koszuli, która bardziej odpowiada gubernatorowi, w sklepie jest wiele innych tańszych koszul.
Ale Vrubel nalega na siebie, a wieczorem ubiera się jak prawdziwy dandys i idzie do Prakhovów. Emilia, zamiast docenić jego elegancję, niespodziewanie gani artystę za dodatkowe pieniądze. Vrubel ledwo przetrwa do końca kolacji, a potem wyskakuje przez drzwi jak kula i ucieka.
Po tym incydencie Vrubel nie pojawił się w kościele św. Cyryla przez dwa dni. A kiedy w końcu przychodzi do pracy, trzyma w rękach paczkę. Na rogu daje paczkę żebrakowi i szybko idzie dalej. Gdy żebrak rozkłada paczkę, widzi w niej piękną jedwabną koszulę. To była pierwsza dziwność Vrubela.
Dwadzieścia lat później, po jego śmierci, Prakhovowie wspominają cały łańcuch takich dziwactw i mówią, że, jak mówią, choroba Vrubela już się zaczynała. Ale czy to naprawdę były pierwsze oznaki szaleństwa i choroby psychicznej, czy tylko emocje zakochanego mężczyzny?

Vrubel raz po raz próbuje przyciągnąć uwagę Prakhovej. Pewnego razu, wracając do domu po obiedzie, daje jej akwarelę. Ale Emilia nie przyjmuje prezentu. Wyjaśnia, że ​​to dla niej zbyt wielki zaszczyt. Takie piękne rzeczy należą do muzeum.
Chciała pochwalić jego talent, ale Vrubel wybucha urazą. Rozrywa akwarelę na kawałki i rzuca ją pod nogi gospodyni, a kilka dni później wraca do Prakhovów, tym razem z nosem pomalowanym zieloną farbą.
Kiedy dowiaduje się, że przypadkowo się ubrudził, Vrubel tylko się śmieje i wyjaśnia, że ​​od teraz jest to nowa moda – kobiety noszą makijaż, a mężczyźni rysują nosy. Ktoś lubi czerwień i lubi zieleń. Dzieci śmieją się z żartu, a Emilia znów nie rozumie artysty. Karci go za dziecinną zabawę i domaga się natychmiastowego zmycia farby.
Vrubel posłusznie wykonuje rozkaz, a następnie składa Emilii Prakhowej dziwną i nieoczekiwaną propozycję - prosi o pozwolenie na narysowanie jej na obraz Najświętszej Bogurodzicy - a ona się zgadza.
Zachowały się szkice, a na pierwszym z nich twarz Emilii Prakhowej jest całkowicie – oczy i nos są nadal ludzkie. Kolejny szkic, będący wynikiem poszukiwań, ukazuje już kanoniczne wcielenie Matki Boskiej. To prawda, że ​​oczy są jeszcze większe i mają inny wyraz.
A w ostatecznej wersji i na ikonie oczy są już połową twarzy i tęsknią w nich. Szkice Vrubel rysuje w dziwnym stanie - po pośpiesznym naszkicowaniu jednego rysunku, wymazuje go i szkicuje innym rysunkiem. Następny szkic jest pokazywany Emilii i jeśli ma jakieś uwagi, przerysowuje go ponownie.
To było ich jedyne połączenie. Tylko w ten sposób, rysując ją, mógł całkowicie przejąć tę kobietę w posiadanie. Szkice okazały się tak zmysłowe, że kiedy Adrian Prakhov je zobaczył, nie mógł tego znieść. W obliczu Dziewicy rozpoznaje twarz swojej żony. Vrubel pozwolił sobie na zbyt wiele i Prakhov postanawia ukarać zuchwałego.
Ale nie może go po prostu wydalić, bo prace w kościele św. Cyryla nie zostały jeszcze ukończone, a następny w kolejce jest obraz katedry Włodzimierza. Vrubel jest kierownikiem prac konserwatorskich i ponosi za wszystko pełną odpowiedzialność. Dlatego Prakhov postanawia nie kłócić się z artystą, ale po prostu tymczasowo usunąć go z Emilii.
Musi zniknąć z ich domu, bo kto wie, jakie relacje nawiązała jego żona i artysta podczas pracy nad szkicami. Dlatego Prakhov je rozdziela. Pod pretekstem studiowania sztuki wielkich mistrzów włoskich i ukończenia prac nad ikonami kościoła św. Cyryla wysyła Vrubela do Wenecji.

Mikhail Vrubel ma trudności z rozstaniem z Emilią. Nie pociesza go piękno Włoch, ma złamane serce.
Codziennie pisze listy do ukochanej i nie otrzymuje odpowiedzi. Swoją rozpaczliwą tęsknotę artysta może wyrazić tylko w ikonie Najświętszej Bogurodzicy, nad którą pracuje na co dzień.
Porównując ikonę Najświętszej Bogurodzicy z wizerunkiem Emilii Prakhowej na zdjęciu, gołym okiem widać, że to jedna i ta sama osoba. W dłoniach trzyma małego Chrystusa, który jak dwie krople wody wygląda jak najmłodsza córka Prakhovów.

Legenda głosi, że gdy ikona została umieszczona w ikonostasie, do kościoła św. Cyryla weszła kobieta. Chciała modlić się do Najświętszej Bogurodzicy, ale kiedy uklękła przed ikoną, nagle krzyknęła - Emilia Prakhova patrzyła na nią z ikonostasu. Lubię to? Czy powinna modlić się za bliźniego?
Kiedy Adrian Prakhov zobaczył ikonę, zrozumiał wszystko - w Wenecji artysta nie zapomniał twarzy swojej żony. Nie kusiły go magiczne wizerunki kanonicznych Madonn mistrzów renesansu, ale malował Emilię.
W złości zleceniodawca renowacji cerkwi św. Cyryla i pracodawca Vrubela, Adrian Prakhov, zrywa z nim nową, już zawartą umowę na malowanie kolejnego kościoła – katedry św. Włodzimierza i określa go mianem „artysty nierzetelnego”.
I zaraz potem rada artystyczna odrzuca wszystkie szkice Vrubela. Artysta przez tydzień traci prawie wszystkie zamówienia. Galerie odmawiają jego pracy. A Vrubel nie ma środków do życia.

Ale nic z tego nie ma dla niego znaczenia. Najgorsze jest to, że Emilia nie chce go już widzieć. Vrubel nie mógł tego przeżyć. Współcześni wspominają: „Wydaje się wyrywać z łańcucha, pić głęboko, spędzać noc w burdelach, gromadzić wokół siebie dziwnych ludzi - Cyganów, bezdomnych, pijaków”.
Pożycza ogromną sumę pięciu tysięcy rubli i urządza buntowniczy bankiet, ale podczas gdy tłum pije za pieniądze artysty, zamyka się w jego pokoju i okrutnie tnie ręce nożem. Z bólem fizycznym chce zabić w sobie silniejszy ból – ból utraconej miłości.
Rano jego znajomi znajdują Vrubela we własnym mieszkaniu, zakrwawionego i nieprzytomnego. A kiedy go opamiętają, donoszą, że swoimi ucztami zaciągnął ogromne długi, a wierzyciele go pozywają.
Przyjaciele starają się pomóc artyście. W jego mieszkaniu pozostał tylko jeden niesprzedany obraz - "Modlitwa za kielich". Współcześni nazywali ją genialną kreacją. Aby ocalić ten obraz przed niepohamowaną wściekłością artysty, przyjaciele znajdują kupca. Znany filantrop kijowski płaci artyście 5000 rubli z góry i chce odebrać obraz następnego dnia.
Ale kiedy przybywa następnego dnia, widzi: „Modlitwa za kielich” została zniszczona. Zamiast fabuły religijnej na płótnie przedstawiono aktorkę cyrkową. Dzień wcześniej Vrubel zobaczył tę kobietę w cyrku i natychmiast postanowił ją namalować. Nie miał czystego płótna, więc namalował je na sprzedanym obrazie.
Teraz, aby spłacić wierzycieli, genialny artysta zmuszony jest podjąć się każdej brudnej roboty. Pracuje jako sprzątacz w tawernach, jako malarz w budownictwie. Wszystkie zarobione pieniądze przeznacza się na alkohol i prostytutki. Ale nawet to nie łagodzi jego bólu.
"Pociąłem się nożem. Rozumiesz? Kochałem kobietę - ona mnie nie kochała. Kochała mnie nawet, ale wiele rzeczy uniemożliwiło jej zrozumienie mnie. Cierpiałem, a kiedy się skaleczyłem, cierpienie zmniejszyło się” z listów Vrubela. W końcu wyczerpany mistrz postanawia zemścić się na okrutnej kobiecie.
Kiedyś śmiał się z ludzi, którzy wierzyli w mistyczną moc obrazu nad prototypem. A teraz postanawia użyć swojego daru jako broni i narysować Demona z twarzą Emilii Prakhova.
Pierwszy Demon, którego widział tylko ojciec Vrubela, a który podczas pracy nad tym obrazem zastał syna w strasznie chorym, gorączkowym stanie, twierdził, że ten Demon wyglądał jak zmysłowa zła kobieta. Demon okazał się tak straszny, że sam Vrubel przestraszył się swojego stworzenia i zniszczył rysunek – rozerwał go na kawałki, ale było już za późno.
Vrubel złamał zakaz rysowania, opisywania i odgrywania diabła. Narysował Demona o rysach prawdziwej osoby i za to czekała go straszna kara.

Vrubel wyjechał do Moskwy w ciężkim stanie, ale zaskakująco spokojny. Tutaj spotyka się z byłymi kolegami z klasy. Zorganizowali w mieście koło artystyczne. Patronuje mu Savva Mamontov, znany moskiewski filantrop.
Mamontow usłyszał o freskach Kirilłowa i chętnie zgadza się wesprzeć artystę. Vrubelowi wydaje się, że wszystko, czego doświadczył, ma już za sobą. Z radością podejmuje nową pracę. Ale po kilku miesiącach urojony koszmar Kijowa wraca do jego życia.
Wtedy przygotowywano do publikacji w Moskwie jubileuszową kolekcję Lermontowa i potrzebny był ilustrator. Vrubel zostaje zaproszony do zilustrowania wiersza „Demon”. Pierwszą rzeczą, którą widzi artysta, jest rysunek z Kijowa i zakaz, który złamał. Ten błąd nie może się powtórzyć.
Potem miał szczęście, wydaje się, że kara go ominęła, ale za drugim razem nie można ryzykować. Ale w rzeczywistości wybór został już dokonany. Vrubel odrzucił ofertę, ale obraz Demona zaczyna go prześladować. Artysta skarży się swoim przyjaciołom - niepokoi go ten sam niepokojący sen: co noc przychodzi do niego piękny Anioł o smutnych oczach.
Artysta stara się przypomnieć sobie, gdzie widział te oczy. U Emilii Prakhowej lub u szaleńców przy kościele św. Cyryla. Savva Mamontov radzi mu: najłatwiejszym sposobem na pozbycie się snów jest narysowanie obrazu. Powinien zgodzić się z propozycją wydawców, aby zilustrować wiersz Lermontowa i przedstawić w nim Anioła z jego snów.
Tak więc Vrubel stworzył obraz „Siedzący demon”. Ten obraz na zawsze zmienił ideę malarstwa. Demon będzie uważany za wzór do naśladowania przez najsłynniejszych artystów naszych czasów.

Minęło 25 lat i Vrubel ponownie znalazł się wśród szalonych. Tylko raz patrzył na pacjentów z zewnątrz tej kraty, a teraz sam stał się jednym z nich. Vrubel przestaje rozpoznawać swoich bliskich, nawet nie pamięta, kim jest. Jest przenoszony z kliniki do kliniki. A w każdym z nich zostawia całe stosy rysunków. Te rysunki wcale nie przypominają rysunków szaleńca - wszystkie są lekkie i spokojne.
Już po śmierci artysty lekarz, który leczył Vrubela, napisał w swoim pamiętniku: „Vrubel zmarł jako ciężko chory. Ale jako artysta był zdrowy. Głęboko zdrowy”. Jak to może być? Współcześni psychologowie twierdzą, że Vrubel był leczony swoimi rysunkami, więc powstrzymał chorobę. Intuicyjnie wymyślił to, co 30 lat po jego śmierci będzie nazywać arteterapią, czyli leczeniem sztuką.
Takie leczenie nie może pokonać choroby, ale może znacznie spowolnić jej przebieg i rozwój. A niektórzy pacjenci faktycznie wracają do zdrowia tak bardzo, że wracają ze szpitala do domu praktycznie zdrowi. W czasach Vrubela arteterapia jeszcze nie istniała.
W klinice Vrubel nieustannie rysuje za oknem krajobrazy, lekarzy, współlokatorów i dzieje się coś niesamowitego – Vrubelowi udaje się doprowadzić do ustąpienia choroby. Opuszcza szpital i udaje się tam, gdzie po raz pierwszy poznał swoją przyszłą żonę - do opery.
Główną rolę zagrała, tak jak w dniu ich spotkania, Natalia Zabela. Po występie Vrubel podszedł do żony w garderobie, wziął ją za ręce i podziękował. To był ostatni raz, kiedy widział swoją żonę. Kilka tygodni później Vrubel stracił wzrok.

Vrubel nie zdążył dokończyć swojego ostatniego obrazu „Portret poety Bryusowa”.

Ślepy i wzruszający próbuje wymazać część tła, by je poprawić, ale przypadkowo wymazuje część postaci. Sanitariusze dosłownie wyrwą z rąk autora cenny obraz, a potem pożałują swego czynu: po tym Vrubel już nigdy nie podniesie pędzla.
Będzie żył niewidomy przez kolejne cztery lata. Artysta nigdy się nie dowie: został wybrany na Akademię Sztuk Pięknych zaocznie. Wystawy z jego obrazami podróżują po całej Europie i zyskują światową sławę i uznanie. A w prasie pojawią się publikacje, że Demon zniszczył swojego autora.
Już ślepy Vrubel spróbuje położyć kres potędze swojego Demona - zabić się. Ale zmarł na ostre zapalenie płuc. Demon Vrubela nie poprzestał na tym. Odebrał mu wzrok i umysł, a od swej śmiertelnej miłości Emilii Prakhowej – rodzinę i spokój ducha.
Kiedy zmarła Vrubel, to ona, wielka dama z Kijowa, organizatorka balów i wspaniałych przyjęć, została oskarżona o winę za szaleństwo geniusza. Emilia nie wytrzyma takiej presji. Zostawi męża i przeniesie się na prowincję, a tam zapomniana przez wszystkich i samotna umrze.

Holender Pieter Brueghel Starszy napisał Pokłon Trzech Króli w ciągu dwóch lat.

Wzorem dla Matki Boskiej była jego kuzynka, bezpłodna kobieta, którą za to pobił jej mąż. To ona spowodowała złą aurę obrazu. Płótno było kupowane czterokrotnie przez kolekcjonerów, a potem w rodzinach nie urodziły się dzieci przez 10-12 lat. W 1637 roku Jacob van Campen kupił obraz. W tym czasie miał już trzech potomków i dlatego nie bał się klątwy.

******************************
Zły duch straconego przestępcy

Zły duch straconego przestępcy
Obrazy ze śmiercionośną energią to zawsze wielu handlarzy antykami. Dorothy Jenkins, mieszkanka Londynu, kupiła kiedyś jedną z nich w sklepie z antykami w Fulham.
Był to portret młodej kobiety w czerwonej aksamitnej sukience. Płótno miało cztery stopy kwadratowe i nosiło ślady ognia. Pod obrazem znajdował się krótki podpis – „Antoine”.

Obraz natychmiast przyniósł problemy do domu. Z początku sama Dorota odczuła ataki załamania nerwowego. Będąc osobą bystrą, zasugerowała, że ​​jej choroba jest w jakiś sposób związana z portretem wiszącym w jej pokoju. Aby w końcu się o tym przekonać, Dorothy zaproponowała swojemu synowi Edwardowi powieszenie obrazu w swoim pokoju na kilka dni. Wynik nie był powolny, aby wpłynąć:
Edward - spokojny, melancholijny młody człowiek, czasami zaczynał odczuwać, że przetaczają się przez niego fale niekontrolowanego gniewu.
Dorota zwróciła się o radę do swojego znajomego, badacza zjawisk okultystycznych, Philipa Paula. Przyszedł na spotkanie ze słynnym londyńskim medium Anne Quigt. Paul nie przekazał jej wszystkich informacji o problemie, który badał, po prostu poprosił ją o "psychometrię" niektórych przedmiotów w jednej z dzielnic Londynu.
Parapsychologom w domu Dorothy Jenkins towarzyszyła Leslie Howard, zastępca redaktora naczelnego Parapsychology News, trzech reporterów prasowych i fotograf, który sfilmował cały proces badawczy.
Aby uczynić wyniki eksperymentu bardziej obiektywnymi, Paul poprowadził medium bezpośrednio do dziwnego portretu, mówiąc, naturalnie kłamliwie, że prawdopodobnie najpierw chciałaby zbadać całkowicie „neutralne” obiekty w tym domu. Jednak Ann Twigg od razu poczuła nieznośny horror obok obrazu, wpadła w trans i zaczęła nieartykułować o jakichś pomieszanych wydarzeniach, wśród których były dźwięki muzyki, wizja krwi i opis jakiejś wilgoci. Więzienna cela wypełniona szczurami, a także szubienica, młoda kobieta z rozwianymi włosami, kat i tłum ludzi na rynku.
Po eksperymencie Ann twierdziła, że ​​gdy tylko weszła do pokoju, zobaczyła jasny błysk światła przemieszczający się z jednego miejsca do drugiego. Punktem, w którym wybuchła ta epidemia, był obraz Antoine'a. Wszystko wskazuje na to, że obraz przedstawiał portret kobiety, najprawdopodobniej szlacheckiego pochodzenia, która w odległym XVIII wieku, oskarżona o jakąś straszliwą zbrodnię, została publicznie powieszona na rynku miejskim.
Jednak jej duch nie uspokoił się po jej śmierci i na zawsze osiadł w portrecie, negatywnie wpływając na zdrowie właścicieli obrazu z niego. Oczywiście Dorothy Jenkins chciała od razu pozbyć się przeklętego portretu.
Jednak Ann Twig odwiodła ją od tak pochopnego kroku. "Duch może się obrazić", powiedział medium, "a konsekwencje tego będą nieprzewidywalne. Dlatego najbardziej neutralną opcją byłoby przeniesienie obrazu gdzieś na strych lub szafę i pozostawienie go tam na zawsze". Dorota właśnie to zrobiła i od tego czasu ani jej, ani jej synowi Edwardowi nie przeszkadzał zły duch.

**********************

Duchy szalały.

Każdy, kto oglądał bajkę o Harrym Potterze, zapewne pamięta, jak duchy dawno zmarłych ludzi, stale żyjące w swoich portretach, regularnie chodziły po szkole dla młodych czarodziejów, a czasem nawet bez złośliwości płatały figle. Według dalekich od bajecznych pracowników muzeum takie przypadki zdarzają się w prawdziwym życiu. Tak więc w 1996 roku w Muzeum Prado w Madrycie, na oczach oszołomionych turystów z Japonii, infantka zeszła z obrazu Velazqueza i… oddała mocz na podłogę! Potem oczywiście wróciła do obrazu.

A w Musée d'Or-se w Paryżu uroda Renoir przez dziesięć minut szokowała grupę uczniów i ich przewodnika, rozkładając nogi ... Warto zauważyć, że w obu przypadkach falbanki duchów były widziane tylko przez tych, którzy znajdowali się w bezpośrednim sąsiedztwie obrazów. Reszta zwiedzających nie zauważyła niczego szczególnego.
... Jak donosiło ostatnio wiele mediów, w jednym z muzeów w Nowym Jorku, niemal tuż przed zamknięciem, kiedy w holu prawie nie było już ludzi, z obrazu autorstwa nieznany artysta XIX wieku i... udusił pobliskiego gościa. Kuratorzy muzeum przybyli na miejsce zbrodni, gdy duch wrócił już na swoje miejsce na portrecie...

Moim zdaniem to przesada.

Rosyjscy naukowcy, badając „fantomowe” obrazy obrazów, doszli do wniosku, że „Dziewiąta fala” Aiwazowskiego i wiele innych słynnych obrazów również ma potężną negatywną aurę. A podczas badania energii „Czarnego kwadratu” Kazimierza Malewicza jeden z naukowców… stracił przytomność. „To jeden wielki skrzep ciemnej mocy i energii. Jakby malowali obraz w zaświatach” – przyznał naukowiec, gdy ledwo go opamiętali. O obrazie Malewicza „Czarny kwadrat” mówiono już wcześniej i mówi się o nim dzisiaj. I nie tylko do wypełnienia ceny. Do tej pory nikt nie wie, co oznacza ten kwadrat i co Malewicz chciał nim wyrazić. „Czarny kwadrat” to „czarna dziura” w malarstwie, która wciąga pozytywną i wyrzuca negatywną energię, która silnie oddziałuje na psychikę widza. Jednak dyskusje wokół „Czarnego kwadratu” nie ustępują.

Mówiono, że artysta zaprzedał duszę diabłu – wszystkie osoby przedstawione na obrazach zginęły wkrótce po pozowaniu. Higgins byli pierwsi. Artysta nie udziela wywiadów, nie komentuje tragicznych losów swoich modelek. Od czasu do czasu dzwoni do tej lub innej bogatej osoby, której twarz często migocze w gazetach: „Wiesz, planuję zrobić twój portret ...” A śmiertelnie przestraszony milioner płaci porządną sumę tylko po to, aby tego nie zrobił ... .
*******************************
Są też obrazy mistyczne: przedstawione na nich młode piękności, które zmarły po namalowaniu obrazów, mają pewną moc, która może skrócić życie właścicieli tych obrazów. Starzy kolekcjonerzy, od dawna obserwując życie obrazów, zauważyli, że obraz zdaje się wpływać na przestrzeń wokół i przenosi ukazane na nim wydarzenia w realne życie.

Aureola tajemniczych śladów za obrazami wielkiego rosyjskiego artysty Kramskoja Iwana Nikołajewicza (1837-1887). Słynny obraz „Nieznane” to portret prawdziwej, pięknej kobiety. Swoim realizmem portret od dziesięcioleci wzbudza zachwyt publiczności, jej lekko pogardliwe spojrzenie, lekki rumieniec na policzkach, lekko wykrzywione usta zdają się wyrażać jej niedostępność dla innych, których urzeka jej uroda. Wygląda na to, że po Newskim Prospekcie powoli przechodzi dama, otoczona ekscytującym zapachem mistycyzmu, zagadkami.

Dzisiejsi krytycy i zwykli kontemplatorzy uważają, że przed nimi stoi typowa arystokratka po czubki paznokci, pewna siebie i swojej urody, ale publiczność, która jest rówieśnikiem przedstawionej damy, od razu zdeterminowana jej strojem i przyciemnioną twarzą, która była przedstawicielką tak zwanych pań półświata, to tylko treść. Daje ją połączenie dwóch modnych rzeczy jednocześnie, co było niedopuszczalnym popiersiem w stroju porządnej damy tamtych czasów. Oprócz ubrań makijaż zdradza również kobietę: rumieniec na policzkach, szminka na ustach i oczywiście zsumowane brwi, co uznano za nieprzyzwoite w stosunku do świeckich pań.

W tym czasie artystka była dosłownie bombardowana pytaniami: kim jest ta piękna nieznajoma, czy naprawdę istnieje, czy jest to wytwór wyobraźni artysty? Na co Kramskoy odpowiedział z uśmiechem: „Oczywiście, że jest prawdziwa, prawdziwa, istniejąca na płótnie”. Dławiąca się od przytłaczających emocji publiczność dzieliła się wrażeniami i pragnęła jakoś zbliżyć się do rozwikłania tajemnicy jej urody.

Tylko jedna osoba nie podziwiała obrazu piękna, wręcz przeciwnie, uważnie wpatrując się w pogardliwe spojrzenie nieznajomego, skręciła ostro i nie oglądając się za siebie, opuściła salę, w której pokazano portret „Nieznajomego”. Tym człowiekiem był słynny kolekcjoner Paweł Michajłowicz Tretiakow. Artysta Kramskoy był bardzo urażony takim zachowaniem kolekcjonera i sprzedał swój obraz małemu kolekcjonerowi. A pan Tretiakow, mając za sobą gorzkie doświadczenie, wiedział, że portrety pięknych, śmiertelnych kobiet nie przyniosą nic dobrego.

Wśród kolekcjonerów obrazów panuje przekonanie, że piękności przedstawione na płótnach znanych artystów odbierają witalność patrzącym na nie ludziom, ponieważ wiadomo, że ludzie nazywają obraz Leonarda „Gioconda” oraz obrazy z kobietami Tycjana i Botticellego „obrazy wampirów”, a fanatyczni widzowie nieustannie próbują te obrazy psuć, wycinać, a nawet niszczyć.

Obraz „Nieznany” również spotkał smutny los: najpierw trafił do nieznanego kolekcjonera, potem, jakby się nie uspokajał, długo przechodził z rąk do rąk. Przechodząc na kolejną wystawę, obraz wywołał masę plotek, że przyniósł już wiele nieszczęść swoim właścicielom. Ale u samego twórcy niefortunnego obrazu wydarzyło się naprawdę straszne wydarzenie: niecały rok po napisaniu „Nieznanego” zmarli dwaj synowie Kramskoya. Zrozpaczony artysta wyraża głębię tragedii, pisząc kolejne arcydzieło - „Niepocieszony żal”: płótno przedstawia jego płaczącą żonę, stojącą pośrodku pustego pokoju. Zdając sobie sprawę, że nikt nie chciałby kupić obrazu z tak szczerym wyrazem żalu, Kramskoy przekazuje go Galerii Trietiakowskiej. Ale pan Tretiakow, który uchodził za osobę przyzwoitą i sympatyczną, przekazał rodzinie artysty znaczną opłatę za płótno.

*****************************

Historia malarstwa opowiada o losach siostrzenicy genialnego włoskiego kompozytora N. Pacchini, którego portret namalował w 1832 roku wspaniały artysta Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852).

Obraz „Jezka” przedstawia młodą Giovanninę Paccini, z wdziękiem tańczącą na cienkim koniu. W Rzymie powiedzieli, że młoda Giovannina miała szczęście, ponieważ po śmierci wuja bogata rosyjska hrabina Julia Samoilova zabrała ją na wychowanie, ale szczęście nie trwało długo - dziewczyna została zadeptana przez konia.

Według tradycji kościelnych ewangelista Łukasz jako pierwszy namalował twarz Dziewicy podczas Jej ziemskiego życia. Przez wieki opracowywano kanony, dzięki którym można było rozpoznać obraz Dziewicy, udoskonalono technikę pisania, pojawiły się nowe pomysły, spory teologów dokonały zmian w istniejących zasadach malarstwa.

Malowanie religijne było dozwolone w Kościele katolickim, a malowanie ikon z jeszcze bardziej sztywnymi ramami obrazu zostało uznane w prawosławiu.

W sztuce katolickiej pojawienie się kobiety było często punktem wyjścia do stworzenia wizerunku Matki Boskiej. Nie była tu wyjątkiem „Madonna Sykstyńska” Rafaela, w której cechach rozpoznaje się nie tyle czczony przez chrześcijan obraz Matki Bożej, ile przedstawiony na płótnie przez Margaret Luti (Luti, Lucci).

Niemal po raz pierwszy w historii renesansowej sztuki Matka Boża nie została przedstawiona w swojej boskiej postaci. Stwierdzono całkowitą rozbieżność z ogólnie przyjętymi wizerunkami Madonny - podkreśloną prostotą pozy, sylwetki, twarzy, ubrania, fryzury, braku butów.

Wydaje się, że nawet papież Sykstus II, przedstawiony obok Madonny, u której stóp znajduje się papieska tiara, symbol władzy duchowej, oraz św. bezbronność, otwartość i całkowicie ziemski wygląd chłopki. Na Madonnie Sykstyńskiej nie ma korony królewskiej ani luksusowego stroju, nie zasiada majestatycznie na tronie; nawet dziecinnie szerokie oczy Madonny zdają się sprzeciwiać mądremu spojrzeniu Dzieciątka Jezus.

Gotowe płótno wzbudziło wiele kontrowersji w środowisku kościelnym, klienci odmówili przyjęcia „Madonny Sykstyńskiej”, uznając obraz za niemal heretycki. Z punktu widzenia księży katolickich taki obraz był z natury grzeszny, co oczywiście nie umniejszało jego wartości artystycznej.

Informacje o Margaret Luti, które przetrwały do ​​dziś, są bardzo skąpe i bardziej przypominają legendy. Jej ojciec był piekarzem, który wraz z rodziną przeprowadził się ze Sieny do Rzymu. A w Rzymie Rafael Santi poznał Margaretę. Podczas znajomości Margareta zgodziła się pozować artyście do stworzenia fresku „Kupidyn i psychika”. Młodzi ludzie się w sobie zakochali, ale jej ojciec był przeciwny ich spotkaniom. Wtedy Raphael kupił Margaretę od piekarza, płacąc trzy tysiące złotych monet za swoją piękną ukochaną.

Przez dwanaście lat z rzędu (według innych źródeł - sześć lat) Rafael i Małgorzata mieszkali razem, towarzyszyła mu we wszystkich podróżach i była wzorem dla wielu obrazów wielkiego malarza, pomagając mu tworzyć wizerunki Madonn, świętych i mitycznych piękności. Współcześni podkreślali, że Rafael nie rozstawał się z nią aż do śmierci, nie mógł pracować, gdyby nie było jej w pobliżu.

Opinie badaczy na temat życia Margaret Luti są zupełnie przeciwne. Niektórzy twierdzą, że nie wyróżniała się wiernością i często zwracała uwagę zarówno na odbiorców dzieł Rafaela, jak i jego uczniów. Jedna ze słynnych plotek mówi również, że Rafael zmarł w łóżku swojej niewiernej kochanki na atak serca.

Inni, w tym Pavel Muratov, wskazują, że były to wzniosłe związki miłosne. Małżeństwo artysty z córką piekarza zostało zakazane przez Watykan iw nadziei uczynienia z Rafaela nadwornego malarza zorganizował jego małżeństwo z siostrzenicą jednego z kardynałów, ale Rafael odrzucił ją. Wiadomo też, że szlochająca Małgorzata została usunięta z pokoju umierającego Rafaela, gdy przybył do niego papieski wysłannik.

Trochę więcej o Repinie

Rosyjski artysta Ilya Repin był także wielkim mistrzem zabijania swoich bohaterów.

Niemal następnego dnia po zakończeniu prac nad ich portretami zmarł kompozytor Musorgski, chirurg Pirogow i polityk Stołypin. Pisarz Vsevolod Garshin rzucił się na schody po tym, jak Repin namalował od niego szkic głowy księcia do obrazu „Iwan Groźny zabija swojego syna”. Prawie wszyscy przyjaciele, których uchwycił na innym słynnym płótnie - „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana”, z różnych powodów zmarli natychmiast po wystawieniu dzieła. Przerażony artysta zamalował na nim obraz własnego syna.