Tenor liryczny to dość luźna koncepcja. Właściciele tego typu głosu mogą brzmieć zarówno lekko, jak i dość mocno, czasem można je nawet pomylić z tenorami dramatycznymi, brzmią tak „objętościowo” i potężnie. Osobliwością tenora lirycznego jest jego miękkość w wytwarzaniu dźwięku, umiejętność uzyskania bardzo cichego brzmienia, duża ruchliwość głosu, zwykle lekkość barwy, ale jednocześnie, w przeciwieństwie do lekkiego tenora, głosy te brzmią już dość odważnie , mocny, czasem nawet z nutami barytonowymi w barwie. Na górze zwykle mają C - C Sharp, a czasem D drugiej oktawy.
Niektórzy tenorzy liryczni, dysponujący doskonałą techniką, pozwalają sobie czasem na śpiewanie cięższego repertuaru, przeznaczonego dla innego rodzaju głosu.

Beniamino Gigli. Miękki tenor liryczny (z pierwszej połowy XX w.), miał lekką barwę głosu, często śpiewał na fortepianie, przez co zdawało się, że śpiewa nie głosem, a raczej falsetem, ale gdyby chciał, potrafiłby to pokazać miał daleki od lekkiego głosu i, że tak powiem, „wydawał” dźwięk.
Krzyk Federico „Arlesjanin” Francesco Cilea.
Arię tę Gigli śpiewa głównie na fortepianie, jednak w kulminacyjnych momentach pozwala sobie na dodanie większego brzmienia. To właśnie te partie, bardziej zaprojektowane pod kątem szerokości głosu, kantyleny i miękkości dźwięku, są najbardziej odpowiednie dla tenorów lirycznych.

Śmiej się Pagliacci „Pagliacci” Leoncavallo.
W tej arii Gigli śpiewa na granicy swojego głosu i być może na granicy swoich możliwości emocjonalnych. Beniamino był osobą bardzo życzliwą i emocjonalną; w jednym z wywiadów powiedział, że debiutując w roli Canio podczas arii „Śmiej się klaunie”, tak bardzo współczuł swojemu bohaterowi, że ze łzami w oczach opuścił scenę i dopiero po chwili mógł kontynuować występ.

Jussi Björling, słynny szwedzki śpiewak, tenor liryczny, dysponujący dużą skalą i dźwięcznością głosu, w razie potrzeby potrafił konkurować z niemal każdym tenorem dramatycznym, ale liryczny charakter jego głosu pozwalał mu także śpiewać bardzo cicho i swobodnie.
Czasem Bjerling zaliczany jest do tenorów liryczno-dramatycznych, jednak uważam, że ta klasyfikacja jest błędna, miał po prostu szeroką rozpiętość dynamiczną, potrafił poszerzać i zawężać barwę głosu, ale mimo to miał charakter liryczny.

Federico płacz. W odróżnieniu od Gigli, Björling śpiewa wielkim dźwiękiem, a w każdym razie nie wydaje takiego „falsetowego” dźwięku, śpiewa lirycznie, pozwalając dźwiękowi płynąć płynnie, tylko czasami zamieniając go w burzliwy strumień.

Śmiej się klaunie. W tej arii Bjerlingowi nie pozostało już prawie nic ze swojego lirycznego brzmienia; zaangażowana jest cała siła głosu, momentami może się nawet wydawać, że śpiewa nie tenor, ale lekki baryton.

Luciano Pavarottiego. Luciano dysponował chyba najdoskonalszą techniką; w jego repertuarze znajdowały się role od najlżejszych, wykonywanych zazwyczaj przez lekkich tenorów, jak opera „Córka pułku”, po ciężkie, wymagające potężnego brzmienia partii Otella z opery Verdiego to samo imię.

Federico płacz. Styl Luciano jest tu nieco podobny do Gigliego, jest też dużo lekkiego brzmienia, choć bez podtekstów falsetu, nigdzie nie narzuca presji brzmienia, śpiewa lekko, cicho, dźwięk płynie zupełnie swobodnie.

Śmiej się klaunie. W odróżnieniu od Bjerlinga Pavarotti starał się zachować w tej części liryczne brzmienie, choć znacząco wzmocnił swój głos.

Duet Iago i Otella „Otello” Giuseppe Verdiego.
Tutaj Luciano starał się już jak najdokładniej pokazać swój głos i zawartą w nim energię. Jednak i tutaj nie starał się pokazać, że jest tenorem dramatycznym.

Tenor liryczno-dramatyczny, głos niekoniecznie mocniejszy od lirycznego, ma raczej ostrzejsze brzmienie, twardszą (zwykle) barwę, w głosie jest więcej stali, śpiewak z takim głosem może sobie pozwolić na śpiewanie obu część liryczną i dramatyczną. Czasem zdarza się, że posiadacze takiego głosu nie mają szczególnie pięknej barwy czy dużego głosu, wtedy przydziela się ich do specjalnej kategorii „tenor charakterystyczny”, śpiewający najczęściej w rolach drugoplanowych, ale czasem charakterystycznych, posiadających ogromny talent, docierają do pierwszych ról, a nawet stają się światowymi piosenkarzami.

Mario Lanza, właściciel pięknej, słonecznej barwy głosu, wspaniałej natury, śpiewał zawsze bardzo dobrze, jeszcze zanim zaczął studia, ale po zajęciach z Rosati pod względem technicznym stał się bardzo bliski ideału. Gdyby tylko był mniej leniwy i trochę więcej nad sobą pracował...

„Marta Marta, gdzie się ukryłaś” „Marta” Friedrich Von Flotow.
Partia Lionela, przeznaczona bardziej dla tenora lirycznego, wykonana przez Lanza brzmi po prostu cudownie, energia charakterystyczna dla tenora perkusyjnego z miękkością tenora lirycznego.

Śmierć Otella „Otella” Verdiego.
Partię Otella Verdi napisał na podstawie możliwości wokalnych dramatycznego tenora Francesco Tamagno, śpiewaka, który przed wyjściem na scenę musiał zabandażować klatkę piersiową, aby – nie daj Boże – nie śpiewać całą siłą swoich sił. głos. Od głosu Tamagno można było stracić przytomność, był tak mocny (choć tutaj moim zdaniem winę ponosiły też pewne cechy barwowe głosu; np. nawet słuchając stuletnich nagrań Tamagno, kręciło mi się w głowie zranić).
Lanza dobrze radzi sobie z tą partią, bez konieczności śpiewania na pełną głośność lub zmiany głośności głosu.

Placido Domingo, tenor liryczno-dramatyczny i szczerze mówiąc, nawet dość charakterystyczny, barwa jego głosu nie jest bogata, choć brzmi szlachetnie i pięknie, ale to zasługa Domingo jako artysty, muzyka, śpiewaka, ale z natury miał mniej szczęścia niż Lanza czy Bjerling.

„Marto Marsz, gdzie się ukryłaś” „Marto”
Domingo jest w nim mniej liryczny niż Lanza, ale tutaj powodem jest raczej mniej piękny ton, jeśli chodzi o miękkość dźwięku, śpiewa nawet lepiej niż Mario Lanza, po prostu dlatego, że w przeciwieństwie do Lanzy nie jest leniwy i wie, jak to zrobić pracować nad jakością swoich występów.

Śmierć Otella.
Tutaj Domingo jest bardzo dobry, mocny, stalowy, gdzie potrzebne są teksty, w przeciwieństwie do Marty, tutaj wcale nie widać, że głos nie jest bogaty w charakterystykę barwową.

Giaccomo Lauri-Volpi: w głosie tego piosenkarza jest wiele niezrozumiałych, ale skłonny jestem przypisywać to głosom liryczno-dramatycznym, choć on sam uważał się za tenora dramatycznego. Na górze Volpi miał F drugiej oktawy, czyli nutę charakterystyczną dla lekkich tenorów (a nawet wtedy nie wszystkich), na dole wziął basowe F, o ile wiem, wziął to całkiem dźwięczne , w przeciwieństwie do innych tenorów, którzy raczej po prostu nucili tę nutę.

A ty, o cara „Puritani” Bellini.
Bellini pisał Purytanów z myślą o Giovannim Rubbinim, pierwszym w historii tenorze, który śpiewał górne C głosem, a nie falsetem; według współczesnych Rubbini miał bardzo bogatą barwę i rozpiętość dźwięku, potrafił śpiewać zarówno cicho, jak i wypełniająco; jego głos był stalowy, czyli najprawdopodobniej sam był także tenorem liryczno-dramatycznym, co w połączeniu z ówczesną technologią (ówcześni śpiewacy potrafili śpiewać na jednym tchu aż do dwunastu dwuoktawowych gam, a niektórzy potrafili dekoracje na każdej nucie), teraz utracone, stworzyły efekt wykonawczy, którego najprawdopodobniej nawet nie jesteśmy w stanie sobie wyobrazić. Volpi śpiewa arię z Purytanów, cicho, lirycznie, dopiero w górnym C pozwala sobie na dodanie stalowego głosu.

Śmierć Otella. Lauri Volpi przygotował partię Otella pod koniec swojej kariery; jego głos nie brzmiał już tak samo jak w młodości, ale wciąż rósł swobodnie. W tym wykonaniu delikatna barwa Lauri-Volpi i dramatyczna laserowość, jaką natura (i maestro Antonio Catogni) włożyła w jego głos, są w interesujący sposób splecione. Dodam, że pomimo pozornej miękkości Lauri Volpi miał bardzo mocny głos, który w razie potrzeby potrafił dosłownie ogłuszyć.

Na koniec kilka fragmentów z „Hugenotów” Meyerbeera.
Na tym nagraniu Lauri-Volpi w kulminacyjnym momencie wykonuje górne D, wykonuje je zupełnie swobodnie, pełnym głosem i dosłownie trzydzieści sekund wcześniej śpiewa na fortepianie górne C lekkim głosem i można usłyszeć, że to głos, a nie falset.

Dramatyczny tenor, najsilniejszy z wysokich głosów męskich, barwa tego głosu jest często twarda, stalowa, dźwięk jest zazwyczaj „laserowy” bezpośredni. Są to zazwyczaj najpotężniejsze głosy. Warto też dodać, że prawdziwy tenor dramatyczny to raczej rzadka bestia, a tenory o głosie przypominającym tarany rodzą się z reguły raz na stulecie.

Mario Del Monaco (1915-1982) według wielu świadectw miał najmocniejszy, najciemniejszy głos, w głębi dźwięku bliski już barytonowi. Monako nie śpiewało ról niemal lirycznych, z wyjątkiem Rudolfa z Cyganerii Pucciniego i Alfreda z Traviaty Verdiego. Jego ukoronowaniem była rola Otella w operze Verdiego pod tym samym tytułem. W tej części głos Monaco zabrzmiał tak swobodnie, jak to tylko możliwe, z całą swoją charakterystyczną mocą.

Dio mi potevi „Otello” Verdi
Tutaj Monaco pozwala sobie na pokazanie całej dynamiki swojego głosu, od stosunkowo lekkiego i cichego brzmienia po grzmiący forte w końcówce. Warto zwrócić uwagę na klarowność przejść pomiędzy nutami, na wolumen głosu, na jego „bezpośredniość” w dobrym tego słowa znaczeniu.

Di quella Pira „Trovatore” (Trubadur) Verdiego.
Słynna „Stretta Manrico”, w której Mario zupełnie swobodnie wchodzi w górne C, tak samo swobodnie śpiewa wszystkie dość niezgrabne krótkie nuty tej arii, wszystko brzmi precyzyjnie i wyraźnie, ale z poczuciem, że śpiewak dochodzi do granic możliwości jego możliwości, że wcale tak nie było. Piosenkarzy takich jak Mario Del Monaco nazywano także tenore di forza.

Che gelida manina „Cyganeria” Pucciniego. W tej arii Monaco bardzo się stara, aby zabrzmieć lirycznie, co prawie mu się udaje. Jednak w kulminacyjnym momencie, w górnym C, charakter jego głosu daje o sobie znać.

Franco Corelli (1921-2003): Był prawdopodobnie jedynym, który mógł konkurować z Monako pod względem mocy akustycznej. Jego głos był lżejszy, bardziej miękki i jeśli to konieczne, Corelli potrafił nadać mu niemal liryczny charakter. Oprócz doskonałych umiejętności wokalnych Franco był właścicielem najgłębszej kultury muzycznej i nie tylko muzycznej. Corelli już za życia stał się legendą. Co ciekawe, mimo grzmiącego głosu Franco nie zaśpiewał Otella (tutaj powodem było to, jak sam przyznał, że ta partia wydawała mu się zbyt nerwowa i trudna psychologicznie), a jedną z ulubionych partii Corellego był Rudolf z Cyganerii , który wykonał ze swoim, jest znacznie lepszy niż ten z Monako, a także wielu tenorów liryczno-dramatycznych i lirycznych. Jedną z niesamowitych zdolności wokalnych Corelliego było także płynne deminuendo (stopniowe zmniejszanie głośności) w wysokich tonach, od grzmiącego forte po lekkie pianino.

Ach, si ben mio. Di quella pira! "Trubadur"
Pomimo tego, że Monaco wykonało tę partię znakomicie, moim zdaniem Corelli śpiewa ją mocniej, bardziej emocjonalnie, subtelniej.

Che gelida manina „Bohemia”.
Rola Rudolfa, jak wspomniano powyżej, była jedną z ulubionych Corellego.
Mimo mocy i wolumenu głosu śpiewa wszystko tak lirycznie, jak to tylko możliwe, choć natury nie można ignorować, duży głos to duży głos.

Celeste Aida „Aida” Verdi.
Wspominając Corelliego, nie sposób nie wspomnieć o jego wspaniałych deminuendach. Pod koniec romansu Radamèsa „Sweet Aida” Corelli wykonuje gładkie deminuendo na górnym B, od forte do ledwo słyszalnego fortepianu, bez przejścia głosu na falset na fortepianie.

Aureliano Pertile (1885-1952): Posiadając duży, dźwięczny, dramatyczny głos, Aureliano Pertile zaśpiewał niemal cały repertuar tenorowy, od Otella po Arturo z „The Puritans” (choć ostatnią część zmuszony był zaśpiewać o ton niższy niż zapisano przez kompozytora).
Barwa Pertile'a jest specyficzna, współcześni nazywali go rechotliwym tenorem ze względu na jego ostry, czasem wręcz nieprzyjemny głos. Ale doskonała technika, muzykalność, dosłownie matematyczna precyzja wykonania, pozwalają zapomnieć o nieprzyjemnych niuansach barwowych. Zwykle po przesłuchaniu kilku rzeczy ma się wrażenie, że Aureliano miał głos o najszlachetniej brzmiącej barwie.

Dio mi potevi „Otello” Verdi.
W tym utworze, zgodnie z tradycją, Pertile śpiewa potężnie, choć czasem przechodzi w lekkie brzmienie, w miejscach lirycznych.

Di quella pira „Trovatore”
Tutaj bardzo wyraźnie słychać barwę Pertile'a, a także jego klarowność i przemyślaność każdej frazy; imponujące są wolne i mocne wyższe nuty, bogate w barwę.

Mein Lieber Schwan „Lohengrin” Richard Wagner.
W partii Lohengrina Pertile śpiewa bardzo cicho, lirycznie, na fortepianie, czasem jednak wychodzi na forte, co wydaje się jeszcze potężniejsze ze względu na poprzedzający go fortepian.

Głos, którym natura obdarzyła człowieka, jest w stanie przekazywać dźwięki nie tylko w rozmowie i wyrażaniu emocji, ale także podczas śpiewania. Melodia głosu ludzkiego jest bardzo bogata, jego paleta jest wielobarwna, a zakresy wysokości dźwięków bardzo indywidualne. To właśnie te kryteria pozwoliły zdefiniować odrębny gatunek wokalu w sztuce.

Samo pojęcie zostało zdefiniowane i oznaczone w języku łacińskim (vocalis – „brzmiące”). Wokalista to muzyk, który używa swojego głosu jako instrumentu. Potrafi brzmieć nisko i śpiewać nuty o wysokich rejestrach. Bas lub sopran, baryton lub mezzosopran, alt lub tenor to różne rodzaje głosów śpiewających.

Do kategorii wokalistów zaliczają się nie tylko śpiewacy partii klasycznych, ale także wykonawcy recytatywów i recytacji artystycznej. Kompozytorzy klasyczni zawsze piszą swoje utwory, traktując głos wokalisty jako samodzielny instrument muzyczny, biorąc pod uwagę jego cechy i możliwości.

Określanie typu głosu podczas śpiewania

Głosy śpiewające dzielimy na typy ze względu na zakres dźwięków, których wysokość zależy od indywidualnych możliwości wokalisty. Przypisanie głosu do określonego typu jest bardzo ważnym zadaniem. Bas, alt, sopran, tenor – tylko specjalista jest w stanie określić, jaki to zakres. Co więcej, zakres śpiewu wokalisty może zmieniać się w czasie, a używanie głosu ponad jego możliwości może również odbić się na zdrowiu muzyka.

• Barwa (nauczyciele śpiewu nazywają to „kolorem głosu”).
• Tessitura (najwyższe możliwości i wytrzymałość na przyjmowanie wysokich dźwięków).
• Artykulacja.
• Budowa krtani (konsultacja z foniatrą).
• Cechy zewnętrzne, behawioralne i psychologiczne wokalisty.

Najwyższy z męskich głosów

Co ciekawe, w naszych czasach tematem marzeń młodych mężczyzn planujących karierę wokalną jest tenor. Najprawdopodobniej jest to hołd złożony modzie. Dziś jest to podyktowane przez współczesnych kompozytorów, którzy często piszą partytury męskie na głosy wysokie. Nie zawsze tak było. Ale musimy się dowiedzieć, jakim rodzajem głosu jest tenor?

Klasyczne standardy dotyczące typów głosów śpiewających definiują tenor jako najwyższy z zakresów męskich, wyznaczany granicami „C” pierwszej oktawy - „C” drugiej oktawy. Nie można jednak powiedzieć, że te granice są niezachwiane. W tym miejscu trzeba powiedzieć, że tenor to nie tylko wokal klasyczny, gdy partie tenorowe pisane są ściśle w określonym zakresie, ale także rejestr muzyczny dla śpiewaków popowych i rockowych, których melodie często przekraczają granicę wyznaczonego zakresu.

Jaki jest tenor?

Ograniczanie tenorów jedynie do wyznaczonego zakresu byłoby niesprawiedliwe. Siła, czystość i głośność brzmienia niektórych nut tenorów pozwoliły im, podobnie jak innym typom, uzyskać dodatkową gradację. Subtelności odróżniania jednego podtypu od drugiego są dostępne tylko doświadczonym nauczycielom śpiewu. Jakie są rodzaje tenorów?

Tenor altino lub kontratenor

Głos podobny do chłopięcego jest najwyższym ze wszystkich tenorów, który nie załamał się po mutacji i zachował niską barwę. Tenor ten bardziej przypomina głos kobiecy: zjawisko niezwykle rzadkie, można to nazwać błędem natury. Przykładem wokalu kontratenorowego może być „Aria Królowej Nocy” w wykonaniu M. Kuzniecowa.

Tenor liryczny

Tenor liryczno-dramatyczny

Podtyp tenorowy jest zbliżony do lirycznego, ale zabarwiony wydźwiękiem, znacznie gęstszy i bogatszy.

Tenor dramatyczny

Z klasyfikacji tenorowej jest najniższy, wyróżnia się siłą dźwięku i bliskością barwy do barytonu. Wiele ról operowych napisanych jest dla tenora dramatycznego (Otello, Hermann z Damy pikowej).

Z charakterystyki podtypów tenorów można zrozumieć, że wszystkie z wyjątkiem kontratenora różnią się od siebie kolorem i barwą. Tenor to ulubione brzmienie głosu partii bohaterskich postaci, począwszy od miłośników bohaterów, a skończywszy na bohaterach-wyzwolicielach, bohaterach-bojownikach.

Uwagi przejściowe

Kolejną cechą klasyfikującą tenory będą tzw. obszary przejściowe. Po tych nutach głos zaczyna się dostosowywać i zmieniać sposób, w jaki gra. Nuty przejściowe zależą bezpośrednio od struktury aparatu głosowego. Są to ekstremalnie wysokie dźwięki, które piosenkarz wytwarza bez zmiany położenia więzadeł. Każdy wokalista ma swój własny, indywidualny obszar. Zależy to bezpośrednio od treningu strun głosowych. Tenor jest najbardziej zwinnym rodzajem głosów śpiewających. Dlatego też obszar przejściowy tenora będzie się zmieniał w trakcie jego kariery.

Barwa jest cechą tenorów

Głównym błędem, jaki popełniają początkujący młodzi wokaliści przy określaniu rodzaju głosu, jest próba sklasyfikowania go jedynie według zasięgu. Kiedy w ustalenie zaangażowany jest specjalista, z pewnością oceni barwę głosu. Specjaliści nazywają barwę „kolorami dźwięku”. To barwa pomaga głosowi odtwarzać nuty o dokładnej wysokości i pełnej mocy. Często zdarza się, że jedno odsłuchanie nie wystarczy do trafnej „diagnozy”. W końcu barwa jest również cechą zmienną. Ale dotyczy to bardziej klasycznych wokali.

Tenor i muzyka współczesna

A żeby wykonywać muzykę współczesną, bez dotykania partii operowych, absolutnie nie trzeba określać, jakim masz tenor. Głos można po prostu zdefiniować jako wysoki, średni lub niski. Gradacja ta jest praktykowana na Zachodzie od dawna. Tenor jest w nim po prostu z definicji najwyższym z głosów męskich.

Konwencja ta budzi żal u młodych mężczyzn, którzy z natury mają głos o niskim lub średnim rejestrze, a nie tenor. Głos jest instrumentem muzycznym i każdy instrument pełni w orkiestrze rolę. Nawet wśród współczesnych utworów muzycznych, niestety, dziś skupionych głównie na tenorach, można usłyszeć niepowtarzalne melodie pisane zarówno na baryton, jak i na bas.

• Altino, światło liryczne i mocny tenor liryczny
• Tenor liryczno-dramatyczny i dramatyczny
• Charakterystyczny tenor
• Baryton liryczny i dramatyczny

Tenor

Wśród tenorów, według podanej klasyfikacji, zwyczajowo wyróżnia się: altino, lekki liryczny, mocny liryczny, liryczno-dramatyczny, dramatyczny i charakterystyczny.

Zakres głosu: od Do mała oktawa C Do druga oktawa. Tenor-altino ma - Do mała oktawa - mi druga oktawa. Dla tenorów dramatycznych – od la duży Do druga oktawa. Niezwykle rzadko można spotkać głosy, których skala i kolorystyka pozwalały na pełnienie zarówno roli tenorowej, jak i barytonowej (np. E. Caruso).

Altino ( A), światło liryczne ( LL) i mocny liryczny ( OK) tenorowy

W pierwszych dwóch rodzajach głosów dolna część głosu brzmi tylko na fortepianie, górna część jest lekka. Głosy te z łatwością wykonują pasaże koloraturowe i ozdoby. Tenor liryczny ma inną nazwę - di grazia („di gracia”, pełen wdzięku). Możliwości tych głosów są porównywalne z podobnymi typami głosów żeńskich. Najczęściej altino i tenorom lirycznym powierza się role kochanków-bohaterów, ale pełnią też role starców.

Repertuar operowy:

• Berendej – Rimski-Korsakow „Śnieżna dziewica” ( A);
• Obserwator gwiazd – Rimski-Korsakow „Opowieść o złotym koguciku” (tylko A);
• Święty Głupiec – Musorgski „Khovanshchina” ( A);
• Leński – Czajkowski „Eugeniusz Oniegin” ( LL);
• Bayan – Glinka „Rusłan i Ludmiła” ( LL I A);
• Faust – Gounod „Faust” ( LL);
• Romeo - Gounod „Romeo i Julia” ( LL);
• Książę – Verdi „Rigoletto” ( LL);
• Gość indyjski - Rimski-Korsakow „Sadko” (umie śpiewać A I LL);
• Lewko - Rimski-Korsakow „Noc majowa” ( LL);
• Almaviva – Rossini „Cyrulik sewilski” ( A I LL);
• Lohengrin – Wagner „Lohengrin” ( OK);
• Werter – Massenet „Werther” ( OK);
• Rudolph – Puccini „Cyganeria” ( LL).

Właściciele tych głosów: Ivan Kozlovsky ( A), Siergiej Lemeszew ( LL), Leonid Sobinow ( OK), Jurij Marusin ( LL), Alfredo Kraus (z lewej), Andrey Dunaev ( LL), Michaił Urusow ( OK), Ahmeda Aghadiego ( OK), Alibek Dnishev ( LL).

Liryczno-dramatyczny ( LD) i dramatyczne ( D) tenorowy

Tenor dramatyczny ma inną nazwę - di forza („di forza”, mocny), która określa jego miejsce w dziele operowym. Napisano dla niego partie heroiczne, wymagające mocy wokalnej i jasnej barwy barwy w całym zakresie głosu. Repertuar tenora liryczno-dramatycznego jest prawie taki sam jak tenora dramatycznego.

Są to silne postacie, bystre osobowości, zdolne do wyczynów, które stają w obliczu wielkich prób życiowych.

Repertuar operowy tenora dramatycznego:

• Sadko – Rimski-Korsakow „Sadko”;
• Zygfryd – Wagner „Zygfryd”;
• Otello – Verdi „Otello”.

• Radames – Verdi „Aida”;
• Sobinin – Glinka „Iwan Susanin”;
• Łykow – Rimski-Korsakow „Narzeczona cara”;
• Cielęcina – Puccini „Turandot”;
• Cavaradossi – Puccini „Tosca”.

Wykonawcy: Enrico Caruso ( D), Mario Lanza ( D), Nikołaj Figner ( D), Mario Del Monako ( D), Władimir Atlantow ( D), Władysław Piavko ( D), Placido Domingo ( D), Jose Carreras ( LD).

Charakterystyczny tenor

Ten typ tenora ma specjalną kolorystykę barwy i z reguły odgrywa role drugoplanowe. Może nie ma pełnego zakresu tenorowego, ale w ograniczonej części jego głosu musi być szczególnie wyrazisty i elastyczny w przedstawianiu insynuacji, pochlebstw, syczących, podstępnych szeptów.

Repertuar operowy:

• Shuisky – Musorgski „Borys Godunow”;
• Triquet – Czajkowski „Eugeniusz Oniegin”;
• Misail – Musorgski „Borys Godunow”;
• Sopel – Rimski-Korsakow „Sadko”;
• Eroszka – Borodin „Książę Igor”;
• Bomelius – Rimski-Korsakow „Narzeczona cara”;
• Ovlur – Borodin „Książę Igor”;
• Podyaczij – Musorgski „Khovanshchina”.

Liryczny ( LB) i dramatyczne ( DB) baryton

Tego typu głosy łączą w sobie siłę dźwięku i miękką, otaczającą ciepłą barwę. Zasięg – od la oktawa wielka C la pierwsza oktawa. Niższe nuty dramatycznego barytonu brzmią bogatszy niż baryton liryczny. W tej części dramatyczny baryton brzmi pewnie na forte. Ten głos jest najgłośniejszy z si mała oktawa C F Pierwszy. W wielu partiach barytonowych dozwolone jest brzmienie falsetu, jak na przykład specjalny kolor w cavatinie Figara. Lirycznemu barytonowi powierzono role kochanków-bohaterów, którzy działają nie pod wpływem uczuć, ale w sposób przemyślany i racjonalny.

Repertuar operowy:

• Germont – Verdi „Traviata” ( LB);
• Don Juan – Mozart „Don Giovanni” ( LB);
• Gość Wiedeńca – Rimski-Korsakow „Sadko” ( LB);
• Oniegin – Czajkowski „Eugeniusz Oniegin” ( LB);
• Jelecki – Czajkowski „Dama pik” ( LB);
• Robert – Czajkowski „Jolanta”.

Wykonawcy: Mattia Battistini, Titto Gobbi, Pavel Lisitsian, Dmitry Gnatyuk, Yuri Gulyaev, Yuri Mazurok, Dietrich Fischer Dieskau, Alexander Voroshilo, Dmitry Hvorostovsky.

Dramatyczny baryton ucieleśnia wizerunki silnych bohaterów, często zdradzieckich i okrutnych. Należy pamiętać, że partie te wykonywały także bas-barytony (np. partie Figara, Rusłana).

Repertuar operowy:

• Figaro – Mozart „Wesele Figara”;
• Rigoletto – Verdi „Rigoletto”;
• Jago – Verdi „Otello”;
• Mizgir – Rimski-Korsakow „Śnieżna dziewica”;
• Aleko – Rachmaninow „Aleko”;
• Igor – Borodin „Książę Igor”;
• Scarpia – Puccini „Tosca”;
• Rusłan - Glinka „Rusłan i Ludmiła”;
• Hrabia di Luna – Verdi „Il Trovatore”.

Wykonawcy: Sergei Leiferkus, Titta Ruffo.

Bas-baryton, bas centralny, bas profundo, bas buffo

Wysoki bas ma najbardziej dźwięczną nutę - Do pierwsza oktawa, środek roboczy - Mieszkanie B oktawa wielka - Odnośnie pierwsza oktawa.

Siła brzmienia basu centralnego, nasycenie niższych dźwięków wzrasta w porównaniu do bas-barytonu; notatka Do pierwsza oktawa brzmi mocniej niż wysoki bas. Części tego typu basu aktywnie wykorzystują środkową i dolną część pasma. Środek pracy – sol-la duża oktawa - aż do pierwszej oktawy.

Bas profundo występuje bardzo rzadko, dlatego jego partie często przypisywane są basowi centralnemu. Dolne nuty basu profundo są la licznik oktaw. Właściciele tego głosu: P. Robson, M. Michajłow, Y. Wisznewoj.

Zwróćmy uwagę na jeszcze rzadszy głos - oktawistę basowego, którego dolne nuty brzmią bardzo mocno i pełnie - fasola licznik oktaw. Takie możliwości ma na przykład współczesny piosenkarz Jurij Wisznewoj. Ten typ głosu to nic innego jak bass profundo z rozszerzonym zakresem i mocniejszymi niższymi tonami.

Bas buffo wykonuje partie główne i drugoplanowe, partie komiksowe oraz partie starców. Ten typ głosu wyraźnie demonstruje zdolności aktorskie w pewnym zakresie, ale może nie mieć piękna barwy i wyjątkowej techniki.

Repertuar operowy bas-baryton:

• Basilio – Rossini „Cyrulik sewilski”;
• Mefistofeles – Gounod „Faust”;
• Nilakanta – Delib „Lakme”;
• Susanin – Glinka „Iwan Susanin”;
• Władimir Galitski – Borodin „Książę Igor”.

Wykonawcy: F. Shalyapin, E. Nesterenko, P. Burchuladze, V. Baikov, P. Tolstenko, V. Lynkovsky.

Repertuar operowy kontrabasu centralnego:

• Konczak – Borodin „Książę Igor”;
• Farlaf - Glinka „Rusłan i Ludmiła”;
• Gość Varangian - Rimski-Korsakow „Sadko”;
• Sobakin – Rimski-Korsakow „Narzeczona cara”;
• Gremin – Czajkowski „Eugeniusz Oniegin”;
• Rene – Czajkowski „Jolanta”.

Wykonawcy: Maxim Michajłow, Mark Reisen, Leonid Boldin.

Repertuar operowy z charakterystycznym basem:

• Bartolo – Rossini „Cyrulik sewilski”;
• Skula – Borodin „Książę Igor”;
• Duda – Rimski-Korsakow „Sadko”;
• Zuniga – Bizet „Carmen”.