Pierwszym utworem, który ukazał się po „Borysie Godunowie”, w roku jego pierwszej produkcji, była suita „ Zdjęcia z wystawy" Kiedy po śmierci Hartmanna Stasow zorganizował w Petersburgu wystawę swoich dzieł, Musorgski zainspirowany nią napisał suitę i zadedykował ją pamięci zmarłego przyjaciela.

Jest to największe i jednocześnie najważniejsze ze wszystkich dzieł na fortepian skomponowanych przez Musorgskiego. Kompozytor przeniósł swoją niesamowitą sztukę rysowania w dźwiękach scen z prawdziwego życia, odtwarzania wyglądu żywych ludzi, tym razem na grunt muzyki fortepianowej, otwierając przed instrumentem zupełnie nowe barwne i wyraziste możliwości.

Podchodził bardzo swobodnie do interpretacji poszczególnych dzieł Hartmanna. Wziąwszy fabułę tego czy innego rysunku, szkicu lub układu za podstawę osobnego numeru suity, dał następnie pełną swobodę swojej wyobraźni. W ten sposób narodził się cały szereg szkiców muzycznych. Wśród nich znalazły się zdjęcia życia codziennego i przyrody, portrety, sceny komiksowe, a nawet baśniowe. Po raz pierwszy różne aspekty życia otrzymały tak szerokie i kolorowe ucieleśnienie w rosyjskiej muzyce fortepianowej.

Wszystko to łączy prowadzenie tematu przewodniego, który otwiera suitę, następnie pojawia się w szeregu powiązań pomiędzy „obrazami” i ostatecznie prowadzi do finału. Według kompozytora tym tematem przedstawił siebie przechadzającego się po wystawie dzieł Hartmanna (stąd tytuł „ Chodzić”, przypisany do wstępu i odcinków łączących). Ale jednocześnie Musorgski nadał temu tematowi charakter uogólniony. Można w nim wyłapać nawet echa epickich i majestatycznych pieśni ludowych, a fortepian momentami z powodzeniem oddaje brzmienie chóru. W istocie jest to nie tyle autoportret, co ucieleśnienie rosyjskiego ducha ludowego. Powtarzający się w całej suity temat „Spaceru” stale zmienia swój wygląd. Brzmi czasem spokojnie, czasem napięto, czasem pogodnie, czasem żałobnie, w zależności od tego, z jakimi obrazami jest porównywany. Ale jego majestatyczny i ludowy charakter jest niezmiennie zachowany. Ogólnie rzecz biorąc, zestaw przedstawia pstrokaty ciąg zdjęć. Jednak przy całej ich różnorodności każdy z nich naznaczony jest charakterystycznym dla Musorgskiego sposobem postrzegania życia.

Oto odcinek zatytułowany „ Karzeł" Dziwaczne przerwy w melodii i konwulsyjny rytm oddają wybryki tego zabawnego, brzydkiego człowieczka. Ale nie, nie, przebijają się intonacje skargi i jęku; sprawiają, że z ciepłem i współczuciem odnosimy się do ukrytego smutku tego pozbawionego środków do życia stworzenia. - Obraz jest głęboko poetycki” Stary zamek" Wyobraźnia wyobraża sobie średniowieczny zamek i śpiewającego przed nim trubadura błędnego rycerza. Płynie pełna emocji, smutna melodia – jedna z najlepszych wśród instrumentalnych tematów Musorgskiego. Opowiada o odległej przeszłości, nieodwołalnej. - Ale wtedy słychać wesoły gwar: to dzieciaki bawiące się w jednym z paryskich parków („ Tuileries„). - Odcinek " Bydło» przywołuje na myśl wiejską przyrodę. Słychać zbliżające się skrzypienie wozu, krzyki chłopa poganiającego swoje woły. Zaczął więc śpiewać żałobną pieśń. Jest podobna do jego smutnych myśli. A wóz już odjeżdża, a piosenka cichnie w oddali. - Potem następuje na wpół fantastyczne, na wpół komiczne, lekkie, pełne wdzięku scherzo. Balet niewysiedzianych piskląt„(inspirowany jest szkicami strojów baletowych). - Ale co to jest? To tak, jakby toczył się dialog. Musorgski przeniósł swoją sztukę wiernego przekazywania ludzkiej mowy na pole instrumentalne. Rozmawiają dwie osoby. Jeden z nich przemawia autorytetem, jest ważny i niedostępny. Inni płochną, błagają, błagają. To jest skecz Dwóch Żydów, bogaty i biedny" Intonacja bogacza staje się coraz bardziej surowa i nieubłagana, mowa drugiego staje się coraz bardziej żałosna i bolesna. Na samym końcu skontrastowane są dwie krótkie frazy: krzyk rozpaczy biedaka i groźny krzyk bogacza. - Następnie następuje najweselszy i najweselszy z numerów suity - „ Limoges. Rynek„(Limoges to miasto we Francji.). Słychać nieustającą pogawędkę plotek przekazujących sobie nawzajem miejskie plotki. - Nagle wesoła rozmowa ucichła. Kolory się zagęszczają. Seria akordów zatrzymanych w ruchu przywołuje obrazy ponurego lochu, śmierci, rozkładu. Czasem tylko odrętwienie przerywają żałosne krzyki. To zdjęcie jest " Katakumby. Grób rzymski" Tutaj Musorgski opisał stan człowieka, który na próżno próbuje przeniknąć złowrogą tajemnicę śmierci. Wciąż odczuwalne było dotkliwe uczucie bólu, jakie w duszy kompozytora wywołała śmierć Hartmanna. - Bezpośrednią kontynuacją „Katakumb” jest odcinek „ Z umarłymi w martwym języku" Smutek po zmarłym zostaje tu wyrażony jeszcze mocniej. Temat „Spacery” w wysokim rejestrze brzmi smutno i serdecznie. Następnie wielokrotnie pojawiają się intonacje żałobnego pytania. - Ciężkie myśli zastępuje kontrastowy obraz w duchu ludowo-fantastycznym. Ten - " Chata na udkach z kurczaka" Na obrazie baśniowej Baby Jagi straszna, złowieszcza zasada misternie łączy się z humorem. W muzyce możesz poczuć moc i zakres. Pojawienie się rytmów tańca ludowego staje się, podobnie jak w scenie pod Kromi z „Borysa Godunowa”, wyrazem szalejącej siły. A w finale suity pt. Brama Bogatyrskiego„, potężna moc ludu została już otwarcie i bezpośrednio uwielbiona. Powstaje jasny, malowniczy obraz. Dzwonią dzwony. Wędrowcy, którzy przybyli z odległych krain do stolicy Kijowa, mijają ze śpiewem. Stopniowo narasta poczucie święta. Brzmienie fortepianu nabiera niemal orkiestrowej barwy i wielkości. Zakończenie jest pełne jasnej i odważnej afirmacji życia. Tutaj Musorgski nawiązuje do Glinki, zwłaszcza w potężnym hymnie „Chwała” Iwana Susanina.

poseł MUSORGSKY. „Obrazy z wystawy” w orkiestracji Maurice’a Ravela
Orkiestra Filharmonii Berlińskiej. Dyrygent Herberta von Karajana
Nagrano w 1966 roku w Hamburgu.

Szybkość transmisji: 128 kb/s | Całkowity czas gry: 0.36.01 | Rozmiar: 32,9 MB | Format: mp3

ZDJĘCIA Z WYSTAWY

Bydło

W lutym 1874 roku w Petersburgu otwarto pośmiertną wystawę dzieł rosyjskiego artysty-architekta Wiktora Aleksandrowicza Hartmanna. Powstały tu różnorodne prace: obrazy, rysunki, szkice kostiumów teatralnych, projekty architektoniczne, modele, a nawet mistrzowsko wykonane zabawki. Przez cały czas można było wyczuć wielki talent artysty.

W dniu otwarcia wśród zwiedzających wyróżniał się bohaterski mężczyzna z bujną brodą, energiczną twarzą i odważnym spojrzeniem. Był to słynny rosyjski krytyk sztuki, wybitny koneser malarstwa, architektury i muzyki, Władimir Wasiljewicz Stasow. Wystawa zorganizowana została z jego inicjatywy. Wystawę zwiedzał z nim kompozytor Modest Pietrowicz Musorgski. Powoli przechodzili z jednej wystawy na drugą.

Dlaczego nie? Modeście Pietrowiczu – zapytał nagle Stasow – czy zechciałby pan pisać muzykę na podstawie tych wspaniałych dzieł Hartmanna? A ty sam, jak widzę, czujesz, że wielu z nich prosi o muzykę.

Minęło niewiele czasu, a Modest Pietrowicz Musorgski napisał dziesięć utworów na fortepian, połączonych w piękną suitę „Obrazy z wystawy”.

Naprawione obrazy i modele ożyły w dźwiękach. Muzyka wszystkich tych spektakli jest na tyle figuratywna, że ​​słuchając jej, niemal namacalnie wyobrażamy sobie dzieła artysty, choć ich nie widzieliśmy.

Suita jest uderzającym przykładem muzyki programowej, która ma swoją własną charakterystykę. W oryginalny sposób łączy obrazy z życia codziennego z baśniami i obrazami z przeszłości. Spektakle - „obrazy” łączy tematyczny przerywnik „Spacer”, przedstawiający przejście przez galerię i przejście od malarstwa do malarstwa. Taka tematyka i konstrukcja suity są czymś wyjątkowym w klasycznej literaturze muzycznej.

Musorgski, według współczesnych, był znakomitym pianistą, dosłownie urzekał słuchaczy, gdy siadał przy instrumencie i potrafił malować wszystko.

Suita rozpoczyna się niewielką częścią wprowadzającą zatytułowaną „Spacer”. Muzyka „Walk” rozbrzmiewa także pomiędzy poszczególnymi fragmentami suity, łącząc je, jakby kompozytor (a wraz z nim słuchacze) przechadzał się po salach wystawy i zatrzymywał się przy każdym dziele artysty. Muzyka „Walk” brzmi szeroko i swobodnie; melodia jest spokojna i wyważona, jak kroki osoby idącej powoli.

Pomiędzy „Tuileries” a kolejnym obrazem „Bydło” nie ma „Spaceru”. Oczywiście kompozytorowi zależało na jak najdobitniejszym i najmocniejszym podkreśleniu ogromnej różnicy między tymi dwoma obrazami.

Spektakl oparty jest na akwareli Hartmanna (szkic nie zachował się, ponieważ wystawione prace zostały sprzedane, dlatego dziś miejsce pobytu większości z nich, w tym „Bydła”, jest nieznane.

„Bydło” to po polsku „bydło”. Obraz Hartmanna przedstawia woły zaprzęgnięte do wozu na dużych kołach. Słychać dźwięk kół – jak dobrze wykorzystano tu niskie dźwięki fortepianu, powtarzane ciężko i monotonnie. Ciepło. Zakurzona stepowa droga jest nieskończenie daleko. Olśniewające południowe słońce nie pieści, ale uciska, a smutna melodia pieśni nie płynie w dal, ale zdaje się ciężko jęczeć, opowiadając o gorzkim życiu ludu. Wszystko jest bardzo proste i bardzo przerażające: dla właścicieli ziemskich sam człowiek jest tym samym „bydłem” co jego woły. Tym samym kompozytor odsłonił za pomocą muzyki podtekst obrazu i wypełnił go głęboką treścią społeczną.

Posłuchaj muzyki. Zawiera ukrytą siłę i ukryty, tępy gniew. Muzyka stopniowo narasta, rozszerza się, brzmi głośniej, bardziej natarczywie. Potem znów wydaje się, że poddaje się i uspokaja, ale my już widzieliśmy potężną siłę i oburzenie mężczyzny błąkającego się za wołami.

Zarówno Musorgski, jak i Hartmann wierzyli w tę moc.

W „Obrazach z wystawy” Musorgski pokazał, jak bogate są środki wyrazu muzyki, jak wiele różnych obrazów, obrazów i nastrojów można przekazać w dziełach muzycznych. Widzimy, że muzyka, podobnie jak inne formy sztuki, odzwierciedla różnorodność życia, może być środkiem potępienia ucisku społecznego i niesprawiedliwości oraz wyrażania postępowych idei swoich czasów. Musorgski odnalazł w obrazach artysty nie tylko motywy do obrazów muzycznych, odnalazł w nich pewną treść społeczną i podkreślił ją swoją muzyką.

Suita przez długi czas nie była wykonywana koncertowo, pianiści uważali ją za bardzo trudną. Pierwsze wykonanie koncertowe odbyło się w 1903 roku – z dużym sukcesem wykonał je młody pianista G. N. Beklemishev, późniejszy profesor Konserwatorium Kijowskiego.

Od tego czasu „Obrazy z wystawy” na stałe zadomowiły się w repertuarze koncertowym pianistów na całym świecie.

Wspaniałej aranżacji orkiestrowej suity dokonał francuski kompozytor M. Ravel. W jego instrumentarium „Obrazy z wystawy” często wykonywane są na koncertach symfonicznych.

Prezentacja

Dołączony:
1. Prezentacja - 9 slajdów, psx;
2. Dźwięki muzyki:
poseł Musorgski. Zdjęcia z wystawy. Bydło (wykonanie symfoniczne), mp3;
poseł Musorgski. Zdjęcia z wystawy. Bydło (wykonanie na fortepianie), mp3;
3. Artykuł towarzyszący, docx;
4. Nuty do wykonania przez nauczyciela, jpg.

Cykl fortepianowy M.P. „Obrazy z wystawy” Musorgskiego to oryginalne, niezrównane dzieło muzyczne, które znajduje się w repertuarze najsłynniejszych pianistów całego świata.

Historia powstania cyklu

W 1873 roku nagle zmarł artysta V. Hartmann. Miał zaledwie 39 lat, śmierć zastała go w kwiecie wieku i talentu, a dla Musorgskiego, który był przyjacielem i osobą podobnie myślącą artysty, był to prawdziwy szok. „Co za horror, co za smutek! – pisał do W. Stasowa. „Ten przeciętny głupiec bez rozumu kosi śmierć…”

Powiedzmy kilka słów o artyście V.A. Hartmanna, ponieważ Bez opowieści o nim historia cyklu fortepianowego M. Musorgskiego nie byłaby kompletna.

Wiktor Aleksandrowicz Hartman (1834-1873)

VA Hartmanna

VA Hartmann urodził się w Petersburgu w rodzinie francuskiego lekarza sztabowego. Wcześnie został osierocony i wychowywał się w rodzinie ciotki, której mężem był znany architekt – A.P. Gemilian.

Hartmann z sukcesem ukończył Akademię Sztuk Pięknych i zajmował się różnymi typami i gatunkami sztuki: był architektem, scenografem (zajmował się projektowaniem spektakli), artystą i zdobywcą, jednym z twórców stylu pseudorosyjskiego w architekturze. Styl pseudorosyjski to ruch w architekturze rosyjskiej XIX - początku XX wieku, oparty na tradycjach architektury staroruskiej i sztuki ludowej, a także elementach architektury bizantyjskiej.

Wzrost zainteresowania kulturą ludową, w szczególności architekturą chłopską XVI-XVII w. Do najsłynniejszych budowli w stylu pseudorosyjskim należała drukarnia Mamontowa w Moskwie, stworzona przez W. Hartmanna.

Budynek dawnej drukarni Mamontowa. Współczesna fotografia

To właśnie pragnienie rosyjskiej oryginalności w swojej twórczości zbliżyło Hartmanna do członków „Potężnej Garści”, do której zaliczał się Musorgski. Hartmann starał się wprowadzać do swoich projektów rosyjskie motywy ludowe, co wspierał V.V. Stasov. To właśnie w jego domu Musorgski i Hartmann spotkali się w 1870 roku, zostając przyjaciółmi i ludźmi o podobnych poglądach.

Wracając z twórczej podróży do Europy, Hartmann rozpoczął projektowanie Ogólnorosyjskiej Wystawy Przemysłu w Petersburgu i za tę pracę otrzymał w 1870 roku tytuł naukowca.

Wystawa

W 1874 r. z inicjatywy Stasowa zorganizowano pośmiertną wystawę twórczości W. Hartmanna. Prezentowano na nim obrazy olejne, szkice, akwarele, szkice scenografii i kostiumów teatralnych oraz projekty architektoniczne. Na wystawie nie zabrakło także wyrobów, które Hartmann wykonał własnoręcznie: zegar w kształcie chaty, dziadki do orzechów itp.

Litografia na podstawie szkicu Hartmanna

Musorgski odwiedził wystawę i zrobiła na nim ogromne wrażenie. Powstał pomysł napisania programowej suity fortepianowej, której treścią byłyby dzieła artysty.

Oczywiście tak potężny talent jak Musorgski interpretuje eksponaty na swój własny sposób. Na przykład szkic Hartmanna do baletu „Trilby” przedstawia maleńkie pisklęta w muszlach. Dla Musorgskiego ten szkic zamienia się w „Balet nie wyklutych piskląt”. Zegar chatowy zainspirował kompozytora do stworzenia muzycznego przedstawienia lotu Baby Jagi itp.

Cykl fortepianowy M. Musorgskiego „Obrazy z wystawy”

Cykl powstał bardzo szybko: w trzy tygodnie lata 1874 roku. Utwór dedykowany jest W. Stasowowi.

W tym samym roku „Obrazy” otrzymały autorski podtytuł „Wspomnienia Victora Hartmanna” i zostały przygotowane do publikacji, ale ukazały się dopiero w 1876 roku, po śmierci Musorgskiego. Jednak zanim to oryginalne dzieło weszło do repertuaru pianistów, minęło jeszcze kilka lat.

Charakterystyczne jest, że w spektaklu „Spacer”, łączącym poszczególne utwory cyklu, kompozytor wyobrażał sobie siebie spacerującego po wystawie i przechodzącego od obrazu do obrazu. W cyklu tym Musorgski stworzył portret psychologiczny, przenikający w głąb swoich bohaterów, co oczywiście nie miało miejsca w prostych szkicach Hartmanna.

Zatem „spacer”. Ale sztuka ta nieustannie się zmienia, ukazując zmianę nastroju autora, zmienia się także jej tonacja, co jest swego rodzaju przygotowaniem do kolejnej sztuki. Czasami melodia „Walking” brzmi ciężko, co wskazuje na chód autora.

"Karzeł"

Utwór ten napisany jest w tonacji es-moll. Jego podstawą jest szkic Hartmanna z przedstawionym na nim dziadkiem do orzechów w postaci krasnala na krzywych nogach. Najpierw gnom się zakrada, a potem biega z miejsca na miejsce i zamarza. Środkowa część spektaklu ukazuje myśli bohatera (lub jego odpoczynek), po czym on, jakby czegoś przestraszony, ponownie rozpoczyna bieg z przystankami. Punkt kulminacyjny – linia chromatyczna i odejście.

„Stary Zamek”

Tonacja jest gis-moll. Spektakl oparty jest na akwareli Hartmanna, powstałej podczas studiów architektonicznych we Włoszech. Rysunek przedstawiał starożytny zamek, na tle którego narysowano trubadura z lutnią. Musorgski stworzył piękną, zapadającą w pamięć melodię.

« Ogród Tuileries. Dzieci kłócą się po zabawie»

Kluczem jest H-dur. Intonacje, tempo muzyki i jej skala durowa przedstawiają codzienną scenę zabaw i kłótni dzieci.

„Bydło” (w tłumaczeniu z polskiego „bydło”)

Spektakl przedstawia polski wóz na dużych kołach, ciągnięty przez woły. Ciężki krok tych zwierząt oddaje monotonny rytm i szorstkie uderzenia klawiszy dolnego rejestru. Jednocześnie rozbrzmiewa smutna chłopska pieśń.

„Balet niewysiedzianych piskląt”

To jedna z najpopularniejszych sztuk cyklu. Powstał w tonacji F-dur według szkiców Hartmanna do kostiumów do baletu J. Gerbera „Trilby” wystawionego przez Petipę w Teatrze Bolszoj (1871). W odcinku baletu, jak napisał W. Stasow, „grupa małych uczniów i wychowanków szkoły teatralnej przebrana za kanarki i energicznie biegająca po scenie. Inne włożono do jajek, jak do zbroi.” W sumie Hartmann stworzył 17 projektów kostiumów do baletu, z czego 4 przetrwały do ​​dziś.

V. Hartmanna. Projekt kostiumów do baletu „Trilby”

Temat spektaklu nie jest poważny, melodia jest zabawna, ale stworzona w klasycznej formie, zyskuje dodatkowy efekt komiczny.

„Samuel Goldenberg i Szmuile”, w wersji rosyjskiej „Dwóch Żydów, bogaty i biedny”

Spektakl powstał na podstawie dwóch jego rysunków podarowanych Musorgskiemu przez Hartmanna: „Żyd w futrzanym kapeluszu. Sandomierz” i „Sandomierz [Żyd]”, powstałe w 1868 roku w Polsce. Według wspomnień Stasowa „Musorgski bardzo podziwiał wyrazistość tych obrazów”. Rysunki te posłużyły jako prototypy spektaklu. Kompozytor nie tylko połączył dwa portrety w jeden, ale także sprawił, że postacie te rozmawiały ze sobą, ujawniając swoje charaktery. Mowa pierwszego brzmi pewnie, z intonacją rozkazującą i moralizującą. Mowa biednego Żyda kontrastuje z pierwszą: w górnych nutach z grzechoczącym odcieniem (foreshlags), z intonacją żałosną i błagalną. Następnie oba tematy grane są jednocześnie w dwóch różnych tonacjach (d-moll i b-moll). Utwór kończy się kilkoma głośnymi nutami oktawowymi, sugerującymi, że ostatnie słowo należało do bogacza.

„Limoges. Rynek. Ważna wiadomość”

Nie zachował się rysunek Hartmanna, ale melodia utworu Es-dur oddaje hałaśliwy gwar rynku, na którym można poznać najświeższe wiadomości i o nich porozmawiać.

« Katakumby. Grób rzymski»

Hartmann przedstawił siebie, V. A. Quesnela (rosyjskiego architekta) i przewodnika z latarnią w dłoni po rzymskich katakumbach w Paryżu. Po prawej stronie zdjęcia widoczne są słabo oświetlone czaszki.

W. Hartmann „Katakumby paryskie”

Loch z grobowcem ukazany jest w muzyce za pomocą dwuoktawowych unisonów i cichych „ech” odpowiadających tematowi. Melodia pojawia się wśród tych akordów jako cień przeszłości.

„Chata na udkach kurczaka (Baba Jaga)”

Hartmann ma szkic eleganckiego zegarka z brązu. Musorgski ma jasny, zapadający w pamięć obraz Baby Jagi. Jest malowany dysonansami. Na początku brzmi kilka akordów, potem stają się one częstsze, symulując „start” - i lot w moździerzu. Dźwiękowy „obraz” bardzo obrazowo przedstawia obraz Baby Jagi, jej kulawego chodu (w końcu „kościanej nogi”).

„Brama Bogatyra”

Spektakl oparty jest na szkicu Hartmanna do projektu architektonicznego bram miejskich Kijowa. 4 kwietnia (w starym stylu) 1866 r. doszło do nieudanego zamachu na życie Aleksandra II, który później został oficjalnie nazwany „wydarzeniem 4 kwietnia”. Na cześć ocalenia cesarza w Kijowie zorganizowano konkurs na projekt bramy. Projekt Hartmanna powstał w stylu staroruskim: kopuła z dzwonnicą w formie hełmu bohatera i dekoracja nad bramą w kształcie kokoshnika. Później jednak konkurs został odwołany, a projekty nie zostały zrealizowane.

V. Hartmanna. Szkic do projektu bramy w Kijowie

Sztuka Musorgskiego ukazuje obraz święta narodowego. Powolny rytm nadaje spektaklowi rozmachu i powagi. Szeroka melodia rosyjska ustępuje miejsca spokojnemu tematowi przypominającemu śpiew kościelny. Następnie z nową energią wchodzi temat pierwszy, dodawany jest do niego kolejny głos, a w drugiej części rozbrzmiewa prawdziwe bicie dzwonu, stworzone przez dźwięki fortepianu. Dzwonienie słychać najpierw w tonacji molowej, a następnie przechodzi w tonację durową. Do wielkiego dzwonu dołączają coraz mniejsze dzwonki, a na końcu rozbrzmiewają małe dzwonki.

Orkiestracja cyklu M. Musorgskiego

Jasne i malownicze „Obrazy z wystawy”, napisane na fortepian, były wielokrotnie aranżowane na orkiestrę symfoniczną. Pierwszą orkiestrację wykonał uczeń Rimskiego-Korsakowa M. Tuszmałow. Sam Rimski-Korsakow zaaranżował także jeden utwór z cyklu – „Stary Zamek”. Jednak najsłynniejszym orkiestrowym wcieleniem „Obrazów” było dzieło Maurice’a Ravela, zagorzałego wielbiciela twórczości Musorgskiego. Powstała w 1922 roku orkiestracja Ravela stała się równie popularna jak jej wersja na fortepian.

Orkiestra w układzie orkiestrowym Ravela składa się z 3 fletów, flet piccolo, 3 oboje, rożek angielski, 2 klarnety, klarnet basowy, 2 fagoty, kontrafagot, saksofon altowy, 4 rogi, 3 trąbki, 3 puzony, tuba, kotły, trójkąt, werbel bęben, bicz, grzechotka, talerze, bęben basowy, tom-tom, dzwonki, dzwonek, ksylofon, celesta, 2 harfy, smyczki.

Mówiąc o dziełach sztuki, często posługują się ekspresyjną kolorystyką, a mówiąc o dziełach sztuki muzycznej, często posługują się ekspresyjną paletą dźwiękową. Siła dźwięku i barwa rezonują z nasyceniem koloru, dlatego często mówi się o „jasnym dźwięku” lub „dźwięcznym kolorze”. Muzyka, podobnie jak malarstwo, ma swoją paletę odcieni.

Ważnym środkiem wyrazu w każdej sztuce jest rytm - naprzemienność dowolnych elementów (dźwiękowych, wizualnych) w określonej kolejności. Za pomocą rytmicznej repetycji lub kontrastu artysta lub kompozytor łączy detale w jedną całość w przestrzeni lub czasie, tworząc formę artystyczną, kompozycję.

Każdy rysunek, zarówno plastyczny, jak i muzyczny, opowiada uważnemu widzowi i słuchaczowi o emocjonalnych przeżyciach jego twórców i nosi charakterystyczną intonację. Gładkie linie graficznego, obrazowego rysunku, niczym gładkie melodie, przekazują miękkość, delikatność, spokój; opadające, opadające linie - spokój lub smutek, smutek; wznoszący się, wznoszący się - radość, światło, energia, aspiracja. Połączenie różnych melodii, intonacji i linii rysunkowych pociąga za sobą napięcie i dramatyzm obrazu.

Można wyciągnąć analogie: brzmiący obraz Claude'a Moneta, francuskiego malarza, jednego z twórców impresjonizmu i malarska muzyka Musorgskiego.

D.B. Kabalewski pisał, że „muzyka malownicza” to ta, która tak żywo i przekonująco oddaje wrażenia kompozytora z obrazu natury, że zaczynamy zdawać się widzieć te obrazy, a „malarstwo muzyczne” to obraz przepełniony tak subtelnym uczuciem poetyckim, że trudno przekazać słowami. I można to wyrazić jedynie tą samą poetycką melodią.

Melodie zwykle budzą w słuchaczu określone myśli i uczucia, rodząc wspomnienia, niejasne lub mniej lub bardziej wyraźne obrazy widzianego kiedyś krajobrazu lub sceny z życia. I ten obraz, który powstał w wyobraźni, można narysować. A u dobrego artysty sam obraz nabiera muzykalności, z namalowanego przez niego płótna zdają się brzmieć melodie.

„Dobry obraz to muzyka, to melodia” – powiedział wielki włoski artysta Michelangelo Buonarotti. Ilya Efimovich Repin zauważyła, że ​​kolorowa kolorystyka obrazów Rembrandta brzmi jak wspaniała muzyka orkiestrowa. Rimski-Korsakow uważał analogię między kolorami w malarstwie i barwami w muzyce za „niewątpliwą”. Wiele wspólnego między muzyką a malarstwem można znaleźć nawet w terminach używanych przez muzyków i artystów. Obydwoje opowiadają o tonacji, kolorze i barwności obrazów i kompozycji muzycznych.

Cykl fortepianowy (1874)

Orkiestracja Maurice'a Ravela (1922)

Skład orkiestry: 3 flety, flet piccolo, 3 oboje, rożek angielski, 2 klarnety, klarnet basowy, 2 fagoty, kontrafagot, saksofon altowy, 4 rogi, 3 trąbki, 3 puzony, tuba, kotły, trójkąt, werbel, bicz, grzechotka, talerze, bęben basowy, tom-tom, dzwonki, dzwonek, ksylofon, celesta, 2 harfy, smyczki.

Historia stworzenia

Rok 1873 był rokiem trudnym dla Musorgskiego. Przyjaciele przestali spotykać się wieczorami w L.I. Szestakowa, siostra Glinki, która poważnie zachorowała. W. Stasow, który zawsze moralnie wspierał kompozytora, na długi czas opuścił Petersburg. Ostatecznym ciosem była nagła śmierć artysty Victora Hartmanna (1834-1873), będącego w kwiecie wieku i talentu. „Co za horror, co za smutek! - Musorgski napisał do Stasowa. - Podczas ostatniej wizyty Victora Hartmanna w Piotrogrodzie spacerowaliśmy z nim po muzyce ulicą Fursztadcką; w pobliżu jakiejś uliczki zatrzymał się, zbladł, oparł się o ścianę jakiegoś domu i nie mógł złapać oddechu. Wtedy nie przywiązywałem do tego zjawiska większej wagi... Sam majsterkowałem przy uduszeniu i biciu serca... Wyobrażałem sobie, że taki jest los głównie nerwowych natur, ale grubo się myliłem - jak się okazuje... To przeciętny głupiec kosi śmierć, nie rozumując…”

W następnym roku, 1874, z inicjatywy powracającego Stasowa zorganizowano pośmiertną wystawę twórczości Hartmanna, na której zaprezentowano jego prace olejne, akwarele, szkice z życia, szkice scenografii i kostiumów teatralnych oraz projekty architektoniczne. Nie zabrakło także wyrobów wykonanych rękami artysty – szczypiec do rozłupywania orzechów, zegara w kształcie chatki na udkach kurczaka itp.

Wystawa wywarła na Musorgskim ogromne wrażenie. Postanowił napisać programową suitę na fortepian, której treścią będą dzieła zmarłego artysty. Kompozytor interpretuje je na swój sposób. W ten sposób szkic do baletu „Trilby”, przedstawiający maleńkie pisklęta w muszlach, zamienia się w „Balet nie wyklutych piskląt”, dziadek do orzechów w postaci gnoma z łukowatymi nogami staje się podstawą portretu tego bajecznego stworzenia, a chatka zegarowa inspiruje muzyka do przedstawienia lotu Baby Yagi na miotle.

Cykl fortepianowy powstał bardzo szybko – w trzy tygodnie czerwca 1874 roku. Kompozytor relacjonował Stasowowi: „Hartmann się gotuje, tak jak Borys się gotował – w powietrzu wiszą dźwięki i myśli, przełykam i objadam się, ledwo mam czas drapać po papierze… Chcę to zrobić szybciej i pewniej . W przerywnikach widać moją twarz... Dobra robota.” Przez widoczną w przerywnikach „fizjonomię” kompozytor miał na myśli powiązania liczb – wizerunków Hartmanna. W sekwencjach zatytułowanych „Spacer” Musorgski namalował siebie spacerującego po wystawie, przechodzącego od jednego eksponatu do drugiego. Kompozytor ukończył utwór 22 czerwca i zadedykował go V.V. Stasow.

W tym samym czasie latem 1874 roku kompozytor przygotował do publikacji „Obrazy” z podtytułem „Wspomnienia Victora Hartmanna”, które ukazały się jednak dopiero w 1886 roku, już po śmierci kompozytora. Zanim to niezwykle oryginalne i niezrównane dzieło weszło do repertuaru pianistów, minęło jeszcze kilka lat.

Jasność obrazów, ich malowniczość i kolorystyka fortepianu skłaniały do ​​orkiestrowego ucieleśnienia „Obrazów”. W archiwum Rimskiego-Korsakowa znajduje się strona z orkiestracją jednej z części cyklu – „Stary Zamek”. Później uczeń Rimskiego-Korsakowa M. Tuszmałow stworzył orkiestrację, która jednak pozostała niezrealizowana. W 1922 roku Maurice Ravel, który był zagorzałym wielbicielem twórczości Musorgskiego, również zwrócił się ku temu dziełu. Jego genialna orkiestrowa wersja „Obrazów z wystawy” szybko podbiła scenę koncertową i stała się równie popularna, jak oryginalna wersja fortepianowa dzieła. Partytura została po raz pierwszy opublikowana przez Rosyjskie Wydawnictwo Muzyczne w Paryżu w 1927 roku.

Muzyka

Pierwszy utwór – „Walk” – oparty jest na szerokiej melodii o rosyjskim charakterze ludowym, o zmiennym metrum charakterystycznym dla pieśni ludowych, wykonywany najpierw przez trąbkę solo, a następnie wsparty przez chór instrumentów dętych blaszanych. Stopniowo przyłączają się inne instrumenty i po dźwięku tutti rozpoczyna się bez przerwy drugi numer.

To jest „Gnom”. Charakteryzuje się dziwacznymi, połamanymi intonacjami, ostrymi skokami, nagłymi pauzami, intensywnymi harmoniami, przejrzystą orkiestracją przy użyciu czelesty i harfy. Wszystko to żywo maluje fantastyczny i tajemniczy obraz.

„Spacer”, znacznie skrócony w stosunku do pierwotnego, przenosi słuchacza do kolejnego obrazu – „Starego Zamku”. Fagot, oszczędnie wspierany samotnym dźwiękiem drugiego fagotu i pizzicato kontrabasów, śpiewa melancholijną serenadę. Melodia przenosi się do saksofonu o charakterystycznej wyrazistej barwie, a następnie śpiewana jest przez inne instrumenty przy akompaniamencie imitującym brzmienie lutni.

Krótki „Spacer” prowadzi do „Ogrodu Tuileries” (jego podtytuł to „Dziecięca kłótnia po zabawie”). To żywe, radosne scherzo, przesiąknięte wesołym zgiełkiem, bieganiem i dobrodusznym gruchaniem niań. Szybko mija, ustępując miejsca jasnemu kontrastowi.

Następne zdjęcie nazywa się „Bydło”. Pod tą nazwą Hartmann przedstawił ciężki wóz ciągnięty przez woły na ogromnych kołach. Dominuje tu miarowy ruch z ciężkimi akordami; na jej tle tuba śpiewa przeciągłą, melancholijną pieśń, w której jednak wyczuwa się ponurą, ukrytą siłę. Stopniowo dźwięk rozszerza się, rośnie, a potem zanika, jakby wózek znikał w oddali.

Kolejny „Spacer” w zmodyfikowanej formie – z tematem w wysokim rejestrze fletu – przygotowuje „Balet nie wyklutych piskląt” – urocze, pełne wdzięku scherzino z fantazyjnymi harmoniami, przejrzystą orkiestracją i licznymi przednutkami imitującymi świergot ptaki.

Bezpośrednio po tej liczbie znajduje się ostro kontrastująca scena życia codziennego „Samuel Goldenberg i Shmuile”, zwykle nazywana „Dwómi Żydami – bogatym i biednym”. Stasow pisał o niej: „Dwóch Żydów szkicowanych przez Hartmanna w 1868 r. z życia podczas jego podróży: pierwszy to bogaty, gruby Żyd, zadowolony z siebie i wesoły, drugi biedny, chudy i narzekający, prawie płaczący. Musorgski bardzo podziwiał wyrazistość tych obrazów, a Hartmann natychmiast dał je swojemu przyjacielowi…” Scena opiera się na porównaniu potężnych energetycznych intonacji w unisonach grup drewnianych i smyczkowych oraz trąbki solo z tłumikiem – z ogólnym ruch małych trojaczków, z mordentami i nutami łaski, wijących się jak winorośl, jakby dławił się żałosnym łamaniem języka. Tematy te, początkowo prowadzone osobno, następnie brzmią jednocześnie, w kontrapunkcie w różnych tonacjach, tworząc duet o wyjątkowej kolorystyce.

„Limoges. Rynek. (Wielka wiadomość)” to tytuł kolejnego numeru. Początkowo kompozytor przedstawił go małym programem: „Ważna wiadomość: pan Pusanjou właśnie znalazł swoją uciekającą krowę. Ale plotki z Limoges nie do końca są zgodne w tej sprawie, bo madame Ramboursac nabyła piękne porcelanowe zęby, a nos pana Panta-Pantaleona, który go niepokoi, pozostaje cały czas czerwony, jak piwonia. To genialne capriccio, oparte na ciągłym, kapryśnym ruchu z kapryśnymi, zmiennymi, przekornymi intonacjami, apelami instrumentów, częstymi zmianami dynamiki, kończącym się tutti fortissimo – plotki w swej paplaninie osiągały ekstazę. Wszystko jednak kończy się nagle fortissimo puzonów i tub intonujących jeden dźwięk - si.

Bez przerwy, atakca, w ostrym kontraście wchodzi kolejny numer - „Katakumby (rzymski grobowiec)”. To tylko 30 taktów ponurych akordów, czasem cichych, czasem głośnych, przedstawiających ponury loch w tajemniczym świetle latarni. Według Stasowa na obrazie artysta przedstawił siebie z latarnią w dłoni, badającego katakumby. Numer ten jest jakby wstępem do kolejnego, który następuje bez przerwy – „Z umarłymi w martwym języku”. W rękopisie kompozytor napisał: „Tekst łaciński: ze zmarłymi w martwym języku. Byłoby miło mieć tekst łaciński: twórczy duch zmarłego Hartmanna prowadzi mnie do czaszek, woła do nich, czaszki cicho świecą.” W żałobnym h-moll słychać zmodyfikowany temat „Walk”, otoczony cichymi tremolo i akordami rogów przypominającymi chorał.

„Chata na udkach kurczaka” to kolejny podkreślony kontrast. Jego początek przedstawia szybki lot Baby Jagi na miotle: szerokie skoki, na przemian z przerwami, zamieniają się w niekontrolowany ruch. Odcinek środkowy – o bardziej intymnym brzmieniu – wypełniony jest tajemniczymi szelestami i ostrożnymi dźwiękami. Orkiestracja jest oryginalna: na tle ciągłych, drżących dźwięków fletów, złożony z krótkich pieśni i utworzony w pierwszej części temat Baby Jagi intonowany jest przez fagot i kontrabasy. Następnie pojawia się na tubie i niskich smyczkach, w towarzystwie smyczków tremolo i pizzicato, poszczególnych akordów celesty, natomiast harfa brzmi w jej zmodyfikowanej wersji. Niezwykłe kolory nadają szczególny akcent czarów i magii. I znowu szybki lot.

Bez przerwy, attacca, zaczyna się finał – „Brama Bogatyra (w stolicy Kijowie)”. Jest to muzyczne ucieleśnienie projektu architektonicznego bram miejskich Kijowa, który Hartmann widział w stylu staroruskim, z łukiem ozdobionym starożytnym hełmem i kościołem bramnym. Jego pierwszy temat, majestatyczny, przypominający epicki śpiew, w potężnym brzmieniu instrumentów dętych blaszanych i fagotów z kontrafagotem, przypomina temat „Walking”. Rozrasta się coraz bardziej, wypełniając całą przestrzeń dźwiękową, przeplataną starożytnym kościelnym śpiewem znamennym „Przyjmijcie chrzest w Chrystusie”, zaprezentowanym w bardziej intymny sposób, w surowym czterogłosie instrumentów drewnianych. Utwór, podobnie jak cały cykl, kończy się uroczystym i odświętnym biciem dzwonów, któremu towarzyszy pełne brzmienie orkiestry.

L. Michejewa

W 1922 roku Maurice Ravel ukończył orkiestrację Obrazów z wystawy Musorgskiego, dzieła o niezwykłej oryginalności zarówno pod względem samej muzyki, jak i jej pianistycznego ucieleśnienia. To prawda, że ​​​​w „Pictures” jest wiele szczegółów, które można sobie wyobrazić w brzmieniu orkiestrowym, ale w tym celu konieczne było znalezienie na palecie kolorów, które organicznie łączą się z oryginałem. Ravel dokonała tej syntezy i stworzyła partyturę, która pozostaje przykładem umiejętności i wrażliwości stylistycznej.

Orkiestracja Obrazów z Wystawy wykonana jest nie tylko z wyjątkową pomysłowością, ale także z wiernością charakterowi oryginału. Wprowadzono w nim drobne poprawki, ale prawie wszystkie związane są ze specyficznym brzmieniem instrumentów. Zasadniczo sprowadzały się one do zmiany niuansów, zmiany powtórzeń, powtórzenia dwukrotnie fragmentu jednego „Spaceru” i dodania jednego taktu w akompaniamencie do melodii „Starożytnego zamku”; dłuższy niż w oryginale czas trwania sekcji organowej w „Bramie Bogatyra” oraz wprowadzenie nowego rytmu w partiach dętych blaszanych wyczerpują listę zmian dokonanych w partyturze. Wszystko to nie narusza ogólnego charakteru muzyki Musorgskiego, zmiany w szczegółach powstały w trakcie pracy nad partyturą i były minimalne.

Orkiestracja Pictures at a Exhibition, jak zawsze w przypadku Ravela, opiera się na precyzyjnych obliczeniach i znajomości każdego instrumentu oraz możliwych kombinacji barw. Doświadczenie i pomysłowość podsunęły kompozytorowi wiele charakterystycznych szczegółów partytury. Przypomnijmy glissando smyczków („Karzeł”), wspaniałe solo na saksofonie altowym („Stary Zamek”), fantastyczną kolorystykę „Baletu nie wyklutych piskląt”, wspaniałe brzmienie finału. Mimo całej swojej nieoczekiwaności orkiestrowe odkrycia Ravela oddają wewnętrzną esencję muzyki Musorgskiego i bardzo organicznie wpisują się w strukturę jego obrazów. Jednak, jak już zauważono, faktura fortepianowa „Obrazów” ma cechy orkiestrowości; stwarzało to sprzyjające warunki dla twórczości tak myślącego i natchnionego artysty, jak Ravel.

Ravel zajęła się orkiestracją obrazów z wystawy, mając już doświadczenie w pracy nad partyturą Khovanshchina. Ponadto był autorem wydań orkiestrowych własnych utworów fortepianowych, a partytury te postrzegano jako oryginały, a nie transkrypcje. W odniesieniu do „Obrazów z wystawy” takie stwierdzenia nie są możliwe, jednak niezaprzeczalna jest wysoka godność orkiestracji genialnego dzieła Musorgskiego. Potwierdza to jej nieustanny sukces wśród publiczności od czasu prawykonania, które odbyło się w Paryżu 3 maja 1923 roku pod batutą S. Koussevitzky’ego (datę tę podaje N. Słonimski w swojej książce „Muzyka od 1900 roku”). Prunier wskazuje na inny – 8 maja 1922 r.).

Orkiestracja Ravela „Obrazów z wystawy” również wywołała krytyczne uwagi: zarzucano jej niedostateczną spójność z duchem oryginału, nie zgadzano się ze zmianami w kilku taktach itp. Zarzuty te można czasem usłyszeć w nasz czas. Jednak orkiestracja nadal pozostaje m.in. najlepsza, słusznie wpisała się do repertuaru koncertowego: grały na niej i nadal grają najlepsze orkiestry i dyrygenci wszystkich krajów.