Namalowanie obrazu, doprowadzenie go ze szkicu do stanu gotowego jest jednocześnie nauką i sztuką; Aby wykazać się tutaj prawdziwymi umiejętnościami, potrzebne jest długie doświadczenie.

E. Delacroix

Z imieniem artysta Achmat Lutfullin rozwój jest ściśle powiązany Malarstwo Baszkirów przez całą drugą połowę XX wieku. Studiując twórczość artysty, należy skupić się na jego rysunkach. Materiał ten nie został szczegółowo omówiony w literaturze dotyczącej historii sztuki, dlatego jego badanie pozostaje istotne.

Problem ten staje się jeszcze bardziej dotkliwy, jeśli weźmiemy pod uwagę, że w przeszłości w kulturze świata islamu, w tym wśród Baszkirów i Tatarów, uciekanie się do obrazu, do rysunku – na pewno nie pozwalał na to szariat, co było przyczyną stosunkowo późny, powolny rozwój wizualizacji w kulturze artystycznej, w sztuce tych ludów.

O znaczeniu studiowania rysunku w praktyce mistrzów malarskich ciekawie i przekonująco pisze słynny niemiecki badacz i koneser sztuki Max Friedlander. Z góry przepraszam za długość powyższego cytatu, uważam jednak za konieczne przytoczenie go w całości. Pisze: „Chciałbym z głębi serca gorąco polecić każdemu świadomemu koneserowi malarstwa pilną naukę rysunku. Jeśli odwrócisz się od malarstwa tego czy innego mistrza do jego rysunków, będziesz miał wrażenie, że przed tobą unosi się kurtyna, rysunek jest w jakiś sposób lepszy od malarstwa i to z tych powodów. Rysunek powstaje stosunkowo szybko, jest efektem jakiegoś spontanicznego działania, które nie musiało przechodzić długiej i trudnej drogi rozwoju rzemieślniczego, dlatego też nie zawsze wiąże się z przejściem przez etap czeladniczy, jest bardziej wolne od tradycji czy warunków konkretnego warsztatu. W wielu przypadkach rysownik jest wolny od jakichkolwiek zewnętrznych życzeń, nie jest związany z porządkiem, może poddać się swemu nastrojowi i kaprysowi, jest sam ze sobą i jakby prowadził ze sobą spokojną rozmowę, rysunek daje znacznie dokładniejsze wyobrażenie o tym, w jakim stopniu ten czy inny artysta opanował formę.”

Achmat Lutfullin jeden z tych artystów, na którego ogromne dziedzictwo artystyczne, wraz z malarstwem, składa się rysunki - prace graficzne. Mają szczególną wartość. Szkice z życia reprezentują materiał zapierający dech w piersiach artystyczną autentycznością, wyrwany w istocie z nurtu codzienności. Te wrażenia artysty zrodziły się spontanicznie, nagle (Achmat nazwał to zabawnym słowem „nie z Zachodu”).

Achmat Lutfullin. Czytający stary. Rysunek do obrazu „Modlitwa o deszcz”. 1994.

Ekspresyjnie uchwycona sylwetka, trafnie dostrzeżony szczegół, charakterystyczny gest i ostrość autentyczności w jego rysunkach budzą podziw. Autor artystycznie doświadczył wszystkiego, co godne uwagi, a nawet przeanalizował i uchwycił to za pomocą światła lub przeciwnie, zdecydowanego, ale zawsze tajemniczego dotyku ołówka lub pióra w biel papieru. A potem pod ręką utalentowanego mistrza zaczyna się dziać cud: rodzi się żywa linia, szybko rozwijająca się, rosnąca, artystycznie zamieszkująca całą przestrzeń prześcieradła. Rysunek nie tylko niesie ze sobą informację o przedmiocie, ale obiekt ten zostaje wypełniony artystycznym i poetyckim dźwiękiem poprzez rozwiązanie graficzne, poprzez wyrazistą plastyczność. Linia ołówka lub długopisu, z natury delikatna, ledwo się pojawia, ale może nagle zostać przerwana i zniknąć. Następnie powstań ponownie, przekształcając się w trakcie pracy w jakąś nową jakość.

Krótki szkic, zwłaszcza rysunek, to najbardziej intymna, intymna forma twórczości. Zwłaszcza w szkicach portretowych, w których może pojawić się wewnętrzna rozmowa artysty z modelem. „I rzeczywiście tak jest, ponieważ odzwierciedla to najbardziej bezpośrednią komunikację artysty z naturą, jego postrzeganie rzeczywistości. Ale jednocześnie rysunek może zawierać także wielkie filozoficzne uogólnienie wrażeń życiowych, zamieniając go w dzieło o żałosnym brzmieniu” – napisał kiedyś o rysunku w jednej ze swoich prac słynny petersburski krytyk sztuki N. N. Punin.

Wśród szkiców Lutfullina znajduje się szereg rysunków ołówkiem i piórem, związanych z poszukiwaniami rozwiązania kompozycyjnego dla obrazu „Biuletyn Rewolucji” (1967). Płótno zostało wystawione tylko raz i pozostaje mało znane współczesnemu widzowi. Poszczególne szkice zachowane w archiwum świadczą o energicznej, pełnej pasji pracy artysty nad koncepcją wymyślonego płótna. Lub szkice do obrazu „Trzy kobiety” (1969), zbudowanego na szerokim artystycznym, wyobraźniowym, filozoficznym uogólnieniu ideologicznej koncepcji dzieła. Autor przed rozpoczęciem pracy na płótnie prowadził intensywne poszukiwania plastycznego urzeczywistnienia w szkicach koncepcji przyszłego dzieła.

Rysunek, mimo swojej małej skali, może nieść wysokie idee obywatelskiego, wręcz żałosnego brzmienia. W pracach A. Lutfullina Można wyróżnić całe grupy tego typu rysunków związanych z jego twórczością na dużych płótnach gatunkowo-historycznych „Wakacje na wsi”, 1969, „Trzy kobiety”, 1969, „Widzenie na froncie”, 1978, z obrazami „Pożegnanie” i „Czekanie”.

Jeśli wyobrazisz sobie w myślach rysunki powiązane z wymienionymi powyżej obrazami, zobaczysz ogromną skalę i fundament, na którym autorowi udało się stworzyć szeroką panoramę ludowych postaci, typów i twarzy. Po raz pierwszy w historii sztuki ukazał się tak potężny, imponujący obraz życia ludu Baszkirów w całym bogactwie barw narodowych.

Liczne rysunki i szkice zostały wykonane przez Achmata z życia, kiedy wędrował ze szkicownikiem i albumem po wioskach regionu Abzeliłowskiego w Baszkirii. Dokładne studia i profesjonalna analiza artystyczna zebranego materiału nadają jego obrazom wyjątkową autentyczność. Właśnie taki jest cel czerpania z życia: jak najdokładniejsze uchwycenie wszystkich najbardziej charakterystycznych cech tego konkretnego modelu. Pracując nad samym obrazem, autor wiedział, kiedy przerwać i uciekał się do uogólnień, co świadczyło o jego dobrym guście artystycznym i talencie.

Ale gdy pracujemy z naturą, ważna jest również specyfika. Na tej samej kartce obok rysunku zapisuje imię i nazwisko przedstawianej osoby, gdzie, w jakiej wsi mieszka, kiedy szkic był wykonywany. Dość często szkicowane są tu pokrótce niektóre wersety poetyckie, słowa pieśni ludowych i melodii. Nawiasem mówiąc, Achmat miał doskonałe ucho do muzyki, przyjemną barwę głosu i często podczas pracy śpiewał starożytne melodie baszkirskie i grał na mandolinie. Na delikatnej, nieważkiej kartce papieru znajdują się ślady jego dotyku, komunikacji i spotkań.

Dużą grupę stanowią rozproszone rysunki i pełnowymiarowe szkice portretowe wykonane w całych cyklach, tworzone przez A. Lutfullina w komunikacji z artystami, pisarzami, naukowcami i aktorami. W autorskiej pracowni jest ich cała skrzynia oraz wiele innych teczek i paczek. Zachowanie ogromnego archiwum w dużej mierze zawdzięczamy jego żonie i przyjaciółce Louise. Jej wizerunek jest rozpoznawalny na wielu rysunkach i szkicach artystki.

Achmat Lutfullin. Kuraista Rakhmatulla Bulyakanov. 1978.

Gdyby te rysunki zostały starannie, przemyślanie dobrane i zaprezentowane razem, w jednej przestrzeni muzeum i sali wystawowej, jak ciekawie i pełni uzupełniałyby się: malarstwo i rysunek.

Dokładnie tak w przyszłości, kiedy w Ufie wreszcie pojawi się Republikańskie Muzeum Sztuk Pięknych, twórczość Achmata Lutfullina, jak również twórczość innych czcigodnych artystów Baszkortostanu , ich najlepsze nie tylko obrazy, ale także dzieła graficzne powinny być prezentowane widzowi w nierozerwalnej jedności, w kontekście integralności sztuki stworzonej przez mistrza. Tylko w ten sposób można przedstawić widzowi utrwalony historycznie obraz rozwoju sztuki pięknej w republice. Tymczasem przez niemal sto lat znajduje się w zamkniętych dla zwiedzających pomieszczeniach magazynowych Muzeum Sztuki. Sztuka powinna być szeroko otwarta i dostępna dla ludzi.

Skala twórczego dziedzictwa Achmata Lutfullina jest imponująca. Przekonuje, że jego dzieła zajmują szczególne miejsce pod względem treści i znaczenia. Dlatego wskazane jest wystawienie i przechowywanie jego dzieł w odrębnym, niezależnym muzeum, w całości poświęconym twórczości A. Lutfullina. W Ufie powinno znajdować się muzeum członka Rosyjskiej Akademii Sztuk, Artysty Ludowego Rosji, członka honorowego Akademii Nauk Republiki Białorusi Achmata Lutfullina. Tak więc w Erewaniu od dawna istnieje Muzeum Martiros Saryarn na ulicy nazwanej jego imieniem. Na Litwie, w Kownie, znajduje się Muzeum Mikoelasa Ciurlionisa, do którego prowadzi „Droga Ciurlionisa”. W Kazaniu – Muzeum Baki Urmanche, w Sarańsku – Muzeum Stepana Erziego, nie wspominając o muzeach Rembrandta i Van Gogha w Amsterdamie oraz wielu muzeach sztuki pamięci w Moskwie i Sankt Petersburgu.

Najbardziej autorytatywny badacz rysunku N.N. Punin, którego jedno z wypowiedzi podano powyżej, napisał: „Zwyczajowo, z powodu jakiegoś dziwnego nieporozumienia, dzieła sztuki dzieli się na rysunki i obrazy, w tym celu, moim zdaniem, nie ma powodu. Rysunek, jeśli chodzi o odtworzenie formy, różni się od malarstwa jedynie stopniem intensywności, a linia ta jest nieuchwytna. Forma nie istnieje bez farby i bez niej nie da się jej odtworzyć. Rysunek w przyjętym znaczeniu tego słowa daje nie tylko farbę białą i czarną, ale także farbę w innych kolorach, o których nie wspomina. Nie da się włożyć żadnego koloru w żadną formę – każda forma niesie w sobie pewną esencję koloru. Z punktu widzenia intensywności oddziaływania tej barwy na formę, niektóre obrazy przypominają bardziej rysunek niż szkic ołówkiem” (5).

Postawiona teza ma bezpośredni związek z naturą metody twórczej Achmata Lutfullina. Kiedy maluje, rysuje i odwrotnie: kiedy maluje, maluje. Rysunek i plastyczne opracowanie koncepcji artystycznej stanowią podstawę konstrukcyjną kompozycji jego obrazów. Malarz silny, utalentowany, zdolny do szerokich uogólnień i odważnych stylizacji w swojej pracy nad formą, w swojej twórczości przywiązuje fundamentalną wagę do jakości rysunku. Nie da się w nim oddzielić malarza od rysownika. W malarstwie jest surowy, powściągliwy, ascetyczny, a czasem nawet nieco skąpy w kolorze.

CIĄG DALSZY... Współcześni artyści Baszkirii - Czerpanie z twórczości Achmata Lutfullina. Część 2.

Almira Janbuchtina

Achmat Lutfullin

Jasna, szczera, prawdziwa sztuka Lutfullina urzeka nas przede wszystkim narodową oryginalnością. Lutfullin jest prawdziwym artystą baszkirskim, nie tylko z powodu urodzenia i narodowości, ale także głębokiego przywiązania do ojczyzny i swego ludu, dzięki swojej rzadkiej umiejętności dostrzegania i odczuwania oryginalności i piękna ich życia, charakteru i tradycji.

Achmat Fatkullowicz Lutfullin urodził się 4 lutego 1928 r. we wsi Askar w kantonie Tamyan-Katay (obecnie dystrykt Abzeilovsky) w Baszkortostanie. Studiował w Leningradzkiej Szkole Architektury i Sztuki, Szkole Teatralno-Artystycznej Ufa oraz Litewskim Państwowym Instytucie Sztuki.

Pierwsza, bardzo kameralna wystawa prac artysty odbyła się latem 1957 roku w parku miejskim w Ufie. Zarówno publiczność, jak i prasa przyjęła ją bardzo ciepło. Już w pierwszych niezależnych eksperymentach młodego malarza dostrzeżono chęć tworzenia portretów-obrazów, które oddawałyby najlepsze cechy ludu Baszkirów: piękno fizyczne, bogactwo świata wewnętrznego, otwarte poczucie dumy narodowej i godności. „Pierwszy, ale właściwy krok” – tak wymownie zatytułowano recenzję tej wystawy w republikańskiej gazecie. Artysta pomyślnie zdał pierwszy egzamin po ukończeniu studiów.

W 1968 roku Lutfullin namalował jedno z najpotężniejszych i najpełniejszych dzieł - portret-medytację „Złota jesień”. Dwie starsze osoby, mąż i żona, ucieleśniają różne charaktery: kobieta wyraźnie naznaczona jest duchową wyższością, ma więcej wewnętrznej integralności i siły. Mężczyzna jest prostszy. Oczywiście jego życie również zostało zniszczone, ale nie w takim stopniu jak jego żony. Nie znamy ich losu, nie wiemy, jakie trudy ich spotkały, ale to nie ma znaczenia. Spójrzcie, jaki mają spokojny wyraz twarzy, nie ma na nich śladu smutnych zmartwień. Ci ludzie prowadzili godne życie, godnie wychowali swoje dzieci, a teraz w ich rozumieniu prowadzą spokojne i szczęśliwe życie. Co było najważniejsze w ich życiu? Uczciwa praca. Spójrz na ich ręce - są duże, nawet trochę brzydko duże. Ci ludzie nigdy nie oszukali. Żyli godnie. Praca jest podstawą ich życia. Dzięki takim ludziom teraźniejszość istnieje.

Największym sukcesem twórczym Lutfullina był obraz „Trzy kobiety”, namalowany w 1969 roku. Jeden z badaczy sztuki współczesnej, V. Vanslov, zauważył: „A Lutfullin na obrazie „Trzy kobiety” ucieleśniał dumne piękno i czystość moralną postaci ludowych, tworząc obraz, który budzi głębokie przemyślenia o losach pokoleń, o rozwój życia, o przeszłości i teraźniejszości w historii ludu ”

Sam artysta zauważa, że ​​obraz ten jest jego autobiografią. Pracując nad nim, zdawał się przeżywać na nowo całe swoje życie i życie swoich bliskich. Fabuła obrazu jest prosta. Trzy kobiety w strojach narodowych piją herbatę w czystej baszkirskiej chacie. Przed nimi, zgodnie z baszkirskim zwyczajem, tuż na pryczy, na białym obrusie, stoi taca z kubkami, prostym wiejskim jedzeniem.

Ale ta fabuła jest wypełniona wielką myślą filozoficzną - przed nami majestatyczna opowieść o trzech różnych biografiach, trzech pokoleniach, trzech różnych postaciach, połączonych w sposób naturalny i prosty. Za trzema żywymi, konkretnymi losami kryje się los całego narodu, cała jego złożona historia, głębokie podstawy jego życia moralnego. Za ich charakterami kryje się charakter całego narodu, odważny, nieugięty.

Dostojna staruszka siedząca pośrodku na czerwonej poduszce jest po królewsku spokojna - żywy symbol nieubłaganego czasu, nienaruszalności odwiecznych zwyczajów. Wzorzyste końce haftowanych ręczników wieńczą jej głowę. Ascetyczna twarz, ciemne, zwiędłe dłonie skupione w sobie, rozwinęły mądrość wielowiekowych doświadczeń ludowych, przeżyto trudne, ale godne życie. Ten obraz niesie ze sobą główny ładunek emocjonalny i ideologiczny.

Postać innej kobiety jest delikatnie zarysowana na jasnym tle okna. Już dawno osiągnęła dojrzałość. Na jej obrazie szczególnie w pełni ujawniają się cechy moralne narodu: szlachetna powściągliwość uczuć, wytrwałość i wewnętrzna siła charakteru. Lata odebrały tym dwóm kobietom młodość i piękno fizyczne, ale hojnie obdarzyły je pięknem moralnym

Obok mądrej starości jest młodość. Młoda kobieta siedząca po lewej stronie doświadczyła więcej radości i szczęścia; nie doświadczyła tego, czego doświadczyli starsi. Jest łącznikiem przeszłości z teraźniejszością, spadkobierczynią i strażniczką wartości moralnych ludu.

Wizerunki kobiet zawierają jedną ideę - temat losów ludzi, ich nieugiętej siły moralnej i duchowej wielkości.

Wszystko na tym płótnie jest przemyślane w najdrobniejszych szczegółach. Prostotę i prostotę życia podkreśla skromna martwa natura: świeżo upieczony chleb, mleko w drewnianej misce, trzy porcelanowe filiżanki i spodki w kolorze białym, z czerwonym kwiatkiem. Złote grzbiety starożytnych gór Ural, witające i żegnające pokolenia, są tematem wieczności. Figury uczniów jeżdżących na rowerach - temat młodości, ciągłej odnowy życia.

Artysta w swojej twórczości sięga także po martwą naturę. „Martwa natura z dzbankiem” została namalowana swobodnym, pewnym pędzlem.

Przedmioty są najzwyklejsze: kawałek czarnego chleba i śledzia, kubek wypełniony mlekiem i delikatnymi białymi jajkami, malowana drewniana łyżka i dzbanek z ciemnej gliny. Wszystko to na tle czysto wyszorowanych desek stołu. Dlaczego artysta namalował tę martwą naturę? Jaką myśl wyraził? Proste jest życie osoby, której posiłek zostaje nam podany. Skromne jedzenie sugeruje, że ta osoba nie jest przyzwyczajona do ekscesów, ale czystość i jasny kolor na obrazie uczciwości osoby, że w jego życiu nie ma fałszu ani niższości moralnej.

Artysta zwraca się także ku pejzażowi. W 1974 roku namalował pejzaż „Ostatni stary dom na wsi”. Ten zrujnowany, wkopany w ziemię, otoczony chwiejnymi płotami i budynkami gospodarczymi artysta widział kiedyś w swoim rodzinnym miejscu. Mieszkała w nim samotna starsza kobieta. To obraz kontrastów. Przewody elektryczne i antena na domu pokrytym łupkiem z tyłu przylegają do zniszczonego domu i płotu. Najważniejszy jest żywopłot na zdjęciu. Pomimo tego, że była przekrzywiona, żeby w końcu nie upaść na ziemię wspartą na filarach, ma w sobie pewien urok. Autor szczegółowo opisuje dziwaczne, skomplikowane sploty prętów i słupów. Dawno, dawno temu to prawda, żyli tu silni właściciele, twardo stąpający po ziemi. A ten malowniczy żywopłot jest tego dowodem. Dlaczego wszystko popadło w ruinę, nie jest nam znane. Pytanie jest inne – czy to sprawiedliwe? Życie idzie do przodu, ale czy ruch prowadzący do zagłady jest sprawiedliwy? Każdy odpowie na to pytanie na swój sposób.

Czas upłynie, a nowe pokolenia widzów być może inaczej docenią sukcesy i odkrycia artysty. Ale jedno jest pewne – malarstwo Achmata Lutfullina jest znaczące i oryginalne.

Zdaniem LN Popowej

Analiza obrazu „Wakacje na wsi”

Materiał malarski: olej na płótnie.

Gatunek filmu: Historyczny.

Szkic do obrazu: "Święto Wiejskie" Papier, tempera. 17,5 x 36,5 cm.

Miejsce przechowywania: Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa.

Rozmiar: 93 x 108.

Data powstania: 1917.

Kustodiew namalował obraz „Wakacje na wsi” (patrz załącznik 2) w zaledwie pięć dni - dokładnie tyle czasu artysta spędził w swojej wiejskiej posiadłości.

Na obrazie „Wakacje na wsi” artysta przedstawia zabawę i bogactwo rosyjskich świąt na tle przytulnych wiejskich chat i jasnych jesiennych liści. Jak zawsze u Kustodiewa, kolor obrazu jest bardzo dekoracyjny: opiera się na połączeniu kolorów czerwieni, żółci, pomarańczy, ochry i bieli.

Zbierając materiał do filmu programowego, Kustodiew latem 1903 roku odbył długą podróż wzdłuż Wołgi z Rybińska do Astrachania. Kolorowe obrazy bazarów Wołgi, cichych prowincjonalnych uliczek i hałaśliwych molo na zawsze zapadną w pamięć artysty. Później wykorzystał wiele wrażeń z Wołgi w filmie „Wakacje na wsi”.

W zwyczajności fabuły, w pozornej przypadkowości tego, co jest przedstawione, kryje się głęboka zamyślenie i klarowność kompozycyjna. Odważne połączenia jasnych kolorów nadają obrazowi walory dekoracyjne, zbliżając go do popularnej grafiki.

Temat wesołych i tętniących życiem wiejskich świąt i uroczystości, przepełniony surowym ludowym humorem, jasnością, bogactwem i spontanicznością, szczególnie przyciągnął artystę. Obraz „Wakacje na wsi” odniósł duży sukces na wystawach w Rosji i za granicą.

Analiza obrazu „Dzień Trójcy”

Materiał: płótno, olej.

Gatunek malarstwa: Impresjonizm.

Miejsce przechowywania: Państwowe Muzeum w Saratowie im. JAKIŚ. Radiszczewa.

Rozmiar: 110x110.

Data powstania: 1920.

Na obrazie „Dzień Trójcy” (patrz dodatek 3) powstaje idealistyczny obraz rosyjskiego święta. Święto wczesnego lata, Trójca Święta. Widzimy obrzeża miasta, szeroką polanę, kopuły kościołów, eleganckich, niespiesznych spacerujących ludzi. Wszędzie czuć świąteczną atmosferę, handlarze krzątają się z kwiatami i słodyczami. Ludzie jeżdżą na trojkach, spacerują, rozmawiają i bawią się w jarmarkowych stoiskach. Na pierwszym planie obrazu Kustodiew umieścił stateczną rodzinę kupiecką jako symbol patriarchalnej Rusi.

Obraz mieni się wszystkimi odcieniami błękitu i zieleni, a białe chmury oraz jaskrawoczerwone i żółte detale dopełniają świąteczny nastrój obrazu.

Na pierwszym planie znajdują się główni bohaterowie uroczystości Kustodiewa. To żona kupca, jej córka, młoda i nieco zawstydzona, ojciec – kupiec w klasycznym ubraniu i młody mężczyzna, w którym łatwo domyślić się ewentualnego pana młodego. Należy zauważyć, że Kustodiew pisze ludzi za pomocą szablonów. Ma nawet postacie reprezentujące różne zawody – piekarza, zakonnicę, taksówkarza – które stały się bohaterami odrębnych obrazów. Na zdjęciu wszyscy są mądrzy, pogodni, w obfitości, rozmawiają i radują się. Wszędzie panuje zadowolenie i dobrobyt.

Wszystko dzieje się na polanie, najwyraźniej na obrzeżach tego miasta. To nie jest park, bo spacerowicze mogą swobodnie jeździć wszędzie, a namiot cyrkowy jest widoczny. Drzewa są porozrzucane, co sprzyja artyście – w ten sposób zmieści się w nim więcej osób.

Wszystko na obrazie umiejscowione jest w przestrzeni, jaką tworzy wysoki kościół po prawej stronie i drzewo po lewej stronie. Dalej jest kolejna dzwonnica. Pomaga to podkreślić temat - święto Trójcy. Artyści tamtych czasów uważali kościół za tak ważny element, że bez niego nie obejdzie się żaden obraz życia Rosjan. Nawet w swoim autoportrecie artysta umieszcza siebie na tle Ławry Trójcy-Sergiusa.

Jasne kolory pomogą Ci poczuć atmosferę radości i relaksu. Jasne kolory ubrań dla żony kupca, bukiet kwiatów dla dziewczyny i sprzedawcy. Artysta zawsze kochał i szanował tradycję ludową. A sztuka ją przedstawiająca powinna sprawiać radość. Nosił tę wiarę w całej swojej pracy.

Analiza obrazu „Spacer po Wołdze”

Materiał: Hostia, olej.

Gatunek obrazu: scena rodzajowa.

Miejsce przechowywania: Państwowe Muzeum Rosyjskie, St. Petersburg.

Rozmiar: 100 x 125.

Data powstania: 1909.

Obraz „Spacer po Wołdze” (patrz załącznik 4) przedstawia nasyp z spacerującymi ludźmi, Wołgę i malowniczy przeciwległy brzeg rzeki. Wysoki punkt widzenia pozwolił mistrzowi uchwycić szeroką świąteczną panoramę.

Wzdłuż alei na stromym brzegu, gdzie w 1906 roku zatrzymał się B.M. Kustodiew, przechadzają się kupcy i handlarki, urzędnicy, prostytutki, wojskowi, wędrowcy. Obraz Kustodiewa „Święta nad Wołgą” ożywa. Odświętnie ubrani ludzie chodzą w rytm muzyki orkiestry dętej. W namiocie można kupić słodycze i wyroby cukiernicze, a przy ulicy znajduje się herbaciarnia, w której każdy może napić się herbaty samowarowej. Nieco dalej prezentowane są romanse rosyjskie. I panie, i altana, i herbaciarnia, i wszystko inne, co typowo rosyjskie: stroje kupieckich kobiet, domy w stylu empire i kościół z czerwoną galaretką.

W Tutajewie pracowało wielu artystów, a jednym z najbardziej znanych był Borys Kustodiew. Odwiedził Romanowa w latach 1906–1909, mieszkał w hotelu Ermitaż na Bulwarze Wołżskim i z okna tego hotelu namalował swój obraz „Święta nad Wołgą”, który obecnie znajduje się w Muzeum Rosyjskim w Petersburgu.

Kustodiew, śpiewak rosyjskiego życia prowincjonalnego, z ironią i miłością portretuje postacie tamtych czasów: kupców i kupczyki, inteligentne mieszczanki, urzędników i chłopów. Nie bez powodu, gdy ludzie teraz mówią „charakter Kustodiewa”, od razu przychodzą na myśl charakterystyczne typy tamtej epoki. Ozdobiony, przedstawiony przez artystę w swojej uroczystej, odświętnej formie, jest obecnie przedmiotem nostalgicznych przeżyć prawdziwej prawosławnej Rusi, z tradycjami ludowych świąt i zwyczajów oraz drogim sercu prostotą, kameralnym życiem drobnomieszczańskim , spokojne tempo tego życia.

Obraz został namalowany z drugiego piętra hotelu, bulwar widzimy jak z góry. Po drugiej stronie Wołgi znajduje się nasza piękna Katedra Zmartwychwstania. Widoczne molo towarzystwa żeglugowego Samolet. Na tym krótkim odcinku bulwaru znajdowało się kilka pomostów, każdy z własnymi drewnianymi schodami w dół – brzeg był bardzo wysoki. Każda kompania żeglugowa, a było ich kilka: „Rus”, „Nadieżda”, „Bracia Lubimow”, „Kaszin”, miała własne molo i własne parowce. Niektórzy przybyli zgodnie z planem niemal jednocześnie i rozpoczęli wyścig od zakrętu rzeki do Jarosławia. Mieszczanie wiedzieli i przyszli tu na bulwar, żeby zobaczyć, kto dzisiaj wyprzedzi.

Kluczowe daty życia i twórczości
1928 - urodzony 4 lutego we wsi Askarovo, powiat Abzeilovsky, Baszkirska Autonomiczna Socjalistyczna Republika Radziecka
1943-1945 – nauka w szkole zawodowej w Magnitogorsku
1945-1948 – studiował w Leningradzkiej Szkole Architektoniczno-Artystycznej nr 9
1949-1951 – studiował w Baszkirskiej Szkole Teatralnej i Artystycznej pod kierunkiem A.E. Tyulkina, B.F. Laletina
1951-1954 - studiował w Państwowym Instytucie Sztuki Litewskiej SRR
1957 – pierwsza wystawa osobista w Ufie
1957-1998 - udział w licznych wystawach o znaczeniu międzynarodowym, ogólnorosyjskim i republikańskim
1966 - nagrodzony tytułem „Zasłużony Artysta BASSR”

1967 - odznaczony dyplomem Rady Ministrów RFSRR za udział w III Wystawie Republikańskiej „Rosja Radziecka”

1970 - odznaczony Certyfikatem Honorowym Rady Najwyższej i Rady Ministrów RSFSR za osiągnięcia twórcze
1971 - otrzymał dyplom Akademii Sztuk Pięknych ZSRR za obraz „Wakacje na wsi. Lata 30. XX wieku.”
1976 - twórczy wyjazd do Francji. Wystawa osobista, Moskwa.
1977 - odznaczony Certyfikatem Honorowym Rady Najwyższej i Rady Ministrów RSFSR za osiągnięcia twórcze

1978 - nagrodzony tytułem „Zasłużony Artysta RFSRR”. Wystawa osobista. Ufa, Magnitogorsk, Kazań
1980 - twórcza podróż do Wietnamu

1982 - nagrodzony tytułem „Artysty Ludowego RFSRR”. Otrzymał tytuł laureata Nagrody Państwowej im. Salavata Yulaeva

1987 - odznaczony Certyfikatem Honorowym Komitetu Centralnego KPZR, Rady Ministrów ZSRR, Ogólnounijnej Centralnej Rady Związków Zawodowych i Komitetu Centralnego Komsomołu za wysokie osiągnięcia twórcze

1988 - wybrany na członka korespondenta Akademii Sztuk Pięknych ZSRR
1989 - nagrodzony tytułem „Artysty Ludowego ZSRR”
1992 - wybrany członkiem honorowym Akademii Nauk Republiki Baszkortostanu
1997 - wybrany członkiem rzeczywistym Rosyjskiej Akademii Sztuk
1998 - wystawa osobista w Baszkirskim Państwowym Muzeum Sztuki im. M.V. Miasto Nesterowa

Zmarł 10 lutego 2007 w Ufie. Został pochowany we wsi Abzakowo w obwodzie białoruckim Republiki Białorusi, w ojczyźnie artysty.

„...Wystawa dzieł mistrza, zorganizowana przez galerię Ufa „Miras”, prezentuje jego portrety, pejzaże, szkice kompozycji i martwe natury. Wartość wystawy polega na tym, że prezentuje ona, obok innych prac, mało znane widzowi prace z wczesnego okresu twórczości artysty,
który wyróżnia się szczególną emocjonalnością i spontanicznością. Wielu z nich po raz pierwszy opuściło warsztat. Są to portrety jego rodaków – „Przewodniczącej Rady Sołeckiej” 1961, „Babci ze wsi Ursuk” 1972, „Weteranki” 1982 – ludzi mądrych doświadczeniem lat i trudnego życia; „Baszkirka w białej sukni” 1960, „Mayaryam” 1963 - dziewczyny o młodzieńczym rumieńcu, urocze w swojej szczerości. Dzieła te odsłaniają istotę twórczości mistrza, dla którego ludzie, którzy przeszli próbę cierpienia i szczęścia, zachowali skromność, hart ducha i ciężką pracę, pozostają wieczną wartością. Dlatego w jego bohaterach jest tyle uroku i godności, pełnych duchowej czystości i szlachetności.

...To wspaniale, że ten wysoce artystyczny świat pojawił się na wystawie dzieł czołowego rosyjskiego malarza Achmata Lutfullina, rozmieszczonej w galerii Miras, która organizując takie wystawy przyczynia się do zachowania najlepszych tradycji naszej sztuki, kształcenie uczuć patriotycznych i gustu estetycznego widzów i koneserów sztuki.”

Walentyna Sorokina
Krytyk sztuki, zastępca dyrektora Białoruskiego Państwowego Muzeum Sztuki im. M.V. Nesterova, Zasłużona Działaczka Kultury Federacji Rosyjskiej i Republiki Białorusi, laureatka Nagrody im. P.M. Tretiakow.

) Postaram się zrobić wpisy tematyczne dotyczące artystów baszkirskich biorących udział w konkursie. Zacznijmy oczywiście od nominacji LEGENDY o tych, których już z nami nie ma. Pierwszym będzie słusznie wybitny artysta baszkirski, Artysta Ludowy ZSRR, Achmat Fatkullowicz Lutfullin.
Korzystam z materiałów agencji BASHINFORM

Latem 1957 roku w Moskwie odbył się VI Światowy Festiwal Młodzieży i Studentów. W przeddzień tego wydarzenia otwarto wystawę młodych artystów ZSRR poświęconą festiwalowi. Wzbudził on duże zainteresowanie wśród Moskali i gości stolicy. Wśród prac, które przyciągnęły szczególną uwagę zwiedzających, znalazła się seria portretów, zaskakująco świeża w odbiorze i wyrazista w kolorze - „Baszkirska dziewczyna we wnętrzu”, „Portret Baszkirki”, „Portret matki”, „Portret baszkirskiej Stary Człowiek” i inni. Prace te uzyskały najwyższe oceny w księdze gości. Ich istota sprowadzała się do tego, że artysta w przedstawionych postaciach przekazał widzowi ciężką pracę, życzliwość, surowość i powściągliwość uczuć tych ludzi oraz potrafił wyrazić głębokie korzenie narodowego charakteru swojego ludu. W ten sposób 29-letni malarz z Ufy Achmat Lutfullin zadebiutował przed masową publicznością. W tym czasie znalazł już swojego bohatera, znalazł temat, który stał się głównym przez następne 50 lat jego intensywnej pracy - to jest życie jego ludu, oryginalność, piękno i szlachetność charakteru narodowego we wszystkich różnorodność jego przejawów. Bohaterami jego obrazów są robotnicy, mieszkańcy rodzinnej dzielnicy Abzeilovsky i przedstawiciele twórczej inteligencji republiki.

Obrazy „Pożegnanie” i „Oczekiwanie” zostały przez niego pomyślane jako tryptyk-poemat o losach ludzi w jednym z najbardziej dramatycznych okresów w historii naszego kraju - podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej. Artysta znalazł środki wyrazu, język prawdziwej monumentalności, potwierdzający wielkość uczuć swoich bohaterów. Duże płótna tematyczne „Wakacje na Uralu Zagranicznym”, „Wakacje na wsi”, „Melodie Kubyza”, „Biała Jurta”, „Modlitwa o deszcz” dają wyobrażenie o wierze i tradycjach narodowych Zachodu. Baszkirowie.

Obraz Achmata Lutfullina „Trzy kobiety” stał się klasyką malarstwa baszkirskiego. Kompozycja tego obrazu jest uderzająco lakoniczna, surowa i uroczysta; oczywisty jest także jego kontekst symboliczny i alegoryczny. Trzy kobiety są przedstawione na tradycyjnym przyjęciu herbacianym. Wydaje się, że jest to typowa, codzienna scena. Warto jednak zajrzeć w twarze tych kobiet, zatopionych w ich myślach, a zobaczymy przedstawicielki trzech pokoleń, połączonych w sposób naturalny i prosty, być może to jedna rodzina, ale każdą z nich czeka inny, trudny los. A za trzema konkretnymi życiowymi losami kryje się los całego narodu, głębokie podstawy egzystencji. Poeta Jewgienij Jewtuszenko podczas swojej wizyty w Ufie przez długi czas stał w pobliżu tego obrazu. Osoba, która dużo wie o malarstwie, przyjaciel wielu znanych mistrzów pędzli z różnych kierunków.

„Genialny artysta” – powiedział w szoku, nie mogąc oderwać się od płótna.

Z wielką miłością i głębokim zrozumieniem charakteru i osobowości bohaterów artysta malował portrety postaci kultury baszkirskiej - pisarki Khadiya Davletshina, poetów Mustaia Karima i Ravila Bikbaeva, kompozytora Khusaina Achmetowa, artystki Aliya Sitdikovej i innych.

Achmat Fatkullowicz był pierwszym artystą z Baszkortostanu, który został członkiem korespondentem Akademii Sztuk ZSRR i członkiem rzeczywistym Rosyjskiej Akademii Sztuk. Jego prace znajdują się w zbiorach największych muzeów w kraju. Artysta zatytułował jeden ze swoich albumów malarskich „Jestem synem mojej ziemi”. Bezinteresownie kochał ją, swoją ziemię i ta miłość kierowała jego pędzlem, czyniąc go natchnionym śpiewakiem swojej ojczyzny. Dziś skończyłby 80 lat.

Autoportret 1959

Dziewczyna z mandoliną 1978


Pożegnanie z frontem 1979

Biały Koń 1986


Dziewczyna - Baszkir 1957


Portret matki 1989

Stara kobieta przy oknie, 1974


Portret ojca 1991


W Sabantuy 1964


Oczekiwanie 1941 (1970)


Pożegnanie 1973


Z koszenia 1996r


Wiec pod meczetem, 1980 rok


Trzy kobiety 1969


Portret kobiety baszkirskiej, 1958 r


Rodzina. Ludzie mojego kołchozu 1974


Przeznaczenie 1998


Sabantui 1977

Baszkirka z Burangułowa, 1980 rok


Biała jurta 1989