O tym, co stałe w muzyce

Pojęcie dobrej muzyki ma teraz dokładnie takie samo znaczenie jak wcześniej.

(K. Penderecki, kompozytor)

Niezależnie od tego, jak trafnie muzyka oddaje ducha swoich czasów, bez względu na to, do jakich nowych, oryginalnych idei dąży jej język, wciąż jest coś, z czym ze swej natury nie może się rozstać. To „coś” jest obecne zarówno w jego treści, jak i w kompozycji oraz w tych cechach formy, które definiujemy za pomocą określenia „język muzyczny”. Mówimy o oddziaływaniu artystycznym, które wywołuje u słuchacza autentyczne przeżycia estetyczne. Oddziaływanie to spowodowane jest odwołaniem się do ludzkich myśli i uczuć, do obrazów otaczającego świata, zawsze żywego i atrakcyjnego.

Każda prawdziwa muzyka, bez względu na to, jak bardzo jest złożona, nigdy nie porzuca tego, co ją uduchowia: to człowiek w całej jego złożoności, życie z jego próbami i radościami, przyroda i wiele więcej, które były przedmiotem zainteresowania sztuki przez całe stulecia. cały czas.

Być może dlatego w twórczości tego samego kompozytora można znaleźć różnorodną muzykę - od niepokojącej, a nawet tragicznej po najjaśniejszą i najradośniejszą. Kompozytor współczesny, jak kompozytor każdej epoki, wciąż potrafi ucieleśniać w swoich dziełach obrazy zniszczenia, a jednocześnie tworzyć piękne, wysublimowane melodie.

Wróćmy zatem ponownie do muzyki Borysa Czajkowskiego – tym razem do jego Koncertu na klarnet i orkiestrę.

Borys Czajkowski. Koncert na klarnet i orkiestrę kameralną, część I

W tej muzyce ucieleśniono najważniejsze cechy stylu artystycznego kompozytora, jego figuratywny świat, naznaczony pięknem melodyki, rosyjską charakterystyką tematów - niespieszną, uduchowioną i liryczną. Ten rodzaj muzyki przenosi słuchacza w świat naturalnych, żywych uczuć i nastrojów. To właśnie ta właściwość muzyki wyraża głęboką wiarę kompozytora w moralną czystość człowieka, jego naturalne pragnienie harmonii i piękna, a także fakt, że tradycyjne wartości ludzkie do dziś nie tracą na znaczeniu.

Z recenzji dzieł B. Czajkowskiego

„Przechodząc przez swoje wielkie serce ekscytujące problemy artystyczne naszych czasów, ludzkie smutki i radości, przeżycia emocjonalne, kompozytor potrafił szczerze i głęboko powiedzieć to, co najważniejsze o otaczającym go świecie. I być może właśnie ta jakość jego twórczości tak nas przyciąga, fascynuje, sprawia, że ​​wciąż na nowo wracamy do jego twórczości” (Yu. Serov, pianista).

„Daje poczucie, że znalazło się w jakimś bogatym świecie, bogatym w szczegóły, tak jak bogata może być przyroda, jak bogate może być wybrzeże... Nawet raczej nie brzeg morza, ale po prostu brzeg rosyjskiej rzeki, brzeg jeziora porośnięty trzciną, po której pływają łabędzie lub kaczki i szeleszczą liście. W muzyce jest jakieś szczęście” (A. Mitta, reżyser).

Chęć zrozumienia naturalnych podstaw sztuki jest charakterystyczna nie tylko dla muzyki, ale także dla innych rodzajów działalności artystycznej - poezji, prozy, malarstwa. Artyści starają się w ten sposób przeciwstawić trendom epoki, kiedy w kręgu zainteresowań znajdują się rzeczy przede wszystkim praktyczne, takie jak samochody czy urządzenia elektroniczne.

Jakie są te naturalne podstawy?

Jedną z odpowiedzi daje wiersz Rasula Gamzatowa „Wróciłem…”.

Wróciłem po stu latach,
Z ciemności na tę ziemię.
Zamknął oczy, gdy zobaczył światło.
Ledwo rozpoznałem swoją planetę...
Nagle słyszę szelest trawy,
W potoku płynie woda żywa.
„Kocham Cię!” – brzmią słowa
I błyszczą, nie stając się przestarzałe...
Minęło tysiąclecie.
Znowu wróciłem na ziemię.
Wszystko, co zapamiętałem, zostało zmiecione
Piaski innego czasu.
Ale światła gwiazd też gasną,
Dowiedziawszy się, że wkrótce wzejdzie słońce.
A ludzie - jak za naszych czasów -
Kochają się i nienawidzą...
Wyszedłem i wróciłem ponownie,
Zostawiając wieczność za sobą.
Świat zmienił się aż do jego podstaw.
Wszystko to przesiąknięte nowością.
Ale i tak zima jest biała.
Kwiaty na łąkach migoczą sennie.
Miłość pozostała taka jaka była.
A kłótnia pozostała ta sama.

(Tłumaczenie Y. Kozłowskiego)

Pytania i zadania:

1. Jak rozumiesz słowa polskiego kompozytora K. Pendereckiego zawarte w motto tego akapitu?
2. Jak myślisz, dlaczego w twórczości jednego kompozytora można znaleźć różnorodne tematy, uczucia i nastroje? Odpowiedź uzasadnij na przykładzie twórczości B. Czajkowskiego.
3. Czy zgodzicie się, że muzyka Koncertu na klarnet i orkiestrę kameralną B. Czajkowskiego dziedziczy najlepsze tradycje muzyki rosyjskiej? Co to oznacza? Co nowego w tej muzyce?
4. Co by się stało ze sztuką, gdyby nie ucieleśniała ludzkiego świata i odzwierciedlała jedynie znaki czasu, postęp technologiczny itp.?
5. Jaka jest główna myśl wyrażona w wierszu R. Gamzatowa? Które rzeczy poeta uważa za przemijające, a które niezmienne?

Nakręcony z okazji 80. urodzin kompozytora w 2013 roku.

W premierowym filmie dokumentalnym jeden z najwybitniejszych kompozytorów naszych czasów i dyrygent Krzysztof Penderecki szczegółowo opowiada historię swojego życia i twórczości, zdradza tajniki swojego rzemiosła, dzieli się najintymniejszymi przemyśleniami i planami na przyszłość. W filmie znajdują się rzadkie materiały i dokumenty archiwalne, fragmenty koncertów i prób, a także wywiady z Andrzejem Wajdą, Jonnym Greenwoodem, Janine Jansen, Julianem Rachlinem, Anne-Sophie Mutter i Elżbietą Penderecką.

Praca nad filmem trwała długo, obejmowała cały rok życia kompozytora, który widzowie „przeżyją” razem z nim. Większość zdjęć miała miejsce w wiejskim domu kompozytora i w wyjątkowym parku w Lusławicach, który tworzył przez 40 lat. Większość roślin sprowadzono do niego z różnych części planety, wiele z nich drogą przemytu. „Od najmłodszych lat bardzo kocham drzewa i zawsze marzyłam, że kiedyś będę miała duży park. W pierwszym roku posadziłam 30, 40 drzew, a potem liczba ta wzrosła do setek. Teraz park rozrósł się do 30. hektarów, a kolekcja roślin jest bardzo duża – około 1700 gatunków drzew i krzewów” – mówi kompozytor. Penderecki to nie tylko kolekcjoner, to dendrolog, ale także projektant. Ostatecznie tylko od niego zależy, jak park będzie wyglądał za 20, 50 lat.

Jego park zdobi między innymi duży labirynt obsadzony krzewami. A tytuł filmu – „Krzysztof Penderecki. Droga przez labirynt” – nie został wybrany przypadkowo. Zawiera głębokie znaczenie dla kompozytora. Labirynt jest dla niego symbolem twórczych poszukiwań: kiedy nie można przejść od razu do celu, ale z ogromnej liczby opcji trzeba wybrać tę jedyną właściwą i udać się do niej okrężną ścieżką. Cokolwiek Penderecki robił (jego talent rozciąga się na wiele dziedzin artystycznych, jest właścicielem kolekcji sztuki pięknej i użytkowej, właścicielem cennej biblioteki), zawsze robił to po swojemu: nigdy nie podążał za modą, nie kierował się czyjejś opinii, lecz pozostał wierny sobie, swoim gustom i przekonaniom.

Muzyka jest dla niego główną okazją do wypowiedzenia się na temat świata, jego złożoności i odnalezienia powiązań z przeszłością. Zawsze komponował to, co mu się podobało, a nie to, co było akceptowane. W latach 60. tworzył na przykład muzykę bardzo awangardową. Jak mówi sam kompozytor, była to chęć pokonania siebie, zdobycia tego, czego się nauczył, i poszukiwania czegoś nowego. A w 1966 r., kiedy zakazano muzyki religijnej, napisał „Pasję według św. Łukasza”. „Dzieło to – wspomina Penderecki – „przełamało przekonanie polskiego rządu, że w państwie socjalistycznym nie ma Boga ani muzyki sakralnej”. Do tej pory jego najnowszy pomysł - sala koncertowa zbudowana w dosłownym tego słowa znaczeniu na otwartym terenie - przez wielu nazywany był szalonym projektem. Ale kompozytor mówi o nim ze szczególną czcią, ponieważ stał się dla niego ucieleśnieniem wielu lat marzeń i marzeń.

Penderecki bardzo głęboko zagłębia się we wszystko, co dzieje się w jego życiu. Nie zostawia swoich kompozycji wykonawcom, ale bierze czynny udział w próbach: „W moich utworach nie pozostawiam wykonawcy żadnej swobody, dlatego próby są dla mnie bardzo ważne”. Wykonawcom jest to czasem trudne, ale tak ścisła współpraca ma swoją zaletę: dostają niepowtarzalną okazję do osobistej komunikacji z kompozytorem. „Widocznie wie, czego chce. To kompozytor, któremu można zadać pytanie i uzyskać w pełni trafną odpowiedź” – swoimi wrażeniami ze wspólnych prób z Pendereckim dzieli się skrzypaczka Janin Jansen. Jeszcze bliższa okazała się współpraca Pendereckiego z Johnnym Greenwoodem, gitarzystą Radiohead. Greenwood był tak zainspirowany muzyką Pendereckiego, że „śladami” dwóch jego kompozycji – „Crying for the Victims of Hiroshima” i „Polymorphia” – sam zapragnął pisać muzykę. Pracując nad swoim dziełem, zastanawiał się, jak połączyć dwie pasje Pendereckiego – miłość do drzew i muzyki. I udało mu się – Greenwood narysował na kartce papieru liść drzewa w płaszczyźnie poziomej i na rozgałęzionych żyłach liścia nałożył partyturę orkiestrową – tak narodziło się jego „48 odpowiedzi na „Polimorfię” Pendereckiego.

Współpraca kompozytora z Andrzejem Wajdą przy filmie „Katyń” okazała się niezwykle głęboka. Miały ku temu powody osobiste: w Katyniu zginęli wujek Pendereckiego i ojciec Wajdy. Penderecki wspomina, jak długo pielęgnował tę myśl, która w końcu się urzeczywistniła: „To był mój projekt, zmusiłem Wajdę do wzięcia mojej muzyki. A w mojej praktyce jest to przypadek wyjątkowy: jakby muzyka pojawiła się znikąd i została właśnie wykorzystana dla filmu.”

Życie twórcze Pendereckiego toczy się pełną parą: próby, premiery, festiwale; poświęcił sobie 50 lat na samo pisanie... To wszystko nie byłoby możliwe bez jego ogromnej wewnętrznej dyscypliny: „Każdy człowiek musi żyć i pracować według pewnych zasad, choć ja na przykład codziennie zmuszam się do bardzo wczesnego wstawania czasem mi się nie chce.” Mam plan pracy na jutro, pojutrze, na miesiąc, nie robię przerw – w moim wieku już nie da się ich robić, a zawsze tak miałam wciąż mam więcej pomysłów niż możliwości ich realizacji. Piszę muzykę adresowaną do ludzi szczerą i nowoczesną, która mogłaby być wykonywana dzisiaj, a nie dopiero po mojej śmierci.

Serwis prasowy kanału telewizyjnego „Rosja K”

Materiał dodatkowy do lekcji muzyki na ten temat - O niezmiennym w muzyce Materiał do prowadzenia lekcji muzyki według programu T. Naumenko i V. Aleeva, 9. klasa. Pojęcie dobrej muzyki ma teraz dokładnie takie samo znaczenie, jak miało to miejsce wcześniej. (K. Penderecki, kompozytor) Bez względu na to, jak trafnie muzyka oddaje ducha swoich czasów, bez względu na to, do jak nowych, oryginalnych idei dąży jej język, wciąż jest coś, z czym ze swej natury nie może się rozstać. To „coś” jest obecne zarówno w jego treści, jak i w kompozycji oraz w tych cechach formy, które definiujemy za pomocą określenia „język muzyczny”. Mówimy o oddziaływaniu artystycznym, które wywołuje u słuchacza autentyczne przeżycia estetyczne. Oddziaływanie to spowodowane jest odwołaniem się do ludzkich myśli i uczuć, do obrazów otaczającego świata, zawsze żywego i atrakcyjnego. Konstanty Bogajewski. Tęcza Każda prawdziwa muzyka, bez względu na to, jak złożona może być, nigdy nie rezygnuje z tego, co ją inspiruje: to człowiek w całej swojej złożoności, życie z jego próbami i radościami, przyroda i wiele więcej, co było przedmiotem zainteresowania sztuki przez cały czas. Być może dlatego w twórczości tego samego kompozytora można znaleźć szeroką gamę muzyki, od niepokojącej, a nawet tragicznej po najjaśniejszą i najradośniejszą. Kompozytor współczesny, jak kompozytor każdej epoki, wciąż potrafi ucieleśniać w swoich dziełach obrazy zniszczenia, a jednocześnie tworzyć piękne, wysublimowane melodie. Wróćmy zatem ponownie do muzyki Borysa Czajkowskiego, tym razem do jego Koncertu na klarnet i orkiestrę. B. Czajkowski. Koncert na klarnet i orkiestrę kameralną, część I. Muzyka ta ucieleśnia najważniejsze cechy stylu artystycznego kompozytora, jego świat figuratywny, naznaczony pięknem melodyki, rosyjską cechą niespiesznych, serdecznych tematów lirycznych. Ten rodzaj muzyki przenosi słuchacza w świat naturalnych, żywych uczuć i nastrojów. To właśnie ta właściwość muzyki wyraża głęboką wiarę kompozytora w moralną czystość człowieka, jego naturalne pragnienie harmonii i piękna, a także fakt, że tradycyjne wartości ludzkie do dziś nie tracą na znaczeniu. Iwan Szyszkin. Nowogród. Klasztor Peczerski Z recenzji dzieł B. Czajkowskiego „Przechodząc przez swoje wielkie serce ekscytujące problemy artystyczne naszych czasów, ludzkie smutki i radości, przeżycia emocjonalne, kompozytor był w stanie szczerze i głęboko powiedzieć najważniejszą rzecz o otaczającym świecie jego. I być może właśnie ta jakość jego twórczości tak nas przyciąga, fascynuje, sprawia, że ​​wciąż na nowo wracamy do jego twórczości” (Yu. Serov, pianista). „Daje się poczucie, że jest się w jakimś bogatym świecie, bogatym w szczegóły, tak jak bogata jest przyroda, jak bogate jest brzeg morza... Nawet raczej nie brzeg morza, ale po prostu brzeg rosyjskiej rzeki , brzeg jeziora porośnięty trzciną, po którym pływają łabędzie lub kaczki i szeleszczą liście. W muzyce jest jakieś szczęście” (A. Mitta, reżyser). Chęć zrozumienia naturalnych podstaw sztuki jest charakterystyczna nie tylko dla muzyki, ale także dla innych rodzajów działalności artystycznej: poezji, prozy i malarstwa. Artyści starają się w ten sposób przeciwstawić trendom epoki, kiedy w kręgu zainteresowań znajdują się rzeczy przede wszystkim praktyczne, takie jak samochody czy urządzenia elektroniczne. Włodzimierz Makowski. Robienie dżemu Jakie są te naturalne bazy? Jedną z odpowiedzi daje wiersz Rasula Gamzatowa „Wróciłem…”. Powróciłem po stu latach z ciemności na tę ziemię. Zamknął oczy, gdy zobaczył światło. Ledwo poznałam swoją planetę... Nagle usłyszałam: szelest trawy, żywą wodę płynącą w strumieniu. „Kocham Cię!” – te słowa brzmią I świecą, nie stając się przestarzałe... Minęło tysiąclecie. Znowu wróciłem na ziemię. Wszystko, co pamiętałem, zostało przykryte Piaskami innych czasów. Ale światła gwiazd również przygasają, Dowiedziawszy się, że wkrótce wzejdzie słońce. A ludzie, tak jak dzisiaj, zakochują się i nienawidzą... Odszedłem i wróciłem ponownie, Zostawiając za sobą wieczność. Świat zmienił się aż do jego podstaw. Wszystko to przesiąknięte nowością. Ale zima jest nadal biała. Kwiaty na łąkach migoczą sennie. Miłość pozostała taka jaka była. A kłótnia pozostała ta sama. (Tłumaczenie Y. Kozłowskiego) Pytania i zadania: Jak rozumiesz słowa polskiego kompozytora K. Pendereckiego zawarte w motto tego akapitu? Jak myślisz, dlaczego w twórczości jednego kompozytora można znaleźć różnorodne tematy, uczucia i nastroje? Odpowiedź uzasadnij na przykładzie twórczości B. Czajkowskiego. Czy zgodzicie się, że muzyka Koncertu na klarnet i orkiestrę kameralną B. Czajkowskiego dziedziczy najlepsze tradycje muzyki rosyjskiej? Co to oznacza? Co nowego w tej muzyce? Co by się stało ze sztuką, gdyby nie ucieleśniała ludzkiego świata i odzwierciedlała jedynie znaki czasu, postęp technologiczny itp.? Jaka jest główna myśl wyrażona w wierszu R. Gamzatowa? Które rzeczy poeta uważa za przemijające, a które niezmienne? Źródło http://www.musicfantasy.ru/materials/oneizmennomvmuzyke

Kompozytor Krzysztof Penderecki o tym, jak zasadzić drzewo, zbudować dom i pisać muzykę.

W kręgach zawodowych nie jest zwyczajowo nazywać kogoś wielkim lub największym. Choćby dlatego, że świat sztuki jest niezwykle różnorodny i każdy twórca – duży i mały – odnajduje w nim swoje miejsce.

Ale Bach, Mozart, Beethoven, Czajkowski, Szostakowicz to nazwiska szczególne. Często spieramy się, czy któryś z żyjących znajdzie się w tym panteonie.

Ci, którzy mieli szczęście odwiedzić Filharmonię Białoruską w tym historycznym dniu 7 października na koncercie XII Międzynarodowego Festiwalu Jurija Bashmeta „Legendy klasyki współczesnej. Krzysztofa Pendereckiego” – wiedzą na pewno, że taki kompozytor jest na ziemi.

84-letni maestro osobiście przybył na festiwal do Mińska na zaproszenie swojego przyjaciela i kolegi, słynnego pianisty Rostislava Creamera.

W pierwszej części koncertu Creamer wykonał niezwykle rozbudowany koncert fortepianowy K. Pendereckiego „Zmartwychwstanie” ku pamięci ofiar zamachu terrorystycznego w Nowym Jorku z 11 września 2001 roku, który zabrzmiał przejmująco i czule.

Na stanowisku dyrygenta zasiadał polski dyrygent i prawa ręka kompozytora Mateusz Tworek. Publiczność zgotowała owację na stojąco.

W drugiej połowie wystąpienia Wielki Maestro zajął stanowisko i poprowadził swoją najbardziej ambitną Siódmą Symfonię „Siedem bram Jerozolimy”, zamówioną przez Urząd Miasta Jerozolimy z okazji 3000-lecia świętego miasta.

W wykonaniu tego wspaniałego płótna muzycznego, porównywalnego pod względem mocy jedynie z Pasją według św. Mateusza Bacha i Requiem Verdiego, wzięło udział 200 osób - chóry, orkiestry, soliści, lektor.

Teksty biblijne brzmiały groźnie i majestatycznie, niczym głos z nieba, w ustach stugłosowego chóru. Ogromny tubofon, specjalnie przywieziony z Warszawy i przypominający działo przeciwlotnicze, wpadł w szał.

Owacje po koncercie były takie, że ściany Filharmonii niemal się zawaliły. Publiczność dosłownie skąpała mistrza w swojej entuzjastycznej miłości.

„W moich utworach nie pozostawiam wykonawcy żadnej swobody, dlatego próby są dla mnie bardzo ważne”

Penderecki powiedział w jednym z wywiadów. Dlatego przygotowania do koncertu były wściekłe, nerwowe i wyczerpujące.

Sam maestro był obecny na wszystkich bez wyjątku próbach, szczegółowo doradzał Creamerowi i Tworkowi, współpracował z orkiestrą i chórem. Napełnił wszystko swoim duchem, swoją życiodajną energią. A jednocześnie był spokojny, jak bóg olimpijski i, ku zaskoczeniu wszystkich, nie okazywał najmniejszych oznak zmęczenia.

W półgodzinnej przerwie pomiędzy próbami miałem szczęście porozmawiać z nim o muzyce i życiu. Próbowałem zrozumieć, na czym polega jego sekret, ale w odpowiedzi tylko się tajemniczo uśmiechnął.

- Profesorze, komponuje pan muzykę od 70 lat...

Jeszcze więcej! Mój wydawca też jest zaskoczony, że w moim wieku nadal komponuję muzykę. Wierzy, że kreatywność kończy się po siedemdziesiątce. Ale dla mnie to trwa i jest to normalne. W końcu nawet Verdi komponował muzykę w bardzo podeszłym wieku i komponował ją bardzo dobrze!

- Urodziłeś się i studiowałeś w Krakowie. Jak na Ciebie wpłynęła szczególna atmosfera tego miasta?

Największy wpływ wywarła na mnie twórczość Tadeusza Kantora. To brat mojej mamy – wybitny człowiek, który dokonał rewolucji w teatrze. Był także artystą abstrakcyjnym. Nie byłem więc sam w Krakowie.

- Ale nie od razu zostałeś artystą awangardowym?

Oczywiście, że nie! Interesowałem się muzyką ludową, nadal pisałem polonezy i kujawiaki.

- Dlaczego wszystko się wtedy zmieniło?

Bo zacząłem słuchać innej muzyki, która powstała w latach powojennych. W tym czasie w Europie istniała już awangarda. Zaczęło się we Francji i Niemczech, ale także w Polsce. Moi starsi towarzysze – Grażyna Bacewicz, Serocki, Tadeusz Baird i oczywiście Lutosławski – stworzyli polską szkołę awangardową.

Jak awangarda przedostała się do Polski? Przecież w tamtych latach drogę blokowała żelazna kurtyna, która stawiała sztywną barierę dla jakiegokolwiek „sabotażu ideologicznego”?

Spośród tzw. demokracji ludowych Polska była najbardziej zbuntowana. To właśnie w PRL-u w 1956 roku odbył się pierwszy festiwal muzyki współczesnej awangardy, który stał się naszym oknem na świat. Od tego czasu odbywa się co roku i nosi nazwę „Warszawskiej Jesieni Muzycznej”.

Pamiętam, jak przybył włoski artysta awangardowy Luigi Nono i przywiózł muzykę szkoły darmsztadzkiej, której w Polsce prawie nikt wówczas nie znał.

A potem muzycy mieli okazję podróżować. Nawet ja, jako bardzo młody kompozytor, spotkałem się z Ministrem Kultury, dał mi paszport i powiedział: „Jeśli nie wrócisz, wywalą mnie”. I dałem mu słowo honoru, że wrócę, i rzeczywiście tak się stało.

Jednak dla mnie głównym impulsem była praca w studiu muzyki elektronicznej, które powstało w Warszawie jeszcze w latach pięćdziesiątych. Słuchałem mnóstwo muzyki, i to takiej, jakiej wcześniej nawet nie mogłem sobie wyobrazić.

Dzięki temu zainteresowałem się awangardą. Tak powstały moje pierwsze prawdziwie awangardowe prace – „Fluorescencje”, „Anaklasis”, „Polimorfia”, „Lament nad ofiarami Hiroszimy”…

- Czyli wygrałeś Ogólnopolski Konkurs Młodych Kompozytorów?

Stało się to nieco wcześniej, w 1959 r. Bardzo chciałem wygrać, bo nagrodą był wyjazd za granicę. Do konkursu zgłosiłem od razu trzy eseje – „Stanzy”, „Emanacje” i „Psalmy Dawida”.

Jedną partyturę napisałem prawą ręką, drugą lewą, a trzecią dałem przyjacielowi do przepisywania, aby charakter pisma był wszędzie inny. I wyobraźcie sobie, że zgarnąłem wtedy wszystkie nagrody!

- A potem zaczęli otrzymywać zamówienia z Niemiec Zachodnich?

Tak, dostałem zamówienie od Deutsche Rundfunk i napisałem „Pasję Łukasza”. Wkrótce dwie wytwórnie płytowe – Harmonia Mundi i Philips – nagrały „Pasję” na płytach. Dałem jednego Szostakowiczowi i powiedziałem żonie: „Szostakowicz nigdy tego nie posłucha”.

Ale dosłownie 6 tygodni później otrzymaliśmy list z Moskwy: „Drogi Krzysztofie, zrobiłeś mi wspaniały prezent. To najambitniejsze dzieło XX wieku. Twój Dmitrij.” Była to dla mnie wielka radość, ponieważ zawsze podziwiałem Szostakowicza jako wielkiego symfonistę.

-Zaprzyjaźniłeś się z nim?

Szostakowicza poznaliśmy podczas naszej pierwszej wizyty w Moskwie w 1966 roku i utrzymywaliśmy z nim kontakt aż do jego śmierci. Poznaliśmy wówczas Szostakowicza, Weinberga i wielu innych wybitnych muzyków. Potem często jeździliśmy do Rosji.

- W 1966 r. można było już swobodnie podróżować. Dlaczego wróciłeś później?

Wychowałam się w domu, w którym polskie tradycje były bardzo silne. W 1972 roku kupiłem XVIII-wieczny pałac w Lusławicach, 80 km od Krakowa, gdzie kiedyś mieszkała siostra wielkiego polskiego artysty Jacka Malczewskiego.

Kupiłem go wraz z ziemią, odnowiłem i zacząłem sadzić drzewa różnych odmian. Moje arboretum zajmowało początkowo 3 hektary, a obecnie na 32 hektarach mam 1800 odmian drzew.

Krzysztofa Pendereckiego. Zdjęcie – Jurij Mozolewski

- Mówią, że znasz na pamięć wszystkie ich łacińskie imiona?

Nauczył mnie tego mój dziadek, gdy byłem jeszcze chłopcem. On także był miłośnikiem drzew i przyrody i znał wszystkie nazwy, ale nie po polsku, ale po łacinie. Park to moje hobby, w które włożyłem dużo pieniędzy i duszy.

Jeśli chcesz stworzyć duży park, musisz poczekać pół wieku lub dłużej, aż drzewa urosną. I trzeba sobie dokładnie wyobrazić, jak park będzie wyglądał za 100 lat. To jest jak symfonia – komponując ją przy stole, trzeba sobie dokładnie wyobrazić, jak zabrzmi na sali.

Dlaczego w pewnym momencie odszedłeś z awangardy? Byłam wtedy jeszcze dziewczynką i pamiętam, jak bardzo byliśmy zszokowani, gdy w 1981 roku ukazała się płyta z Twoim koncertem skrzypcowym w wykonaniu Zhislina. To była absolutnie tradycyjna muzyka. A wcześniej znaliśmy Twoją awangardową muzykę na płytach.

To jest w porządku. Kompozytor nie pisze w jednym stylu, lecz szuka różnych innych możliwości.

- Dlaczego, co cię do tego skłoniło?

Zawsze jest coś, co popycha człowieka, aby nie poprzestać na tym, ale patrzeć dalej i dalej. I patrz nie tylko przed siebie, ale także za siebie. Nie możemy zbytnio oddalać się od źródeł, z których czerpiemy.

Poza tym przez długi czas żyłam z komponowania muzyki dla teatru. Miałem bliskie kontakty z różnymi teatrami, także z teatrami lalkowymi. W tych latach skomponowałem muzykę do 84 przedstawień. Pisałem także muzykę do filmów, szczególnie krótkometrażowych.

Był okres, kiedy robiłam różne rzeczy, także te, których sama nienawidziłam. Musiałem jednak udowodnić, że mam indywidualność, że piszę muzykę, której nikt inny by nie napisał. Wielu z tych, którzy podążali za awangardą, nie odważyło się wrócić. I odważyłem się.

Festiwal poświęcony 85. urodzinom Krzysztofa Pendereckiego zgromadził w Filharmonii Narodowej w Warszawie kilkudziesięciu instrumentalistów, śpiewaków i dyrygentów z całego świata na osiem dni i jedenaście koncertów. Byli wśród nich zarówno ci, którzy twórczość polskiego klasyka muzyki współczesnej znali od dawna, jak i tacy, którzy mieli okazję zapoznać się z nim dopiero niedawno. Obok mistrzów stanęli młodzi artyści, którzy dopiero wkraczali na drogę wielkiej sztuki – muzyka Pendereckiego ma taki charakter, że potrzebuje nowych środków wykonawczych, np. powietrza. Nabiera szczególnej siły życiowej, gdy wpada w ręce młodych ludzi z ich dociekliwością, śmiałością, żądzą uznania, pragnieniem spojrzenia poza granice nut, aby zobaczyć to, co widział i zrozumiał sam kompozytor. Odrobina naiwności i braku przeciążenia życiowymi doświadczeniami może w zderzeniu z gęstymi warstwami atmosfery twórczości głównego polskiego artysty awangardowego zaowocować nieoczekiwanymi rozwiązaniami brzmieniowymi i semantycznymi.

Dowodem miłości Pendereckiego do młodych ludzi jest niedawno powstały zespół trzech młodych solistów Penderecki Piano Trio. Muzyka pana Krzysztofa grana jest od dawna, wykształciła się jednocześnie pewna tradycja wykonawcza, muzyka ta, nawet w swojej strukturze, ma jeszcze dużo czasu, aby stać się zabytkiem. A sam kompozytor nie ukrywa, że ​​chętnie słucha nowych, odważnych interpretacji swoich arcydzieł. Mimo imponujących rozmiarów postaci rocznicowej, przy czcigodnym wyglądzie profesora, Krzysztof Penderecki jest niezwykle komunikatywny, aforystyczny w dialogach, uwielbia żartować i sprawia wrażenie osoby zachowującej dziecinny stosunek do świata – nigdy nie ustaje być zaskoczonym.

Z dzieł Pendereckiego można poznać historię Polski i świata: jego spuścizna składa się w większości z dedykacji, ale nawet jeśli spektakl nie ma konkretnego adresata, o tym, co się wydarzyło, powiedzą daty powstania i muzyka. Festiwal pokazał, że muzyka pana Krzysztofa – zwłaszcza wczesny i środkowy okres twórczości – nie przyzwyczaiła się jeszcze do niej, nie nabrała klisz odbiorczych. A dzieła późniejszych okresów twórczości, z mnóstwem pozornie znanych romantycznych intonacji, brzmią dziś z coraz większą liczbą pytań. Nawet muzykolodzy nie zdobyli jeszcze rzetelnego słownika, nie znaleźli jeszcze stabilnych terminów wyjaśniających wiele odkryć dźwiękowych, którymi kompozytor był szczególnie hojny w latach 60.–80. Losy utworów Pendereckiego były na tyle szczęśliwe, że zdecydowana większość ich prawykonań przypadła znakomitym muzykom. Pierwszy koncert skrzypcowy w 1977 roku był zadedykowany Izaakowi Sternowi i przez niego wykonany, drugi napisany dla Anne-Sophie Mutter, drugi koncert wiolonczelowy napisany dla Mścisława Rostropowicza, a koncert „Winter Reise” na róg i orkiestrę napisany dla Radovana Vlatkovicia.

Przed Pendereckim w historii współczesnej muzyki polskiej był Witold Lutosławski, którego styl wyróżniał się zagadkową wyższą matematyką, fenomenalną precyzją i skrajną, pedantyczno-chirurgiczną kalkulacją w doborze środków wyrazu. Było tak, jakby mówił w nim Chopin, tyle że w warunkach drugiej połowy XX wieku. Muzykę Pendereckiego wyróżnia zupełnie inna skala i zakres: nie ma w niej intymności Chopina, ale stawiane są wykonawcom zwiększone wymagania, gdyż „Panie Profesorze”, jak często nazywa się autora „Siedmiu bram Jerozolimy”, jest wielkim znawcą możliwości instrumentów orkiestry symfonicznej.

Programy wieczorne układane były pod czujnym okiem żony Krzysztofa, pani Elżbiety Pendereckiej, za którą kompozytor był jak kamienny mur. Pani Penderecka odpowie na każde pytanie, gdzie, kiedy i przez kogo ten czy inny utwór męża został wykonany. Jeden z wieczorów składał się z utworów najsłynniejszego okresu awangardy: I ​​Symfonii (1973), Capriccio na skrzypce i orkiestrę (1967) oraz I Koncertu skrzypcowego (1977) i Emanacji (1958). Cztery utwory zostały przekazane odpowiednio czterem różnym dyrygentom, podobnie jak Capriccio i Koncert dwóm różnym solistom. Swoją drogą, ta zasada występów różnych solistów, dyrygentów i orkiestr wzbogaciła paletę wykonawstwa zarówno festiwalu, jak i samej muzyki.

Było to zanurzenie się w laboratorium kompozytora w intensywnych poszukiwaniach nowych, jak na tamte czasy, środków wyrazu. Ze skrzypiec wydobyto dźwięki ze wszystkich możliwych stref – od melodyjnego po perkusyjne, od zgrzytania i gwizdania po rozdzierający serce jęk. Narodowa Orkiestra Polskiego Radia w Katowicach po mistrzowsku sprostała temu wyzwaniu. Kompozytor wystawiał skrzypków na ekstremalne próby, zdając sobie sprawę, że skrzypce, jako główny wyraz indywidualności człowieka, są w stanie wytrzymać wszystko. Kompozytor zdawał się szukać i niczym alchemik odnajdywać w metamorfozach z dźwiękiem niemożliwe, identyfikując stany graniczne – od ciała stałego po ciekły i gazowy. Polska skrzypaczka Patricia Piekutowska wykazała się fenomenalną powściągliwością w wykonaniu niezwykle złożonej emocjonalnie i technicznie, szalenie kapryśnej partii w Capriccio.

Na mszy ku czci Krzysztofa Pendereckiego w Katedrze Św. Jana

W programie muzyki kantatowo-oratoryjnej znalazły się dwa hymny – św. Daniel i św. Wojciech, który ukazał się w 1997 r. z okazji 850-lecia Moskwy i 1000-lecia Gdańska oraz okazałe Credo, napisane w 1998 r. Dyrygent Maximiano Valdez po wykonaniu tej ciężkiej kompozycji, niczym krzyża Chrystusa, przyznał, że formalnie nie da się przygotować tej partytury, bez osobistego przyzwyczajenia się do filozofii brzmień Credo. Nazwał to doświadczenie „objawieniem”, wglądem w naturę Boga objawioną w całości. Trzy chóry – Warszawski Chór Chłopięcy, Chór Opery i Filharmonii Podlaskiej oraz Chór Filharmonii im. K. Szymanowskiego w Krakowie – a także Polska Orkiestra Radiowa wraz z pięcioma wokalistami stworzyły nie tyle „fresk na skalę planetarną”, ile dołożyli wszelkich starań, aby zaangażować słuchaczy w to potężne, empatyczne doświadczenie. Zwłaszcza skalą tego obrazu Penderecki zdawał się udowadniać, jak płytki jest człowiek, jak szybko porzucał rozwiązywanie skomplikowanych problemów wszechświata na rzecz wygody i przyjemnych drobiazgów, które stępiają czujność i powstrzymują intensywność poszukiwań duchowych.

Na tym festiwalu nawet przypadkowe spotkania przyczyniły się do zrozumienia fenomenu Pendereckiego. A kiedy po długiej, niekończącej się „Koreańskiej” Symfonii, w szafie nagle pojawiła się reżyserka Agnieszka Holland, od razu stało się jasne, że Penderecki to kompozytor bardzo filmowy, myślący różnymi wielkościami ujęć, cięciami montażowymi i „serializmem”. w sensie produkcji wieloczęściowej. Jednak najbardziej magiczny i serdeczny koncert okazał się w dniu urodzin mistrza, kiedy w katedrze św. Jana podczas mszy poświęconej 85. urodzin kompozytora jego Missa brevis wykonał polski chór kameralny Schola Cantorum Gedanensis pod batutą reżyseria Jana Łukaszewskiego. Było w nim tyle czystości, niebiańskiego światła, nadziei, miłości i blasku, a kiedy zadzwonił dzwonek, stało się jasne, jak wiele ten głos znaczył i nadal znaczy w partyturach kompozytora, który w chwili jego narodzin, cieszy się z nim podczas wakacji i towarzyszy Ci w ostatniej podróży.