Carlos Kleiber został uznany za najlepszego dyrygenta wszechczasów.
Tak wynika z ankiety przeprowadzonej przez angielski magazyn Magazyn muzyczny BBC, Carlosa Kleibera uznawany za najlepszego dyrygenta wszechczasów. Badanie przeprowadzono wśród 100 czołowych dyrygentów naszych czasów, takich jak Sir Colin Davis, Gustavo Dudamel, Valery Gergiev, Maris Jansons i innych, aby określić, którego ze swoich kolegów podziwiają najbardziej (kto jest dla nich inspiracją). Carlos Kleiber, austriacki maestro, który w ciągu swoich 74 lat dał zaledwie 96 koncertów i około 400 przedstawień operowych, pokonał Leonarda Bernsteina i Claudio Abbado, którzy zajęli odpowiednio drugie i trzecie miejsce.

Susanna Mälkki, fińska dyrygentka francuskiego Ensemble Intercontemporain i jedna z uczestniczek ankiety, tak skomentowała wyniki: „Carlos Kleiber wniósł do muzyki niesamowitą energię... Tak, miał około pięć razy więcej czasu na próby, niż mogą sobie pozwolić współcześni dyrygenci , ale na to zasługuje, bo jego wizja muzyki jest niesamowita, dokładnie wie, czego chce, a jego dbałość o najmniejsze szczegóły jest naprawdę inspirująca.”

Więc, 20 najlepszych dyrygentów wszechczasów na podstawie ankiety BBC Music Magazine przeprowadzonej w listopadzie 2010 r. i opublikowanej w marcu 2011 r.

1. Carlos Kleiber (1930-2004) Austria
2. Leonard Bernstein (1918-1990) USA
3. (ur. 1933) Włochy
4. Herbert von Karajan (1908-1989) Austria
5. Nikolaus Harnoncourt (ur. 1929) Austria
6. Sir Simon Rattle (ur. 1955) Wielka Brytania
7. Wilhelm Furtwangler (1896-1954) Niemcy
8. Arturo Toscanini (1867-1957) Włochy
9. Pierre Boulez (ur. 1925) Francja
10. Carlo Maria Giulini (1914-2005) Włochy
11. John Eliot Gardiner (ur. 1943) Wielka Brytania
12.
13. Ferenc Fricsay (1914-1963) Węgry
14. George Szell (1897-1970) Węgry
15. Bernard Haitink (ur. 1929) Holandia
16. Pierre Monteux (1875-1964) Francja
17. Jewgienij Mrawinski (1903-1988) Rosja (ZSRR)
18. Colin Davis (ur. 1927) Wielka Brytania
19. Thomas Beecham (1879-1961) Wielka Brytania
20. Charles Mackerras (1925-2010) Australia

Informacje biograficzne:
Carlos Kleiber, właściwie Carl Ludwig Kleiber, jest austriackim dyrygentem. Urodzony 3 lipca 1930 roku w Berlinie, syn słynnego dyrygenta Ericha Kleibera. Dorastał w Argentynie w latach 1949-1950. studiował chemię w Zurychu. Karierę muzyczną rozpoczął w 1951 roku jako pedagog w Monachium. Debiut dyrygencki Kleibera miał miejsce w 1954 roku w Poczdamie. Następnie pracował w Düsseldorfie, Zurychu i Stuttgarcie. W latach 1968-1973. pracował w Bawarskiej Operze Państwowej w Monachium i był jej gościnnym dyrygentem do 1988 roku. W 1973 roku po raz pierwszy wystąpił w Wiedeńskiej Operze Państwowej. Występował w La Scali, Covent Garden (od 1974), Metropolitan Opera (od 1988) i innych teatrach; brał udział w Festiwalu w Edynburgu (od 1966). Współpracował z Orkiestrą Filharmonii Wiedeńskiej i Berlińskiej. Ostatni występ dyrygenta odbył się w 1999 roku. Zmarł 13 lipca 2004 w Słowenii.

L.V.Beethoven. Symfonia nr 7 op.92.
Królewska Orkiestra Concertgebouw (Holandia). Prowadzony przez Carlosa Kleibera.

Nazwisko Herberta von Karajana w światowej świadomości jest nierozerwalnie związane z Salzburgiem. Dyrygent, urodzony w 1908 roku w Salzburgu, przez dziesięciolecia na swój sposób kształtował życie kulturalne miasta Mozarta i stał na czele wydarzeń.

Śladami dyrygenta
Spacerując po Salzburgu nieustannie trafiamy do miejsc związanych z życiem i twórczością wybitnego dyrygenta. Naturalnej wielkości posąg z brązu, znajdujący się w centrum Starego Miasta w Salzburgu, obok mostu dla pieszych Makart, w ogrodzie Raiffeisen Bank, przypomina Herberta von Karajana. Na tablicy znajdującej się w pobliskim budynku widnieje informacja, że ​​w tym domu Karajan urodził się 5 kwietnia 1908 roku. Miasto Salzburg uhonorowało swojego słynnego syna, nazywając jeden z charakterystycznych placów w Dzielnicy Festiwalowej Herbert von Karajan Platz.

Jego grób znajduje się na cmentarzu w Anif – małej miejscowości niedaleko Salzburga, gdzie przez wiele lat mieszkał Herbert von Karajan. Z biegiem czasu grób stał się miejscem pielgrzymek wielbicieli talentu Karajana z całego świata.

Herberta von Karajana i Letniego Festiwalu w Salzburgu
W latach powojennych w Salzburgu rozpoczęła się era Herberta von Karajana. W 1948 po raz pierwszy dyrygował operą Orfeusz Glucka, w 1956 został dyrektorem artystycznym, a w 1957 zadebiutował jako reżyser w operze Fidelio Beethovena.
W 1960 roku Herbert von Karajan zainaugurował nowy budynek Wielkiej Sali Festiwalowej zespołu teatralnego inscenizacją opery Der Rosenkavalier Richarda Straussa i ogłosił początek nowej ery. Nawet gdy Karajan od września 1960 roku nie był już jedynym dyrektorem artystycznym, ale od 1964 roku zasiadał w zarządzie, to nadal zawsze pozostawał tym, który trzyma w rękach wątki przedsięwzięcia i podejmuje najważniejsze decyzje: jako „ostatniego autokratycznego „pana”, odnosząc się do powiedzenia zawartego w jednym ze swoich nekrologów po jego śmierci w 1989 r.

W 1967 roku założył Festiwal Wielkanocny w Salzburgu, którym kierował aż do śmierci: co roku wystawiał udostępnioną przez Senat Berlina inscenizację operową we współpracy z Orkiestrą Filharmonii Berlińskiej, a następnie organizował koncerty w Salzburgu podczas uroczystości Świętej Trójcy.

Era Karajana
Karajan pomógł nadać Letniemu Festiwalowi w Salzburgu status międzynarodowy. Podczas gdy w poprzednich dziesięcioleciach na czele obsady stał zespół Wiedeńskiej Opery Narodowej, obecnie Salzburg stał się miejscem spotkań wielojęzycznych międzynarodowych gwiazd, które jako wolni artyści czują się jak w domu na słynnych scenach od Mediolanu po Nowy Jork.

To zaczęło przyciągać licznych gości z zagranicy.
Dyrygent przez wiele dziesięcioleci z rzędu, jak nikt inny, nie tylko personifikował scenę muzyczną, ale także przyspieszał rozwój dokumentacji muzycznej. W ostatnich latach życia z wielkim zainteresowaniem i energią – głównie pod własnym kierownictwem orkiestry – kolekcjonował i dokumentował dla świata arcydzieła muzyczne.

Era radziecka była hojna pod względem talentów. Historia kultury światowej obejmuje nazwiska znakomitych radzieckich pianistów, skrzypków, wiolonczelistów, śpiewaków i oczywiście dyrygentów. W tym czasie ukształtowało się nowoczesne rozumienie roli dyrygenta - lidera, organizatora, mistrza.

Jacy byli ci muzyczni przywódcy epoki sowieckiej?

Pięć portretów z galerii wybitnych dyrygentów.

NIKOLAI GOLOVANOW (1891–1953)

Już w wieku sześciu lat Mikołaj podczas spaceru próbował dyrygować orkiestrą wojskową. W 1900 roku młody meloman został przyjęty do Szkoły Synodalnej. Tutaj ujawniły się jego zdolności wokalne, dyrygenckie i kompozytorskie.

Będąc już dojrzałym mistrzem, Golovanov z wielką miłością napisze o latach studiów: „Szkoła synodalna dała mi wszystko - zasady moralne, zasady życia, zdolność do ciężkiej i systematycznej pracy, zaszczepiła świętą dyscyplinę”.

Po kilku latach pracy jako regent Nikołaj wstąpił do klasy kompozycji Konserwatorium Moskiewskiego. W 1914 roku ukończył szkołę z małym złotym medalem. Przez całe życie Nikołaj Semenowicz pisał pieśni duchowe. Kontynuował pracę w tym gatunku, nawet gdy religię ogłoszono „opium dla ludu”.

Fragment wykonania uwertury Czajkowskiego „1812”

W 1915 roku Golovanov został przyjęty do Teatru Bolszoj. Wszystko zaczęło się od skromnej pozycji asystenta chórmistrza, a w 1948 roku został głównym dyrygentem. Relacje ze słynnym teatrem nie zawsze układały się gładko: Nikołaj Gołowanow musiał znosić wiele obelg i rozczarowań. Ale to nie one zapisały się w historii, ale genialne interpretacje rosyjskiej klasyki operowej i symfonicznej, błyskotliwe premiery dzieł współczesnych kompozytorów i pierwsze audycje radiowe muzyki klasycznej w ZSRR z jego udziałem.

Dyrygent Giennadij Rozhdestvensky tak wspomina mistrza: „Nie mógł znieść środka. Obojętny środek. I w niuansach, i w frazowaniu, i w podejściu do sprawy.

Choć Gołowanow nie miał studenckich dyrygentów, jego interpretacje rosyjskiej klasyki stały się wzorami dla młodych muzyków. Aleksandrowi Gaukowi przeznaczone było zostać założycielem radzieckiej szkoły dyrygentury.

ALEKSANDER GAUK (1893–1963)

Alexander Gauk studiował w Konserwatorium w Piotrogrodzie. Studiował kompozycję w klasie Aleksandra Głazunowa, dyrygenturę w klasie Mikołaja Czerepnina.

W 1917 roku rozpoczął się muzyczno-teatralny okres jego życia: pracował w Piotrogrodzie Teatru Dramatu Muzycznego, a następnie w Leningradzkim Teatrze Opery i Baletu.

W latach trzydziestych w centrum zainteresowań Gaucka stała się muzyka symfoniczna. Przez kilka lat kierował orkiestrą symfoniczną Filharmonii Leningradzkiej, a w 1936 stał na czele nowo utworzonej Państwowej Orkiestry Symfonicznej ZSRR. Nie tęsknił za teatrem, żałował tylko, że nie miał okazji wystawić swojej ulubionej „Damowej pik” Czajkowskiego.

A. Honeggera
Pacyfik 231

W 1953 roku Gauk został głównym dyrygentem Wielkiej Orkiestry Symfonicznej Państwowej Telewizji i Radia ZSRR. Praca ta była bardzo intensywna i interesująca. Orkiestra grała programy, jak to się mówi, na żywo. W 1961 roku mistrz został „grzecznie” wysłany na emeryturę.

Radością Gauka było nauczanie. Jewgienij Mrawinski, Aleksander Melik-Paszajew, Jewgienij Swietłanow, Nikołaj Rabinowicz – wszyscy byli uczniami mistrza.

Jewgienij Mrawiński, sam już uznany mistrz, napisze do swojego nauczyciela w liście gratulacyjnym: „Jesteś naszym jedynym dyrygentem, który niesie tradycje naprawdę wielkiej kultury”.

EWGENIJ MRAWIŃSKI (1903–1988)

Całe życie Mrawińskiego było związane z Petersburgiem-Leningradem. Urodził się w rodzinie szlacheckiej, ale w trudnych latach musiał zajmować się sprawami „nieszlachetnymi”. Na przykład pracuj jako dodatek w Teatrze Maryjskim. Ważną rolę w jego losach odegrała osobowość dyrektora teatru Emila Coopera: „To on wprowadził we mnie to «ziarno trucizny», które związało mnie ze sztuką dyrygencką na całe życie”.

Ze względu na muzykę Mravinsky opuścił uniwersytet i wstąpił do Konserwatorium w Piotrogrodzie. Student początkowo pilnie pracował nad kompozycją, później zainteresował się dyrygenturą. W 1929 roku trafił do klasy Gaucka i bardzo szybko opanował podstawy tego złożonego (lub „ciemnego”, jak powiedział Rimski-Korsakow) biznesu. Po ukończeniu konserwatorium Mravinsky został asystentem dyrygenta Leningradzkiego Teatru Opery i Baletu.

W 1937 roku odbyło się pierwsze spotkanie dyrygenta z muzyką Dmitrija Szostakowicza. Mrawińskiemu powierzono prawykonanie swojej V Symfonii.

W pierwszej chwili Szostakowicz przeraził się nawet sposobem pracy dyrygenta: „W sprawie każdego środka, każdej myśli Mrawiński poddawał mnie autentycznemu przesłuchaniu, żądając ode mnie odpowiedzi na wszystkie wątpliwości, jakie się w nim pojawiły. Ale już piątego dnia naszej wspólnej pracy zdałem sobie sprawę, że ta metoda jest jak najbardziej słuszna.”

Po tej premierze muzyka Szostakowicza stanie się stałym towarzyszem życia mistrza.

W 1938 roku Mravinsky wygrał Pierwszy Ogólnounijny Konkurs Dyrygentów i natychmiast został mianowany dyrektorem Orkiestry Filharmonii Leningradzkiej. Wielu artystów orkiestry było znacznie starszych od dyrygenta, dlatego nie wahali się udzielać mu „cennych wskazówek”. Ale minie bardzo mało czasu, na próbach zostanie nawiązana atmosfera pracy, a zespół ten stanie się dumą kultury narodowej.

Próba Orkiestry Filharmonii Leningradzkiej

Niezbyt często w historii muzyki spotykamy przykłady pracy dyrygenta z jednym zespołem przez kilkadziesiąt lat. Evgeny Mravinsky kierował Orkiestrą Filharmonii przez pół wieku, jego młodszy kolega Evgeny Svetlanov kierował Orkiestrą Państwową przez 35 lat.

Dymitr Szostakowicz, VIII Symfonia

EWGENIJ SWIETŁANOW (1928–2002)

Dla Swietłanowa Teatr Bolszoj był domem w szczególnym tego słowa znaczeniu. Jego rodzice są solistami trupy operowej. Przyszły maestro już w młodym wieku zadebiutował na słynnej scenie: wcielił się w małego synka Cio-Cio-san w operze Madama Butterfly Pucciniego.

Niemal natychmiast po ukończeniu konserwatorium Swietłanow przybył do Teatru Bolszoj i opanował wszystkie klasyki teatralne. W 1963 roku został głównym dyrygentem teatru. Razem z nim trupa wyrusza w trasę koncertową do Mediolanu, do La Scali. Swietłanow przybliża wymagającej publiczności „Borysa Godunowa”, „Księcia Igora”, „Sadko”.

W 1965 roku stał na czele Państwowej Orkiestry Symfonicznej ZSRR (tej samej, którą prowadził niegdyś jego nauczyciel Aleksander Gauk). Wraz z tą grupą, która stała się akademicka w 1972 r., Swietłanow zrealizował zakrojony na szeroką skalę projekt „Antologia rosyjskiej muzyki symfonicznej w nagraniach”. Znaczenie tego dzieła bardzo trafnie określił dyrektor muzyczny Radia France Rene Goering, który dużo współpracował z dyrygentem: „To prawdziwy wyczyn Swietłanowa, kolejny dowód jego wielkości”.

M. Bałakiriew, II Symfonia, finał

Współpracując z Państwowym Konserwatorium, dyrygent nie zapomina o Teatrze Bolszoj. W 1988 roku prawdziwą sensacją stała się produkcja „Złotego koguta” (reż. Georgy Ansimov). Swietłanow zaprosił „nieoperowego” śpiewaka Aleksandra Gradskiego do odegrania niezwykle złożonej roli Astrologa, co dodało spektaklowi jeszcze większej oryginalności.

Koncert „Przeboje Odchodzącego Wieku”

Do najważniejszych osiągnięć Jewgienija Swietłanowa należy wprowadzenie szerokiego grona słuchaczy do muzyki wybitnego kompozytora Mikołaja Miaskowskiego, bardzo rzadko wykonywanej przez orkiestry radzieckie.

Powrót mało znanych dzieł na scenę koncertową stał się jednym z kluczowych zadań maestro Giennadija Rozhdestvensky'ego.

GENNADY ROZDESTWIEŃSKI (UR. 1931)

Dyrygenci grający na instrumentach lub komponujący muzykę nie są rzadkością. Ale dyrygenci, którzy potrafią rozmawiać o muzyce, są rzadkością. Giennadij Rozhdestvensky to naprawdę wyjątkowa osoba: potrafi w urzekający sposób opowiadać i pisać o dziełach muzycznych różnych epok.

Rozhdestvensky studiował dyrygenturę u swojego ojca, słynnego dyrygenta Nikołaja Anosowa. Mama, piosenkarka Natalya Rozhdestvenskaya, wiele zrobiła, aby rozwinąć artystyczny gust syna. Giennadij Rozhdestvensky, który nie ukończył jeszcze konserwatorium, został przyjęty do Teatru Bolszoj. Jego debiutem była Śpiąca królewna Czajkowskiego. W 1961 roku Rozhdestvensky stał na czele Wielkiej Orkiestry Symfonicznej Centralnej Telewizji i Radia. W tym czasie wyłoniły się preferencje repertuarowe dyrygenta.

Z wielkim zainteresowaniem opanował muzykę XX wieku, a także zapoznał publiczność z kompozycjami „nieprzebojowymi”. Muzykolog, doktor historii sztuki Wiktor Tsukkerman przyznał w liście do Rozhdestvensky'ego: „Od dawna chciałem wyrazić mój głęboki szacunek, a nawet podziw dla Twojej bezinteresownej, a może nawet ascetycznej działalności w wykonywaniu dzieł niezasłużenie zapomnianych lub mało znanych”.

Twórcze podejście do repertuaru zdeterminowało współpracę mistrza z innymi orkiestrami – znanymi i mniej znanymi, młodzieżowymi i „dorosłymi”.

O studiach u profesora Rozhdestvensky'ego marzą wszyscy początkujący dyrygenci: od 15 lat kieruje on wydziałem dyrygentury operowej i symfonicznej w Konserwatorium Moskiewskim.

Profesor zna odpowiedź na pytanie „Kim jest dyrygent?”: „To medium pomiędzy autorem a słuchaczem. Albo, jeśli ktoś woli, rodzaj filtra, który przepuszcza przez siebie strumień emitowany przez partyturę, a następnie stara się przekazać go publiczności.”

Film „Trójkąty życia”
(z fragmentami występów dyrygenta), w trzech częściach

Byłoby rzeczą niesłychaną arogancją z mojej strony, gdybym mówił o sławnych dyrygentach wszystkich czasów i narodów. W tej kwestii mogę jedynie podać link do opinii bardziej autorytatywnych ekspertów ode mnie :). Ale moja własna opinia też ma jakąś wartość, jak każda niezależna opinia myślącej osoby, prawda? Dlatego postępuję następująco: postaram się wskazać główne etapy rozwoju sztuki reżyserskiej oraz nazwiska znanych dyrygentów związanych z tymi etapami. Będzie sprawiedliwie ze wszystkich stron :)

• Jeden z wczesnych etapów dyrygentury

związany z bardzo nieporęcznym przedmiotem zwanym battuta. Rodzaj pałki, którą główny dyrektor muzyczny uderzał o podłogę, mierząc rytm. I właśnie ta trampolina kojarzy się z najbardziej absurdalnym tragicznym wydarzeniem w muzycznym świecie. Kompozytor, muzyk i dyrygent Jean-Baptiste Lully zmarł na gangrenę w 1687 r. A powodem była kontuzja nogi podczas dyrygowania na trampolinie...

• W XVII wieku rola dyrygenta

bardzo często wykonywany przez czołowych muzyków orkiestry. Czasem byli to organiści lub klawesyniści, ale częściej byli to skrzypkowie. Prawdopodobnie z tej tradycji wzięło się określenie „pierwsze skrzypce”? I tutaj chciałbym wymienić następującą, dość współczesną nazwę: Williego Boskowskiego. Skrzypek i dyrygent, przez kilkadziesiąt lat XX wieku był koncertmistrzem słynnej Orkiestry Filharmonii Wiedeńskiej. A ta orkiestra tradycyjnie nigdy nie miała głównego dyrygenta. Boskowski często dyrygował na wzór samego Straussa – ze skrzypcami w ręku.

• Pod koniec XVIII, w XIX wieku powstały dzieła muzyczne

stało się na tyle skomplikowane, że kolejnym logicznym krokiem było ukształtowanie się zawodu „wyzwolonego” dyrygenta. Teraz wykonują dzieła nie tylko własnych kompozycji, ale także innych kolegów z pracowni. I z biegiem czasu następuje wyraźny podział na rodzaje działalności: dyrygent nie jest już koniecznie kompozytorem! Jednymi z pierwszych zawodowych dyrygentów, którym udało się zdobyć międzynarodową renomę byli m.in Hansa von Bulowa I Hermana Leviego.

• Nie sposób nie wspomnieć o takim wydarzeniu – pojawieniu się batuty dyrygenckiej.

Stało się to w XIX wieku i ustalona wówczas forma tego ważnego instrumentu pozostaje do dziś tradycyjna. A wynalazca uważany jest za niemieckiego kompozytora i dyrygenta Ludwika Spohra.

• W historii dyrygentury nastąpił moment prawdziwie rewolucyjny.

Mianowicie: dyrygent odwraca się twarzą do orkiestry i z powrotem do opinii publicznej! Szczerze mówiąc: nie mam pojęcia, ale jak to było wcześniej? Maestro nie mógł dyrygować twarzą do publiczności, ale tyłem do muzyków?! Tak czy inaczej, to wydarzenie jest obchodzone jako wyjątkowe. I w związku z tym pamiętam najbardziej szczery, chwytający za serce fragment: całkowicie głuchy Beethovena dyryguje prawykonaniem swojej IX symfonii. Wykonanie zakończone. Kompozytor nie słyszy żadnych dźwięków. Stojąc tyłem do publiczności, nie widzi jej reakcji. A potem muzycy odwracają go twarzą do publiczności i Beethoven widzi triumf, jaki spowodowało jego nowe dzieło.

• Na koniec pozwolę sobie wyrazić moje osobiste uczucia :).

Jak niespodziewanie przekonałem się sam: trudno mi ocenić profesjonalizm dyrygenta, dlatego w swoich ocenach „dodaję” takie cechy, jak kunszt i poczucie humoru. Pewnie dlatego wśród dyrygentów XX wieku wyróżniam dwóch: Giennadij Rozhdestvensky I Daniela Barenboima. Zakończę ten wpis nagraniem przemówienia tego ostatniego:

Cykl programów koncertowych(Rosja, 2010). 10 problemów.

Nie ma bardziej autorytatywnych postaci we współczesnej kulturze muzycznej niż przedstawiciele światowej elity dyrygenckiej. Twórcy serialu wybrali dziesięć znaczących nazwisk - Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons, a także ich sławni rosyjscy koledzy. Dziś są to powszechnie uznani mistrzowie i dyrektorzy najważniejszych orkiestr.

Każdy program opiera się na występie jednego z wymienionych mistrzów wraz z jego orkiestrą.

Soliści: skrzypkowie Wadim Repin i Siergiej Kryłow, oboista Aleksiej Utkin, pianista Denis Matsuev i inni.

Program jest bardzo różnorodny – od I.S. Bacha do A. Schönberga i A. Pärta. Wszystkie dzieła zaliczają się do arcydzieł muzyki światowej.

Gospodarzem cyklu jest pianista Denis Matsuev.

1. wydanie. .
Solista Wadim Repin.
Program: I. Strawiński. Symfonia w trzech częściach; M. Brucha. Koncert na skrzypce i orkiestrę nr 1 g-moll; L. Beethovena. Symfonia nr 7.

2. wydanie. Władimir Fiedosejew i Orkiestra Symfoniczna Bolszoj. LICZBA PI. Czajkowski.
W programie: L. Beethoven. Symfonia nr 4.
Nagranie w Złotej Sali Musikverein w Wiedniu.

Wydanie 3. „Maris Jansons i Orkiestra Symfoniczna Radia Bawarskiego”.
Program: R. Wagner. Introdukcja i „Śmierć Izoldy” z opery „Tristan i Izolda”; R. Straussa. Suita walców z opery „Der Rosenkavalier”.

4. wydanie. „Daniel Barenboim i West-Eastern Divan Orchestra”.
W programie: V.A. Mozarta. Koncert nr 7 F-dur na trzy fortepiany i orkiestrę. Soliści: Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schönberga. Wariacje na orkiestrę. G. Verdiego. Uwertura do opery „Siła przeznaczenia”.

5. wydanie. „Vladimir Spivakov i Orkiestra Filharmonii Narodowej Rosji.
Siergiej Prokofiew. Koncert nr 3 na fortepian i orkiestrę. I Symfonia „Klasyczna”. Solista Denis Matsuev. Nagranie w Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego w 2008 roku.

6. numer. „Lorin Maazel i Orkiestra Symfoniczna Arturo Toscaniniego”
Program: Giacchino Rossini. Uwertura do opery „Włosi w Algierze”; Johannesa Brahmsa. Symfonia nr 2.
Nagranie w Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego.

7. numer. Yuri Temirkanov i Akademicka Orkiestra Symfoniczna Filharmonii w Petersburgu. D.D. Szostakowicz.

8. numer. Yuri Bashmet i zespół kameralny „Moskiewscy soliści”.
W programie: Joseph Haydn – Koncert na wiolonczelę i orkiestrę. Solista Stephen Isserlis (Wielka Brytania), Niccolo Paganini – 5 kaprysów (opracowanie: E. Denisov na skrzypce i orkiestrę kameralną). Solista Siergiej Kryłow (Włochy); VA Mozart – Divertimento nr 1.
Rejestracja w BZK.

9. numer. Michaił Pletnev i Rosyjska Orkiestra Narodowa
Rosyjska Orkiestra Narodowa wykona suitę z baletu P.I. „Jezioro łabędzie” Czajkowskiego, skomponowane przez Michaiła Pletnewa. Nagranie w Teatrze Bolszoj w Rosji w ramach Wielkiego Festiwalu RNO, 2009.

10. numer. Valery Gergiev i Orkiestra Symfoniczna Teatru Maryjskiego
Orkiestra Symfoniczna Teatru Maryjskiego pod dyrekcją Valery'ego Gergieva wykona przeboje orkiestrowe - uwertury z oper Rossiniego, Verdiego, Wagnera, walce z baletów Czajkowskiego, fragmenty baletu Romeo i Julia Prokofiewa.