? Z. 124

Znajdź w „Domku Muzealnym” rysunek Wiktora Popkowa „Wnętrze z figowcami”.

W podręczniku przekonujemy, że stare rzeczy i fotografie to nie tylko historia jednej osoby czy rodziny. To jest historia całego narodu. Stare przedmioty i fotografie mogą wiele powiedzieć o przeszłości, w tym o ważnych wydarzeniach z życia kraju.

Co możesz powiedzieć o pomieszczeniu, którego część przedstawił artysta? Czy znajduje się w wiejskim domu, czy w mieście
apartament?
Jak długo ludzie mieszkali w tym domu? Jakie szczegóły na to wskazują? Czy jasne jest, że ściany, krzesła i fikusy mają swoją historię i od wielu lat są świadkami życia ludzi?
Weź pod uwagę krzesła: ich zakrzywione oparcia wydają się odzwierciedlać linie pnia figowca. Krzesła o tym kształcie nazywane są wiedeńskimi.

Po dokładnym zapoznaniu się z rysunkiem V. Popkowa „Wnętrze z figowcami” możesz zastanowić się, jaki pokój przedstawia artysta: w wiejskim domu czy w miejskim mieszkaniu. Dlaczego? Trzeba zwrócić uwagę na ściany (stare, nierówne, pokryte starą tapetą), podłogę i sufit (podłoga jest drewniana, sufit niski i najprawdopodobniej też drewniany). Pod sufitem, na nierówno wbitych gwoździach, wiszą „portrety fotograficzne” mieszkańców tego pomieszczenia lub ich przodków. „Portrety fotograficzne”, czyli fotografie oprawione w piękną „obrazową” ramę, w typie przedstawionym przez artystę, były niegdyś (na początku XX w.) modne wśród biednych mieszczan i robotników; potem ta moda rozprzestrzeniła się na wioski. Część pokoju przedstawiona przez V. Popkowa jest bardzo ascetyczna: nie ma mebli (poza dwoma starymi „wiedeńskimi” krzesłami) i figowców; kurtka wisi na ścianie, na gwoździu, a nie w szafie lub na specjalnym wieszaku; Same fikusy nie stoją na kwietnikach, ale najwyraźniej na prostych drewnianych skrzyniach pokrytych starymi gazetami. Można przypuszczać, że zdjęcie przedstawia jednak wiejski pokój, w którym ludzie mieszkają od bardzo, bardzo dawna. Wygląda na to, że zarówno ściany, jak i krzesła są bardzo stare i pamięta je więcej niż jedno pokolenie mieszkających tu ludzi.

Czy widzisz, że liście figowca są ciężkie, mięsiste i gładkie w dotyku?

Ficus jest „pełnym członkiem” rodziny zamieszkującej ten pokój. Jest „przyjazny” dla wiedeńskich krzeseł: jego gałęzie wyginają się synchronicznie z oparciami krzeseł. Tak naprawdę to on jest jedyną ozdobą i bogactwem tego pomieszczenia. Liście są zadbane i błyszczące; artysta oddał wrażenie ich bogatego, ciemnozielonego koloru. Wygląda na to, że roślina żyje w tym pomieszczeniu od kilku lat. Obok dużego figowca posadzono nową roślinę. Już kiełkuje.

Czy takie wnętrze można nazwać eleganckim? Piękny? Dlaczego artystę interesują te wszystkie przedmioty: czy są one ważne same w sobie, czy też ważne jest to, że mogą opowiedzieć o życiu ludzi?

Pokoju przedstawionego przez Wiktora Popkowa nie można nazwać ani eleganckim, ani pięknym (w ogólnie przyjętym pojęciu piękna). A jednak celem artysty nie było pokazanie pięknego wnętrza, ale opowiedzenie, że stare rzeczy – ściany, krzesła, fotografie, zwykły figowiec… zachowują pamięć o dawnych czasach
ostatnie dni. Tym samym prosty pokój w wiejskim domu opowiada czasem znacznie więcej i ciekawiej o historii i zwyczajach minionych czasów, o ludziach, którzy w nim żyli i mieszkają, niż nowoczesne, „modne” wnętrze.

? Z. 125 Znajdź rysunek Wiktora Popkowa „Zdjęcia rodzinne”. Spójrz na dwa duże owalne portrety pośrodku obrazu.

Drugi rysunek zaproponowany do przestudiowania przez Wiktora Popkowa – „Fotografie rodzinne” – kontynuuje temat historii rodziny i historii ludu. Dwa duże owalne portrety umieszczone pośrodku obrazu to prawdopodobnie portrety właścicieli (lub byłych właścicieli) domu, w którym znajdują się fotografie rodzinne.

Jak myślisz, kim są ci ludzie? Jak są ze sobą powiązane?
Czy są z pokolenia Twoich rodziców? Dziadkowie? A może pradziadkowie? Dlaczego tak myślisz?

Osoby te są ze sobą blisko spokrewnione, najprawdopodobniej są małżonkami, a otaczające ich fotografie opowiadają o ich życiu. Sądząc po wyglądzie, fryzurze i otaczających fotografiach, ci mężczyźni i kobiety należą do pokolenia pradziadków (i prawdopodobnie praprababci) dzieci – widać, że zdjęcia mają 60–70 lat.

Teraz zwróć uwagę na małe fotografie otaczające te portrety. Kto jest na nich przedstawiony? Czy są to ci sami ludzie w różnych momentach ich życia? Albo inne osoby?
Jakie ważne wydarzenia życiowe przedstawiają? Jakie zdjęcie może być zdjęciem ślubnym? Które zdjęcie pokazuje, że mąż w młodości służył w wojsku i być może brał udział w wojnie?

Małe fotografie oprawione w duże fotograficzne portrety przedstawiają opowieść o wydarzeniach z życia tych ludzi. Można znaleźć zarówno fotografię ślubną (jest po prawej stronie dużej fotografii mężczyzny), jak i fotografię tego mężczyzny w mundurze wojskowym (prawdopodobnie z lat wojny - znajduje się w lewym górnym rogu).

(1932-1974)

Minęło ponad czterdzieści lat od tego fatalnego i absurdalnego strzału, który skrócił życie artysty... Dziedzictwo Wiktora Popkowa coraz częściej przybiera kształt holistycznego i niepowtarzalnego zjawiska, w którym przekształciły się tradycje artystyczne zgodne z mistrzem na oryginalny język plastyczny.

Uznany przez oficjalne struktury sowieckie i uwielbiany przez widzów Wiktor Popkow należał do tego pokolenia artystów, które zaczynało tworzyć w epoce obnażania „kultu jednostki” i wyrażało uczciwą postawę twórczą.

To uczciwość jest słowem definiującym osobowość i twórczość Wiktora Popkowa – od wzorowych „surowych” „Budowniczych Brackiej Elektrowni Wodnej”, którzy wyrazili ideę bohaterskiego poświęcenia w imię zbiorowych zadań, które zainspirowały wielu w latach sześćdziesiątych, do obrazów późnego, „nowego realizmu” etapu twórczości, odzwierciedlającego rozczarowanie „wielkimi zadaniami” i wzmożone doświadczenie głębokiego rozłamu między ludźmi.

Wiktor Efimowicz Popkow urodził się 9 marca 1932 roku w Moskwie w rodzinie robotniczej. Studiował w latach 1948-1952 w Szkole Pedagogicznej Sztuki i Grafiki. Od 1952 do 1958 studiował w MGAHI im. V.I. Surikov w warsztacie E.A. Kibrika.

W latach 50.-60. dużo podróżował po kraju, odwiedził Irkuck, Brack i inne miasta Syberii. Wrażenia z tych podróży stały się podstawą jego pierwszych obrazów, m.in. jedno z głównych dzieł „surowego stylu” „Budownicy elektrowni wodnej w Bracku (1960–1961, Galeria Trietiakowska).

Jednym z głównych wątków jego twórczości było zrozumienie niepowodzenia losu pokolenia, które stało się ofiarą Wielkiej Wojny Ojczyźnianej (cykl „Wdowy z Mezen”, 1966–1968).

Jego autoportrety były także objawieniami filozoficznymi, w których stworzył zbiorowy obraz współczesnego mu człowieka – wśród nich słynny „Płaszcz ojca” (1970–1972, Galeria Trietiakowska).

Popkow był także wybitnym mistrzem pejzażu, posługującym się techniką akwareli i linorytu. Testamentem wielkiego mistrza był niedokończony obraz „Jesienne deszcze. Puszkin”…

Wiktor Popkow zginął w wypadku w 1974 r. Został pochowany na cmentarzu Czerkizowskim w Moskwie.

Popkow Wiktor Efimowicz (1932-1974) – radziecki artysta, malarz i grafik.
Artysta urodził się 9 marca 1932 roku w Moskwie w rodzinie robotniczej. Ojciec artysty zmarł w czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, a matka artysty, która została wdową, samotnie wychowywała czworo dzieci.
Od 1948 do 1952 r Wiktor Efimowicz studiował w Pedagogicznej Szkole Artystycznej i Graficznej, w latach 1952–1958 w Moskiewskim Państwowym Akademickim Instytucie Sztuki im. V.I. Surikowa.
W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych Popkow dużo podróżował po całym kraju, odwiedzając miasta na Syberii i główne radzieckie projekty budowlane. Popkov malował obrazy na podstawie wrażeń z podróży - najsłynniejszym tego typu dziełem artysty jest „Budownicznicy elektrowni wodnej Bratsk (Budownicy Bracka)”.
W połowie lat 60. artysta niemal całkowicie zmienił swój styl artystyczny, porzucając tematykę ideologii państwowej, która wówczas dominowała w twórczości mistrzów radzieckich – zamiast tego Wiktor Efimowicz skupił się na bardziej złożonych wątkach filozoficznych.
Wiktor Efimowicz Popkow został pośmiertnie laureatem Nagrody Państwowej ZSRR. Zorganizowano także pośmiertną wystawę prac artysty w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Artysta zginął 12 listopada 1974 roku, postrzelony z bliskiej odległości przez kolekcjonera. Wydarzenie, które miało miejsce, zostało w każdy możliwy sposób zniekształcone przez zainteresowane strony: przyjaciół zmarłego artysty, obronę kolekcjonera... Na domiar wszystkiego radio Voice of America zrobiło werbalne „wypychanie”, donosząc, że „ Popkow został zabity przez funkcjonariuszy KGB”: z tego powodu cywilne nabożeństwo żałobne artysty - funkcjonariusze bezpieczeństwa obawiali się możliwych prowokacji i dlatego próbowali zakazać organizowania imprez publicznych.
Co więc wydarzyło się 12 listopada 1974 roku? Tego dnia Popkow podpisał umowę z. Na terenie zakładu Popkow spotkał przyjaciela artysty, który zaproponował świętowanie podpisania umowy w kawiarni. Podczas uroczystości do artystów dołączyło jeszcze dwóch znajomych – całe towarzystwo przesiedziało w kawiarni do późnego wieczora. Było już późno - Popkow zaproponował udanie się do swojego warsztatu mieszczącego się na ulicy Bryańskiej, aby w twórczej atmosferze kontynuować świętowanie.
Pijani artyści wyszli na ulicę i pod przewodnictwem Wiktora Efimowicza Popkowa natychmiast skierowali się do pojazdu zbierającego, który stał zaparkowany po przeciwnej stronie drogi. Trudno powiedzieć, dlaczego Popkow zdecydował się poprosić kolekcjonerów o „przejażdżkę”: możliwe, że było to jakieś pijackie odrętwienie, a może artysta uważał się za tak ważną osobę, że kolekcjonerzy powinni go pokornie słuchać , nie dbając o własne obowiązki.
Jak mawiali współcześni Popkowowi, nie obciążony potrzebą osobistej przyjaźni z nim, Wiktor Efimowicz był osobą nadmiernie pompatyczną i pewną siebie, możliwe, że te dwie cechy charakteru wpłynęły na jego śmierć. Należy również zauważyć, że 10 listopada 1974 r. na Krymie doszło do napadu na pojazd do przewozu gotówki: na opuszczonym odcinku autostrady zginęło dwóch inkasentów, po czym obsługa transportu gotówki otrzymała specjalny rozkaz zezwalający na strzelanie bez ostrzeżenia w sytuacji niebezpiecznej.
Widać wyraźnie, że kolekcjonerzy, przewożąc dużą sumę pieniędzy, byli bardzo zaniepokojeni niedawnym morderstwem ich towarzyszy, a potem do okna służbowego samochodu włamuje się grupa pijaków, żądając wpuszczenia ich i „ podwieź ich”...

W latach 1972–1973 Wiktor Efimowicz Popkow wraz z żoną, znaną artystką, pracował w Kenozero. Poniżej prezentujemy między innymi prace, które powstały podczas wspólnych podróży twórczych z żoną artysty.

„Zostali poczęci w niewierze,
przetrwaliśmy w niedowierzaniu...
Negacja. Jak żyć w zaprzeczeniu?
Jak zacząć zaprzeczać sobie? Jak chronić, wyrzekając się Ciebie, Jego, Siebie?”
Trudno w to uwierzyć, ale te bolesne pytania można usłyszeć w pamiętniku człowieka, który przed trzydziestką został członkiem Związku Artystów ZSRR i który namalował wspaniałe obrazy o ciężkiej pracy budowniczych nowego świat bez Boga, artysta, który został ciepło przyjęty przez sowiecką nomenklaturę i krytykę. Zostało przyjęte z radością, dopóki dusza artysty nie zapragnęła innej głębi i innego znaczenia.

Odwilż iluzję

Moskiewski artysta Wiktor Popkow. Zdjęcie: Evgeny Kassin i Vladimir Savostyanov /TASS Photo Chronicle/.

Wiktor Popkow nigdy nie potrafił „lekko” żyć i „lekko” pracować. To marnowanie siebie sięgało maksimum od dzieciństwa: w szkole - same piątki, a w rodzinie przydomek „wielkogłowy”, w Instytucie Surikowa, gdy koledzy z klasy wykonali trzy lub cztery prace jako dyplomy, Popkow przygotował trzynaście, a kiedy został zawodowym artystą, nawet w zamówieniu. W pracy wycisnąłem się do ostatniej kropli.

Dzieciństwo Popkowa było w fabrycznym mieszkaniu komunalnym w mieście Mytiszczi pod Moskwą, niedaleko stacji kolei Jarosławskiej Czeluskińskiej. Rodzice, dawni mieszkańcy wsi, przenieśli się tu w latach trzydziestych. Trudne życie, potrzeba – matka wychowywała dzieci samotnie: ojciec zmarł na początku wojny. Matka Popkowa, Stepanida Iwanowna, wspomina, jak Wiktor jako chłopiec, widząc po raz pierwszy na ulicy artystę przy sztalugach, natychmiast zaczął prosić, aby został jej uczniem, a matka, prosta, niepiśmienna kobieta, powierzała synowi swoją rolę wewnętrzny instynkt, nie kolidował z jego pragnieniami i wkrótce byli razem. Mój przyjaciel i ja weszliśmy do fabrycznej pracowni artystycznej. Los Popkowa to przypadek wyraźnie wyrażonego powołania, zasłyszanego w dzieciństwie.

Ze sztuką zetknął się pod koniec lat pięćdziesiątych, w krótkim okresie odwilży Chruszczowa, kiedy „po długiej i ostrej stalinowskiej zimie” optymiści oczekiwali reform w polityce – liberalizacji reżimu, a w sztuce nastąpił napływ świeżego powietrza, chęć wyjścia poza oficjalnie zatwierdzony, skostniały stalinowski socrealizm. Dyrektor Moskiewskiego Teatru Artystycznego Leonid Leonidow napisał w swoim dzienniku w latach trzydziestych: „Co to jest realizm? To prawda. Co to jest socrealizm? To jest prawda, której potrzebujemy.” Bardziej trafne byłoby stwierdzenie – prawdy, której władza potrzebowała i która została wprost potwierdzona poprzez art.
Odwilż wzbudziła złudzenie, że można żyć i tworzyć z większą swobodą – zdemaskowano wówczas stalinowski kult jednostki i zrehabilitowano wielu artystów i naukowców represjonowanych przez reżim stalinowski. Stało się możliwe czytanie Achmatowej i Jesienina, które nie ukazały się w latach trzydziestych i czterdziestych, aby zapoznać się z nowoczesnymi trendami w malarstwie zachodnioeuropejskim - jednym słowem, stało się możliwe dotknięcie tradycji kulturowej, do której dostęp był blokowany przez ścisłe kontrolę ideologiczną w latach rządów Stalina.
Był to czas romantyzmu i społecznego optymizmu, kiedy setki tysięcy młodych mężczyzn i kobiet wyruszało w zagospodarowanie dziewiczych ziem, na szokujące place budowy komunizmu, przy akompaniamencie inspirujących piosenek, takich jak „Komunizm to młodość świata, i powinni go budować młodzi”.

Popkov wraz z innymi artystami jeździł także na budowy o dużym wpływie - elektrownia wodna w Irkucku, elektrownia wodna w Bracku, wykonywała niekończące się studia, szkice, „wyglądała na życie”. Na dziewiczych ziemiach namalował szereg obrazów z cyklu „Ludzie Dziewiczych Ziem”. Wczesne prace Popkowa „Wiosna w zajezdni” (1958), „Do pracy” (1958), cykl „Transport” (1958) były w pełni zgodne z ówczesnymi oficjalnymi wytycznymi ideologicznymi - ogłaszać w sztuce wielkie zwycięstwa komunizmu , aby wysławić ludzi pracy - budowniczych nowego życia. Nie było w tym dla niego wewnętrznego konformizmu, nie było pokus intelektualnych i moralnych. „Artysta powołany jest do pisania o wielkich zjawiskach życia” - taka formuła znajduje się w dzienniku Popkowa, potem szczerze podziwiał imponującą skalę projektów budowlanych, starał się „wielbić” energię pracy, młodości i wówczas sam miał „skrzydła” młodości, był entuzjastyczny, otwarty na nowe trendy w społeczeństwie.

Chleb za flagę

W 1961 roku Popkow namalował obraz „Budownicy elektrowni wodnej w Bracku”, który stał się kanonicznym dziełem tak zwanego „stylu surowego”, którego jednym z założycieli był sam Wiktor Popkow. Artyści stylu surowego byli na ogół włączani w system sowieckiej „produkcji” artystycznej, ale przedstawiali ludzi pracy, codzienną pracę bardziej „surowo”, żywotnie, bez patosu socrealizmu z jego deklaratywną agitacją.
Na obrazie „Elektrownia wodna Brack” na pierwszym planie, na tle czarnego nieba, jak za czarną kurtyną, w rzędzie stoją robotnicy - powściągliwi, odważni, o silnej woli. Niebo to „kurtyna”, frontalne, „kultowe” postacie robotników - obraz ten można odczytać jako „Jego Królewska Mość klasa robotnicza na czele historii”, a nawet wtedy pragnienie młodego Popkowa odejścia od prozaiki oczywista staje się codzienność sceny rodzajowej do semantycznego uogólnienia, chęć nie tyle rysowania, ile „rozumienia życia pędzlem w dłoni”.

Artysta Eduard Bragovsky, któremu Popkow pokazał „Elektrownię wodną Brack”, wspomina: „Bardzo się zdenerwował, gdy zobaczył, że nikt go nie chwali, że jesteśmy obojętni. „Taki wspaniały obraz, a ty milczysz?” - Popkow poczuł się urażony.” Na tle odkryć współczesnego malarstwa europejskiego malarstwo Popkowa wydawało się niektórym „postępowym” braciom w warsztacie zarówno stylistycznie, jak i tematycznie. Wrażliwość Popkowa pokazuje tylko, że włożył w swoją pracę znacznie więcej duszy, niż jest to zwykle wymagane w przypadku zwykłych przedmiotów szytych na zamówienie.
Galeria Trietiakowska kupi obraz, Popkow zacznie podróżować na międzynarodowe wystawy, a sława wzrośnie, gdy „dostanie jakąkolwiek zgodę według dowolnego pisma”. Ważne były dla niego publikacje na jego temat w gazetach i audycjach radiowych – sukcesy dodały mu niezbędnej pewności siebie i rozwinęły skrzydła. Popkow nie miał jeszcze trzydziestu lat, kiedy został członkiem Związku Artystów ZSRR, a wkrótce został zaproszony do Komitetu ds. Nagród Lenina i Państwowych. Wczesny start w karierze obiecał wspaniałe perspektywy. Jednak w połowie lat sześćdziesiątych „odwilż” minęła. Niemal wszystkie podboje kultury radzieckiej w krótkim okresie odwilży spotkały się z poważną hańbą. Rozpoczął się odwrót. Władze, w tym ortodoksyjna i oficjalna część kierownictwa Związku Artystów Plastyków, starały się wykorzenić wszelkie „bezsensowne poszukiwania twórcze”.

Ale Popkow nie mógł już żyć, nie zauważając głębokich sprzeczności w społeczeństwie, nie mógł istnieć w ramach przewidywalnej, pod każdym względem zamożnej biurokracji. Jego myśli były wówczas smutne: „Albo wylosujesz flagę i dzisiaj otrzymasz pensję, kupisz chleb swojej matce, albo nic nie otrzymasz, ale zrobisz, co chcesz”. Nie zeszedł do podziemia, nie wszedł w podziemie artystyczne, ale przestał być „prawdziwym wyznawcą”, a bramy do ugruntowania się kultury sowieckiej były dla niego na wpół zamknięte.

O czym rozmawiają wdowy?

Od jakiegoś czasu zwraca się ku tematom lirycznym, kameralnym, psychologicznym - „Rodzina Bołotowów”, „Dwóch”, „Trzej artyści” - w nich życie prywatne prostego, niczym nie wyróżniającego się człowieka. To pragnienie intymności odzwierciedla pustkę, zmęczenie sowiecką retoryką i ideologią, która traciła swój wewnętrzny wypełniacz – jest to cecha tamtych czasów, wielu artystów, filmowców i pisarzy odeszło wówczas od „wielkich tematów”. Jednak nerwy i energia Popkowa nie pozwoliły mu pozostać długo w tej niszy. „Być wolnym i swobodnie projektować, być twórcą, tyranem, czymkolwiek, ale słuchać swoich impulsów i ufać im”.

W 1966 roku udał się w twórczą podróż na północ, do Mezen i tam rozpoczął słynny „Cykl Mezen”. Obraz „Wspomnienia. Wdowy” to jedna z centralnych części cyklu.
Wynajmując pokój w domu jednej ze starszych kobiet we wsi nad rzeką Miezen, Popkow był świadkiem wiejskich zebrań: „Pewnego dnia jej przyjaciele przyszli do gospodyni, u której mieszkałem. Długo siedzieli, wspominając przeszłość, pili puree, jedli podpłomyki, pachnącego dorsza i stopniowo, zapominając o mnie, całkowicie cofnęli się do tych odległych czasów, kiedy życie dla nich dopiero się zaczynało. Za prozaiczną, codzienną sceną Popkow odkrywał najgłębsze losy wiejskich kobiet: „Jak to możliwe? Dlaczego są sami? Gdzie są ich mężowie i dzieci? Gdzie jest szczęście, do którego mieli pełne prawo? I tylko ja, przypadkowa osoba, jestem jedynym świadkiem cholernego, samotnego losu ich kobiety. Całe ich życie, cała ich młodość przeleciała mi teraz przed oczami. Po tym spotkaniu Popkow wymyślił temat nowego obrazu.

Duże płótno przedstawia pięć starych wiejskich kobiet; w ich wizerunku celowo nie ma nic z przytulnych, swojskich babć, z kręconym wnukiem w pobliżu i dzbankiem mleka na stole. Tutaj jest odwrotnie: sylwetki postaci są wyraźnie zarysowane, postacie wydają się być wyrzeźbione z drewna, fałdy odzieży są zaznaczone dużymi, linie są proste. Wydaje się, że chuda staruszka na pierwszym planie zeszła z tablicy ikon, wskrzeszając starożytne ikonograficzne wizerunki świętych męczenników. Nie ma tu próżnych szczegółów życia codziennego, a sam obraz wznosi się od ilustracyjnej narracji, od granicy istnienia do struktury poetyckiej, do symbolu – Popkow jako pierwszy wprowadził ten poziom symboliki, przypowieści, do radzieckiej sztuki sowieckiej Lata 60. – 70. XX wieku.

Obraz „Wdowy” jest wspomnieniem wojny i tych pięć kobiet, jak różne hipostazy jednej duszy - tragiczny uogólniony obraz losu wdowy - ile z nich, samotnych starych kobiet, opłakiwało swoich zmarłych mężów na całej ziemi rosyjskiej . Za nimi stoi pracowite życie z trudną codziennością Popkov podkreśla ręce pracujących kobiet, które są nieproporcjonalnie duże - jak żeliwne kotły i worki. Ich dzieci zostały rozproszone po całym świecie, a oni sami musieli przeżyć swoje życie w ponurej, samotnej wiosce na północnym pustkowiu. Surowy, bogaty szary kolor pokoju odpowiada stylowi życia na północy. Każda ze starych kobiet weszła w głąb siebie, przypominając sobie, co ją dolegało i co uszczęśliwiało jej duszę przez te wszystkie lata. Ale to nie smutek i pamięć o przeszłości nadają ton całemu obrazowi. Popkow podnosi nutę smutku do wysokiej afirmacji życia, wypełniając obraz czerwienią ze wszystkimi jej „sokami” - szkarłatem, szkarłatem, ogniem. „Na północy krajobraz i wieś są bardzo powściągliwe kolorystycznie, a jeśli pojawia się kwiat lub czerwona sukienka, wyglądają znacząco, a ich wpływ jest bardzo wyrazisty” (V. Popkov). I ten czerwony kolor w strojach starych kobiet, niczym błysk, staje się podstawą percepcji obrazu, w przeciwnym razie cały temat obrazu brzmi... „Radosna tragedia” to ulubione wyrażenie Popkowa. „Dla mnie scena, którą przedstawiłem na zdjęciu, nie ma nic wspólnego z marudzeniem, beznadziejnością i melancholią. Wdowy, które powróciły mentalnie do młodych, szczęśliwych czasów, chcą czerpać siły z przeszłości na dziś i jutro. To afirmacja życia, choć tragiczna w swym przejawie”.

Wdowy, spalone doświadczeniem wojny, rozłąki, śmierci – kolor czerwony łączy je w jedną całość, oto duch siostrzeństwa. Za surowością i surowością tych obrazów dysharmonijna czerwień brzmi jak kolor życia, ujawnia się ukryta wewnętrzna siła tych kobiet, to nie przypadek, że w centrum kompozycji znajduje się prosta, jakby wewnętrznie niezgięta, stara kobieta który nie stracił wiary.
I tutaj Popkow wyraził coś z „najważniejszej rzeczy”. Intuicyjnie, dotykiem, podchodzi do tematu chrześcijańskiego pokornego przyjęcia i niesienia swojego krzyża. Przyjmując z pokorą i godnością swój wdowi udział, samotność, wszystkie trudy życia codziennego, jakie musiała znosić, dusza zostaje napełniona duchowo – stąd wewnętrzna siła tych starych kobiet, stąd „radosna tragedia”. Niech w rogu zamiast ikony będzie portret Karola Marksa - niezawodny szczegół: „rysunek mojej kochanki, od której jej mąż pozostawił swoje przekonanie, czystość wiary w partię, wyrażoną w święcie chronionych i drogich portrety Marksa i Lenina w rogach chaty” (W. Popkow.) Te portrety przywódców oddają sprzeczny czas, ale cała struktura życia wewnętrznego tych wiejskich kobiet sięga nie partyjnych norm leninowskich, ale wieków -starorosyjskie korzenie religijne.

Napisanie czegoś takiego, wielowymiarowego, o wymowie symbolicznej, było wówczas wyzwaniem. Film został odebrany dwuznacznie; Popkowowi zarzucano, że jest zbyt ponury i beznadziejny, nie oddaje pełnej głębi koncepcji.

Dla Popkowa „Wdowy” to temat osobisty; przed jego oczami staje los matki, która na początku wojny pozostała wdową. Według wspomnień przyjaciół Popkowa jego matka była osobą uosabiającą łagodność i pokorę. Stiepanida Iwanowna była bardzo pobożna, przez wiele lat pracowała jako dzwonniczka w kościele, była mała, sucha i wpajała synowi dobroć i spokój. Przychodzi do niej przed rozpoczęciem nowej pracy: „Mamo, pobłogosław mnie”.

„Gdzie śpiewają i nie jęczą”

W 1970 roku Popkov ukończył obraz „Matka i syn”, w którym przedstawia siebie i swoją matkę. Na zdjęciu wieczór, w pomieszczeniu kompletna cisza, w oknie odbija się lampa z abażurem; syn leży chory i słucha, jak matka czyta Biblię przed ikoną. Wielu historyków sztuki zauważyło, że w obrazie syna znajduje się nawiązanie do ikonicznego obrazu „Zbawiciela nie stworzonego rękami”; możliwe jest tu nawiązanie do odwiecznego tematu Matki Bożej z Dzieciątkiem – tematu ofiarnej miłości matczynej i modlitewnej prośby za syna, który ma nieść swój krzyż. Na zdjęciu matka się modli, syn z uwagą słucha jej modlitwy, a dusza oswaja się z przepełnionym nim Słowem Bożym. Czerwony abażur, echo czerwieni w ubraniach i rzeczach tworzą wewnętrzne napięcie obrazu - tutaj jest skoncentrowane zrozumienie Znaczenia.
Popkow nie był osobą kościelną, ale istniało duchowe, „korzenne” połączenie z matką, które oczywiście go karmiło, wizualnie na zdjęciu tę jedność ponownie wzmacnia kolorystyka - połączenie bieli i czerwieni na obrazie matki i syna. Być może ta szczególna bliskość z wierzącą matką spowodowała, że ​​w twórczości Popkowa coraz pełniej zaczyna brzmieć chrześcijański podtekst, co jednak raczej przebija niż jest wyraźnie wyrażane. Ale myślę, że najważniejsze było tutaj jego ciągłe pragnienie „wgryźć się w życie, uczyć się, rozumieć podstawowe prawa naszego istnienia”.
W jego twórczości fabuła niemal zanika, pojawia się bardzo subtelny nastrój i słuchanie. Popkow pisał, że w swoich obrazach chciał „wraz z konkretem wyrazić coś niejasnego, duchowo nieuchwytnego”.

Pisze „Ciszę”, „Majówkę”, „W katedrze” (1974). Ten ostatni, co dziwne, wymyślił podczas podróży do Niemiec, a ukończył go w Rosji. Na zdjęciu ukośne promienie słońca oświetlały świątynię, a wszystko wokół było w złotych, przezroczystych odbiciach wszystkiego, co przemieniało niebiańskie złoto. W kultowym autoportrecie „Płaszcz ojca” przedstawia siebie przymierzającego żołnierski płaszcz, symbolicznie zadając współczesnym pytanie: czy militarny wyczyn ich ojców jest w stanie znieść ich pokolenie? Czy masz dość wewnętrznej siły, uczciwości i odwagi? „Jesienne deszcze. Puszkin” – Popkow pracował nad tą absolutnie niesamowitą rzeczą u Michajłowskiego i wydaje się, jakby wszystko napisał tak, jak było, z życia: Puszkin widział, czuł te rosyjskie odległości, przestrzeń, ogrom pól, patrzył na szare niebo w którym topi się wieczny jesienny smutek, wdychałem to powietrze, gdy „wdychał jesienny chłód”. Oto pojedynczy obraz - poety i Rosji - ziemi, która hojnie karmiła Puszkina poetycką mocą.
Nie są to tematy bezpośrednio religijne, ale Popkow dotyka w nich czegoś nieuchronnie ważnego, „istniejącego” w życiu wewnętrznym każdego człowieka.

W 1972 roku ukończono budowę „Kaplicy Północnej”. Obraz stoczył straszliwą bitwę z urzędnikami wydziału kultury na wystawie, którzy zażądali jego usunięcia. Popkow jako całość był w tamtych latach przedstawiany jako coś przypadkowego, słabego, dla niego nietypowego; Prawie nie pozwolono mu uczestniczyć w wystawach republikańskich i ogólnounijnych. Pojawiła się ciekawostka: nie chcieli włączyć słynnego „Płaszcza ojca” Popkowa na wystawę w Maneżu ze względu na to, że Popkow przedstawił się tam w importowanych butach. Głównymi miejscami, w których mógł wystawiać, były małe wystawy jesienne i wiosenne i nawet tam trzeba było wiele wysiłku, aby utrzymać swoje prace na wystawie – „Popkow miał tego strasznie dużo. Straszny. W jakiś sposób bardzo okrutny. Zaciekle walczyli z tym, co nazywali sztuką formalistyczną”. Popkow cały czas szukał, eksperymentował, ale co najważniejsze, „nosił ze sobą wszystko, co żywe, opiekuńcze, odważne, aby zrozumieć tajemnice ludzkiej duszy” – wspomina artysta Igor Obrosow.
Obroniono „Kaplicę Północną”. Na zdjęciu postać chłopca zamarznięta w drzwiach przy wejściu do kaplicy. Zagląda do środka z fascynacją, jakby „promień z nieba” dotknął duszy, a ona zamarła z uczucia zachwytu, jaki ją ogarnął przed tajemnicą i pięknem niebiańskiego krajobrazu. Widz widzi tylko część malowideł świątynnych – trzech aniołów, ocieniających każdego wchodzącego swoją zasłoną, pomalowanych na lśniący, radosny szkarłatny kolor kontrastujący ze srebrzystym błękitem północnych dali.

Popkow od dawna był zafascynowany starożytną sztuką rosyjską i w 1964 roku odbył nawet specjalną wycieczkę do średniowiecznego klasztoru w Ferapontowie, ozdobionego freskami Dionizego, aby wykonać z nich szkice. Wydaje się, że od kontemplacji widzialnego obrazu niebiańskiego Piękna już tylko krok w stronę zrozumienia życia niewidzialnego, w stronę wymiaru sakralnego, w stronę odkrycia samego źródła tego Piękna. Sam Popkow, podobnie jak chłopiec z obrazu, stał na progu tego odkrycia. Wpatrywanie się, słuchanie tej tajemnicy jest już uczestnictwem. Poeta Nikołaj Tryapkin, współczesny Popkowowi, wspominając swoją młodość, napisał:

Niech nie oddaję czci świętym i patrząc na kościół,
nie ochrzczony
Ale kiedy wrzaskliwy miedziak zawołał z dzwonnicy,
Wszedłem do przedsionka i pokornie stanąłem w drzwiach,
I zajrzał w głębiny, w jednej trzeciej pogrążony w ciemnościach.
Dusza zamarła, a migotanie świecy zadrżało,
I grzmiące chóry burzyły falę za falą.
I wydawało mi się, że wkroczyłem w granicę Wszechświata
I ta wieczność sama rozpaliła przede mną ogień.

Czyli w zgodzie z nastrojem obrazu Popkowa! Wydaje się, że w tym przełomowym dziele przewiduje wyjście z duchowego impasu, w jakim znalazło się jego pokolenie – są to ludzie, którzy uformowali się w epoce ateistycznej, która pozbawiła ich wiary, mistycznego doświadczenia bytu, szli przez życie jakby dotykiem, w drodze, boleśnie odczuwając oddzielenie od światła: „Pokaż mi okolicę, gdzie jest światło z lamp, pokaż mi miejsce, którego szukałem, - Gdzie śpiewają, a nie jęczą, gdzie podłoga się nie toczy” – w tamtych latach sapał do mikrofonu Władimir Wysocki.

Jak naciągnięty spust

To nie przypadek, że podobne obrazy rodzą się w tym czasie w poezji, malarstwie i kinie - w piosence Wysockiego: „Obrazy w rogu też są przekrzywione”, w filmie Popkowa „Cisza” - zniszczone kościoły z dziurawą kopułą, w Film Shukshina „Kalina Krasnaja” „ – zalana świątynia. We wszystkim jest jakieś „przemieszczenie” życia, tragiczne załamanie wielowiekowych fundamentów, porzucenie Boga i… rozpaczliwa tęsknota za jakąś inną, nieziemską Prawdą. W tych głosach epoki kryje się cała złożoność wewnętrznego samostanowienia pokolenia lat 60. i 70. XX wieku.
Większość inteligencji jego pokolenia istniała inercyjnie, pod ochroną uznania państwa i prostych praw oportunizmu, ale ci, którzy przynajmniej jakoś myśleli, a poza tym mieli talent od Boga - często wpadali w objadanie się, zbliżali się do „krawędzi ”, nie mogąc, nie wiedząc, jak uchronić się przed sobą, swoimi namiętnościami i bezbożnym czasem. W 1966 roku w ostatniej chwili teść Popkowa wyciągnął go z opresji. Atak rozpaczy. Wiele się wtedy wydarzyło - kłótnie z żoną z powodu napadów alkoholowych, niekończące się zawstydzenie i przeszkody ze strony urzędników w związku z jego pracą.

Popkow był na ogół osobą zdesperowaną, zarozumiałą, zawsze bystrą i nieoczekiwaną. „Cała jego praca opierała się na nerwach. Tak było w życiu” (artysta Igor Popow). Wielu jego znajomych pamięta jego lekkomyślne zachowanie: „Ogłosili wejście do pociągu. Zostały nie więcej niż trzy minuty. Moneta Vityi spada między peronem a wagonem. Schodzi, podnosi monetę i wraca” lub gdy „zimą, oddzielony od grupy przyjaciół, schodzi z mostu nad rzekę i spaceruje po ledwo zamarzniętym lodzie”.

„Zawsze był jak naciągnięty spust, ściśnięta sprężyna, gotowa w każdej chwili zostać zwolniona” – wspomina krytyk sztuki Grigorij Anisimow.

Jego reakcja na wkroczenie wojsk radzieckich do Czechosłowacji w 1968 roku była wymowna. Następnie Popkow ściął łysinę na znak protestu, poważnie lub w ramach żartu. Poproszony o pracę w KGB, „grzecznie” odmówił: „No cóż, chętnie służyłbym, ale piję!” Jako jeden z nielicznych podniósł rękę i poparł nominację Sołżenicyna do Nagrody Lenina, choć oddanie na niego wówczas głosu wymagało odwagi. Zawsze zajmował bardzo niezależne stanowisko w stosunku do najbardziej reakcyjnej części kierownictwa Akademii Sztuk i Związku Artystów Plastyków. Artysta Max Birshtein zapamiętał wyrazistą scenę: „W Sali Kolumnowej Izby Związków kończył swoje prace zjazd Związku Artystów. Vitya, moi przyjaciele i ja staliśmy w przedpokoju i rozmawialiśmy. Transmisję słychać było. Prezes mówi, że zbliżamy się do oceny działalności poprzedniego Zarządu. Jest propozycja uznania pracy za dobrą i propozycja uznania pracy za zadowalającą. Kiedy to usłyszeliśmy, Witii nie było już z nami. Podobnie jak Gagarin galopuje po czerwonym dywanie z podniesionymi referencjami. Prezydium jest zdezorientowane. Wiktor energicznym krokiem wkracza na podium: „Proponuję, aby pracę uznać za niezadowalającą”. Jako jedyny mówił o tym otwarcie. Pamiętam jego błyskawiczną reakcję, gdy po przyjacielskiej rozmowie, może i pustej, od razu znalazł się na podium.”

Wielu zauważyło, że w ostatnim roku życia zawsze wisiał nad nim jakiś niepokój, jakby przeczuwał zbliżanie się czegoś tragicznego. Max Birshtein wspominał, że na krótko przed śmiercią Popkow przyniósł plik płyt przewiązanych wstążką i powiedział: „Proszę, zagrajcie to na moim pogrzebie”.

Wiktor Popkow zginął, próbując zatrzymać samochód, aby wrócić do domu. Przypadkowo podszedł do pojazdu przewożącego gotówkę, wzięto go za bandytę i został postrzelony z bliskiej odległości. Pożegnanie odbyło się w Domu Artystów na Kuznetsky Most. Obrazy „Jesienne deszcze. Puszkin” i „Babcia Anisia była dobrym człowiekiem” – ostatnie znaczące dzieło Popkowa, które udało mu się ukończyć przed śmiercią. Przypadkowo czy nie, ale na tym obrazie widać efekt przemyśleń autora o śmierci, o sensie ludzkiej egzystencji. Okazało się, że napisałem dla siebie requiem.

„Teraz to ponieś”

Obraz ukazuje się widzowi stopniowo. Na początku wygląda to jak scena wiejskiego pogrzebu, ale stopniowo ujawnia się cała skala planu: oto wielkość ziemi oraz znaczenie i wielkość każdego ludzkiego życia, choć nikomu nieznanego, wiejskiej babci Anisyi .
Wielki, potężny dąb, podobny do drzewa życia, wśród jego szkarłatnych liści nagle przeświecają zielone liście; ten sam motyw semantyczny powtarza się w przedstawieniu ludzi: grupa młodych ludzi jest oddzielona kompozycyjnie i kolorystycznie od tłumu starszych kobiet w czerni. Oto wieczny ziemski cykl więdnięcia życia i jego nowej koncepcji, w który zaangażowana jest zarówno natura, jak i człowiek. Na pierwszym planie dziecko, które wciąż nie może zrozumieć istoty tego, co się dzieje, stoi tyłem do grobu i twarzą do widza – życie toczy się dalej. Pagórkowata kraina na pierwszym planie, oświetlona żółtym jesiennym słońcem, usiana jest szkarłatnymi liśćmi, a ten „bujny rozkład natury” to ruch od życia do śmierci. Motyw jesieni jest tradycyjny w sztuce światowej - jest nutą smutku, elegii, oczekiwania na rozstanie i czasu żniw, zarówno w sensie ziemskim, jak i symbolicznym w sensie duchowym - czasu zbierania tego, co zasiane. Pomimo tragedii tego, co się dzieje, kolor płótna, dźwięczny, bursztynowo-złoty, nadaje całemu dziełu pewnego blasku. Babcia Anisya była „dobrym człowiekiem” i dlatego jej życie jest uwieńczone pełnią, jest owocne. Codzienność można rozpoznać po strojach, typach i pomnikach cmentarnych. Pogrzeb odbywa się w małej północnej wiosce, a jednocześnie na najszerszym tle, w ogromnym świecie. To nie przypadek, że Popkov patrzy z lotu ptaka i postanawia namalować „Babcię Anisyę” jako kolorową ikonę… „Twarze jak w ikonach - ochra, modelowanie, przestrzenie” - aby przejść na zasadniczo inny język - język pojęć metafizycznych, który dla każdego stulecia jest ponadczasowy.

Ciekawostka: na zdjęciu nie ma deszczu, ale ludzie są pod płaszczami przeciwdeszczowymi. „W duszy jest deszcz” – napisał Popkow – „ochrona świata przed czymś negatywnym”.

Na wystawie „Babcia Anisya” przeszła niezauważona, jak powiedzieli artyści, „nie spotkała się z prasą”. Było to bardzo bolesne dla Popkowa. Czekał na rozmowę o obrazie; ważne było, żeby został zrozumiany i usłyszany, bo w swoich pracach zawsze starał się mówić o rzeczach ważnych, prawdziwych; próbował intuicyjnie przełamać granicę pewnej duchowej szczelności swojego pokolenia, o której Wysocki pisał w przenośni: „i lód na górze, i na dole”. Jednak znaczenie dzieł Popkowa, mimo całego jego autorytetu, nie było do końca jasne dla jego współczesnych.

Zmarł 12 listopada 1974 r. Kolekcjonerzy bronili się i udowodnili, że był to atak. Kiedy stało się jasne, że doszło do morderstwa, przyjaciele artysty, którzy byli z Victorem w ostatnich chwilach jego życia, uciekli; jeszcze jakiś czas żył.
Matka Wiktora Popkowa, Stepanida Iwanowna, wspomina: „Pochowano ich przy biciu dzwonów. Wszystko zrobiła sama. Przyjechali seminarzyści. I tak odprawili nabożeństwo pogrzebowe! - Cała świątynia się trzęsła. Nabożeństwo pogrzebowe trwało dwie godziny. I ksiądz długo wygłaszał kazanie. A kiedy to przynieśli, poszła i zadzwoniła... A teraz przynieś.

Nie mogę powstrzymać się od ponownego przypomnienia obrazu „Matka i syn” - tematu Światła i znaczenia, tematu matczynej miłości i prośby modlitewnej za syna, któremu przeznaczone jest nieść swój krzyż. Popkow bez tchórzostwa niósł swój krzyż. „Człowiek, który w sztuce szuka sumienia” – napisał o nim krytyk sztuki Grigorij Anisimov. Sumienie nazywa się zwykle głosem Boga w człowieku; tego głosu Popkow „szukał” w życiu, prawda tych poszukiwań przelewała się na jego płótna.

Wiktor Popkow to malarz i grafik, autor utalentowanych oryginalnych dzieł, z których wiele prezentowanych jest w Galerii Trietiakowskiej. Przeżywszy w dzieciństwie straszliwą wojnę, w swoich obrazach oddał trudną rzeczywistość i wewnętrzną odwagę, którą obserwował w trudnych dla kraju latach. Sprawił, że widzowie współczuli swoim bohaterom i podziwiali ich, współczuli i podziwiali.

Dzieciństwo

Popkow Wiktor Efimowicz (1932 - 1974) urodził się w Moskwie, w rodzinie chłopskiej. Ojciec i matka, przyzwyczajeni od najmłodszych lat do ciężkiej pracy, przenosili się z miejsca na miejsce w poszukiwaniu pracy.

Wiktor Popkow był drugim dzieckiem w dużej rodzinie czwórki dzieci. Wiadomość o śmierci ojca na wojnie przyszła, gdy przyszły malarz miał dziewięć lat, a najmłodszy brat kilka miesięcy. Matka na prośbę ukochanego męża całkowicie poświęciła się dzieciom, nigdy nie wychodząc za mąż. Ale postawiła dzieci na nogi i zapewniła każdemu należyte wykształcenie.

Rodzina Popkowów była przyjazna, ale biedna. Dzieci kochały swoją matkę i widząc jej ciężką pracę, starały się słuchać wszystkiego i nie denerwować jej. Zdając sobie sprawę, że łączy ich nierozerwalna więź krwi, chłopaki dorastali razem prawie bez kłótni i nieporozumień, zawsze gotowi przyjść sobie na ratunek i zapewnić niezbędne wsparcie.

Matka, Stepanida Iwanowna, uwielbiała swoje dzieci i starała się je wychowywać w surowości, ale w czułości.

To pozornie szczęśliwe dzieciństwo zostało przyćmione przez kilka kolejnych tragedii (oprócz śmierci ojca i ciągłej biedy).

Śmierć jego młodszego brata, ulubionego przez wszystkich Tolyi, pozostawiła niezatarty ślad w duszy Wiktora Popkowa. Nie mógł nawet być obecny na pogrzebie dziecka.

Drugi jasny, niezapomniany szok nastąpił nieco później, gdy byk zaatakował Vityę i powalił go na ziemię. Dzięki szybkiej pomocy chłopcu udało się uciec.

Ale pomimo wszystkich smutków Wiktor Popkow dorastał jako życzliwe i przyjazne dziecko, hojne i towarzyskie.

Pierwsze kroki na ścieżce twórczej

W szkole chłopiec wyróżniał się szczególną pracowitością i pracowitością. Od najmłodszych lat rozwijała w nim chęć tworzenia na papierze. Vita lubił obserwować rozwój rysunku na ówczesnych „sedilkach” (przelewach), na które wydawał całe swoje kieszonkowe, a także przyglądać się twórczości swojego sąsiada, artysty, który malował akwarelami, ale którego nazwisko niestety nie wiemy.

Stepanida Iwanowna, która jako pierwsza dostrzegła u syna chęć pracy pędzlem, zaczęła wzbudzać w dziecku chęć tworzenia. Zabrała go do szkoły artystycznej i pomogła mu wstąpić do Moskiewskiej Szkoły Graficznej, szczerze go pochwaliła, zainspirowała do twórczych przedsięwzięć i udzieliła przemyślanych rad.

A chłopiec pisał wszędzie i o wszystkim. Jego wczesne szkice dotyczyły różnorodnych obiektów i wydarzeń – były to drzewa, domy i ludzie.

Nauczyciele warsztatów plastycznych również dostrzegli talent u zdolnego ucznia i poświęcili mu szczególną uwagę. Z krótkich szkiców z osobistego albumu początkującego artysty można było wywnioskować, że szkolenie w pracowni artystycznej przyniosło mu korzyści: amatorskie szkice zostały zastąpione znaczącymi, wysokiej jakości dziełami, głównie pejzażami i martwymi naturami.

Kształtowanie kreatywności

W 1852 r. Victor wstąpił do Instytutu Surikowa na Wydziale Grafiki. I choć nie odpowiadało to pragnieniom młodego człowieka (chciał studiować na wydziale malarstwa), to taki stan rzeczy korzystnie wpłynął na jego przyszłą działalność twórczą. Wiedza i umiejętności zdobyte na wydziale grafiki znalazły odzwierciedlenie w jego wyjątkowo wyrafinowanym stylu malarza.

Teraz Wiktor Efimowicz Popkow, którego biografia i twórczość aktywnie odżyły wraz z przyjęciem na uczelnię wyższą, zaczyna energicznie tworzyć. Pracuje w trudnych, pozornie niesprzyjających warunkach: w małym baraku, gdzie mieszka wraz z nim pięć innych osób – matka, młodsza siostra i starszy brat z żoną i dzieckiem. Przeludnienie, bieda, niedożywienie – towarzysze mistrza w tamtych czasach.

Czasem musiałam pisać na nieogrzewanym korytarzu, w różnych filcowych butach, po zjedzeniu tylko kawałka chleba i smalcu. Ale to nie miało wpływu na proces twórczy. Wiktor Popkow pracował bezinteresownie, utalentowany, pewnie i regularnie. Niemal natychmiast dostrzeżono jego wspaniały talent; utalentowany student otrzymał najpierw podwyższone stypendium, a nieco później stypendium Stalina, które przekazał niemal co do grosza na potrzeby swoich bliskich.

Wycieczki

Od 1956 roku Wiktor Popkow odbywa długie twórcze podróże po kraju w poszukiwaniu oryginalnego materiału do swoich dzieł i wyrazistych perspektyw. Odwiedził niesamowite, okazałe budowy przemysłowe, zdał sobie sprawę z kolosalnej skali dzieła, nagrał wiele zwyczajnych, rutynowych scen, które później „poetyzował” i gloryfikował. W przeciwieństwie do swoich kolegów, którzy poszukiwali malowniczych, jasnych miejsc i obrazów, początkujący artysta skupił swoją wizję na prozaicznych, zwyczajnych kompozycjach. To betoniarz nalewający wodę do roztworu, albo dwóch robotników na tle ogromnych kół lokomotywy.

Wiktor pracował energicznie, z ożywieniem, jakby bał się, że nie zmieści się na czas, starając się utrwalić na papierze każdy odcinek swojej ciężkiej pracy. Zorganizowana podczas jednej z wycieczek studencka wystawa szkiców obfitowała w wiele dokładnych i utalentowanych prac Vityi Popkova.

W jego malarstwie dominował „styl surowy”, wyrażający się lakonizmem detali, realizmem obrazów i suchością odcieni.

To dzięki twórczym wyjazdom na budowy Wiktor Efimowicz Popkow mógł stać się artystą ludowym, przedstawiającym na płótnach zwykłych, ciężkich robotników podczas jego trudnej, monotonnej pracy.

„Budownicy elektrowni wodnej Brack”

Po wycieczce na budowę elektrowni wodnej w Bracku w 1960 roku pojawił się wspaniały oryginalny obraz „Budownicznicy Bracka”. Młody artysta długo zastanawiał się nad każdym szczegółem płótna – tło, kolor, układ obrazów, kąt.

Nie bez powodu tło obrazu jest czarne; to skupia uwagę na namalowanych postaciach, a nie na wydarzeniach i incydentach. Dla artysty najważniejsze było prawidłowe przedstawienie swoich bohaterów i pokazanie ich siły, odwagi i pewności siebie. Budowniczowie Bracka to zakurzeni, znużeni pracą ludzie, ale wspaniali w swojej ciężkiej pracy i surowej, powściągliwej energii.

Warto zauważyć, że w oryginalnej formie płótno przedstawiało pracowników z tatuażami na rękach, ponieważ większość pracowników elektrowni wodnej Brack była więźniami. Jednak zdając sobie sprawę, że dyrekcja nie może w tej formie wystawić obrazu na wystawę, Wiktor Efimowicz usuwa obozowe tatuaże.

Od tego czasu artysta stał się sławny. Był kochany przez ludzi, a krytycy go rozpoznali. A Wiktor Popkow, którego obrazy kupuje Galeria Trietiakowska i publikuje wiodąca gazeta, nadal owocnie pracuje i zachwyca publiczność nowymi oryginalnymi dziełami, żyjąc skromnie i ciasno, prawie biednie.

Kreatywność kwitnie

„Temat pracy”, odzwierciedlony w innych kolorowych obrazach artysty, nie był jedynym, po który sięgał Wiktor Efimowicz Popkow podczas swoich twórczych inspiracji.

„Brygada odpoczywa” i „Most w Archangielsku” zastępują moralne i psychologiczne wątki prostych relacji międzyludzkich. Popkov łączy różne style artystyczne i eksperymenty z efektami kolorystycznymi. Są to dramatyczne epizody życia codziennego, które znajdują odzwierciedlenie w obrazach „Kłótnia”, „Rozwód”, „Rodzina Bołotowów”, „Dwa”.

„Wdowy z Mezen”

Popkov przyniósł niesamowitą sławę cyklowi „Wdowy Mezen” (koniec lat 60. – początek lat 70.), w którym na każdym płótnie oddawał indywidualny charakter i tragiczne losy kobiety. Każda praca zachwyca realistyczną oryginalnością i przysadzistą malowniczością. I choć obrazy „Oczekiwanie”, „Starość”, „Samotna” przepełnione są tragicznym bólem i przytłaczającą melancholią, to jednak są one nadal potrzebne ludzkości, aby obudzić człowieczeństwo i życzliwość w stosunku do powojennego żalu i samotności kobiet.

Tematyka wydarzeń historycznych zajmowała w twórczości artysty znaczące miejsce. Jego odkrywcze „Czekist” i „Dzwonek do drzwi” obnażyły ​​epokę niewytłumaczalnych krwawych represji, a „Płaszcz ojca” i inne przekazywały nieodparty, bolesny smutek dla tych, którzy nigdy nie wrócą z daleka frontu.

Tragiczna śmierć

Pracując nad tematami historycznymi i poetyckimi, Wiktor Popkow rozpoczyna swój legendarny obraz „Jesienny deszcz”, w którym przedstawił wielkiego Puszkina na tle płaczących żywiołów. Artysta przyjechał w Góry Puszkina, aby pracować na płótnie.

12 listopada, będąc w stolicy w interesach, Wiktor Efimowicz i jego przyjaciele podchodzą do zaparkowanej Wołgi, aby poprosić kierowcę o podwiezienie. Ale samochód okazał się samochodem kolekcjonerskim. W związku z niedawnym głośnym napadem strażnicy, którzy otrzymali rozkaz strzelania w razie niebezpieczeństwa, otworzyli ogień. Artysta został śmiertelnie ranny.

Na jego pogrzebie obok martwego ciała stał niedokończony obraz „Jesienny deszcz”.

Życie osobiste

Popkow Wiktor Efimowicz ożenił się z koleżanką z klasy w szkole graficznej Klarą, utalentowaną artystką, prawdziwym przyjacielem życia. Wraz z nią przeszli przez biedę i trudności, mieszkali w tym samym mieszkaniu z teściową i teściem, pracowali w tym samym pokoju i wspólnie wychowywali syna.

Klara Iwanowna była osobą bardzo bystrą i odważną, z oddaniem kochała męża, pomagała mu w chwilach depresji i przygnębienia, udzielała praktycznych rad.

Oprócz tak wspaniałych cech duchowych kobieta miała genialny talent i umiejętności. Stała się poszukiwanym popularnym mistrzem książek dla dzieci, współpracowała z wydawnictwem Malysh i brała czynny udział w wystawach krajowych i międzynarodowych.