W życiu społeczno-gospodarczym i duchowym Europy Zachodniej od XV wieku. nastąpił szereg zmian, które zapoczątkowały nową erę, która przeszła do historii jako renesans (renesans). Nowa era postrzegała się jako odrodzenie starożytnej kultury, starożytnego sposobu życia, skąd wzięła się nazwa „renesans”, czyli renesans. W rzeczywistości kultura renesansu była syntezą kultury starożytnej i średniowiecznej.

Do odrodzenia przygotowywał cały przebieg rozwoju ogólnoeuropejskiego. Jednak duży wpływ na to miały historyczne i gospodarcze cechy regionalne. W XIV-XV w. stosunki towarowo-pieniężne uległy szerokiemu rozwojowi, pojawiły się elementy nowego, kapitalistycznego systemu gospodarczego. Włochy jako pierwsze weszły na tę drogę, czemu sprzyjał wysoki poziom urbanizacji północnych i środkowych Włoch, podporządkowanie wsi miastu, szeroki zakres rzemiosła, handlu i finansów, zorientowanych nie tylko na na rynek krajowy, ale także na rynek zagraniczny. Bogate, zamożne włoskie miasto stało się podstawą kultury renesansowej o świeckim charakterze i ogólnej orientacji.

Zmiany w mentalności społeczeństwa wiązały się przede wszystkim z procesem sekularyzacji – wyzwoleniem spod wpływu religii i kościelnych instytucji życia kulturalnego i społecznego. Niezależność od Kościoła uzyskało nie tylko życie gospodarcze i polityczne, ale także nauka i sztuka. Początkowo proces ten przebiegał bardzo powoli i w różnych krajach w różny sposób.

Ideologią renesansu był humanizm, który początkowo oznaczał kompleks wiedzy o człowieku, jego miejscu w przyrodzie i społeczeństwie. W kolejnych wiekach treść „humanizmu” znacznie się rozszerzyła i stała się bardziej złożona. Narodziny humanizmu nastąpiły przede wszystkim we Włoszech – Florencji, Neapolu, Rzymie, gdzie powstały środowiska humanistyczne, a następnie rozprzestrzeniły się na całą Europę. Do najwybitniejszych przedstawicieli humanizmu należeli Leon Alberti (1404-1472), Leonardo Bouni (1370-1444), Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494), Erazm z Rotterdamu (1469-1539), Johann Reuchlin (1455-1522).

Rozwój idei humanistycznych we Włoszech, który nasilił się w pierwszych dziesięcioleciach XVI wieku. dzięki drukowi została przerwana przez Kościół katolicki, którego stosunek do kultury renesansowej zmienił się w tym okresie radykalnie. Jeśli początkowo Kościół rzymskokatolicki patronował nowej sztuce i nie ingerował w ruch humanistyczny, to od połowy XVI wieku. działała jako zagorzały wróg i dusiciel kultury renesansu. Tak ostry zwrot na stanowisku Kościoła był nieunikniony, gdyż nowa ideologia i kultura w dużej mierze zaprzeczały zasadom światopoglądu religijno-teologicznego, ideologii i kultury kościelnej.

Najważniejsze w humanistycznym światopoglądzie było uznanie wysokiej godności ludzkiej osobowości i jej zdolności twórczych. Humanistyczna idea aktywnego życia człowieka zaprzeczała głoszonym ideom bierności i cierpliwego oczekiwania na Boże miłosierdzie. Wiedzę jako podstawę twórczości humaniści głosili jako główny cel ludzkiej egzystencji. System cnót kościelnych, kierowany wiarą, ustąpił miejsca cnotom rozumu - wiedzy, mądrości, roztropności.

Humanizm zdecydowanie zerwał z ascetyczną etyką katolicyzmu. Ideę zaniedbywania ciała w imię wolności ducha religijnego przeciwstawiono teorii harmonii ciała i duszy, uczuć i umysłu w imię doskonałości natury ludzkiej, w imię najwyższego przejawu zdolności twórcze człowieka. Wykształciła się moralność uzasadniająca „uczciwe wzbogacenie się”, a za ukoronowanie radości życia doczesnego uznawano wysoki prestiż rodziny, szacunek współobywateli i chwałę w pamięci potomności. Wszyscy humaniści uznawali wysoką moralną rolę pracy i cenili twórczą, konstruktywną rolę człowieka. To w pracy i czynach samej jednostki, a nie w szlachcie pochodzenia, widziano podstawę jej szlachetności i godności. Humaniści, czy tego chcieli, czy nie, byli konsekwentnymi krytykami ówczesnych klas dominujących, tj. feudalny, poglądy na wiele kategorii i norm etycznych.

Jeśli jednak nowy światopogląd zaprzeczał wielu ważnym zasadom dominującej ideologii katolickiej, to stosunek humanistów do religii i Kościoła nie zawsze był zgodny z ich wyobrażeniami. Większość włoskich humanistów nigdy nie zerwała z Kościołem katolickim i w życiu codziennym okazywała mu całkowitą lojalność. Kwestie kultu i wiary traktowali z całkowitą obojętnością.

Humanizm ukształtował się w epoce przejściowej, która oddzieliła średniowiecze od Nowego Wieku. Obiektywnie jego zadaniem było przygotowanie gruntu pod swobodny rozwój nauki, oddzielenie jej od religii, wyzwolenie człowieka z wąskich ram średniowiecznych zakazów, zapewniając tym samym postęp społeczno-gospodarczy w krajach europejskich. Jednak proces ten zakończył się dopiero w epoce nowożytnej - w XVII-XVIII wieku. - i to nie we Włoszech, gdzie przerwała je reakcja katolicka i ogólny upadek kraju, ale w innych krajach, które weszły na ścieżkę rozwoju kapitalistycznego.

XV-XVI wiek - czas powstawania scentralizowanych państw w Europie Zachodniej, czas, w którym Kościół katolicki dążył do wzniesienia się ponad władzę świecką, co wywołało oburzenie i nienawiść w różnych sektorach społeczeństwa. W wielu stanach prawa papieskie były ograniczone. Problemy te były szczególnie dotkliwe w Niemczech. W politycznie podzielonych Niemczech przedstawiciele najwyższego duchowieństwa katolickiego czuli się jak absolutni mistrzowie. Świeccy książęta chcieli ograniczyć wszechmoc książąt kościoła, ale nie mieli ani realnej władzy, ani niezbędnej stanowczości, aby to zrobić. Sprawa wyzwolenia Niemiec spod tyranii papieskiej stała się zadaniem narodowym. Potrzebę reformy Kościoła dostrzegły wszystkie warstwy społeczne kraju.

Trudna sytuacja wewnętrzna w Niemczech, objawiająca się szybkim wzrostem gospodarczym i społecznym w środowisku niesprzyjających warunków dla rozwoju narodowego, była przyczyną reformacji, która stała się wydarzeniem obraźliwym dla większości krajów europejskich, jednak w Niemczech przybrała charakter reformacji. szeroki ruch społeczny.

Ideologiem reformacji w Niemczech był Marcin Luter (1483-1546), który w swoich Tezach przeciwko odpustom (1517) rzucił wyzwanie katolickiej koncepcji religijnej. Luter krytykował nadużycia i zepsucie moralności duchowieństwa katolickiego, bronił poglądu, że rola Kościoła powinna ograniczać się jedynie do nauczania i wychowywania chrześcijan w duchu pobożności, odrzucał rolę Kościoła jako pośrednika między Bogiem a Bogiem. ludu i domagał się przyznania świeckim prawa do organizowania spraw kościelnych.

Na pierwszym etapie reformacji opozycja w Niemczech zjednoczyła się wokół Lutra, stając się potężną siłą rewolucyjną. Luter stał się rzecznikiem interesów narodowych.

W latach dwudziestych XVI wieku sytuacja uległa zmianie. Zjednoczona opozycja zaczęła się rozpadać. Każda klasa określiła swoje cele we wspólnej walce, własne rozumienie natury Reformacji. Wykształciły się dwa główne kierunki: zwolennicy Lutra oraz popularna reformacja pod przewodnictwem T. Münzera i M. Geissmachera.

Najwybitniejszym przedstawicielem popularnej reformacji był Thomas Münzer. Zadań Reformacji widział nie w ustanowieniu nowego dogmatu kościelnego, ale w przeprowadzeniu rewolucji społeczno-politycznej, której powinni dokonać chłopi i biedota miejska. Wypowiadając się przeciwko uciskowi ludu, Münzer opowiadał się za ustrojem społecznym, w którym nie byłoby różnic klasowych, własności prywatnej i obcej społeczeństwu władzy państwowej.

Kulminacją reformacji była wojna chłopska tocząca się w latach 1524-1525, podczas której umocniła się władza książęca. Jej bronią była reformacja Lutra, która kontynuowała drogę do sekularyzacji ziem kościelnych. Kiedy w 1529 roku cesarz Karol V zawiesił „nacjonalizację” ziem kościelnych, zwolennicy Lutra zaprotestowali, za co zostali nazwani „protestantami”.

W 1555 roku protestanccy i katoliccy książęta niemieccy zawarli między sobą oraz z cesarzem pokój religijny, na mocy którego uznano suwerenność książęcą za nienaruszalną i rozszerzono ją na obszar wyznaniowy. Przynależność religijna poddanych była teraz ustalana przez najwyższego władcę, na którego ziemiach mieszkali. W wyniku traktatu w Niemczech powstały księstwa katolickie i protestanckie, różniące się nie tylko orientacją religijną, ale także polityczną. Reformacja w Niemczech przyczyniła się zatem do utrwalenia i utrwalenia rozdrobnienia politycznego kraju, co doprowadziło do stagnacji i upadku życia gospodarczego.

Niemcy od połowy XVI w. stopniowo traciła swoje miejsce na rynkach zagranicznych. Ponadto kupcy z innych krajów zaczęli wypierać Niemców z lokalnych rynków. Przemysł wydobywczy i hutniczy podupadał, firmy handlowe bankrutowały, ograniczano inwestycje w produkcję przemysłową. Pogarszająca się sytuacja miast, regionów górniczych i hutniczych doprowadziła do ograniczenia krajowego rynku. Znaczący cios zadało rolnictwu zachodnich i południowo-zachodnich Niemiec, które skupiało się na uprawie roślin ogrodniczych, winiarskich i przemysłowych na potrzeby szybko rozwijających się miast. Od drugiej połowy XVI w. Najbardziej obiecującymi branżami były te, których produkty były eksportowane za granicę, tj. do krajów rozwijającego się kapitalizmu. Nasilała się tendencja do zwiększonego zniewolenia chłopów, przede wszystkim na ziemiach wschodnich, gdzie istniały sprzyjające warunki dla rozwoju eksportowej produkcji zbóż. Na ziemiach zachodnich zachował się system drobnych gospodarstw chłopskich, płacących feudalnym panom pieniężnym i rzeczowym czynsz.

W Szwajcarii założycielem reformacji był ksiądz Ulrich Zwingli (1484-1531). Jego następca Jan Kalwin (1509-1564) zakończył reformację w Szwajcarii. Kalwin wierzył, że z góry zostało ustalone, kto po śmierci pójdzie do nieba, a kto do piekła. Ale nikt nie może poznać i nigdy nie pozna swego wyroku, dlatego „Bójcie się Boga, służcie Mu z całej duszy i miejcie nadzieję, że wasz wyrok będzie miłosierny”. Głównym obowiązkiem chrześcijanina jest wykonywanie swojej pracy uczciwie, sumiennie i pilnie. Każdy służy Bogu na swoim miejscu, nauczał Kalwin. Jego nauki rozprzestrzeniły się na Francję (hugenoci) i Anglię (purytanie). W Holandii kalwinizm stał się ideologiczną podstawą rewolucyjnej walki o niepodległość od katolickiej Hiszpanii (1566-1609). W krajach skandynawskich nauczanie Lutra okazało się atrakcyjniejsze. Odtąd wszystkich zwolenników Reformacji nazywano protestantami.

Wielkie odkrycia geograficzne: przesłanki i konsekwencje gospodarcze. Główną rolę w rozkładzie feudalizmu i genezie kapitalizmu odegrały odkrycia geograficzne końca XV - połowy XVII wieku, kiedy Europejczycy aktywnie eksplorowali „nowe” regiony Ziemi. Odkrycia tego okresu nazywane są zwykle Wielkimi ze względu na ich wyjątkowe znaczenie dla losów Europy i całego świata.

Wiek Odkryć dzieli się na dwa okresy:

Okres hiszpańsko-portugalski (koniec XV – połowa XVI w.), który obejmował odkrycie Ameryki (pierwsza wyprawa Kolumba w 1492 r.); Podróże Portugalii do Indii i wybrzeży Azji Wschodniej począwszy od wyprawy Vasco da Gamy; Hiszpańskie wyprawy na Pacyfik w XVI wieku. od pierwszego opłynięcia świata przez Magellana do wyprawy na Villalovos (1542-1543);

Okres odkryć rosyjskich i holenderskich (połowa XVI – połowa XVII wieku). Należą do nich: odkrycie przez Rosjan całej Azji Północnej (od kampanii Ermaka do wyprawy Popowa-Deżniewa w 1648 r.), odkrycia angielskie i francuskie w Ameryce Północnej, holenderskie wyprawy na Pacyfik i odkrycie Australii.

W drugiej połowie XV w. feudalizm w Europie Zachodniej znajdował się w fazie rozkładu. Rozrastały się duże miasta i rozwijał się handel. Pieniądz stał się powszechnym środkiem wymiany, na który zapotrzebowanie gwałtownie wzrosło. W Europie znacznie wzrosło zapotrzebowanie na złoto, co wzrosło zapotrzebowanie na „Indie - kolebkę przypraw”, gdzie według Europejczyków było dużo złota, srebra, klejnotów i przypraw. Jednak droga do Indii stała się niedostępna dla Europejczyków w wyniku podbojów tureckich w Azji Mniejszej i Syrii. Monopol włoskich kupców w europejskim handlu towarami wschodnimi pompował złoto z Europy na Wschód. Niedobór metali szlachetnych utrudniał rozwój handlu i produkcji towarowej w krajach Europy Zachodniej. Portugalia jako pierwsza rozpoczęła poszukiwania południowych szlaków morskich do Indii. Po podbiciu terytorium od Arabów w XIII wieku. i kontynuowanie wojen z Arabami w Afryce Północnej w XIV-XV wieku. Portugalia stworzyła silną flotę. Już w latach 20-30. XV wiek Portugalczycy odkryli Maderę i Azory i przenieśli się daleko na południe wzdłuż zachodniego wybrzeża Afryki. Odkrycie Przylądka Dobrej Nadziei na południowym krańcu Afryki w 1486 roku stworzyło realną szansę na przygotowanie wyprawy do Indii.

Jedną z najważniejszych przyczyn, która zdeterminowała aktywność Portugalii, a następnie Hiszpanii w odkryciach geograficznych, był kryzys feudalnego systemu gospodarczego, wyrażający się w rozdrobnieniu majątków feudalnych i upadku panów feudalnych. Szlachta portugalska i hiszpańska, która gardziła wszelką działalnością z wyjątkiem wojny, po zwycięstwie nad Maurami pozostała bezczynna i bardzo szybko popadła w długi u lichwiarzy. Marzyli o posiadaniu ziemi za granicą, ale jeszcze bardziej o złocie i biżuterii, aby spłacić lichwiarzy.

Kolejnym powodem ekspansji zagranicznej było zainteresowanie rosnącej władzy królewskiej, która marzyła o zwiększeniu dochodów skarbu. Nie mniej zainteresowane nowymi ziemiami była miejska burżuazja i kościół. Burżuazja dążyła do rozszerzenia źródeł prymitywnej akumulacji, kościoła - do rozszerzenia swoich wpływów na kraje pogańskie. Chęć zysku kryła się za fanatyzmem religijnym – znaną i wygodną maską, pod którą kryła się żądza władzy i osobistych korzyści.

Możliwości dalekich podróży stworzył postęp nauki i technologii oraz rozwój przemysłu stoczniowego i nawigacji. Od początku XVI wieku. Kompas wchodzi do powszechnego użytku, co w połączeniu z astrolabium odegrało ważną rolę w rozwoju nawigacji. Odżyła starożytna idea kulistego kształtu ziemi. W XV wieku powstała karawela przeznaczona do żeglugi oceanicznej – szybki statek z przestronnymi ładowniami. Ogromne znaczenie miało udoskonalenie broni palnej. Do końca XV wieku. Portugalczycy wyprzedzili inne kraje. Zdobyta wiedza dała żeglarzom z innych krajów nowe informacje na temat pływów morskich, prądów i kierunku wiatru. Mapowanie nowych lądów przyspieszyło rozwój kartografii.

Od końca XV w. Hiszpanie rozpoczęli poszukiwania morskich szlaków handlowych do Indii. W 1492 roku na dwór królów hiszpańskich przybył genueński nawigator Krzysztof Kolumb (1451-1506). Kolumb zaproponował hiszpańskim monarchom swój projekt – dotarcie do wybrzeży Indii, płynąc na zachód przez Atlantyk. Wcześniej Kolumb zaproponował swój plan królom innych krajów, ale odmówiono mu. Francja i Anglia nie miały niezbędnych funduszy i flot. Portugalczycy w tym czasie byli już bliscy otwarcia drogi do Indii wokół Afryki i nie potrzebowali usług innych. W Hiszpanii panowała korzystniejsza sytuacja dla realizacji planów Kolumba. Po zdobyciu Granady w 1492 roku i zakończeniu ostatniej wojny z Arabami, sytuacja gospodarcza hiszpańskiej monarchii była bardzo trudna. Skarbiec był pusty, korona nie miała już wolnej ziemi do sprzedania, a dochody z podatków od handlu i przemysłu były znikome. Ogromna liczba szlachty została bez środków do życia. Ponadto hiszpański przemysł potrzebował rynków. Wszystkie te okoliczności okazały się decydujące dla hiszpańskiego sądu o przyjęciu projektu Kolumba. Pomysł zagranicznej wyprawy poparła szczyt Kościoła katolickiego. Między hiszpańskim królem a Kolumbem zostało zawarte porozumienie, zgodnie z którym wielki nawigator został mianowany namiestnikiem nowo odkrytych ziem, otrzymał stopień admirała, prawo do „/10 części dochodu z nowego posiadłości i Vg części zyski z handlu.

3 sierpnia 1492 roku flotylla trzech karawel wypłynęła z portu w Paloe, kierując się na południowy zachód. 12 października 1492 roku statki zbliżyły się do Bahamów. Później odkryto wyspę Kubę i zbadano jej północne wybrzeże. Myląc Kubę z jedną z wysp u wybrzeży Japonii, Kolumb kontynuował żeglugę na zachód i odkrył wyspę Haiti, która miała więcej złota niż wyspy już odkryte. U wybrzeży Haiti Kolumb stracił swój największy statek i został zmuszony do pozostawienia części załogi na wyspie. Zbudowano tu fort. Twierdza Navidad stała się pierwszą hiszpańską osadą w Nowym Świecie.

W 1493 roku Kolumb powrócił do Hiszpanii, gdzie został przyjęty z wielkimi honorami. Odkrycia Kolumba zaniepokoiły Portugalczyków. W 1494 roku za pośrednictwem papieża zawarto porozumienie, na mocy którego Hiszpanii przyznano prawo do posiadania ziem na zachód od Azorów, a Portugalii na wschodzie. Kolumb odbył jeszcze trzy podróże do Ameryki, podczas których odkryto Małe Antyle, Portoryko i Jamajkę oraz zbadano wybrzeże Ameryki Środkowej. Kolumb do końca swoich dni wierzył, że znalazł zachodnią drogę do Indii. W 1500 roku Kolumb został oskarżony o nadużycie władzy i wysłany w kajdanach do Hiszpanii. Jednak pojawienie się słynnego nawigatora w łańcuchach w Hiszpanii wywołało oburzenie. Kolumb został wkrótce zrehabilitowany.

Do lat 1502-1503 odnosi się do czwartej podróży Kolumba do Nowego Świata, której celem było znalezienie drogi na Ocean Indyjski i opłynięcie świata. Podczas swojej ostatniej podróży Kolumb odkrył wybrzeże kontynentu na południe od Kuby i zbadał południowo-zachodnie wybrzeża Morza Karaibskiego. Dwa tygodnie po jego powrocie zmarła królowa Izabela, patronka Kolumba. Stracił poparcie w sądzie. Kolumb zmarł w 1506 roku, zapomniany przez wszystkich, w całkowitej biedzie.

Tragiczny los Kolumba w dużej mierze można wytłumaczyć sukcesami Portugalczyków. W 1497 roku wyprawa Vasco da Gamy została wysłana w celu zbadania szlaku morskiego do Indii wokół Afryki. Po okrążeniu Przylądka Dobrej Nadziei portugalscy żeglarze wpłynęli na Ocean Indyjski i w maju 1498 roku dotarli do indyjskiego portu Calicut. Po zakupieniu dużego ładunku przypraw wyprawa wyruszyła w drogę powrotną.

Sukces wyprawy Vasco da Gamy wywarł ogromne wrażenie w Europie. Portugalczycy mieli ogromne możliwości komercyjnego wykorzystania Indii. Dzięki swojej przewadze w broni i technologii morskiej udało im się wyprzeć arabskich kupców z Oceanu Indyjskiego i przejąć kontrolę nad całym handlem morskim z Indiami, a następnie Malakką i Indonezją. Arabskie próby wyparcia Portugalczyków z Oceanu Indyjskiego nie powiodły się.

W Indiach Portugalczycy nie zajęli rozległych terytoriów, a jedynie utworzyli twierdze na wybrzeżu, co umożliwiło kontrolowanie wszelkich stosunków handlowych pomiędzy poszczególnymi obszarami wybrzeża Oceanu Indyjskiego. Handel ten przyniósł ogromne zyski. Posuwając się dalej na wschód wzdłuż wybrzeża, podporządkowali sobie szlaki tranzytowe handlu przyprawami. Handel z Indiami został uznany za monopol króla Portugalii.

Po przejęciu kontroli nad handlem z Indiami Portugalczycy uparcie poszukiwali zachodniej drogi do tego kraju. Pod koniec XV - na początku XVI wieku. W ramach wypraw hiszpańskich i portugalskich Amerigo Vespucci udał się do wybrzeży Ameryki, co udowodniło, że Kolumb odkrył nie wybrzeże Indii, ale nowy kontynent, nazwany później Ameryką.

Ferdynand Magellan, członek portugalskich wypraw, zasugerował, że do Indii można dotrzeć, kierując się na zachód i omijając nowo odkryty kontynent od południa. Projektem Magellana zainteresował się rząd hiszpański, który w tamtym czasie nie uzyskiwał zbyt dużych dochodów z nowo odkrytych ziem. Zgodnie z umową zawartą przez króla hiszpańskiego z Magellanem nawigator miał dopłynąć na południowy kraniec kontynentu amerykańskiego i otworzyć zachodnią drogę do Indii. Skarżyli się do niego na tytuły władcy i namiestnika nowych ziem oraz na dwudziestą część wszystkich dochodów, która miała trafiać do skarbca.

20 września 1519 eskadra pięciu statków skierowała się na zachód. Miesiąc później flotylla dotarła do południowego krańca kontynentu amerykańskiego i przez trzy tygodnie przepływała przez cieśninę, która obecnie nosi nazwę Magellan. 6 marca 1521 roku żeglarze dotarli do trzech małych wysp z grupy Marianów. Kontynuując swoją podróż na zachód, Magellan dotarł do Wysp Filipińskich, gdzie zginął w potyczce z tubylcami.

Nowe odkrycia doprowadziły do ​​zaostrzenia wcześniejszych sprzeczności między Hiszpanią a Portugalią. Przez długi czas eksperci obu krajów nie mogli dokładnie określić granic posiadłości Hiszpanii i Portugalii ze względu na brak dokładnych danych na temat długości geograficznej nowo odkrytych wysp. W 1529 r. osiągnięto porozumienie. Hiszpania zrezygnowała ze swoich roszczeń wobec Wysp Filipińskich. Jednak przez długi czas nikt nie odważył się powtórzyć podróży Magellana, a droga przez Pacyfik do wybrzeży Azji nie miała praktycznego znaczenia.

W 1510 r. Rozpoczął się podbój Ameryki - kolonizacja i rozwój wewnętrznych regionów kontynentu, utworzenie systemu wyzysku kolonialnego.

W latach 1517-1518 Oddziały Hernana de Cordoba i Juana Grimalvy napotkały najstarszą cywilizację - państwo Majów. Do czasu przybycia Hiszpanów terytorium Jukatanu zostało podzielone między kilka miast-państw. Nie tylko doskonała broń, ale także wewnętrzne walki między miastami-państwami ułatwiły Hiszpanom podbój Majów. Hiszpanie dowiedzieli się od lokalnych mieszkańców, że metale szlachetne sprowadzano z kraju Azteków. W 1519 roku oddział hiszpański pod wodzą Hernana Cortesa wyruszył na podbój tych ziem.

Państwo Azteków rozciągało się od wybrzeża Zatoki Perskiej po Ocean Spokojny. Żyła tu duża ludność rolnicza, pracą wielu pokoleń stworzono doskonały system sztucznego nawadniania, uprawiano bawełnę, kukurydzę i warzywa z wysokimi plonami. Podstawą ekonomiczną była sąsiednia gmina. Majowie mieli system poboru do pracy. Ludność była wykorzystywana przez państwo do budowy pałaców, świątyń itp. Rzemiosło nie zostało jeszcze oddzielone od rolnictwa; w gminie mieszkali zarówno rzemieślnicy, jak i rolnicy. Zaczęła wyłaniać się warstwa przedstawicieli szlachty i przywódców – kacyków, którzy posiadali duże połacie ziemi i korzystali z pracy niewolników.

W przeciwieństwie do Majów, państwo Azteków osiągnęło znaczną centralizację, stopniowo przechodząc do dziedzicznej władzy najwyższego władcy. Jednak brak jedności wewnętrznej, wewnętrzna walka o władzę wśród przedstawicieli najwyższej szlachty wojskowej i walka podbitych plemion ze zdobywcami ułatwiły zwycięstwo Hiszpanom. Meksyk spełnił nadzieje swoich zdobywców. Znaleziono tu bogate złoża złota i srebra. w

Drugi nurt kolonizacji nadszedł z Przesmyku Panamskiego na południe od wybrzeża Pacyfiku w Ameryce. Zdobywców przyciągnął bajecznie bogaty kraj Peru z żyznymi, gęsto zaludnionymi ziemiami. Ludność zajmowała się rolnictwem i hodowała stada lam. Od czasów starożytnych terytorium Peru zamieszkują Indianie Keczua. W XIV wieku. Jedno z plemion keczuańskich, Inkowie, podbiło liczne plemiona indyjskie. Na początku XVI wieku. Państwo Inków obejmowało część terytorium Chile i Argentyny. Z plemienia zdobywców powstała szlachta wojskowa. Centrum potęgi Inków było miasto Cusco. Główną komórką społeczną wśród Inków, a także wśród Majów i Azteków, była sąsiednia społeczność. Z ziem gminnych wydzielano pola szlachty i starszyzny będące jej własnością. Mieli prawo przekazać te ziemie w drodze dziedziczenia.

Podbój Peru przez Hiszpanów trwał ponad 40 lat. Jeśli w pierwszym etapie zdobywcy zdobyli zgromadzone w poprzednich czasach metale szlachetne, to od 1530 roku rozpoczęła się systematyczna eksploatacja najbogatszych kopalń w Meksyku i Peru. Od tego momentu zmienił się charakter kolonizacji. Zdobywcy porzucili rozwój gospodarczy nowych ziem. Wszystko, co niezbędne dla hiszpańskich osadników, zaczęto sprowadzać z Europy w zamian za złoto i srebro z Nowego Świata. Szlachetny, feudalny charakter kolonizacji przesądził o tym, że złoto i srebro Ameryki wpadło głównie w ręce szlachty. Wszystkie podbite ziemie stały się własnością korony. Począwszy od 1512 roku wydano prawa zabraniające zniewolenia Indian. Formalnie uważano ich za poddanych króla hiszpańskiego, płacono specjalny podatek i odbywano służbę roboczą.

W pierwszej połowie XVI w. Ogólnie rzecz biorąc, ukształtował się system zarządzania koloniami hiszpańskimi w Ameryce. Handel kolonialny znalazł się pod kontrolą Izby Handlowej w Sewilli (1503), która przeprowadzała kontrolę celną wszystkich ładunków, pobierała cła i monitorowała procesy emigracyjne. Głównym sektorem gospodarki w koloniach hiszpańskich było górnictwo.

System kolonialny, który rozwinął się w koloniach portugalskich, różnił się od hiszpańskiego. Od 1500 roku głównym celem kolonizacji była Brazylia, gdzie nie było osiadłej ludności rolniczej, a małe plemiona indiańskie, znajdujące się na etapie ustroju plemiennego, zostały zepchnięte w głąb kraju. Brak złóż metali szlachetnych i znacznych zasobów ludzkich zadecydował o komercyjnym charakterze początkowej kolonizacji Brazylii.

Od 1500 roku rozpoczął się rozwój gospodarczy przybrzeżnych regionów Brazylii. Wybrzeże zostało podzielone na 13 kapitanów, których właściciele mieli pełną władzę. Jednak Portugalia nie miała znacznej nadwyżki populacji, więc zasiedlanie kolonii było powolne. Brak osadników chłopskich i niewielka liczba rdzennej ludności uniemożliwiały rozwój feudalnych form gospodarki. Najlepiej rozwijały się obszary, na których wyrósł system plantacyjny, oparty na eksploatacji czarnych niewolników z Afryki. Począwszy od drugiej połowy XVI wieku. Import afrykańskich niewolników szybko rósł. Biali osadnicy żyli głównie w strefie przybrzeżnej w zamkniętych grupach, zajmując się handlem i rzemiosłem.

W drugiej połowie XVI – na początku XVII wieku. „Hiszpańscy żeglarze odbyli serię wypraw na Pacyfik z terytorium Peru, podczas których odkryto Wyspy Salomona, Polinezję Południową i Australię. Hiszpania nie miała jednak siły i środków, aby zagospodarować nowe lądy. Dlatego rząd hiszpański zachował tajemnicę wszystkie informacje o odkryciu przez całe stulecie, w obawie przed rywalizacją innych mocarstw, dopiero w połowie XVII wieku Holendrzy rozpoczęli eksplorację wybrzeży Australii.

Konsekwencje wielkich odkryć geograficznych. W pierwszym okresie odkrycia, kiedy główne szlaki handlowe przeszły z Morza Śródziemnego na Ocean Atlantycki, handel był zdominowany przez Portugalię i Hiszpanię. Jednakże głównymi producentami dóbr przemysłowych były Holandia, Anglia i Francja, co umożliwiło burżuazji tych krajów szybkie wzbogacenie się poprzez pompowanie złota i srebra z krajów iberyjskich w zamian za towary przemysłowe. Stopniowo wypierali konkurentów ze szlaków morskich, a następnie z zamorskich kolonii. Po klęsce „Niezwyciężonej Armady” (1588) potęga hiszpańsko-portugalska (w tamtych latach obie potęgi Pirenejów tworzyły jedno państwo) otrzymała miażdżący cios. W szczególności w badaniach Oceanu Spokojnego i mórz południowych na przełomie XVI i XVII wieku. inicjatywa przeszła do Holandii, a w latach 40-tych. XVII wiek Rewolucja burżuazyjna w Anglii wprowadziła ten kraj na arenę walki o rynki, dominację na morzach i posiadłości kolonialne.

Jedną z konsekwencji Wielkich Odkryć Geograficznych było utrwalenie się nowych tendencji w polityce gospodarczej europejskiego absolutyzmu, która nabrała wyraźnego charakteru merkantylistycznego. Dynastie rządzące w Hiszpanii, Francji i Anglii wszelkimi sposobami wspierały handel, przemysł, żeglugę i ekspansję kolonialną. Merkantylizm zrodził się w wyniku rozwijającego się kapitalizmu, ale odpowiadał także interesom szlachty. Krajowy przemysł i handel zapewniły środki do utrzymania państwa feudalnego, a co za tym idzie, do utrzymania dominacji społecznej szlachty. Otwarcie nowych szlaków handlowych oraz nieznanych wcześniej krajów i kontynentów, utworzenie w stosunkowo krótkim czasie stabilnych połączeń pomiędzy Europą a innymi częściami świata pozwoliło krajom europejskim pozyskać ogromne zasoby.

W wyniku Wielkich Odkryć Geograficznych wyłonił się system dominacji kolonialnej i wyzysku kolonialnego.

Początkowo główną metodą eksploatacji kolonii był otwarty rabunek. Następnie system podatkowy stał się powszechny. Jednak główny dochód z eksploatacji kolonii pochodził z handlu. Wzrost pozycji Hiszpanii i Portugalii jako potęg kolonialnych był stosunkowo krótkotrwały. Bogactwo otrzymane od kolonii było bezproduktywnie wydawane przez feudalną szlachtę, podczas gdy w Anglii i Francji wspierano rozwój przemysłu i handlu. Umocniły się pozycje Anglii, Francji i Holandii na rynkach kolonialnych. Potrafili skuteczniej wykorzystywać odkrycia geograficzne do rozwoju kapitalizmu i tworzenia własnych imperiów kolonialnych.

Najważniejszą konsekwencją odkrycia i kolonizacji nowych ziem była „rewolucja cenowa”, która dała potężny impuls początkowej akumulacji kapitału w Europie. Przyspieszyło to powstawanie struktury kapitalistycznej w gospodarce. „Rewolucja cenowa” wyraziła się w niezwykle szybkim wzroście w XVI wieku. ceny towarów rolnych i przemysłowych. Jeśli przed XVI w. ceny były w zasadzie stabilne, potem przez 70 lat – od lat 30-tych. XVI wiek i pod koniec stulecia wzrosły 2-4 razy. Współcześni kojarzyli takie ruchy cen albo z dużym napływem metali szlachetnych do Europy, albo z ich wyciekiem. Jednak prawdziwą przyczyną „rewolucji cenowej” był spadek wartości metali szlachetnych jako towaru. „Rewolucja cenowa” przyczyniła się do wzbogacenia powstającej w tej epoce burżuazji przemysłowej i zubożenia pracowników produkcyjnych. Poziom życia pracowników najemnych obniżył się, ponieważ rosnące ceny produktów rolnych i towarów konsumpcyjnych doprowadziły do ​​spadku dochodów realnych. „Rewolucja cenowa” przyczyniła się do przyspieszonego wzbogacenia zamożnej części chłopstwa i ukształtowania się burżuazji wiejskiej, gdyż spadły realne płace robotników rolnych, a wraz ze spadkiem siły nabywczej pieniądza realne ilości gotówki spadła renta lub renta pobierana przez właścicieli ziemskich, a ceny produktów rolnych wzrosły. W tym samym czasie ucierpieli panowie feudalni, którzy otrzymywali stały czynsz pieniężny. Skutkiem „rewolucji cenowej” było ogólne pogorszenie sytuacji ekonomicznej panów feudalnych i robotników najemnych oraz wzmocnienie pozycji burżuazji. Przyspieszyło to powstawanie gospodarki kapitalistycznej i upadek ustroju feudalnego.

W ten sposób Wielkie Odkrycia Geograficzne stworzyły podstawę do powstania międzynarodowego podziału pracy, światowej gospodarki i rynku, zmian w organizacji handlu, kredytu, przemysłu i rozwoju rolnictwa w krajach europejskich.



Istotność tematu badawczego polega na tym, że kultura renesansu posiada specyficzne cechy epoki przejściowej od średniowiecza do czasów nowożytnych, w której stare i nowe, przeplatając się, tworzą wyjątkowy, jakościowo nowy stop. Trudnym pytaniem są chronologiczne granice renesansu (we Włoszech – XIV – XVI w., w innych krajach – XV – XVI w.), jego rozmieszczenie terytorialne i cechy narodowe. Dziedzinami, w których szczególnie widoczny był punkt zwrotny renesansu, była architektura i sztuki piękne. Religijny spirytualizm, ascetyczne ideały i dogmatyczne konwencje sztuki średniowiecznej zostały zastąpione pragnieniem realistycznego poznania człowieka i świata, wiarą w możliwości twórcze i siłę umysłu.

Afirmacja piękna i harmonii rzeczywistości, odwoływanie się do człowieka jako najwyższej zasady bytu, idea harmonijnych praw wszechświata, panowanie nad prawami obiektywnego poznania świata dają sztuce Renesansowe znaczenie ideologiczne i integralność wewnętrzna.

W średniowieczu w Europie nastąpiły gwałtowne zmiany w ekonomicznej, społecznej i religijnej sferze życia, które nie mogły nie doprowadzić do zmian w sztuce. W każdym momencie zmian człowiek próbuje na nowo przemyśleć otaczający go świat, następuje bolesny proces „przewartościowania wszelkich wartości”, używając popularnego określenia F. Nietzschego.

Renesans (renesans), obejmujący okres od XIV do początku XVII wieku, przypada na ostatnie stulecia średniowiecznego feudalizmu. Trudno odmówić oryginalności tej epoce, uznając ją za przykładem holenderskiego kulturologa I. Huizingi za „jesień średniowiecza”. Bazując na tym, że renesans jest okresem odmiennym od średniowiecza, można nie tylko rozróżnić te dwie epoki, ale także określić ich powiązania i punkty styku.

Słowo „Odrodzenie” przywodzi na myśl obraz bajecznego ptaka Feniksa, który od zawsze uosabiał proces wiecznego, niezmiennego zmartwychwstania. A wyrażenie „renesans” nawet dla osoby, która nie zna wystarczającej historii, kojarzy się z jasnym i oryginalnym okresem historii. Skojarzenia te są na ogół prawdziwe. Renesans - czas od XIV do XVI wieku we Włoszech (era przejściowa od średniowiecza do epoki nowożytnej) jest pełen niezwykłych wydarzeń i jest reprezentowany przez genialnych twórców.

Termin „renesans” został wprowadzony przez G. Vasariego, znanego malarza, architekta i historyka sztuki, na określenie okresu sztuki włoskiej od 1250 do 1550 roku, jako czasu odrodzenia starożytności, choć pojęcie odrodzenia było częścią myślenia historycznego i filozoficznego od starożytności. Idea powrotu do starożytności zrodziła się już w późnym średniowieczu. Postacie tamtej epoki nie myślały o ślepym naśladowaniu epoki starożytnej, lecz uważały się za kontynuatorów sztucznie przerwanej historii starożytnej. Do XVI wieku treść pojęcia została zawężona i zawarta w określeniu zaproponowanym przez Vasariego. Odtąd renesans oznaczał odrodzenie starożytności jako idealnego modelu.

Następnie ewoluowała treść terminu renesans. Renesans rozumiany był jako emancypacja nauki i sztuki od teologii, stopniowe ochłodzenie w kierunku etyki chrześcijańskiej, pojawienie się literatur narodowych i pragnienie człowieka wyzwolenia się z ograniczeń Kościoła katolickiego. Renesans faktycznie utożsamiano z początkiem ery humanizmu

Pojęcie „kultury nowożytnej” obejmuje okres historyczny od XIV wieku do współczesności. Periodyzacja wewnętrzna obejmuje następujące etapy:

formacja (XIV-XV w.);

krystalizacja, dekoracja (XVI - początek XVII);

okres klasyczny (XVII - XVIII w.);

spadkowy etap rozwoju (XIX wiek) 1.

Granicą średniowiecza jest wiek XIII. W tej chwili istnieje zjednoczona Europa, ma jeden język kulturowy - łacinę, trzech cesarzy, jedną religię. Europa przeżywa rozkwit architektury gotyckiej. Rozpoczyna się proces powstawania niezależnych narodowo państw. Tożsamość narodowa zaczyna dominować nad tożsamością religijną.

W XIII wieku produkcja zaczęła odgrywać coraz większą rolę. To pierwszy krok w kierunku przezwyciężenia rozpadu Europy. Europa zaczyna się bogacić. W XIII wieku. Chłopi z północnych i środkowych Włoch stają się osobiście wolni, ale tracą ziemię i dołączają do biednych. Znaczna ich część dostarczana jest do miast.

XII – XIII wiek – okres rozkwitu miast, zwłaszcza południowej Europy. Okres ten charakteryzuje się początkiem rozwoju protoburżuazyjnego. Do XIII wieku. wiele miast staje się niepodległymi państwami. Początek kultury nowożytnej wiąże się bezpośrednio z przejściem od kultury wiejskiej do miejskiej.

Kryzys kultury średniowiecznej najgłębiej dotknął jej fundamenty – sferę religijną i kościelną. Kościół zaczyna tracić autorytet moralny, finansowy i militarny. W Kościele zaczynają krystalizować się różne ruchy będące wyrazem duchowego protestu przeciwko sekularyzacji Kościoła i jego „uwikłaniu” w gospodarkę. Formą tego protestu są narodziny rozkazów. Zjawisko to w dużej mierze kojarzone jest z imieniem Franciszka z Asyżu (1182–1226). Pochodzący z rodziny kupieckiej, w młodości prowadził bardzo swobodny tryb życia. Następnie porzucił swoje frywolne zachowanie, zaczął głosić wyjątkową ascezę i został głową franciszkańskiego zakonu braci żebraków. Religijność Franciszka była wyjątkowa. Jego religijność charakteryzują dwie cechy: głoszenie ubóstwa i szczególny panteizm chrześcijański. Franciszek nauczał, że łaska Boża żyje w każdym ziemskim stworzeniu; nazywał zwierzęta braćmi człowieka. Panteizm Franciszka zawierał już coś nowego, niejasno nawiązując do panteizmu starożytnych Greków. Franciszek nie potępia świata za jego grzeszność, ale podziwia jego harmonię. W epoce burzliwego dramatu późnego średniowiecza franciszkanizm przyniósł spokojniejszy i jaśniejszy światopogląd, który nie mógł nie przyciągnąć prekursorów kultury renesansowej. Wiele osób poszło za franciszkanami w ich głoszeniu ubóstwa, poświęcając swój majątek. Drugim zakonem żebraczym jest Zakon Dominikanów (1215), nazwany na cześć św. Dominik, hiszpański mnich. W 1232 r. Inkwizycja została przeniesiona do tego zakonu.

Wiek XIV okazał się dla Europy ciężką próbą: straszliwa epidemia dżumy zniszczyła 3/4 jej populacji i stworzyła tło, na którym nastąpił upadek starej Europy i pojawienie się nowych regionów kulturowych. Fala zmian kulturowych rozpoczyna się na zamożniejszym południu Europy, we Włoszech. Tutaj przybierają formę renesansu (odrodzenia). Termin „renesans” w ścisłym tego słowa znaczeniu odnosi się tylko do Włoch od XIII do XVI wieku. Stanowi szczególny przypadek współczesnej kultury. Drugi etap kształtowania się kultury nowoczesnej rozgrywa się później na obszarze Europy transalpejskiej – przede wszystkim w Niemczech, Francji i innych krajach 1.

Same postacie renesansu kontrastowały nową erę ze średniowieczem jako okresem ciemności i ignorancji. Ale wyjątkowością tego czasu nie jest raczej ruch cywilizacji przeciwko dzikości, kultury – przeciwko barbarzyństwu, wiedzy – przeciwko ignorancji, ale przejaw innej cywilizacji, innej kultury, innej wiedzy.

Renesans to rewolucja przede wszystkim w systemie wartości, w ocenie wszystkiego, co istnieje i w podejściu do tego. Rodzi się przekonanie, że najwyższą wartością jest człowiek. Ten pogląd na człowieka zdeterminował najważniejszą cechę kultury renesansu - rozwój indywidualizmu w sferze światopoglądowej i wszechstronną manifestację indywidualności w życiu publicznym.

Jedną z charakterystycznych cech duchowej atmosfery tamtych czasów było zauważalne ożywienie nastrojów świeckich. Cosimo de' Medici, niekoronowany władca Florencji, powiedział, że upadnie ten, kto będzie szukał oparcia na drabinie swego życia w niebie, a na ziemi osobiście ją zawsze wzmacniał.

Świecki charakter jest także nieodłączny od tak uderzającego zjawiska kultury renesansowej, jak humanizm. W szerokim tego słowa znaczeniu humanizm jest sposobem myślenia, który głosi ideę dobra człowieka jako główny cel rozwoju społecznego i kulturalnego oraz broni wartości człowieka jako jednostki. Termin ten jest nadal używany w tej interpretacji. Ale jako integralny system poglądów i szeroki ruch myśli społecznej, humanizm powstał w okresie renesansu.

Starożytne dziedzictwo kulturowe odegrało ogromną rolę w kształtowaniu się myślenia renesansowego. Konsekwencją wzrostu zainteresowania kulturą klasyczną było studiowanie starożytnych tekstów i wykorzystywanie pogańskich prototypów do ucieleśniania wizerunków chrześcijańskich, gromadzenie kamei, rzeźb i innych antyków, a także przywrócenie rzymskiej tradycji popiersi portretowych. W rzeczywistości odrodzenie starożytności dało nazwę całej epoce (w końcu renesans tłumaczy się jako odrodzenie). Filozofia zajmuje szczególne miejsce w kulturze duchowej tamtych czasów i ma wszystkie cechy wymienione powyżej. Najważniejszą cechą filozofii renesansu jest antyscholastyczna orientacja poglądów i pism myślicieli tego czasu. Cechą charakterystyczną jest także wykreowanie nowego, panteistycznego obrazu świata, utożsamiającego Boga z naturą.

Periodyzację renesansu wyznacza nadrzędna rola sztuk pięknych w jego kulturze. Etapy historii sztuki we Włoszech – kolebce renesansu – od dawna stanowią główny punkt odniesienia. W szczególności wyróżniają się: okres wstępny, prarenesans, „era Dantego i Giotta”, ok. 1260-1320, częściowo zbiegająca się z okresem Ducento (XIII w.), a także Trecento (XIV w.), Quattrocento. (XV wiek) i Cinquecento (XVI wiek). Bardziej ogólne okresy to wczesny renesans (14-15 wieków), kiedy nowe trendy aktywnie współdziałają z gotykiem, pokonując go i twórczo przekształcając; a także średni (lub wysoki) i późny renesans, którego szczególną fazą był manieryzm. Nowa kultura krajów położonych na północ i zachód od Alp (Francja, Holandia, kraje niemieckojęzyczne) nazywana jest zbiorczo renesansem północnym; tutaj rola późnego gotyku (w tym tak ważnej fazy „średniowieczno-renesansowej”, jak „gotyk międzynarodowy” czy „styl miękki” końca XIV–XV w.) była szczególnie znacząca. Charakterystyczne cechy renesansu ujawniły się wyraźnie także w krajach Europy Wschodniej (Czechy, Węgry, Polska itp.), a także znalazły swoje odzwierciedlenie w Skandynawii. Charakterystyczna kultura renesansu rozwinęła się w Hiszpanii, Portugalii i Anglii.

W XIII wieku we Włoszech zainteresowanie starożytnością wśród środowiska artystycznego znacznie wzrosło. W dużej mierze złożyło się na to kilka okoliczności. Po zdobyciu Konstantynopola przez krzyżowców, napływ Greków, nosicieli greckiej, starożytnej tradycji kulturowej, gwałtownie wzrósł do Włoch. Wzmocnienie powiązań handlowych ze światem arabskim oznaczało m.in. zwiększenie kontaktów ze starożytnym dziedzictwem kulturowym, którego opiekunem był wówczas świat arabski. Wreszcie same Włochy były w tym czasie przepełnione zabytkami kultury starożytnej. Wizja kultury, która w średniowieczu ich nie dostrzegała, nagle ujrzała je wyraźnie oczami ludzi sztuki i nauki.

Najdoskonalszym materiałem do zrozumienia przejściowego charakteru protorenesansu jest dzieło Dantego Alighieri (1265-1321). Słusznie nazywany jest ostatnim poetą średniowiecza i pierwszym poetą nowej ery. Dante uważał rok 1300 za środek historii ludzkości i dlatego starał się dać uogólniający i nieco ostateczny obraz świata. Najpełniej dokonuje się to w Boskiej Komedii (1307-1321). Związek poematu ze starożytnością widać już w tym, że jednym z głównych bohaterów Komedii jest rzymski poeta Wergiliusz. Reprezentuje ziemską mądrość, oświecającą i pouczającą. Wybitni ludzie starożytnego świata – poganie Homer, Sokrates, Platon, Heraklit, Horacy, Owidiusz, Hektor, Eneasz – zostają przez poetę umieszczeni w pierwszym z dziewięciu kręgów piekła, gdzie znajdują się ludzie, którzy bez winy sami nie zaznali prawdziwej wiary i chrztu.

Przechodząc do charakterystyki wczesnego renesansu we Włoszech, należy podkreślić, co następuje. Na początku XV wieku. we Włoszech młoda klasa burżuazyjna nabyła już wszystkie swoje główne cechy i stała się głównym bohaterem epoki. Mocno stąpał po ziemi, wierzył w siebie, bogacił się i patrzył na świat innymi, trzeźwymi oczami. Tragedia światopoglądowa, patos cierpienia stawały się mu coraz bardziej obce: estetyzacja biedy – wszystkiego, co dominowało w świadomości społecznej średniowiecznego miasta i znalazło odzwierciedlenie w jego sztuce. Kim byli ci ludzie? Byli to ludzie trzeciego stanu, którzy odnieśli zwycięstwo gospodarcze i polityczne nad panami feudalnymi, bezpośrednimi potomkami średniowiecznych mieszczan, którzy z kolei wywodzili się ze średniowiecznych chłopów przenoszących się do miast.

Ideałem staje się obraz samokreującego się uniwersalnego człowieka – tytana myśli i czynu. W estetyce renesansu zjawisko to nazywa się tytanizmem. Człowiek renesansu myślał o sobie przede wszystkim jako o twórcy i artyście, jak o tej absolutnej osobowości, której stworzenie sam rozpoznał.

Od XIV wieku. Przedstawiciele kultury w całej Europie byli przekonani, że przeżywają „nową erę”, „nowoczesność” (Vasari). Odczucie dokonującej się „przemiany” miało charakter intelektualno-emocjonalny i niemal religijny.

Historia kultury europejskiej zawdzięcza pojawieniu się humanizmu we wczesnym renesansie. Działa jako filozoficzny i praktyczny typ kultury renesansowej. Można powiedzieć, że renesans jest teorią i praktyką humanizmu. Rozwijając pojęcie humanizmu, należy przede wszystkim podkreślić, że humanizm jest świadomością wolnomyślną i całkowicie świeckim indywidualizmem.

Era wczesnego renesansu to czas szybkiego zmniejszania się dystansu między Bogiem a osobowością człowieka. Wszystkie niedostępne przedmioty kultu religijnego, które w średniowiecznym chrześcijaństwie wymagały absolutnej czystości wobec siebie, stają się w renesansie czymś bardzo dostępnym i psychologicznie niezwykle bliskim. Przytoczmy dla przykładu te słowa Chrystusa, którymi według autora jednego z ówczesnych dzieł literackich zwracał się do ówczesnej zakonnicy: „Usiądź, kochana moja, chcę się tobą napić. Moja ukochana, moja piękna, kochana, masz miód pod językiem... Twoje usta pachną różą, twoje ciało pachnie fiołkiem... Ogarnęłaś mnie jak młoda dama, która przyłapała młodego pana w pokój... Gdyby tylko moje cierpienie i moja śmierć mogły zostać odkupione jedynie za wasze grzechy, nie żałowałbym męki, której musiałem doświadczyć” 1.

Wczesny renesans to czas malarstwa eksperymentalnego. Doświadczyć świata w nowy sposób oznaczało przede wszystkim zobaczyć go w nowy sposób. Postrzeganie rzeczywistości jest weryfikowane przez doświadczenie i kontrolowane przez rozum. Początkowym pragnieniem ówczesnych artystów było przedstawienie sposobu, w jaki widzimy, jak lustro „przedstawia” powierzchnię. Jak na tamte czasy był to prawdziwy rewolucyjny zamach stanu.

Renesans w malarstwie i sztukach plastycznych po raz pierwszy odsłonił na Zachodzie cały dramat gestów i całe jego nasycenie wewnętrznymi przeżyciami ludzkiej osobowości. Ludzka twarz przestała być odbiciem nieziemskich ideałów, ale stała się odurzającą i nieskończenie zachwycającą sferą osobistych wypowiedzi na temat całej nieskończonej gamy wszelkiego rodzaju uczuć, nastrojów, stanów.

Wczesny renesans to czas malarstwa eksperymentalnego. Doświadczyć świata w nowy sposób oznaczało przede wszystkim zobaczyć go w nowy sposób. Postrzeganie rzeczywistości jest weryfikowane przez doświadczenie i kontrolowane przez rozum. Początkowym pragnieniem ówczesnych artystów było przedstawienie sposobu, w jaki widzimy, jak lustro „przedstawia” powierzchnię. Jak na tamte czasy był to prawdziwy rewolucyjny zamach stanu.

Geometria, matematyka, anatomia i badanie proporcji ludzkiego ciała mają ogromne znaczenie dla artystów tamtych czasów. Artysta wczesnego renesansu liczył i mierzył, uzbroił się w kompas i pion, rysował linie perspektywiczne i punkt zbiegu, trzeźwym spojrzeniem anatoma badał mechanizm ruchów ciała, klasyfikował ruchy namiętności.

Renesans w malarstwie i sztukach plastycznych po raz pierwszy odsłonił na Zachodzie cały dramatyzm gestów i całe jego nasycenie wewnętrznymi przeżyciami ludzkiej osobowości. Ludzka twarz przestała być odbiciem nieziemskich ideałów, ale stała się odurzającą i nieskończenie zachwycającą sferą osobistych wypowiedzi na temat całej nieskończonej gamy wszelkiego rodzaju uczuć, nastrojów i stanów.

2. CECHY WIEKU RENESANSU. ZASADY HUMANIZMU W KULTURZE EUROPEJSKIEJ. RENESANSOWY IDEAŁ CZŁOWIEKA

Odrodzenie dokonało się samoistnie, przede wszystkim w sferze twórczości artystycznej. Jako epoka w historii Europy odznaczała się wieloma znaczącymi kamieniami milowymi, w tym wzmocnieniem swobód gospodarczych i społecznych miast, fermentem duchowym, który ostatecznie doprowadził do reformacji i kontrreformacji, wojny chłopskiej w Niemczech, powstania monarchia absolutystyczna (największa we Francji), początek ery wielkich odkryć geograficznych, wynalezienie druku europejskiego, odkrycie układu heliocentrycznego w kosmologii itp. Jednak jej pierwszym znakiem, jak wydawało się współczesnym, był „rozkwit sztuki” po długich wiekach średniowiecznego „upadku”, rozkwit, który „ożywił” starożytną mądrość artystyczną, właśnie w tym sensie słowo rinascita (od którego wywodzi się francuski renesans i wszystkie jego europejskie odpowiedniki) było po raz pierwszy użyty przez G. Vasariego.

Jednocześnie twórczość artystyczna, a zwłaszcza sztuki piękne, są obecnie rozumiane jako uniwersalny język, który pozwala zrozumieć tajemnice „boskiej natury”. Naśladując naturę, odtwarzając ją nie w średniowieczny, konwencjonalny sposób, ale w sposób naturalny, artysta wchodzi w rywalizację z Najwyższym Stwórcą. Sztuka jawi się w równym stopniu jako laboratorium, jak i świątynia, gdzie ścieżki wiedzy przyrodniczej i wiedzy o Bogu (a także zmysł estetyczny, „zmysł piękna”, który najpierw kształtuje się w swej ostatecznej, wewnętrznej wartości) nieustannie przecinać.

Uniwersalne postulaty sztuki, która w idealnym przypadku powinna być „dostępna dla wszystkiego”, są bardzo bliskie zasadom nowej filozofii renesansu. Jej najwięksi przedstawiciele – Mikołaj z Kuzy, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola, Paracelsus, Giordano Bruno – skupiają swoje refleksje na problemie twórczości duchowej, która obejmując wszystkie sfery istnienia, tym samym swoją nieskończoną energią udowadnia słuszność nazywać człowieka „drugim bogiem” lub „jak byłby bogiem”. Takie dążenia intelektualne i twórcze mogą obejmować – obok starożytnej i biblijnej tradycji ewangelickiej – elementy czysto nieortodoksyjne gnostycyzmu i magii (tzw. „magia naturalna”, łącząca filozofię przyrody z astrologią, alchemią i innymi dyscyplinami okultystycznymi, w tych stuleciach jest ściśle powiązane z początkami nowej, eksperymentalnej nauki przyrodniczej). Jednakże problematyka człowieka (czy świadomości ludzkiej) i jego zakorzenienia w Bogu pozostaje nadal wspólna dla wszystkich, choć wnioski z niego płynące mogą mieć zupełnie inny charakter, zarówno kompromisowo-umiarkowany, jak i śmiały charakter „heretyczny” 1 .

Świadomość jest w stanie wyboru - poświęcone są jej zarówno medytacje filozofów, jak i przemówienia postaci religijnych wszystkich wyznań: od przywódców reformacji M. Lutra i J. Kalwina, czy Erazma z Rotterdamu (głoszącego „trzecią drogę” tolerancji chrześcijańsko-humanistycznej) do Ignacego Loyoli, założyciela zakonu jezuitów, jednego z inspiratorów kontrreformacji. Co więcej, samo pojęcie „renesansu” ma – w kontekście reform kościelnych – drugie znaczenie, oznaczające nie tylko „odnowę sztuki”, ale „odnowę człowieka”, jego moralnego składu.

Zadanie wychowania „nowego człowieka” uznawane jest za główne zadanie epoki. Greckie słowo („edukacja”) jest najwyraźniejszym odpowiednikiem łacińskiego humanitas (skąd pochodzi „humanizm”).

Termin „humanizm” (jego łacińska forma to studia humanitatis) został wprowadzony przez „nowych ludzi” wczesnego renesansu, dokonujących na swój sposób reinterpretacji starożytnego filozofa i mówcy Cycerona, dla którego termin ten oznaczał kompletność i nierozdzielność różnorodnych natura człowieka. W zatwierdzonym systemie wartości i kulturze duchowej jako całości na pierwszy plan wysuwają się idee humanizmu. Zapożyczona od Cycerona (I w. p.n.e.), który nazwał humanizm najwyższym kulturowym i moralnym rozwojem ludzkich możliwości, zasada ta najpełniej wyrażała główną orientację kultury europejskiej XIV-XVI wieku.

Humanizm rozwija się jako ruch ideologiczny, zdobywa kręgi kupieckie, znajduje ludzi o podobnych poglądach na dworach tyranów, przenika do najwyższych sfer religijnych – do urzędu papieskiego, staje się potężną bronią polityków, zadomowia się wśród mas, pozostawia głęboko zakorzenił się w poezji ludowej, architekturze, dostarcza bogatego materiału badawczego artystom i rzeźbiarzom. Wyłania się nowa, świecka inteligencja. Jej przedstawiciele organizują koła, wykładają na uniwersytetach i są najbliższymi doradcami władców.

Humaniści wnoszą do kultury duchowej wolność osądu, niezależność od władz i śmiałego ducha krytycznego. Są pełni wiary w nieograniczone możliwości człowieka i potwierdzają to w licznych przemówieniach i traktatach. Dla humanistów nie istnieje już hierarchiczne społeczeństwo, w którym osoba jest jedynie wyrazicielem „interesów klasy”. Sprzeciwiają się wszelkiej cenzurze, zwłaszcza cenzurze kościelnej.

Humaniści wyrażają wymóg sytuacji historycznej - tworzą osobę przedsiębiorczą, aktywną, przedsiębiorczą. Człowiek już sam kształtuje swój los i Opatrzność Pana nie ma z tym nic wspólnego. Człowiek żyje według własnego zrozumienia, jest „uwolniony” (N. Bierdiajew).

Humanizm jako zasada kultury renesansu i jako szeroki ruch społeczny opiera się na antropocentrycznym obrazie świata; w całej sferze ideologicznej ustanawia się nowe centrum – potężna i piękna osobowość.

Kładzie kamień węgielny pod nowy światopogląd Dantego Alighieri(1265-1321) - „ostatni poeta średniowiecza i zarazem pierwszy poeta czasów nowożytnych” (F. Engels). Wielka synteza poezji, filozofii, teologii i nauki stworzona przez Dantego w „Boskiej komedii” jest zarówno efektem rozwoju kultury średniowiecznej, jak i podejścia do nowej kultury renesansu. Wiara w ziemskie przeznaczenie człowieka, w jego zdolność do samodzielnego dokonania ziemskiego wyczynu, pozwoliła Dantemu uczynić z Boskiej Komedii pierwszy hymn na cześć godności człowieka. Ze wszystkich przejawów mądrości Bożej człowiek jest dla niego „największym cudem” 1.

Humanitas w koncepcji renesansu oznacza nie tylko opanowanie starożytnej mądrości, do której przywiązywano wielką wagę, ale także samopoznanie i samodoskonalenie. Humanitarno-naukowe i ludzkie, edukacyjne i codzienne doświadczenie muszą zostać zjednoczone w stanie idealnego virtu (w języku włoskim zarówno „cnota”, jak i „męstwo” – dzięki czemu słowo to ma średniowieczną konotację rycerską). Odzwierciedlając w naturalny sposób te ideały, sztuka renesansu nadaje aspiracjom edukacyjnym epoki przekonującą i zmysłową klarowność.

Starożytność (czyli dziedzictwo starożytne), średniowiecze (z ich religijnością, a także świeckim kodeksem honorowym) i czasy nowożytne (które w centrum zainteresowań umieściły ludzki umysł i jego twórczą energię) znajdują się tu w stan wrażliwego i ciągłego dialogu

Duże znaczenie praktyczne ma teoria perspektywy liniowej i powietrznej, proporcji, zagadnień anatomii oraz modelowania światła i cienia. Centrum renesansowych innowacji, artystyczne „zwierciadło epoki”, stanowiło iluzoryczne, realistyczne malarstwo, w sztuce sakralnej zastępuje ikonę, w sztuce świeckiej daje początek niezależnym gatunkom pejzażu, malarstwa codziennego i portretu (tzw. ten ostatni odegrał pierwszorzędną rolę w wizualnej afirmacji ideałów humanistycznego virtu).

Sztuka grawerowania w drewnie i metalu, która w okresie reformacji stała się prawdziwie rozpowszechniona, zyskuje ostateczną, samoistną wartość. Czerpanie z roboczego szkicu zamienia się w odrębny rodzaj kreatywności; indywidualny styl kreski, kreski, a także faktura i efekt niekompletności (non-finito) zaczynają być cenione jako niezależne efekty artystyczne.

Malarstwo monumentalne także staje się malownicze, iluzoryczne i trójwymiarowe, zyskując większą wizualną niezależność od masy muru. Wszystkie rodzaje sztuk pięknych w ten czy inny sposób naruszają monolityczną średniowieczną syntezę (gdzie dominowała architektura), uzyskując względną niezależność. Powstają rodzaje posągów absolutnie okrągłych, pomników jeździeckich i popiersi portretowych (pod wieloma względami wskrzeszających tradycję starożytną), wyłania się zupełnie nowy typ uroczystych nagrobków rzeźbiarskich i architektonicznych.

Starożytny system porządku wyznacza nową architekturę, której głównymi typami są harmonijnie przejrzysty w proporcjach, a jednocześnie wymowny plastycznie pałac i świątynia (architektów szczególnie fascynuje idea budowli świątynnej skupionej w planie). Charakterystyczne dla renesansu utopijne marzenia nie znajdują pełnego urzeczywistnienia w urbanistyce, ale w ukryciu inspirują nowe zespoły architektoniczne, których zakres podkreśla raczej „ziemskie”, zorganizowane centralnie i perspektywicznie uporządkowane horyzonty, niż gotyckie aspiracje pionowe w górę.

Różne rodzaje sztuki dekoracyjnej, a także moda, nabierają szczególnej, na swój sposób, „malarskiej” malowniczości. Wśród ozdób groteska odgrywa szczególnie ważną rolę semantyczną.

W literaturze umiłowanie łaciny jako uniwersalnego języka nauk humanistycznych (próbującego przywrócić jej dawne bogactwo wyrazowe) współistnieje ze stylistycznym doskonaleniem języków narodowych, ludowych. Powieść miejska i powieść łotrzykowa najwyraźniej wyrażają żywy i zabawny uniwersalizm osobowości renesansu, który wydaje się być wszędzie na swoim miejscu

Główne etapy i gatunki literatury renesansowej są związane z ewolucją koncepcji humanistycznych w okresie wczesnego, wysokiego i późnego renesansu. Literaturę wczesnego renesansu cechuje opowiadanie, zwłaszcza komediowe (Boccaccio), o orientacji antyfeudalnej, gloryfikujące przedsiębiorczą i wolną od uprzedzeń osobowość. Wysoki renesans charakteryzował się rozkwitem poematu heroicznego (we Włoszech - L. Pulci, F. Verni, w Hiszpanii - L. Camoes), którego wątki przygodowo-rycerskie poetykowały renesansową ideę człowieka urodzonego do wielkich czynów .

Dzieło to stanowiło oryginalną epopeję wysokiego renesansu, kompleksowy obraz społeczeństwa i jego bohaterskich ideałów w formie baśni ludowej i komiksu filozoficzno-filozoficznego F. Rabelais „Gargantua i Pantagruel”. W późnym renesansie, charakteryzującym się kryzysem koncepcji humanizmu i powstaniem prozaizmu w rodzącym się społeczeństwie burżuazyjnym, rozwinęły się duszpasterskie gatunki powieści i dramatu. Najwyższy wzniesienie późnego renesansu - dramaty Szekspira i powieści Cervantesa, opiera się na tragicznych lub tragikomicznych konfliktach pomiędzy bohaterską osobowością a niegodnym osoby systemem życia społecznego.

Cechą charakterystyczną epoki jest także powieść jako taka i poemat heroiczny (ściśle związany ze średniowieczną tradycją awanturniczo-rycerską), poezja i proza ​​satyryczna (wizerunek mądrego błazna zyskuje obecnie centralne znaczenie), różnorodne teksty miłosne i pastoralne. popularny temat międzygatunkowy. W teatrze, na tle szybkiego rozwoju różnych form dramatu, wyróżniają się wspaniałe ekstrawagancje dworskie i festiwale miejskie, dające początek barwnym syntezom sztuk.

Już we wczesnym renesansie polifonia muzyczna o ścisłym stylu osiągnęła swój szczyt. Techniki kompozytorskie stały się bardziej złożone, dając początek wczesnym formom opery, oratorium, uwertury, suity i sonaty. Obok kultury religijnej coraz większą rolę odgrywa profesjonalna świecka kultura muzyczna - ściśle związana z folklorem.

W okresie renesansu muzyka profesjonalna straciła charakter czysto kościelny i znalazła się pod wpływem muzyki ludowej, przesiąkniętej nowym humanistycznym światopoglądem. Pojawiły się różne gatunki świeckiej sztuki muzycznej: frottola i villanella we Włoszech, villancico w Hiszpanii, ballada w Anglii, madrygal, który powstał we Włoszech, ale stał się powszechny. Świeckie aspiracje humanistyczne przenikają także do muzyki religijnej. Powstają nowe gatunki muzyki instrumentalnej, powstają narodowe szkoły gry na lutni i organach. Renesans kończy się wraz z pojawieniem się nowych gatunków muzycznych - pieśni solowych, oratoriów, opery.

Barok, który dziedziczy renesans, jest ściśle związany z jego późniejszymi fazami: szereg kluczowych postaci kultury europejskiej, w tym Cervantes i Szekspir, należy pod tym względem zarówno do renesansu, jak i do baroku.

Humanizm, odwołanie do dziedzictwa kulturowego starożytności, swego rodzaju jego „odrodzenie” (stąd nazwa). Renesans narodził się i najwyraźniej objawił we Włoszech, gdzie już na przełomie XIII – XIV wieku. jej zwiastunami byli poeta Dante, artysta Giotto i inni. Twórczość postaci renesansu przepojona była wiarą w nieograniczone możliwości człowieka, jego wolę i rozum oraz zaprzeczeniem scholastyki i ascezy (humanistycznej etyki Włochów). Lorenzo Valla, Pico della Mirandola itp.). Patos utwierdzania ideału harmonijnej, wyzwolonej osobowości twórczej, piękno i harmonia rzeczywistości, odwołanie się do człowieka jako najwyższej zasady istnienia, poczucie integralności i harmonijnych wzorców wszechświata nadają sztuce renesansu wielki ideowy charakter. znaczenie i majestatyczną, heroiczną skalę. W architekturze wiodącą rolę zaczęły odgrywać budynki świeckie - budynki użyteczności publicznej, pałace, kamienice. Stosując porządek podziału ścian, galerii łukowych, kolumnad, sklepień, kopuł, architekci (Brunelleschi, Alberti, Bramante, Palladio we Włoszech, Lescaut, Delorme we Francji) nadali swoim budynkom majestatyczną klarowność, harmonię i proporcjonalność dla człowieka. Artyści (Donatello, Masaccio, Piero della Francesca, Mantegna, Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian, Veronese, Tintoretto we Włoszech; Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Bruegel w Holandii; Durer, Niethardt, Holbein w Niemczech; Fouquet, Goujon, Clouet we Francji) konsekwentnie opanował artystyczne odzwierciedlenie całego bogactwa rzeczywistości – przeniesienia objętości, przestrzeni, światła, obrazu postaci ludzkiej (w tym nagiej) oraz rzeczywistego otoczenia – wnętrza, krajobrazu. Literatura renesansu stworzyła takie pomniki o trwałej wartości, jak „Gargantua i Pantagruel” (1533-52) Rabelais, dramaty Szekspira, powieść „Don Kichot” (1605-15) Cervantesa itp., które organicznie łączyły zainteresowania w starożytności z odwołaniem do kultury ludowej, patosu komicznej i tragicznej egzystencji. Sonety Petrarki, opowiadania Boccaccia, poemat bohaterski Ariosto, groteska filozoficzna (traktat Erazma z Rotterdamu „Pochwała szaleństwa”, 1511), eseje Montaigne’a ucieleśniały idee renesansu w różnych gatunkach, formach indywidualnych i wariantach narodowych. W muzyce przepojonej humanistycznym światopoglądem rozwija się polifonia wokalna i instrumentalna, pojawiają się nowe gatunki świeckiej muzyki wokalnej (frottola i villanelle we Włoszech, villancico w Hiszpanii, ballada w Anglii, madrygał) i muzyki instrumentalnej; Epoka kończy się wraz z pojawieniem się takich gatunków muzycznych jak pieśń solowa, kantata, oratorium i opera, co przyczyniło się do ugruntowania się homofonii.

Nasz rodak, wybitny znawca włoskiego renesansu, P. Muratow, tak o tym pisał: „Nigdy ludzkość nie była tak beztroska w stosunku do przyczyn rzeczy i nigdy nie była tak wrażliwa na ich zjawiska. Świat jest dany człowiekowi, a ponieważ jest światem małym, wszystko w nim jest cenne, każdy ruch naszego ciała, każdy skręt liścia winogrona, każda perła w kobiecej sukni. W oczach artysty w spektaklu życia nie było nic małego i nieistotnego. Wszystko było dla niego przedmiotem wiedzy.” 1

W okresie renesansu rozpowszechniły się idee filozoficzne neoplatonizmu (Ficino) i panteizmu (Patrici, Bruno itp.), dokonano wybitnych odkryć naukowych w dziedzinie geografii (Wielkie Odkrycia Geograficzne), astronomii (rozwój przez Kopernika układu heliocentrycznego świat) i anatomii (Vesalius).

Artyści renesansu opracowali zasady i odkryli prawa bezpośredniej perspektywy liniowej. Twórcami teorii perspektywy byli Brunelleschi, Masaccio, Alberta, Leonardo da Vinci. Konstruowany perspektywicznie cały obraz staje się oknem, przez które patrzymy na świat. Przestrzeń rozwija się w głąb płynnie, niezauważalnie przepływając z jednej płaszczyzny na drugą. Odkrycie perspektywy było ważne: pozwoliło poszerzyć zakres przedstawianych zjawisk i włączyć do malarstwa przestrzeń, pejzaż i architekturę.

Połączenie naukowca i artysty w jednej osobie, w jednej osobowości twórczej było możliwe w okresie renesansu, a później stało się niemożliwe. Mistrzowie renesansu często nazywani są Tytanami, ze względu na ich wszechstronność. „To była epoka, która potrzebowała tytanów i zrodziła ich w sile myśli, pasji i charakterze, w wszechstronności i wiedzy” 1, pisał F. Engels .

3. wybitne osobistości renesansu

Jest rzeczą naturalną, że czas, który przywiązywał centralne znaczenie do „boskiej” twórczości ludzkiej, wyłonił w sztuce osobowości, które przy całym bogactwie ówczesnych talentów stały się uosobieniem całych epok kultury narodowej (osobiste „tytani”, jak je później romantycznie nazywano). Giotto stał się uosobieniem Protorenesansu; przeciwne aspekty Quattrocento – konstruktywna surowość i uduchowiony liryzm – wyrażali odpowiednio Masaccio, Fra Angelico i Botticelli. „Tytani” średniego (lub „wysokiego”) renesansu Leonardo da Vinci, Rafael i Michał Anioł to artyści – symbole wielkiego przełomu New Age jako takiego. Najważniejsze etapy architektury włoskiego renesansu - wczesny, średni i późny - są monumentalnie ucieleśnione w dziełach F. Brunelleschiego, D. Bramante i A. Palladio. J. Van Eyck, I. Bosch i P. Bruegel Starszy uosabiają w swojej twórczości wczesne, środkowe i późne etapy malarstwa holenderskiego renesansu. A. Dürer, Grunewald (M. Niethardt), L. Cranach Starszy, H. Holbein Młodszy ustalili zasady nowej sztuki pięknej w Niemczech. W literaturze F. Petrarka, F. Rabelais, Cervantes i W. Shakespeare – żeby wymienić tylko największe nazwiska – nie tylko wnieśli wyjątkowy, iście epokowy wkład w proces kształtowania się narodowych języków literackich, ale stali się założycielami współczesny liryzm, powieść i dramat jako takie.

Nazwisko Sandro Botticellego jest znane na całym świecie, podobnie jak nazwisko jednego z najwybitniejszych artystów włoskiego renesansu. Sandro Botticelli urodził się w 1444 (lub 1445) w rodzinie garbarza, obywatela Florencji Mariano Filippepi. Sandro był najmłodszym, czwartym synem Filippepi. W 1458 roku ojciec, przekazując informacje o swoich dzieciach do ewidencji podatkowej, donosi, że jego trzynastoletni syn Sandro uczy się czytać i że jest w złym stanie zdrowia. Niestety prawie nic nie wiadomo o tym, gdzie i kiedy Sandro odbył szkolenie artystyczne i czy, jak podają stare źródła, rzeczywiście najpierw studiował biżuterię, a potem zaczął malować. Najwyraźniej był uczniem słynnego malarza Philippe'a Lippiego, w którego warsztacie mógł pracować w latach 1465-1467. Możliwe jest również, że Botticelli przez jakiś czas, w latach 1468 i 1469, pracował dla innego znanego florenckiego malarza i rzeźbiarza, Andrei Verrocchio. W 1470 roku posiadał już własny warsztat i samodzielnie wykonywał otrzymane zlecenia. Urok sztuki Botticellego zawsze pozostaje nieco tajemniczy. Jego prace wywołują wrażenie, jakiego nie wywołują dzieła innych mistrzów. Twórczość Botticellego w ciągu ostatnich stu lat po jego „odkryciu” okazała się zbyt przeładowana wszelkiego rodzaju skojarzeniami literackimi, filozoficznymi, religijnymi i komentarzami, którymi obdarowywali go krytycy i historycy sztuki. Każde nowe pokolenie badaczy i wielbicieli próbowało znaleźć w obrazach Botticellego uzasadnienie własnych poglądów na życie i sztukę. Niektórzy postrzegali Botticellego jako pogodnego epikurejczyka, inni jako wzniosłego mistyka, czasem jego twórczość postrzegana była jako naiwna prymitywność, innym razem jako dosłowna ilustracja najbardziej wyrafinowanych idei filozoficznych, niektórzy poszukiwali niezwykle zagadkowych interpretacji wątków swoich dzieł inni byli zainteresowani jedynie osobliwościami ich struktury formalnej. Każdy znalazł inne wyjaśnienie obrazów Botticellego, ale nie pozostawiło to nikogo obojętnym. Botticelli był gorszy od wielu artystów XV wieku, niektórzy pod względem odważnej energii, inni pod względem prawdziwej dokładności szczegółów. Jego obrazy (z bardzo nielicznymi wyjątkami) pozbawione są monumentalności i dramatyzmu, ich przesadnie krucha forma jest zawsze nieco konwencjonalna. Ale jak żaden inny malarz XV wieku Botticelli był obdarzony zdolnością do najbardziej subtelnego, poetyckiego rozumienia życia. Po raz pierwszy udało mu się przekazać subtelne niuanse ludzkich doświadczeń. Radosne podniecenie zastępuje w jego obrazach melancholijna senność, porywy zabawy – bolesna melancholia, spokojna kontemplacja – niepohamowaną namiętność. Co niezwykłe jak na swoje czasy, Botticelli odczuwał nie dające się pogodzić sprzeczności życia – sprzeczności społeczne i sprzeczności własnej osobowości twórczej – co pozostawiło jasny ślad w jego twórczości. Niespokojna, wyrafinowana emocjonalnie i subiektywna, ale jednocześnie nieskończenie ludzka, sztuka Botticellego była jednym z najbardziej oryginalnych przejawów renesansowego humanizmu. Botticelli zaktualizował i wzbogacił racjonalistyczny świat duchowy ludzi renesansu swoimi poetyckimi obrazami. W formacji ideowej artysty decydującą rolę odegrały dwa momenty – bliskość humanistycznego kręgu Wawrzyńca „Wspaniałego” Medyceusza, faktycznego władcy Florencji oraz zamiłowanie do kazań religijnych dominikanina Savonaroli, który po wypędzenie Medyceuszy, stał się na pewien czas duchowym i politycznym przywódcą Republiki Florenckiej. Wyrafinowana radość życia i sztuki na dworze Medyceuszy oraz surowa asceza Savonaroli – to dwa bieguny, pomiędzy którymi przebiegała twórcza ścieżka Botticellego. Botticelli przez wiele lat utrzymywał przyjazne stosunki z rodziną Medici; wielokrotnie pracował na zlecenie Wawrzyńca Wspaniałego. Szczególnie bliski był mu kuzyn władcy florenckiego Lorenza di Pierfrancesco Medici, dla którego namalował swoje słynne obrazy „Wiosna” i „Narodziny Wenus”, a także wykonał ilustracje do nich. Boska Komedia". Nowy kierunek artystyczny Botticellego znalazł swój skrajny wyraz w ostatnim okresie jego twórczości, w dziełach z lat 90. XIV i początku XVI wieku. Tutaj techniki przesady i dysonansu stają się niemal nie do zniesienia (np. „Cud św. Zenobiusza”). Artysta albo zanurza się w otchłań beznadziejnego smutku („Pieta”), albo poddaje się oświeconemu uniesieniu („Komunia św. Hieronima”). Jego styl malarski jest uproszczony niemal do konwencji ikonograficznych, odznacza się pewnym naiwnym powściągliwością. Zarówno rysunek doprowadzony do granic prostoty, jak i kolor z ostrymi kontrastami lokalnych barw są całkowicie podporządkowane planarnemu linearnemu rytmowi. Obrazy zdają się tracić swą realną, ziemską powłokę, pełniąc rolę mistycznych symboli. A jednak w tej na wskroś religijnej sztuce pierwiastek ludzki przenika z ogromną siłą. Nigdy wcześniej artysta nie włożył w swoje prace tak wiele osobistych uczuć; nigdy wcześniej jego obrazy nie miały tak wysokiego znaczenia moralnego. Przez ostatnie pięć lat swojego życia Botticelli w ogóle nie pracował. W twórczości z lat 1500-1505 jego sztuka osiągnęła punkt krytyczny. Upadek umiejętności realistycznej, a wraz z nim szorstkość stylu nieuchronnie świadczyły o tym, że artysta znalazł się w ślepym zaułku, z którego nie było dla niego wyjścia. W niezgodzie z samym sobą wyczerpał swój potencjał twórczy. Zapomniany przez wszystkich, żył jeszcze przez kilka lat w biedzie, zapewne z gorzkim zdziwieniem obserwując otaczające go nowe życie i nową sztukę. Wraz ze śmiercią Botticellego kończy się historia malarstwa florenckiego wczesnego renesansu - prawdziwej wiosny włoskiej kultury artystycznej. Botticelli, współczesny Leonardo, Michałowi Aniołowi i młodemu Rafaelowi, pozostawał obcy ich klasycznym ideałom. Jako artysta należał całkowicie do XV wieku i nie miał bezpośrednich następców w malarstwie wysokiego renesansu. Jednak jego sztuka nie umarła wraz z nim. Była to pierwsza próba odsłonięcia duchowego świata człowieka, nieśmiała próba, która zakończyła się tragicznie, ale która przez pokolenia i stulecia znalazła swoje nieskończenie wieloaspektowe odbicie w twórczości innych mistrzów. Sztuka Botticellego to poetyckie wyznanie wielkiego artysty, które podnieca i zawsze będzie podniecać serca ludzi.

Leonardo da Vinci(1452-1519) był malarzem, rzeźbiarzem, architektem, pisarzem, muzykiem, teoretykiem sztuki, inżynierem wojskowym, wynalazcą, matematykiem, anatomem, botanikiem. Zgłębiał niemal wszystkie dziedziny nauk przyrodniczych i przewidywał wiele rzeczy, o których wówczas jeszcze nie myślano.

Kiedy zaczęto porządkować jego rękopisy i niezliczone rysunki, odkryto w nich odkrycia XIX-wiecznej mechaniki. Vasari pisał z podziwem o Leonardo da Vinci:

„... Było w nim tyle talentu... i był on tak wielki, że bez względu na trudności, jakie napotykał jego duch, rozwiązywał je z łatwością... Jego myśli i aspiracje były zawsze królewskie i wspaniałomyślne, a chwała Jego imienia wzrosła tak bardzo, że doceniono Go nie tylko w swoich czasach, ale i po śmierci” 1.

Nie jest łatwo w historii ludzkości znaleźć drugą osobę tak błyskotliwą jak twórca sztuki wysokiego renesansu, Leonardo da Vinci (1452 - 1519). Kompleksowość działalności tego wielkiego artysty i naukowca stała się jasna dopiero po zbadaniu rozproszonych rękopisów pochodzących z jego spuścizny. Leonardowi poświęcono ogromną ilość literatury, a jego życie szczegółowo zbadano. A jednak znaczna część jego prac pozostaje tajemnicza i nadal ekscytuje ludzkie umysły. Leonardo Da Vinci urodził się we wsi Anchiano niedaleko Vinci: niedaleko Florencji; był nieślubnym synem bogatego notariusza i prostej wieśniaczki. Widząc niezwykłe zdolności malarskie chłopca, ojciec wysłał go do warsztatu Andrei Verrocchio. Na obrazie nauczyciela „Chrzest Chrystusa” postać uduchowionego blond anioła należy do pędzla młodego Leonarda. Do jego wczesnych dzieł należy obraz „Kwiatowa Madonna” (1472). W przeciwieństwie do mistrzów XY wieku. Leonardo odrzucił narrację, wykorzystanie detali odwracających uwagę widza, nasyconych obrazami tła. Obraz odbierany jest jako prosta, pozbawiona plastyki scena radosnego macierzyństwa młodej Maryi. Leonardo dużo eksperymentował w poszukiwaniu różnych kompozycji farb; jako jeden z pierwszych we Włoszech przeszedł od malarstwa temperowego do malarstwa olejnego. „Madonna z kwiatem” została wykonana właśnie w tej, wówczas jeszcze rzadkiej, technice. Pracując we Florencji, Leonardo nie znalazł zastosowania dla swoich mocy ani jako naukowiec-inżynier, ani jako malarz: niezwykłe wyrafinowanie kultury i sama atmosfera dworu Lorenza de' Medici pozostawały mu głęboko obce. Około 1482 roku Leonardo wszedł na służbę księcia Mediolanu Lodovico Moro. Mistrz polecał się przede wszystkim jako inżynier wojskowy, architekt, specjalista w dziedzinie hydrotechniki, a dopiero potem jako malarz i rzeźbiarz. Jednak najbardziej owocny okazał się pierwszy mediolański okres twórczości Leonarda (1482 – 1499). Mistrz stał się najsłynniejszym artystą we Włoszech, studiował architekturę i rzeźbę, zajął się freskami i obrazami ołtarzowymi. Leonardo nie był w stanie zrealizować wszystkich swoich wspaniałych planów, w tym projektów architektonicznych. Wykonanie pomnika konnego Francesco Sforzy, ojca Lodovico Moro: trwało ponad dziesięć lat, ale nigdy nie został odlany z brązu. Naturalnej wielkości gliniany model pomnika, ustawiony na jednym z dziedzińców zamku książęcego, został zniszczony przez wojska francuskie, które zdobyły Mediolan. Jest to jedyne większe dzieło rzeźbiarskie Leonarda da Vinci, które cieszyło się dużym uznaniem wśród jego współczesnych. Do dziś zachowały się obrazy Leonarda z okresu mediolańskiego. Pierwszą kompozycją ołtarzową okresu wysokiego renesansu była „Madonna w grocie” (1483 – 1494). Malarz odszedł od tradycji XV wieku: w obrazach religijnych dominowała uroczysta powściągliwość. W ołtarzu Leonarda znajduje się kilka postaci: kobieca Maria, Dzieciątko Chrystus błogosławiące małego Jana Chrzciciela i klęczący anioł, jakby wyglądający z obrazu. Obrazy są idealnie piękne, naturalnie powiązane z otoczeniem. To jak grota wśród ciemnych bazaltowych skał ze szczeliną w głębinach - ogólnie fantastycznie tajemniczy krajobraz typowy dla Leonarda. Postacie i twarze spowija zwiewna mgła, nadając im szczególną miękkość. Włosi nazwali tę technikę Leonardo sfumato. Najwyraźniej w Mediolanie mistrz stworzył obraz „Madonna z Dzieciątkiem” („Madonna Litta”). Tutaj, w przeciwieństwie do „Madonny z kwiatem”, dążył do większego uogólnienia idealności obrazu. Ukazany jest nie konkretny moment, ale pewien długotrwały stan spokojnej radości, w którym zanurzona jest młoda piękna kobieta. Zimne, przejrzyste światło oświetla jej szczupłą, miękką twarz z na wpół spuszczonym wzrokiem i lekkim, ledwo zauważalnym uśmiechem. Obraz namalowano temperą, nadając dźwięczność odcieniom błękitnego płaszcza i czerwonej sukni Marii. Puszyste, ciemnozłote kręcone włosy Dziecka są niesamowicie ukazane, a jego uważne spojrzenie skierowane na widza nie jest dziecinnie poważne. Kiedy Mediolan został zajęty przez wojska francuskie w 1499 r., Leonardo opuścił miasto. Rozpoczął się czas jego wędrówki. Przez pewien czas pracował we Florencji. Tam dzieło Leonarda zdawało się być oświetlone jasnym blaskiem: namalował portret Mony Lisy, żony bogatego florenckiego Francesco di Giocondo (około 1503). Portret znany jako „La Gioconda” stał się jednym z najsłynniejszych dzieł malarstwa światowego. Niewielki portret młodej kobiety spowitej zwiewną mgłą, siedzącej na tle niebieskozielonego krajobrazu, jest pełen tak żywej i delikatnej drżenia, że ​​według Vasariego widać puls bijący w zagłębieniu szyja Mony Lisy. Wydawałoby się, że obraz jest łatwy do zrozumienia. Tymczasem w obszernej literaturze poświęconej La Giocondzie ścierają się najbardziej przeciwstawne interpretacje obrazu stworzonego przez Leonarda. W historii sztuki światowej są dzieła obdarzone przedziwną, tajemniczą i magiczną mocą. Trudno to wytłumaczyć, nie da się tego opisać. Wśród nich jedno z pierwszych miejsc zajmuje wizerunek Mony Lisy. Najwyraźniej była osobą niezwykłą, o silnej woli, inteligentną i integralną z natury. Leonardo zainwestował w jej niesamowite spojrzenie skierowane na widza, w jej słynny, pozornie ślizgający się, tajemniczy uśmiech, w jej naznaczoną niestabilną zmiennością wyrazu twarzy, ładunek takiej intelektualnej i duchowej mocy, która wyniosła jej wizerunek na nieosiągalną wysokość. W ostatnich latach swojego życia Leonardo da Vinci niewiele pracował jako artysta. Otrzymawszy zaproszenie od króla francuskiego Franciszka I, w 1517 roku wyjechał do Francji i został malarzem nadwornym. Wkrótce Leonardo zmarł. Na autoportrecie (1510-1515) siwobrody patriarcha o głębokim, żałobnym spojrzeniu wyglądał na znacznie starszego niż na swój wiek. Skalę i wyjątkowość talentu Leonarda można ocenić po jego rysunkach, które zajmują jedno z zaszczytnych miejsc w historii sztuki. Z rysunkami, szkicami, szkicami i diagramami Leonarda da Vinci nierozerwalnie związane są nie tylko rękopisy poświęcone naukom ścisłym, ale także prace z zakresu teorii sztuki. Dużo miejsca poświęcono zagadnieniom światłocienia, modelowania wolumetrycznego, perspektywy liniowej i powietrznej. Leonardo da Vinci jest właścicielem licznych odkryć, projektów i badań eksperymentalnych z zakresu matematyki, mechaniki i innych nauk przyrodniczych. Sztuka Leonarda da Vinci, jego badania naukowe i teoretyczne, wyjątkowość jego osobowości przeszły przez całą historię światowej kultury i nauki i wywarły ogromny wpływ.

Michał Anioł Buonarroti(1475-1564) – kolejny wielki mistrz renesansu, osoba wszechstronna, uniwersalna: rzeźbiarz, architekt, artysta, poeta. Poezja była najmłodszą z muz Michała Anioła. Dotarło do nas ponad 200 jego wierszy.

Wśród półbogów i tytanów wysokiego renesansu Michał Anioł zajmuje szczególne miejsce. Jako twórca nowej sztuki zasługuje na miano Prometeusza XVI wieku. Artysta, studiując potajemnie anatomię w klasztorze San Spirito, ukradł naturze święty ogień prawdziwej kreatywności. Jego cierpienie jest cierpieniem spętanego Prometeusza. Jego charakter, szalona kreatywność i inspiracja, jego protest przeciwko niewolnictwu ciała i ducha, jego pragnienie wolności przypominają biblijnych proroków. Podobnie jak oni był bezinteresowny, niezależny w stosunkach z potężnymi, życzliwy i protekcjonalny wobec słabych. Nie do pogodzenia i dumny, ponury i surowy, ucieleśniał wszystkie męki odrodzonego człowieka - jego walkę, cierpienie, protest, niezaspokojone aspiracje, rozdźwięk między ideałem a rzeczywistością. Michał Anioł był artystą innego rodzaju. Niż jego wielcy współcześni Leonardo i Raphael. Jego rzeźby i dzieła architektoniczne są surowe, można rzec, surowe, podobnie jak jego świat duchowy i dopiero zapierająca dech w piersiach wielkość i monumentalność, która przenika jego dzieła, pozwalają zapomnieć o tej surowości. Duchowy świat Michała Anioła zaćmiła nie tylko smutna samotność jego życia osobistego, ale także tragedia, która rozegrała się na jego oczach, a która dotknęła jego miasto, jego ojczyznę. Musiał do końca cierpieć to, czego Leonardo, Raphael i Machiavelli nie dożyli: zobaczyć, jak Florencja przekształciła się z wolnej republiki w księstwo Medyceuszy. Kiedy Michał Anioł stworzył popiersie tyranobójcy Brutusa, nadał zabójcy Cezara pewne własne cechy, jakby utożsamiał się ze starożytnym bojownikiem o wolność. Nienawidził Medyceuszy i podobnie jak Machiavelli o podobnych poglądach musiał służyć za pędzel i dłuto dwóm papieżom z rodu Medyceuszy. Jednak we wczesnej młodości pozostawał pod silnym wpływem atmosfery dworu Wawrzyńca Wspaniałego. Wraz ze swoim przyjacielem Granaccim udał się do ogrodów słynnej Villa Careggi, aby studiować i kopiować starożytne posągi. W tych posiadłościach Lorenzo zgromadził ogromne bogactwo sztuki starożytnej. Młode talenty kończyły tu swoją edukację pod okiem doświadczonych artystów i humanistów. Willa była szkołą w stylu starożytnej Grecji w Atenach. Duma młodego Michała Anioła ucierpiała ze świadomości przemożnej mocy tych tytanów sztuki. Ale ta myśl nie poniżyła go, lecz pobudziła do wytrwałości. Jego uwagę przykuła głowa fauna, pracujący w willi rzemieślnicy podarowali mu kawałek marmuru, a praca zaczęła się gotować w rękach szczęśliwego młodzieńca. Przecież trzymał w rękach cudowny materiał, w który mógł dłutem tchnąć życie. Kiedy dzieło było już prawie ukończone i mały artysta krytycznie przyjrzał się swojemu egzemplarzowi, zobaczył za sobą mężczyznę około 40-tki, dość brzydkiego, niedbale ubranego, który w milczeniu przyglądał się swojemu dziełu. Nieznajomy położył mu rękę na ramieniu i zauważył z lekkim uśmiechem: Prawdopodobnie chciałeś wcielić się w starego fauna, który głośno się śmieje? „Bez wątpienia jest to jasne” – odpowiedział Michał Anioł. - Wspaniały! – zawołał ze śmiechem. „Ale gdzie widziałeś starego człowieka, który miał wszystkie zęby!” Chłopak zarumienił się aż po białka oczu. Gdy tylko nieznajomy odszedł, uderzeniem dłuta wybił faunowi dwa zęby ze szczęki. Następnego dnia nie znalazł pracy w tym samym miejscu i zatrzymał się w myślach. Wczorajszy nieznajomy pojawił się ponownie i biorąc go za rękę, poprowadził do wewnętrznych komnat, gdzie pokazał mu tę głowę na wysokiej konsoli. Był to Lorenzo Medici i od tego momentu Michał Anioł pozostał w swoim pałacu, gdzie spędzał czas w towarzystwie poetów i naukowców, w tym wybranym kręgu Poliziano, Pico della Mirandola, Ficino i innych. Tutaj uczył się odlewania miedzi figurki. Za wzór posłużyły mu dzieła Donatello. W swoim stylu Michał Anioł wykonał płaskorzeźbę „Madonna ze schodów”. Pod wpływem Poliziano Michał Anioł studiował klasyczną starożytność w pobliżu żywej natury. Poliziano dał mu spisek mający na celu pomoc w bitwie centaurów, jak przedstawiono na starożytnych sarkofagach. Michał Anioł przeżył trzy lata w cudownej atmosferze dworu Medyceuszy; byłby to najszczęśliwszy czas, gdyby nie jedno wydarzenie. Niejaki Pietro Torrigiani, późniejszy słynny rzeźbiarz, w gniewie uderzył go z taką siłą, że blizna na nosie pozostała na zawsze. Wraz ze śmiercią Wawrzyńca Medycejskiego w 1492 roku chwała Florencji zaczęła umierać. Michał Anioł opuszcza Florencję i spędza 4 lata w Rzymie. W tym czasie stworzył Pietę, Bachusa i Kupidyna. Piękna marmurowa rzeźba, zwana Pietą, do dziś pozostaje pomnikiem pierwszego pobytu w Rzymie i pełnej dojrzałości 24-letniego artysty. Najświętsza Dziewica siedzi na kamieniu, na Jej kolanach spoczywa martwe ciało Jezusa, zdjęte z krzyża. Podtrzymuje go ręką. Pod wpływem dzieł starożytnych Michał Anioł odrzucił wszelkie tradycje średniowiecza w przedstawianiu tematów religijnych. Nadał harmonię i piękno Ciału Chrystusa i całemu dziełu. Śmierć Jezusa nie powinna była wywołać przerażenia, a jedynie uczucie pełnego czci zaskoczenia dla wielkiego cierpiącego. Piękno nagiego ciała w dużym stopniu korzysta z efektu światła i cienia, jaki dają umiejętnie ułożone fałdy sukni Maryi. Tworząc to dzieło, Michał Anioł pomyślał o Savonaroli, który został spalony na stosie 23 maja 1498 roku w tej samej Florencji, która tak niedawno go ubóstwiała, na placu, gdzie grzmiały jego namiętne przemówienia. Ta wiadomość uderzyła Michała Anioła w serce. Następnie przeniósł swój gorący smutek na zimny marmur. W obliczu Jezusa ukazanego przez artystę dostrzeżono nawet podobieństwa z Savonarolą. Pieta pozostała wiecznym świadectwem walki i protestu, wiecznym pomnikiem ukrytego cierpienia samego artysty. Michał Anioł powrócił do Florencji w 1501 roku, w trudnym dla miasta momencie. Florencja była wyczerpana walką partii, konfliktami wewnętrznymi i wrogami zewnętrznymi i czekała na wyzwoliciela. Przez bardzo długi czas na dziedzińcu Santa Maria del Fiore leżał ogromny blok marmuru z Carrary, który miał stać się kolosalnym posągiem biblijnego Dawida, który miał ozdobić kopułę katedry. Blok miał 9 stóp wysokości i pozostał w pierwszej obróbce wstępnej. Nikt nie podjął się ukończenia pomnika bez przystawek. Michał Anioł postanowił wyrzeźbić dzieło kompletne i doskonałe, nie zmniejszając jego rozmiarów, a konkretnie Dawida. Michał Anioł pracował nad swoją pracą sam i nikt inny nie mógł tu brać udziału - tak trudno było obliczyć wszystkie proporcje posągu. Artysta nie począł proroka, nie króla, ale młodego giganta z całkowitym nadmiarem młodzieńczej siły. W tym momencie bohater odważnie przygotowuje się do pokonania wroga swojego ludu. Stoi twardo na ziemi, odchylając się nieco do tyłu, wysuwając prawą nogę dla większego podparcia i spokojnie swym spojrzeniem zarysowuje śmiertelny cios wrogowi, w prawej ręce trzyma kamień, a lewą usuwa kamień zawiesić na ramieniu. W 1503 roku, 18 maja, statua została zainstalowana na Piazza della Senoria, gdzie stała przez ponad 350 lat. „Nawet ignorantowie” byli zdumieni „Dawidem” Michała Anioła. Jednak gonfaloniere florencki Soderini zauważył podczas oglądania posągu, że jego nos wydawał się trochę za duży. Michał Anioł wziął dłuto i po cichu trochę marmurowego pyłu i wspiął się po rusztowaniu. Udawał, że skroba marmur. „Tak, teraz jest wspaniale!” zawołał Soderini. - Dałeś mu życie! „Jest ci to winien” – odpowiedział artysta z głęboką ironią. W długim i ponurym życiu Michała Anioła tylko jeden okres uśmiechał się do niego szczęście – był to czas pracy dla papieża Juliusza II. Michał Anioł na swój sposób kochał tego niegrzecznego papieża-wojownika, który miał zupełnie niepapieskie, surowe maniery. Nie złościł się nawet wtedy, gdy stary papież wtargnął do jego warsztatu czy Kaplicy Sykstyńskiej i rzucając przekleństwa poganiał artystę do pracy, aby mieć możliwość zobaczenia przed śmiercią arcydzieł Michała Anioła. Grób papieża Juliusza nie okazał się tak wspaniały, jak zamierzał Michał Anioł. Zamiast katedry św. Piotra umieszczono ją w małym kościele św. Petra, gdzie nawet nie weszła w całości, a jej poszczególne części rozproszyły się w różne miejsca. Ale nawet w tej formie jest to słusznie jedno z najsłynniejszych dzieł renesansu. Jej centralną postacią jest biblijny Mojżesz, wyzwoliciel swego ludu z niewoli egipskiej (artysta miał nadzieję, że Juliusz wyzwoli Italię od zdobywców). Wszechogarniająca pasja, nadludzka siła obciążają potężne ciało bohatera, wola i determinacja, żarliwe pragnienie działania odbijają się na jego twarzy, jego wzrok skierowany jest w stronę ziemi obiecanej. Półbóg zasiada w olimpijskim majestacie. Jedna jego ręka opiera się potężnie na kamiennej tablicy na kolanach, druga spoczywa tu z niedbałością godną człowieka, któremu wystarczy ruch brwi, aby wszyscy byli posłuszni. Jak stwierdził poeta, „przed takim bożkiem naród żydowski miał prawo pokłonić się w modlitwie”. Według współczesnych: „Mojżesz Michała Anioła rzeczywiście widział Boga. Na zlecenie papieża Juliusza Michał Anioł namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie freskami przedstawiającymi stworzenie świata. Michał Anioł niechętnie podjął się tej pracy; uważał się przede wszystkim za rzeźbiarza. Taki właśnie był, widać to nawet w jego malarstwie. W jego obrazach dominują linie i bryły. 20 lat później na jednej ze ścian tej samej kaplicy Michał Anioł namalował fresk „Sąd Ostateczny” - oszałamiającą wizję pojawienia się Chrystusa na Sądzie Ostatecznym, za falą której grzesznicy wpadają w otchłań piekielną . Muskularny, herkulesowy olbrzym nie przypomina biblijnego Chrystusa, który poświęcił się dla dobra ludzkości, ale uosobienie zemsty ze starożytnej mitologii. Fresk odsłania straszliwe otchłanie zdesperowanej duszy, duszy Michała Anioła. Jego ostatnie dzieło, nad którym pracował przez 25 lat, nie jest już pocieszające – grobowiec Medyceuszy w kaplicy kościoła San Lorenzo we Florencji. Symboliczne postacie na pochyłych pokrywach kamiennych sarkofagów, w pozornie niestabilnych pozach, a raczej osuwając się w zapomnienie, płyną beznadziejnym smutkiem. Michał Anioł chciał stworzyć posągi symbolizujące „PORANEK”, „DZIEŃ”, „WIECZÓR” i „NOC”. Prace Michała Anioła wyrażają ból wywołany tragedią Włoch, przeplatający się z bólem z powodu własnego, smutnego losu. Michał Anioł odnalazł w architekturze piękno, które nie łączy się z cierpieniem i nieszczęściem. Po śmierci Bramantego Michał Anioł przejął budowę Bazyliki św. Piotra. Będąc godnym następcą Bramantego, stworzył kopułę, która do dziś nie ma sobie równych ani pod względem wielkości, ani wielkości, Vasari pozostawił nam portret Michała Anioła - okrągła głowa, duże czoło, wydatne skronie, złamany nos (uderzenie Torrigianiego), oczy raczej małe niż duże. Ten wygląd nie obiecał mu sukcesu z kobietami. Ponadto był suchy w manierach, surowy, niekomunikatywny i szyderczy. Kobieta, która zrozumiałaby Michała Anioła, musiała cechować się dużą inteligencją i wrodzonym taktem. Poznał taką kobietę, ale było już za późno, miał już 60 lat. Była to Vittoria Colonna, której wysokie talenty łączyły się z szerokim wykształceniem i wyrafinowanym umysłem. Dopiero w jej domu artysta swobodnie pokazywał swój umysł i znajomość literatury i sztuki. Urok tej przyjaźni zmiękczył jego serce. Umierając, Michał Anioł żałował, że nie odcisnął pocałunku na jej czole, gdy Michał Anioł umierał, nie miał ani uczniów, ani tak zwanej szkoły. Ale pozostaje cały świat stworzony przez niego.

Rafael Santi (1483-1520)- nie tylko utalentowany, ale także wszechstronny artysta: architekt i monumentalista, mistrz portretu i mistrz dekoracji.

Twórczość Raphaela Santiego jest jednym z tych fenomenów kultury europejskiej, które nie tylko zyskały światową sławę, ale także nabrały szczególnego znaczenia – najwyższych punktów orientacyjnych w życiu duchowym ludzkości. Od pięciu stuleci jego twórczość uznawana jest za jeden z przykładów estetycznej doskonałości. Geniusz Rafaela objawił się w malarstwie, grafice i architekturze. Dzieła Rafaela stanowią najpełniejszy i najżywszy wyraz linii klasycznej, klasycznej zasady w sztuce wysokiego renesansu. Rafael stworzył „uniwersalny obraz” osoby pięknej, doskonałej fizycznie i duchowo, ucieleśniającej ideę harmonijnego piękna istnienia. Rafael (dokładniej Raffaello Santi) urodził się 6 kwietnia 1483 roku w mieście Urbino. Pierwsze lekcje malarstwa pobierał u swojego ojca, Giovanniego Santiego. Kiedy Raphael miał 11 lat, zmarł Giovanni Santi, a chłopiec pozostał sierotą (stracił chłopca 3 lata przed śmiercią ojca). Podobno przez następne 5–6 lat uczył się malarstwa u Evangelisty di Piandimeleto i Timoteo Viti, mniejszych mistrzów prowincjonalnych. Środowisko duchowe, które otaczało Rafaela od dzieciństwa, było niezwykle korzystne. Ojciec Rafaela był nadwornym artystą i poetą księcia Urbino Federigo da Montefeltro. Mistrz o skromnym talencie, ale człowiek wykształcony, zaszczepił w synu miłość do sztuki. Pierwsze znane nam dzieła Rafaela powstały około 1500 – 1502 roku, gdy miał on 17 – 19 lat. Są to miniaturowe kompozycje „Trzy Gracje” i „Sen Rycerski”. Te naiwne, wciąż studenckie, nieśmiałe istoty charakteryzują się subtelną poezją i szczerością uczuć. Już od pierwszych kroków twórczości ujawnia się talent Rafaela w całej jego oryginalności i zarysowuje się jego własny temat artystyczny. Do najlepszych dzieł wczesnego okresu należy Madonna Conestabile. Temat Madonny jest szczególnie bliski talentowi lirycznemu Rafaela i nieprzypadkowo stanie się jednym z głównych w jego twórczości. Kompozycje przedstawiające Madonnę z Dzieciątkiem przyniosły Rafaelowi szeroką sławę i popularność. Kruche, ciche, marzycielskie Madonny z okresu Umbrii zostały zastąpione bardziej ziemskimi, pełnokrwistymi obrazami, ich wewnętrzny świat stał się bardziej złożony, bogaty w emocjonalne odcienie. Rafael stworzył nowy typ wizerunku Madonny z Dzieciątkiem – monumentalny, surowy i jednocześnie liryczny, nadający temu tematowi niespotykane dotychczas znaczenie. Gloryfikował ziemską egzystencję człowieka, harmonię sił duchowych i fizycznych w obrazach zwrotek (pokojów) Watykanu (1509-1517), osiągając nienaganne poczucie proporcji, rytmu, proporcji, eufonii kolorów, jedności postaci i majestat tła architektonicznego. Wiele wizerunków Matki Bożej („Madonna Sykstyńska”, 1515-19), zespołów artystycznych znajduje się na obrazach Willi Farnesina (1514-18) i loggiach Watykanu (1519, ze studentami). W portretach tworzy idealny wizerunek człowieka renesansu („Baldassare Castiglione”, 1515). Zaprojektowano katedrę św. Piotra, zbudował kaplicę Chigi w kościele Santa Maria del Popolo (1512-20) w Rzymie. Malarstwo Rafaela, jego styl, zasady estetyczne odzwierciedlały światopogląd epoki. W trzeciej dekadzie XVI wieku sytuacja kulturowa i duchowa we Włoszech uległa zmianie. Rzeczywistość historyczna zniszczyła złudzenia renesansowego humanizmu. Odrodzenie dobiegało końca. Życie Rafaela zakończyło się niespodziewanie w wieku 37 lat, 6 kwietnia 1520 roku. Wielki artysta otrzymał najwyższe odznaczenia: jego prochy pochowano w Panteonie. Rafael był dumą Włoch dla swoich współczesnych i pozostał nią dla potomności.

Albrechta Durera(1471-1528) - twórca i największy przedstawiciel niemieckiego renesansu, „północny Leonardo da Vinci”, stworzył kilkadziesiąt obrazów, ponad sto rycin, około 250 drzeworytów, wieleset rysunków, akwareli. Dürer był także teoretykiem sztuki, pierwszym w Niemczech, który stworzył dzieło o perspektywie i piśmie „Cztery książki o proporcjach ludzkich”.

Założyciel nowej astronomii Mikołaj Kopernik jest dumą swojej ojczyzny. Urodził się w polskim mieście Toruniu, położonym nad Wisłą. Kopernik żył w epoce renesansu i był rówieśnikiem wybitnych osobistości, które wzbogaciły różne dziedziny ludzkiej działalności o bezcenne osiągnięcia. W galaktyce tych ludzi Kopernik zajął godne i honorowe miejsce dzięki swemu nieśmiertelnemu esejowi „O obrotach ciał niebieskich”, który stał się rewolucyjnym wydarzeniem w historii nauki.

Te przykłady można kontynuować. Tym samym uniwersalność, wszechstronność i talent twórczy były cechami charakterystycznymi mistrzów renesansu.

WNIOSEK

Temat renesansu jest bogaty i niewyczerpany. Tak potężny ruch zdeterminował na wiele lat rozwój całej cywilizacji europejskiej.

Więc, renesans czy renesans- era w życiu ludzkości, naznaczona kolosalnym wzrostem sztuki i nauki. Sztuka renesansu, która zrodziła się na gruncie humanizmu – ruchu myśli społecznej, który głosił człowieka jako najwyższą wartość życia. W sztuce tematem przewodnim była piękna, harmonijnie rozwinięta osoba o nieograniczonym potencjale duchowym i twórczym. Sztuka renesansu położyła podwaliny pod europejską kulturę New Age i radykalnie zmieniła wszystkie główne rodzaje sztuki.

W architekturze utrwaliły się twórczo zrewidowane zasady starożytnego porządku porządkowego, pojawiły się nowe typy budynków użyteczności publicznej. Malarstwo zostało wzbogacone perspektywą linearną i powietrzną, znajomością anatomii i proporcji ciała ludzkiego. Ziemskie treści przenikały do ​​tradycyjnej religijnej tematyki dzieł sztuki. Wzrosło zainteresowanie starożytną mitologią, historią, scenami życia codziennego, krajobrazami i portretami. Wraz z monumentalnymi malowidłami ściennymi zdobiącymi obiekty architektoniczne pojawiło się malarstwo i malarstwo olejne. W sztuce na pierwszy plan wysunęła się indywidualność twórcza artysty, z reguły osoby wszechstronnie uzdolnionej.

W sztuce renesansu ścieżki naukowego i artystycznego pojmowania świata i człowieka były ze sobą ściśle powiązane. Jej poznawczy sens był nierozerwalnie związany z wysublimowanym pięknem poetyckim, w swym pragnieniu naturalności nie zniżał się do drobnej codzienności. Sztuka stała się uniwersalną potrzebą duchową.

Odkrycia dokonane w okresie renesansu w dziedzinie kultury i sztuki duchowej miały ogromne znaczenie historyczne dla rozwoju sztuki europejskiej w kolejnych stuleciach. Zainteresowanie nimi trwa do naszych czasów.

Teraz, w XXI wieku, może się wydawać, że to wszystko to już przeszłość, starożytność pokryta grubą warstwą kurzu, nie interesująca w naszym burzliwym stuleciu, ale jak bez zbadania korzeni zrozumiemy, co napędza pień, co trzyma koronę przy zmianie wiatru?

Oczywiście renesans jest jedną z najpiękniejszych epok w historii ludzkości.

WYKAZ WYKORZYSTANYCH BIBLIOGRAFII

Argan Giulio Carlo. Historia sztuki włoskiej. Tłumaczenie z języka włoskiego w 2 tomach. T. 1 / Pod redakcją naukową V.D. Dazhina. M., 1990.
Muratov P. Obrazy Włoch. M., 1994.Współczesna ludzkość

Renesans to czas przemyślenia dziedzictwa starożytności, odrodzenia jego idei. Błędem jest jednak uważać ten czas za powtórzenie, naśladownictwo minionej kultury. W okresie renesansu idee zrodzone w średniowieczu w dużym stopniu wpłynęły na specyficzny światopogląd człowieka tamtych czasów.

Za podstawowe zasady światopoglądu człowieka renesansu można uznać następujące zasady:

Świat ziemski jest hierarchią stworzeń Bożych, w której jedynie sam człowiek posiada najwyższą doskonałość; miejsce teocentryzmu światopoglądowego zajmuje antropocentryzm;

Istnieje wyraźna świadomość problemów życia;

Czas i przestrzeń oceniane są już w ramach realnej egzystencji i są wyraźnie wyznaczane przez formy ludzkiej działalności. Przestrzeń staje się widoczna. Czas jest jak teraźniejszość i szybko płynie. Renesansowy typ osobowości wyróżnia się tytanizmem (dokonuje w swoim życiu tak wiele, że wielu nie może tego zrobić) i wszechstronnością (realizuje swoje zdolności w wielu różnych obszarach);

Umiejętność tworzenia staje się najwyższym przejawem boskości człowieka, a artysta staje się osobą najbardziej szanowaną w społeczeństwie;

Sztuka i natura stają się pojęciami równoważnymi;

Piękno świata dzieli się na piękno naturalne, piękno naturalne i piękno sztuczne, stworzone przez człowieka; piękno człowieka – duchowe i fizyczne.

Renesans to narodziny idei humanistycznych, które gloryfikują ludzką kreatywność. Humanizm wyraźnie przejawiał się w sztuce. Humaniści rozwinęli (bardziej praktycznie niż teoretycznie) ten składnik estetyki, który dziś nazywamy stosowaną. Natura jest postrzegana jako najwyższa forma piękna. Sztuka jest jedną z form twórczości realizowaną zgodnie z prawami naturalnego piękna. Jeśli estetyka średniowieczna uważa sztukę za zastosowanie się do materii,

gotowa forma, istniejąca wcześniej w duszy artysty i tam ułożona Na Boga następnie w renesansie po raz pierwszy pojawia się pomysł, że artysta ja tworzy i tworzy tę formę. Sztuka nie jest więc prostym naśladownictwem natury. To zupełnie nowe zjawisko, będące aktem twórczego działania człowieka, który poprzez sztukę manifestuje swoją wolę i indywidualność.

Sztuka uznawana jest za jeden z kanałów wiedzy człowieka o otaczającym go świecie. Sztuka aktywnie współdziała z nauką. Wielcy tytani renesansu zajmowali się nie tylko twórczością artystyczną, ale także dokonywali odkryć naukowych i technicznych. Wystarczy wspomnieć nazwisko Leonardo da Vinci.

Sztuka nie tylko usamodzielniła się, ale zaczęła ujawniać swoją strukturę morfologiczną: zaczyna wyraźnie ujawniać się specyfika poszczególnych rodzajów sztuki. Twórca staje się profesjonalistą w swojej dziedzinie, w której umiejętności i indywidualność zaczynają być szczególnie cenione.

Tym samym sztuka zyskuje coraz bardziej świecki charakter, charakteryzujący się demokracją i dążeniem do realizmu w odzwierciedlaniu świata. Powstaje koncepcja "Bezpłatne zajęcia" które obejmują filozofię, historię, elokwencję, muzykę i poezję. Autorytet artysty w społeczeństwie zaczyna rosnąć. Włożona praca i niezbędna wiedza zawodowa stają się kryterium sztuki. Najbardziej ceniona staje się literatura i sztuki piękne.

W tej epoce powstała nowa - nowoczesna literatura. Słowo rozumiane jest jako najwyższy przejaw piękna, praca nad obrazowaniem słowa jest najwyższym celem człowieka. Literatura renesansu przepełniona jest postacią afirmującą życie, podziwem dla piękna świata, człowieka i jego osiągnięć. Jej głównym tematem jest motyw miłości.

Architektura Renesans poszukiwał możliwości stworzenia idealnego stylu życia poprzez tworzenie nowych projektów architektonicznych. Ideał życia urzeczywistnił się w XV-wiecznej Florencji – mieście „idealnym”, wzorowanym wyobraźnią i rękami wielkich twórców. Dzięki odkryciu zarysowanej perspektywy narodziło się „miasto idealne”. Brunelleschiego i Leonarda da Vinci, a także dzięki realizowanej jedności przestrzenno-plastycznej i społeczno-politycznej wizji świata. Po raz pierwszy pojawiła się przestrzeń ludzka, przeciwstawiona przestrzeni naturalnej. Architekturę miasta uważa się za syntezę miasta w ogóle: obiektywnego świata miasta, życia poszczególnych obywateli, jego życia społecznego z grami, przedstawieniami i teatrem.

Jedno z zadań Dzieła wizualne- znaczenie przestrzegania kanonu piękna, ustalonego przez starożytnych, ale w taki sposób, aby nie ucierpiały realizm i witalność obrazu. Mistrzostwo portretowania

niya staje się zawodem. Rozwijają się szkoły artystyczne. Sztuki piękne renesansu charakteryzują się:

Zmiana tematu - osoba staje się obiektem zwiększonej uwagi;

Zmiana technik obrazowych - perspektywa bezpośrednia, dokładność oddania budowy ciała ludzkiego;

Wypieranie czystego koloru przez złożone, złożone kolory;

Głównym środkiem wyrazu nie staje się światło, ale cień, co przyczynia się do rozwoju grafiki w sztukach plastycznych;

Szczególne zainteresowanie krajobrazem;

Przewaga malarstwa sztalugowego i pojawienie się malarstwa świeckiego (portret);

Rozwój technik malarstwa olejnego;

Zainteresowanie grawerowaniem.

W rzeźba następuje powrót zainteresowania nagim ciałem. Rzeźbiarz Donatello jako pierwszy (po średniowieczu) wprowadził do rzeźby nagie ciało, stworzył nowy typ okrągłego posągu i grupy rzeźbiarskiej oraz płaskorzeźby malarskiej. Nagie ciało renesansowych rzeźb przepełnione jest ekspresją, ruchem, zmysłowością i erotyzmem. Postawy stały się dynamiczne, mięśnie napięte, emocje otwarte. Ciało, podobnie jak w starożytności, jest postrzegane jako odbicie duszy. Ale nacisk w przedstawieniu ludzkiego ciała jest już inny: należy go uznać za przejaw wyjątkowości stwierdza dusze. Dlatego rzeźbiarze tak dokładnie badają ludzkie ciało w różnych sytuacjach psychologicznych. Przyglądając się rzeźbiarskim wizerunkom człowieka renesansu, możemy dostrzec przede wszystkim jego duszę, stan, emocje wyrażające się w postawie, napiętych mięśniach i wyrazie twarzy.

Twarzowy teatr Renesans kojarzony z imionami William Szekspir I Lope de Begi. Głównymi gatunkami teatralnymi tego czasu są tragedia I komedia, tajemnica, cud, farsa i soti(rodzaje komedii). Treść staje się bardziej świecka. Akcja rozgrywa się gdziekolwiek (na ziemi, w niebie, w podziemiach) i obejmuje wydarzenia trwające latami i miesiącami. Jednocześnie nadal nie ma integralności fabuły i zidentyfikowanych typów postaci. Starożytne historie są często przedstawiane w przedstawieniach szkolnych i częściej służą celom edukacyjnym. Przedstawienia teatralne były dość nudne pod względem fabuły, ale bawiły publiczność tanecznymi przerywnikami, dekoracjami i kostiumami. Teatr renesansowy stał się wiarygodny, realistyczny, nabrał cech akcji scenicznej, którą widz obserwuje jakby z zewnątrz.

Muzyka po raz pierwszy objawia się jako sztuka świecka, oparta na świeckich zasadach i istniejąca bez dodatkowej kurateli innych form sztuki czy religii. Umiejętność śpiewania i gry na instrumencie muzycznym staje się nieodzowną cechą osoby kulturalnej.

W muzyce pojawiają się zupełnie nowe gatunki: opera i muzyka instrumentalna. Improwizacja była darzona szczególnym szacunkiem. Popularne stają się także nowe instrumenty muzyczne: klawikord, lutnia, skrzypce. Organy uważano za instrument najodpowiedniejszy do odtwarzania obrazów sztuki „wysokiej”. To właśnie w sztuce organowej narodził się tzw. styl monumentalny – odpowiednik baroku w malarstwie i architekturze, który zaczął kształtować się w XVI wieku. W XVI wieku pojawiły się w Hiszpanii Pierwszy traktaty o sztuce muzycznej.

Odrodzenie w sztuce przygotowało projekt nowych stylów artystycznych: Barok, klasycyzm, rokoko.

Historia renesansu rozpoczyna się w Okres ten nazywany jest także renesansem. Renesans przekształcił się w kulturę i stał się prekursorem kultury New Age. A renesans zakończył się w XVI-XVII wieku, ponieważ w każdym stanie ma swoją własną datę rozpoczęcia i zakończenia.

Kilka informacji ogólnych

Przedstawicielami renesansu są Francesco Petrarca i Giovanni Boccaccio. Stali się pierwszymi poetami, którzy zaczęli wyrażać wzniosłe obrazy i myśli szczerym, potocznym językiem. Innowacja ta została przyjęta z hukiem i rozprzestrzeniła się w innych krajach.

Renesans i sztuka

Osobliwością renesansu jest to, że ciało ludzkie stało się głównym źródłem inspiracji i przedmiotem badań artystów tamtych czasów. Zaakcentowano zatem podobieństwo rzeźby i malarstwa do rzeczywistości. Do głównych cech sztuki okresu renesansu zalicza się blask, wyrafinowane użycie pędzla, grę cienia i światła, staranność w procesie pracy i złożone kompozycje. Dla artystów renesansu główne obrazy pochodziły z Biblii i mitów.

Podobieństwo prawdziwej osoby do jej wizerunku na konkretnym płótnie było tak bliskie, że fikcyjna postać wydawała się żywa. Nie można tego powiedzieć o sztuce XX wieku.

Renesans (jego główne nurty zostały pokrótce zarysowane powyżej) postrzegał ciało ludzkie jako nieskończony początek. Naukowcy i artyści regularnie doskonalili swoje umiejętności i wiedzę, badając ciała jednostek. Panował wówczas pogląd, że człowiek został stworzony na podobieństwo i obraz Boga. To stwierdzenie odzwierciedlało fizyczną doskonałość. Głównymi i ważnymi obiektami sztuki renesansu byli bogowie.

Natura i piękno ludzkiego ciała

Sztuka renesansu przywiązywała dużą wagę do natury. Charakterystycznym elementem krajobrazów była urozmaicona i bujna roślinność. Błękitne niebo, przebite promieniami słońca przebijającymi się przez białe chmury, stanowiło wspaniałe tło dla unoszących się na wodzie stworzeń. Sztuka renesansu czciła piękno ludzkiego ciała. Cecha ta przejawiała się w wyrafinowanych elementach mięśni i ciała. Trudne pozy, mimika i gesty, harmonijna i wyraźna paleta kolorów są charakterystyczne dla twórczości rzeźbiarzy i rzeźbiarzy okresu renesansu. Należą do nich Tycjan, Leonardo da Vinci, Rembrandt i inni.

renesans- To okres w rozwoju kulturowym i ideologicznym krajów Europy Zachodniej i Środkowej. Renesans najwyraźniej objawił się we Włoszech, ponieważ... We Włoszech nie było jednego państwa (z wyjątkiem południa). Główną formą egzystencji politycznej są małe państwa-miasta z republikańską formą rządów połączoną z bankierami, bogatymi kupcami i przemysłowcami. Dlatego we Włoszech feudalizm w pełnej postaci nigdy się nie rozwinął. W atmosferze rywalizacji między miastami na pierwszym miejscu stawiano nie pochodzenie, ale zdolności osobiste i bogactwo. Potrzebni byli nie tylko ludzie energiczni i przedsiębiorczy, ale także wykształceni. Dlatego pojawia się humanistyczny kierunek w edukacji i światopoglądzie. Renesans zwykle dzieli się na wczesny (początek 14 - koniec 15) i wysoki (koniec 15 - pierwsza ćwierć 16). Do tej epoki należą najwięksi artyści Włoch - Leonardo da Vinci (1452 - 1519), Michał Anioł Buonarroti(1475 -1564) i Rafał Santi(1483-1520). Podział ten dotyczy bezpośrednio Włoch i choć renesans osiągnął swój największy rozkwit na Półwyspie Apenińskim, jego fenomen rozprzestrzenił się na inne części Europy. Podobne procesy nazywane są na północ od Alp « Renesans północny ». Podobne procesy zachodziły we Francji iw miastach niemieckich. Ludzie średniowiecza i ludzie czasów nowożytnych szukali swoich ideałów w przeszłości. W średniowieczu ludzie wierzyli, że nadal żyją w... Cesarstwo Rzymskie kontynuowało tradycję kulturową: łacina, studiowanie literatury rzymskiej, różnica była odczuwalna tylko w sferze religijnej. Jednak w okresie renesansu zmienił się pogląd na starożytność, która widziała coś radykalnie odmiennego od średniowiecza, przede wszystkim brak wszechstronnej władzy Kościoła, wolności duchowej i stosunku do człowieka jako centrum wszechświata. To właśnie te idee stały się centralne dla światopoglądu humanistów. Ideały tak zgodne z nowymi trendami rozwojowymi zrodziły chęć wskrzeszenia w pełni starożytności, a to właśnie Włochy, ze swoją ogromną liczbą rzymskich starożytności, stały się ku temu podatnym gruntem. Renesans objawił się i przeszedł do historii jako okres niezwykłego rozkwitu sztuki. Jeśli wcześniejsze dzieła sztuki służyły interesom kościelnym, czyli były obiektami sakralnymi, to obecnie dzieła powstają w celu zaspokojenia potrzeb estetycznych. Humaniści wierzyli, że życie powinno sprawiać radość i odrzucali średniowieczną ascetyzm monastyczny. Ogromną rolę w kształtowaniu się ideologii humanizmu odegrali następujący włoscy pisarze i poeci: jako Dante Alighieri (1265 - 1321), Francesco Petrarka (1304 - 1374), Giovanni Boccaccio(1313-1375). W rzeczywistości oni, zwłaszcza Petrarka, byli twórcami zarówno literatury renesansowej, jak i samego humanizmu. Humaniści postrzegali swoją epokę jako czas dobrobytu, szczęścia i piękna. Nie oznacza to jednak, że odbyło się bez kontrowersji. Najważniejsze było to, że ideologia elity pozostała, a nowe idee nie przedostały się do mas. A sami humaniści byli czasem w nastroju pesymistycznym. Strach przed przyszłością, rozczarowanie naturą ludzką i niemożność osiągnięcia ideału w porządku społecznym przenikają nastrój wielu postaci renesansu. Być może najważniejszą rzeczą w tym sensie było intensywne oczekiwanie koniec świata w 1500. Renesans położył podwaliny pod nową kulturę europejską, nowy europejski świecki światopogląd i nową europejską niezależną osobowość.