Kreatywność pociągała człowieka od niepamiętnych czasów. Począwszy od malowideł naskalnych mamutów i bogów, malowanych naczyń glinianych, fresków ściennych, kończąc na arcydziełach sztuki współczesnej, które mamy okazję podziwiać na co dzień. Wszyscy malarze w poszukiwaniu niezwykłości starają się wnieść do tego stylu coś wyjątkowego i różnorodnego. Niektórzy zwracają uwagę na najdrobniejsze szczegóły, inni szukają nowych odcieni i tematów, a jednak są szereg niezwykłych artystów, którzy postanowili zaskoczyć świat nie tylko pędzlem.

Artysta malujący deszcz

Kilka lat temu 30-letni awangardowy artysta Leandro Granato stał się prawdziwym nabytkiem Argentyny. Artysta wymyślił dość nietypową technikę nakładania farby na płótno – przez kanał łzowy. Od dzieciństwa facet wiedział, jak nabrać wody do nosa i natychmiast spryskać ją oczami.

Kiedy inspiracja wyczerpała swoje zasoby, Leandro postanowił spróbować właśnie takiej techniki rysowania. I miałem rację. Jego obrazy zaczynają się od 2000 dolarów i wyprzedają się niezwykle szybko. Co ciekawe, aby stworzyć jeden taki obraz, Granato zużywa 800 ml farby na każdy oczodół. Argentyńczyk opracował nawet specjalną, nieszkodliwą farbę do oczu, która zdaniem lekarzy w żaden sposób nie wpływa na zdrowie artysty.

Dwa palce w ustach i wszystko minie

Millie Brown od wielu lat kieruje się mottem „każda sztuka ma prawo istnieć”. A wszystko dlatego, że sposób malowania artysty zupełnie nie wpisuje się w przyjęte ramy.

Dziewczyna, jakkolwiek brzydko to zabrzmi, wymiotuje. Millie w specjalnych odstępach czasu połyka kolorowe mleko sojowe, po czym czuje się niedobrze. Farba naturalnie wypływa, tworząc „specjalne projekty”. Co dziwne, roboty artystki zyskują coraz większą popularność, a wśród jej oddanych fanów można znaleźć nawet samą Miss Outrageous Lady Gagę.

Zdjęcia piersi w rozmiarze 4

Ze swojej ekstrawagancji zasłynęła także amerykańska artystka Kira Ain Vizerji. Jej wydatne piersi pomagają jej tworzyć obrazy, których koszt wynosi co najmniej 1000 dolarów każdy. Dziewczyna stała się innowatorką w tej technice i ma już dziesiątki naśladowców na całym świecie. Sama Kira tłumaczy to dziwne podejście do malarstwa faktem, że jej piersi pozwalają jej nakładać farbę pod zupełnie różnymi kątami i ułatwiają realizację wszelkich pomysłów artystki.

„Sztuka penisa”

Kolejnym mistrzem, który wykorzystuje swoje ciało jako narzędzie do malowania i zarabiania pieniędzy, jest Australijczyk Tim Patch. Szokującym pędzlem artysty jest jego godność. Sam Tim bez nadmiernej skromności prosi o miano „Pricasso” (od angielskiego „kutas” - „członek”) i pozycjonuje swoje dzieło jako pierwszą w historii „sztukę penisa”. Oprócz techniki aplikacji Australijczyk zasłynął z tego, że podczas pracy nosi wyłącznie melonik, który musi być srebrny lub różowy.

Nigeryjskie dziedzictwo i odchody słoni

Angielski twórca Chris Ofili jest jednym z najwybitniejszych wielbicieli kultury nigeryjskiej. Wszystkie jego obrazy są bezpośrednio przesiąknięte duchem Afryki, kulturą Nigerii, seksem i odchodami słoni. Ofili używa obornika zamiast farby. Oczywiście, aby uniknąć nieprzyjemnych zapachów, much i uszkodzonych obrazów, surowce poddaje się specjalnej obróbce chemicznej, ale fakt pozostaje faktem.

„Blues zapisany krwią”

Brazylijski malarz Vinicius Quesada poszedł jeszcze dalej i zaszokował publiczność kolekcją obrazów zatytułowaną „Blues pisany krwią”. To drugie w dosłownym tego słowa znaczeniu. Aby stworzyć te arcydzieła, artysta potrzebował trzech kolorów: czerwonego, żółtego i niebieskiego. Pierwszy autor zdecydował się na ekstrakcję z własnych żył.

Co dwa miesiące Quezada trafia do szpitala, gdzie lekarze pobierają od niego 480 mililitrów krwi, aby stworzyć arcydzieła. Kiedy fani ofiarowują geniuszowi swoją krew zamiast farby, ten wysyła ich do punktów poboru krwi dla chorych, gdyż wierzy, że oddawanie krwi jest ważniejsze niż sztuka.

sztuka podwodna

Mieszkaniec Kijowa Oleg Nebesny jest jednym z niewielu artystów na świecie, który zdecydował się połączyć swoje dwa ulubione hobby: nurkowanie i rysowanie. Oleg maluje obrazy na głębokości od 2 do 20 metrów i tłumaczy to tym, że tylko oko i tylko chwila może uchwycić całe piękno podwodnego świata. Stworzenie swojego dzieła zajmuje artyście zaledwie 40 minut. Przed rozpoczęciem na płótno nakładany jest wodoodporny klej (w ten sposób farba nie zostanie zmyta z płótna). Między innymi kolory w głębi wydają się zupełnie inne. A brąz na powierzchni może nawet zmienić kolor na szkarłatny.

Oleg Nebesny tak bardzo kocha to, co robi, że otworzył nawet szkołę malarstwa podwodnego i dzieli się ze wszystkimi tajemnicą niezwykle pięknych płócien malowanych na dnie morza. Wraz z rosyjskim artystą Denisem Lotarevem został wpisany do Księgi Rekordów Guinnessa jako autor największego obrazu pod wodą.

Popiół i malowanie

Val Thompson przekroczył wszelkie moralne tabu. Kobieta maluje piękne płótna, dodając do farby prochy kremowanych osób. Jej obrazy sprzedają się w tysiącach, a klienci zostawiają entuzjastyczne recenzje na stronach internetowych. Pierwszy robot, Val, powstał dla sąsiadki Anny, Kiri, po śmierci jej męża Johna. Płótno przedstawiało bezludną rajską plażę, na której John najbardziej lubił spędzać czas. Obraz wywołał taką sensację, że Val otworzyła nawet własną firmę Ashes for Art.

Obrazy z duszą i ciałem

To, co uważamy za prawdziwe nieszczęście, Alison Courtson udało się wykorzystać jako materiał do swojej twórczości. 38-letnia Amerykanka maluje swoje obrazy najpopularniejszym pyłem. Co ciekawe, Alison zbiera materiał z odkurzaczy, półek i szaf samych klientów. Artystka twierdzi, że wybrała tak dziwny materiał, ponieważ kurz domowy składa się w 70% ze skóry mieszkańców domu. Można więc śmiało powiedzieć, że w jej obrazach nie chodzi tylko o duszę, ale i o ciało.

Dzieła sztuki menstruacyjnej

Czytelników szczególnie wrażliwych prosimy o pominięcie ostatniego punktu naszej wycieczki po sztuce niekonwencjonalnej. Hawajska artystka Lani Beloso cierpi na powszechną wśród kobiet chorobę: krwotok miesiączkowy, czyli obfite miesiączki, i postanowiła wykorzystać to zjawisko w swoich obrazach. Jak do tego doszła, nie wiadomo. Początkowo „artysta” po prostu siedział nad płótnem, a sama krew malowała pewne obrazy. Później Lani zaczęła co miesiąc zbierać materiały i rysować na ich podstawie obrazy. Dziewczyna stworzyła więc 13 płócien w porządku chronologicznym, jakby chciała pokazać społeczeństwu, ile krwi traci w ciągu roku.

Najgorsze jest to, że to nie cała lista osób, które zdecydowały się na odstępstwo od przyjętych kanonów. Jeśli więc nagle staniesz się artystą i postanowisz wnieść swój wkład w rozwój sztuki, obawiam się, że będzie Ci trudno znaleźć oryginalne pomysły.

Malarstwo, jeśli nie liczyć realistów, zawsze było, jest i będzie dziwne. Ale niektóre obrazy są dziwniejsze od innych.

Są dzieła sztuki, które zdają się uderzać widza w głowę, oszałamiające i niesamowite.

Inne wciągają w zamyślenie i poszukiwanie warstw znaczeń i sekretnej symboliki. Niektóre obrazy owiane są tajemnicami i mistycznymi tajemnicami, inne zaskakują wygórowanymi cenami.

Jasna strona dokładnie przejrzał wszystkie główne osiągnięcia malarstwa światowego i wybrał spośród nich dwa tuziny najdziwniejszych obrazów. Celowo nie uwzględniliśmy w tym zbiorze Salvadora Dali, którego prace całkowicie wpisują się w format tego materiału i jako pierwsze przychodzą na myśl.

Oczywiste jest, że „dziwność” jest pojęciem raczej subiektywnym i każdy ma swoje własne niesamowite obrazy, które wyróżniają się na tle innych dzieł sztuki. Będzie nam miło, jeśli podzielisz się nimi w komentarzach i opowiesz nam trochę o nich.

"Krzyk"

Edvard Munch. 1893, karton, olej, tempera, pastel.

Galeria Narodowa, Oslo.

Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i różnymi odniesieniami - aż po podpis „Tu był Jan van Eyck”, który uczynił z obrazu nie tylko dzieło sztuki, ale dokument historyczny potwierdzający realność wydarzenia na którym artysta był obecny.

Portret, rzekomo przedstawiający Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żonę, jest jednym z najbardziej skomplikowanych dzieł zachodniej szkoły malarstwa północnego renesansu.

W Rosji w ostatnich latach obraz zyskał dużą popularność ze względu na podobieństwo portretu Arnolfini do Władimira Putina.

„Siedzący demon”

Michaił Wrubel. 1890, olej na płótnie.

Obraz Michaiła Vrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Jego smutny wygląd wcale nie przypomina uniwersalnego ludzkiego wyobrażenia o tym, jak powinien wyglądać zły duch.

To obraz siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, zwątpienia. Demon, tragicznie załamując ręce, siedzi otoczony kwiatami i patrzy w dal. Kompozycja podkreśla szczelność jego sylwetki, jakby wciśniętej pomiędzy górną i dolną poprzeczkę kadru.

Sam artysta tak opowiadał o swoim najsłynniejszym obrazie: „Demon to nie tyle duch zły, co cierpiący i bolesny, a jednocześnie duch potężny, majestatyczny”.

„Apoteoza wojny”

Wasilij Wierieszczagin. 1871, olej na płótnie.
Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie.

Metafora wojny w filmie została przez autora oddana tak trafnie i głęboko, że za każdą czaszką leżącą na tym stosie zaczynamy widzieć ludzi, ich losy oraz losy tych, którzy już nigdy tych ludzi nie zobaczą. Sam Vereshchagin sarkastycznie nazwał płótno „martwą naturą” - przedstawia „martwą naturę”. Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor, symbolizują śmierć i zniszczenie. Czyste, błękitne niebo podkreśla martwość obrazu. Ideę „Apoteozy wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach na czaszkach.

Vereshchagin jest jednym z głównych rosyjskich malarzy batalistycznych, ale malował wojny i bitwy nie dlatego, że widział w nich piękno i wielkość. Wręcz przeciwnie, artysta starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny.

Pewnego razu Wierieszczagin w ogniu wzruszenia wykrzyknął: „Nie będę już malował obrazów batalistycznych - to wszystko! Zbyt mocno biorę to, co piszę, płaczę (dosłownie) z żalu za każdym rannym i zabitym. ” Prawdopodobnie efektem tego okrzyku był straszny i urzekający obraz „Apoteoza wojny”.

"Amerykański gotyk"

Granta Wooda. 1930, olej. 74 x 62 cm.

Instytut Sztuki w Chicago, Chicago.

Obraz z ponurymi wizerunkami ojca i córki jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych osób. Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, staromodne stroje nawet jak na standardy z 1930 r., szwy na ubraniach rolnika powtarzające kształt wideł, jako symbol zagrożenia kierowanego do każdego, kto się wkroczy. Płótno jest pełne ponurych szczegółów, które sprawiają, że wzdrygasz się z dyskomfortu.

„American Gothic” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów sztuki amerykańskiej XX wieku, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku.

Co ciekawe, jurorzy konkursu w Art Institute of Chicago uznali „Gothic” za „humoryczną walentynkę”, a mieszkańcy Iowa byli strasznie oburzeni przez Wooda za ukazanie ich w tak nieprzyjemnym świetle.

"Zakochani"

Rene Magritte’a. 1928, olej na płótnie.

Obraz „Kochankowie” („Kochankowie”) występuje w dwóch wersjach. Na jednym płótnie mężczyzna i kobieta, których głowy owinięte są w białe płótno, całują się, a na drugim „patrzą” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje.

Za pomocą dwóch postaci bez twarzy Magritte przekazał ideę ślepoty miłości. O ślepocie pod każdym względem: kochankowie nikogo nie widzą, nie widzimy ich prawdziwego oblicza, a poza tym kochankowie są tajemnicą nawet dla siebie nawzajem. Ale pomimo tej pozornej jasności, nadal patrzymy na kochanków Magritte'a i myślimy o nich.

Prawie wszystkie obrazy Magritte'a to zagadki, których nie da się do końca rozwiązać, gdyż rodzą pytania o samą istotę istnienia. Magritte zawsze mówi o zwodniczości tego, co widzialne, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie zauważamy.

"Chodzić"

Marka Chagalla. 1917, olej na płótnie.
Państwowa Galeria Trietiakowska.

Historia trudnego życia meksykańskiej artystki Fridy Kahlo stała się szeroko znana po premierze filmu „Frida” z Salmą Hayek w roli głównej. Kahlo malowała głównie autoportrety i wyjaśniała to prosto: „Maluję siebie, ponieważ spędzam dużo czasu samotnie i ponieważ jestem tematem, który znam najlepiej”.

Na żadnym autoportrecie Frida Kahlo się nie uśmiecha: twarz poważna, wręcz żałobna, zrośnięte, grube brwi, ledwo zauważalny wąs nad mocno zaciśniętymi ustami. Idee artysty są zaszyfrowane w szczegółach, tle i figurach, które pojawiają się obok wizerunku autora na płótnach. Symbolika Kahlo opiera się na tradycjach narodowych i jest ściśle związana z mitologią indyjską okresu przedhiszpańskiego.

W jednym ze swoich najlepszych obrazów „Dwie Fridy” wyraziła zasady męskie i żeńskie, zjednoczone w niej jednym układem krążenia i demonstrujące jej integralność.

„Most Waterloo. Efekt mgły”

Claude Monet. 1899, olej na płótnie.
Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu.

Dobre imię. I kto by pomyślał, że ta praca opowiada nam o okropnościach wojen domowych.

Obraz wykonano na blasze miedzianej w tygodniu od 15 do 22 października 1935 roku. Zdaniem Miro jest to wynik próby ukazania tragedii hiszpańskiej wojny domowej, obrazu okresu niepokojów. Płótno przedstawia postacie mężczyzny i kobiety, które wyciągają ręce, by się objąć, ale się nie poruszają. Powiększone genitalia i złowrogie kolory autorka określiła jako „pełne wstrętu i obrzydliwej seksualności”.

"Erozja"

Polski neosurrealista znany jest na całym świecie ze swoich niesamowitych obrazów, w których rzeczywistości łączą się, tworząc nowe. Trudno rozpatrywać pojedynczo jego niezwykle szczegółowe i w pewnym stopniu wzruszające prace, ale taki jest format naszego materiału. Zalecamy przeczytanie.

„Ręce stawiają mu opór”

Billa Stonehama. 1972.

Dzieła tego oczywiście nie można zaliczyć do arcydzieł malarstwa światowego, ale fakt, że jest dziwny, jest faktem.

Krążą legendy o obrazie przedstawiającym chłopca, lalkę i jego ręce przyciśnięte do szyby. Od „ludzie umierają z powodu tego zdjęcia” po „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i spekulacji wśród osób o słabej psychice.

Artysta twierdził, że obraz przedstawiał go w wieku pięciu lat, drzwi przedstawiały linię oddzielającą świat rzeczywisty od świata snów, a lalka była przewodnikiem, który mógł przeprowadzić chłopca po tym świecie. Ręce reprezentują alternatywne życia lub możliwości.

Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz był „nawiedzony”. Obraz „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith, który następnie został zasypany listami zawierającymi przerażające historie i żądaniami spalenia obrazu.

Kiedy dana osoba z jakiegoś powodu nie chce w swojej twórczości polegać na tradycyjnych metodach tworzenia obrazów, rozpoczynają się eksperymenty. Kiedy nie zadowala go „realizm” w swoich pracach, gdy dzieła Leonarda i Bouchera wydają się nudne i nieciekawe, rodzi się nowe spojrzenie na sztukę. Kiedy zabawa z przeszłością staje się dla niego sposobem patrzenia w przyszłość, pojawia się kolejna sztuka. To prawda, że ​​​​czasami takie aspiracje przekraczają granicę, zamieniając się w coś dalekiego od sztuki, a wtedy najważniejsze jest zaskoczyć oryginalnością.

A więc niezwykli artyści, niezwykłe sposoby tworzenia obrazów i niezwykłe obrazy.

Nie będę mówił o wartości artystycznej. Każdy z wymienionych autorów nazywa siebie artystą, twórcą. Każdy z widzów sam ustali, co jest sztuką, a co nie, i granicę, za którą nie ma już szoku, ale jest coś niejasnego.

Czerwony Hong

Autor, który urzekł mnie swoim niezwykłym spojrzeniem na najzwyklejsze przedmioty lub niezupełnie przedmioty. Dla niej kreatywność nie ogranicza się do farb i pędzla, bo o wiele ciekawiej jest puścić wodze fantazji i pozwolić, aby zaowocowało czymś ciekawym i żywym. A wyobraźnia jest taka, że ​​może podsunąć pomysł użycia kubka po kawie lub piłki do koszykówki zamiast pędzla, a nawet można obejść się bez skarpetek.
„Kiedy pierwszy raz odwiedziłam Szanghaj, natknęłam się na starą uliczkę, gdzie na bambusowych patykach wystających z okien domów powiewało pranie. To był niesamowicie piękny widok! Coś niesamowitego – takie tradycje we współczesnej, hałaśliwej metropolii. To mnie zainspirowało stworzyć coś niezwykłego spośród zwykłych dla wszystkich rzeczy w Twojej okolicy”

Carne Griffithsa

A co, jeśli obok zwykłych kolorów użyjesz nietypowych? Nie, nie magiczne, ale całkiem zwyczajne, prawie farby, zwłaszcza jeśli spryskasz je białą sukienką. A co jeśli jako farby użyjesz herbaty lub brandy, a może whisky lub wódki? A efekt końcowy będzie zwiewny, bez czarnych plam, pełen jasnych linii, przyciągający dziwnie atrakcyjną symbiozą człowieka i natury.

Winicjusz Quesada

Jak mówią - Krew to życie?: Wtedy artysta Vinicius Quesada tchnął życie w swoje dzieła w sensie dosłownym, bo maluje własną krwią. Obrazy są dziwnie atrakcyjne dzięki odcieniom czerwieni.

Orły Jordanii

Jeszcze bardziej zadziwiają prace tego artysty, który także wykorzystuje krew, choć nie własną, a zaczerpniętą z rzeźni. Jordan Eagles tworzy coś przerażająco atrakcyjnego, zwłaszcza gdy wiadomo, co i jak tworzy swoje prace. Używając różnych technik, zamienia samą krew w przedmiot sztuki.

Jordana McKenziego

Jeszcze dalej poszedł Jordan McKenzie, który również tworzy z płynów pochodzących z ludzkiego ciała. Do swoich prac wykorzystuje płótno, dłonie i swojego... penisa. Wszystko jest zaskakująco proste – odrobina nasienia na płótnie, mała obróbka techniczna i obraz gotowy. Taka twórczość to przyjemność i nie potrzeba do tego obrzydliwego zapachu krwi, pędzli czy nawet filiżanki kawy.

Millie Brown

Millie Brown również wypluwa z siebie płyny, ale nie są one już całkowicie naturalnego pochodzenia.

Elżbieta Rogai

Ale Elisabetta Rogai tworzy swoje prace z wykwintnych materiałów – białego i czerwonego wina. Wydawałoby się, że powinno to ograniczyć jej paletę kolorów, ale wcale nie przeszkadza to w jej pracy.

Judyta Brown

Malowanie obrazu bez rąk będzie problematyczne, ale co jeśli ręce same staną się pędzlem i stworzą. Co się stanie, jeśli palce staną się narzędziem, a zwykły pył węglowy rozkwitnie w przeróżne kształty i rodzaje? Będą też prace artystki Judith Brown, które w dziwny sposób łączą obrazy abstrakcyjne i konkretne.

Douga Landisa

Możesz też rysować bez użycia rąk, jak Doug Landis. Po paraliżu zaczął rysować ołówkiem w ustach! A hartu ducha można mu tylko pozazdrościć.

Tima Patcha

Poznaj Tima Patcha, znanego również jako Prickasso, czyli artystę penisa. Dlaczego penis? Ale dlatego, że nim rysuje.

Ani Kaj

Inna osoba wierzy, że może stworzyć dzieło sztuki bez użycia tradycyjnych pędzli czy ołówków i nie potrzebuje rąk. Jest także zwolennikiem poglądu, że rysowanie rękami jest nudne. Ani Kay postanowił rysować językiem.

Natalia Irlandka

Kiss, jak się okazuje, nie wiemy o nim zbyt wiele. W końcu możesz tworzyć pocałunkiem, wkładając swoją miłość w to, co tworzysz. Właściwie tym właśnie zajmuje się artystka Natalie Irish – maluje pocałunkami i szminką.

Kira Ayn Varszegi

Można to zrobić rękami, można to zrobić penisem, można to zrobić ustami, ale dlaczego pierś nie jest narzędziem, pomyślała Kira Ein Varzeji i zaczęła tworzyć. Maluje piersiami, ale będąc ograniczona kształtem samej piersi, tworzy obrazy abstrakcyjne, w przeciwieństwie do Patcha, któremu udaje się nawet tworzyć portrety. Ale Kira ma wszystko przed sobą! Życzę jej powodzenia w tej trudnej dziedzinie sztuki.

Stephena Murmera.

Nieco za nimi pozostaje Stephen Murmer, który maluje pośladkami.

Posmarowałem farbą piąty punkt, usiadłem na płótnie i gotowe! A jeśli czegoś brakuje, możesz pójść za przykładem tej samej łatki. Możesz też narysować oba na raz. Jak to mówią – tanie i wesołe, chociaż mnie tania zachwyciła – te obrazy mają pokaźną cenę.

Martina von Ostrowskiego

„Artysta ma prawo wykorzystać materiały zawierające cząstkę autora w celu pokazania lub udowodnienia, że ​​jest on częścią organicznego świata. W plemniku znajdują się moje geny, które odgrywają ważną rolę w reprodukcji człowieka wraz z żeńską komórką jajową. A w moich odchodach znajdują się mikroorganizmy żyjące w symbiozie z strawionym pokarmem. Podobnie artysta jest częścią dużego kompleksu niezliczonego świata organicznego i aby się w nim nie zagubić, musi pozostawić namacalny ślad w tworzonej przez siebie sztuce.”

I na koniec możesz narysować siebie

lub znane osobistości

lub takie portrety, do tworzenia których wykorzystuje się plemniki.

P/S/ Ma też mniej „niesamowitych” prac.

Chris Ofili

Może nie będzie to takie oryginalne. Zamiast ludzkich można stosować także wydzieliny zwierzęce. Jeśli podoba Ci się kolor odchodów słonia, to bierz i używaj, nikt nie powie ani słowa przeciwko temu. Co więcej, daje taką swobodę w doborze odcieni brązu. I właśnie w tym zakochał się Chris Ofili.

Marka Quinna

Można malować ludzką krwią, ale można też z niej robić rzeźby. Mrożony. I z mojego też. Na jeden taki portret potrzeba około 4 litrów krwi, jeśli nie więcej.

Vala Thompsona

Ale możesz rysować nie tylko krwią i wszelkiego rodzaju wydzielinami. Możesz rysować po samej osobie, a raczej po tym, co po niej zostało. Na przykład Ash, tak jak robi to Val Thompson. Z popiołów powstały już sztuczne diamenty, teraz można jeszcze malować, wystarczy wymieszać je z farbami.

Xiang Chena

Rysować może każdy, najważniejsze, że oczy się nie boją, a ręce to robią. Czasem jednak samo oko, w dosłownym tego słowa znaczeniu, staje się narzędziem twórcy. Artysta Xiang Chen maluje oczami za pomocą specjalnego urządzenia.

Ciąg dalszy nastąpi...

Rysuj nożem, gumą do żucia, taśmą, gwoździami lub haczykami na ryby, słowami i taśmami, bakteriami... nie ma barier dla ludzkiej wyobraźni.

Artyści bujają wyobraźnię i starają się tworzyć niezwykłe obrazy, dodając im wyjątkowości i różnorodności. Niektóre obrazy zachwycają i inspirują, inne przerażają przedstawionymi obrazami.

Wenus z lustrem

Płótno namalował Diego Velazquez podczas podróży do Włoch. Odbywało się to w tajemnicy, ponieważ w Hiszpanii w tym czasie surowo zabronione było przedstawianie nagiej postaci.

Z pracą wiąże się wiele nieprzyjemnych historii. Pierwszym właścicielem był kupiec z Hiszpanii, który po zakupie arcydzieła nagle zbankrutował. Początkowo handel zaczął się pogarszać, a potem nastąpiły poważniejsze kłopoty - piraci przejęli towary, statki zatonęły. Kupiec zaczął sprzedawać swój majątek, aby odrobić straty i sprzedał obraz. „Wenus z lustrem” kupiła inna osoba, która również zajmowała się handlem. Niemal natychmiast jego magazyny spłonęły od uderzenia pioruna. Sprzedał także płótno.

Trzy dni później trzeci właściciel został zadźgany nożem we własnym domu. Potem przez długi czas nikt nie chciał kupić „Wenus z lustrem”. Obraz był przekazywany z jednego muzeum do drugiego, dopóki pewna szalona kobieta imieniem Mary Richardson nie zdewastowała go i nie pocięła tasakiem do mięsa. Płótno zostało odrestaurowane i wróciło do London National Gallery, gdzie pozostaje do dziś.

Krzyk

Autor dzieła Edvard Munch cierpiał na psychozę maniakalno-depresyjną. Często cierpiał na zaburzenia depresyjne, a w nocy nękały go koszmary. Na płótnie Muncha znajduje się mistyczny obraz bezwłosego stworzenia z otwartymi ustami.

Większość krytyków twierdzi, że Edward przedstawił siebie na płótnie. Artysta twierdzi jednak coś zupełnie innego – że to tylko „krzyk natury”. Spacerował z przyjaciółmi i zobaczył zachód słońca, co zainspirowało go do namalowania dziwnego obrazu.

Jeśli wierzyć legendzie, każdy, kto zetknął się z „Krzykiem”, został w ten czy inny sposób skrzywdzony. Jeden pracownik muzeum uległ wypadkowi, drugi popełnił samobójstwo.

Deszczowa Kobieta

Jeden z najbardziej niezwykłych obrazów na świecie został namalowany przez winnicką artystkę Swietłanę Taurus pod koniec lat 90. ubiegłego wieku. Przed nią była nikomu nieznana. Kilka miesięcy przed rozpoczęciem tworzenia Tilets zaczęła mieć wizje. Czasami Swietłana miała wrażenie, że jest obserwowana z boku. Choć artysta próbował odpędzić niepokojące myśli, pojawiły się one ponownie. Po pewnym czasie Byk wpadł na pomysł namalowania portretu tajemniczej kobiety. Zabrała się do pracy, jej dłoń prowadzona była przez jakąś niewidzialną siłę. Portret był gotowy w rekordowo krótkim czasie – w ciągu zaledwie pięciu godzin.

Kilka miesięcy później po mieście zaczęły krążyć pogłoski, że nad obrazem wisi klątwa. Wszyscy klienci pośpieszyli, aby zwrócić go do sklepu ze sztuką, nie odbierając nawet pieniędzy. Każdy z nich twierdził, że płótno ożywa nocą. Ludzie zaczęli cierpieć na bóle głowy i inne dolegliwości, nie mogli spać.

„Kobieta Deszczu” to obraz bardzo klimatyczny i efektowny. Doskonale łączy tło, perspektywę i proporcje. Być może właśnie ten fakt ma taki wpływ na stan emocjonalny właścicieli.

Ostatnia Wieczerza

Płótno przedstawia obraz ostatniej wielkanocnej uczty Jezusa Chrystusa i Jego uczniów-apostołów. Uważa się, że Chrystus mówi o przyszłej zdradzie jednego ze swoich bliskich współpracowników. Artysta starał się oddać reakcję każdego ucznia na wypowiadane zdanie. Już sama nazwa obrazu mówi o jego sakralnym znaczeniu. W tej pracy naprawdę kryją się ukryte symbole i przesłania.

Książę Mediolanu poprosił o wykonanie dzieła na zamówienie. Wiadomo, że da Vinci długo poszukiwał modeli do swojej twórczości. Szczególnie trudny był obraz Chrystusa. Ostatecznie wzorował się na młodej śpiewaczce z chóru kościelnego, która wydawała mu się uosobieniem czystości i duchowości. Najbardziej zdumiewające jest to, że trzy lata później Leonardo znalazł pijaka w rowie i narysował z niego wizerunek Judasza. Jak się okazało, był to wciąż ten sam piosenkarz. Ostatnia Wieczerza została całkowicie ukończona w 1498 roku.

Podczas II wojny światowej kościół, w którym znajdowało się dzieło, został trafiony pociskiem. Budynek uległ całkowitemu zniszczeniu, ale ściana z freskiem cudem ocalała.

Metamorfozy Narcyza

Jeden z najdziwniejszych obrazów Salvadora Dali został namalowany w 1937 roku. To piękne i symboliczne dzieło, do wykonania którego Dali użył specjalnych farb i pędzli. Artysta wypróbował także nową technikę nakładania pociągnięć pędzla.

Obraz przedstawia mężczyznę podziwiającego swoją urodę. Na pierwszym planie siedzi nad stawem i podziwia swoje odbicie, obok niego znajduje się wizerunek kamiennej dłoni z jajkiem. Ten ostatni jest symbolem odrodzenia i nowego życia.

Teraz „Metamorfozy Narcyza” można podziwiać w Tate Gallery w Londynie.

Pocałunek

Arcydzieło zostało namalowane przez austriackiego artystę Gustava Klimta przy użyciu prawdziwego złota płatkowego. Nad jego powstaniem pracował rok. Płótno przedstawia dwoje kochanków obejmujących się na kwietnej łące. Wokół nie ma nic i nikogo, tylko złote tło.

Jedna z wersji głosi, że obraz powstał na zamówienie pewnego hrabiego. Chciał być sfotografowany ze swoją ukochaną. Kiedy dziewczyna zobaczyła obraz, tak jej się spodobał, że od razu zgodziła się zostać żoną hrabiego. Według drugiej wersji „Pocałunek” przedstawia samego Gustawa i jego ukochaną kobietę Emilię.

Taniec

Obraz namalował Henri Matisse, używając jedynie trzech kolorów – zielonego, niebieskiego i czerwonego. Przedstawia wyłącznie ludzi zamrożonych w tańcu i naturze. Nie ma zbędnych szczegółów. Płótno sprawia wrażenie żywego i bardzo dobrze przenosi wibracje.

Taniec wyróżnia się szlachetnością i urzeka naturalnością. Zamysłem artysty było uchwycenie momentu, w którym człowiek jednoczy się z naturą i przepełnia go ekstaza.

Lilie wodne

Krajobraz jest dziełem utalentowanego impresjonisty swoich czasów, Claude'a Moneta. Kiedy skończył pracę nad swoim dziełem, postanowił uczcić to wydarzenie w gronie przyjaciół. W pracowni artysty doszło do małego pożaru, który natychmiast ugaszono. Nikt nie przywiązywał wagi do tego zdarzenia, ale okazało się, że arcydzieło niesie w sobie niewidzialnego ognistego widma.

„Lilie wodne” zawisły w restauracji mieszczącej się na Montmartre. Co zaskakujące, zakład spłonął w ciągu zaledwie jednej nocy. Ale obraz cudem ocalał. Został później zakupiony przez mecenasa sztuki Oscara Schmitza. Rok po zakupie spłonął także jego dom. Co więcej, ogień pojawił się w biurze wraz z płótnem. I znowu arcydzieło pozostało całe i zdrowe. Następną ofiarą krajobrazu jest nowojorskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Przewieziono do niego „lilie wodne”, a kilka miesięcy później wybuchł pożar. Arcydzieło zostało częściowo zwęglone. Po renowacji krajobraz nie wykazywał już właściwości „niebezpiecznych pożarowo”.

Znajduje się tu także wiele ciekawych obrazów namalowanych przez najzdolniejszych artystów. Na świecie jest wielu kreatywnych ludzi, którzy nieustannie wymyślają i tworzą nowe, niezwykłe dzieła.

Niezwykłe obrazy artystów

5 (100%) 1 głos

Ile potrzeba, aby zostać artystą? Może talent? A może możliwość nauczenia się czegoś nowego? A może dzika fantazja? Oczywiście są to wszystkie niezbędne czynniki, ale który jest najważniejszy? Inspiracja. Kiedy artysta dosłownie wkłada swoją duszę w obraz, staje się on żywy. Magia kolorów czyni cuda, ale nie sposób odwrócić wzroku, chcesz poznać każdy najdrobniejszy szczegół...

W tym artykule przyjrzymy się 25 naprawdę genialnym i znanym obrazom.

✰ ✰ ✰

25

„Trwałość pamięci”, Salvador Dali

Ten niewielki obraz przyniósł Dali popularność, gdy miał 28 lat. To nie jedyny tytuł obrazu, ma on także nazwy „Miękkie godziny”, „Męstwo pamięci”, „Twardość pamięci”.

Pomysł malowania przyszedł do artysty w momencie, gdy myślał o serze topionym. Dali nie pozostawił notatki na temat znaczenia i znaczenia obrazu, dlatego naukowcy interpretują go na swój sposób, opierając się na teorii względności Einsteina.

✰ ✰ ✰

24

„Taniec”, Henri Matisse

Obraz jest namalowany tylko w trzech kolorach - czerwonym, niebieskim i zielonym. Symbolizują niebo, ziemię i ludzi. Oprócz „Tańca” Matisse namalował także „Muzykę”. Zamówił je rosyjski kolekcjoner.

Nie ma na nim zbędnych detali, jedynie naturalne tło i sami ludzie, zamrożeni w tańcu. O to właśnie chodziło artyście – uchwycić udany moment, w którym ludzie jednoczą się z naturą i ogarnięci są ekstazą.

✰ ✰ ✰

23

„Pocałunek”, Gustav Klimt

„Pocałunek” to najsłynniejszy obraz Klimta. Pisał ją w „złotym” okresie swojej twórczości. Użył prawdziwego płatka złota. Istnieją dwie wersje biografii obrazu. Według pierwszej wersji obraz przedstawia samego Gustawa z ukochaną Emilią Flöge, której imię wypowiedział jako ostatnie w życiu. Według drugiej wersji pewien hrabia zamówił obraz, aby Klimt namalował jego i jego ukochaną.

Kiedy hrabia zapytał, dlaczego samego pocałunku nie ma na zdjęciu, Klimt stwierdził, że jest artystą i tak to widział. W rzeczywistości Klimt zakochał się w dziewczynie hrabiego i była to swego rodzaju zemsta.

✰ ✰ ✰

22

„Śpiący Cygan”, Henri Rousseau

Płótno odnaleziono zaledwie 13 lat po śmierci autora i od razu stało się jego najdroższym dziełem. Przez całe życie próbował sprzedać go burmistrzowi miasta, ale bezskutecznie.

Obraz przekazuje oryginalne znaczenie i głęboką ideę. Spokój, relaks – takie uczucia wywołuje „Śpiąca Cyganka”.

✰ ✰ ✰

21

„Sąd Ostateczny”, Hieronim Bosch

Obraz jest największym ze wszystkich jego zachowanych dzieł. Obraz nie wymaga wyjaśnienia fabuły, wszystko jest jasne z tytułu. Sąd Ostateczny, Apokalipsa. Bóg sądzi zarówno sprawiedliwych, jak i grzeszników. Obraz podzielony jest na trzy sceny. W pierwszej scenie jest raj, zielone ogrody, błogość.

W centralnej części znajduje się sam Sąd Ostateczny, podczas którego Bóg zaczyna sądzić ludzi za ich czyny. Prawa strona przedstawia piekło, jak się wydaje. Straszne potwory, gorące piekło i potworne tortury grzeszników.

✰ ✰ ✰

20

„Metamorfozy Narcyza”, Salvador Dali

Za podstawę wzięto wiele historii, ale najważniejsza z nich to historia Narcyza – faceta, który tak bardzo zachwycił się swoją urodą, że umarł, bo nie mógł zaspokoić swoich pragnień.

Na pierwszym planie Narcyz siedzi zamyślony nad wodą i nie może oderwać się od własnego odbicia. W pobliżu znajduje się kamienna dłoń trzymająca jajko; jest to symbol odrodzenia i nowego życia.

✰ ✰ ✰

19

„Masakra niewinnych”, Peter Paul Rubens

Obraz powstał na podstawie historii zaczerpniętej z Biblii, kiedy król Herod nakazał zabijanie wszystkich nowo narodzonych chłopców. Obraz przedstawia ogród w pałacu Heroda. Uzbrojeni wojownicy siłą wyrywają dzieci płaczącym matkom i zabijają je. Ziemia usiana jest trupami.

✰ ✰ ✰

18

„Numer 5 1948”, Jacksona Pollocka

Jackson zastosował unikalną metodę nakładania farby na obraz. Położył płótno na ziemi i obszedł je dookoła. Ale zamiast stosować pociągnięcia, wziął pędzle i strzykawki i spryskał nimi płótno. Metodę tę nazwano później „malowaniem akcji”.

Pollock nie posługiwał się szkicami, zawsze polegał wyłącznie na swoich emocjach.

✰ ✰ ✰

17

„Bal w Moulin de la Galette”, Pierre-Auguste Renoir

Renoir jest jedynym artystą, który nie namalował ani jednego smutnego obrazu. Renoir znalazł temat tego obrazu w pobliżu swojego domu, w restauracji Moulin de la Galette. Żywa i wesoła atmosfera panująca w placówce zainspirowała artystę do stworzenia tego obrazu. Do napisania pracy pozowali mu przyjaciele i ulubione modelki.

✰ ✰ ✰

16

„Ostatnia wieczerza”, Leonardo da Vinci

Obraz ten przedstawia ostatnią ucztę Chrystusa z uczniami. Powszechnie przyjmuje się, że ukazany jest moment, w którym Chrystus mówi, że jeden z jego uczniów Go zdradzi.

Da Vinci spędził dużo czasu na poszukiwaniu modeli. Najbardziej złożone były wizerunki Chrystusa i Judasza. W chórze kościelnym Leonardo zauważył młodego śpiewaka i narysował z niego wizerunek Chrystusa. Trzy lata później artysta zobaczył pijaka w rowie i zorientował się, że to właśnie tego szukał, i zaciągnął go do pracowni.

Kiedy skopiował obraz od pijaka, przyznał się mu, że trzy lata temu artysta sam zaczerpnął z niego wizerunek Chrystusa. Okazało się więc, że wizerunki Jezusa i Judasza zostały skopiowane od tej samej osoby, ale w różnych okresach życia.

✰ ✰ ✰

15

„Lilie wodne”, Claude Monet

W 1912 roku u artysty zdiagnozowano zaćmę podwójną i z tego powodu przeszedł operację. Po utracie soczewki w lewym oku artysta zaczął postrzegać światło ultrafioletowe jako niebieskie lub fioletowe, dzięki czemu jego obrazy nabrały nowych, jasnych kolorów. Malując ten obraz Monet widział lilie jako niebieskie, podczas gdy zwykli ludzie widzieli zwykłe białe lilie.

✰ ✰ ✰

14

„Krzyk”, Edvard Munch

Munch cierpiał na psychozę maniakalno-depresyjną i często nękały go koszmary senne i depresja. Wielu krytyków uważa, że ​​​​Munch przedstawił się na zdjęciu – krzycząc w panice i szalonym przerażeniu.

Sam artysta określił znaczenie obrazu jako „krzyk natury”. Opowiadał, że spacerował z przyjaciółmi o zachodzie słońca i niebo zrobiło się krwistoczerwone. Trzęsąc się ze strachu, rzekomo usłyszał ten sam „krzyk natury”.

✰ ✰ ✰

13

Matka Whistlera, James Whistler

Do obrazu pozowała matka artysty. Początkowo chciał, aby matka pozowała na stojąco, ale dla starszej kobiety okazało się to trudne.
Whistler zatytułował swój obraz Aranżacja w szarości i czerni. Matka artysty.” Jednak z biegiem czasu prawdziwe imię zostało zapomniane i ludzie zaczęli nazywać ją „Matką Whistlera”.

Pierwotnie było to zarządzenie członka parlamentu. która chciała, żeby artysta narysował córkę Maggie. Ale w trakcie porzuciła obraz, a James poprosił matkę, aby została modelką w celu dokończenia obrazu.

✰ ✰ ✰

12

„Portret Dory Maar”, Pablo Picasso

Dora weszła w twórczość Picassa jako „kobieta we łzach”. Zauważył, że nigdy nie byłby w stanie namalować jej uśmiechniętej. Głębokie, smutne oczy i smutek na twarzy to cechy charakterystyczne portretów Maara. I oczywiście krwistoczerwone paznokcie – to szczególnie zachwyciło artystkę. Picasso często malował portrety Dory Maar i wszystkie są godne podziwu.

✰ ✰ ✰

11

„Gwiaździsta noc” Vincenta Van Gogha

Obraz przedstawia nocny pejzaż, który artysta wyraził gęstą, jasną kolorystyką i atmosferą nocnego spokoju. Najjaśniejszymi obiektami są oczywiście gwiazdy i księżyc; są one narysowane najwyraźniej.

Wysokie cyprysy rosną na ziemi, jakby marząc o przyłączeniu się do fascynującego tańca gwiazd.

Znaczenie obrazu jest interpretowane na różne sposoby. Niektórzy dopatrują się w nim nawiązań do Starego Testamentu, inni po prostu skłonni są wierzyć, że obraz powstał w wyniku długotrwałej choroby artysty. To właśnie podczas leczenia napisał „Gwiaździstą noc”.

✰ ✰ ✰

10

Olimpia, Edouard Manet

Zdjęcie stało się przyczyną jednego z największych skandalów w historii. Przecież przedstawia nagą dziewczynę leżącą na białych prześcieradłach.
Oburzeni ludzie pluli na artystę, a niektórzy próbowali nawet zniszczyć płótno.

Manet chciał jedynie namalować „nowoczesną” Wenus, aby pokazać, że współczesne kobiety nie są gorsze od kobiet z przeszłości.

✰ ✰ ✰

9

„3 maja 1808”, Francisco Goya

Artysta głęboko przeżył wydarzenia związane z atakiem Napoleona. W maju 1808 roku tragicznie zakończyło się powstanie ludu madryckiego, co tak bardzo poruszyło duszę artysty, że 6 lat później przelał on swoje przeżycia na płótno.

Wojna, śmierć, strata - wszystko to jest przedstawione na obrazie tak realistycznie, że wciąż fascynuje umysły wielu.

✰ ✰ ✰

8

„Dziewczyna z perłą”, Jan Vermeer

Obraz miał inny tytuł: „Dziewczyna w turbanie”. Ogólnie o obrazie niewiele wiadomo. Według jednej wersji Jan namalował własną córkę Marię. Na zdjęciu dziewczyna zdaje się zwracać do kogoś, a wzrok widza skupia się na perłowym kolczyku w uchu dziewczynki. Blask kolczyka odbija się zarówno w oczach, jak i na ustach.

Na podstawie filmu powstała powieść, a później powstał film o tym samym tytule.

✰ ✰ ✰

7

„Nocna straż”, Rembrandt

To jest portret grupowy kompanii kapitana Fransa Banninga Koka i porucznika Willema van Ruytenburga. Portret namalowany został na zamówienie Towarzystwa Strzeleckiego.
Pomimo całej trudności treści obraz jest pełen ducha parady i powagi. To tak, jakby muszkieterowie pozowali dla artysty, zapominając o bitwie.
Później obraz został przycięty ze wszystkich stron, aby zmieścił się w nowej sali. Niektóre strzałki zniknęły z obrazu na zawsze.

✰ ✰ ✰

6

Las Meninas, Diego Velazquez

Na obrazie artysta maluje portrety króla Filipa IV i jego żony, których widać w odbiciu w lustrze. W centrum kompozycji znajduje się ich pięcioletnia córka, otoczona orszakiem.

Wielu wierzy, że Velázquez chciał przedstawić siebie w momencie twórczości – „malując i malując”.

✰ ✰ ✰

5

„Pejzaż z upadkiem Ikara”, Pieter Bruegel

Jest to jedyna zachowana praca artysty o tematyce mitów.

Główny bohater obrazu jest praktycznie niewidoczny. Wpadł do rzeki, z powierzchni wody wystawały mu jedynie nogi. Pióra Ikara, które wyleciały z upadku, są rozrzucone na powierzchni rzeki. A ludzie są zajęci swoimi sprawami, nikt nie przejmuje się upadłym młodzieńcem.

Wydawać by się mogło, że obraz jest tragiczny, bo przedstawia śmierć młodego mężczyzny, jednak obraz namalowany jest w spokojnych, przyćmionych barwach i zdaje się mówić: „nic się nie stało”.

✰ ✰ ✰

4

„Szkoła ateńska”, Rafael

Przed „Szkołą ateńską” Rafael miał niewielkie doświadczenie z freskami, ale, co zaskakujące, ten fresk okazał się znakomicie doskonały.

Obraz ten przedstawia Akademię założoną przez Platona w Atenach. Spotkania Akademii odbywały się w plenerze, jednak artysta uznał, że bardziej błyskotliwe pomysły rodzą się w świetnie wykonanym zabytkowym budynku i dlatego przedstawiają studentów nie na tle natury. Rafael przedstawił się także na fresku.

✰ ✰ ✰

3

„Stworzenie Adama”, Michał Anioł

To czwarty z dziewięciu fresków na suficie Kaplicy Sykstyńskiej na temat stworzenia świata. Michał Anioł nie uważał się za wielkiego artystę; pozycjonował się jako rzeźbiarz. Dlatego ciało Adama na zdjęciu jest tak proporcjonalne i ma wyraziste rysy.

W 1990 roku odkryto, że obraz Boga szyfruje anatomicznie dokładną strukturę ludzkiego mózgu. Michał Anioł mógł dobrze znać anatomię człowieka.

✰ ✰ ✰

2

„Mona Lisa”, Leonardo da Vinci

Mona Lisa do dziś pozostaje jednym z najbardziej tajemniczych obrazów w świecie sztuki. Krytycy wciąż spierają się, kto tak naprawdę jest na nim przedstawiony. Wielu jest skłonnych wierzyć, że Mona Lisa jest żoną Francesco Giocondy, który poprosił artystę o namalowanie portretu.

Główną tajemnicą obrazu jest uśmiech kobiety. Istnieje wiele wersji – począwszy od ciąży kobiety i uśmiechem ujawniającym ruch płodu, a skończywszy na tym, że tak naprawdę jest to autoportret artystki w kobiecym wizerunku. Cóż, pozostaje tylko zgadnąć i podziwiać niesamowite piękno obrazu.

✰ ✰ ✰

1

„Narodziny Wenus”, Sandro Botticelli

Obraz przedstawia mit o narodzinach bogini Wenus. Bogini narodziła się z piany morskiej wcześnie rano. Bóg wiatru Zefir pomaga bogini dopłynąć w jej skorupie do brzegu, gdzie spotyka ją bogini Ora. Obraz uosabia narodziny miłości, wywołuje poczucie piękna, bo na świecie nie ma nic piękniejszego niż miłość.

✰ ✰ ✰

Wniosek

Staraliśmy się uwzględnić w tym artykule tylko niektóre z najpopularniejszych obrazów na świecie. Ale jest też wiele innych, równie interesujących arcydzieł sztuki pięknej. Jakie obrazy uważasz za popularne?