Wiadomość o ilustratorze. Ilustracje Iwana Bilibina (165 prac)

1.3 Znani ilustratorzy

Ilustracja to nie tylko dodatek do tekstu, ale dzieło sztuki swoich czasów. Ilustracja do książek dla dzieci służy wielu celom. Urzeczywistnia fantazje, ożywia wspomnienia, pomaga uczestniczyć w przygodach, rozwija umysł, serce i duszę dziecka. Wielka odpowiedzialność w tej szlachetnej sprawie spada na barki ilustratora. Pragnę przypomnieć znanych ilustratorów krajowych i zagranicznych, którzy wnieśli znaczący wkład w sztukę ilustracji książek dla dzieci.

Ilustratorem rosyjskiej bajki był wspaniały artysta Iwan Jakowlewicz Bilibin (1876–1942). Zyskał sławę jako jeden z najbardziej wyjątkowych i oryginalnych grafików, twórca szczególnego rodzaju książki ilustrowanej. Jest to wielkoformatowy cienki zeszyt zeszytowy, wyposażony w duże kolorowe rysunki. Artysta był tu autorem nie tylko rysunków, ale także wszystkich elementów zdobniczych księgi – okładki, inicjałów, specjalnego rodzaju czcionki i zdobniczych dekoracji. W latach 1901–1903 Bilibin stworzył ilustracje do bajek „Żaba księżniczka”, „Piękna Wasylisa”, „Maria Morevna”, „Biała kaczka” itp. Jego prace do bajek A. S. Puszkina „Opowieść o carze” Saltana”, „Opowieść o złotym koguciku”, „Opowieść o rybaku i rybie”. Cechą ilustracji Bilibina jest humor oraz owa bezlitosna i ostra ironia, tak charakterystyczna dla rosyjskich opowieści ludowych. Bilibin z zapałem pracuje nad szkicami do pierwszej produkcji Złotego koguta Rimskiego-Korsakowa. Baśniowi bohaterowie – dobrzy i źli, piękni i brzydcy – niepokoili nas od dzieciństwa, uczyli kochać dobro i piękno, nienawidzić zła, tchórzostwa i niesprawiedliwości.

Wiktor Michajłowicz Wasniecow (1848–1926) to jeden z pierwszych rosyjskich artystów, który przekroczył granice konwencjonalnych gatunków i pokazał baśniowy świat oświetlony poetycką wyobraźnią ludzi. Wasnetsow był jednym z pierwszych rosyjskich artystów, który zaczął odtwarzać w malarstwie obrazy z baśni ludowych i eposów. Jego los potoczył się tak, jakby z góry było mu przeznaczone zostać śpiewakiem rosyjskiej bajki. Dzieciństwo spędził w surowym, malowniczym regionie Wiatka. Rozmowny kucharz opowiadający dzieciom bajki, historie wędrowców, którzy wiele w życiu widzieli, jak twierdzi sam artysta, „rozkochał mnie w przeszłości i teraźniejszości mojego ludu na całe życie i pod wieloma względami zdeterminowało moją ścieżkę.” Już na początku swojej twórczości stworzył szereg ilustracji do Małego Garbatego Konia i „Ognistego Ptaka”. Oprócz baśni ma dzieła poświęcone bohaterskim wizerunkom eposów. „Rycerz na rozdrożu”, „Trzej bohaterowie”. Słynny obraz „Iwan Carewicz o szarym wilku” został napisany na podstawie fabuły jednej z najbardziej znanych i rozpowszechnionych bajek, reprodukowanej w popularnych drukach XVIII wieku.

Jurij Aleksiejewicz Wasniecow (1900-1973) - ilustrował i projektował rosyjskie bajki ludowe, pieśni, rymowanki, a także książki znanych autorów dla dzieci: W. Bianki, K. Czukowskiego, S. Marshaka itp. Słusznie nazywany jest artystą z rosyjskich baśni. „Trzy Misie”, „Mały Garbaty Konik”, „Teremok” i wiele innych. Fantastyczne, bajeczne krajobrazy oparte są na wrażeniach prawdziwej rosyjskiej przyrody. Ptaki i zwierzęta artysty nabierają nawyków, które zauważył w rzeczywistości. Oprócz krajowych mistrzów są wspaniali zagraniczni artyści, którzy stworzyli wiele niesamowitych i pięknych ilustracji bajek.

Moritz von Schwytz (1804-1871) słynny niemiecki malarz i ilustrator. Tworzył tzw. „ilustracje monumentalne” na podstawie baśni. Są to duże płótna artystyczne, które można oglądać w salach Alte Pinakothek w Monachium. Powszechnie znanych jest jedenaście akwareli Schwitza, są to cykle „Kopciuszek”, „Siedem kruków i wierna siostra”, „Piękna Meluzyna”. Stworzył słynne, wielokrotnie reprodukowane grafiki do baśni „Siedmiu Szwabów”, „Kot w butach”, do zbioru „Pieśni, zagadki i bajki dla dzieci starych i nowych”, „Bajki” La Fontaine’a. Jego ilustracje do baśni „Jałowiec”, legendy o Rübetzal i dobrodusznego patriarchalnego „Historii pięknej syreny” E. Mörike’a są niezwykle wyraziste emocjonalnie.

Styl graficzny słynnego francuskiego artysty i rzeźbiarza Gustave’a Doré (1833-1883), łączący lekkość kreski z napiętą linią i umiejętność wzbogacania istoty ilustrowanego dzieła niezliczonymi oryginalnymi znaleziskami, spotkał się z entuzjastycznym przyjęciem Francuzów publiczny. Doré jest jednym z najbardziej znanych i płodnych ilustratorów drugiej połowy XIX wieku. Prawdziwą sławę przyniosły mu ilustracje książkowe do dzieł literackich: „Rabelais Illustrated” (1854), „Don Kichot” Cervantesa (1862), „Boska Komedia” Dantego (1861-1868), a także ilustracje do Balzaca i Miltona. Ilustracje Doré do baśni Charlesa Perraulta uważane są za klasyczne.

Jon Bauer (1882-1917) stał się powszechnie znany dzięki ilustracjom do książki Among Dwarves and Trolls (szwedzki: Bland tomtar och troll), publikowanej co roku w Szwecji w Boże Narodzenie. To on stworzył tradycję przedstawiania bajkowego lasu i zamieszkujących go magicznych postaci. Bauer specjalizował się w ilustracjach legend skandynawskich.

Całą galerię bajecznych wizerunków humanizowanych zwierząt stworzył Granville (jego prawdziwe nazwisko to Gerard Jean-Ignace Isidore) (1803-1847) - francuski artysta, grafik, karykaturzysta i ilustrator. Miał ogromny wpływ na ukształtowanie się stylu książek obrazkowych dla dzieci. Ilustrował bajki La Fontaine’a (1837), „Przygody Guliwera” J. Swifta (1839-1843).

Na przełomie wieków w Wielkiej Brytanii pojawili się nowi utalentowani autorzy. Na początku XX wieku niektóre z najlepszych książek opublikowanych wcześniej przez F.Kh. Burnett, E. Nesbit i R. Kipling. W literaturze angielskiej tego okresu wyróżnia się wybitny poeta i prozaik Joseph Rudyard Kipling. Jest połączeniem głęboko konserwatywnego światopoglądu i błyskotliwego, oryginalnego talentu. W jego bajkach dla dzieci triumfuje dobry humor i bogata wyobraźnia. Jako artysta Kipling wykonał ilustracje do niektórych bajek.

Kate Greenaway (1846-1901) była angielską artystką, która zasłynęła ilustracjami do książek dla dzieci, w tym także bajek. Pierwsza książka Greenwaya „Pod oknem” odniosła ogromny sukces. Do najsłynniejszych dzieł artysty należały ilustracje do „Opowieści o Matce Gęsi” oraz do legendy o fleciście z Hamelin.

Znaczący ślad w historii ilustracji dziecięcej pozostawili Disney, Jonaitis, Kittelsen, Tuvi Janson (ilustrowała własne bajki o Muminkach) i O. Balovintseva, która zyskała szeroką sławę dzięki wspaniałym ilustracjom do bajek arabskich .

Rozdział II. Grafika komputerowa w ilustracji książkowej

Napisał do Goethego. Problemy te są tylko pośrednio związane z naszą pracą. Jednak i tutaj można doszukać się pewnych powiązań. Celem naszej pracy jest automatyzacja i testowanie metod psychodiagnostycznych w pracy doradczej z uczniami szkół średnich. W dosłownym tłumaczeniu słowo ekologia oznacza naukę badającą dom i dom. Inaczej mówiąc, pewne siedlisko. W naszym przypadku, biorąc pod uwagę...

Na miejsce eksperymentu wybrano klasę 9 A. W tej klasie jest 29 osób: 17 chłopców i 12 dziewcząt. Cel eksperymentu: rozpoznanie psychologicznych i pedagogicznych uwarunkowań samostanowienia zawodowego uczniów w procesie nauczania biologii; a także kształtowanie trwałej pozytywnej motywacji do studiowania kursu biologii i rozwój zawodowego samostanowienia studentów podczas studiowania kursu „Ogólne...

17.01.2012 Ocena: 0 Głosów: 0 Komentarzy: 23

Jaki pożytek z książki, pomyślała Alicja.
- jeśli nie ma w nim zdjęć ani rozmów?
„Przygody Alicji w Krainie Czarów”

Co zaskakujące, ilustracje dla dzieci w Rosji (ZSRR)
Istnieje dokładny rok urodzenia - 1925. W tym roku
w Leningradzie utworzono wydział literatury dziecięcej
Państwowe Wydawnictwo (GIZ). Przed tą książką
z ilustracjami nie zostały opublikowane specjalnie dla dzieci.

Kim oni są – autorami najbardziej ukochanych, pięknych ilustracji, które od dzieciństwa zapadają w pamięć i cieszą się sympatią naszych dzieci?
Dowiedz się, zapamiętaj, podziel się swoją opinią.
W artykule wykorzystano historie rodziców obecnych dzieci oraz recenzje książek na stronach księgarń internetowych.

Władimir Grigoriewicz Suteev(1903-1993, Moskwa) - pisarz dziecięcy, ilustrator i animator. Jego życzliwe, wesołe zdjęcia przypominają fotosy z kreskówek. Rysunki Suteeva zamieniły wiele bajek w arcydzieła.
Na przykład nie wszyscy rodzice uważają dzieła Korneya Czukowskiego za niezbędną klasykę, a większość z nich nie uważa jego dzieł za utalentowane. Ale chcę trzymać w rękach bajki Czukowskiego, zilustrowane przez Władimira Sutejewa, i czytać je dzieciom.

Borys Aleksandrowicz Dechteriew(1908-1993, Kaługa, Moskwa) - artysta ludowy, grafik radziecki (uważa się, że „szkoła Dechterewa” zdeterminowała rozwój grafiki książkowej w kraju), ilustrator. Zajmował się głównie rysunkiem ołówkiem i techniką akwareli. Stare dobre ilustracje Dechterewa to cała epoka w historii ilustracji dla dzieci, wielu ilustratorów nazywa Borysa Aleksandrowicza swoim nauczycielem.

Dekhterev ilustrował bajki dla dzieci Aleksandra Siergiejewicza Puszkina, Wasilija Żukowskiego, Charlesa Perraulta i Hansa Christiana Andersena. A także dzieła innych pisarzy rosyjskich i światowej klasyki, na przykład Michaiła Lermontowa, Iwana Turgieniewa, Williama Szekspira.

Nikołaj Aleksandrowicz Ustinow(ur. 1937, Moskwa), jego nauczycielem był Dechterew, a wielu współczesnych ilustratorów uważa już Ustinova za swojego nauczyciela.

Nikołaj Ustinow – artysta ludowy, ilustrator. Bajki z jego ilustracjami ukazywały się nie tylko w Rosji (ZSRR), ale także w Japonii, Niemczech, Korei i innych krajach. Prawie trzysta dzieł słynnego artysty zilustrowano dla wydawnictw: „Literatura dla dzieci”, „Małysz”, „Artysta RSFSR”, wydawnictw w Tule, Woroneżu, Petersburgu i innych. Pracowała w magazynie Murzilka.
Ilustracje Ustinova do rosyjskich baśni ludowych pozostają najbardziej ukochanymi przez dzieci: Trzy Niedźwiedzie, Masza i Niedźwiedź, Mała Lisia Siostra, Żaba Księżniczka, Gęsi i Łabędzie i wiele innych.

Jurij Aleksiejewicz Wasniecow(1900-1973, Wiatka, Leningrad) - artysta ludowy i ilustrator. Wszystkie dzieci lubią jego obrazki do pieśni ludowych, rymowanek i dowcipów (Ladushki, Rainbow-arc). Ilustrował podania ludowe, baśnie Lwa Tołstoja, Piotra Jerszowa, Samuila Marszaka, Witalija Bianki i innych klasyków literatury rosyjskiej.

Kupując książki dla dzieci z ilustracjami Jurija Wasnetsowa, upewnij się, że zdjęcia są wyraźne i umiarkowanie jasne. Używając nazwiska znanego artysty, ostatnio często publikowano książki z niejasnymi skanami rysunków lub ze zwiększoną nienaturalną jasnością i kontrastem, co nie jest zbyt dobre dla oczu dzieci.

Leonid Wiktorowicz Władimirski(ur. 1920, Moskwa) to rosyjski grafik i najpopularniejszy ilustrator książek o Buratino A. N. Tołstoja i o Szmaragdowym Mieście A. M. Wołkowa, dzięki którym stał się powszechnie znany w Rosji i krajach byłego ZSRR. Malowany akwarelami. To ilustracje Władimirskiego są przez wielu uważane za klasyczne wśród dzieł Wołkowa. Cóż, Pinokio w postaci, w jakiej znało go i kochało kilka pokoleń dzieci, to niewątpliwie jego zasługa.

Wiktor Aleksandrowicz Czyżykow(ur. 1935 w Moskwie) - Artysta Ludowy Rosji, autor wizerunku niedźwiadka Miszki, maskotki Letnich Igrzysk Olimpijskich 1980 w Moskwie. Ilustrator magazynów „Krokodyl”, „Funny Pictures”, „Murzilka”, przez wiele lat rysował dla magazynu „Dookoła Świata”.
Czyżikow ilustrował dzieła Siergieja Michałkowa, Nikołaja Nosowa (Vitya Maleev w szkole i w domu), Iriny Tokmakowej (Alya, Klyaksich i litera „A”), Aleksandra Wołkowa (Czarnoksiężnik ze Szmaragdowego Miasta), wiersze Andrieja Usaczewa, Korney Czukowski i Agnia Barto oraz inne książki.

Aby być uczciwym, warto zauważyć, że ilustracje Czyżikowa są dość specyficzne i kreskówkowe. Dlatego nie wszyscy rodzice wolą kupować książki z jego ilustracjami, jeśli istnieje alternatywa. Na przykład wiele osób woli książki „Czarnoksiężnik ze Szmaragdowego Miasta” z ilustracjami Leonida Władimirskiego.

Nikołaj Ernestowicz Radłow(1889-1942, Petersburg) – rosyjski artysta, historyk sztuki, pedagog. Ilustrator książek dla dzieci: Agnia Barto, Samuil Marshak, Sergei Mikhalkov, Alexander Volkov. Radlov rysował z wielką przyjemnością dla dzieci. Jego najsłynniejszą książką są komiksy dla dzieci „Opowieści w obrazkach”. Jest to album-książka zawierająca zabawne historie o zwierzętach i ptakach. Lata minęły, a kolekcja nadal cieszy się dużym zainteresowaniem. Historie na zdjęciach były wielokrotnie publikowane nie tylko w Rosji, ale także w innych krajach. Na międzynarodowym konkursie książki dla dzieci w Ameryce w 1938 roku książka otrzymała drugą nagrodę.

Aleksiej Michajłowicz Łaptiew(1905-1965, Moskwa) - grafik, ilustrator książek, poeta. Prace artysty znajdują się w wielu muzeach regionalnych, a także w kolekcjach prywatnych w Rosji i za granicą. Ilustrował „Przygody Dunna i jego przyjaciół” Nikołaja Nosowa, „Bajki” Iwana Kryłowa oraz magazyn „Funny Pictures”. Książka z jego wierszami i obrazkami „Peak, pak, pok” jest bardzo kochana przez więcej niż jedno pokolenie dzieci i rodziców (Briff, chciwy niedźwiedź, źrebięta Czernysz i Ryzhik, pięćdziesiąt króliczków i inne)

Iwan Jakowlew Bilibin(1876-1942, Leningrad) – rosyjski artysta, ilustrator książek i scenograf teatralny. Bilibin zilustrował wiele baśni, w tym Aleksandra Siergiejewicza Puszkina. Opracował własny styl - „Bilibinsky” - graficzne przedstawienie uwzględniające tradycje starożytnej sztuki rosyjskiej i ludowej, starannie narysowany i szczegółowy wzorzysty rysunek konturowy, zabarwiony akwarelami. Styl Bilibina stał się popularny i zaczęto go naśladować.

Dla wielu baśnie, eposy i obrazy starożytnej Rusi od dawna są nierozerwalnie związane z ilustracjami Bilibina.

Władimir Michajłowicz Konaszewicz(1888-1963, Nowoczerkassk, Leningrad) – rosyjski artysta, grafik, ilustrator. Ilustrowaniem książek dla dzieci zajęłam się przez przypadek. W 1918 roku jego córka miała trzy lata. Konashevich rysował dla niej obrazki dla każdej litery alfabetu. Jeden z moich znajomych widział te rysunki i spodobały im się. Tak ukazało się „ABC w obrazach” – pierwsza książka V. M. Konaszewicza. Od tego czasu artysta stał się ilustratorem książek dla dzieci.
Od lat trzydziestych XX wieku głównym dziełem jego życia stało się ilustrowanie literatury dziecięcej. Konashevich ilustrował także literaturę dla dorosłych, zajmował się malarstwem i rysował obrazy w swojej ulubionej specyficznej technice - tuszem lub akwarelą na chińskim papierze.

Główne dzieła Władimira Konashewicza:
- ilustracja baśni i pieśni różnych ludów, niektóre z nich były ilustrowane wielokrotnie;
- bajki G.Kh. Andersen, bracia Grimm i Charles Perrault;
- „Stary człowiek roku” V. I. Dahla;
- prace Korneya Czukowskiego i Samuila Marshaka.
Ostatnią pracą artysty była ilustracja wszystkich baśni A. S. Puszkina.

Anatolij Michajłowicz Sawczenko(1924-2011, Nowoczerkassk, Moskwa) - animator i ilustrator książek dla dzieci. Anatoly Savchenko był scenografem do filmów animowanych „Kid and Carlson” i „Carlson is Back” oraz autorem ilustracji do książek Astrid Lindgren. Najsłynniejsze dzieła kreskówkowe z jego bezpośrednim udziałem: Moidodyr, przygody Murzilki, Petyi i Czerwonego Kapturka, Vovka w dalekim królestwie, Dziadek do orzechów, Mucha Tsokotukha, Papuga Kesha i inne.
Dzieciom znają ilustracje Sawczenki z książek: „Świnka się obraziła” Władimira Orłowa, „Małe ciastko Kuzya” Tatiany Aleksandrowej, „Bajki dla najmłodszych” Giennadija Cyferowa, „Mała Baba Jaga” Otfrieda Preusslera, a także a także książki z dziełami podobnymi do kreskówek.

Oleg Władimirowicz Wasiliew(ur. 1931, Moskwa). Jego prace znajdują się w zbiorach wielu muzeów sztuki w Rosji i USA, m.in. w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie. Od lat 60-tych, od ponad trzydziestu lat projektuje książki dla dzieci we współpracy z Eryk Władimirowicz Bułatow(ur. 1933, Swierdłowsk, Moskwa).
Najbardziej znane są ilustracje tego artysty do baśni Charlesa Perraulta i Hansa Andersena, wierszy Walentina Bieriestowa i baśni Giennadija Cyferowa.

Borys Arkadiewicz Diodorow(ur. 1934, Moskwa) - Artysta Ludowy. Ulubioną techniką jest trawienie kolorem. Autor ilustracji do wielu dzieł klasyków rosyjskich i zagranicznych. Najbardziej znane są jego ilustracje do baśni:

Jan Ekholm „Tutta Karlsson Pierwsza i Jedyna, Ludwig XIV i inni”;
- Selma Lagerlöf „Niezwykła podróż Nilsa z dzikimi gęsiami”;
- Siergiej Aksakow „Szkarłatny kwiat”;
- twórczość Hansa Christiana Andersena.

Diodorow zilustrował ponad 300 książek. Jego prace publikowano w USA, Francji, Hiszpanii, Finlandii, Japonii, Korei Południowej i innych krajach. Pracował jako główny artysta wydawnictwa „Literatura Dziecięca”.

Jewgienij Iwanowicz Charuszyn(1901-1965, Wiatka, Leningrad) - grafik, rzeźbiarz, prozaik i autor zwierząt dziecięcych. Większość ilustracji wykonana jest w stylu swobodnych rysunków akwarelowych, z odrobiną humoru. Dzieci to lubią, nawet małe dzieci. Znany jest z ilustracji zwierząt, które rysował do własnych opowiadań: „O Tomce”, „Wilk i inni”, „Nikitka i jego przyjaciele” i wielu innych. Ilustrował także innych autorów: Czukowskiego, Prishvina, Bianchi. Najbardziej znaną książką z jego ilustracjami są „Dzieci w klatce” Samuila Jakowlewicza Marshaka.

Jewgienij Michajłowicz Rachev(1906-1997, Tomsk) - artysta zajmujący się zwierzętami, grafik, ilustrator. Ilustrował głównie rosyjskie podania ludowe, baśnie i opowieści klasyków literatury rosyjskiej. Ilustrował głównie dzieła, w których głównymi bohaterami są zwierzęta: rosyjskie bajki o zwierzętach, bajki.

Iwan Maksimowicz Semenow(1906-1982, Rostów nad Donem, Moskwa) – artysta ludowy, grafik, karykaturzysta. Semenow pracował w gazetach „Komsomolskaja Prawda”, „Pionerskaja Prawda”, czasopismach „Smena”, „Krokodyl” i innych. Już w 1956 roku z jego inicjatywy powstało pierwsze w ZSRR czasopismo humorystyczne dla małych dzieci „Funny Pictures”.
Jego najsłynniejsze ilustracje to opowieści Nikołaja Nosowa o Kolii i Miszce (Fantasers, Living Hat i inne) oraz rysunki „Bobik odwiedzający Barbosa”.

Nazwiska innych znanych współczesnych rosyjskich ilustratorów książek dla dzieci:

- Wiaczesław Michajłowicz Nazaruk(ur. 1941, Moskwa) - scenograf kilkudziesięciu filmów animowanych: Szop pracz, Przygody kota Leopolda, Matka małego mamuta, Bajki Bazhowa i ilustrator książek pod tym samym tytułem.

- Nadieżda Bugosławska(autor artykułu nie znalazł informacji biograficznych) - autor miłych, pięknych ilustracji do wielu książek dla dzieci: Wiersze i pieśni Matki Gęsi, wiersze Borysa Zachodera, dzieła Siergieja Michałkowa, dzieła Daniila Charmsa, opowiadania Michaiła Zoszczenki, „Pippi Pończoszanka” Astrid Lindgren i innych.

- Igor Egunow(autor artykułu nie znalazł informacji biograficznych) - artysta współczesny, autor barwnych, dobrze rysowanych ilustracji do książek: „Przygody barona Munchausena” Rudolfa Raspe, „Mały garbaty koń” Piotra Erszowa, wróżka opowieści o braciach Grimm i Hoffmann, opowieści o rosyjskich bohaterach.

- Jewgienij Antonenkow(ur. 1956 w Moskwie) - ilustrator, ulubioną techniką jest akwarela, pióro i papier, technika mieszana. Ilustracje są nowoczesne, niezwykłe i wyróżniają się spośród innych. Niektórzy patrzą na nie obojętnie, inni zakochują się w zabawnych obrazkach od pierwszego wejrzenia.
Najsłynniejsze ilustracje: do bajek o Kubusiu Puchatku (Alan Alexander Milne), „Bajki rosyjskich dzieci”, wiersze i bajki Samuila Marshaka, Korneya Czukowskiego, Gianniego Rodari, Yunny Moritz. „Głupi koń” Władimira Levina (angielskie starożytne ballady ludowe), zilustrowany przez Antonenkowa, to jedna z najpopularniejszych książek minionego roku 2011.
Evgeniy Antonenkov współpracuje z wydawnictwami w Niemczech, Francji, Belgii, USA, Korei, Japonii, jest stałym uczestnikiem prestiżowych wystaw międzynarodowych, laureatem konkursu White Crow (Bolonia, 2004), zdobywcą dyplomu Książka Roku ( 2008).

- Igor Juljewicz Oleynikow(ur. 1953, Moskwa) - artysta-animator, zajmuje się głównie animacją rysunkową, ilustratorką książek. Co zaskakujące, tak utalentowany współczesny artysta nie ma specjalnego wykształcenia artystycznego.
W animacji Igor Oleinikov znany jest z filmów: „Sekret trzeciej planety”, „Opowieść o carze Saltanie”, „Sherlock Holmes i ja” i innych. Współpracowała z czasopismami dla dzieci „Tramwaj”, „Ulica Sezamkowa” „Dobranoc dzieciaki!” i inne.
Igor Oleynikov współpracuje z wydawnictwami w Kanadzie, USA, Belgii, Szwajcarii, Włoszech, Korei, Tajwanie i Japonii oraz bierze udział w prestiżowych międzynarodowych wystawach.
Najsłynniejsze ilustracje artysty do książek: „Hobbit, czyli tam i z powrotem” Johna Tolkiena, „Przygody barona Munchausena” Ericha Raspe, „Przygody Myszki Despereaux” Kate DiCamillo, „Piotruś Pan” Jamesa Barriego. Najnowsze książki z ilustracjami Oleinikowa: wiersze Daniila Kharmsa, Josepha Brodskiego, Andrieja Usaczewa.

Anna Agrowa

" Poprzedni

Dziedzictwo artystyczne mistrza nie ogranicza się do grafiki książkowej. A. F. Pakhomov jest autorem monumentalnych obrazów, obrazów, grafik sztalugowych: rysunków, akwareli, licznych grafik, w tym ekscytujących arkuszy z serii „Leningrad w czasach oblężenia”. Tak się jednak złożyło, że w literaturze poświęconej artyście istniało błędne wyobrażenie o prawdziwej skali i czasie jego działalności. Czasem relacje z jego twórczości zaczynały się dopiero od prac z połowy lat 30., a czasem nawet później – od serii litografii z lat wojny. Takie ograniczone podejście nie tylko zawęziło i ograniczyło ideę oryginalnego i żywego dziedzictwa A. F. Pachomowa, tworzonego przez ponad pół wieku, ale także zubożyło całą sztukę radziecką.

Potrzeba studiowania twórczości A. F. Pachomowa jest już dawno spóźniona. Pierwsza monografia na jego temat ukazała się w połowie lat 30. XX w. Naturalnie uwzględniono w nim tylko część prac. Pomimo tego i pewnego ograniczonego rozumienia tradycji charakterystycznych dla tamtych czasów, dzieło pierwszego biografa V.P. Anikievy zachowało swoją wartość zarówno od strony merytorycznej, jak i (po niezbędnych korektach) koncepcyjnej. W esejach o artyście publikowanych w latach 50. zakres materiału z lat 20. i 30. okazał się węższy, a zakres twórczości kolejnych okresów bardziej selektywny. Dziś opisowa i wartościująca strona prac o oddalonym od nas o dwie dekady A.F. Pakhomovie zdaje się utracić wiele ze swojej wiarygodności.

W latach 60. A.F. Pakhomov napisał oryginalną książkę „O swojej twórczości”. Książka wyraźnie pokazała błędność wielu dominujących poglądów na temat jego twórczości. Wyrażone w tym dziele przemyślenia artysty na temat czasu i sztuki, a także obszerny materiał z nagrań rozmów z Aleksiejem Fedorowiczem Pachomowem, dokonanych przez autora tych wersów, pomogły w stworzeniu oferowanej czytelnikom monografii.

A.F. Pakhomov posiada niezwykle dużą liczbę dzieł malarstwa i grafiki. Nie pretendując do ich wyczerpującego omówienia, autor monografii uznał za swoje zadanie przedstawienie głównych aspektów twórczości mistrza, jej bogactwa i oryginalności, a także nauczycieli i współpracowników, którzy przyczynili się do powstania twórczości A. F. Pachomowa sztuka. Obywatelski duch, głęboka witalność i realizm charakterystyczny dla twórczości artysty pozwoliły ukazać rozwój jego twórczości w stałym i ścisłym związku z życiem narodu radzieckiego.

Będąc jednym z największych mistrzów sztuki radzieckiej, A.F. Pakhomov przez całe swoje długie życie i karierę twórczą żywił żarliwą miłość do Ojczyzny i jej mieszkańców. Wysoki humanizm, prawdomówność, bogactwo wyobraźni sprawiają, że jego prace są tak szczere, szczere, pełne ciepła i optymizmu.

W obwodzie Wołogdy, w pobliżu miasta Kadników, nad brzegiem rzeki Kubeny, znajduje się wieś Varlamovo. Tam 19 września (2 października) 1900 r. Chłopce Efimii Petrovnej Pakhomowej urodził się chłopiec, któremu nadano imię Aleksiej. Jego ojciec, Fiodor Dmitriewicz, pochodził z rolników „apanaskich”, którzy w przeszłości nie znali okropności pańszczyzny. Okoliczność ta odegrała ważną rolę w sposobie życia i dominujących cechach charakteru oraz rozwinęła umiejętność zachowywania się prosto, spokojnie i z godnością. Zakorzenione były tu także cechy szczególnego optymizmu, otwartości umysłu, duchowej bezpośredniości i szybkości reagowania. Aleksiej wychował się w środowisku pracy. Nie żyło nam się dobrze. Jak w całej wsi, własnego chleba zabrakło do wiosny; trzeba było go kupić. Wymagany był dodatkowy dochód, który zapewniali dorośli członkowie rodziny. Jeden z braci był kamieniarzem. Wielu innych mieszkańców wsi pracowało jako stolarze. A jednak wczesny okres życia młody Aleksiej zapamiętał jako najbardziej radosny. Po dwóch latach nauki w szkole parafialnej, a następnie przez kolejne dwa lata w szkole ziemskiej w sąsiedniej wsi, został wysłany „na koszt państwa i za rządowe żarcie” do wyższej szkoły podstawowej w mieście Kadników. Czas spędzony tam na nauce pozostał w pamięci A.F. Pachomowa jako bardzo trudny i głodny. „Odtąd beztroskie dzieciństwo w domu ojca” – powiedział – „zawsze wydawało mi się najszczęśliwszym i najbardziej poetyckim czasem i ta poetyzacja dzieciństwa stała się później głównym motywem mojej twórczości”. Zdolności artystyczne Aleksieja ujawniły się wcześnie, chociaż tam, gdzie mieszkał, nie było warunków do ich rozwoju. Ale nawet pod nieobecność nauczycieli chłopiec osiągnął pewne wyniki. Sąsiedni właściciel ziemski W. Zubow zwrócił uwagę na jego talent i podarował Aloszy ołówki, papier oraz reprodukcje obrazów rosyjskich artystów. Wczesne rysunki Pakhomowa, które przetrwały do dziś, ujawniają coś, co później, wzbogacone umiejętnościami zawodowymi, stanie się charakterystyczne dla jego twórczości. Małego artystę zafascynował wizerunek człowieka, a przede wszystkim dziecka. Rysuje swoich braci, siostry i dzieci sąsiadów. Co ciekawe, rytm linii tych prostych portretów ołówkiem nawiązuje do rysunków z jego dojrzałych lat.

W 1915 roku, zanim ukończył szkołę w mieście Kadnikow, za namową starosty szlacheckiego Yu Zubowa, miejscowi miłośnicy sztuki ogłosili subskrypcję i za zebrane pieniądze wysłali Pachomowa do Piotrogrodu szkoła A. L. Stieglitza. Wraz z rewolucją nastąpiły zmiany w życiu Aleksieja Pachomowa. Pod wpływem nowych nauczycieli, którzy pojawili się w szkole – N. A. Tyrsa, M. V. Dobuzhinsky, S. V. Czechonin, V. I. Shukhaev – stara się lepiej zrozumieć zadania sztuki. Krótkie studia pod okiem wielkiego mistrza rysunku Szuchajewa dały mu wiele cennych rzeczy. Zajęcia te położyły podwaliny pod zrozumienie budowy ludzkiego ciała. Dążył do głębokiego studiowania anatomii. Pakhomov był przekonany, że nie należy kopiować otoczenia, ale wymownie je przedstawić. Rysując przywykł do tego, że nie jest zależny od warunków światła i cienia, ale „rozświetla” przyrodę okiem, pozostawiając bliskie partie objętości światłem i przyciemniając te bardziej odległe. „To prawda” – zauważył artysta – „nie stałem się prawdziwym wyznawcą Szuchajewa, to znaczy nie malowałem optymistycznie, rozmazując go gumką, aby ludzkie ciało wyglądało imponująco”. Lekcje najwybitniejszych twórców książki, Dobużyńskiego i Czechonina, okazały się przydatne, jak przyznał Pachomow. Szczególnie zapamiętał radę tego ostatniego: umiejętność pisania czcionek na okładce książki od razu pędzlem, bez wstępnego konturowania ołówkiem, „jak adres na kopercie”. Według artysty taki rozwój niezbędnego oka pomógł później w szkicach z życia, gdzie mógł, zaczynając od pewnych szczegółów, umieścić wszystko przedstawione na kartce.

W 1918 roku, kiedy w zimnym i głodnym Piotrogrodzie nie można było żyć bez regularnych dochodów, Pakhomov wyjechał do ojczyzny, zostając nauczycielem plastyki w szkole w Kadnikowie. Te miesiące były bardzo pożyteczne w dalszym jego edukacji. Po lekcjach w klasach I i II klasy czytał żarliwie, o ile pozwalało na to oświetlenie i nie męczyły go oczy. „Cały czas byłem w stanie podniecenia, ogarniała mnie gorączka wiedzy. Cały świat otwierał się przede mną, o czym, jak się okazuje, prawie nie wiedziałem” – wspominał Pakhomov z tego czasu. „Przyjąłem rewolucję lutową i październikową z radością, jak większość otaczających mnie ludzi, ale dopiero teraz, czytając książki z zakresu socjologii, ekonomii politycznej, materializmu historycznego, historii, zacząłem naprawdę rozumieć istotę wydarzeń, które miały miejsce .”

Młodemu człowiekowi ukazały się skarby nauki i literatury; Było dla niego zupełnie naturalne, że zamierza kontynuować przerwane studia w Piotrogrodzie. W znajomym budynku przy Solyanoy Lane rozpoczął naukę u N. A. Tyrsy, który był wówczas także komisarzem dawnej szkoły Stieglitz. „My, uczniowie Nikołaja Andriejewicza, byliśmy bardzo zaskoczeni jego kostiumem” – powiedział Pakhomov. „Komisarze tamtych lat nosili skórzane czapki i kurtki z paskiem z mieczem i rewolwerem w kaburze, a Tyrsa chodziła z laską i melonikiem. Ale oni z zapartym tchem słuchali jego rozmów o sztuce.” Kierownik pracowni w dowcipny sposób obalił przestarzałe poglądy na malarstwo, zapoznał uczniów z dorobkiem impresjonistów, doświadczeniem postimpresjonizmu i delikatnie zwrócił uwagę na poszukiwania widoczne w twórczości Van Gogha, a zwłaszcza Cezanne'a. Tyrsa nie przedstawił jasnego programu na przyszłość sztuki, od osób studiujących w jego pracowni żądał spontaniczności: pisz tak, jak czujesz. W 1919 roku Pakhomov został wcielony do Armii Czerwonej. Zaznajomił się dogłębnie z nieznanym wcześniej środowiskiem wojskowym i zrozumiał prawdziwie popularny charakter armii Kraju Sowietów, co później wpłynęło na interpretację tego tematu w jego twórczości. Wiosną następnego roku, zdemobilizowany po chorobie, Pachomow po przybyciu do Piotrogrodu przeniósł się z warsztatu N. A. Tyrsy do V. V. Lebiediewa, postanawiając zapoznać się z zasadami kubizmu, które znalazły odzwierciedlenie w liczba dzieł Lebiediewa i jego uczniów. Niewiele z dzieł Pachomowa ukończonych w tym czasie przetrwało. Tak jest na przykład „Martwa natura” (1921), wyróżniająca się subtelnym wyczuciem faktury. Ujawnia wyuczone od Lebiediewa pragnienie osiągnięcia w dziełach „dokończenia”, szukania nie powierzchownej kompletności, ale konstruktywnej obrazowej organizacji płótna, nie zapominając o walorach plastycznych tego, co jest przedstawiane.

Pomysł na nowe ważne dzieło Pakhomowa, obraz „Sianokiszonki”, zrodził się w jego rodzinnej wiosce Warlamov. Tam zebrano materiał do niego. Artysta nie przedstawił zwykłej, codziennej sceny koszenia, ale pomoc młodych chłopów swoim sąsiadom. Choć przejście do kolektywnej, kołchozowej pracy w gospodarstwach rolnych było wówczas kwestią przyszłości, samo wydarzenie, ukazujące zapał młodości i pasję do pracy, w pewnym sensie wpisywało się już w nowe trendy. Szkice i szkice postaci kosiarek, fragmenty krajobrazu: trawa, krzaki, ściernisko świadczą o niesamowitej konsekwencji i powadze koncepcji artystycznej, gdzie odważne poszukiwania fakturalne łączą się z rozwiązywaniem problemów plastycznych. Umiejętność uchwycenia rytmu ruchów przez Pakhomova przyczyniła się do dynamiki kompozycji. Artysta pracował nad tym obrazem kilka lat i wykonał wiele prac przygotowawczych. W wielu z nich rozwinął wątki zbliżone do głównego tematu lub mu towarzyszące.

Rysunek „Bicie kosami” (1924) przedstawia dwóch młodych chłopów przy pracy. Zostały naszkicowane przez Pakhomova z życia. Następnie przesunął pędzlem po tym arkuszu, uogólniając to, co zostało przedstawione, nie obserwując swoich modeli. Dobre walory plastyczne, połączone z przenoszeniem silnego ruchu i ogólnym malarskim użyciem atramentu, widoczne są we wcześniejszej pracy z 1923 roku, Dwie kosiarki. Pomimo głębokiej prawdziwości, można by rzec surowości rysunku, artystę interesowała tu naprzemienność płaszczyzny i objętości. Arkusz sprytnie wykorzystuje rozmycia atramentu. Wskazane jest otoczenie krajobrazowe. Wyraźna jest faktura skoszonej i stojącej trawy, co dodaje całości rytmicznego urozmaicenia.

Wśród znacznej liczby rozwinięć kolorystycznych fabuły „Sianokosy” należy wymienić akwarelę „Kosiarka w różowej koszuli”. W nim, oprócz malarskich obmyć pędzlem, zastosowano zarysowania mokrej warstwy farby, co nadało obrazowi szczególną ostrość i zostało wprowadzone do obrazu w innej technice (w malarstwie olejnym). Duży arkusz „Sianokosy”, namalowany akwarelą, jest kolorowy. Wydaje się, że scena jest widziana z wysokiego punktu widzenia. Umożliwiło to ukazanie wszystkich postaci kosiarek poruszających się w rzędzie i uzyskanie szczególnej dynamiki w przekazywaniu ich ruchów, co ułatwia ułożenie figur po przekątnej. Artysta doceniwszy tę technikę, skonstruował w ten sposób obraz, by potem o nim nie zapomnieć w przyszłości. Pakhomov osiągnął malowniczą ogólną paletę i przekazał wrażenie porannej mgły przesiąkniętej światłem słonecznym. Odmiennie ten sam temat został ujęty w obrazie olejnym „Przy koszeniu”, przedstawiającym pracującą kosiarkę i konia pasącego się na poboczu obok wozu. Krajobraz jest tu inny niż na pozostałych szkicach, wariantach iw samym obrazie. Zamiast pola mamy brzeg rwącej rzeki, który podkreślają prądy i łódź z wioślarzem. Kolorystyka krajobrazu jest wyrazista, zbudowana na różnych zimnych odcieniach zieleni, na pierwszy plan wprowadzane są jedynie cieplejsze odcienie. W połączeniu figur z otoczeniem stwierdzono pewien walor dekoracyjny, co wzmocniło ogólną tonację kolorystyczną.

Jednym z obrazów Pakhomova o tematyce sportowej z lat 20. są „Chłopcy na łyżwach”. Artysta zbudował kompozycję na obrazie najdłuższego momentu ruchu, a przez to najbardziej owocnego, dającego wyobrażenie o tym, co minęło i co się wydarzy. Dla kontrastu ukazana jest kolejna postać w oddali, wprowadzająca urozmaicenie rytmiczne i dopełniająca zamysł kompozycyjny. Na tym zdjęciu, wraz z jego zainteresowaniem sportem, widać odwołanie Pakhomova do najważniejszego tematu jego twórczości – życia dzieci. Wcześniej trend ten znajdował odzwierciedlenie w grafice artysty. Począwszy od połowy lat dwudziestych głębokie zrozumienie i tworzenie przez Pachomowa obrazów dzieci Kraju Sowietów było jego wybitnym wkładem w sztukę. Studiując duże problemy obrazowe i plastyczne, artysta rozwiązywał je w pracach poświęconych temu nowemu, ważnemu tematowi. Na wystawie w 1927 roku pokazano obraz „Wiejska dziewczyna”, który choć swoim przeznaczeniem miał coś wspólnego z omówionymi powyżej portretami, to jednak cieszył się także niezależnym zainteresowaniem. Uwaga artysty skupiła się na przedstawieniu głowy i dłoni dziewczynki, namalowanym z dużym wyczuciem plastycznym. Typ młodej twarzy uchwycony w oryginalny sposób. Bliska temu obrazowi pod względem bezpośredniości wrażeń jest „Dziewczyna z włosami”, wystawiona po raz pierwszy w 1929 roku. Różnił się od popiersiowego obrazu z 1927 r. nową, bardziej rozbudowaną kompozycją, obejmującą niemal całą postać, przekazaną w bardziej złożonym ruchu. Artystka pokazała zrelaksowaną pozę dziewczyny, prostującej włosy i przeglądającej się w leżącym na jej kolanie małym lusterku. Dźwiękowe kombinacje złotej twarzy i dłoni, niebieskiej sukienki i czerwonej ławki, szkarłatnej kurtki i ochrowo-zielonkawych ścian chaty z bali przyczyniają się do emocjonalności obrazu. Pakhomov subtelnie uchwycił naiwny wyraz twarzy dziecka i wzruszającą postawę. Żywe, niezwykłe obrazy zatrzymały publiczność. Obie prace były częścią zagranicznych wystaw sztuki radzieckiej.

Przez półwiecze swojej twórczości A. F. Pakhomov pozostawał w bliskim kontakcie z życiem kraju sowieckiego, co nadawało jego twórczości inspirującego przekonania i siłę życiowej prawdy. Jego indywidualność artystyczna rozwinęła się wcześnie. Znajomość jego twórczości pokazuje, że już w latach 20. wyróżniała się ona głębią i wnikliwością, wzbogaconą doświadczeniem studiowania kultury światowej. Rola sztuki Giotta i prarenesansu w jego powstaniu jest oczywista, ale wpływ starożytnego malarstwa rosyjskiego był nie mniej głęboki. A.F. Pakhomov był jednym z mistrzów, którzy w nowatorski sposób podeszli do bogatego dziedzictwa klasycyzmu. Jego prace mają nowoczesny charakter w rozwiązywaniu problemów zarówno obrazowych, jak i graficznych.

Opanowanie przez Pakhomowa nowych tematów na płótnach „1905 na wsi”, „Jeźdźcy”, „Spartakowka” w cyklu obrazów o dzieciach jest ważne dla rozwoju sztuki radzieckiej. Artysta odegrał znaczącą rolę w kreowaniu wizerunku swego współczesnego człowieka, czego dobitnym dowodem są jego cykle portretów. Po raz pierwszy wprowadził do sztuki tak żywe i realistyczne wizerunki młodych obywateli Kraju Sowieckiego. Ta strona jego talentu jest niezwykle cenna. Jego prace wzbogacają i poszerzają wyobrażenia o historii malarstwa rosyjskiego. Już w latach dwudziestych największe muzea w kraju zakupiły obrazy Pachomowa. Jego prace zyskały międzynarodową sławę na dużych wystawach w Europie, Ameryce i Azji.

Inspiracją dla A.F. Pakhomova była rzeczywistość socjalistyczna. Jego uwagę przykuły badania turbin, praca fabryk tkackich i nowe osiągnięcia w życiu rolniczym. W jego pracach pojawiają się tematy związane z kolektywizacją, wprowadzaniem technologii na pola, użytkowaniem kombajnów, pracą ciągników nocą, życiem wojska i marynarki wojennej. Podkreślamy szczególną wartość tych osiągnięć Pachomowa, ponieważ wszystko to artysta pokazał już w latach 20. i na początku lat 30. XX wieku. Jego obraz „Pionierzy z rolnikiem indywidualnym”, cykl o gminie „Siewca” i portrety z „Pięknego miecza” należą do najgłębszych dzieł naszych artystów o przemianach na wsi, o kolektywizacji.

Dzieła A. F. Pakhomova wyróżniają się monumentalnymi rozwiązaniami. We wczesnym sowieckim malarstwie ściennym prace artysty należą do najbardziej uderzających i interesujących. W kartonach, obrazach i szkicach „Okrągłego tańca dzieci wszystkich narodów” „Czerwonej przysięgi”, obrazach o żniwiarzach, a także ogólnie w najlepszych dziełach obrazów Pachomowa istnieje namacalny związek z wielkimi tradycjami starożytne dziedzictwo narodowe, które jest częścią skarbnicy sztuki światowej. Strona kolorystyczna i figuratywna jego obrazów, obrazów, portretów, a także grafik sztalugowych i książkowych jest niezwykle oryginalna. O błyskotliwych sukcesach plenerów malarskich świadczy cykl „W słońcu” – swoisty hymn na cześć młodzieży Kraju Sowietów. Tutaj, przedstawiając nagie ciało, artysta wystąpił w roli jednego z wielkich mistrzów, którzy przyczynili się do rozwoju tego gatunku w malarstwie sowieckim. Poszukiwania kolorów Pakhomova połączono z rozwiązywaniem poważnych problemów plastycznych.

Trzeba powiedzieć, że w osobie A.F. Pachomowa sztuka miała jednego z największych rysowników naszych czasów. Mistrz po mistrzowsku opanował różne materiały. Prace wykonane tuszem i akwarelą, piórem i pędzlem sąsiadowały z genialnymi rysunkami grafitowymi ołówkiem. Jego osiągnięcia wykraczają poza zakres rodzimej sztuki i stają się jednym z najwybitniejszych dzieł grafiki światowej. Przykłady tego nietrudno znaleźć w serii rysunków wykonanych w domu w latach 20., wśród arkuszy wykonanych podczas podróży po kraju w następnej dekadzie, czy w cyklach o obozach pionierskich.

Wkład A.F. Pakhomova w grafikę jest ogromny. Do wybitnych sukcesów na tym polu należą jego prace sztalugowe i książkowe dedykowane dzieciom. Jeden z twórców radzieckiej literatury ilustrowanej wprowadził do niej głęboki i zindywidualizowany obraz dziecka. Jego rysunki urzekły czytelników swoją żywotnością i ekspresją. Nie nauczając, artysta żywo i wyraźnie przekazywał dzieciom swoje myśli i budził ich uczucia. I ważne tematy edukacji i życia szkolnego! Żaden z artystów nie rozwiązał ich tak głęboko i prawdziwie jak Pakhomov. Po raz pierwszy zilustrował wiersze V.V. Majakowskiego w tak przenośny i realistyczny sposób. Jego rysunki do dzieł L.N. Tołstoja dla dzieci stały się artystycznym odkryciem. Zbadany materiał graficzny wyraźnie pokazał, że twórczość Pachomowa, ilustratora literatury nowożytnej i klasycznej, niewłaściwie ogranicza się jedynie do dziedziny książki dla dzieci. Doskonałe rysunki artysty do dzieł Puszkina, Niekrasowa, Zoszczenki świadczą o wielkich sukcesach rosyjskiej grafiki lat 30. Jego prace przyczyniły się do ugruntowania metody socrealizmu.

Sztukę A. F. Pakhomova wyróżnia obywatelstwo, nowoczesność i aktualność. W okresie najcięższych prób blokady Leningradu artysta nie przerwał swojej działalności. Wraz z mistrzami sztuki miasta nad Newą, podobnie jak kiedyś w młodości podczas wojny secesyjnej, pracował nad zadaniami z frontu. Seria litografii Pachomowa „Leningrad w dniach oblężenia”, jedno z najważniejszych dzieł sztuki lat wojny, ukazuje niezrównane waleczność i odwagę narodu radzieckiego.

Do grona entuzjastów artystów, którzy przyczynili się do rozwoju i upowszechnienia tego typu grafiki drukowanej, należy zaliczyć autora setek litografii A.F. Pakhomova. Jego uwagę przykuła możliwość przyciągnięcia szerokiego grona odbiorców i masowość druku obiegowego.

Jego prace cechuje klasyczna klarowność i lakoniczność środków wizualnych. Wizerunek osoby jest jego głównym celem. Niezwykle ważnym aspektem twórczości artysty, który łączy go z tradycjami klasycznymi, jest dążenie do plastycznej wyrazistości, które wyraźnie widoczne jest w jego obrazach, rysunkach, ilustracjach, grafikach, aż po najnowsze dzieła. Czynił to stale i konsekwentnie.

A. F. Pakhomov to „głęboko oryginalny, wielki rosyjski artysta, całkowicie zanurzony w przedstawianiu życia swojego ludu, ale jednocześnie chłonący dorobek sztuki światowej. Twórczość A. F. Pachomowa, malarza i grafika, stanowi znaczący wkład w rozwój radzieckiej kultury artystycznej. /V.S. Matafonow/

____________________________________________________________________________________________________________

WŁADIMIR WASILIEWICZ LEBIEDIEW

14(26).05.1891, Petersburg - 21.11.1967, Leningrad

Artysta Ludowy RFSRR. Członek korespondent Akademii Sztuk ZSRR

Pracował w Petersburgu w pracowni F. A. Roubo, uczęszczał do szkoły rysunku, malarstwa i rzeźby M. D. Bernsteina i L. V. Sherwooda (1910-1914), studiował w Petersburgu na Akademii Sztuk Pięknych (1912-1914). Członek Towarzystwa Czterech Sztuk. Współpracował z magazynami „Satyricon” i „Nowy Satyricon”. Jeden z organizatorów Windows ROSTA” w Piotrogrodzie.

W 1928 roku w Muzeum Rosyjskim w Leningradzie odbyła się osobista wystawa Władimira Wasiljewicza Lebiediewa, jednego z najwybitniejszych grafików lat dwudziestych XX wieku. Został wówczas sfotografowany na tle swoich prac. Nienaganny biały kołnierzyk i krawat, kapelusz naciągnięty na brwi, poważny i nieco arogancki wyraz twarzy, prawidłowy wygląd, który nie pozwala mu się zbliżyć, a jednocześnie zrzucona marynarka i rękawy koszuli, podwinięte powyżej łokci, odsłaniają muskularne, duże ramiona z „inteligentnymi” i „nerwowymi” muszelkami. Wszystko razem pozostawia wrażenie spokoju, gotowości do pracy, a co najważniejsze – koresponduje z charakterem prezentowanych na wystawie grafik, wewnętrznie napiętych, niemal hazardowych, czasem ironicznych i jakby odzianych w zbroję nieco chłodnej techniki graficznej . Artysta wkroczył w epokę porewolucyjną z plakatami do „Okna WZROSTU”. Podobnie jak w powstającym w tym samym czasie „Prasownicach” (1920) naśladowali oni styl kolorowego kolażu. Jednak w plakatach technika ta, wywodząca się z kubizmu, nabrała zupełnie nowego znaczenia, wyrażając lapidarium znaku patos obrony rewolucji („ Na straży października ", 1920) i chęć dynamicznej pracy ("Demonstracja", 1920). Jeden z plakatów ("Muszę pracować - karabin jest niedaleko", 1921) przedstawia robotnika z piłą, a jednocześnie jest postrzegany jako rodzaj solidnie złożonego przedmiotu. Tworzące postać pomarańczowe, żółte i niebieskie paski są niezwykle trwale połączone z drukowanymi literami, które w odróżnieniu od kubizmu napisy mają specyficzne znaczenie semantyczne, z jaką wyrazistością przekątna utworzona przez słowo „praca”, brzeszczot i słowo „musi” oraz ostry łuk słów „karabin w pobliżu” i linie ramion robotnika. przecinają się. Ta sama atmosfera bezpośredniego wejścia rysunku w rzeczywistość charakteryzowała wówczas rysunki Lebiediewa do książek dla dzieci. W Leningradzie w latach dwudziestych XX wieku ukształtował się cały kierunek ilustrowania książek dla dzieci. Tyrsa współpracowała z Lebiediewą. , N. Lapshin, a częścią literacką kierował S. Marshak, bliski wówczas grupie poetów leningradzkich - E. Schwartza, N. Zabolotsky'ego, D. Charmsa, A. Vvedensky'ego. W tamtych latach ukształtował się bardzo specyficzny wizerunek książki, odmienny od tego, jaki kultywowała w tamtych latach Moskwa ilustracja prowadzona przez V. Favorsky'ego. O ile w gronie drzeworytów moskiewskich czy bibliofilów panowało niemal romantyczne postrzeganie książki, a sama praca nad nią miała w sobie coś „silnie ascetycznego”, o tyle leningradzcy ilustratorzy stworzyli rodzaj „książki-zabawki”, oddając ją bezpośrednio w ręce czytelnika. dziecka, dla którego był przeznaczony. Przeniesienie wyobraźni „w głąb kultury” zastąpiła tu wesoła sprawność, kiedy można było kręcić kolorową książeczkę w dłoniach, a nawet czołgać się po niej leżąc na podłodze, w otoczeniu zabawkowych słoników i kostek. Wreszcie „najświętsze” drzeworytu Favorsky'ego - powaga czarno-białych elementów obrazu w głąb lub z głębi arkusza - ustąpiła tutaj szczerze płaskiemu palcowaniu, gdy rysunek pojawił się jakby „pod ręce dziecka” z kawałków papieru wyciętych nożyczkami. Słynna okładka „Małego słonika” R. Kiplinga (1926) uformowana jest jakby ze sterty resztek losowo rozrzuconych na papierowej powierzchni. Wydaje się, że artysta (a może i samo dziecko!) przesuwał te prace po papierze, aż uzyskał kompletną kompozycję, w której wszystko „kręci się jak koło”, a tymczasem niczego nie da się poruszyć nawet o milimetr: w pośrodku znajduje się słoniątko z zakrzywionym długim nosem, wokół niego piramidy i palmy, na górze duży napis „Baby Elephant”, a poniżej krokodyl, który poniósł całkowitą klęskę.

Ale książka jest wykonana z jeszcze większą pasją"Cyrk"(1925) i „Jak samolot stworzył samolot”, w którym rysunkom Lebiediewa towarzyszyły wiersze S. Marshaka. Na rozkładówkach przedstawiających podających sobie dłonie klaunów czy grubego klauna na osiołku praca wycinania i przyklejania zielonych, czerwonych czy czarnych kawałków dosłownie „idzie pełną parą”. Tutaj wszystko jest „oddzielne” – czarne buty czy czerwone nosy klaunów, zielone spodnie czy żółta gitara grubasa z karaśem – ale z jaką niezrównaną błyskotliwością to wszystko jest połączone i „sklejone”, przeniknięte duchem żywa i wesoła inicjatywa.

Wszystkie te obrazy Łebiediewa, adresowane do zwykłych dziecięcych czytelników, w tym takie arcydzieła jak litografie do książki „Polowanie” (1925), były z jednej strony wytworem wyrafinowanej kultury graficznej, zdolnej zadowolić najbardziej wymagające oko, z drugiej z drugiej strony sztuka objawiła się w żywej rzeczywistości. Przedrewolucyjna grafika nie tylko Lebiediewa, ale także wielu innych artystów nie zaznała jeszcze tak otwartego kontaktu z życiem (mimo że Lebiediew malował dla magazynu „Satyricon” w latach 1910. XX w.) – tych „witamin” brakowało , a raczej owe „drożdże witalności”, na których w latach dwudziestych XX wieku „fermentowała” sama rosyjska rzeczywistość. Codzienne rysunki Lebiediewa niezwykle wyraźnie ujawniały to połączenie, nie tyle wtrącając się w życie jak ilustracje czy plakaty, ale raczej wchłaniając je w swoją figuratywną sferę. Podstawą jest tutaj żywe, zachłanne zainteresowanie wciąż pojawiającymi się nowymi typami społecznymi. Rysunki z lat 1922-1927 można było połączyć pod tytułem „Panel Rewolucji”, którym Lebiediew zatytułował tylko jedną serię z 1922 r., przedstawiającą ciąg postaci porewolucyjnej ulicy, a słowo „panel” wskazywało, że najprawdopodobniej była to piana uniesiona przez toczenie się po tych ulicach wraz z potokiem wydarzeń. Artysta maluje marynarzy z dziewczynami na Piotrogrodzie, handlarzy ze kramami czy dandysów ubranych na modę tamtych lat, a zwłaszcza Nepmenów – tych komicznych, a zarazem groteskowych przedstawicieli nowej „ulicznej fauny”, których z entuzjazmem malował w tych tych samych latach oraz V. Konashevich i wielu innych mistrzów. Dwóch Nepmenów na rysunku „Para” z cyklu „Nowe życie” (1924) mogłoby uchodzić za tych samych klaunów, których Lebiediew wkrótce przedstawił na łamach „Cyrku”, gdyby nie ostrzejszy stosunek samego artysty do nich . Stosunku Lebiediewa do tego typu postaci nie można nazwać ani „stygmatyzującym”, ani tym bardziej „biczowaniem”. Przed rysunkami Lebiediewa nieprzypadkowo P. Fedotow został zapamiętany dzięki nie mniej charakterystycznym szkicom typów ulic z XIX wieku. Chodziło o żywą nierozerwalność zasad ironicznych i poetyckich, które charakteryzowały obu artystów i czyniły ich obrazy szczególnie atrakcyjnymi dla obu. Przypomnijmy także współczesnych Lebiediewa, pisarzy M. Zoszczenkę i J. Olesę. Mają tę samą niepodzielność ironii i uśmiechu, szyderstwa i podziwu. Najwyraźniej Lebiediew był pod wrażeniem zarówno taniego szyku prawdziwego marynarskiego chodu („Dziewczyna i marynarz”), jak i prowokacyjnego biegu dziewczyny z butem przymocowanym do pudełka pucybuta („Dziewczyna i marynarz” ”), był nawet trochę. Pociągała mnie też ta zoologiczna czy czysto roślinna niewinność, z jaką niczym kubki pod płotem wspinają się wszystkie te nowe postacie, demonstrując cuda zdolności adaptacyjnych, jak na przykład gadające panie w futrach w wystawa sklepowa („Ludzie społeczeństwa”, 1926) czy gromada NEPmenów na wieczornej ulicy („Napmans”, 1926). Szczególnie uderzający jest poetycki początek najsłynniejszego cyklu Lebiediewa „Miłość do chmielu” (1926–1927). Cóż za urzekająca siła życiowa, wciągnięte w wysokie buty postacie faceta w krótkim futrze rozpiętym na piersi i dziewczyny siedzącej na ławce w czepku z kokardką i butelkowatymi nogami, wciągniętych w wysokie buty, wdychają rysunek „Na Lodowisko”. Jeśli w serialu „Nowe Życie” być może można też mówić o satyrze, to tutaj jest ona prawie niezauważalna. Na zdjęciu „Wysypka, Siemionowna, dodaj trochę, Siemionowna!” - wysokość hulanki. Na środku prześcieradła para tańczy gorąco i młodzieńczo, a widz zdaje się słyszeć w czasie plusk dłoni lub stukanie butów mężczyzny, czuje wężową elastyczność jego nagich pleców, lekkość ruchów partnera. Od serii „Panel rewolucji” po rysunki „Miłość do świń” sam styl Lebiediewa przeszedł zauważalną ewolucję. Postacie marynarza i dziewczynki na rysunku z 1922 roku nadal składają się z niezależnych plam – plam atramentowych o różnej fakturze, podobnych do tych z „Prasownic”, ale bardziej uogólnionych i chwytliwych. W „New Life” dodano tutaj naklejki, dzięki którym rysunek nie jest już imitacją kolażu, ale prawdziwym kolażem. Samolot całkowicie zdominował obraz, zwłaszcza że, zdaniem Lebiediewa, dobry rysunek powinien przede wszystkim „dobrze pasować do papieru”. Jednak w arkuszach z lat 1926-1927 papierową płaszczyznę coraz częściej zastępowała przestrzeń przedstawiona z jej światłocieniem i obiektywnym tłem. Przed nami nie są już plamy, ale stopniowa gradacja światła i cienia. Jednocześnie ruch rysunku nie polegał na „wycinaniu i wklejaniu”, jak miało to miejsce w „NEP” i „Cyrku”, ale na przesuwaniu miękkiego pędzla lub spływaniu czarnej akwareli. W połowie lat dwudziestych wielu innych rysowników zmierzało w stronę coraz bardziej swobodnego, czyli malarskiego, jak to się zwykle nazywa, rysowania. Byli tu N. Kupreyanov ze swoimi wiejskimi „stadami”, a także L. Bruni i N. Tyrsa. Rysunek nie ograniczał się już do efektu „brania”, zaostrzonego chwytania „na czubku pióra” coraz to nowych charakterystycznych typów, ale jakby sam był wciągany w żywy przepływ rzeczywistości ze wszystkimi jej zmianami i emocjonalnością . W połowie lat dwudziestych ten orzeźwiający nurt przetoczył się już przez sferę nie tylko motywów „ulicznych”, ale także „domowych”, a nawet tak tradycyjnych warstw rysunku, jak rysowanie w pracowni z nagiej postaci ludzkiej. I cóż to był za nowy rysunek w całej jego atmosferze, zwłaszcza jeśli porównać go z ascetycznie surowym rysunkiem dekady przedrewolucyjnej. Jeśli porównamy na przykład znakomite rysunki nagiej modelki N. Tyrsy z 1915 r. i rysunków Lebiediewa z lat 1926–1927, zdziwicie się spontanicznością prześcieradeł Lebiediewa i siłą ich uczuć.

Ta spontaniczność szkiców Lebiediewa z modelu zmusiła innych krytyków sztuki do przypomnienia technik impresjonizmu. Sam Lebiediew był głęboko zainteresowany impresjonistami. Na jednym z najlepszych rysunków z cyklu „Acrobat” (1926) pędzel nasączony czarną akwarelą zdaje się tworzyć energetyczny ruch modela. Artysta potrzebuje jedynie pewnego ruchu, aby odrzucić lewą rękę w bok, lub jednego przesuwającego dotyku, aby skierować łokieć do przodu. W cyklu „Tancerz” (1927), w którym osłabione są kontrasty świetlne, element poruszającego się światła także budzi skojarzenia z impresjonizmem. „Z przestrzeni przesiąkniętej światłem” – pisze W. Pietrow – „jak wizja wyłaniają się zarysy tańczącej postaci”, jest ona „ledwo zarysowana przez jasne, rozmyte plamy czarnej akwareli”, gdy „forma zamienia się w malowniczą masę i niepostrzeżenie łączy się ze środowiskiem świetlno-powietrznym.”

Jest rzeczą oczywistą, że ten impresjonizm Lebiediewa nie jest już równy klasycznemu impresjonizmowi. Za nim zawsze można wyczuć „trening konstruktywności” niedawno ukończony przez mistrza. Zarówno Lebiediew, jak i sam kierunek rysowania w Leningradzie pozostali sobą, ani na minutę nie zapominając ani o skonstruowanej płaszczyźnie, ani o fakturze rysunku. Tak naprawdę artysta tworząc kompozycję rysunkową nie odtworzył przestrzeni za pomocą figury, jak to zrobił Degas, ale raczej tę samą figurę, jakby łącząc jej formę z formatem rysunku. Ledwo zauważalnie odcina czubek głowy i sam czubek stopy, dlatego figura nie opiera się o podłogę, a raczej jest „zahaczona” o dolną i górną krawędź prześcieradła. Artysta stara się jak najbardziej zbliżyć „plan figurowy” i płaszczyznę obrazu. Perłowe pociągnięcie jego mokrego pędzla należy zatem w równym stopniu do figury, jak i do płaszczyzny. Te zanikające lekkie pociągnięcia, przekazujące zarówno samą figurę, jak i jakby ciepło powietrza ogrzanego w pobliżu ciała, są jednocześnie postrzegane jako jednolita faktura rysunku, kojarzona z pociągnięciami rysunków chińskiego tuszu i pojawiająca się dla oka jak najdelikatniejsze „płatki”, subtelnie wygładzone na powierzchni prześcieradła. Co więcej, w „Akrobatach” czy „Tancerzach” Lebiediewa panuje ten sam chłód pewnego siebie, artystycznego i nieco zdystansowanego podejścia do modela, jaki cechował bohaterów seriali „Nowe życie” i „NEP”. Wszystkie te rysunki mają silną uogólnioną podstawę klasyczną, co tak ostro odróżnia je od szkiców Degasa z ich poezją specyfiki lub życia codziennego. I tak na jednym z genialnych arkuszy, gdzie baletnica jest odwrócona tyłem do widza, z prawą stopą umieszczoną na palcu za lewą (1927), jej postać przypomina porcelanową figurkę z półcieniem i przesuwającym się po powierzchni światłem . Według N. Lunina artysta odnalazł w baletnicy „doskonały i rozwinięty wyraz ludzkiego ciała”. „Oto jest - ten subtelny i plastyczny organizm - rozwinięty, może trochę sztucznie, ale sprawdzony i precyzyjny w ruchu, zdolny więcej niż jakikolwiek inny „powiedzieć o życiu”, bo jest w nim mniej wszystkiego, co bezkształtne , niestworzony, niestabilny przez przypadek.” Artystę nie interesował właściwie sam balet, ale jak najbardziej wyrazisty sposób „mówienia do życia”. Przecież każdy z tych ARKUSZY jest jak poemat liryczny poświęcony poetycko wartościowemu ruchowi. Balerina N. Nadieżdina, która pozowała mistrzowi w obu seriach, oczywiście bardzo mu pomogła, zatrzymując się w tych „pozycjach”, które dobrze wystudiowała, w których najbardziej imponująco ujawniła się witalna plastyczność ciała.

Podekscytowanie artysty zdaje się przebijać artystyczną poprawność pewnego warsztatu, a następnie mimowolnie przenosi się na widza. Na tym samym wspaniałym szkicu baletnicy od tyłu widz z fascynacją obserwuje, jak wirtuozowski pędzel nie tylko przedstawia, ale tworzy postać natychmiast zamarzającą na palcach. Jej nogi, narysowane dwoma „płatkami pociągnięć”, z łatwością wznoszą się ponad punkt podparcia, wyżej - jak znikający półcień - ostrożne rozproszenie śnieżnobiałej tutu, jeszcze wyżej - przez kilka szczelin, nadając rysunkowi aforystyczną zwięzłość - niezwykle wrażliwa, czyli „bardzo słysząca” tancerka na plecach i nie mniej „słyszący” obrót jej małej główki na szeroką rozpiętość ramion.

Kiedy Lebiediew został sfotografowany na wystawie w 1928 roku, wydawało się, że stoi przed nim obiecująca droga. Wydawało się, że kilka lat ciężkiej pracy wzniosło go na wyżyny grafiki. Jednocześnie zarówno w książkach dla dzieci z lat dwudziestych, jak i w „Tancerzach” osiągnięto być może taki stopień całkowitej doskonałości, że być może od tych punktów nie było już żadnej ścieżki rozwoju. I rzeczywiście rysunek Lebiediewa, a co więcej, sztuka Lebiediewa osiągnęła tutaj swój absolutny szczyt. W kolejnych latach artystka bardzo aktywnie zajmowała się malarstwem, dużo i przez wiele lat ilustrując książki dla dzieci. Jednocześnie wszystkiego, co zrobił w latach 30. i 50. XX wieku, nie można już porównywać z arcydziełami z lat 1922–1927, a mistrz oczywiście nie próbował powtarzać pozostawionych przez siebie znalezisk. W szczególności rysunki Lebiediewa przedstawiające postać kobiecą pozostały nieosiągalne nie tylko dla samego artysty, ale także dla całej sztuki kolejnych lat. Jeśli kolejnej epoki nie można było przypisać zanikowi czerpania z modelu aktu, to tylko dlatego, że w ogóle nie interesowano się tą tematyką. Dopiero w ostatnich latach wydawało się, że nastąpił zwrot w podejściu do tej najbardziej poetyckiej i najszlachetniejszej twórczo dziedziny rysunku, a jeśli tak się stanie, to W. Lebiediewowi może być przeznaczona nowa chwała wśród rysowników nowego pokolenia .

Jaki pożytek z książki, pomyślała Alicja.

– jeśli nie ma w nim zdjęć ani rozmów?

„Przygody Alicji w Krainie Czarów”

Co zaskakujące, ilustracje dla dzieci z Rosji (ZSRR) mają dokładny rok urodzenia - 1925. W tym roku w Państwowym Wydawnictwie Leningradzkim (GIZ) utworzono dział literatury dziecięcej. Wcześniej książki z ilustracjami nie były wydawane specjalnie dla dzieci. Wielu artystów malowało obrazy w oparciu o ustną sztukę ludową: eposy, baśnie, pieśni.

Dowiedzcie się, zapamiętajcie, powiedzcie swoim dzieciom.

Wiktor Michajłowicz Wasniecow

(1848-1926) –

jeden z pierwszych rosyjskich artystów, który

przesunął granice konwencjonalnych gatunków i pokazał

baśniowy świat rozświetlony poetycką fantazją

ludzie.

Wasnetsow jest jednym z pierwszych rosyjskich artystów

zwrócił się ku odtwarzaniu obrazów z opowieści ludowych

i eposy w malarstwie.

Dzieciństwo spędził w surowym, malowniczym regionie Wiatka. Rozmowny kucharz opowiadający dzieciom bajki, historie wędrowców, którzy wiele w życiu widzieli, jak twierdzi sam artysta, „rozkochał mnie w przeszłości i teraźniejszości mojego ludu na całe życie i pod wieloma względami zdeterminowało moją ścieżkę.” Już na początku swojej twórczości stworzył szereg ilustracji do Małego Garbatego Konia i „Ognistego Ptaka”. Oprócz baśni ma dzieła poświęcone bohaterskim wizerunkom eposów. „Rycerz na rozdrożu”, „Trzej bohaterowie”. Słynny obraz „Iwan Carewicz o szarym wilku” został napisany na podstawie fabuły jednej z najbardziej znanych i rozpowszechnionych bajek, reprodukowanej w popularnych drukach XVIII wieku.

Iwan Jakowlew Bilibin

(1876-1942, Leningrad)

Rosyjski artysta, ilustrator książek i teatr

projektant RAL. Zilustrowano Bilibina

duża liczba bajek, w tym A.S.

Puszkin. Opracował własny styl - „Bilibinsky”

Graficzne przedstawienie z poszanowaniem tradycji

starożytna sztuka rosyjska i ludowa, uważnie

prześledzony i szczegółowy wzorzysty kontur -

rysunek, kolorowany akwarelami. Styl

Styl Bilibina stał się popularny, a on zaczął to robić

naśladować.

Dla wielu baśnie, eposy i obrazy starożytnej Rusi od dawna są nierozerwalnie związane z ilustracjami Bilibina.

Władimir Aleksiejewicz Milashevsky

(1893, Saratów - 1976, Moskwa)

Zilustrował i zaprojektował około 100 książek dla dzieci i młodzieży. Ale Milashevsky nigdy nie należał do tak zwanych artystów „dziecięcych”. Z takim samym sukcesem ilustrował dzieła klasyków literatury światowej i pisarzy radzieckich. Trudno wymienić wszystko, nad czym pracował – jego zakres twórczy jest niezwykle szeroki.

Jaki jest sekret jego sukcesu wśród dzieci i młodzieży? Ściśle mówiąc, nie ma żadnej tajemnicy. Po prostu zawsze przestrzegał zasady:Wszystko trzeba robić tak samo dobrze dla dzieci, jak i dla dorosłych, a nawet lepiej.. Nigdy nie dogadywał się z dziećmi, nie seplenił, nie naśladował dziecięcych rysunków, nie próbował do nich mówić jakimś specjalnym „dziecinnym” językiem, który rzekomo rozumiały. Ilustrując książkę dla dzieci, jakąkolwiek by ona nie była, włożył w swoje rysunki całego siebie, był nią naprawdę pochłonięty i urzekał młodych czytelników. I pewnie dlatego tak bardzo dzieci i młodzież pokochały ilustrowane przez niego książki.

Bajeczne kolory Władimira Milashevsky'ego

Władimir Grigoriewicz Suteev

(1903-1993, Moskwa)

Pisarz dla dzieci, ilustrator i animator. Jego życzliwe, wesołe zdjęcia przypominają fotosy z kreskówek. Rysunki Suteeva zamieniły wiele bajek w arcydzieła.

Na przykład nie wszyscy rodzice uważają dzieła Korneya Czukowskiego za niezbędną klasykę, a większość z nich nie uważa jego dzieł za utalentowane. Ale chcę trzymać w rękach bajki Czukowskiego, zilustrowane przez Władimira Sutejewa, i czytać je dzieciom.

Borys Aleksandrowicz Dechteriew

(1908-1993, Kaługa, Moskwa) –

Artysta ludowy, radziecki grafik, ilustrator. Zajmował się głównie rysunkiem ołówkiem i techniką akwareli. Stare dobre ilustracje Dechterewa to cała epoka w historii ilustracji dla dzieci, wielu ilustratorów nazywa Borysa Aleksandrowicza swoim nauczycielem.

Nikołaj Aleksandrowicz Ustinow

(ur. 1937, Moskwa)

jego nauczycielem był Dekhterev, a wielu współczesnych ilustratorów uważa już Ustinova za swojego nauczyciela.

Bajki z jego ilustracjami ukazywały się nie tylko w Rosji (ZSRR), ale także w Japonii, Niemczech, Korei i innych krajach. Prawie trzysta prac słynnego artysty zilustrowano dla wydawnictw dziecięcych ZSRR, pracował w czasopiśmie „Murzilka”. Ilustracje Ustinova do rosyjskich baśni ludowych „Trzy niedźwiedzie”, „Masza i niedźwiedź”, „Mała lisia siostra”, „Żaba księżniczka”, „Gęsi-łabędzie” i wielu innych pozostają najbardziej lubiane przez dzieci.

Jurij Aleksiejewicz Wasniecow

(1900-1973, Wiatka, Leningrad) –

Artysta ludowy i ilustrator. Jego

Zdjęcia do pieśni ludowych, zabawne

Wszystkie dzieci lubią kamery i żarty

(Ładuszki, Tęczowy Łuk). Ilustrował

opowieści ludowe, opowieści Lwa Tołstoja,

Petra Ershova, Samuil Marshak, Witalij

Bianchi i inni klasycy literatury rosyjskiej.

„Bardzo lubię wspominać swoje dzieciństwo. Kiedy piszę, rysuję, żyję wszystkim, co pamiętam i widziałem w dzieciństwie” – powiedział Jurij Aleksiejewicz Wasniecow.

uczniowie klasy 5 „B”

Projekt realizowany był w roku akademickim 2015-2016

Pobierać:

Zapowiedź:

PROJEKT ZBIOROWY

uczniowie klasy 5 „B”

„Artyści – ilustratorzy

Rosyjskie opowieści ludowe”

Cel projektu:

poszerzyć wiedzę na temat pracy ilustratorów.

Zadania:

zapoznaj się z twórczością ilustratorów V.M. Vasnetsova, Yu.A. Vasnetsova, E.M. Racheva, T.A. Mavriny, I.Ya. W. Lebiediewa;
zobaczyć ciekawe techniki i sposoby przedstawiania zwierząt i ludzi;

okazywać pozytywne emocje w stosunku do słów artystycznych
rozwijać postawę estetyczną wobec dzieł sztuki ludowej, umiejętność porównywania środków wyrazu artystów
stwórz własne ilustracje do czytanych bajek, zorganizuj wystawę swoich prac.

Podstawowe pytanie:

Dlaczego ilustratorzy nie tylko rysowali wyjaśnienia tekstu bajek, ale tworzyli piękne niezależne dzieła, które wzbogaciły sztukę rosyjską i światową?

Problematyczne kwestie:

Co to jest ilustracja?
Kim są artyści - ilustratorzy?

Obszary tematyczne:literatura, sztuki piękne, język rosyjski.

Uczestnicy projektu – uczniowie klasy 5 „B”

„Odkrywcy”	„Artyści”
Podojnikow Iwan	Chałkin Iwan
Bruev Aleksander	Sawiełkajewa Polina
Zotow Anton	Chomutowska Aleksandra
Szstopalowa Weronika	Pachomow Dmitrij
Abramow Michaił	Owsjannikow Daniił
Wołobujew Ilja	Azarow Rodion
Rusakowa Sofia	Eremkin Maksym
Czapligina Yana	Samoszyna Swietłana
Bakina Stepana	Didenko Ljubow

Zapoznaliśmy się z faktami biograficznymi i cechami twórczości niektórych artystów - ilustratorów rosyjskich opowieści ludowych i dowiedzieliśmy sięDlaczego autorzy nie tylko rysowali wyjaśnienia tekstu bajek, ale stworzyli piękne niezależne dzieła, które wzbogaciły sztukę rosyjską i światową?

Ilustracja - To nie jest tylko dodatek do tekstu, ale dzieło sztuki swoich czasów.

Ilustratorzy - to artyści, którzy rysują ilustracje do książek, pomagając zrozumieć treść dzieła, lepiej wyobrazić sobie bohaterów, ich wygląd, charaktery, działania i środowisko, w którym żyją.

„Bajka to wielka duchowa kultura narodu, którą zbieramy krok po kroku i poprzez baśń odkrywamy przed nami tysiącletnią historię ludu”.

Wiktor Wasniecow urodził się 15 maja 1848 r. w rejonie Wiatki (nowy styl) w rodzinie wiejskiego księdza.

Ojciec Michaił Wasiljewicz, sam człowiek wszechstronnie wykształcony, starał się zapewnić swoim dzieciom różnorodne wykształcenie, rozwijać w nich dociekliwość i obserwację. Rodzina czytała czasopisma naukowe, rysowała i malowała akwarelami. Tutaj po raz pierwszy doceniono wczesne skłonności artystyczne przyszłego malarza. Motywem jego pierwszych szkiców z natury były wiejskie pejzaże i sceny z życia wsi.

Wieś Ryabowo, w której mieszkali Wasniecowowie, położona była nad malowniczą rzeką Ryabowką, otoczoną gęstymi lasami iglastymi, z których pagórkowatych brzegów widać było horyzont rozciągający się na dziesiątki mil aż do Uralu. Region Vyatka ze swoją surową i malowniczą przyrodą, wyjątkowym sposobem życia, który zachowuje podstawy odległej przeszłości, ze starożytnymi wierzeniami ludowymi, starożytnymi pieśniami, baśniami i eposami, stał się podstawą do ukształtowania się wrażeń z wczesnego życia Wasnetsowa.

Wiktor spędził w Wiatce dziewięć lat, ale nie czuł potrzeby służenia kościołowi. Coraz więcej czasu poświęca rysowaniu. W niedziele jeździ do miasta, na rynek, rysuje „typy”, studiuje postacie. Jego zeszyty seminaryjne są pełne szkiców z pamięci.

W sierpniu 1867 roku, za błogosławieństwem ojca, Wiktor Wasniecow opuścił seminarium na półtora roku przed ukończeniem studiów i za pieniądze zebrane z loterii udał się do Petersburga, aby wstąpić do Akademii Sztuk Pięknych.

Wiktor Michajłowicz Wasniecow przeżył długie, piękne i trudne życie. Jeden z najsłynniejszych rosyjskich artystów XIX wieku, zaznał entuzjastycznego podziwu i chłodnej powściągliwości, aż do całkowitego odrzucenia, stosunku do swojej twórczości, ogromnych sukcesów i ostrej krytyki swoich dzieł, graniczącej z bluźnierstwem.

Nazywano go „prawdziwym bohaterem malarstwa rosyjskiego”. Definicja ta zrodziła się nie tylko dzięki figuratywnemu powiązaniu z „bohaterskim” tematem jego malarstwa, ale dzięki uświadomieniu sobie przez współczesnych znaczenia osobowości artysty, zrozumieniu jego roli jako twórcy nowego, „narodowego” społeczeństwa. kierunek w sztuce rosyjskiej. Znaczenie twórczości Wasnetsowa polega nie tylko na tym, że jako pierwszy wśród malarzy zwrócił się ku epickim baśniowym tematom. Choć to właśnie Wasnetsow – autor „Alyonushki”, „Bogatyrów”, „Iwana Carewicza o szarym wilku”, szeroko reprodukowanych przez wiele lat w ogromnych nakładach w podręcznikach szkolnych, na kalendarzach, dywanikach, cukierkach i pudełkach po papierosach – wszedł masową świadomość, przesłaniającą prawdziwe oblicze artysty.

Iwan Aleksandrowicz Kuzniecow (1908 – 1987)

Iwan Aleksandrowicz Kuzniecow urodził się 23 maja 1908 r. we wsi Monetowo w powiecie Wochomskim.Region Kostromy . Był dwunastym dzieckiem w rodzinie. Chłopiec z pasją kochał świerkowe lasy swojego regionu i z zainteresowaniem obserwował wszelkiego rodzaju leśne zwierzęta. I na każdej znalezionej kartce papieru, na każdej ścianie próbował przedstawić to, co żyło w jego pamięci i wyobraźni. Kiedyś namalował żołnierzami smutny płot przed swoją chatą. Za to ojciec dotkliwie go pobił i zmusił do zamalowania wszystkich rysunków grubą szarą farbą.

Po ukończeniu szkoły dla młodzieży chłopskiej we wsi Wochma Iwan postanowił spełnić swoje najcenniejsze marzenie – kontynuować naukę. Zostaje zatrudniony jako chronometrażysta podczas spływu drewnem po rzekach Wetluga i Wołga. Zarobione pieniądze pozwoliły mi dostać się do Leningradu, ale nigdzie nie mogłem się tam dostać. Następnie przybył do Moskwy. W stolicy włóczył się po okolicy, czerpiąc „z życia” w pubach i hotelach. Spotkany przez przypadek dziennikarz Gazety Chłopskiej zobaczył jego rysunki i postanowił zatrudnić gościa w swojej gazecie. Początkowo Iwan tylko naklejał znaczki i zapisywał na paczkach adresy abonentów działu spedycji gazety. Do niektórych notatek dołącza własne rysunki. Redaktorzy ich lubią i wybierają zdolnego młodego człowieka do szkoły artystycznej.

Po ukończeniu szkoły artystycznej Iwan Kuzniecow studiował w Instytucie Drukarskim w latach 1930–1935.

W latach trzydziestych ukazały się pierwsze książki zaprojektowane przez Iwana Kuzniecowa. Z reguły są to skromnie wydane książki dla dzieci. Wśród nich są „Mój przyjaciel i ja”, „Co masz?” S. Mikhalkova, „Pies i kot” O. Tumanyana. Te i inne publikacje zostały opublikowane przez Detgiz. Kuzniecow przybył do tego wydawnictwa w momencie jego powstania. Większość książek ze swoimi ilustracjami wydała Detgiz (obecnie Wydawnictwo Literatury Dziecięcej).

W czasie wojny I. Kuzniecow, zwolniony z wojska z powodu choroby, został wysłany do fabryk czołgów w Czelabińsku i Niżnym Tagile, gdzie pracował jako artysta-projektant na zlecenie Ministerstwa Przemysłu Czołgowego.

A potem kontynuował swoją żmudną pracę nad ilustracjami do książek. Największą miłością artysty Iwana Kuzniecowa, można powiedzieć, jego przeznaczeniem, był niesamowity świat baśni. Odwołanie do bajki znacznie ułatwiła jego bliska znajomość ze swoim starszym imiennikiem, Konstantinem Wasiljewiczem Kuzniecowem, podczas pracy w krykiecie.

Książki z rysunkami Iwana Kuzniecowa zawierają baśnie różnych narodów. Przygotowując się do pracy, gromadzi ogromną ilość materiału etnograficznego, dokładnie bada naturę, życie i cechy narodowe bohaterów bajki. I oczywiście rosyjskie bajki były mu szczególnie bliskie. Tutaj ożyły dobrze znane mu od najmłodszych lat obrazy natury i oznak życia codziennego. Wiele osób starszego pokolenia pamięta z dzieciństwa cienkie książeczki z jego rysunkami, takie jak „Gęsi-łabędzie”, „Siostra Alyonushka i brat Iwanuszka”, „Koza - Szklane oczy, Złote rogi”.

Od lat pięćdziesiątych wydawane są zbiory baśni ilustrowanych przez artystę - „Góra klejnotów”, „Rosyjskie opowieści ludowe”, „Czarodziejski pierścień”, „Cudowny młyn”, „Nasze opowieści”. Później pojawia się jego słynny „Łabędź”, w którym bohaterką każdej bajki jest miła, pracowita i mądra Rosjanka.

Wśród książek zaprojektowanych przez Iwana Kuzniecowa znajdują się zarówno poezja, jak i proza. Wśród jego rysunków znalazły się dzieła takich autorów jak E. Blaginina i S. Szczepaczow, K. Paustowski i A. Płatonow, L. Tołstoj i M. Gorki. Do ulubionego baśniowego motywu artysty nawiązał także w swoich licznych słynnych linoleum. Są to „Alyonushka”, „Cudowny dywan”, „Latający statek”, „Firebird”, „Thin Mind”. Przez lata powojenne artysta dużo podróżował po Rosji. Odwiedziłem Kamę, Okę, Bajkał i moją ojczyznę w Wochmie. Wynajął pokój w Saltykovce pod Moskwą, gdzie mieszkał i pracował przez długi czas. Wiosną 1966 roku udało mu się odwiedzić Włochy. Zewsząd przywoził swoje wspaniałe rysunki i akwarele, głównie pejzaże.

Oryginalne dzieła Iwana Kuzniecowa znajdują się w różnych muzeach sztuki, w tym w muzeum w jego ojczyźnie w Wochmie, Galerii Sztuki Shushenskaya i Muzeum Sztuk Pięknych w mieście Irbit. Wiele oryginalnych dzieł i ilustrowanych przez niego książek znajduje się w rodzinie artysty wraz z córką. W ostatnich latach życia Iwan Aleksandrowicz był poważnie chory. Zmarł 1 maja 1987 r. Wszystko, co mówi ten artysta, czy to grafika książkowa, akwarela, rysunek czy linoryt, przepojone jest ciepłem i życzliwością. Jego twórczość jest bliska i zrozumiała dla każdego – zarówno dzieci, jak i dorosłych.

Iwan Jakowlewicz Bilibin (1876 – 1942)

Iwan Jakowlew Bilibin urodził się we wsi Tarchowka w obwodzie petersburskim. To właśnie jego ilustracje pomogły stworzyć elegancką i przystępną książkę dla dzieci.

Koncentrując się na tradycjach starożytnej sztuki rosyjskiej i ludowej, Bilibin opracował logicznie spójny system technik graficznych, który pozostał fundamentalny przez całą jego twórczość. Ten system graficzny, a także wrodzona oryginalność Bilibina w interpretacji obrazów epickich i baśniowych, pozwoliły mówić o szczególnym stylu Bilibina.

Wszystko zaczęło się od wystawy moskiewskich artystów w 1899 roku w Petersburgu, na której I. Bilibin zobaczył obraz „Bogatyry” W. Wasnetsowa. Wychowany w petersburskim środowisku, daleki od fascynacji przeszłością narodową, artysta niespodziewanie zainteresował się rosyjską starożytnością, baśniami i sztuką ludową. Latem tego samego roku Bilibin udał się do wsi Egny w prowincji Twer, aby na własne oczy zobaczyć gęste lasy, czyste rzeki, drewniane chaty oraz posłuchać bajek i piosenek. W wyobraźni ożywają obrazy z wystawy Wiktora Wasniecowa. Artysta Iwan Bilibin zaczyna ilustrować rosyjskie opowieści ludowe ze zbiorów Afanasjewa. A jesienią tego samego roku Wyprawa Pozyskania Papierów Państwowych (Goznak) rozpoczęła wydawanie serii bajek z rysunkami Bilibina.

W ciągu 4 lat Bilibin zilustrował siedem bajek: „Siostra Alyonushka i brat Iwanuszka”, „Biała kaczka”, „Żaba księżniczka”, „Maria Morevna”, „Opowieść o Iwanie Carewiczu, ognistym ptaku i szarym wilku” ”, „Pióro Finisty Yasny-Sokoła”, „Piękna Vasilisa”. Wydania bajek są typu małych, wielkoformatowych notesów. Książki Bilibina od początku wyróżniały się wzorzystymi wzorami i jasną dekoracją. Artysta nie tworzył ilustracji indywidualnych, dążył do całości: narysował okładkę, ilustracje, zdobienia, czcionkę – wszystko stylizował na stary rękopis.

Bilibin dał się poznać jako twórca książki, nie ograniczał się do tworzenia indywidualnych ilustracji, ale dążył do rzetelności.

(1893-1976)

Władimir Aleksiejewicz Miłaszewski urodził się w 1893 r. Dzieciństwo i młodość spędził nad brzegiem wielkiej rosyjskiej Wołgi, w Saratowie, mieście bogatym w tradycje artystyczne.

Milashevsky pokazał swoją miłość do rysowania bardzo wcześnie, niemal od dzieciństwa. Będąc realistą, wieczorami uczęszczał do Szkoły Rysunkowej Bogolubowa. W 1913 roku wstąpił na wydział architektury Wyższej Szkoły Artystycznej Akademii Sztuk Pięknych. Przybywając na studia do Petersburga, Milashevsky pogrążył się w życiu artystycznym stolicy.

Milashevsky zrobił wiele w dziedzinie artystycznego projektowania książek dla dorosłych, a jego ilustracje do dzieł klasyków i współczesnych pisarzy radzieckich zajmują honorowe miejsce w historii radzieckiej grafiki i książek. Jednak jego wkład w ilustrowanie książek dla dzieci i młodzieży jest jeszcze bardziej znaczący.

Był jednym z pierwszych i bardzo nielicznych ilustratorów tych książek, można powiedzieć, stał u kolebki sowieckich książek dla nastolatków i młodzieży.

Literatura miała wielkie i odpowiedzialne zadanie dać temu czytelnikowi nową, dobrą radziecką książkę. Nie mniej trudne zadania stanęły przed artystami, którzy mieli ilustrować te książki. Konieczne było ponowne opracowanie zasad projektowania artystycznego książek dla dzieci w wieku szkolnym, zaczynając w zasadzie od zera. Radzieccy nastolatkowie w tamtych latach nie potrzebowali książki podarunkowej, ale książki produkowanej masowo. Musiała być tania, zawarte w niej rysunki były jasne i zrozumiałe, a jednocześnie łatwe do odtworzenia, biorąc pod uwagę duże nakłady i skromne możliwości drukarskie pierwszych lat porewolucyjnych. Wymagało to rysunku nie tonem, ale „pociągnięciem”; musiało być wyraziście, przejrzyście i prosto w wykonaniu.

Pierwsze ilustracje do bajek wykonał Milashevsky w 1948 roku. Wykonał około 25 stron i półstronicowych ilustracji do baśni Puszkina, nakryć głowy i zakończeń.

Ludzie zwykle oglądają obrazy, ale to słowo nie odnosi się do ilustracji Milashevsky'ego: nie patrzy się na nie, ale ogląda i można je oglądać wielokrotnie, za każdym razem odkrywając coraz więcej nowych szczegółów. Jego twórcza hojność jest niesamowita! Nieważne, ile rysuje, wszystkiego wydaje mu się za mało, wciąż chce dodać jakiś inny ciekawy szczegół.

Ilustracje Milashevsky'ego są zakorzenione w samych głębinach życia ludowego. Dlatego są tak wiarygodne, tak przekonujące. Wydaje się, że przedstawione przez niego postacie mają podobieństwo do portretu, że wszyscy – nawet syren i diabeł – byli dokładnie tacy i tylko tacy, jak je namalował artysta. To nie są abstrakcyjne, bajkowe twarze, nie maski, jak niektórzy artyści – nie! - są to dokładne typy etniczne bohaterów baśni, Rosjan i ludzi innych narodowości, w całej ich różnorodności.

Ilustracje Milashevsky'ego to cała encyklopedia, z której można uzyskać całkowicie dokładne informacje o starożytnym architekturę różnych regionów Rosji i innych narodów ze wszystkimi szczegółami, aż po wzory rzeźb w drewnie i malowidłach ram okiennych, o strojach ludowych, o przedmiotach i wyposażeniu gospodarstwa domowego, o zabawkach i przyborach kuchennych, o tysiącu różnych rzeczy.

Przedstawiając wysokie przykłady sztuki ludowej artysta, jak sam przyznaje, miał na celu nie tylko uatrakcyjnienie swoich rysunków, ale także zaszczepienie czytelnikowi, zwłaszcza najmłodszym, gustu artystycznego i miłości do prawdziwej sztuki. Obecnie dużo mówi się o znaczeniu edukacji estetycznej młodych ludzi – ilustracje Milashevsky’ego są praktycznym krokiem w tym kierunku.

Ilustracje Milashevsky'ego charakteryzują się wewnętrznym ciepłem i delikatnym humorem, właściwym dla ludowej opowieści. Prace Milashevsky'ego były pokazywane na prawie wszystkich najważniejszych wystawach graficznych w kraju i za granicą, znajdują się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskim w Leningradzie, Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych. Puszkina, w muzeach A.S. Puszkina w Moskwie i Leningradzie oraz wielu innych muzeach radzieckich i zagranicznych.

Artyści - ilustratorzy

Rosyjskie opowieści ludowe

Wiktor Michajłowicz Wasniecow

Jurij Aleksiejewicz Wasniecow

Jewgienij Michajłowicz Rachev

Tatiana Aleksiejewna Mavrina

Iwan Aleksandrowicz Kuzniecow

Iwan Jakowlew Bilibin

Władimir Aleksiejewicz Milashevsky

Nasze ilustracje

do bajek, które czytasz

Pobierać:

Zapowiedź:

Może Cię zainteresuje