Kultura okresu sowieckiego i poradzieckiego jest jasną, zakrojoną na szeroką skalę rundą rosyjskiego dziedzictwa. Wydarzenia 1917 roku stały się punktem zwrotnym w rozwoju nowego sposobu życia i ukształtowaniu nowego sposobu myślenia. Nastroje społeczne w XIX - początkach XX wieku. doprowadziło do Rewolucji Październikowej, która była punktem zwrotnym w historii kraju. Teraz czekała ją nowa przyszłość z własnymi ideałami i celami. Sztuka, będąca w pewnym sensie zwierciadłem epoki, stała się także narzędziem realizacji założeń nowego reżimu. W odróżnieniu od innych rodzajów twórczości artystycznej, malarstwo, które formuje i kształtuje ludzką myśl, przenikało do ludzkiej świadomości w sposób najtrafniejszy i bezpośredni. Z drugiej strony sztuka malarska była w najmniejszym stopniu podporządkowana funkcji propagandowej i odzwierciedlała doświadczenia ludzi, ich marzenia, a przede wszystkim ducha czasu.

Rosyjska awangarda

Nowa sztuka nie stroniła całkowicie od starych tradycji. Malarstwo w pierwszych latach porewolucyjnych wchłaniało wpływy futurystów i w ogóle awangardy. Awangarda, ze swoją pogardą dla tradycji przeszłości, tak bliska niszczycielskim ideom rewolucji, znalazła zwolenników w postaci młodych artystów. Równolegle z tymi nurtami w sztukach wizualnych rozwinęły się nurty realistyczne, które ożywił XIX-wieczny realizm krytyczny. Ta dwubiegunowość, która dojrzewała w momencie zmieniających się epok, czyniła życie ówczesnego artysty szczególnie napiętym. Choć obie ścieżki, jakie wyłoniły się w malarstwie porewolucyjnym, były przeciwstawne, to jednak można zaobserwować wpływ awangardy na twórczość artystów realistów. Sam realizm w tamtych latach był różnorodny. Dzieła tego stylu mają charakter symboliczny, propagandowy, a nawet romantyczny. Dzieło B.M. absolutnie dokładnie oddaje w symbolicznej formie wielką zmianę w życiu kraju. Kustodieva – „Bolszewik” oraz pełna żałosnej tragedii i niepohamowanej radości „Nowa planeta” K.F. Yuona.

Malarstwo P.N. Filonow ze swoją szczególną metodą twórczą – „realizmem analitycznym” – jest fuzją dwóch kontrastujących ze sobą nurtów artystycznych, co widać na przykładzie cyklu o propagandowym tytule i znaczeniu „Wkroczenie w rozkwit świata”.

P.N. Filonov Statki z serii Wejście w światowy dobrobyt. Galeria Trietiakowska z 1919 r

Niekwestionowany charakter uniwersalnych wartości ludzkich, niezachwianych nawet w tak niespokojnych czasach, wyraża obraz pięknej „Madonny Piotrogrodzkiej” (oficjalny tytuł „1918 w Piotrogrodzie”) autorstwa K.S. Petrova-Vodkina.

Pozytywne nastawienie do rewolucyjnych wydarzeń zaraża lekką i przepełnioną słoneczną, przewiewną atmosferą twórczość pejzażysty A.A. Ryłowa. Pejzaż „Zachód słońca”, w którym artysta wyraził przeczucie ognia rewolucji, który wybuchnie z rosnącego płomienia ognia sądu w minionej epoce, stanowi jeden z inspirujących symboli tego czasu.

Obok obrazów symbolicznych, które organizują wzlot ducha ludu i niosą go ze sobą niczym obsesja, pojawił się także nurt w malarstwie realistycznym, z dążeniem do konkretnego przedstawienia rzeczywistości.
Do dziś w twórczości tego okresu kryje się iskra buntu, która może wyrazić się w każdym z nas. Wiele dzieł, które nie miały takich cech lub które im zaprzeczały, zostało zniszczonych lub zapomnianych i nigdy nie zostaną zaprezentowane naszym oczom.
Awangarda na zawsze odciska piętno na malarstwie realistycznym, rozpoczyna się jednak okres intensywnego rozwoju kierunku realizmu.

Czas na skojarzenia artystyczne

Lata dwudzieste XX wieku to czas tworzenia nowego świata na ruinach pozostawionych przez wojnę secesyjną. Dla sztuki jest to okres, w którym z pełną mocą rozwinęły się różne stowarzyszenia twórcze. Ich zasady zostały częściowo ukształtowane przez wczesne grupy artystyczne. Związek Artystów Rewolucji (1922 – AHRR, 1928 – AHRR) osobiście wykonywał zamówienia państwa. Pod hasłem „realizmu heroicznego” artyści wchodzący w jego skład dokumentowali w swoich pracach życie i codzienność człowieka – zalążek rewolucji, w różnych gatunkach malarstwa. Głównymi przedstawicielami AHRR byli I.I. Brodskiego, który wchłonął realistyczne wpływy I.E. Repina, który pracował w gatunku historyczno-rewolucyjnym i stworzył całą serię dzieł przedstawiających V.I. Lenina, E.M. Cheptsov – mistrz gatunku codziennego, M.B. Grekov, który malował sceny batalistyczne w sposób raczej impresjonistyczny. Wszyscy ci mistrzowie byli założycielami gatunków, w których wykonali większość swojej twórczości. Wśród nich wyróżnia się płótno „Lenin w Smolnym”, w którym I.I. Brodski przekazał wizerunek lidera w najbardziej bezpośredniej i szczerej formie.

W filmie „Zebranie komórki członkowskiej” E.I. Czeptow bardzo rzetelnie i bez skruchy przedstawia wydarzenia, które miały miejsce w życiu ludu.

M.B. tworzy wspaniały, radosny, hałaśliwy obraz pełen burzliwego ruchu i świętowania zwycięstwa. Grekov w utworze „Trębacze 1. Armii Kawalerii”.

Idea nowej osoby, nowy wizerunek osoby wyrażają trendy, które pojawiły się w gatunku portretów, których najwybitniejszymi mistrzami byli S.V. Malyutin i G.G. Ryażski. Na portrecie pisarza-wojownika Dmitrija Furmanowa S.V. Malyutin pokazuje człowieka starego świata, któremu udało się dopasować do nowego świata. Przejawia się nowy trend, który ma swój początek w twórczości N.A. Kasatkina i rozwinięty w najwyższym stopniu w kobiecych wizerunkach G.G. Ryazhsky - „Delegatka”, „Przewodnicząca”, w której wymazuje się zasadę osobistą i ustala typ osoby stworzonej przez nowy świat.
Absolutnie trafne wrażenie na temat rozwoju gatunku pejzażu powstaje, gdy patrzy się na twórczość wiodącego malarza pejzażu B.N. Jakowlewa – „Transport staje się coraz lepszy”.

B.N. Jakowlew Transport jest coraz lepszy. 1923

Gatunek ten przedstawia odnawiający się kraj, normalizację wszystkich sfer życia. W tych latach na pierwszy plan wysunął się krajobraz przemysłowy, którego obrazy stały się symbolami stworzenia.
Kolejnym stowarzyszeniem artystycznym w tym okresie jest Towarzystwo Malarzy Sztalugowych (1925). Artysta starał się tu oddać ducha nowoczesności, typ nowego człowieka, uciekając się do bardziej zdystansowanego przekazu obrazów za pomocą minimalnej liczby środków wyrazu. W pracach „Ostowcewa” często pojawia się motyw sportu. Ich malarstwo przepełnione jest dynamiką i ekspresją, co widać w twórczości A.A. Deineki „Obrona Piotrogrodu”, Yu.P. Pimenova „Piłka nożna” i inne.

Jako podstawę swojej twórczości artystycznej członkowie innego znanego stowarzyszenia „Cztery sztuki” wybrali ekspresję obrazu, ze względu na lakoniczną i konstruktywną formę, a także szczególne podejście do jego nasycenia kolorystycznego. Najbardziej zapadającym w pamięć przedstawicielem stowarzyszenia jest K.S. Petrov-Vodkin, a jednym z jego najwybitniejszych dzieł tego okresu jest „Śmierć komisarza”, która poprzez specjalny język obrazowy odsłania głęboki obraz symboliczny, symbol walki o lepsze życie.

Wśród członków „Czterech Sztuk” wyróżnia się także P.V. Kuzniecow, dzieła poświęcone Wschodowi.
Ostatnim większym stowarzyszeniem artystycznym tego okresu wydaje się być Towarzystwo Artystów Moskiewskich (1928), które różni się od innych sposobem energetycznego rzeźbienia brył, dbałością o światłocień i plastyczną wyrazistością formy. Prawie wszyscy przedstawiciele należeli do „Volty Diamentów” – zwolenników futuryzmu – co znacząco wpłynęło na ich kreatywność. Prace P.P. miały charakter orientacyjny. Konczałowski, który pracował w różnych gatunkach. Na przykład portrety jego żony O.V. Konczałowska oddaje specyfikę nie tylko ręki autora, ale także malarstwa całego stowarzyszenia.

Dekretem „O restrukturyzacji organizacji literackich i artystycznych” z 23 kwietnia 1932 roku rozwiązano wszystkie stowarzyszenia artystyczne i utworzono Związek Artystów ZSRR. Twórczość wpadła w złowrogie kajdany sztywnej ideologii. Naruszona została wolność wypowiedzi artysty, będąca podstawą procesu twórczego. Pomimo tego podziału artyści zjednoczeni wcześniej we wspólnotach kontynuowali swoją działalność, jednak w środowisku malarskim pierwszoplanowe znaczenie zaczęły odgrywać nowe postacie.
B.V. Ioganson był pod wpływem I.E. Repin i V.I. Surikowa, w jego płótnach widać poszukiwania kompozycyjne i ciekawe możliwości rozwiązań kolorystycznych, jednak obrazy autora cechuje nadmierna postawa satyryczna, niewłaściwa w tak naturalistyczny sposób, co możemy zaobserwować na przykładzie obrazu „Na Stara Fabryka Uralu”.

AA Deineka nie odbiega od „oficjalnej” linii sztuki. Nadal pozostaje wierny swoim artystycznym zasadom. Teraz nadal zajmuje się tematyką gatunkową, maluje także portrety i pejzaże. Obraz „Przyszli piloci” dobrze ukazuje jego malarstwo z tego okresu: romantyczne, lekkie.

Artysta tworzy dużą liczbę prac o tematyce sportowej. Z tego okresu zachowały się jego akwarele powstałe po 1935 roku.

Malarstwo lat trzydziestych XX wieku przedstawia fikcyjny świat, iluzję jasnego i świątecznego życia. Artystce najłatwiej było zachować szczerość w gatunku pejzażu. Rozwija się gatunek martwej natury.
Portret także podlega intensywnemu rozwojowi. P.P. Konczałowski pisze szereg postaci kulturalnych („V. Sofronitsky przy fortepianie”). Prace M.V. Niestierow, który wchłonął wpływ malarstwa V.A. Serow, pokaż osobę jako twórcę, którego istotą życia są twórcze poszukiwania. Tak widzimy portrety rzeźbiarza I.D. Shadra i chirurg S.S. Judina.

P.D. Korin kontynuuje tradycję portretową poprzedniego artysty, jednak jego styl malarski polega na przekazywaniu sztywności formy, ostrzejszej, bardziej wyrazistej sylwetki i ostrej kolorystyce. Ogólnie rzecz biorąc, motyw inteligencji twórczej odgrywa w portrecie wielką rolę.

Artysta na wojnie

Wraz z nadejściem Wielkiej Wojny Ojczyźnianej artyści zaczęli brać czynny udział w działaniach wojennych. Dzięki bezpośredniej jedności z wydarzeniami już w pierwszych latach pojawiają się dzieła, których istotą jest zapis tego, co się dzieje, „malarski szkic”. Często takim obrazom brakowało głębi, ale ich wykonanie wyrażało całkowicie szczerą postawę artysty i szczyt moralnego patosu. Gatunek portretowy osiąga względny rozkwit. Artyści, widząc i doświadczając niszczycielskiego wpływu wojny, podziwiają jej bohaterów – ludzi z ludu, wytrwałych i szlachetnych duchem, którzy wykazali najwyższe walory humanistyczne. Takie tendencje zaowocowały portretami ceremonialnymi: „Portret Marszałka G.K. Żukow” otarty przez P.D. Korina, wesołe twarze z obrazów P.P. Konczałowski. Ważne są portrety inteligencji M.S. Saryan, powstały w latach wojny, to wizerunek akademika „I.A. Orbeli”, pisarz „M.S. Shaginyana” i innych.

W latach 1940–1945 rozwinął się także gatunek pejzażowy i codzienny, który A.A. połączył w swojej twórczości. Plastow. „Nadleciał faszysta” ukazuje tragedię życia w tym okresie.

Psychologizm pejzażu dodatkowo wypełnia dzieło smutkiem i ciszą ludzkiej duszy, jedynie wycie oddanego przyjaciela przecina wiatr zamętu. Ostatecznie znaczenie krajobrazu zostaje przemyślane i zaczyna ucieleśniać surowy obraz czasu wojny.
Obrazy tematyczne wyróżniają się osobno, na przykład „Matka partyzanta” S.V. Gierasimowa, którego cechuje odmowa gloryfikacji wizerunku.

Malarstwo historyczne szybko tworzy wizerunki bohaterów narodowych z przeszłości. Jednym z takich niewzruszonych i budzących zaufanie obrazów jest „Aleksander Newski” P.D. Korina, uosabiająca niepokonanego, dumnego ducha ludu. W gatunku tym pod koniec wojny wyłania się tendencja do symulowanej dramaturgii.

Temat wojny w malarstwie

W malarstwie powojennym ser. 1940 - koniec W latach pięćdziesiątych temat wojny, jako sprawdzianu moralnego i fizycznego, z którego naród radziecki wyszedł zwycięsko, zajmował w malarstwie wiodącą pozycję. Rozwijają się gatunki historyczno-rewolucyjne i historyczne. Tematem przewodnim gatunku codziennego jest spokojna praca, o której marzyło się podczas długich lat wojny. Płótna tego gatunku przesiąknięte są radością i szczęściem. Język artystyczny gatunku codziennego staje się narracyjny i zmierza w stronę podobieństwa do życia. W ostatnich latach tego okresu zmienia się także krajobraz. Odradza się w nim życie regionu, ponownie wzmacnia się związek człowieka z naturą i pojawia się atmosfera spokoju. Miłość do natury jest również gloryfikowana w martwej naturze. Portret ciekawie rozwija się w twórczości różnych artystów, co charakteryzuje się przeniesieniem jednostki. Do wybitnych dzieł tego okresu można zaliczyć: „List z frontu” A.I. Laktionov, dzieło jak okno na promienny świat;

kompozycja „Odpoczynek po bitwie”, w której Y.M. Neprintsev osiąga tę samą żywotność obrazu, co A.I. Laktionow;

praca A.A. „Na polach pokoju” Mylnikowej radośnie radująca się z zakończenia wojny i ponownego zjednoczenia człowieka i pracy;

oryginalny obraz krajobrazowy G.G. Nyssa - „Nad śniegami” itp.

Surowy styl zastępujący socrealizm

Sztuka 1960-1980 to nowy etap. Rozwija się nowy „surowy styl”, którego zadaniem było odtworzenie rzeczywistości bez wszystkiego, co pozbawia dzieło głębi i wyrazistości oraz ma szkodliwy wpływ na przejawy twórcze. Cechowała go zwięzłość i uogólnienie obrazu artystycznego. Artyści tego stylu wychwalali bohaterski początek ciężkiej codziennej pracy, którą stworzyła specjalna emocjonalna struktura obrazu. „Styl surowy” był zdecydowanym krokiem w stronę demokratyzacji społeczeństwa. Głównym gatunkiem, w którym pracowali zwolennicy tego stylu, był portret; rozwijały się także portrety grupowe, gatunki codzienne, gatunki historyczne i historyczno-rewolucyjne. Wybitnymi przedstawicielami tego okresu w kontekście rozwoju „stylu surowego” byli V.E. Popkov, który namalował wiele autoportretów i obrazów, V.I. Iwanow jest zwolennikiem portretów grupowych, G.M. Korzhev, który stworzył obrazy historyczne. Esencję „stylu surowego” można dostrzec w filmie „Geolodzy” P.F. Nikonova, „Odkrywcy polarni” A.A. i PA Smolinycha, „Płaszcz ojca” V.E. Popkowa. W gatunku krajobrazu pojawia się zainteresowanie przyrodą północną.

Symbolika epoki stagnacji

W latach 1970-1980. Tworzy się nowe pokolenie artystów, których twórczość w pewnym stopniu wpłynęła na sztukę współczesną. Charakteryzuje je język symboliczny i spektakl teatralny. Ich malarstwo jest dość artystyczne i wirtuozowskie. Głównymi przedstawicielami tego pokolenia są T.G. Nazarenko („Pugaczow”),

którego ulubionym tematem było świętowanie i maskarada, A.G. Sitnikov, który używa metafor i przypowieści jako formy języka plastycznego, N.I. Nesterova, twórczyni kontrowersyjnych obrazów („Ostatnia wieczerza”), I.L. Lubennikow, N.N. Smirnow.

Ostatnia Wieczerza. NI Nesterowa. 1989

Tym samym czas ten jawi się w swej różnorodności i różnorodności jako ostatni, formacyjny element dzisiejszej sztuki pięknej.

Nasza epoka odsłoniła ogromne bogactwo malarskiego dziedzictwa poprzednich pokoleń. Współczesny artysta nie jest ograniczony praktycznie żadnymi ramami, które decydowały, a czasem wrogie, dla rozwoju sztuk pięknych. Niektórzy współcześni artyści starają się trzymać zasad radzieckiej szkoły realistycznej, inni zaś odnajdują się w innych stylach i kierunkach. Bardzo popularne są nurty sztuki konceptualnej, które są niejednoznacznie odbierane przez społeczeństwo. Bogactwo wypowiedzi artystycznej i ideałów, jakie dostarczyła nam przeszłość, należy przemyśleć na nowo i stanowić podstawę dla nowych ścieżek twórczych i stworzenia nowego wizerunku.

Nasze kursy mistrzowskie z historii sztuki

Nasza Galeria Sztuki Współczesnej oferuje nie tylko duży wybór sztuki radzieckiej i malarstwa poradzieckiego, ale także prowadzi regularne wykłady i kursy mistrzowskie z historii sztuki współczesnej.

Możesz zapisać się na klasę mistrzowską, zostawić swoje życzenia dotyczące klasy mistrzowskiej, w której chciałbyś wziąć udział, wypełniając poniższy formularz. Z pewnością poprowadzimy dla Ciebie ciekawy wykład na wybrany przez Ciebie temat.

Czekamy na Ciebie w naszym LEKTORIUM!

Szczegóły Kategoria: Sztuki piękne i architektura okresu sowieckiego Opublikowano 09.14.2018 13:37 Wyświetleń: 1845

Od lat 30. XX w. sztuka oficjalna w Rosji rozwijała się w duchu socrealizmu. Położono kres różnorodności stylów artystycznych.

Nowa era sztuki radzieckiej wyróżniała się ścisłą kontrolą ideologiczną i elementami propagandy.
W 1934 roku na I Ogólnozwiązkowym Kongresie Pisarzy Radzieckich Maksym Gorki sformułował podstawowe zasady socrealizmu jako metody literatury i sztuki radzieckiej:

Narodowość.
Ideologia.
Specyficzność.

Nie tylko głoszono, ale i wspierano przez państwo zasady socrealizmu: zamówienia państwowe, wyjazdy twórcze artystów, wystawy tematyczne i rocznicowe, odrodzenie sztuki monumentalnej jako sztuki niezależnej, bo odzwierciedlało „wielkie perspektywy rozwoju społeczeństwa socjalistycznego”.
Najważniejszymi przedstawicielami malarstwa sztalugowego tego okresu byli Borys Ioganson, Siergiej Gierasimow, Arkady Plastow, Aleksander Deineka, Jurij Pimenow, Nikołaj Krymow, Arkady Ryłow, Piotr Konczałowski, Igor Grabar, Michaił Niestierow, Paweł Korin i inni artykuły dla niektórych artystów.

Borys Władimirowicz Ioganson (1893-1973)

B. Jogansona. Autoportret

Jeden z czołowych przedstawicieli socrealizmu w malarstwie. Nawiązywał do tradycji malarstwa rosyjskiego XIX wieku, ale wprowadził do swoich dzieł „nowe treści rewolucyjne, zgodne z epoką”.
Był także nauczycielem malarstwa, dyrektorem Państwowej Galerii Trietiakowskiej w latach 1951–1954, pierwszym sekretarzem Związku Artystów ZSRR, redaktorem naczelnym encyklopedii „Sztuka krajów i narodów świata” oraz posiadał wiele nagród i tytułów państwowych.
Szczególnie znane są dwa jego obrazy: „Przesłuchanie komunistów” i „W starej fabryce Ural” (1937).

B. Joganson „Przesłuchanie komunistów” (1933). Olej na płótnie. 211 x 279 cm. Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
Aby zrozumieć jego ideę, konieczna jest w tym przypadku historia powstania obrazu. „Osobiście nie dawała mi spokoju idea porównywania klas, chęć wyrażenia w malarstwie niemożliwych do pogodzenia sprzeczności klasowych.
Biała Gwardia to szczególny rozwój w historii, to motłoch, w którym mieszają się resztki starych oficerów, spekulanci w mundurach wojskowych, zwykli bandyci i rabusie wojenni. Cóż za uderzający kontrast w stosunku do tej bandy stanowili nasi komisarze wojskowi, komuniści, którzy byli przywódcami ideologicznymi i obrońcami swojej socjalistycznej ojczyzny i ludu pracującego. Wyrażenie tego kontrastu i zestawienie go było moim zadaniem twórczym” (B. Ioganson).
Jeden z oficerów Białej Gwardii siedzi na pozłacanym krześle, tyłem do widza. Pozostali biali oficerowie są odwróceni twarzą w twarz. Aby wzmocnić dramatyczny efekt, artysta zapewnia sztuczne oświetlenie nocne. Postać strażnika umieszczona jest w górnej ciemnej krawędzi lewego rogu i reprezentuje ledwo zauważalną sylwetkę. W prawym rogu znajduje się okno z zasłoną, przez które wpada dodatkowe nocne światło.
Wydaje się, że komuniści stoją na wyższym poziomie w porównaniu z Białą Gwardią.
Komuniści - dziewczyna i robotnik. Stoją w pobliżu i spokojnie patrzą w twarze swoich wrogów, ich wewnętrzne podniecenie jest ukryte. Młodzi komuniści symbolizują nowy typ narodu radzieckiego.

Siergiej Wasiljewicz Gierasimow (1885-1964)

S. Gierasimow. Autoportret (1923). Olej na płótnie. 88 x 66 cm Muzeum Sztuki w Charkowie (Charków, Ukraina)
Rosyjski artysta, przedstawiciel rosyjskiego impresjonizmu, szczególnie przejawiający się w swoich pejzażach. Stworzył także szereg standardowych obrazów socrealizmu.

S. Gerasimov „Wiosna. Marzec". Olej na płótnie
W gatunku historycznym jego najsłynniejszym dziełem jest „Przysięga partyzantów syberyjskich”.

S. Gerasimov „Przysięga partyzantów syberyjskich” (1933). Olej na płótnie. 173 x 257 cm Państwowe Muzeum Rosyjskie (St. Petersburg)
Obraz jest surowy w treści, ale wyrazisty i wyrazisty. Ma jasny skład i orientację ideologiczną.
Malarstwo gatunkowe S. Gerasimowa „Zbiorowe wakacje na farmie” (1937) uważane jest za jedno z najważniejszych dzieł sztuki radzieckiej lat 30. XX wieku.

S. Gerasimov „Zbiorowe wakacje na farmie” (1937). Olej na płótnie. 234 x 372 cm. Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
Jednym z najsłynniejszych obrazów o wojnie był obraz S. Gierasimowa „Matka partyzanta”.

S. Gerasimov „Matka partyzanta” (1943–1950). Olej na płótnie. Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
Sama artystka tak opowiadała o idei obrazu: „Chciałam pokazać na jej obrazie wszystkie matki, które wysyłały swoich synów na wojnę”.
Kobieta jest niezachwiana w swojej słuszności; uosabia wielką siłę powszechnego gniewu. Cierpi, ale jest to cierpienie dumnej, silnej osoby, dlatego w tej tragicznej chwili jej twarz wydaje się spokojna.

Arkady Aleksandrowicz Plastow (1893-1972)

P. Bendel. Portret artysty Plastova

Artysta A. Plastow nazywany jest „śpiewakiem sowieckiego chłopstwa”. Wszystkie jego obrazy rodzajowe powstały na tle pejzażu. Rosyjska natura artysty jest zawsze liryczna i animowana. Jego obrazy wyróżniają się poetycką ekspresją i niemal bezkonfliktowym charakterem.

A. Plastow „Pierwszy śnieg” (1946)
Artysta przedstawił niewielki fragment życia wiejskiego. Na progu drewnianego domu stoi dwójka chłopskich dzieci, najprawdopodobniej siostra i brat. Budząc się rano, zobaczyli opady śniegu i wybiegli na ganek. Dziewczyna nawet nie zdążyła zawiązać ciepłego żółtego szala, po prostu narzuciła go na lekką domową sukienkę, a stopy włożyła w filcowe buty. Dzieci ze zdziwieniem i zachwytem patrzą na pierwszy śnieg. I ta radość, ten dziecięcy zachwyt pięknem natury przekazywany jest widzom.
Plastow jest przekonanym realistą. Poszukiwanie czegoś zupełnie nowego i niespotykanego było mu obce. Żył w świecie i podziwiał jego piękno. Plastov uważał, że dla artysty najważniejsze jest dostrzeżenie tego piękna i przekazanie go na płótnie. Nie musisz pisać pięknie, musisz pisać prawdę, a będzie piękniejsza niż jakakolwiek fantazja.

A. Plastow „Złota krawędź” (1952). Olej na płótnie. 57 x 76 cm. Państwowe Muzeum-Rezerwat „Kreml Rostowski”

A. Plastow „Siano” (1945). Olej na płótnie. 193 x 232 cm. Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
Artysta stworzył cykl obrazów poświęconych Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej. Płótno „Przeleciał faszysta” jest pełne tragedii; uważane jest za arcydzieło sztuki radzieckiej okresu wojny i powojennego.

A. Plastow „Faszysta przeleciał” (1942). Olej na płótnie. 138 x 185 cm. Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
Artysta A. Deineka kontynuuje pracę nad swoimi ulubionymi tematami.

Jurij Iwanowicz Pimenow (1903-1977)

Znany jako malarz, artysta teatralny, scenograf i grafik, plakacista i pedagog.
Jego najsłynniejszym obrazem jest „Nowa Moskwa”.

Y. Pimenov „Nowa Moskwa” (1937). Olej na płótnie. 140 × 170 cm. Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
Napisane u szczytu odbudowy stolicy. Kobieta za kierownicą to w tamtych latach dość rzadki przypadek. To symbol nowego życia. Niezwykłe jest także rozwiązanie kompozycyjne: obraz przypomina kadr aparatu. Kobieta ukazana jest od tyłu i pod tym kątem zaprasza widza do spojrzenia na poranne miasto jej oczami. Tworzy się uczucie radości, świeżości i wiosennego nastroju. Sprzyja temu impresjonistyczne malowanie pędzla artysty i delikatna kolorystyka obrazu. Obraz jest przesiąknięty charakterystycznym dla tamtych czasów optymistycznym nastawieniem.
Artysta zastosował tę technikę także przy malowaniu „Drogi frontowej”. Treść emocjonalna obrazu zbudowana jest na kontraście obrazu spokojnej, zmieniającej się Moskwy z miastem splądrowanym i zniszczonym w wyniku najazdu faszystowskiego, ukazanym na obrazie „Droga frontowa”.

Y. Pimenov „Droga frontowa” (1944)
We wczesnym okresie swojej twórczości Pimenow pozostawał pod wpływem niemieckiego ekspresjonizmu, co w dużej mierze wyjaśnia dramatyczną siłę jego najlepszych obrazów tamtych lat: „Inwalidzi wojny”, „Daj nam przemysł ciężki!” (1927), „Żołnierze przechodzą na stronę rewolucji” (1932). Stopniowo przeszedł w stronę impresjonizmu, kierując się twórczą zasadą „pięknej chwili”.

Y. Pimenov „Inwalidzi wojny” (1926). Państwowe Muzeum Rosyjskie (Sankt Petersburg)

Gieorgij Grigoriewicz Niski (1903-1987)

W tym okresie Georgy Nissky był aktywnie zaangażowany w malarstwo pejzażowe. Jego obrazy wyróżniają się malowniczą lakonizmem, dynamiką, jasnymi rozwiązaniami kompozycyjnymi i rytmicznymi. Natura artysty jest zawsze przekształcana przez ludzkie ręce.

G. Nyssky „Jesień. Semafory” (1932)

G. Nissky „Obwód moskiewski. lutego” (1957). Olej na płótnie. Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
Nikołaj Krymow uważany jest za pejzażystę starszego pokolenia.

Nikołaj Pietrowicz Krymow (1884-1958)

Nikołaj Krymow (1921)
N.P. Krymov urodził się w rodzinie wędrownego artysty, więc początkowy kierunek jego twórczości był ten sam. Podczas studiów (1905-1910) skłaniał się ku impresjonistycznym przedstawieniom natury; delikatne pastelowe kolory i lekkie pociągnięcia pędzla nadawały jego płótnom duchowy i nieważki wygląd. W latach dwudziestych stał się zwolennikiem rosyjskiego malarstwa realistycznego.

N.P. Krymov „Poranek w Centralnym Parku Kultury i Wypoczynku im. M. Gorkiego w Moskwie” (1937). Olej na płótnie. 81 x 135 cm. Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
Ostatni okres twórczości artysty związany jest z rzeką Oką i małym miasteczkiem Tarusa, gdzie zamieszkał Krymow. Fascynowały go lokalne krajobrazy i rzeka Oka, która „tchnęła wolnością”.

N. Krymov „Ulica w Tarusie” (1952)
Obrazy „Przed zmierzchem”, „Polenovo. Rzeka Oka” i wiele innych. Artysta ma na swoim koncie wiele zimowych pejzaży.

N. Krymov „Zima. Dachy” (1934)

Arkady Aleksandrowicz Ryłow (1870-1939)

A. Ryłów. Autoportret z wiewiórką (1931). Papier, tusz, ołówek włoski. Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)

Rosyjski i radziecki pejzażysta, grafik i pedagog.
Jego najsłynniejszym obrazem jest „Lenin w Razliwie”.

A. Ryłow „V.I. Lenina w Razliwie w 1917 r.” (1934). Olej na płótnie. 126,5 × 212 cm Państwowe Muzeum Rosyjskie (St. Petersburg)
To jedno z najlepszych dzieł artysty w późnym okresie twórczości. Artysta łączy w tym obrazie pejzaż z gatunkiem historycznym. Pobyt Lenina w Razliwie latem 1917 roku jest jednym z głównych tematów tematyki leninowskiej w sowieckiej sztuce plastycznej. Podekscytowanie i napięcie chwili są odczuwalne w krajobrazie i dynamicznej postaci przywódcy. Chmury pędzą po niebie, wiatr ugina potężne drzewa, w walce z siłami natury postać Lenina pędzi pod wiatr z niezachwianą determinacją, by zwyciężyć w imię przyszłości.
Burzliwe jezioro i niepokojące niebo symbolizują burzę. Zmierzch zapada na ziemię. Lenin, nie zauważając tego, intensywnie patrzy w dal. Taka interpretacja wizerunku przywódcy jest porządkiem ideologicznym epoki sowieckiej.
W tym czasie aktywnie rozwijał się gatunek portretu radzieckiego, w którym najwyraźniej pokazali się Piotr Konczałowski, Igor Grabar i Michaił Niestierow.

P. Konczałowski. Portret kompozytora Siergieja Siergiejewicza Prokofiewa (1934). Olej na płótnie. 181 x 140,5 cm. Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)

P. Konczałowski. Portret V.E. Meyerholda (1938). Olej na płótnie. 211 x 233 cm. Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
W okresie masowych represji, na krótko przed aresztowaniem i śmiercią Meyerholda, P. Konczałowski stworzył portret tej wybitnej postaci teatru. 7 stycznia 1938 roku Komisja ds. Sztuki podjęła uchwałę o likwidacji Meyerhold State Theatre.
Artysta oddał konflikt osobowości z otaczającą rzeczywistością poprzez złożone rozwiązanie kompozycyjne. Płótno nie przedstawia marzyciela, ale człowieka, którego los wisi na włosku i on o tym wie. Poprzez porównanie jasnego, gęsto pokrytego ornamentami dywanu i monochromatycznej sylwetki reżysera Konczałowski odsłania tragiczny obraz reżysera-reformatora.

I. Grabar. Portret akademika N.D. Zelińskiego (1935). Olej na płótnie. 95 x 87 cm. Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)

I. Grabar. Portret Władimira Iwanowicza Wernadskiego (1935)

Paweł Dmitriewicz Korin (1892-1967)

Paweł Korin (1933)
Malarz rosyjski i radziecki, monumentalista, mistrz portretu, konserwator i pedagog, profesor.
Wychowywał się w Palechu i zaczynał od malowania ikon. Studiował w Moskiewskiej Szkole Rzeźby i Architektury i ostatecznie stał się jednym z najważniejszych mistrzów wczesnego portretu radzieckiego, tworząc całą galerię portretów intelektualistów swoich czasów.
Prace tego artysty charakteryzują się monumentalnością, surową kolorystyką i wyraźnie rzeźbionymi formami.
Najsłynniejsze dzieła P. Korina: tryptyk „Aleksander Newski”, portrety Gieorgija Żukowa i Maksyma Gorkiego.

P. Korina. Tryptyk "Aleksander Newski"
Tryptyk powstał u artysty na zamówienie w okresie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, kiedy centralnym tematem sztuki był temat oporu wobec najeźdźcy.
W lewej i prawej części tryptyku żołnierze przygotowują się do wojny. Towarzyszą im kobiety: stara matka, żona trzymająca na rękach małe dziecko. Oni, podobnie jak ich ojczyzna, potrzebują ochrony.

Pośrodku wizerunek wojownika. Aleksander Newski powstrzymywał niemieckich rycerzy w czasach starożytnych, aby mógł zainspirować obrońców do walki z faszystowskimi najeźdźcami. Jego postać jest monumentalna – jest pamięcią o rosyjskich bohaterach. Sztandar z twarzą Chrystusa przypomina o świętości ziemi rosyjskiej. Stoi oparty na mieczu - wrogowie muszą zginąć od miecza, z którym przyszli.
Za nim jest jego ojczyzna, którą należy chronić.
Obrazy tematyczne i portrety wykonane przez mistrza charakteryzują się duchowością i zbiorowością obrazów, rygorem kompozycyjnym i projektowym.
Charakterystyczną cechą atmosfery tego okresu jest zainteresowanie jednostkami kreatywnymi.

W 1934 roku na I Ogólnozwiązkowym Kongresie Pisarzy Radzieckich Maksym Gorki sformułował podstawowe zasady realizmu socjalistycznego jako metody literatury i sztuki radzieckiej. Ten moment wyznacza początek nowej ery sztuki radzieckiej, z bardziej rygorystyczną kontrolą ideologiczną i programami propagandowymi.

Podstawowe zasady:

• - Narodowość. Bohaterami dzieł socrealizmu byli z reguły robotnicy miejscy i wiejscy, robotnicy i chłopi, przedstawiciele inteligencji technicznej i personelu wojskowego, bolszewicy i ludzie bezpartyjny.
• - Ideologia. Ukazywać spokojne życie ludzi, poszukiwanie dróg do nowego, lepszego życia, bohaterskie czyny w celu osiągnięcia szczęśliwego życia dla wszystkich ludzi.
• - Specyfika. Obrazując rzeczywistość, ukazuj proces rozwoju historycznego, który z kolei musi odpowiadać materialistycznemu rozumieniu historii (w procesie zmiany warunków swojej egzystencji ludzie zmieniają swoją świadomość i stosunek do otaczającej rzeczywistości).

W latach następujących po uchwale Komitetu Centralnego Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików w sprawie restrukturyzacji organizacji literackich i artystycznych przeprowadzono szereg ważnych wydarzeń mających na celu rozwój sztuki w kierunku wymaganym przez państwo. Rozwija się praktyka zamówień rządowych, kreatywnych wyjazdów służbowych, organizowania dużych wystaw tematycznych i rocznicowych. Radzieccy artyści tworzą wiele dzieł (panelowych, monumentalnych, dekoracyjnych) dla przyszłego VDNH. Oznaczało to ważny etap odrodzenia sztuki monumentalnej jako sztuki niezależnej. W tych pracach stało się oczywiste, że dążenie sztuki radzieckiej do monumentalności nie jest przypadkowe, ale odzwierciedla „wielkie perspektywy rozwoju społeczeństwa socjalistycznego”.

W 1918 roku Lenin w rozmowie z K. Zetkinem zdefiniował zadania sztuki w społeczeństwie sowieckim: „Sztuka należy do ludu. Musi mieć swoje najgłębsze korzenie w głębi szerokich mas pracujących. Musi być zrozumiały dla tych mas i przez nie kochany. Musi zjednoczyć uczucia, myśli i wolę tych mas, podnieść je. Powinno obudzić w nich artystów i je rozwijać.”

W omawianym okresie obok istniejących już kierunków artystycznych pojawiło się kilka zasadniczo nowych, np. awangarda.

W ramach stylu monumentalizmu największym zainteresowaniem cieszy się rzeźba. Podobnie jak wszystkie inne nurty w sztuce radzieckiej, rzeźba tego okresu miała orientację propagandową i patriotyczną treść tematów. W rozwoju rzeźby ogromną rolę odegrał przyjęty w 1918 roku Leninowski plan propagandy monumentalnej. Zgodnie z tym planem w całym kraju miały stanąć pomniki propagujące nowe wartości rewolucyjne. Do prac sprowadzono wybitnych rzeźbiarzy: N.A. Andreev (późniejszy twórca rzeźbiarskiej Leniniany). Innym wybitnym rzeźbiarzem tego okresu jest Ivan Shadr. W 1922 r. stworzył pomniki „Robotnik”, „Siewca”, „Chłop”, „Żołnierz Armii Czerwonej”. Oryginalność jego metody polega na uogólnieniu obrazu w oparciu o konkretną fabułę gatunkową, mocne rzeźbienie brył, ekspresję ruchu, romantyczny patos. Jego najbardziej uderzającym dziełem jest „Bruk brukowy jest narzędziem proletariatu. 1905” (1927). W tym samym roku na terenie elektrowni wodnej na Kaukazie ZAGES wzniesiono przez niego pomnik Lenina – „jeden z najlepszych”. Vera Mukhina rozwinęła się jako mistrzyni także w latach dwudziestych. W tym okresie stworzyła projekt pomnika „Praca Wyzwolona” (1920, nie zachowany), „Wieśniaczka” (1927). Spośród bardziej dojrzałych mistrzów odnotowuje się twórczość Sarah Lebiediewy, która tworzyła portrety. W swoim rozumieniu formy uwzględnia tradycje i doświadczenia impresjonizmu. Aleksandra Matwiejewa charakteryzuje klasyczna jasność w rozumieniu konstrukcyjnych podstaw sztuki plastycznej, harmonii mas rzeźbiarskich i relacji brył w przestrzeni („Rozbieranie kobiety”, „Kobieta zakładająca but”), a także słynny „Październik ” (1927), gdzie kompozycja obejmuje 3 nagich mężczyzn, postacie są połączeniem tradycji klasycznych i ideału „człowieka rewolucji” (atrybuty - młot, sierp, budenovka).

Formy sztuki, które mogły „żyć” na ulicach, odegrały w pierwszych latach po rewolucji istotną rolę w „kształtowaniu się świadomości społecznej i estetycznej narodu rewolucyjnego”. Dlatego wraz z monumentalną rzeźbą najaktywniej rozwijał się plakat polityczny. Okazała się najbardziej mobilną i operacyjną formą sztuki. W okresie wojny domowej gatunek ten charakteryzował się następującymi cechami: „ostrość w prezentacji materiału, natychmiastowa reakcja na szybko zmieniające się wydarzenia, orientacja propagandowa, dzięki której ukształtowały się główne cechy plastycznego języka plakatu . Okazały się lakonizmem, umownością obrazu, wyrazistością sylwetki i gestu. Plakaty były niezwykle powszechne, drukowane w dużych ilościach i rozwieszane wszędzie. Szczególne miejsce w rozwoju plakatu zajmują Okna Satyry ROSTA, w których wybitną rolę odegrali Czeremnych, Michaił Michajłowicz i Władimir Majakowski. Są to szablonowe plakaty, ręcznie malowane i z poetyckimi napisami na temat dnia. Odegrały ogromną rolę w propagandzie politycznej i stały się nową formą figuratywną. Artystyczna dekoracja festiwali to kolejne nowe zjawisko sztuki radzieckiej, które nie miało tradycji. Święta obejmowały rocznice Rewolucji Październikowej, 1 maja, 8 marca i inne święta sowieckie. Stworzyło to nową, niekonwencjonalną formę sztuki, dzięki której malarstwo zyskało nową przestrzeń i funkcje. Na święta stworzono monumentalne tablice, które charakteryzowały się ogromnym monumentalnym patosem propagandowym. Artyści stworzyli szkice do projektowania placów i ulic.

W projektowaniu tych świąt udział wzięli: Petrov-Vodkin, Kustodiev, E. Lansere, S.V. Gerasimov.

Radziecka krytyka sztuki podzieliła mistrzów malarstwa radzieckiego tego okresu na dwie grupy:

• - artyści, którzy starali się uchwycić tematy w znanym wizualnym języku przedstawienia faktów;
• - artyści, którzy posługiwali się bardziej złożonym, figuratywnym postrzeganiem nowoczesności.

Tworzyli symboliczne obrazy, w których próbowali wyrazić swoje „poetyckie, natchnione” postrzeganie epoki w jej nowym stanie. Konstantin Yuon stworzył jedną z pierwszych prac poświęconych obrazowi rewolucji („Nowa planeta”, 1920, Galeria Trietiakowska), gdzie wydarzenie to interpretowane jest w uniwersalnej, kosmicznej skali. Petrov-Vodkin w 1920 roku stworzył obraz „1918 w Piotrogrodzie (Madonna Piotrogrodzka)”, rozwiązując w nim ówczesne problemy etyczne i filozoficzne. Arkady Ryłow, jak wierzono, w swoim pejzażu „W błękitnej przestrzeni” (1918) myśli także symbolicznie, wyrażając „swobodny oddech ludzkości wdzierającej się w rozległe przestrzenie świata, w romantyczne odkrycia, w wolne i mocne przeżycia .”

Nowe obrazy można zobaczyć także na grafice. Nikołaj Kuprejanow „stara się wyrazić swoje wrażenia z rewolucji za pomocą złożonej techniki grawerowania w drewnie” („Samochody pancerne”, 1918; „Aurora Volley”, 1920). W latach trzydziestych malarstwo monumentalne stało się nieodzownym elementem całej kultury artystycznej. Zależało to od rozwoju architektury i było z nią mocno powiązane. Tradycje przedrewolucyjne kontynuował w tym czasie były student Świata Sztuki Evgeniy Lansere - malowanie sali restauracyjnej dworca kazańskiego (1933) ukazuje jego pragnienie elastycznej formy barokowej. Przebija płaszczyznę sufitu, rozszerzając przestrzeń na zewnątrz. Deineka, która w tym czasie również wniosła ogromny wkład w malarstwo monumentalne, pracuje inaczej. Jego mozaiki stacji Majakowskaja (1938) powstały w nowoczesnym stylu: ostry rytm, dynamika lokalnych barwnych plam, energia kątów, konwencjonalne przedstawienie postaci i przedmiotów. Tematyka to głównie sport. Favorsky, znany grafik, wniósł także wkład w malarstwo monumentalne: do nowych zadań zastosował swój system budowy form, wypracowany w ilustracji książkowej. Jego murale Muzeum Macierzyństwa i Dzieciństwa (1933 wraz z Lwem Brunim) i Domu Modelek (1935) ukazują jego rozumienie roli samolotu, połączenie fresków z architekturą opartą na doświadczeniach starożytnego malarstwa rosyjskiego. (Obydwa dzieła nie zachowały się).

Konstruktywizm stał się stylem dominującym w architekturze lat 20. XX wieku.

Konstruktywiści próbowali wykorzystać nowe możliwości techniczne do stworzenia prostych, logicznych, funkcjonalnie uzasadnionych form i celowych projektów. Przykładem architektury radzieckiego konstruktywizmu są projekty braci Vesnin. Najokazalszy z nich, Pałac Pracy, nigdy nie powstał, ale wywarł znaczący wpływ na rozwój architektury krajowej. Niestety, zniszczeniu uległy także zabytki architektury: dopiero w latach 30. XX w. W Moskwie zniszczono Wieżę Suchariewa, Sobór Chrystusa Zbawiciela, Klasztor Cudów na Kremlu, Czerwoną Bramę oraz setki nieznanych kościołów miejskich i wiejskich, z których wiele miało wartość historyczną i artystyczną.

Ze względu na polityczny charakter sztuki radzieckiej powstaje wiele stowarzyszeń i grup artystycznych, mających własne platformy i manifesty. Sztuka była poszukiwana i była różnorodna. Głównymi grupami były AHRR, OST i „4 Arts”. Stowarzyszenie Artystów Rewolucyjnej Rosji zostało założone w 1922 roku. Jej trzon stanowili dawni Wędrowcy, których styl wywarł ogromny wpływ na podejście grupy – realistyczny język codziennego pisania późnych Wędrowców, „chodzenie wśród ludzi” i wystawy tematyczne. Oprócz tematów obrazów (podyktowanych rewolucją) AHRR charakteryzowała się organizacją wystaw tematycznych, takich jak „Życie i życie robotników”, „Życie i życie Armii Czerwonej”.

Główni mistrzowie i dzieła grupy: Izaak Brodski („Przemówienie Lenina w fabryce Putiłowa”, „Lenin w Smolnym”), Georgy Ryazhsky („Delegat”, 1927; „Przewodnicząca”, 1928), portrecista Siergiej Malyutin („Portret Furmanowa”, 1922), Abram Arkhipow, Efim Czeptsow („Zebranie komórki wiejskiej”, 1924), Wasilij Jakowlew („Transport się poprawia”, 1923), Mitrofan Grekow („Taczanka”, 1925, później „Do Kuban” i „Trębacze pierwszego konia”, 1934). Towarzystwo Malarzy Sztalugowych, założone w 1925 roku, zrzeszało artystów o mniej konserwatywnych poglądach na malarstwo, głównie uczniów WKHUTEMAS. Byli to: Williams „Powstanie hamburskie”, Deineka („O budowie nowych warsztatów”, 1925; „Przed zejściem do kopalni”, 1924; „Obrona Piotrogrodu”, 1928), Labas Luchishkin („Piłka poleciała daleko”, „Kocham życie” „), Pimenov („Przemysł ciężki”), Tyshler, Shterenberg i inni. Opowiadali się za hasłem odrodzenia i rozwoju malarstwa sztalugowego, jednak kierowali się nie realizmem, lecz doświadczeniem współczesnych ekspresjonistów. Bliskie im tematy dotyczyły industrializacji, życia miejskiego i sportu. Towarzystwo Czterech Sztuk zostało założone przez artystów będących byłymi członkami Świata Sztuki i Błękitnej Róży, dbających o kulturę i język malarstwa. Najwybitniejsi członkowie stowarzyszenia: Paweł Kuzniecow, Pietrow-Wodkin, Saryan, Faworski i wielu innych wybitnych mistrzów. Społeczeństwo charakteryzowało się wykształceniem filozoficznym i odpowiednim wyrazem plastycznym. W skład Towarzystwa Moskiewskich Artystów wchodzą byli członkowie stowarzyszeń „Malarzy Moskiewscy”, „Makowiec” i „Bycie”, a także członkowie „Jack of Diamonds”. Najbardziej aktywni artyści: Piotr Konczałowski, Ilja Maszkow, Lentułow, Aleksander Kuprin, Robert Falk, Wasilij Rozhdestvensky, Osmerkin, Sergei Gerasimov, Nikolai Chernyshev, Igor Grabar. Artyści tworzyli obrazy „tematyczne” przy użyciu opracowanego „Bubnovo-Jack” i tak dalej. tendencje szkoły awangardowej. Twórczość tych grup była przejawem prób adaptacji świadomości starszego pokolenia mistrzów do nowej rzeczywistości. W latach dwudziestych XX wieku odbyły się dwie duże wystawy, które ugruntowały trendy - z okazji 10. rocznicy Rewolucji Październikowej i Armii Czerwonej oraz „Wystawa Sztuki Narodów ZSRR” (1927).

Wiodąca sfera rozwoju literatury lat 20. XX wieku. niewątpliwie jest poezją. Forma życia literackiego w dużej mierze pozostała taka sama. Podobnie jak na początku stulecia ton nadawały środowiska literackie, z których wiele przetrwało krwawe ciężkie czasy i kontynuowało działalność w latach 20. XX w.: symboliści, futuryści, akmeiści itp. Powstają nowe środowiska i stowarzyszenia, ale rywalizacja między wykraczają obecnie poza granice sfer artystycznych i często nabierają wydźwięku politycznego. Największe znaczenie dla rozwoju literatury miały stowarzyszenia RAPP, „Pereval”, „Bracia Serapion” i LEF.

RAPP (Rosyjskie Stowarzyszenie Pisarzy Proletariackich) ukształtowało się na Pierwszej Ogólnozwiązkowej Konferencji Pisarzy Proletariackich w 1925 roku. W jej skład wchodzili pisarze (najsłynniejsi A. Fadeev i D. Furmanow) oraz krytycy literaccy. Poprzednikiem RAPP był Proletkult, jedna z najbardziej masowych organizacji założona w 1917 roku. Traktowali oni niemal wszystkich pisarzy niebędących członkami ich organizacji jako „wrogów klasowych”. Wśród autorów, których zaatakowali członkowie RAPP, znaleźli się nie tylko A. Achmatowa, Z. Gippius, I. Bunin, ale nawet tak uznani „śpiewacy rewolucji”, jak M. Gorki i W. Majakowski. Ideologiczną opozycją wobec RAPP była grupa literacka „Pereval”.

Grupa „Bracia Serapion” powstała w 1921 roku w Piotrogrodzkim Domu Sztuki. W tej grupie znaleźli się tak znani pisarze, jak W. Iwanow, M. Zoszczenko, K. Fedin i inni.

LEF - lewy przód sztuki. Stanowiska członków tej organizacji (W. Majakowskiego, N. Asejewa, S. Eisensteina i in.) są bardzo sprzeczne. Łącząc futuryzm z innowacją w duchu proletkultu, wpadli na bardzo fantastyczny pomysł stworzenia pewnego rodzaju sztuki „industrialnej”, która miała pełnić w społeczeństwie funkcję utylitarną, zapewniając sprzyjającą atmosferę dla produkcji materialnej . Sztukę traktowano jako element konstrukcji technicznej, bez podtekstów, fikcji psychologizmu itp.

Ma ogromne znaczenie dla rozwoju literatury rosyjskiej XX wieku. grane przez twórczość poetycką V. Ya. Bryusova, E. G. Bagritsky'ego, O. E. Mandelstama, B. L. Pasternaka, D. Bednego, poetów „chłopskich”, których najbystrzejszym przedstawicielem był przyjaciel Jesienina N. A. Klyuev. Szczególną kartę w historii literatury rosyjskiej reprezentuje twórczość poetów i pisarzy, którzy nie zaakceptowali rewolucji i zostali zmuszeni do opuszczenia kraju. Wśród nich są takie nazwiska jak M. I. Tsvetaeva, Z. N. Gippius, I. A. Bunin, A. N. Tołstoj, V. V. Nabokov. Niektórzy z nich, zdając sobie sprawę z niemożności życia z dala od ojczyzny, później wrócili (Cwietajewa, Tołstoj). Modernistyczne tendencje w literaturze objawiły się w twórczości E. I. Zamiatina, autora dystopijnej powieści science fiction „My” (1924). Literatura satyryczna lat 20. prezentowane przez opowiadania M. Zoszczenki; powieści współautorów I. Ilfa (I. A. Fainzilberga) i E. Pietrowa (E. P. Kataeva) „Dwanaście krzeseł” (1928), „Złoty cielec” (1931) itp.

W latach 30 Pojawia się kilka ważnych dzieł, które weszły do ​​historii kultury rosyjskiej. Szołochow tworzy powieści „Cichy Don” i „Dziewica odwrócona”. Twórczość Szołochowa zyskała uznanie na całym świecie: za osiągnięcia pisarskie otrzymał Nagrodę Nobla. W latach trzydziestych M. Gorki ukończył swoją ostatnią epicką powieść „Życie Klima Samgina”. Niezwykle popularna była twórczość N. A. Ostrowskiego, autora powieści „Jak hartowano stal” (1934). A. N. Tołstoj („Piotr I” 1929–1945) stał się klasyką radzieckiej powieści historycznej. Lata dwudzieste i trzydzieste to okres rozkwitu literatury dziecięcej. Kilka pokoleń ludzi radzieckich wychowało się na książkach K. I. Czukowskiego, S. Ya. Marshaka, A. P. Gaidara, S. V. Michałkowa, A. L. Barto, V. A. Kaverina, L. A. Kassila, V. P. Kataevy.

W 1928 roku, prześladowany przez krytykę sowiecką, M. A. Bułhakow, bez nadziei na publikację, zaczął pisać swoją najlepszą powieść „Mistrz i Małgorzata”. Prace nad powieścią trwały aż do śmierci pisarza w 1940 r. Dzieło to ukazało się dopiero w 1966 r. Pod koniec lat 80. ukazały się dzieła A.P. Płatonowa (Klimentowa) „Chevengur”, „Pit Pit”, „Juvenile Sea” . Przy stole pracowali poeci A. A. Achmatowa i B. L. Pasternak. Los Mandelstama (1891-1938) jest tragiczny. Poeta o niezwykłej sile i niezwykłej precyzji wizualnej, należał do grona pisarzy, którzy zaakceptowawszy swego czasu rewolucję październikową, nie potrafili odnaleźć się w społeczeństwie stalinowskim. W 1938 roku był represjonowany.

W latach 30 Związek Radziecki stopniowo zaczyna izolować się od reszty świata. Za żelazną kurtyną jest wielu rosyjskich pisarzy, którzy mimo wszystko nadal pracują. Pisarzem pierwszej wielkości był poeta i prozaik Iwan Aleksiejewicz Bunin (1870–1953). Bunin od samego początku nie zaakceptował rewolucji i wyemigrował do Francji (opowiadanie „Miłość Mityi”, powieść „Życie Arsenyjewa”, zbiór opowiadań „Ciemne zaułki”). W 1933 roku otrzymał Nagrodę Nobla.

Na początku lat 30. Skończyło się istnienie wolnych kół i grup twórczych. W 1934 r. na I Ogólnozwiązkowym Zjeździe Pisarzy Radzieckich zorganizowano „Związek Pisarzy”, do którego zmuszono wszystkich ludzi zajmujących się twórczością literacką. Związek Pisarzy stał się instrumentem całkowitej kontroli rządu nad procesem twórczym. Nie można było nie być członkiem Związku, gdyż w takim przypadku pisarz zostałby pozbawiony możliwości publikowania swoich utworów, a ponadto mógłby zostać pociągnięty do odpowiedzialności karnej za „pasożytnictwo”. U początków tej organizacji stał M. Gorki, ale jego przewodnictwo nie trwało długo. Po jego śmierci w 1936 r. przewodniczącym został A. A. Fadeev. Oprócz „Związku Pisarzy” zorganizowano inne związki „twórcze”: „Związek Artystów”, „Związek Architektów”, „Związek Kompozytorów”. Rozpoczął się okres jednolitości w sztuce radzieckiej.

Rewolucja wyzwoliła potężne siły twórcze. Wpłynęło to również na rozwój krajowej sztuki teatralnej. Powstało wiele grup teatralnych. Dużą rolę w rozwoju sztuki teatralnej odegrał Teatr Dramatyczny Bolszoj w Leningradzie, którego pierwszym dyrektorem artystycznym był teatr im. A. Bloka. V. Meyerholda, teatr im. E. Wachtangow, Teatr Moskiewski im. Mossowet.

W połowie lat dwudziestych pojawił się dramat radziecki, który wywarł ogromny wpływ na rozwój sztuki teatralnej. Największe wydarzenia sezonów teatralnych 1925-1927. stalowa „Burza” V. Billa-Belotserkowskiego w teatrze. MGSPS, „Yarovaya Love” K. Treneva w Teatrze Małym, „Fracture” B. Lavreneva w Teatrze. E. Wachtangowa oraz w Teatrze Dramatycznym Bolszoj „Pociąg pancerny 14-69” W. Iwanowa w Moskiewskim Teatrze Artystycznym. W repertuarze teatralnym mocne miejsce zajmowała klasyka. Próby jego nowej interpretacji podejmowały zarówno teatry akademickie („Ciepłe serce” A. Ostrowskiego w Moskiewskim Teatrze Artystycznym), jak i „lewicowcy” („Las” A. Ostrowskiego i „Generalny Inspektor” N. Gogola w Teatrze V. Meyerholda).

Choć teatry dramatyczne pod koniec pierwszej dekady sowieckiej dokonały restrukturyzacji repertuaru, w działalności zespołów operowych i baletowych główne miejsce nadal zajmowała klasyka. Jedynym większym sukcesem w odzwierciedleniu tematu współczesnego była inscenizacja baletu R. Gliera „Czerwony mak” („Czerwony kwiat”). L.V. występował w Europie Zachodniej i Ameryce. Sobinow, A.V. Nieżdanowa, N.S. Golovanov, trupa Moskiewskiego Teatru Artystycznego, Teatru Kameralnego, Studio im. E. Wachtangow, Kwartet starożytnych instrumentów rosyjskich

Życie muzyczne kraju w tamtych latach kojarzone jest z nazwiskami S. Prokofiewa, D. Szostakowicza, A. Chaczaturiana, T. Chrennikowa, D. Kabalewskiego, I. Dunajewskiego i innych młodych dyrygentów E. Mrawińskiego, B. Khaikina wysunęło się na pierwszy plan. Powstały zespoły muzyczne, które następnie gloryfikowały narodową kulturę muzyczną: Kwartet im. Beethoven, Wielka Państwowa Orkiestra Symfoniczna, Państwowa Orkiestra Filharmonii itp. W 1932 roku powstał Związek Kompozytorów ZSRR.

Wraz z aktorami starszego pokolenia (M. N. Ermołowa, A. M. Yuzhin, A. A. Ostuzhev, V. I. Kachałow, O. L. Knipper-Czechowa) wyłania się nowy teatr rewolucyjny. Poszukiwanie nowych form wyrazu scenicznego jest charakterystyczne dla teatru działającego pod przewodnictwem V. E. Meyerholda (obecnie Meyerhold Theatre). Na scenie tego teatru wystawiane były sztuki V. Majakowskiego „Mystery-bouffe” (1921), „Pluskwa” (1929) itp. Duży wkład w rozwój teatru wniósł dyrektor III pracownia Moskiewskiego Teatru Artystycznego E. B. Wachtangowa; organizator i dyrektor Teatru Kameralnego, reformator sztuk performatywnych A. Ya.

Jedno z najważniejszych i najciekawszych zjawisk w historii kultury lat 20. XX wieku. był początkiem rozwoju kina radzieckiego. Rozwija się film dokumentalny, który staje się obok plakatu jednym z najskuteczniejszych narzędzi walki i agitacji ideologicznej. Ważnym kamieniem milowym w rozwoju kina fabularnego był film Siergieja Michajłowicza Eisensteina (1898–1948) „Pancernik Potiomkin” (1925), uznawany za jedno z arcydzieł świata. Symboliści, futuryści, impresjoniści, imagiści itp. znaleźli się pod ostrzałem krytyki. Zarzucano im „dziwactwa formalistyczne”, że ich sztuka nie była narodowi sowieckiemu potrzebna, że ​​była wroga socjalizmowi. Wśród „obcych” byli kompozytor D. Szostakowicz, reżyser S. Eisenstein, pisarze B. Pasternak, Y. Olesha i inni. Wielu artystów było represjonowanych.

kultura polityczna ideologia totalitaryzmu

Ivanova Anna, uczennica klasy 9a, gimnazjum nr 380 GBOU

Praca zawiera charakterystykę epoki, główne nurty i kierunki malarstwa radzieckiego lat 20-30 XX wieku.

Pobierać:

Zapowiedź:

https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

W latach 20. pojawiły się stowarzyszenia „Bycie” i „NOZH” (Nowe Towarzystwo Malarzy). Artyści sięgali po techniki prymitywistyczne, preferując pejzaże i martwe natury. Pojawiło się stowarzyszenie Czterech Sztuk (1924–1931), w skład którego wchodzili oprócz malarzy (P. Kuzniecow, A. Krawczenko, Sorin i in.) I rzeźbiarzy (Mukhina, Matwiejew) także architektów (Zholtowski, Szczusiew, Szczuko i in.). ). Cztery Sztuki zdecydowanie sprzeciwiały się awangardzie. „Makovets” (1921–1926) to nie tylko stowarzyszenie, ale także czasopismo pod tą samą nazwą. W skład stowarzyszenia wchodzili L. Żegin, N. Czernyszew, W. Faworski, A. Fonvizin, A. Szewczenko, S. Gerasimov.

W imieniu awangardy rosyjskiej wypowiadali się „aprobatorzy nowej sztuki” – UNOVIS (1919–1920), osiedlając się najpierw w Witebsku (Malewicz, Chagall, Lisicki, Leporskaja, Sterligow i in.), a następnie rozprzestrzeniając się na inne miasta. W 1923 roku w Piotrogrodzie utworzono GINKHUK (Państwowy Instytut Kultury Artystycznej). INKHUK istniał w Moskwie od 1920 roku. Najpierw jego przewodniczącym był Kandinsky, następnie Rodczenko, a następnie Osip Brik. Członkowie UNOVIS i INKHUK ostro agresywnie odnosili się do tradycyjnej sztuki przeszłości i głosili „komunistyczną twórczość zbiorową”.

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji utwórz konto Google i zaloguj się na nie: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Lazar Lissitsky, „Latając z daleka na ziemię” Anna Leporska, „Chłopka na polu” Kazimierz Malewicz, „Chłop”

Różnorodne i sprzeczne zjawiska kultury rosyjskiej początku XX wieku: symbolika, kubizm, konstruktywizm, Rayonizm, suprematyzm, futuryzm, kubofuturyzm.

Symboliści próbowali wyrazić doświadczenia duchowe i emocjonalne za pomocą obrazów wizualnych. Symbolika miała „przełożyć ideę na formę uczucia”. Vrubel, „Demon” Borysow-Musatow, „Kwiaty majowe”

Kubizm to modernistyczny ruch w sztukach wizualnych (głównie malarstwie), który powstał w pierwszej ćwierci XX wieku. Pojawienie się kubizmu datuje się na rok 1907. Lentulov, „Krajobraz z żółtą bramą” Chagall, „Ja i wieś”

Konstruktywizm to styl malarski, który powstał w Rosji w 1913 roku, kiedy rosyjski rzeźbiarz Władimir Tatlin podczas swojej podróży do Paryża zobaczył dzieła Braque'a i Picassa. Kiedy Tatlin wrócił do Rosji, zaczął tworzyć podobne dzieła. Stały się początkiem konstruktywizmu, który miał szczególny wygląd na tle sztuki tamtych czasów. Aleksander Radczenko Ljubow Popowa

Rayizm to ruch w rosyjskim malarstwie awangardowym, jeden z wczesnych obszarów abstrakcjonizmu. Opiera się na przesunięciu widma światła i transmisji światła. Uważano, że to, co człowiek postrzega, nie jest samym przedmiotem, ale „sumą promieni pochodzących ze źródła światła, odbitych od przedmiotu i wpadających w nasze pole widzenia”. Promienie na płótnie przenoszone są za pomocą kolorowych linii Michaił Larionow, „Szkło” Romanowicz, „Lilie w stawie”

Futuryści wznieśli pewien prototyp przyszłości poprzez burzenie stereotypów kulturowych. Byli jak rewolucjoniści w sztuce, gdyż celem była ogólna odnowa ideologii i poglądów etycznych wszystkich poprzedników. Goncharova, „Słupy soli” Exter, „Wino”

Realizm w pierwszych latach rewolucji miał różne „kolory” w twórczości różnych artystów: symboliczny – w Kustodiewie, Yuonie, Konenkowie, propagandowy – w Czechoninie, romantyczny – w Ryłowie. Konenkow Czechonin

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji utwórz konto Google i zaloguj się na nie: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Malarstwo radzieckie lat 20-30 XX wieku. Ukończyła uczennica klasy 9a Liceum nr 380 Anna Iwanowa

Ryłow, „W błękitnej przestrzeni”

Drukowano je w dużych nakładach w różnych językach narodowych i dlatego przedostawały się do najodleglejszych zakątków kraju. W ten sposób pierwszy plakat wydawnictwa Wszechrosyjskiego Centralnego Komitetu Wykonawczego „Car, ksiądz i Kułak” (1918) został wydany jednocześnie w 10 językach. Lakonizm linii, sylwetki, koloru, napisu i prymitywizm języka przyczyniły się do szybkiej przejrzystości tego, co zostało przedstawione na plakacie, jego ostrego propagandowego akcentu. Plakat był przystępny dla półpiśmiennych i zupełnie niepiśmiennych, nawoływał do walki z wrogiem w formie zrozumiałej dla każdego.

Tak więc malarstwo w latach 20-30 w Związku Radzieckim zaczęło być kontrolowane przez władze, ale istniały też społeczeństwa, w których artyści wcielali w życie nowe idee i pomysły, starając się przekazać każdemu swoją wizję tego, co dzieje się w kraju i świat.

„Gracze w karty”

Autor

Paula Cezanne’a

Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm

Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale malować zaczął w Paryżu. Prawdziwy sukces przyszedł mu po osobistej wystawie zorganizowanej przez kolekcjonera Ambroise’a Vollarda. W 1886 roku, na 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na obrzeża rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wycieczki do niego „pielgrzymką do Aix”.

130x97cm
1895
cena
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji prywatnej

Twórczość Cezanne’a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie obiektu lub fabuły na płótno, dlatego jego obrazy nie wywołują u widza dezorientacji. Cezanne połączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowych tekstur nadawał kształtom obiektów niesamowitą plastyczność.

Cykl pięciu obrazów „Gracze w karty” powstał w latach 1890–1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób z zapałem gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.

Cztery obrazy znajdują się w muzeach Europy i Ameryki (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation i Courtauld Institute of Art), a piąty do niedawna był ozdobą prywatnej kolekcji greckiego armatora-miliardera Georg Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, zdecydował się wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowego” dzieła Cezanne’a byli handlarz dziełami sztuki William Acquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, którzy zaoferowali za nie około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Katar za 250 milionów. W lutym 2012 roku sfinalizowano największą w historii malarstwa transakcję na dzieła sztuki. Dziennikarka Alexandra Pierce poinformowała o tym w Vanity Fair. Dowiedziała się o cenie obrazu i nazwisku nowego właściciela, po czym informacja przedostała się do mediów na całym świecie.

W 2010 roku w Katarze otwarto Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Katarskie Muzeum Narodowe. Teraz ich zbiory się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję Graczy w karty.

Najbardziejdrogie malowaniena świecie

Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne złoża ropy i gazu, co natychmiast uczyniło Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten mały kraj ma największy PKB na mieszkańca. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani objął władzę w 1995 r., kiedy jego ojciec przebywał w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny. Zdaniem ekspertów zasługą obecnego władcy jest jasna strategia rozwoju kraju i kreowanie pomyślnego wizerunku państwa. Katar ma teraz konstytucję i premiera, a kobiety mają prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al-Dżazira. Władze państwa arabskiego przywiązują dużą wagę do kultury.

2

„Numer 5”

Autor

Jacksona Pollocka

Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jack the Sprinkler – taki przydomek nadano Pollockowi przez amerykańską publiczność ze względu na jego specjalną technikę malarską. Artysta porzucił pędzel i sztalugę, a podczas ciągłego ruchu wokół nich i wewnątrz nich rozlewał farbę na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej. Od najmłodszych lat interesował się filozofią Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.

122x244cm
1948
cena
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Wartość pracy Pollocka nie leży w wyniku, ale w procesie. Nieprzypadkowo autor nazwał swoją twórczość „malowaniem akcji”. Jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock zmieszał farbę z piaskiem i potłuczonym szkłem, a następnie pomalował kawałkiem kartonu, szpachelką, nożem i szufelką. Artysta cieszył się tak dużą popularnością, że w latach 50. XX wieku naśladowcy znaleźli się nawet w ZSRR. Obraz „Numer 5” uznawany jest za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, a w 2006 roku sprzedał go na aukcji Sotheby's za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak wkrótce kancelaria prawna wydała w imieniu swojego klienta komunikat prasowy, w którym stwierdziła, że ​​David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Jedno jest pewne: meksykański finansista rzeczywiście w ostatnim czasie kolekcjonował dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przeoczył tak „dużą rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.

3

„Kobieta III”

Autor

Willema de Kooninga

Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Pochodzący z Holandii, w 1926 roku wyemigrował do Stanów Zjednoczonych. W 1948 roku odbyła się osobista wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe czarno-białe kompozycje, uznając ich autora za wielkiego artystę modernistycznego. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość tworzenia nowej sztuki wyczuwalna jest w każdym dziele. De Kooninga wyróżnia impulsywność malarstwa i szeroka kreska, dlatego czasami obraz nie mieści się w granicach płótna.

121x171cm
1953
cena
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiały się kobiety o pustych oczach, masywnych piersiach i brzydkich rysach twarzy. „Kobieta III” była ostatnią pracą z tego cyklu, która trafiła na aukcję.

Od lat 70. obraz przechowywany był w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, jednak po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych próbowano się go pozbyć. W 1994 roku dzieło zostało wywiezione z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stevenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Co ciekawe, w ciągu jednego roku Geffen zaczął wyprzedawać swoją kolekcję obrazów. Wywołało to wiele plotek: na przykład, że producent zdecydował się kupić gazetę Los Angeles Times.

Na jednym z forów artystycznych pojawiła się opinia o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu „Dama z gronostajem” Leonarda da Vinci. Za zębatym uśmiechem i bezkształtną postacią bohaterki koneser malarstwa dostrzegł wdzięk osoby królewskiej krwi. Świadczy o tym także źle narysowana korona wieńcząca głowę kobiety.

4

„Portret AdeliBloch-Bauer I”

Autor

Gustava Klimta

Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny

Gustav Klimt urodził się w rodzinie rytownika i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami, ale dopiero Gustav zasłynął na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca przejął odpowiedzialność za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Każdy widz zatrzymuje się przed jego obrazami: szczery erotyzm jest wyraźnie widoczny pod cienkimi pociągnięciami złota.

138x136cm
1907
cena
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Losy obrazu, zwanego „austriacką Moną Lisą”, z łatwością mogłyby stać się podstawą bestsellera. Twórczość artystki wywołała konflikt pomiędzy całym państwem a jedną starszą panią.

Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnim życzeniem było przekazanie obrazu Austriackiej Galerii Państwowej. Bloch jednak w testamencie anulował darowiznę, a obraz został wywłaszczony przez hitlerowców. Później galeria z trudem kupiła Złotą Adele, ale potem pojawiła się dziedziczka - Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.

W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Marii Altmann przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego film „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe kroki: przeprowadzono negocjacje w sprawie pożyczek, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie pokonało zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W chwili postępowania miała 79 lat, a do historii zapisała się jako osoba, która zmieniła testament Blocha-Bauera na korzyść osobistych interesów. Obraz kupił Ronald Lauder, właściciel New Gallery w Nowym Jorku, gdzie znajduje się do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.

5

"Krzyk"

Autor

Edwarda Muncha

Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm

Pierwszy obraz Muncha, który zasłynął na całym świecie, „Chora dziewczyna” (jest pięć kopii) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo depresyjnej tematyki jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weźmy na przykład „Krzyk”.

73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 mln dolarów
sprzedany 2012
na aukcji Sotheby's

Pełny tytuł obrazu to Der Schrei der Natur (w tłumaczeniu z języka niemieckiego „krzyk natury”). Twarz człowieka lub kosmity wyraża rozpacz i panikę – te same emocje, których doświadcza widz patrząc na zdjęcie. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które stały się ostre w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.

Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Nieznacznie uszkodzony po kradzieży Krzyk został odrestaurowany i ponownie gotowy do wystawienia w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury dzieło stało się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię jego drukowanych kopii, a maska ​​​​z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.

Munch napisał cztery wersje pracy na jeden temat: ta znajdująca się w kolekcji prywatnej wykonana jest pastelami. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcję 2 maja 2012 r. Kupującym został Leon Black, który za „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. i Lion Advisors, L.P. znany z zamiłowania do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Lincoln Art Center i Metropolitan Museum of Art. Posiada największą kolekcję obrazów artystów współczesnych i mistrzów klasycyzmu minionych wieków.

6

„Akt na tle popiersia i zielonych liści”

Autor

Pabla Picassa

Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm

Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania jest prawdziwym Francuzem. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie udał się do Paryża i spędził tam większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku występuje podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu poglądowi, że przedmiot przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.

130x162cm
1932
cena
106,482 mln dolarów
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie

Podczas swojej pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlovą, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu i przeprowadził się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu bohater znalazł uznanie, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najdroższych obrazów świata powstał niemal przez przypadek – z wielkiej miłości, która jak zawsze u Picassa była krótkotrwała. W 1927 roku zainteresował się młodą Marią Teresą Walter (ona miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał z kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obrazie Dafne. Płótno zakupił nowojorski handlarz Paul Rosenberg, który w 1951 roku sprzedał je Sidneyowi F. Brody'emu. Brodyowie pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta kończył 80 lat. Po śmierci męża pani Brody w marcu 2010 roku wystawiła dzieło na aukcję w Christie’s. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie wystawiono ją po raz drugi, lecz nazwisko właściciela nadal nie jest znane.

7

„Osiem Elvisów”

Autor

Andy’ego Warhola

Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop-art

„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których trzeba pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta pop-artu, reżyser, jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla firmy I.Miller. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella i Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.

358x208cm
1963
cena
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji prywatnej

Lata 60. Warhola to nazwa nadana epoce pop-artu w Ameryce. W 1962 roku pracował na Manhattanie w studiu Factory, gdzie gromadziła się cała bohema Nowego Jorku. Jego wybitni przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości na świecie. W tym samym czasie Warhol testował technikę sitodruku – wielokrotne powtarzanie jednego obrazu. Tę metodę zastosował także podczas tworzenia „Ośmiu Elvisów”: widz ma wrażenie, że widzi materiał z filmu, w którym gwiazda ożywa. Jest tu wszystko, co artysta tak bardzo kochał: wizerunek publiczny, w którym wygrywają obie strony, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główne przesłanie.

Dziś na rynku światowym działa dwóch handlarzy dziełami sztuki promujących twórczość Warhola: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Ten pierwszy wydał w 2008 roku 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tylko za większe pieniądze. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant ds. sztuki Philippe Segalot pomógł rzymskiemu koneserowi sztuki Annibale Berlinghieri sprzedać „Osiem Elvisów” nieznanemu nabywcy za rekordową dla Warhola kwotę – 100 milionów dolarów.

8

"Pomarańczowy,czerwony, żółty”

Autor

Marek Rothko

Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dvinsku w Rosji (obecnie Dyneburg na Łotwie) w dużej rodzinie żydowskiego farmaceuty. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale artystycznym Uniwersytetu Yale i zdobył stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki byli idolami artysty, a muzea prześladowały go przez całe życie.

206x236cm
1961
cena
86,882 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie

Pierwsze eksperymenty artystyczne Rothki miały charakter surrealistyczny, jednak z czasem uprościł fabułę do barwienia plam, pozbawiając je wszelkiej obiektywności. Początkowo miały jasne odcienie, w latach 60. XX wieku stały się brązowo-fioletowe, by po śmierci artysty zgęstnieć i przejść w czerń. Mark Rothko przestrzegał przed doszukiwaniem się w swoich obrazach jakiegokolwiek sensu. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor rozpuszczający się w powietrzu i nic więcej. Zalecał oglądanie prac z odległości 45 cm, aby widz „wciągnął się” w kolor niczym w lejek. Bądź ostrożny: patrzenie według wszystkich zasad może doprowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowej świadomości nieskończoności, całkowitego zanurzenia się w sobie, relaksu i oczyszczenia. Kolor w jego obrazach żyje, oddycha i ma silny wpływ emocjonalny (mówią, czasem uzdrawiający). Artystka deklarowała: „Widz powinien płakać, patrząc na nie” – i takie przypadki rzeczywiście miały miejsce. Według teorii Rothki ludzie w tym momencie przeżywają to samo duchowe przeżycie, jakie on przeżył podczas pracy nad obrazem. Jeśli potrafiłeś to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, nie zdziwisz się, że te dzieła sztuki abstrakcyjnej często porównywane są przez krytyków do ikon.

Praca „Orange, Red, Yellow” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowa cena na aukcji Christie’s w Nowym Jorku wynosi 35–45 mln dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwukrotnie wyższą od szacunkowej. Imię szczęśliwego właściciela obrazu, jak to często bywa, nie zostaje ujawnione.

9

"Tryptyk"

Autor

Franciszka Bacona

Kraj
Zjednoczone Królestwo
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm

Przygody Francisa Bacona, zupełnego imiennika, a jednocześnie dalekiego potomka wielkiego filozofa, rozpoczęły się, gdy jego ojciec się go wyparł, nie mogąc zaakceptować homoseksualnych skłonności syna. Bacon udał się najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego tropy pomieszały się w całej Europie. Za jego życia jego prace wystawiane były w czołowych ośrodkach kulturalnych świata, m.in. w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.

147,5x198 cm (każdy)
1976
cena
86,2 mln dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji Sotheby's

Prestiżowe muzea starały się posiadać obrazy Bacona, ale prymitywnej angielskiej publiczności nie spieszyło się z kupowaniem takich dzieł sztuki. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.

Za okres początkowy swojej twórczości sam artysta uważał okres powojenny. Wracając ze służby, ponownie zajął się malarstwem i stworzył wielkie arcydzieła. Przed powstaniem „Tryptyku, 1976” najdroższym dziełem Bacona było „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W „Tryptyku 1976” artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez Furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a Furie są jego udręką. Przez ponad 30 lat obraz znajdował się w kolekcji prywatnej i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale czym jest kilka milionów dla konesera sztuki, i to hojnego? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90. XX wieku, na co znaczący wpływ miała jego przyjaciółka Dasza Żukowa, która stała się modną właścicielką galerii we współczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych biznesmen osobiście jest właścicielem dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, zakupionych za kwoty przekraczające 100 milionów dolarów. W 2008 roku stał się właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku zakupiono kolejne cenne dzieło Bacona – „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że kupującym ponownie został Roman Arkadjewicz.

10

„Staw z liliami wodnymi”

Autor

Claude'a Moneta

Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm

Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę w swoich obrazach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Obiad na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury, a prawdziwym malarstwem zajął się podczas podróży wzdłuż wybrzeża i w plenerze. W Paryżu prowadził bohemy i nie opuścił go nawet po odbyciu służby wojskowej.

210x100cm
1919
cena
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji Christie

Oprócz tego, że Monet był wielkim artystą, był także zapalonym ogrodnikiem i uwielbiał przyrodę i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, obiekty zdają się być rozmyte przez ruch powietrza. Wrażenie potęgują duże kreski, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W obrazach zmarłego Moneta temat wody i życia w niej zajmuje szczególne miejsce. W miejscowości Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne z nasion specjalnie przywiezionych z Japonii. Kiedy zakwitły ich kwiaty, zaczął rysować. Cykl „Lilie wodne” składa się z 60 prac, które artysta malował na przestrzeni prawie 30 lat, aż do swojej śmierci. Z wiekiem wzrok mu się pogorszył, ale nie przestał. W zależności od wiatru, pory roku i pogody wygląd stawu stale się zmieniał, a Monet chciał te zmiany uchwycić. Dzięki uważnej pracy doszedł do zrozumienia istoty natury. Część obrazów z tej serii znajduje się w czołowych galeriach świata: Narodowym Muzeum Sztuki Zachodniej (Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.

11

Fałszywa Gwiazda T

Autor

Jaspera Johnsa

Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop-art

W 1949 roku Jones rozpoczął naukę w szkole projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi uznawany jest za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Prezydencki Medal Wolności, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

Podobnie jak Marcel Duchamp Jones pracował z realnymi obiektami, przedstawiając je na płótnie i w rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Do swoich prac wykorzystywał proste i zrozumiałe przedmioty: butelkę po piwie, flagę czy kartki. W filmie Falstart nie ma jasnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „błędnie” etykietując kolory na obrazie, odwracając samo pojęcie koloru: „Chciałem znaleźć taki sposób przedstawienia koloru, aby można go było określić inną metodą”. Według krytyków jego najbardziej wybuchowy i „niepewny” obraz kupił nieznany nabywca.

12

„Siedzinagina sofie"

Autor

Amedeo Modiglianiego

Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm

Modigliani od dzieciństwa często chorował; w czasie gorączkowego majaczenia rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysta. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, a w 1906 wyjechał do Paryża, gdzie jego sztuka rozkwitła.

65x100cm
1917
cena
68,962 mln dolarów
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Sotheby's

W 1917 roku Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a następnie żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, co było ostatnim rekordem przed sprzedażą „Aktu siedzącego na sofie” w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego nabywcę za maksymalną aktualnie cenę Modiglianiego. Aktywna sprzedaż dzieł rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w biedzie, chory na gruźlicę, a następnego dnia Jeanne Hebuterne, będąca w dziewiątym miesiącu ciąży, również popełniła samobójstwo.

13

„Orzeł na sośnie”

Autor

Qi Baishi

Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl Guohua

Zainteresowanie kaligrafią doprowadziło Qi Baishi do malarstwa. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuana. Chińskie Ministerstwo Kultury nadało mu tytuł „Wielkiego Artysty Narodu Chińskiego”, a w 1956 roku otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.

10x26cm
1946
cena
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011 roku
na aukcji Strażnik Chin

Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi, i na tym polega jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do waszego kraju, bo w Chinach jest Qi Baishi”. Kompozycja „Orzeł na sośnie” uznawana jest za największe dzieło artysty. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglificzne. Dla Chin kwota, za jaką zakupiono dzieło, jest rekordowa – 425,5 mln juanów. Sam zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.

14

„1949-A-nr 1”

Autor

Clyfforda Stilla

Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

W wieku 20 lat odwiedziłem Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i byłem rozczarowany. Później zapisał się na kurs w Studenckim Lidze Artystycznej, ale wyszedł 45 minut po rozpoczęciu zajęć – okazało się, że „to nie dla niego”. Pierwsza osobista wystawa wywołała rezonans, artysta odnalazł siebie, a wraz z nim uznanie

79x93cm
1949
cena
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011 roku
na aukcji Sotheby's

Still zapisał wszystkie swoje dzieła, ponad 800 płócien i 1600 prac na papierze, amerykańskiemu miastu, gdzie zostanie otwarte muzeum nazwane jego imieniem. Denver stało się takim miastem, jednak sama budowa była dla władz kosztowna, a aby ją ukończyć, wystawiono na aukcję cztery prace. Prace Stilla raczej nie trafią ponownie na aukcję, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-Nr 1” został sprzedany za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż za maksymalnie 25–35 mln dolarów.

15

„Kompozycja suprematystyczna”

Autor

Kazimierz Malewicz

Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl Suprematyzm

Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 roku zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (od łac. „dominacja”).

71x88,5cm
1916
cena
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji Sotheby's

Obraz przechowywany był w Muzeum Miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, jednak po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował to dzieło w tym samym roku, w którym powstał „Manifest suprematyzmu”, dlatego Sotheby’s jeszcze przed aukcją zapowiadał, że nie trafi ono do prywatnej kolekcji za mniej niż 60 milionów dolarów. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli z Muzeum MoMA kolejną „Kompozycję suprematystyczną”, aby sprzedać ją na aukcji Phillipsa za 17 milionów dolarów.

16

„kąpiący się”

Autor

Paula Gauguina

Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm

Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, następnie wraz z rodziną wrócił do Francji, jednak wspomnienia z dzieciństwa nieustannie popychały go do podróży. We Francji zaczął malować i zaprzyjaźnił się z Van Goghem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, aż w czasie kłótni Van Gogh odciął mu ucho.

93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005 roku
na aukcji Sotheby's

W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby dochód wykorzystać na podróż w głąb wyspy Tahiti. Tworzył tam dzieła, w których wyczuwalny jest subtelny związek natury z człowiekiem. Gauguin mieszkał w chatce krytej strzechą, a na jego płótnach rozkwitał tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitianka Tehura, co nie przeszkodziło artyście wdawać się w rozwiązłe związki. Zachorując na kiłę wyjechał do Francji. Jednak Gauguin stwierdził, że jest tam tłoczno i ​​wrócił na Tahiti. Okres ten nazywany jest „drugim Tahitianem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.

17

"Żonkile i obrusy w odcieniach błękitu i różu"

Autor

Henryk Matisse

Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fowizm

W 1889 roku Henri Matisse dostał ataku zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy wracał do zdrowia po operacji, mama kupiła mu farby. Początkowo Matisse z nudów kopiował kolorowe pocztówki, potem kopiował dzieła wielkich malarzy, które widział w Luwrze, aż na początku XX wieku wymyślił styl – fowizm.

65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009 roku
na aukcji Christie

Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas był własnością Yvesa Saint Laurenta. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja dzieł sztuki przeszła w ręce jego przyjaciela i kochanka Pierre’a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie’s. Perłą sprzedanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w odcieniach błękitu i różu”, namalowany na zwykłym obrusie, a nie na płótnie. Jako przykład fowizmu, jest on wypełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze słynnego cyklu obrazów malowanych na obrusach, dzieło to, jako jedyne, znajduje się dziś w zbiorach prywatnych.

18

„Śpiąca dziewczyna”

Autor

RoyZawietrzny

htensteina

Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop-art

Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 roku Lichtenstein uzyskał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność posługiwania się ironią uczyniły go artystą kultowym ubiegłego wieku.

91x91cm
1964
cena
44,882 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Sotheby's

Któregoś dnia w ręce Lichtensteina wpadła guma do żucia. Przeniósł obraz z wkładki na płótno i zasłynął. W tej historii z jego biografii zawarte jest całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, a w opakowaniu po gumie do żucia jest nie mniej piękna niż w Mona Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i karykatury: Lichtenstein po prostu powiększył gotowy obraz, narysował rastry, zastosował sitodruk i sitodruk. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gershów, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.

19

"Zwycięstwo. Boogie-woogie”

Autor

Pieta Mondriana

Kraj Niderlandy
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm

Po przeprowadzce do Paryża w 1912 roku artysta zmienił swoje prawdziwe nazwisko, Cornelis, na Mondrian. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet nosi imię Mondriana.

27x127cm
1944
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998 r
na aukcji Sotheby's

Najbardziej „muzyczni” artyści XX wieku utrzymywali się z akwarelowych martwych natur, choć zasłynął jako artysta nowotworowy. W latach czterdziestych XX wieku przeniósł się do Stanów Zjednoczonych i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork są tym, co go najbardziej zainspirowało! Obraz „Zwycięstwo. Boogie-Woogie” jest tego najlepszym przykładem. Charakterystyczne, schludne kwadraty uzyskano za pomocą taśmy samoprzylepnej, ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wypuścił słynne na całym świecie sukienki Mondrian z dużym kolorowym nadrukiem w kratę.

20

„Kompozycja nr 5”

Autor

WasilijKandinsky'ego

Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda

Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z rządem sowieckim, ale szybko zdał sobie sprawę, że prawa proletariatu nie są dla niego stworzone i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.

275x190cm
1911
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007 roku
na aukcji Sotheby's

Kandinsky jako jeden z pierwszych całkowicie porzucił malarstwo przedmiotowe, za co otrzymał tytuł geniusza. W czasach nazizmu w Niemczech jego obrazy uznano za „sztukę zdegenerowaną” i nie były nigdzie wystawiane. W 1939 roku Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, a w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwsza powstała w 1910 r., ostatnia w 1939 r.). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” zabrzmiało dla mnie jak modlitwa” – stwierdził artysta. W przeciwieństwie do wielu swoich naśladowców, planował to, co przedstawi na ogromnym płótnie, jakby pisał notatki.

21

„Studium kobiety w błękicie”

Autor

Fernand Léger

Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm

Léger zdobył wykształcenie architektoniczne, a następnie uczęszczał do Ecole des Beaux-Arts w Paryżu. Artysta uważał się za zwolennika Cezanne’a, był apologetą kubizmu, a w XX wieku odnosił sukcesy także jako rzeźbiarz.

96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji Sotheby's

David Norman, prezes międzynarodowego działu impresjonizmu i modernizmu w Sotheby's, uważa ogromną kwotę zapłaconą za „Błękitną Damę” za w pełni uzasadnioną. Obraz należy do słynnej kolekcji Légera (artysta namalował trzy obrazy o tej samej tematyce, ostatni z nich znajduje się dziś w rękach prywatnych – przyp. red.), a powierzchnia płótna zachowała się w pierwotnej formie. Sam autor przekazał to dzieło galerii Der Sturm, następnie trafiło ono do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.

22

„Scena uliczna. Berlin"

Autor

Ernsta LudwigaKirchnera

Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm

Dla niemieckiego ekspresjonizmu Kirchner stał się postacią ikoniczną. Władze lokalne zarzucały mu jednak uprawianie „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który w 1938 roku popełnił samobójstwo.

95x121cm
1913
cena
38,096 mln dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie

Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Inspiracją dla niego był zgiełk i nerwowość wielkiego miasta. Na obrazie sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku szczególnie dotkliwie odczuwa się niepokój artysty: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki – pełne wdzięku i niebezpieczne. Było to ostatnie dzieło ze słynnej serii sprzedane na aukcji, pozostałe znajdują się w muzeach. W 1937 roku hitlerowcy surowo potraktowali Kirchnera: 639 jego dzieł wywieziono z niemieckich galerii, zniszczono lub sprzedano za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.

23

"Urlopowicz"tancerz"

Autor

Edgara Degasa

Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm

Historia Degasa jako artysty rozpoczęła się od pracy kopisty w Luwrze. Marzył o zostaniu „sławnym i nieznanym” i w końcu mu się to udało. Pod koniec życia głuchy i niewidomy 80-letni Degas nadal uczęszczał na wystawy i aukcje.

64x59cm
1879
cena
37,043 mln dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji Sotheby's

„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedziała Degas. Sceny z życia tancerzy wydają się być szpiegowane: dziewczyny nie pozują artyście, a po prostu stają się częścią atmosfery wychwytywanej przez wzrok Degasa. „Resting Dancer” został sprzedany w 1999 roku za 28 milionów dolarów, a niecałe 10 lat później został kupiony za 37 milionów dolarów – dziś jest to najdroższa praca artysty, jaką kiedykolwiek wystawiono na aukcji. Degas przywiązywał dużą wagę do ram, sam je zaprojektował i zakazał ich zmiany. Zastanawiam się, jaka rama jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?

24

"Malarstwo"

Autor

Joanna Miro

Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl sztuka abstrakcyjna

Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta opowiedział się po stronie republikanów. W 1937 roku uciekł przed faszystowskim reżimem do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro namalował obraz „Pomóż Hiszpanii!”, Zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.

89x115cm
1927
cena
36,824 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Sotheby's

Drugi tytuł obrazu to „Błękitna Gwiazda”. Artysta namalował go w tym samym roku, kiedy oznajmił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie naśmiewał się z płócien, drapiąc farbę gwoździami, przyklejając pióra do płótna, zasypując prace śmieciami. Jego celem było obalenie mitów na temat tajemnicy malarstwa, jednak poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit – surrealistyczną abstrakcję. Jego „Obraz” należy do cyklu „obrazów snów”. Na aukcji walczyło o niego czterech nabywców, jednak jedna rozmowa telefoniczna incognito rozstrzygnęła spór, a „Malarstwo” stało się najdroższym obrazem artysty.

25

„Niebieska róża”

Autor

Yvesa Kleina

Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malarstwo monochromatyczne

Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło złotnika, buddyzm zen i wiele innych. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.

153x199x16cm
1960
cena
36,779 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie’s

Pierwsza wystawa monochromatycznych prac w kolorze żółtym, pomarańczowym i różowym nie wzbudziła zainteresowania publiczności. Klein poczuł się urażony i następnym razem pokazał 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Nawet opatentował tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „międzynarodowy błękit Kleina”. Artysta sprzedawał także pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na działanie deszczu, podpalając karton, wykonując odbitki ciała człowieka na płótnie. Jednym słowem eksperymentowałem jak mogłem. Do stworzenia „Niebieskiej Róży” użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyczków i naturalnej gąbki.

26

„W poszukiwaniu Mojżesza”

Autor

Sir Lawrence'a Alma-Tadema

Kraj Zjednoczone Królestwo
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm

Sam Sir Lawrence dodał do swojego nazwiska przedrostek „alma”, aby móc pojawiać się na pierwszych miejscach w katalogach dzieł sztuki. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy cieszyły się takim zainteresowaniem, że artysta otrzymał tytuł szlachecki.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 mln dolarów
sprzedany w 2011 roku
na aukcji Sotheby's

Głównym tematem twórczości Alma-Tadema była starożytność. W swoich obrazach starał się w najdrobniejszych szczegółach przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu przeprowadził nawet wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenińskim, a w swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrza tamtych lat. Kolejnym źródłem inspiracji stały się dla niego tematy mitologiczne. Artysta za życia cieszył się dużym zainteresowaniem, jednak po śmierci szybko o nim zapomniano. Obecnie zainteresowanie odżywa, o czym świadczy cena obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, która jest siedmiokrotnie wyższa od szacunkowej przedsprzedaży.

27

„Portret śpiącego nagiego urzędnika”

Autor

Lucjan Freud

Kraj Niemcy,
Zjednoczone Królestwo
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne

Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po ustanowieniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection Museum w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji Christie

Podczas gdy modni artyści XX wieku tworzyli pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedawali je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je za jeszcze więcej. „Uchwytuję płacz duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że wszystko to jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane i sprzedawały się z sukcesem, że eksperci zaczęli wątpić: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret nagiego śpiącego urzędnika” – jak podaje „The Sun” – kupił koneser piękna i miliarder Roman Abramowicz.

28

„Skrzypce i gitara”

Autor

Xjeden Gris

Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm

Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył Szkołę Sztuki i Rzemiosła. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł do kręgu najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Légera, a także współpracował z Siergiejem Diagilewem i jego trupą.

5x100cm
1913
cena
28,642 mln dolarów
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie

Gris, jak sam stwierdził, zajmował się „płaską, kolorową architekturą”. Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie pozostawił ani jednej przypadkowej kreski, co upodabnia twórczość do geometrii. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem Pabla Picassa, ojca założyciela tego ruchu. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze dzieło w stylu kubistycznym „Tribute to Picasso”. Obraz „Skrzypce i gitara” uznawany jest za wybitny w twórczości artysty. Już za życia Gris był sławny i lubiany przez krytyków i krytyków sztuki. Jego prace znajdują się w największych muzeach świata i znajdują się w kolekcjach prywatnych.

29

"PortretPola Eluarda”

Autor

Salvadora Dali

Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm

„Surrealizm to ja” – powiedział Dali, gdy został wydalony z grupy surrealistów. Z biegiem czasu stał się najsłynniejszym artystą surrealistycznym. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. To on na przykład był pomysłodawcą opakowania Chupa Chups.

25x33cm
1929
cena
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011 roku
na aukcji Sotheby's

W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali z wizytą do wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Podczas tej historycznej wizyty namalowano obraz „Portret Paula Eluarda”. „Poczułem, że powierzono mi obowiązek uwiecznienia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony myślą o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał aż do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.

30

"Rocznica"

Autor

Marka Chagalla

Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda

Moishe Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 roku wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych swojej epoki. W latach 30. XX w., podczas przejęcia władzy przez nazistów, z pomocą amerykańskiego konsula wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji powrócił dopiero w 1948 r.

80x103cm
1923
cena
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990 r
na aukcji Sotheby’s

Obraz „Rocznica” uznawany jest za jedno z najlepszych dzieł artysty. Zawiera wszystkie cechy jego twórczości: fizyczne prawa świata zostają wymazane, w scenerii mieszczańskiego życia zostaje zachowany klimat baśni, a miłość jest w centrum fabuły. Chagall nie czerpał ludzi z życia, a jedynie z pamięci lub wyobraźni. Obraz „Rocznica” przedstawia samego artystę i jego żonę Belę. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, w nowojorskim Museum of Modern Art MoMA znajduje się dokładnie taki sam egzemplarz, tyle że pod nazwą „Urodziny”. Nawiasem mówiąc, zostało napisane wcześniej - w 1915 roku.

przygotował projekt
Tatiana Palasowa
ocena została opracowana
według listy www.art-spb.ru
magazyn tmn nr 13 (maj-czerwiec 2013)