Chociaż w społeczeństwie egipskim religia zajmowała pierwsze miejsce, sztuka świecka otrzymała niezwykle ważną rolę. Czołowymi artystami – architektami, rzeźbiarzami, malarzami – byli wysocy urzędnicy, często księża, ich nazwiska były znane i czczone. Ponieważ sztukę uważano za nosicielkę życia wiecznego, uwolniono ją od wszystkiego, co chwilowe, zmienne i niestabilne.
Architektura starożytnego Egiptu jest ściśle związana z kultem grobowym.
Klasycznym przykładem budowli architektonicznych są piramidy faraonów z IV dynastii (27 w. p.n.e.) Cheopsa, Chefrena i Mikerina (grecka wersja ich imion). Ich wyrafinowana forma, oparta na proporcjach „złotego podziału”, była niezwykle lakoniczna i nieskończenie wyrazista. Dwa elementy determinowały wzory formy: podstawa, kwadrat w planie i zbieżność boków w jednym punkcie, tak jak całe życie Egiptu zbiegło się i skupiło w deifikowanym faraonie. Genialny w swej prostocie projekt piramidy niósł w sobie artystyczne uogólnienie samej istoty społeczeństwa egipskiego, podporządkowanego nieograniczonej władzy faraona.
Cechą charakterystyczną piramid ze względów architektonicznych był związek masy z przestrzenią: komora grobowa, w której stał sarkofag z mumią, była bardzo mała, a prowadziły do niej długie i wąskie korytarze. Element przestrzenny został ograniczony do minimum.
Wspomniane piramidy są jednym z siedmiu cudów świata, które przetrwały do dziś. Znajdują się one na pustynnym płaskowyżu na zachodnich obrzeżach Gizy i robią wrażenie pod względem wielkości. Najbardziej okazała z nich, Wielka Piramida Cheopsa (ryc. 7), dumnie wznosi się nad pustynnym krajobrazem, sąsiadując z gigantycznym sfinksem wyrzeźbionym z monolitu. Wysokość grobowca sięga 150 m. Piramida Chefre (ryc. 8), położona na południe od Wielkiej Piramidy, jest drugą co do wielkości. Jest o 8 m niższy od grobowca Cheopsa, ale jest znacznie lepiej zachowany. Część zachowanej okładziny daje wyobrażenie o ówczesnej zaawansowanej technologii obróbki kamienia. Budowę trzeciej piramidy (ryc. 9) rozpoczął Mikerenos, następca Chefrena. Jest to najmniejszy grobowiec, jego wysokość wynosi zaledwie 66 m. Trzy wielkie piramidy były otoczone dużą liczbą grobowców należących do krewnych królewskich i ważnych urzędników.
kultura religijna starożytnego Egiptu
Ryc.7.
Ryc.8.
Rzeźba w Egipcie pojawiła się w związku z wymogami religijnymi i w zależności od nich rozwijała się. Wymagania kultowe determinowały wygląd tego lub innego rodzaju posągów, ich ikonografię i miejsce instalacji.
Posągi egipskie były postaciami stojącymi z jedną nogą wyciągniętą do przodu lub siedzącymi na tronie z rękami przyciśniętymi do piersi lub leżącymi na kolanach i ze skrzyżowanymi nogami. Umieszczane w świątyniach pogrzebowych i grobowcach posągi uosabiały zmarłych i były pojemnikiem ich dusz, dlatego wyróżniały się podobieństwem do nich wizerunkiem. Każda rzeźba została wyrzeźbiona z prostokątnego bloku kamienia według wcześniej narysowanych oznaczeń, a następnie starannie wykończona w szczegółach.
Na obraz faraona przyjęto następujące typy: chodzenie - z nogą wyciągniętą do przodu; spokojnie siedzi na tronie - ręce leżą na kolanach; zmarły – w przebraniu boga Ozyrysa z ramionami skrzyżowanymi na piersi, trzymający symbole władzy – laskę i bicz. Symbolami faraona był szalik w paski z końcami zwisającymi do ramion; kapitałka; korony – białą, w kształcie szpilki (symbol Górnego Egiptu) i cylindryczną czerwoną, z wysokim zaokrąglonym wyrostkiem z tyłu (symbol Dolnego Egiptu). Na bandażu na środku czoła widniał wizerunek świętej kobry, strażniczki władzy królewskiej na ziemi i w niebie.
Płaskorzeźby są przeważnie płaskie i prawie nie wychodzą ponad powierzchnię ściany. Sylwetka postaci jest wyraźna i graficzna. Części postaci ludzkiej - głowa, ramiona, nogi, ramiona - można przedstawić w różnych płaszczyznach. Przy wykonywaniu reliefów (rzeźbiarskich obrazów na płaszczyźnie) i malowideł ściennych stosowano tradycyjną technikę płaskiego ułożenia postaci: jej nogi i twarz ukazano z profilu, oczy z przodu, a ramiona i dolną część ciała w trójkącie rozkład ćwiartkowy. Faraon, szlachcic czy właściciel majątku zawsze był przedstawiany jako większy od otaczających go osób.
W tworzeniu płaskorzeźb brało udział kilku mistrzów. Najpierw doświadczony artysta nakreślił na ścianie ogólną kompozycję, którą następnie szczegółowo dokończyli jego asystenci. Następnie rzeźbiarze przełożyli projekt na relief; na ostatnim etapie został pomalowany grubymi, grubymi farbami. Na obrazie główną rolę odegrała linia, a nie kolor. Wszystkie postacie charakteryzują się majestatycznym bezruchem i nieziemskim spokojem. Zamrożone formy są „znakiem firmowym” sztuki starożytnego Egiptu.
Płaskorzeźby charakteryzują się zasadą fryzowego rozwoju fabuły rozgrywającej się scena po scenie. Płaskorzeźby rozkładały się jedna nad drugą; każdy był sekwencją narracyjną. Figury ułożone w rzędach przedstawiały prace na wsi, pracę rzemieślników, łowiectwo, rybołówstwo, procesje niosących dary, procesje pogrzebowe, uczty zaświatowe, budowę łodzi, zabawy dziecięce i wiele innych scen.
Rzeźba starożytnego Egiptu osiągnęła swój szczyt w XIX wieku. PRZED CHRYSTUSEM mi. Najlepszymi, jakie powstały w tym okresie, były rzeźbiarskie portrety Echnatona (ryc. 10) i jego żony Nefertiti (ryc. 11), wykonane w reliefie i okrągłym plastiku. Po raz pierwszy w historii sztuki egipskiej pojawił się wizerunek faraona z rodziną. Portret Nefertiti w wysokiej koronie z malowanego wapienia stał się symbolicznym obrazem Egiptu. Dumna głowa królowej na cienkiej szyi zadziwia doskonałością wyrzeźbionych rysów jej pięknej twarzy, niezwykłą harmonią, kompletnością kompozycji i wspaniałym połączeniem kolorów.
Ryc. 10.
Malarstwo rozpowszechniło się podczas produkcji ceramiki Gerzean, której wystrój, przeważnie o charakterze świeckim, zawiera wizerunki łodzi, roślin, zwierząt i ptaków, a czasami ludzi. Następnie malarstwo (ryc. 12) i rzeźba reliefowa stały się ściśle powiązanymi formami sztuki. W grobowcach i świątyniach IV, V i VI dynastii sztuka ta osiągnęła wysoki poziom rozwoju. Malowano wszystkie płaskorzeźby z epoki Starego Państwa, a malowanie na płaskiej powierzchni pozbawionej rzeźbionych wizerunków prowadzono stosunkowo rzadko i przez długi czas.
Od 2800 r. p.n.e mi. do 2300 r. p.n.e mi. Na Cykladach, trzydziestu maleńkich wyspach na Morzu Egejskim w Grecji, narodził się styl określany jako „sztuka cykladzka”. Charakterystycznymi cechami tego stylu były przeważnie postacie kobiece z lekko ugiętymi kolanami, założonymi pod klatką piersiową ramionami i spłaszczonymi głowami. Rozmiary sztuki cykladzkiej wahały się od posągów wielkości człowieka po małe figurki o wysokości nie większej niż kilka centymetrów. Rozsądnie jest założyć, że bałwochwalstwo było bardzo powszechne.
Cykladzkie rzeźby w Narodowym Muzeum Archeologicznym w Atenach
Cyklad idol
„Flecista”, Narodowe Muzeum Archeologiczne. Ateny
„Skrzypce”, 2800 pne, British Museum w Londynie
Sztuka Cyklad stała się źródłem inspiracji dla wielu współczesnych artystów, którzy cenią sobie powściągliwość i wyrafinowanie prostych linii i geometrii oraz minimalizm. Wpływ sztuki cykladzkiej widać w twórczości Modiglianiego, zwłaszcza w jego rzeźbie „Głowa kobiety”, a także w twórczości innych artystów, m.in. Picassa.
Amedeo Modigliani, „Głowa”, 1910, Narodowa Galeria Sztuki, Waszyngton
Figurka Cyklad i Modigliani
Pablo Picasso, Kobieta, 1907, Muzeum Picassa, Paryż
Giorgio de Chirico, Hektor i Andromacha
Henry'ego Moore'a
Constantin Brancusi, Muza, 1912
.
Hansa Arp
Barbary Hepworth
Alberta Giacomettiego
Związek rzeźby z architekturą i środowiskiem
Rzeźby sztalugowe są zwykle wystawiane w muzeach. Ogląda się ją niezależnie od innych prac czy wystroju wnętrza. Można go przenosić z pokoju do pokoju, przewieźć do innego miasta, jest stosunkowo lekki i mobilny. Rzeźba monumentalna i monumentalno-dekoracyjna jest silnie kojarzona z konkretnym miejscem. I choć znane są przykłady przebudowy pomników (w Moskwie przeniesiono pomnik A.S. Puszkina), przypadki te są niezwykle rzadkie. Rzeźba monumentalna jest bardzo ciężka, jej wagę mierzy się w tonach i dziesiątkach ton, a jej przestawianie jest skomplikowane i czasochłonne. Poza tym takie ruchy rzadko kiedy mają sens: monumentalną rzeźbę wznosi się w plenerze – na placach i ulicach – a jej otoczenie jest z góry uwzględniane przez artystów i architektów. Rzeźba monumentalno-dekoracyjna jest lżejsza, ale jeszcze mocniejsza, „zakorzeniona” w otoczeniu: z zielenią alei, w której stoi, z niszą, w której się ukrywa, z budynkiem, który ją podtrzymuje lub wieńczy .
Włączenie rzeźby w tło architektoniczne i przyrodnicze nadaje jej największej wyrazistości. Monumentalna rzeźba wzniesiona na placu staje się jego centrum semantycznym i kompozycyjnym: wznosząca się ku górze pionowa lub naprzemienna bryła pomnika tworzy wokół siebie rytmicznie zorganizowaną przestrzeń, która łącząc się lub kontrastując z rytmami domów otaczających plac i ulicami wpadającymi do to, nadaje mu pełnię.
Często rzeźba decyduje o „dźwięku” placu, zabarwia go romantycznie, czyni uroczystym, radosnym lub surowym. Tym samym ponura moc pomnika konnego Bartolomeo Colleoniego, wyniesionego na bardzo wysoki i nieproporcjonalnie wąski cokół, tworzy wokół siebie tak surowe, intensywnie zamknięte środowisko, które nie jest charakterystyczne dla żadnego innego placu w Wenecji.
Rzeźba monumentalna oddziałuje na widza znacznie silniej niż rzeźba sztalugowa i nie chodzi tu o jej wielkość, ale o jej zaangażowanie w aktualne życie. Otoczona przestrzenią powietrzną, pięknie i wyraźnie zarysowana na tle nieba, współgra z bielą śniegu i zielenią drzew, jaśnieje pod promieniami słońca, wieczorami przygasa, a w księżycowe noce tajemniczo migocze. Prace sztalugowe w muzeach i na wystawach często są inscenizowane w taki sposób, że obejście ich jest trudne, jeśli nie całkowicie niemożliwe.
Dzisiejsze zespoły miejskie są nie do pomyślenia bez uroczystej monumentalnej rzeźby. Ale nie mniej ważna jest rzeźba monumentalna i dekoracyjna (często nazywana po prostu dekoracyjną), która dodaje zespołowi elegancji i radości. Pomniki są instalowane osobno. Plac organizuje jeden monumentalny pomnik; dwa - natychmiast wdaj się w kłótnię. Rzeźby dekoracyjne nie kolidują ze sobą, a jedynie zyskują na bliskości podobnych dzieł. Dwadzieścia pomników na nasypie lub alei – lubił powtarzać Mukhina – zabije każdy pomysł; dwadzieścia ozdobnych rzeźb utworzy świąteczny okrągły taniec.
Rzeźba dekoracyjna obejmuje posągi i płaskorzeźby, które nie są pozbawione samodzielnego znaczenia, ale wchodzą w skład zespołów architektonicznych lub mają służyć do dekoracji placów i ulic miejskich, wnętrz budynków i parków. Obejmuje także wszelkiego rodzaju zdobnictwo rzeźbiarskie budynków – dekoracje sztukatorskie, odlewane i rzeźbione, herby bramne, maszkarony, czyli płaskorzeźby w postaci fantastycznych masek ludzi i zwierząt oraz posągi pełniące funkcję pomocniczych elementów architektonicznych. Są to Atlantydzi i Kariatydy – postacie męskie i żeńskie, które w architekturze pełnią rolę kolumn lub pilastrów.
Obydwa te słowa – „Atlantydzi” i „kariatydy” – przyszły do nas ze starożytnej Grecji: „kariatyda” pochodzi od słowa „kora”, czyli dziewczyna. W mitach Atlas był imieniem olbrzyma podtrzymującego sklepienie ziemi. Starożytna Grecja również pozostawiła nam jeden z najlepszych przykładów użycia tych półposągów, półkolumn. Jeden z portyków ateńskiej świątyni Erechtejon (421-460 p.n.e.) podtrzymują rzeźbiarskie wizerunki dziewcząt w długich szatach – opadające fałdy przypominają żebra kolumn. Te wysokie, silne postacie stoją spokojnie i majestatycznie; Ani w ich pozach, ani w dumnie uniesionych głowach, ani w spokojnym spokoju ich twarzy nie widać ciężaru, który dźwigają. Przeciwnie, rzeźbiarze przedstawiając Atlantydów najczęściej podkreślają, jak ogromny ciężar spoczywa na ich ramionach; Na obrazach Atlantydów wychwalana jest męska siła i wytrzymałość.
Zwyczajowo wieńczy się mosty dekoracyjną rzeźbą (przypomnijmy przynajmniej znane już grupy „Pogromców koni” na moście Aniczkowa w Leningradzie), ciągi ceremonialnych schodów, które powoli wznoszą się na szczyt. Można go zobaczyć na portalach i wejściach, na dachach pałaców, łukach, teatrach: na budynku Teatru Dramatycznego. A. S. Puszkina w Leningradzie – cztery konie kontrolowane przez Apolla, boga poezji; na budynku opery we Lwowie - alegoryczne postacie Zwycięstwa, Chwały i Miłości. Umieszczenie figurek na dachach wymaga szczególnego przemyślenia. Podniesiona na wysokość sylwetka wizualnie zmienia swoje proporcje – wydaje się szersza i przysadzista, niż jest w rzeczywistości. Dlatego nie byle jaki posąg można wznieść na dużą wysokość, ale tylko posąg specjalnie wykonany w tym celu. Poza tym należy wziąć pod uwagę możliwości ludzkiego wzroku: jeśli sylwetka rzeźbiarska straci swą wyrazistość i „rozmyje się”, będzie to równie katastrofalne zarówno dla rzeźby, jak i budynku, który ma ozdobić.
Czasami rzeźba jest instalowana w niszach przed budynkiem. Wydaje się zatem, że wchodzi w ścianę, a jednocześnie otrzymuje jedynie przydzieloną jej przestrzeń, w której gra światło i cień. Taka rzeźba wygląda tylko od przodu, a mimo to jej położenie jest dość wygodne i korzystne: pojawienie się cienia we wnęce daje wyraźniejsze poczucie objętości, a przebłyski światła sprawiają wrażenie pojawiającego się w niej wyrazistego ruchu.
Główną rolę w urbanistyce odgrywa architektura, jednak rzeźba, zarówno monumentalna, jak i dekoracyjna, w dużym stopniu dopełnia wygląd miasta. W Paryżu, Florencji, Leningradzie, Dreźnie, Krakowie znajdują się znane na całym świecie zespoły architektoniczne i rzeźbiarskie. Są starannie konserwowane, same w sobie są pomnikami sztuki. Starożytny Rynek we Lwowie przetrwał w niezmienionym stanie przez ponad sto lat. Cztery duże dekoracyjne rzeźby, ustawione na regularnym kwadracie w równych odległościach od siebie, podkreślają jego nieskazitelny czworokątny kształt; ich odświętna elegancja jest szczególnie widoczna w zestawieniu z surową imponującą wielkością ratusza znajdującego się pośrodku placu, z powagą heraldycznych lwów strzegących jego wejścia. Plac otaczają domy z XVI-XVII w., bogato zdobione posągami starożytnych bogów, królów i rycerzy, skrzydlatymi lwami, śmiejącymi się maszkaronami, ozdobnymi płaskorzeźbami z bawiącymi się delfinami, głowami dzieci i girlandami kwiatów. Surowa, nieco ponura architektura placu tchnie ukrytą energią i siłą; rzeźba łagodzi jej surowość i nadaje jej donośny dźwięk. Trzeba powoli spacerować po Rynku, uważnie przyglądając się każdemu gzymsowi, każdemu posągowi - każdy krok przynosi nowe wrażenie, uczy rozumieć, jak wielkie i różnorodne są możliwości łączenia architektury i rzeźby.
Prawdziwa synteza sztuk, połączenie dwóch lub więcej rodzajów sztuki, wzajemne powiązanie wszystkich ich części i typów w nową, harmonijną jedność i uogólnienie stylistyczne osiąga się w przypadkach, gdy elementy różnych rodzajów sztuki są połączone przez wspólną koncepcję ideologiczną i stylistyczną i tworzą organiczną całość. Efekt ten można osiągnąć poprzez interakcję rzeźby monumentalnej z zespołem miejskim, rzeźby dekoracyjnej z otoczeniem architektonicznym. To właśnie synteza decyduje o artystycznej wyrazistości takich leningradzkich zespołów jak Plac Dekabrysta z dominującym na nim Jeźdźcem Brązowym oraz takie budynki jak Sztab Generalny, Giełda czy Admiralicja.
Od:
Wioślarze na Hyères, 1877
Gustave Caillebotte (1848-1894) urodził się 19 sierpnia 1848 r. Nazwisko tego artysty nie jest tak znane, jak nazwiska jego przyjaciół impresjonistów, z których wielu pomógł finansowo. Przez długi czas reputacja Caillebotte'a jako filantropa była znacznie wyższa niż jego reputacja jako artysty. Dopiero siedemdziesiąt lat po jego śmierci historycy sztuki zaczęli na nowo zastanawiać się nad jego artystycznym dziedzictwem. 
Autoportret, 1888-89. Kolekcja prywatna
Francuski artysta i kolekcjoner Gustave Caillebotte odziedziczył ogromną fortunę w wieku 25 lat. A to dało mu możliwość poświęcenia się malarstwu, zapewnienia finansowego wsparcia swoim impresjonistycznym przyjaciołom i zakupu ich dzieł. Ukończył Szkołę Sztuk Pięknych, gdzie zaprzyjaźnił się z Degasem, Monetem, Renoirem, pomagał w organizacji pierwszej wystawy impresjonistów w Paryżu w 1874, brał udział w drugiej wystawie impresjonistów w następnym roku i współpracował przy jej organizacji .
Parkieciarze, 1875
Most Europy, 1876
Malarstwo tego artysty charakteryzuje się bardzo oryginalnym realizmem, choć jednocześnie bliskim zasadom impresjonizmu. Ponadto jego kompozycje wyróżniają się niezwykłymi kątami perspektywy.
Deszczowy dzień w dzielnicy Batignolles, 1877. Olej na płótnie. Instytut Sztuki w Chicago.
Caillebotte namalował wiele scen rodzinnych, wnętrz i pejzaży. Zwykle była to bardzo prosta fabuła i dogłębna perspektywa. Charakterystyczną cechą twórczości Caillebotte’a jest pochylona powierzchnia, wspólna dla tych obrazów.
Senność, 1877. Pastel. Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut, USA
Droga w górę, 1881
Techniki obcinania i powiększania spotykane w twórczości Caillebotte'a mogą być konsekwencją jego zainteresowań fotografią. W wielu pracach Caillebotte'a posługuje się bardzo dużym kątem widzenia.
Dachy pod śniegiem, 1872
Widok ulicy Alevi z wysokości szóstego piętra, 1878. Zbiory prywatne
Bulwar Haussmanna. Śnieg, 1880
Wnętrze, czytająca kobieta, 1880
Plac Europy, 1877. Instytut Sztuki, Chicago
Kobieta przy toaletce, 1873
Młody człowiek przy oknie, 1875
W 1881 roku Caillebotte kupił posiadłość w Petit-Genvilliers nad brzegiem Sekwany i zamieszkał tam w 1888 roku. Poświęcił się ogrodnictwu i budowie jachtów regatowych, dużo czasu spędzał ze swoim bratem Martialem i przyjacielem Renoirem, którzy często przebywali w Petit-Genvilliers.
Wioślarze, 1878
Drzewa pomarańczowe, 1878. Olej na płótnie. Muzeum Sztuk Pięknych w Houston
Łodzie na Sekwanie
W kawiarni
Róża i niezapominajki w wazonie, 1871-1878. Kolekcja prywatna
Wnętrze. Kobieta w oknie, 1880
Mężczyzna na balkonie, 1880
Ojciec Magliore na drodze z Saint-Clair do Etretat, 1884
Nad morzem 1888 - 1894
21 lutego 1894 roku Gustave Caillebotte zmarł nagle podczas pracy w swoim ogrodzie. Caillebotte przekazał swoją bogatą kolekcję obrazów innych artystów (Edouarda Maneta, Edgara Degasa, Claude'a Moneta, Auguste'a Renoira, Paula Cezanne'a, Camille Pissarro, Alfreda Sisleya i Berthe Morisot) - ponad 60 obrazów - Muzeum Luksemburskiemu, ale rząd odmówił przyjąć ten dar. Kilka lat później, dzięki staraniom jego wykonawcy Augusta Renoira, państwo zakupiło jednak 39 tych obrazów, a dziś są one dumą francuskiej fundacji kulturalnej.
Ogród warzywny w Petite Genneville
Chryzantemy. Ogród w Petite Genneville
Cała historia sztuki. Za. Kotelnikova T.M.
M.: 20 07 - 4 16 s.
W książce prezentowane są: eseje historyczne opowiadające o głównych mistrzach i kierunkach w sztukach plastycznych od czasów cywilizacji starożytnych do współczesności; indeks ułatwiający dostęp do wszystkich informacji; artyści, architekci, rzeźbiarze, mistrzowie sztuki zdobniczej i użytkowej; style, szkoły, kierunki. Przystępność materiału, logiczna prezentacja i dobry język literacki książki sprawią, że studiowanie historii sztuki stanie się nie tylko procesem edukacyjnym, ale także pasjonującą lekturą.
Format: pdf
Rozmiar: 2 9,5MB
Pobierać: drive.google
Treść
1 Sztuka w świecie starożytnym 7
2 Starożytna Grecja 18
3 Starożytny Rzym 33
4 Od wczesnego chrześcijaństwa do Karolingów 42
5 Sztuka romańska 51
6 Gotyk 64
7 Malarstwo i architektura XIV-XV w. 81
8 Nowa funkcja sztuki w renesansie 94
9 Mistrzowie wysokiego renesansu 130
10 Manieryzm 153
11 Klasycyzm i karawagizm 176
12 Barok 190
13 Od rokoka do klasycyzmu 220
14 Malarstwo w epoce romantyzmu 242
15 Impresjonizm i symbolika 263
16 Architektura i sztuka zdobnicza XIX wieku 288
17 Malarstwo włoskie końca XX wieku w 299 r
18 U początków awangardy: ekspresjonizm i kubizm 306
19 Włochy i ruchy awangardowe 323
20 Sztuka abstrakcyjna 335
21 Powrót do figuratywności: od Chagalla do „nowej materialności” 347
22 Dada i surrealizm 356
23 Architektura pierwszej połowy XX wieku w roku 370
24 Przed i po II wojnie światowej 384
25 Formy sztuki współczesnej 396
Indeks 410
Sztuka służy jako wyraz myśli, uczuć i wyjątkowej osobowości artysty, ale jest także zwierciadłem kultury i historii epoki, w której dana osoba miała tworzyć. Energia twórczości, która definiuje całą historię sztuki, łączy rozdzielonych w czasie mistrzów jedną nicią. A jeśli spojrzeć z tego punktu widzenia, nie ma potrzeby osobnego rozpatrywania różnych ruchów artystycznych i ich przedstawicieli, ponieważ są to różne fazy wielkiego ruchu, który ma ciągły postęp. Jedno pokolenie zostaje zastąpione drugim; Idee, teorie i pasje starzeją się, podobnie jak ludzie, ustępując miejsca nowym trendom. Kiedy artyście, dzięki własnej twórczości, udało się obudzić do życia nowy proces głębokich poszukiwań duchowych i artystycznych, rodziły się nowe style, a nić łącząca je z przeszłością nigdy nie została przerwana, niezależnie od tego, jak cienka może się to wydawać.
