Piękno otaczającego świata, doświadczenia i znaczące wydarzenia z życia od czasów starożytnych skłoniły człowieka do przekazywania obrazów wizualnych za pomocą farb. Malarstwo przeszło długą drogę od malowideł naskalnych i starożytnych fresków do unikalnych dzieł sztuki, które zadziwiają realizmem.

Pod koniec XIX wieku niektórzy artyści zaczęli szukać nowych środków wyrazu, starając się nadać swoim dziełom niekonwencjonalny wygląd, nową filozofię. Odtąd opanowanie techniki wykonawczej już nie wystarczało.

Tak więc na przełomie wieków pojawił się kierunek zwany „modernizmem” z nieodłączną rewizją sztuki klasycznej, rzucającą wyzwanie ustalonym kanonom estetycznym. W jego ramach rozwinął się bardzo szczególny nurt - abstrakcjonizm.

Definicja pojęcia

Łacińskie słowo abstractio jest tłumaczone na rosyjski jako „rozproszenie”. Został użyty do zdefiniowania nowego stylu w malarstwie, który powstał na początku XX wieku. Zastosowano je nieprzypadkowo, gdyż abstrakcjoniści, nie przywiązując wielkiej wagi do poziomu wykonania, na pierwszy plan stawiają szczególną wizję autora i nowe środki wyrazu.

Innymi słowy, abstrakcjonizm jest specyficznym rodzajem sztuki, który odmówił oddania prawdziwych form i przedmiotów. Dlatego często określa się ją jako sztukę niefiguratywną lub nieobiektywną.

Zamiast przekazywać obrazy wizualne, abstrakcjoniści skupiają się na ukazaniu wewnętrznych, intuicyjnych wzorców pojmowania świata, które kryją się za widzialnymi przedmiotami.

Z tego powodu nie sposób w ich pracach doszukać się skojarzeń z rzeczami znanymi. Główną rolę odgrywa tutaj stosunek kolorów, plam, geometrycznych kształtów i linii. Oprócz artystów sztuką abstrakcji zainteresowali się rzeźbiarze, architekci, projektanci, muzycy, fotografowie, a nawet poeci.

Historyczne kamienie milowe

Za twórcę abstrakcjonizmu uważa się Wassily'ego Kandinsky'ego. W 1910 roku namalował swój pierwszy obraz w Niemczech nową wówczas techniką. Ponadto w 1911 roku w Monachium ukazała się książka Kandinsky'ego „O sztuce duchowej”.

Nakreślił w nim swoją filozofię estetyczną, która ukształtowała się pod wpływem twórczości R. Steinera i E. Bławatskiej. Książka odniosła ogromny sukces, a nowy nurt w malarstwie nazwano „abstrakcjonizmem”. To był punkt wyjścia: teraz nieobiektywne podejście do twórczości zyskało popularność w różnych rodzajach sztuk plastycznych.

Mimo że u początków abstrakcjonizmu stali artyści rosyjscy, tacy jak Kandinsky V. i Malewicz K., w Związku Sowieckim lat 30. nowy kierunek spotkał się z ostracyzmem. Podczas II wojny światowej Ameryka stała się centrum sztuki abstrakcyjnej, dokąd wielu jej przedstawicieli wyemigrowało z Europy. Tutaj w 1937 roku otwarto Muzeum Malarstwa Nieobiektywnego.

Powojenna sztuka abstrakcyjna przeszła kilka etapów rozwoju, w tym odrodzenie sztuki niefiguratywnej w Rosji wraz z początkiem pierestrojki. Artyści wreszcie otrzymali możliwość tworzenia obrazów w różnych kierunkach. Osobiste subiektywne doświadczenia przenieśli na płótna za pomocą koloru, zwłaszcza bieli, która stała się jednym z głównych składników współczesnej sztuki nieobiektywnej.

Kierunki abstrakcjonizmu

Od pierwszych lat powstania nowego rodzaju sztuk plastycznych w jego ramach zaczęły rozwijać się dwa główne kierunki: geometryczny i liryczny. Pierwszy znalazł odzwierciedlenie w twórczości Kazimierza Malewicza, Petera Mondriana, Roberta Delaunaya itp. Kierunek liryczny opracowali Wassily Kandinsky, Jackson Pollock, Hans Hartung itp.

Abstrakcjonizm geometryczny posługuje się uporządkowanymi figurami, płaszczyznami i liniami, podczas gdy abstrakcjonizm liryczny operuje losowo rozrzuconymi plamami barwnymi. Z kolei na gruncie tych dwóch kierunków ukształtowały się inne nurty, związane z abstrakcjonizmem jedną koncepcją estetyczną: systematyzm, konstruktywizm, suprematyzm, orfizm, taszyzm, neoplastycyzm, rayonizm.

Luchizm i teksty

Odkrycia w dziedzinie fizyki na początku XX wieku stały się impulsem do powstania takiego nurtu jak rayonizm w kierunku geometrycznym. U jego początków stali rosyjscy artyści M. Larionow i N. Gonczarowa. Zgodnie z ich ideą każdy przedmiot jest sumą promieni, które są przenoszone na płótno przez ukośne kolorowe linie. Zadaniem artysty jest stworzenie z nich formy zgodnej z własną wizją estetyczną.

A w latach 50. ubiegłego wieku abstrakcja geometryczna, w tym rajonizm, chwilowo ustąpiła kierunkowi lirycznemu. Charakteryzuje się improwizacją wykonawczą, a także odwoływaniem się do stanu emocjonalnego artysty. Innymi słowy, liryczny abstrakcjonizm jest rodzajem migawki przeżyć emocjonalnych danej osoby, wykonanej bez przedstawiania przedmiotów i form.

Liryzm geometryczny Kandinsky'ego

Jak już wspomniano, styl abstrakcjonizmu zawdzięcza swój wygląd V. Kandinsky'emu. Przygotowując się do kariery prawniczej, zainteresował się następnie malarstwem i przechodząc kolejne etapy zamiłowania do różnych dziedzin modernizmu, stworzył własny, niepowtarzalny typ malarstwa abstrakcyjnego.

Głosząc odejście od natury ku istocie zjawisk, Kandinsky zajął się problematyką zbieżności koloru i muzyki. Ponadto w jego twórczości wyraźnie widoczny jest wpływ symboliki na interpretację kolorystyczną.

W różnych okresach życia artysta lubił kierunek geometryczny lub liryczny. W rezultacie abstrakcjonizm w malarstwie Kandinsky'ego, zwłaszcza późnego okresu, łączy w sobie zasady obu nurtów.

Neoplastycyzm autorstwa Petera Mondriana

Holender P. Mondrian wraz z V. Kandinskim jest uważany za jednego z założycieli sztuki abstrakcyjnej. Artysta wraz ze swoimi zwolennikami założył w 1917 roku towarzystwo „Styl”, które wydawało czasopismo o tej samej nazwie.

Poglądy estetyczne Mondriana stały się podstawą nowego kierunku - neoplastycyzmu. Jego cechą charakterystyczną jest zastosowanie dużych prostokątnych płaszczyzn pomalowanych na podstawowe kolory widma. Z pewnością można go zaklasyfikować jako abstrakcjonizm geometryczny.

Obrazy Mondriana P., mającego obsesję na punkcie równowagi pionów i poziomów, to płótna składające się z prostokątów różnej wielkości i różnych kolorów, oddzielonych grubymi czarnymi liniami.

Neoplastycyzm wywarł zauważalny wpływ na architekturę, projektowanie mebli, wystrój wnętrz i sztukę typograficzną.

Suprematyzm Malewicza

Abstrakcjonizm w sztuce Kazimierza Malewicza charakteryzuje się pewną techniką nakładania dwóch warstw farby w celu uzyskania szczególnego rodzaju plamy barwnej. Nazwisko artysty związane jest z pojawieniem się suprematyzmu – kierunku, w którym łączą się ze sobą najprostsze geometryczne kształty o różnych kolorach.

Malewicz stworzył swój własny, unikalny system abstrakcyjnej sztuki. Jego słynny „Czarny kwadrat”, namalowany na białym tle, do dziś jest jednym z najgłośniejszych obrazów abstrakcyjnych artystów.

Pod koniec życia Malewicz powrócił od malarstwa nieobiektywnego do malarstwa figuratywnego. To prawda, że ​​\u200b\u200bna niektórych płótnach artysta nadal próbował łączyć techniki realizmu i suprematyzmu, co widać na obrazie „Dziewczyna z wałem”.

Niezaprzeczalny wkład

Stosunek do malarstwa nieobiektywnego jest bardzo różny: od kategorycznego odrzucenia do szczerego podziwu. Niemniej jednak nie można zaprzeczyć wpływowi, jaki gatunek abstrakcyjny wywarł na sztukę współczesną. Artyści stworzyli nowe kierunki, z których architekci, rzeźbiarze i projektanci czerpali świeże pomysły.

I ten trend się utrzymuje. Na przykład we współczesnym malarstwie nieobiektywnym rozwija się kierunek fabularny, który charakteryzuje się budową obrazu wywołującego określone skojarzenia.

Czasami nawet nie zauważamy, jak wiele przedmiotów wykonanych w tej technice nas otacza: meble i ich obicia, biżuteria, tapety na pulpit itp. Techniki abstrakcyjne są również szeroko stosowane w Photoshopie i grafice komputerowej.

Abstrakcjonizm jest więc zjawiskiem artystycznym w sztuce, które niezależnie od naszego stosunku do niego zajmuje ważne miejsce we współczesnym społeczeństwie.

W ostatnim stuleciu kierunek abstrakcyjny stał się prawdziwym przełomem w historii sztuki, ale całkiem naturalnym - człowiek zawsze poszukiwał nowych form, właściwości i pomysłów. Ale nawet w naszym stuleciu ten styl sztuki rodzi wiele pytań. Co to jest abstrakcjonizm? Porozmawiajmy o tym dalej.

Sztuka abstrakcyjna w malarstwie i sztuce

W stylu abstrakcjonizm artysta używa wizualnego języka kształtów, konturów, linii i kolorów do interpretacji tematu. Kontrastuje to z tradycyjnymi formami sztuki, które przyjmują bardziej literacką interpretację tematu - przekazują "rzeczywistość". Z drugiej strony abstrakcjonizm odchodzi tak daleko od klasycznej sztuki pięknej, jak to tylko możliwe; przedstawia obiektywny świat w zupełnie inny sposób niż w prawdziwym życiu.

Abstrakcjonizm w sztuce rzuca wyzwanie umysłowi obserwatora, tak jak rzuca wyzwanie jego emocjom - aby w pełni docenić dzieło sztuki, obserwator musi pozbyć się potrzeby zrozumienia tego, co artysta próbuje powiedzieć, ale sam musi odczuwać reakcję emocji . Wszystkie aspekty życia można interpretować poprzez abstrakcjonizm - wiarę, lęki, pasje, reakcje na muzykę lub naturę, obliczenia naukowe i matematyczne itp.

Ten nurt w sztuce powstał w XX wieku wraz z kubizmem, surrealizmem, dadaizmem i innymi, choć dokładny czas nie jest znany. Za głównych przedstawicieli abstrakcji w malarstwie uważa się takich artystów jak Wassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimierz Malewicz, Franciszek Kupka czy Piet Mondrian. Ich prace i ważne obrazy zostaną omówione dalej.

Obrazy znanych artystów: sztuka abstrakcyjna

Wasilij Kandinsky

Kandinsky był jednym z pionierów sztuki abstrakcyjnej. Swoje poszukiwania rozpoczął od impresjonizmu, a dopiero potem doszedł do stylu abstrakcjonizmu. W swojej pracy wykorzystał związek między kolorem a formą, aby stworzyć doświadczenie estetyczne, które obejmowało zarówno wizję, jak i emocje publiczności. Uważał, że całkowita abstrakcja daje miejsce na głęboką, transcendentną ekspresję, a kopiowanie rzeczywistości tylko przeszkadza w tym procesie.

Malarstwo było dla Kandinsky'ego głęboko duchowe. Starał się przekazać głębię ludzkich emocji poprzez uniwersalny wizualny język abstrakcyjnych kształtów i kolorów, który przekraczałby fizyczne i kulturowe granice. On widział abstrakcjonizm jako idealny tryb wizualny, który może wyrazić „wewnętrzną potrzebę” artysty i przekazać ludzkie idee i emocje. Uważał się za proroka, którego misją jest dzielenie się tymi ideałami ze światem dla dobra społeczeństwa.

„Kompozycja IV” (1911)

Ukryte w jasnych kolorach i wyraźnych czarnych liniach przedstawiają kilku Kozaków z włóczniami, a także łodzie, figurki i zamek na szczycie wzgórza. Jak na wielu obrazach z tego okresu, przedstawia apokaliptyczną bitwę, która doprowadzi do wiecznego pokoju.

Aby ułatwić rozwój nieobiektywnego stylu malarstwa, jak opisano w swoim O duchowości w sztuce (1912), Kandinsky redukuje przedmioty do symboli piktograficznych. Usuwając większość odniesień do świata zewnętrznego, Kandinsky wyraził swoją wizję w bardziej uniwersalny sposób, tłumacząc duchową esencję podmiotu poprzez wszystkie te formy na język wizualny. Wiele z tych symbolicznych postaci zostało powtórzonych i udoskonalonych w jego późniejszej twórczości, stając się jeszcze bardziej abstrakcyjnymi.

Kazimierz Malewicz

Pomysły Malewicza na temat formy i znaczenia w sztuce w jakiś sposób prowadzą do skupienia się na teorii abstrakcjonizmu stylu. Malewicz pracował z różnymi stylami w malarstwie, ale przede wszystkim skupiał się na badaniu czysto geometrycznych kształtów (kwadratów, trójkątów, kół) i ich wzajemnych relacji w przestrzeni malarskiej.

Dzięki kontaktom na Zachodzie Malewicz mógł przekazać swoje poglądy na temat malarstwa przyjaciołom artystów w Europie i Stanach Zjednoczonych, a tym samym głęboko wpłynąć na ewolucję sztuki współczesnej.

„Czarny kwadrat” (1915)

Ikoniczny obraz „Czarny kwadrat” został po raz pierwszy pokazany przez Malewicza na wystawie w Piotrogrodzie w 1915 roku. Ta praca ucieleśnia teoretyczne zasady suprematyzmu opracowane przez Malewicza w jego eseju „Od kubizmu i futuryzmu do suprematyzmu: nowy realizm w malarstwie”.

Na płótnie przed widzem znajduje się abstrakcyjna forma narysowana na białym tle w formie czarnego kwadratu – to jedyny element kompozycji. Choć obraz wydaje się prosty, są w nim elementy takie jak odciski palców, pociągnięcia pędzla prześwitujące przez czarne warstwy farby.

Dla Malewicza kwadrat oznacza uczucia, a biały pustkę, nic. Widział czarny kwadrat jako boską obecność, ikonę, jakby mogła stać się nowym świętym obrazem dla sztuki nieobiektywnej. Nawet na wystawie ten obraz został umieszczony w miejscu, w którym zwykle umieszcza się ikonę w rosyjskim domu.

Pieta Mondriana

Piet Mondrian, jeden z założycieli holenderskiego ruchu De Stijl, znany jest z czystości swoich abstrakcji i metodycznej praktyki. Dość radykalnie upraszczał elementy swoich obrazów, by ukazać to, co widział nie bezpośrednio, ale w przenośni, i stworzyć na swoich płótnach wyraźny i uniwersalny język estetyczny.

W swoich najsłynniejszych obrazach z lat 20. XX wieku Mondrian redukuje formy do linii i prostokątów, a paletę do najprostszych. Wykorzystanie asymetrycznej równowagi stało się fundamentalne dla rozwoju sztuki współczesnej, a jego kultowe abstrakcje nadal mają wpływ na projektowanie i są znane popkulturze do dziś.

„Szare drzewo” (1912)

„Szare drzewo” jest przykładem wczesnego przejścia Mondriana do tego stylu abstrakcjonizm. Drzewo 3D jest zredukowane do najprostszych linii i płaszczyzn, używając tylko szarości i czerni.

Ten obraz jest jednym z serii prac Mondriana, które przyjęły bardziej realistyczne podejście, gdzie na przykład drzewa są przedstawione w naturalistyczny sposób. Podczas gdy późniejsze prace stawały się coraz bardziej abstrakcyjne, na przykład linie drzewa są redukowane, aż kształt drzewa jest ledwo widoczny i drugorzędny w stosunku do ogólnej kompozycji linii pionowych i poziomych.

Tutaj nadal można zobaczyć zainteresowanie Mondriana porzuceniem ustrukturyzowanej organizacji linii. Posunięcie to było znaczące dla rozwoju czystej abstrakcji Mondriana.

Roberta Delaunaya

Delaunay był jednym z pierwszych artystów stylu abstrakcyjnego. Jego twórczość wpłynęła na rozwój tego kierunku, opartego na kompozycyjnym napięciu wywołanym kontrastem barw. Szybko uległ wpływom kolorystycznym neoimpresjonizmu i bardzo dokładnie śledził system kolorystyczny prac utrzymanych w stylistyce abstrakcji. Kolor i światło uważał za główne narzędzia, za pomocą których można wpływać na obiektywność świata.

Do 1910 roku Delaunay wniósł własny wkład w kubizm w postaci dwóch serii obrazów przedstawiających katedry i Wieżę Eiffla, które łączyły sześcienne formy, dynamikę ruchu i jasne kolory. Ten nowy sposób wykorzystania harmonii kolorów pomógł oddzielić ten styl od ortodoksyjnego kubizmu, zwanego orfizmem, i od razu wywarł wpływ na europejskich artystów. Żona Delaunaya, artystka Sonia Turk-Delaunay, nadal malowała w tym samym stylu.

„Wieża Eiffla” (1911)

Główne dzieło Delaunaya poświęcone jest Wieży Eiffla, słynnemu symbolowi Francji. Jest to jeden z najbardziej imponujących z serii jedenastu obrazów poświęconych Wieży Eiffla w latach 1909-1911. Jest pomalowany na jaskrawoczerwony kolor, co od razu odróżnia go od szarości otaczającego go miasta. Imponujący rozmiar płótna dodatkowo zwiększa wielkość tego budynku. Niczym duch wieża wznosi się ponad okoliczne domy, w przenośni wstrząsając samymi fundamentami dawnego porządku.

Malarstwo Delaunaya oddaje poczucie bezgranicznego optymizmu, niewinności i świeżości czasów, które nie były jeszcze świadkami dwóch wojen światowych.

Franciszek Kupka

František Kupka jest czechosłowackim artystą malującym w tym stylu abstrakcjonizm ukończył praską Akademię Sztuk Pięknych. Jako student malował przede wszystkim o tematyce patriotycznej i pisał kompozycje historyczne. Jego wczesne prace były bardziej akademickie, jednak jego styl ewoluował przez lata i ostatecznie przekształcił się w sztukę abstrakcyjną. Napisane w bardzo realistyczny sposób, nawet jego wczesne prace zawierały mistyczne surrealistyczne motywy i symbole, które zostały zachowane podczas pisania abstrakcji.

Kupka uważał, że artysta i jego dzieło biorą udział w ciągłej działalności twórczej, której charakter nie jest ograniczony niczym absolut.

„Amorfa. Fuga w dwóch kolorach" (1907-1908)

Od lat 1907-1908 Kupka zaczął malować cykle portretów dziewczynki trzymającej w dłoni piłkę, jakby miała się nią bawić lub tańczyć. Następnie opracowywał jej coraz bardziej schematyczne przedstawienia i ostatecznie stworzył serię całkowicie abstrakcyjnych rysunków. Zostały wykonane w ograniczonej palecie czerwieni, błękitu, czerni i bieli.

W 1912 roku w Salon d'Automne jedna z tych abstrakcyjnych prac została po raz pierwszy wystawiona publicznie w Paryżu.

Styl abstrakcjonizmu nie traci popularności w malarstwie XXI wieku – miłośnicy sztuki nowoczesnej nie mają nic przeciwko dekorowaniu swoich domów takim arcydziełem, a prace w tym stylu lecą pod młotek na różnych aukcjach za bajeczne sumy.

Poniższy film pomoże ci dowiedzieć się jeszcze więcej o sztuce abstrakcyjnej w sztuce:

Jakże często ludzie dalecy od sztuki nie rozumieją malarstwa abstrakcyjnego, uważając je za niezrozumiałe bazgroły i prowokację wprowadzającą niezgodę w umysły. Wyśmiewają się z twórczości autorów, którzy nie dążą do dokładnego zobrazowania otaczającego ich świata.

Co to jest abstrakcjonizm?

Otwierając nowe możliwości wyrażania własnych myśli i uczuć, porzucili utarte techniki, przestali kopiować rzeczywistość. Uważali, że ta sztuka przyzwyczaja człowieka do filozoficznego stylu życia. Malarze szukali nowego języka do wyrażenia ogarniających ich emocji i znaleźli go w kolorowych plamach i czystych liniach, które oddziałują nie na umysł, ale na duszę.

Stając się symbolem nowej ery, jest to kierunek, który porzucił formy jak najbardziej zbliżone do rzeczywistości. Nie wszyscy to rozumieją, dało to impuls do rozwoju kubizmu i ekspresjonizmu. Główną cechą abstrakcjonizmu jest brak obiektywizmu, to znaczy na płótnie nie ma rozpoznawalnych obiektów, a widz widzi coś niezrozumiałego i poza kontrolą logiki, co wykracza poza granice zwykłej percepcji.

Najsłynniejsi abstrakcjoniści i ich obrazy to bezcenny skarb dla ludzkości. Płótna malowane w tym stylu wyrażają harmonię kształtów, linii, plam barwnych. Jasne kombinacje mają swój własny pomysł i znaczenie, mimo że widzowi wydaje się, że w pracach nie ma nic oprócz dziwacznych plam. Jednak w abstrakcji wszystko podlega pewnym regułom wyrazu.

„Ojciec” nowego stylu

Za twórcę unikalnego stylu uznawany jest Wassily Kandinsky, legendarna postać w sztuce XX wieku. Rosyjski malarz swoją pracą chciał, aby widz poczuł się tak samo jak on. Wydaje się to zaskakujące, ale ważne wydarzenie w świecie fizyki zainspirowało przyszłego artystę do nowego światopoglądu. Odkrycie rozkładu atomu poważnie wpłynęło na kształtowanie się najsłynniejszego abstrakcjonisty.

„Okazuje się, że wszystko można rozłożyć na osobne składniki i to odczucie odbiło się we mnie echem, jak zniszczenie całego świata” – powiedział Kandinsky, który był wybitnym śpiewakiem czasu przemian. Tak jak fizyka otworzyła mikrokosmos, tak malarstwo przeniknęło do ludzkiej duszy.

Artysta i filozof

Stopniowo słynny artysta abstrakcyjny w swojej twórczości odchodzi od detali swoich prac i eksperymentów z kolorem. Wrażliwy filozof wysyła światło w głąb ludzkiego serca i tworzy płótna o silnej emocjonalnej treści, na których jego kolory są porównywane z nutami pięknej melodii. Przede wszystkim w pracach autora nie jest fabuła płótna, ale uczucia. Sam Kandinsky uważał ludzką duszę za wielostrunowy fortepian, a artystę porównywał do ręki, która naciskając określony klawisz (kombinację kolorów) wprawia ją w drgania.

Mistrz, który daje ludziom wskazówki, jak zrealizować swoją kreatywność, w chaosie szuka harmonii. Maluje płótna, na których można prześledzić cienką, ale wyraźną nić łączącą abstrakcję z rzeczywistością. Na przykład w pracy „Improwizacja 31” („Bitwa morska”) w kolorowych plamach można odgadnąć obrazy łodzi: żaglowce na płótnie opierają się żywiołom i toczącym się falom. Tak więc autor próbował opowiedzieć o odwiecznej walce człowieka ze światem zewnętrznym.

amerykański student

Znani abstrakcjoniści XX wieku, którzy pracowali w Ameryce, są uczniami Kandinsky'ego. Jego twórczość wywarła ogromny wpływ na ekspresyjny abstrakcjonizm. Ormiański emigrant Arshile Gorki (Vozdanik Adoyan) stworzył w nowym stylu. Opracował specjalną technikę: rozkładał na podłodze białe płótna i wylewał na nie farbę z wiader. Gdy stwardniał, mistrz rysował w nim linie, tworząc coś w rodzaju płaskorzeźby.

Kreacje Gorki są pełne jasnych kolorów. „Aromat moreli na polach” to typowe płótno, na którym szkice kwiatów, owoców, owadów przekształcają się w jedną kompozycję. Widz czuje pulsację emanującą z pracy, wykonanej w jasnych pomarańczowych i bogatych odcieniach czerwieni.

Rotkovich i jego niezwykła technika

Wśród najsłynniejszych artystów abstrakcjonistów nie sposób nie wspomnieć o Markusie Rotkovichu, żydowskim imigrantu. Utalentowany uczeń Gorki oddziaływał na widza intensywnością i głębią barwnych membran: nałożył na siebie dwie lub trzy kolorowe prostokątne przestrzenie. I wydawało się, że wciągają osobę do środka, aby doświadczył katharsis (oczyszczenia). Sam twórca niezwykłych obrazów zalecał oglądanie ich z odległości co najmniej 45 centymetrów. Powiedział, że jego praca to podróż w nieznany świat, w którym widz raczej nie będzie wolał podróżować na własną rękę.

Geniusz Pollock

Pod koniec lat 40. ubiegłego wieku jeden z najsłynniejszych artystów abstrakcjonistów, Jackson Pollock, wynalazł nową technikę rozpryskiwania farby – kroplówkę, która stała się prawdziwą sensacją. Podzieliła świat na dwa obozy: tych, którzy uznali obrazy autorki za genialne, i tych, którzy nazywali je kiczami, niegodnymi miana sztuki. Twórca niepowtarzalnych kreacji nigdy nie naciągał płócien na płótno, lecz umieszczał je na ścianie lub podłodze. Chodził z puszką farby zmieszanej z piaskiem, stopniowo pogrążając się w transie i tańcząc. Wydaje się, że przypadkowo wylał wielobarwny płyn, ale każdy jego ruch był przemyślany i znaczący: artysta wziął pod uwagę siłę grawitacji i wchłanianie farby przez płótno. Rezultatem było abstrakcyjne zamieszanie, składające się z plam o różnych rozmiarach i liniach. Ze względu na swój wymyślony styl Pollock został nazwany „Jack the Sprinkler”.

Najsłynniejszy abstrakcjonista nadał swoim pracom nie nazwy, ale numery, aby widz miał swobodę wyobraźni. „Obraz nr 5”, który znajdował się w zbiorach prywatnych, przez długi czas był ukrywany przed wzrokiem publiczności. Wokół owianego mgłą tajemnicy arcydzieła zaczyna się szum, by w końcu pojawić się na aukcji Sotheby's, od razu stając się najdroższym arcydziełem tamtych czasów (jego koszt to 140 mln dolarów).

Znajdź własną formułę, aby zrozumieć abstrakcjonizm

Czy istnieje uniwersalna formuła, która pozwoli widzowi odbierać sztukę abstrakcyjną? Być może w tym przypadku każdy będzie musiał znaleźć własne wytyczne w oparciu o osobiste doświadczenia, wewnętrzne odczucia i wielką chęć odkrywania nieznanego. Jeśli ktoś chce odkryć sekretne przesłania autorów, na pewno je znajdzie, ponieważ tak kuszące jest zajrzenie za zewnętrzną powłokę i dostrzeżenie idei, która jest ważnym składnikiem abstrakcjonizmu.

Trudno przecenić rewolucję w sztuce tradycyjnej, jakiej dokonali znani abstrakcjoniści i ich obrazy. Zmusiły społeczeństwo do nowego spojrzenia na świat, dostrzeżenia w nim innych barw, docenienia niezwykłych form i treści.

Na początku XX wieku pojawił się nowy nurt w sztuce – modernizm. Nowe postulaty oznaczały odrzucenie niektórych tradycji, a sformułowanie, że „przeszłość jest zatłoczona” stało się modne iw dość krótkim czasie zyskało wielu zwolenników. Wiodącą rolę w zachodzących zmianach odgrywał abstrakcjonizm, który połączył szereg nurtów powstałych na gruncie modernizmu, takich jak futuryzm, kubizm, ekspresjonizm, surrealizm i inne. Abstrakcje w malarstwie nie od razu zostały zaakceptowane przez społeczeństwo, ale wkrótce nowy styl dowiódł swojej przynależności do sztuki.

Rozwój

W latach trzydziestych XX wieku nurt abstrakcjonizmu nabrał rozpędu. Założycielem nowego kierunku w sztuce malarstwa był Wassily Kandinsky, jeden z najbardziej postępowych artystów tamtych czasów. Wokół mistrza utworzyła się cała plejada naśladowców, dla których proces badania stanu duszy i wewnętrznych intuicyjnych doznań stał się podstawą twórczości. Artyści ignorowali rzeczywistość otaczającego ich świata i wyrażali swoje uczucia w sztuce abstrakcyjnej. Niektóre płótna wczesnych wyznawców nowego gatunku były niemożliwe do zrozumienia. Obrazy sztuki abstrakcyjnej zwykle nie niosły ze sobą żadnych informacji, a nieprzygotowani zwiedzający wystawy i wernisaże często byli zagubieni. Dołączanie adnotacji do obrazów nie było wówczas akceptowane, a każdy koneser twórczości malarskiej mógł polegać wyłącznie na własnej wizji.

Mistrzowie i założyciele

Do najwybitniejszych wyznawców nowego nurtu należeli znani abstrakcjoniści Wassily Kandinsky, Natalia Goncharova, Peter Mondrian, Kazimierz Malewicz, Michaił Larionow. Każdy z nich poszedł w swoją stronę. Stopniowo rozpoznawalne stawały się abstrakcyjne obrazy znanych artystów, co przyczyniło się do wypromowania nowej formy sztuki.

Kazimierz Malewicz pracował w zgodzie z suprematyzmem, preferując geometryczną podstawę autoekspresji. Dynamika jego kompozycji na płótnie wynikała z pozornie chaotycznego zestawienia prostokątów, kwadratów i kół. Układ postaci na płótnie wymykał się jakiejkolwiek logice, a jednocześnie obraz sprawiał wrażenie ściśle zweryfikowanego porządku. W sztuce abstrakcji jest wystarczająco dużo przykładów, które zasadniczo sobie przeczą. Pierwsze wrażenie po zapoznaniu się z obrazem może pozostawić osobę obojętną, a po chwili płótno już wyda się interesujące.

A Michaił Larionow podążył w kierunku rayonizmu, którego technika polegała na nieoczekiwanym przecięciu prostych promieniopodobnych linii o różnych kolorach i odcieniach. Gra kolorów na obrazie była fascynująca, fantastyczne kombinacje przecinających się promieni naprzemiennie w nieskończonych kombinacjach, a płótno emanowało strumieniem energii.

taszyzm

Artyści abstrakcjoniści Delaunay i Kupka zaprezentowali własną sztukę. Maksymalny efekt starali się osiągnąć poprzez rytmiczne przecinanie się kolorowych płaszczyzn. Swoje artystyczne credo wyrazili w ten sposób przedstawiciele taszyzmu, rysunku obrazkowego uzyskanego w wyniku chaotycznego nałożenia dużych kresek przy absolutnym braku elementu fabularnego. Najtrudniejsza jest abstrakcja olejna w stylu tachisme, malarstwo w tym gatunku można postrzegać w nieskończonej ilości interpretacji, z których każda zostanie uznana za poprawną.Jednak ostatnie słowo wciąż należy do krytyków i historyków sztuki. Jednocześnie sam styl abstrakcjonizmu nie jest ograniczony żadnymi ramami ani konwencjami.

neoplastycyzm

A jeśli obrazy były przykładem bezsensu, to holenderski malarz abstrakcyjny Peter Mondrian wprowadził ścisły system interakcji dużych postaci z kątami prostymi, które kontrastowały ze sobą na płótnie, a jednocześnie w jakiś niezrozumiały sposób łączyły w jedną całość. Twórczość Mondriana nazywana jest „neoplastycyzmem”. Największą popularność zyskał w latach dwudziestych ubiegłego wieku.

Czeski Frantisek Kupka tworzył obrazy, w których dominowały okrągłe i zaokrąglone postacie, ścięte koła i koła odcięte z jednej strony, które nagle ciągnęły się czarnymi przerywanymi liniami, wywołując niepokój i niepokój. Na płótna Kupki można było patrzeć godzinami i doszukiwać się w nich nowych niuansów.

Tworząc swoje obrazy, abstrakcyjny artysta stara się odejść od utartych obrazów. Początkowo nierozpoznane surrealistyczne dzieła Kandinsky'ego, Malewicza, Mondiana i innych wywołały później gorącą debatę wśród przeciwników i wielbicieli nowej sztuki.

Wyrażenie

Innym w malarstwie jest ekspresjonizm , sposób szybkiego rysowania na dużym płótnie za pomocą zdecydowanie niegeometrycznych kresek nakładanych szerokimi pędzlami, podczas gdy duże krople farby mogą spadać na rozłożone płótno w sposób przypadkowy. Wyraz tej metody jest głównym i jedynym znakiem przynależności do sztuki.

Orfizm to jeden z kierunków malarstwa francuskiego, który rozwinął się w latach dwudziestych ubiegłego wieku. Artyści wpisujący się w ten nurt starali się wyrażać swoje aspiracje poprzez ruch rytmiczny i muzyczność warunkową, szeroko stosowali technikę wzajemnego przenikania się barw i przecinania konturów.

Pablo Picasso

Kubizm jako odbicie abstrakcji w malarstwie charakteryzuje się stosowaniem form geometrycznych, nie wprost, ale z pewną dozą konwencjonalności. Nieregularne koła, łamane linie, kąty i załamania – wszystko to można było ułożyć według pewnego logicznego schematu, a jednocześnie z rażącą przypadkowością. Najjaśniejszym przedstawicielem kubizmu był i pozostaje hiszpański artysta Pablo Picasso (1881–1973), słusznie uważany za twórcę tego nurtu w malarstwie.

Eksperymenty z kolorem (okres niebieski, okres różowy) płynnie przekształciły się w zmianę form, celową deformację i destrukcję natury. Przykładem takich obrazów może być płótno namalowane w 1907 roku, kiedy abstrakcje w malarstwie dopiero zaczynały nabierać siły. W ten sposób twórczość Picassa doprowadziła niektórych ówczesnych artystów do zupełnie nowego gatunku, który całkowicie odrzucił tradycje naturalizmu i poznawczą wartość sztuk pięknych.

odległa przeszłość

Malarstwo artystów abstrakcjonistów początku XX wieku dokonało rewolucji w malarstwie tego okresu, w ślad za licznymi nurtami i kierunkami twórczości artystycznej pojawili się mistrzowie pędzla, którym udało się udowodnić, że abstrakcja jest całkowicie samodzielnym rodzajem sztuki sztuka, część kultury.

Nowoczesna sztuka abstrakcyjna

Obecnie abstrakcjonizm przybrał kilka innych form, odmiennych od tych, które istniały w okresie rozkwitu tego dość kontrowersyjnego gatunku sztuki. Współczesnym językiem abstrakcji są dziś znani artyści, tacy jak Andrey Pelikh, Valery Orlov, Marina Kastalskaya, Andrey Krasulin, którzy umieszczają w nim idee duchowe na poziomie metafizyki, a także wykorzystują prawa optyczne w palecie białych odcieni .

Najwyższe napięcie koloru możliwe jest tylko w białym wcieleniu, ten kolor jest podstawą wszelkich podkładów. Oprócz aspektu kolorystycznego we współczesnej abstrakcji istnieje również semantyczny współczynnik obciążenia. Znaki i symbole wyłaniające się z głębi świadomości noszą znamiona archaizmu. Współczesny artysta abstrakcyjny Valentin Gerasimenko wykorzystuje w swoich obrazach obrazy starożytnych rękopisów i rękopisów, które pozwalają na szeroką interpretację tematu odległej przeszłości.

Szczegóły Kategoria: Różnorodność stylów i nurtów w sztuce oraz ich cechy Wysłano 16.05.2014 13:36 Wyświetleń: 10491

„Kiedy ostry kąt trójkąta dotyka koła, efekt jest nie mniej znaczący niż efekt Michała Anioła, gdy palec Boga dotyka palca Adama” - powiedział V. Kandinsky, przywódca sztuki awangardowej w pierwszej połowa XX wieku.

- forma aktywności wizualnej, która nie ma na celu ukazywania wizualnie postrzeganej rzeczywistości.
Ten kierunek w sztuce jest również nazywany „nieobiektywnym”, ponieważ. jej przedstawiciele porzucili obraz, bliski rzeczywistości. W tłumaczeniu z łaciny słowo „abstrakt” oznacza „usunięcie”, „odwrócenie uwagi”.

V. Kandinsky „Kompozycja VIII” (1923)
Artyści abstrakcjoniści na swoich płótnach tworzyli pewne zestawienia kolorystyczne i geometryczne kształty, by wywołać u odbiorcy różne skojarzenia. Abstrakcjonizm nie ma na celu rozpoznania podmiotu.

Historia sztuki abstrakcyjnej

Za założycieli abstrakcjonizmu uważani są Wassily Kandinsky, Kazimierz Malewicz, Natalia Gonczarowa i Michaił Larionow, Piet Mondrian. Kandinsky był najbardziej zdecydowanym i konsekwentnym z tych, którzy w tym czasie reprezentowali ten nurt.
Badacze twierdzą, że uważanie abstrakcjonizmu za styl w sztuce nie jest całkowicie poprawne, ponieważ. jest to specyficzna forma sztuki. Dzieli się na kilka dziedzin: abstrakcję geometryczną, abstrakcję gestu, abstrakcję liryczną, abstrakcję analityczną, suprematyzm, aranformel, nuageizm itp. Ale w istocie silne uogólnienie jest abstrakcją.

V. Kandinsky „Moskwa. Plac Czerwony""
Już od połowy XIX wieku. malarstwo, grafika, rzeźba opierają się na tym, co niedostępne dla bezpośredniego obrazu. Rozpoczyna się poszukiwanie nowych środków wizualnych, sposobów typizacji, wzmożonej ekspresji, uniwersalnych symboli, skompresowanych plastycznych formuł. Z jednej strony ma to na celu ukazanie wewnętrznego świata człowieka – jego emocjonalnych stanów psychicznych, z drugiej – aktualizację wizji świata obiektywnego.

Twórczość Kandinsky'ego przechodzi przez szereg etapów, w tym rysunek akademicki i realistyczne malarstwo pejzażowe, a dopiero potem przechodzi w wolną przestrzeń koloru i linii.

V. Kandinsky „Błękitny jeździec” (1911)
Kompozycja abstrakcyjna to ostatni, molekularny poziom, na którym malarstwo jest jeszcze malarstwem. Sztuka abstrakcyjna jest najbardziej przystępnym i szlachetnym sposobem na uchwycenie osobistej egzystencji, a jednocześnie jest bezpośrednią realizacją wolności.

Murnau „Ogród” (1910)
Pierwszy abstrakcyjny obraz namalował Wassily Kandinsky w 1909 roku w Niemczech, a rok później opublikował tu książkę „O duchowości w sztuce”, która później stała się sławna. Podstawą tej książki były przemyślenia artysty, że to, co zewnętrzne, może być przypadkowe, ale to, co wewnętrznie konieczne, duchowe, stanowiące istotę człowieka, równie dobrze może być ucieleśnione w obrazie. Postawa ta wiąże się z teozoficznymi i antropozoficznymi pracami Heleny Bławatskiej i Rudolfa Steinera, które badał Kandinsky. Artysta opisuje kolor, wzajemne oddziaływanie kolorów i ich wpływ na człowieka. „Psychiczna moc farby… wywołuje duchową wibrację. Na przykład kolor czerwony może wywołać duchową wibrację podobną do tej, która powoduje ogień, ponieważ czerwień jest jednocześnie kolorem ognia. Ciepły czerwony kolor ma ekscytujący efekt; ten kolor może się nasilić do boleśnie bolesnego stopnia, być może także z powodu jego podobieństwa do płynącej krwi. Kolor czerwony w tym przypadku budzi pamięć o innym czynniku fizycznym, który oczywiście boleśnie wpływa na duszę.

V. Kandinsky „Zmierzch”
„…fiolet to chłodna czerwień, zarówno w sensie fizycznym, jak i psychicznym. Ma więc charakter czegoś bolesnego, wygasłego, ma w sobie coś smutnego. Nie na próżno ten kolor jest uważany za odpowiedni do sukienek starych kobiet. Chińczycy używają tego koloru bezpośrednio do strojów żałobnych. Jego brzmienie zbliżone jest do brzmienia rogów angielskich, fletów, aw głębi do niskich tonów instrumentów dętych drewnianych (np. fagotu).

V. Kandinsky „Szary owal”
„Czarny kolor wewnętrznie brzmi jak Nic bez możliwości, jak martwy”.
„Oczywiste jest, że wszystkie powyższe oznaczenia tych prostych kolorów są tylko bardzo tymczasowe i elementarne. Te same uczucia, o których wspominamy w związku z kolorami – radość, smutek itp. Te uczucia to też tylko materialne stany duszy. Tonacje barw, podobnie jak muzyka, mają znacznie subtelniejszy charakter; wywołują o wiele bardziej subtelne wibracje, które wymykają się słowom”.

VV Kandyński (1866-1944)

Wybitny rosyjski malarz, grafik i teoretyk sztuk pięknych, jeden z twórców abstrakcjonizmu.
Urodzony w Moskwie w rodzinie kupieckiej, podstawowe wykształcenie muzyczne i artystyczne otrzymał w Odessie, kiedy rodzina przeniosła się tam w 1871 roku. Znakomicie ukończył studia prawnicze na Moskiewskim Uniwersytecie Państwowym.
W 1895 roku w Moskwie odbyła się wystawa francuskich impresjonistów. Kandinsky'ego szczególnie uderzył obraz Claude'a Moneta "Stóg siana" - więc w wieku 30 lat całkowicie zmienia zawód i zostaje artystą.

V. Kandinsky „Kolorowe życie”
Jego pierwszym obrazem było Pstrokate życie (1907). Jest to uogólniony obraz ludzkiej egzystencji, ale taka jest już perspektywa jego przyszłej twórczości.
W 1896 przeniósł się do Monachium, gdzie zetknął się z twórczością niemieckich ekspresjonistów. Po wybuchu I wojny światowej wrócił do Moskwy, by po chwili ponownie wyjechać do Niemiec, a następnie do Francji. Dużo podróżował, ale okresowo wracał do Moskwy i Odessy.
W Berlinie Wassily Kandinsky uczył malarstwa, został teoretykiem szkoły Bauhaus (Wyższej Szkoły Konstrukcji i Projektowania Artystycznego), instytucji edukacyjnej w Niemczech, która istniała od 1919 do 1933 roku. W tym czasie Kandinsky zyskał światowe uznanie jako jeden z liderów sztuki abstrakcyjnej.
Zmarł w 1944 roku na paryskich przedmieściach Neuilly-sur-Seine.
Abstrakcjonizm jako kierunek artystyczny w malarstwie nie był zjawiskiem jednorodnym - sztuka abstrakcyjna łączyła kilka nurtów: rajonizm, orfizm, suprematyzm itp., o których więcej można dowiedzieć się z naszych artykułów. Początek 20 wieku - czas szybkiego rozwoju różnych ruchów awangardowych. Sztuka abstrakcyjna była bardzo zróżnicowana, byli w niej również kubofuturyści, konstruktywiści, bezobiektywiści itp. Ale język tej sztuki wymagał innych form wyrazu, ale nie były one poparte postaciami sztuki oficjalnej, co więcej, sprzeczności były nieuniknione między samego ruchu awangardowego. Sztuka awangardowa została uznana za antypopularną, idealistyczną i praktycznie zakazaną.
Abstrakcjonizm nie znalazł poparcia również w nazistowskich Niemczech, więc ośrodki abstrakcjonizmu z Niemiec i Włoch przeniosły się do Ameryki. W 1937 r. W Nowym Jorku powstało muzeum malarstwa nieobiektywnego, założone przez rodzinę milionera Guggenheima, w 1939 r. - Muzeum Sztuki Nowoczesnej, utworzone kosztem Rockefellera.

Powojenna abstrakcja

Po II wojnie światowej w Ameryce popularna była „szkoła nowojorska”, której członkami byli twórcy abstrakcyjnego ekspresjonizmu D. Pollock, M. Rothko, B. Neumann, A. Gottlieb.

D. Pollock „Alchemia”
Patrząc na zdjęcie tego artysty, rozumiesz: poważna sztuka nie poddaje się łatwej interpretacji.

M. Rothko „Bez tytułu”
W 1959 roku ich prace były wystawiane w Moskwie na Narodowej Wystawie Sztuki USA w Sokolnikach. Początek „odwilży” w Rosji (lata 50. XX wieku) otworzył nowy etap w rozwoju rodzimej sztuki abstrakcyjnej. Otwarto studio Nowa Rzeczywistość, którego centrum było Elij Michajłowicz Bielutin.

Studio znajdowało się w Abramcewie pod Moskwą, na daczy Belyutina. Istniało podejście do pracy zbiorowej, do którego aspirowali futuryści początku XX wieku. „Nowa Rzeczywistość” zgromadziła moskiewskich artystów o odmiennych poglądach na sposób konstruowania abstrakcji. Artyści L. Gribkov, V. Zubarev, V. Preobrazhenskaya, A. Safokhin opuścili studio New Reality.

E. Belyutin „Macierzyństwo”
Nowy etap w rozwoju rosyjskiej abstrakcji rozpoczyna się w latach 70. XX wieku. To czas Malewicza, suprematyzmu i konstruktywizmu, tradycji rosyjskiej awangardy. Obrazy Malewicza wzbudziły zainteresowanie zgeometryzowaną formą, linearnymi znakami i plastycznymi strukturami. Współcześni autorzy odkryli dzieła rosyjskich filozofów i teologów, teologów i mistyków, uzyskali dostęp do niewyczerpanych źródeł intelektualnych, które napełniły dzieła M. Schwartzmana, V. Jurłowa, E. Steinberga nowym znaczeniem.
Połowa lat 80. - zakończenie kolejnego etapu rozwoju abstrakcji w Rosji. Koniec XX wieku wyznaczył specjalną „rosyjską drogę” sztuki nieobiektywnej. Z punktu widzenia rozwoju kultury światowej sztuka abstrakcyjna jako kierunek stylistyczny zakończyła się w 1958 roku. Ale dopiero w rosyjskim społeczeństwie po pierestrojce sztuka abstrakcyjna zrównała się z innymi dziedzinami. Artyści otrzymali możliwość wyrażenia się nie tylko w formach klasycznych, ale także w formach abstrakcji geometrycznej.

Nowoczesna sztuka abstrakcyjna

Współczesny język abstrakcji często staje się biały. Dla moskwian M. Kastalskaya, A. Krasulin, V. Orlov, L. Pelikh przestrzeń bieli (najwyższe napięcie kolorów) jest wypełniona nieskończonymi możliwościami, pozwalającymi na wykorzystanie zarówno metafizycznych idei dotyczących duchowych, jak i optycznych praw odbicia światła .

M. Kastalskaya „Sleepy Hollow”
Pojęcie „przestrzeni” ma inne znaczenie w sztuce współczesnej. Na przykład jest spacja znaku, symbolu. Jest przestrzeń starożytnych rękopisów, których wizerunek stał się swoistym palimpsestem w kompozycjach W. Gerasimienko.

A. Krasulin "Taboret i wieczność"

Niektóre nurty w sztuce abstrakcyjnej

Rayizm

S. Romanowicz „Zejście z krzyża” (lata 50.)
Kierunek w malarstwie rosyjskiej awangardy w sztuce lat 1910-tych, oparty na zmianie widm światła i przepuszczalności światła. Jeden z wczesnych nurtów abstrakcjonizmu.
Istotą pracy promieniistów jest idea „przecięcia się odbitych promieni różnych obiektów”, ponieważ człowiek w rzeczywistości nie postrzega samego obiektu, ale „sumę promieni pochodzących ze źródła światła, odbija się od obiektu i wpada w nasze pole widzenia”. Promienie na płótnie są transmitowane za pomocą kolorowych linii.
Założycielem i teoretykiem ruchu był artysta Michaił Łarionow. Mikhail Le-Dantyu i inni artyści z grupy Donkey's Tail pracowali w Rayonism.

Szczególny rozwój rayonizmu nastąpił w twórczości S. M. Romanowicza, który uczynił z kolorystycznych idei rayonizmu podstawę „przestrzenności” kolorowej warstwy obrazu figuratywnego: „Malarstwo jest irracjonalne. Pochodzi z głębi człowieka, jak źródło wytryskujące z ziemi. Jej zadaniem jest przekształcenie widzialnego świata (obiektu) poprzez harmonię, która jest znakiem prawdy. Pracować - pisać w harmonii - może ten, w którym żyje - oto tajemnica człowieka.

orfizm

Nurt w malarstwie francuskim początku XX wieku, ukształtowany przez R. Delaunaya, F. Kupkę, F. Picabię, M. Duchampa. Nazwę nadał w 1912 roku francuski poeta Apollinaire.

R. Delaunay „Pole Marsa: Czerwona Wieża” (1911-1923)
Artyści-orfiści starali się wyrazić dynamikę ruchu i muzykalność rytmów poprzez przenikanie się barw podstawowych widma i przecinanie krzywoliniowych płaszczyzn.
Wpływ orfizmu można dostrzec w pracach rosyjskiego artysty Aristarcha Lentulowa, a także Aleksandry Exter, Gieorgija Jakulowa i Aleksandra Bogomazowa.

A. Bogomazow „Kompozycja nr 2”

neoplastycyzm

Styl ten charakteryzuje się wyraźnymi prostokątnymi kształtami w architekturze („styl międzynarodowy” P. Audy) i malarstwem abstrakcyjnym w układzie dużych prostokątnych płaszczyzn malowanych w podstawowych kolorach widma (P. Mondrian).

„stylu mondrianskim”

abstrakcyjny ekspresjonizm

Szkoła (ruch) artystów, którzy malują szybko i na dużych płótnach, używając niegeometrycznych pociągnięć, dużych pędzli, czasem kapiących farbę na płótno, aby wydobyć pełnię emocji. Celem artysty o tak twórczej metodzie jest spontaniczna ekspresja świata wewnętrznego (podświadomości) w chaotycznych formach, nieuporządkowanych logicznym myśleniem.
Ruch uzyskał szczególny zasięg w latach 50. XX wieku, kiedy kierowali nim D. Pollock, M. Rothko i Willem de Kooning.

D. Pollock „Pod różnymi maskami”
Jedną z form abstrakcyjnego ekspresjonizmu jest taszyzm, oba te nurty praktycznie pokrywają się w ideologii i metodzie twórczej, jednak osobisty skład artystów, którzy nazywali siebie taszystami lub abstrakcyjnymi ekspresjonistami, nie jest całkowicie zbieżny.

taszyzm

A. Orłow „Blizny w duszy nigdy się nie goją”
To obraz z plamami, które nie odtwarzają obrazów rzeczywistości, ale wyrażają nieświadomą aktywność artysty. Kreski, kreski i plamy w taszyzmie nakładane są na płótno szybkimi ruchami dłoni bez z góry przemyślanego planu. Europejska grupa „COBRA” i japońska grupa „Gutai” są bliskie Tachisme.

A. Orłow „Pory roku” P.I. Czajkowski