Witajcie drodzy czytelnicy strony Odpowiedź sprintu. Dziś, 3 czerwca 2017 r., kolejna gra telewizyjna „Kto chce zostać milionerem?” z gospodarzem Dmitrijem Dibrowem. W tym artykule możesz uzyskać krótki przegląd gry, dowiedzieć się, co jest poprawne odpowiedzi w grze „Kto chce być milionerem?” na 3.06.2017r . Prawidłowe odpowiedzi na liście opcji są podświetlone na niebiesko. Uczestniczyło dwóch pierwszych: śpiewak Aleksander Serow i królowa piękności Miss Rosji-2013 Elmira Abdrazakowa . Nawiasem mówiąc, program został nakręcony 18 maja 2017 r., Możesz dowiedzieć się o tym od radosnego Poczta Instagram Elmira Abdrazakova. Serwis Sprint-Answer rozpoczyna relację z dzisiejszego programu „Kto chce zostać milionerem?”, który wyemitowano już we wschodnich regionach kraju. Przy stole do gry w studio uczestnicy pierwszej pary graczy.

Elmira i Aleksander ustalili ognioodporną kwotę 200 000 rubli, Elmira skromniej wybrała ognioodporną kwotę, a raczej realistyczną. Aleksander początkowo chciał zatrzymać się na kwocie 400 000 rubli. W rezultacie doszli do konsensusu, ognioodporna kwota została ustalona na 200 000 rubli.

1. Co, mówiąc obrazowo, robi sumienie z człowiekiem, który żałuje swego czynu?

• jaskółki
• gryzie
• ukąszenia

2. Jak nazywa się wiersz Majakowskiego?

• "Dobrze!"
• "Chłodny!"
• "Świetny!"
• "Odlecieć!"

3. Przez co, zgodnie z popularną mądrością, wiedzie droga do serca mężczyzny?

• przez jego nerki
• przez jego płuca
• przez jego żołądek
• przez jego wątrobę

4. Gdzie kwitnie kalina w popularnej sowieckiej piosence?

• w lesie
• w ogrodzie
• w stepie
• w polu

5. Które francuskie słowo oznacza „długie krzesło”?

• leżak
• otomana
• kanapka
• stołek

6. Jak nazywa się zarówno roślina doniczkowa, jak i zimna przystawka z cukinii i bakłażana?

• „głębokie ucho”
• „język cieszyński”
• „Warkocz Cieszyński”
• "ogon ogon"

7. Córka którego członka Beatlesów została projektantką mody?

• Ringo Starra
• George Harrison
• Johna Lennona
• Paula McCartneya

8. Jaki dzień jest uważany za pierwszy dzień tygodnia w Izraelu?

• Poniedziałek
• Piątek
• Sobota
• Niedziela

Odpowiadając na ósme pytanie, uczestnicy odpowiadali na monit „Zadzwoń do znajomego”.

9. Z jakimi liniami Aleksander Wasiljewicz Suworow porównał służbę i przyjaźń?

• ze skrzyżowanymi
• z równoległością
• z prostopadłością
• z rozbieżnymi

Odpowiadając na dziewiąte pytanie, uczestnicy gry brali pod uwagę wskazówkę „50:50”.

Gra „Kto chce być milionerem?” z Aleksandrem Serowem i Elmirą Abdrazakovą

10. Kto grał saksofonistę w restauracji i kinie w filmie telewizyjnym „Miejsca spotkań nie da się zmienić”?

• Siergiej Mazajew
• Igora Butmana
• Aleksiej Kozłow
• Władimir Presniakow

Odpowiadając na dziesiąte pytanie, uczestnicy wzięli wskazówkę „Pomoc od publiczności”. Niestety zawodnicy odpowiedzieli błędnie i nic nie wygrali. Musieli wysłuchać Dmitrija Dibrowa i wziąć pozostałą wskazówkę „Prawo do popełnienia błędu”. Witryna Sprint-Answer nadal recenzuje grę „Kto chce zostać milionerem?” z dnia 3 czerwca 2017 r. Uczestnicy drugiej pary graczy są w studiu, są to aktorzy: Irina Apeksimowa oraz Daniil Spivakovsky . Gracze wybrali ognioodporną kwotę 800 000 rubli.

1. Gdzie występuje perkusista?

• w pierścieniu
• na scenie
• na polu bitwy
• w kuźni

2. Jak ustalone wyrażenie opisuje arkę Noego: „Każde stworzenie...”?

• przez kontener
• W parach
• przez sari
• przez safari

3. Jakie narzędzie jest często wymieniane, gdy mowa o długiej i nudnej akcji?

• harfa żydowska
• duduk
• żałosny
• dudy

4. Jakiego koloru jest most Golden Gate w San Francisco?

• w zielony
• na żółto
• w kolorze pomarańczowym
• w kolorze białym

5. Jak nazywała się osoba na Rusi, która wykonywała zlecenia o charakterze handlowym?

• urzędnik
• wskaźnik
• klient
• odmawiający

6. O jakim sporcie jest film „Million Dollar Baby”?

• Łyżwiarstwo figurowe
• ogrodzenie
• biathlon
• boks

Gra „Kto chce być milionerem?” z Iriną Apeksimową i Daniilem Spiwakowskim

7. Jakim bogiem, jak sam przyznaje, był Ole Lukoye z baśni Andersena?

Szalony mistrz, szalony geniusz, ekscentryczny surrealista - wszystko o nim. Salvador Dali i niezwykłość są niemal synonimami. Reprodukcje obrazów hiszpańskiego artysty sprzedają się jak świeże bułeczki, jego wizerunek jest wykorzystywany do sesji zdjęciowych, a jego pojedyncze wynalazki marzy się o wprowadzeniu do obiegu. Dali potrafił pracować jednocześnie w kilku dziedzinach: wniósł swój wkład w projektowanie wnętrz, w branżę modową oraz w… projektowanie słodyczy. Zapraszamy do przypomnienia sobie najbardziej uderzających dzieł genialnego Hiszpana (o niektórych z nich być może nawet nie wiedziałeś).

telefon z homarem

Szkic niezwykłego telefonu artysta wymyślił w 1935 roku, a rok później ciekawy pomysł został zrealizowany. Pod wieloma względami ułatwił to brytyjski milioner Edward James – sponsorował cierpiącego na brak funduszy artystę w zamian za jego pracę (a także był dobrym przyjacielem hiszpańskiego geniusza).

Nota bene, jak głosi piękna legenda, pomysł stworzenia takiego telefonu narodził się podczas jednego z towarzyskich spotkań, gdy ktoś z widowni upuścił homara… na telefon.

Dali wielokrotnie sugerował w swoim pomyśle konotację seksualną - podczas rozmowy usta mówiącego powinny znajdować się w okolicy narządów płciowych homara. Ponadto homar jest znany jako doskonały afrodyzjak. W sumie świat zobaczył 11 kopii wynalazku - 5 kolorowych i 6 białych. Prawie wszystkie z nich znajdują się w muzeach na całym świecie. Kopia, która należała do Jamesa, jest obecnie wystawiona na aukcję w Christie's. Jego koszt oszacowano na 850 000 funtów (ponad 68 milionów rubli). Czy znajdzie się kupiec, przekonamy się we wrześniu. W międzyczasie spójrzmy na innego homara stworzonego przez Dali.

Sukienka z homara

Dali interesował się wszystkimi dziedzinami sztuki, w tym modą. W latach 20. spotkał kolejną kreatywną osobę z szalonymi pomysłami. Okazało się, że była to legendarna Włoszka Elsa Schiaparelli, innowatorka i rewolucjonistka w świecie mody.

Projektant i Dali stworzyli kilka skandalicznych (a teraz już legendarnych) elementów garderoby. Ich wyobraźnia, na długo przed Philipem Tracy i Stephenem Jonesem, dała początek charakterystycznym nakryciom głowy, w tym kapeluszom w kształcie buta i kapeluszom typu bunkier, które spopularyzował Jackie Kennedy. Później wymyślili torby w kształcie jabłka i rękawiczki ze sztucznymi paznokciami. Ale głównymi kreacjami tego tandemu gwiazd są sukienki. Najsłynniejszy z nich przedstawia ulubionego gotowanego homara Dali w otoczeniu zielonych liści. Być może nie byłoby to tak popularne, gdyby nikt inny jak Wallis Simpson, księżna Windsoru, nie zdecydowała się założyć ciekawej rzeczy, by poślubić Edwarda VIII, którego abdykował (dobrze, że czasy się zmieniły, inaczej nie mielibyśmy widział wystawny ślub Meghan Markle. Nawiasem mówiąc, nawet najnowsza kolekcja Schiaparelli zawierała sukienki z wizerunkiem „krewnych” homarów - krabów.

usta sofy

Ten niezwykły mebel powstał specjalnie dla butiku Schiaparelli. Inspiracją do stworzenia Dali była Mae West, jedna z głównych klientek Elsy i symbol seksu w niepełnym wymiarze godzin swoich czasów. Jednak Edward James ponownie sponsorował całą zabawę. Dali nie raz mówił, że sofa nie nadaje się do siedzenia - po pierwsze jest strasznie niewygodna, a po drugie nie nadaje się do psucia dzieł sztuki. A jednak dziwna rzecz wzbudziła szczere zainteresowanie i zachwyt wśród otaczających go osób.

Tak, na tyle, że w 1974 roku Salvador postanowił wrócić do pracy na kanapie, biorąc za swojego asystenta obiecującego projektanta Oscara Tusquets Blanca. Owoce ich twórczej fuzji przechowywane są w pokoju Mae West w Muzeum Figueres (tym stylizowanym na twarz aktorki). Otóż ​​w 2004 roku firma Blanca Bd Barcelona Design, która ma wyłączność, rozpoczęła masową produkcję Dalilipsów (tzw. sof), dodając do „kanonicznej” czerwonej wersji jeszcze trzy kolory – czarny, biały i różowy.

Ale to nie wszystko. Jeśli chcesz dostać w swoje ręce oryginalną sofę, masz szansę: ona, podobnie jak telefon z homarem, została wystawiona na aukcję. Cena wywoławcza to tylko 400 000 funtów (ponad 32 miliony rubli).

Kurtka afrodyzjak

Dali pracował nad ubraniami nie tylko ze Schiaparelli, ale także samodzielnie. Jednym z modnych wynalazków Salwadoru jest kurtka afrodyzjak. Pierwsza wersja niezwykłego stroju pojawiła się w 1936 roku – ozdobiono go wtedy około 80 filiżankami prawdziwego likieru miętowego (i trudno było nie wylać całości!). Były przymocowane do kurtki cienkimi słomkami, aw każdej z nich leżała… zdechła mucha (podobno dla uwiarygodnienia).

Niestety wersja ta nie zachowała się, choć próbowano odtworzyć ją z pamięci na potrzeby wielu wystaw sztuki. Ale późniejsza wersja kurtki, w której okulary zostały zastąpione numerowanymi kryształowymi kieliszkami, pozostała nie tylko w pamięci współczesnych hiszpańskiemu geniuszowi - Dali jest schwytany w mundurze na fotografii przechowywanej w archiwum BBC i jest uważany za jeden z symboli XX wieku.

Venus de Milo z szufladami

Usta sofy i telefon z homarem nie były jedynymi meblami, które zrodziły się w wyobraźni Dali. Kolejna unikatowa praca ukazała się w 1936 roku. Jak można się domyślić, za podstawę posłużyła klasyczna Wenus. Biorąc za podstawę starożytną relikwię, Salvador odtworzył jej gipsową kopię, celowo dzieląc ciało kobiety na pudełka: jeden z nich znajduje się w głowie, inne w klatce piersiowej, brzuchu i nogach. Artystka po raz kolejny przywołała tajemnice kobiecego ciała i jego seksualności.

W 1973 roku Dali „ponownie opublikował” swoją rzeźbę. Nowa Venus à la Giraffe ma długą szyję, która uniemożliwia dosięgnięcie do puszki w głowie (ach, te kobiece myśli), ale z jej brzucha, symbolizującego płodność, wychodzi długie pudło, którego nie da się zamknąć.

W swoich pracach artysta wielokrotnie poruszał temat kobiecej seksualności – w jego szkicach znalazły się krzesła i stoły z kobiecymi nogami i rękami. Nawiasem mówiąc, zostały one powołane do życia w tym samym stylu Bd Barcelona Design, ponieważ zastawa stołowa Menagere z niezwykłymi widelcami, łyżkami i nożami w postaci ślimaków i roślin została kiedyś odtworzona według szkiców geniusza.

logo lizaka

Dopełnieniem naszego wyboru kreacji artysty jest słodycz, z którą spotykamy się każdego (no, prawie każdego) dnia. Jako wielki wynalazca i twórca, Salvador po prostu nie mógł zostawić swojego śladu w historii reklamy, marketingu i projektowania.

Produkcja słynnego katalońskiego lizaka rozpoczęła się w 1958 roku, ale zaledwie 11 lat później jego twórca Enric Bernat zwrócił się do swojego rodaka i dobrego przyjaciela o pomoc w projektowaniu.

Za bardzo przyzwoitą kwotę (artysta nie cierpiał skromności) Dali wymyślił logo, które do dziś oglądamy niemal w oryginalnej formie. To geniusz surrealizmu wpadł na pomysł, aby umieścić logo na samej górze lizaka, tak aby było dobrze widoczne i trudne do uszkodzenia. Klient był zadowolony.

11 maja 1904 roku w rodzinie Don Salvadora Dali y Cusi i Dona Felipa Domenech urodził się chłopiec, który w przyszłości miał stać się jednym z największych geniuszy ery surrealizmu. Nazywał się Salvador Felipe Jacinto Dali.

Jego ojciec był notariuszem publicznym w Figueres. Znał swoje miejsce w społeczeństwie i, jak wielu Katalończyków, był republikaninem anty-Madrytu, a także ateistą. Matka Salvadora również była typowa dla swojej klasy. Była kochającą żoną i zagorzałą katoliczką, która bez wątpienia nalegała, by jej rodzina regularnie chodziła do kościoła.

Salvador miał silną opinię, że jego rodzice wcale go nie kochali, ale jego starszy brat, również o imieniu Salvador, który zmarł dwa lata przed jego narodzinami. To objawienie pojawiło się w Niewypowiedzianych objawieniach Salvadora Dali, książce opublikowanej w 1976 roku po opublikowaniu jego trzech poprzednich autobiografii. Czy było to wygnanie skutków traumy, czy też owoc bujnej wyobraźni artysty, który przez całe życie tworzył ukryte i niejednoznaczne obrazy, autora tzw. procesu myślenia paranoiczno-krytycznego, możemy się tylko domyślać. Pomimo takiej opinii Dalego, oboje rodzice najwyraźniej kochali Salvadora i jego młodszą siostrę Annę Marię i zapewnili im najlepsze dostępne na tamte czasy wykształcenie.

Dali twierdził, że zaczął myśleć już w łonie matki, w wieku siedmiu miesięcy. „Było ciepło, miękko i cicho", powiedział. „To było niebo".

Już we wczesnym dzieciństwie w zachowaniu i pasjach małego Salvadora można było zauważyć jego niepohamowaną energię i ekscentryczność charakteru. Częste kaprysy i napady złości denerwowały ojca Dali, ale matka, wręcz przeciwnie, starała się jak najlepiej zadowolić ukochanego syna. Wybaczała mu nawet najbardziej obrzydliwe wybryki. W rezultacie ojciec stał się swego rodzaju ucieleśnieniem zła, a matka, wręcz przeciwnie, stała się symbolem dobra.

Talent do malowania objawił się w Dali już w młodym wieku. Już w wieku czterech lat próbował rysować z zadziwiającą jak na tak małe dziecko pracowitością.

W wieku sześciu lat Dali przyciągnął obraz Napoleona i jakby utożsamiając się z nim, poczuł potrzebę jakiejś władzy. Ubrany w maskaradowy kostium króla czerpał wielką przyjemność ze swojego wyglądu.

Dzieciństwo i większość młodości Dali spędził w rodzinnym domu nad morzem w Cadaqués. w Katalonii, w północno-wschodniej Hiszpanii, najpiękniejszym zakątku globu. Tutaj obdarzony wyobraźnią chłopiec wchodzi w interakcje z miejscowymi rybakami i robotnikami, chłonąc mitologię niższych warstw społecznych i studiując przesądy swojego ludu. Być może wpłynęło to na jego talent i stało się warunkiem wplecenia w jego sztukę wątków mistycznych.

Salvador Dali namalował swój pierwszy obraz, gdy miał dziesięć lat. Był to mały impresjonistyczny pejzaż, namalowany na desce farbami olejnymi. Talent geniusza został wyrwany na powierzchnię. Dali spędzał całe dnie siedząc w specjalnie dla niego przeznaczonym małym pokoju, rysując obrazy.

Dali już w dzieciństwie szukał nowych rozwiązań, form w sztuce. Pewnego razu, decydując się na ćwiczenia na starych drzwiach (z powodu braku płótna), trzema kolorami i bez użycia pędzla namalował martwą naturę, która wprawiła w osłupienie znajomych i krewnych, którzy go wtedy widzieli. Było to zdjęcie garści wiśni leżących na słońcu. Ktoś z publiczności zauważył, że wiśnie nie mają ogonków, o czym młody artysta bardzo zapomniał. Szybko orientując się, Dali zaczął jeść wiśnie, które służyły mu w naturze, i przywiązywał prawdziwe kucyki do jagód na zdjęciu. Korniki, które zjadły drewniane drzwi i teraz wyczołgały się przez warstwę farby, zostały zamienione na robaki zrobione z naturalnych wiśni. Zachwyt publiczności nie miał granic.

W Figueres Dali pobierał lekcje rysunku u profesora Joana Nuneza. Można powiedzieć, że pod doświadczonym okiem profesora talent młodego Salvadora Dali nabrał prawdziwej formy. Już w wieku 14 lat nie można było wątpić w umiejętność rysowania Dali.

Kiedy Dali miał prawie 15 lat, został wydalony ze szkoły klasztornej za nieprzyzwoite zachowanie. Udało mu się jednak pomyślnie zdać wszystkie egzaminy i pójść na studia (jak w Hiszpanii nazywano szkołę, która zapewnia ukończone wykształcenie średnie). Instytut w 1921 roku udało mu się ukończyć z doskonałymi ocenami. Dali miał wówczas siedemnaście lat i już zaczął zdobywać uznanie w artystycznych kręgach Figueres. Wyjechał z domu po tym, jak przekonał ojca do pomocy w założeniu pracowni artystycznej w Madrycie na Akademii Sztuk Pięknych w San Fernando, której jednym z najsłynniejszych reżyserów był Francisco Goya. Salvador Dali udał się do Madrytu w 1922 roku. Był pełen pewności siebie młodego człowieka szukającego przygód, ale wiedzącego, że w domu czeka na niego spokojna przystań. Jednak później przekonanie to zostało mocno zachwiane.

W wieku szesnastu lat Dali zaczął wyrażać swoje myśli na papierze. Od tego czasu malarstwo i literatura były w równym stopniu częścią jego twórczego życia. W 1919 roku opublikował eseje o Velazquezie, Goi, El Greco, Michelangelo i Leonardo w swojej własnej publikacji Studium. Uczestniczy w niepokojach studenckich, za co trafia do więzienia na jeden dzień.

Na początku lat 20. Dali był zafascynowany twórczością futurystów, ale nadal był zdeterminowany, by stworzyć własny styl w malarstwie. W tym czasie nawiązał nowe przyjaźnie i znajomości. W Madrycie Dali spotkał ludzi, którzy wywarli ogromny wpływ na jego życie. Jednym z nich był Luis Buñuel, który przez następne pół wieku stał się jednym z najbardziej szanowanych artystów awangardy filmowej w Europie. Kolejnym wielkim przyjacielem Dali, który wywarł na niego ogromny wpływ, był Federico Garcia Lorca, poeta, który wkrótce stał się jednym z najpopularniejszych dramatopisarzy w Hiszpanii. W czasie wojny domowej został zastrzelony przez żołnierzy dyktatora generała Francisco Franco. Związek Dali i Lorki był bardzo bliski. W 1926 roku ukazał się wiersz Lorki „Oda do Salvadora Dalego”, aw 1927 roku Dali zaprojektował scenografię i kostiumy do spektaklu „Mariana Pineda” Lorki. Zarówno Buñuel, jak i Lorca byli częścią nowego życia intelektualnego w Hiszpanii. Rzucili wyzwanie konserwatywnym i dogmatycznym doktrynom establishmentu politycznego i Kościoła katolickiego, które w dużej mierze ukształtowały ówczesne społeczeństwo hiszpańskie.

W Madrycie po raz pierwszy Dali został pozostawiony sam sobie. Ekstrawagancki wygląd artysty zadziwił i zszokował mieszkańców miasta. Wprawiło to samego Dali w nieopisaną radość.

W 1921 roku matka Dali zmarła na raka. Jej śmierć była ogromnym szokiem emocjonalnym i ciężkim ciosem dla rodziny.

W 1923 roku utalentowanemu młodzieńcowi udało się jednocześnie otrzymać kilka nagród za najlepszą pracę i zostać zawieszonym na rok w zajęciach w akademii za podżeganie studentów do buntu przeciwko niesłusznemu, jak uważał, powołaniu nowego profesora.

W tym okresie zainteresowanie Dalego było przykute do dzieł wielkiego geniuszu kubizmu, Pabla Picassa. W ówczesnych obrazach Dali można dostrzec wpływy kubizmu („Młode dziewczyny” (1923)).

Jeszcze przed wyjazdem Dali do Paryża jego prace wykazywały surrealistyczny charakter. Na obrazie „Postać kobiety w oknie”, napisanym w 1925 roku, artysta przedstawił swoją siostrę Annę-Marię wyglądającą przez okno na zatokę w Cadaqués. Płótno jest nasycone duchem nierzeczywistości snu, choć jest napisane w drobiazgowym, realistycznym stylu. Ma aurę pustki, a jednocześnie czegoś niewidzialnego, co czai się za przestrzenią obrazu. Ponadto obraz tworzy wrażenie ciszy. Gdyby to było dzieło impresjonistów, widz poczułby jego atmosferę: usłyszałby szum morza lub szept bryzy, ale tutaj wydaje się, że całe życie się zatrzymało.

W 1925 roku, od 14 do 27 listopada, odbyła się w Galerii Dalmau pierwsza indywidualna wystawa jego prac. Na tej wystawie było 27 obrazów i 5 rysunków początkującego wielkiego geniusza. Większość jego prac w tym czasie była wykonywana w duchu eksploracji nowych nurtów panujących wówczas w artystycznym świecie Paryża. Swoich sił próbował jako impresjonista w "Autoportrecie z szyją w stylu Rafaela" (1921-22). Góry w Cadaqués w tle obrazu stały się typowym motywem pejzażowym w twórczości Dali. Następnie podjęto próbę stworzenia obrazu w stylu kubizmu. Naśladując swoich założycieli, Georgesa Braque'a i Pabla Picassa, Dali napisał kolejny autoportret: „Autoportret z La Publicitat” (jedna z barcelońskich gazet). W 1925 roku Dali namalował kolejny obraz w stylu Picassa: Wenus i marynarz. Była jednym z siedemnastu obrazów wystawionych na pierwszej indywidualnej wystawie Dali.

Wpływ idei Lorki i Buñuela stymulował i tak już radykalne myślenie Dalego. To doprowadziło go do nie zgadzania się z metodami Akademii Sztuk Pięknych w Madrycie, gdzie studiował. Dali miał nadzieję, że znajdzie tu godnych nauczycieli, którzy mogliby uczyć świętego rzemiosła, ale szybko się rozczarował. Publicznie oświadczając, że nie zamierza zdawać egzaminów „dla tych, którzy wiedzą niepomiernie mniej, prawie nic nie rozumieją i nic nie wiedzą”, Dali został w 1926 roku wydalony z Akademii za wzniecanie niepokojów wśród studentów.

W tym samym 1926 roku Salvador Dali wraz z rodziną udał się do Paryża, światowego centrum sztuki, próbując znaleźć tam coś dla siebie. Dali nie widział jeszcze oryginałów współczesnych obrazów, chociaż w 1920 roku w Barcelonie odbyła się wystawa sztuki nowoczesnej. W tym czasie duży wpływ na artystę miały reprodukcje z czasopism. W Paryżu Dali odwiedził pracownię Picassa. Jednak Dali nie spieszył się z kolejną podróżą do Paryża. Być może chciał zrozumieć, czego tam szuka. Ale poza tym, jak się później okazało, kiedy musiał często się przeprowadzać, aby utrzymać swój rosnący światowy status, nie lubił zmieniać znajomego środowiska Cadaqués i Costa Brava w Katalonii.

Innym czynnikiem, który wpłynął na sposób myślenia Dalego w tym okresie, był jego brak rzeczywistego zainteresowania rozwojem nowych podejść estetycznych w technice pisania. Doskonałości warsztatowej osiągniętej przez artystów renesansu, jak sam przed sobą w głębi duszy przyznaje, nie da się poprawić. Przypuszczenie to potwierdziło się po wycieczce do Brukseli, którą odbył podczas wizyty w Paryżu. Sztuka flamandzkich mistrzów, z ich niezwykłą dbałością o szczegóły, wywarła na Dali ogromne wrażenie.

Kiedy Dali wrócił do Cadaqués po wydaleniu z Akademii Sztuk Pięknych, nadal malował we własnym stylu. Na obrazie „Postać dziewczyny na skale” (1926) przedstawił swoją siostrę leżącą na skałach. Na zewnątrz wydawało się, że płótno zostało namalowane w stylu Picassa, ale w duchu nie przypominało jego dzieła i było po prostu realistycznym studium perspektywy.

Druga wystawa prac Dali, która odbyła się w Barcelonie w Galerii Delmo pod koniec 1926 roku, spotkała się z jeszcze większym entuzjazmem niż pierwsza. Być może z tego powodu ojciec Dalego pogodził się nieco z szokującym wyrzuceniem syna z Akademii, po którym zniknęła jakakolwiek szansa na zrobienie oficjalnej kariery.

W 1928 roku w Paryżu Dali zbliżył się do surrealistów i przy wsparciu katalońskiego artysty i surrealisty Joana Miro przyłączył się do nowego ruchu, który zaczął coraz bardziej oddziaływać na artystyczne i literackie kręgi Europy i został przyjęty do szeregi surrealistów w 1929 roku, zaraz po przybyciu do Paryża. Dołączając do grupy skupionej wokół Andre Bretona, Dali zaczął tworzyć swoje pierwsze surrealistyczne dzieła („Miód jest słodszy niż krew”, 1928; „Jasne radości”, 1929). A. Breton traktował tego przebranego dandysa - Hiszpana, który malował obrazy - układanki, ze sporą dozą nieufności. Nie widział korzyści, jakie Dali mógłby przynieść ich wspólnej sprawie. Zainteresowanie Dali działalnością grupy surrealistów pod przywództwem Bretona szybko osłabło. Dali chętnie powrócił do podziwu mistrzów renesansu i na chwilę zapomniał o Paryżu. Ale w 1929 roku przyszło zaproszenie od przyjaciela Bunuela, którego artysta nie mógł nie przyjąć. Został zaproszony do Paryża do pracy nad surrealistycznym filmem wykorzystującym obrazy wyłowione z ludzkiej podświadomości.

Na początku 1929 roku miała miejsce premiera filmu „Pies andaluzyjski” według scenariusza Salvadora Dali i Luisa Buñuela. Sam scenariusz powstał w sześć dni! Teraz ten film to klasyka surrealizmu. Był to film krótkometrażowy, który miał zaszokować i zranić burżuazję oraz ośmieszyć skrajności awangardy. Do najbardziej wstrząsających ujęć należy do dziś słynna scena, którą, jak wiadomo, wymyślił Dali, gdzie ludzkie oko zostaje przecięte na pół ostrzem. Rozkładające się osły widoczne w innych scenach również były częścią wkładu Dalego w film.

Po pierwszym publicznym pokazie filmu w październiku 1929 roku w Théâtre des Ursulines w Paryżu Buñuel i Dalí natychmiast stali się sławni i celebrowani.

Po skandalicznej premierze tego filmu powstał kolejny film zatytułowany „Złoty wiek”.

Dali ciężko pracował. Fabuła wielu obrazów opierała się na jego złożonych problemach seksualności i relacjach z rodzicami.

W 1929 roku Dali namalował „Wielkiego Masturbatora”, jedno z najważniejszych dzieł tamtego okresu. W tym obrazie artysta dał wyraz ciągłemu zaabsorbowaniu seksem, przemocą i poczuciem winy.

Obraz przedstawia dużą, woskową głowę z ciemnoczerwonymi policzkami i półprzymkniętymi oczami z bardzo długimi rzęsami. Ogromny nos spoczywa na ziemi, a zamiast ust rysuje się gnijącą szarańczę. Mrówki pełzają po brzuchu owada. Na obrazie znajduje się również stos kamieni, który będzie towarzyszył artyście przez całą jego twórczość, oraz tak typowy dla Dalego wizerunek jak szarańcza – jeden z owadów zamieszkujących jego koszmary. Podobna tematyka była charakterystyczna dla dzieł Dali z lat 30.: miał niezwykłą słabość do wizerunków koników polnych, mrówek, telefonów, kluczy, kul, chleba, włosów. Sam Dali nazwał swoją technikę manualną fotografią konkretnej irracjonalności. Ten głęboko osobisty obraz jest bardzo ważny. Został zainspirowany własną podświadomością Dali.

Do 1929 roku surrealizm stał się kontrowersyjnym, dla wielu, nie do przyjęcia trendem w malarstwie.

Życie osobiste Salvadora Dali do 1929 roku nie miało jasnych chwil (chyba że policzysz jego liczne hobby z nierzeczywistymi dziewczynami, dziewczynami i kobietami). Ale to był rok 1929, który stał się fatalnym rokiem dla Dali. Po zakończeniu pracy nad „psem andaluzyjskim”, którego stworzył z Bunuelem, artysta wrócił do Cadaqués, by pracować nad wystawą swoich obrazów, którą jesienią zgodził się zorganizować paryski marszand Camille Goemans. Wśród wielu gości Dali tego lata był poeta Paul Eluard, który przybył z córką Cecile i żoną Galą (ur. Rosjanka Elena Deluvina-Dyakonova). Relacje Gali z mężem były już wtedy fajne.

Jej spotkanie z Salvadorem Dali latem 1929 roku było fatalne dla obojga. Starsza od niego o prawie dziesięć lat Gala wydawała się Dali wyrafinowaną, pewną siebie kobietą, która od dawna kręciła się w najwyższych kręgach artystycznych Paryża, podczas gdy on był po prostu prostym młodzieńcem z małego prowincjonalnego miasteczka w północna Hiszpania. Na początku Dali był zachwycony urodą Gali i podczas rozmowy wybuchał zakłopotanym, histerycznym chichotem. Nie wiedział, jak się przy niej zachować. Wkrótce została kochanką, a następnie żoną Dali. Gala – której reakcją na gwałtowną, namiętną miłość Dalego były rzekomo słowa: „Mój chłopcze, nigdy się nie rozstaniemy” – stała się dla niego kimś więcej niż tylko kochanką zaspokajającą jego namiętność. To właśnie Gala stanie się muzą na całe życie, natchnieniem geniuszu Dali. Kiedy ostatecznie opuściła męża i zamieszkała z Dalim w 1930 roku, okazała się doskonałą organizatorką, menadżerką biznesową i patronką.

Aby wyrazić swoje uczucia do tej niesamowitej kobiety, Dali przedstawił ją jako Gradivę, bohaterkę popularnej powieści Williama Jensena, w której Gradiva pojawia się jako ożyty posąg z Pompejów, w którym zakochał się młody mężczyzna, co ostatecznie zmieniło jego życie. W Gradiva Rediscovering Anthropomorphic Ruins, na tle klifów inspirowanych skalistym krajobrazem Costa Brava, wzorowana na Gali Gradiva ukazana jest na pierwszym planie, owinięta w kamień z kałamarzem, być może jako aluzja do jej byłej -mąż-poeta.

Dali cieszył się szokiem wywołanym w społeczeństwie zarówno przez „psa andaluzyjskiego”, jak i przez jego obrazy. Ale jednocześnie jego obraz „Najświętsze serce” spowodował niepożądane konsekwencje osobiste. Pośrodku obrazu znajdowała się sylwetka Madonny z Najświętszym Sercem, wokół której widniał z grubsza napis: „Czasami lubię napluć na zdjęcie mojej matki”. To, co być może Dali wymyślił jako mały żart reklamowy, jego ojcu wydawało się profanacją świętej pamięci jego pierwszej żony i matki rodziny. Jego niezadowolenie z obrazów syna mieszało się z dezaprobatą dla związku Dalego z Galą Eluardem. W rezultacie ojciec Dali zabronił Dali kiedykolwiek odwiedzać dom rodziny. Według kolejnych opowieści artysta dręczony wyrzutami sumienia ściął wszystkie włosy i zakopał je w swoich ukochanych Cadaqués.

W 1930 roku obrazy Salvadora Dali zaczęły przynosić mu sławę („Zamazany czas”; „Trwałość pamięci”). Stałymi tematami jego twórczości były zniszczenie, rozkład, śmierć, a także świat ludzkich doświadczeń seksualnych (pod wpływem książek Zygmunta Freuda).

W tamtym czasie obraz opuszczonego brzegu był mocno osadzony w umyśle Dali. Artysta namalował bezludną plażę i skały w Cadaqués, nie skupiając się na konkretnej tematyce. Jak później twierdził, pustkę wypełnił dla niego widok kawałka sera camembert. Ser zrobił się miękki i zaczął się topić na talerzu. Widok ten wywołał w podświadomości artysty pewien obraz, który zaczął wypełniać pejzaż topniejącymi godzinami, tworząc w ten sposób jeden z najpotężniejszych obrazów naszych czasów. Dali nazwał ten obraz „Trwałością pamięci”.

„Trwałość pamięci” została ukończona w 1931 roku i stała się symbolem współczesnej koncepcji względności czasu. Ponadto obraz wywołuje w widzu inne głęboko ukryte uczucia, które trudno określić. Rok po wystawie w Pierre Colet Gallery w Paryżu najsłynniejszy obraz Dali został zakupiony przez nowojorskie Museum of Modern Art.

Na początku lat 30. Salvador Dali wszedł w polityczny konflikt z surrealistami. Jego podziw dla Adolfa Hitlera i tendencji monarchistycznych był sprzeczny z ideami Bretona. Dali zerwał z surrealistami po tym, jak oskarżyli go o działalność kontrrewolucyjną.

W styczniu 1931 roku w Londynie odbyła się premiera drugiego filmu, Złotego wieku. Krytycy przyjęli nowy film z entuzjazmem. Ale potem stał się kością niezgody między Bunuelem i Dalim: każdy z nich twierdził, że zrobił dla filmu więcej niż drugi. Jednak mimo kontrowersji ich współpraca odcisnęła głębokie piętno na życiu obu artystów i skierowała Dali na ścieżkę surrealizmu.

W 1934 roku Gala rozwiodła się już z mężem, a Dali mógł się z nią ożenić. Niesamowitą cechą tego małżeństwa było to, że czuli się i rozumieli. Gala, w dosłownym tego słowa znaczeniu, żyła życiem Dali, a on z kolei ubóstwiał ją, podziwiał. Małżeństwo z Galią obudziło w Dali niewyczerpaną fantazję i nową niewyczerpaną energię. Rozpoczął się owocny okres w jego twórczości. W tym czasie jego osobisty surrealizm całkowicie przeważył nad normami i postawami reszty grupy i doprowadził do całkowitego zerwania z Bretonem i innymi surrealistami, którzy w 1934 roku wyrzucili słynnego już malarza ze swojego ruchu, deklarując, że „pokazuje niezdrowe zainteresowanie pieniędzmi i jest winny wulgaryzmów i akademizmu”.

Teraz Dali nie należał do nikogo i twierdził: „Surrealizm - se mois” („Surrealizm to ja”).

W latach 1936-1937 Salvador Dali namalował jeden z najsłynniejszych obrazów, Metamorfozę Narcyza. Był to jego najbardziej udany obraz tego okresu z podwójnymi obrazami. Na pierwszy rzut oka wydaje się, że przedstawia kończyny dwóch postaci na zwykłym tle. Ale wtedy widać, że kończyny po lewej stronie obrazu należą do postaci mężczyzny, częściowo schowanego w cieniu i patrzącego w wodę, w której odbija się jego wizerunek – wizerunek Narcyza. Po prawej stronie znajduje się zestaw podobnych kształtów, ale teraz kończyny to palce trzymające jajko, z którego pęknięć wyrasta kwiat narcyza.

W tym samym czasie ukazuje się jego dzieło literackie pt. „Metamorfoza Narcyza. Temat paranoidalny”. Ta metoda jest jedynym sposobem na uzyskanie tego, co nazwał wiedzą irracjonalną, i wyjaśnienie jej. Artysta był głęboko przekonany, że aby uwolnić głęboko skrywane myśli, umysł szaleńca lub kogoś, kto z powodu swego tzw. umysł wraz z jego moralnymi i racjonalnymi ustawieniami. Dali argumentował, że osoba w takim delirium nie jest niczym ograniczona ani skrępowana i dlatego po prostu jest zmuszona do szaleństwa. Jednak, jak zapewniał swoich widzów Dali, różnica między nim a szaleńcem polegała na tym, że nie oszalał, stąd jego paranoja była związana z jego zdolnością krytyczną. Kluczem do świata Dalego był Zygmunt Freud, którego badania nad podświadomymi urazami seksualnymi u swoich pacjentów poprzez psychoanalizę otworzyły szeroko drzwi ludzkiej duszy. Było to równie szokujące i niewiarygodne wydarzenie, jak odkrycie Karola Darwina pół wieku temu. Dla Dalego odkrycie podświadomości miało trzy zalety: dało początek nowym motywom obrazów, pozwoliło zgłębić i wyjaśnić niektóre z jego osobistych problemów oraz było materiałem wybuchowym, który mógł zniszczyć stary porządek. Ponadto był to doskonały środek kreatywności reklamowej.

Dali był zagorzałym wielbicielem idei Freuda, w młodości studiował jego „Interpretacje snów” i pokładał wielkie nadzieje w wyzwalającej sile snu, więc zajął się płótnem zaraz po przebudzeniu rano, kiedy mózg nie pracował. jednak całkowicie uwolnił się od obrazów nieświadomości. Czasami wstawał w środku nocy do pracy. W rzeczywistości metoda Dali odpowiada jednej z freudowskich metod psychoanalizy: zapisywanie snów jak najszybciej po przebudzeniu (uważa się, że prokrastynacja niesie ze sobą zniekształcenie obrazów sennych pod wpływem świadomości).

Zaufanie do irracjonalności, podziw dla niej jako źródła kreatywności było dla Dali absolutne, nie dopuszczające żadnych kompromisów. „Wszystkie moje roszczenia w dziedzinie malarstwa mają na celu urzeczywistnienie z najbardziej bojową imperatywem i precyzją szczegółów obrazów konkretnej irracjonalności”. W rzeczywistości jest to przysięga wierności freudyzmowi. Uważa się, nie bez powodu, że to właśnie Salvador Dali był niemal głównym dyrygentem freudowskich poglądów w sztuce XX wieku. To nie przypadek, że był jedynym współczesnym artystą, któremu udało się w 1936 roku spotkać w swoim londyńskim domu starszego, chorego i wycofanego Freuda. W tym samym czasie Dali otrzymał aprobatę wzmianki o Freudzie w liście do Stefana Zweiga – także przypadek wyjątkowy, gdyż Freuda w ogóle nie interesowały ówczesne trendy w malarstwie.

Dali często cytuje, parafrazuje, powtarza myśli Freuda w swoim Dzienniku. Na przykład Dali pisze: „Błędy zawsze mają w sobie coś świętego. Nigdy nie próbuj ich poprawiać. Wręcz przeciwnie: należy je racjonalizować i uogólniać. Potem będzie można je uogólniać”. Jest to jedna z najbardziej znanych idei freudyzmu, według której pomyłki, przejęzyczenia, dowcipy są niekontrolowanymi wyrzutami wrzącej, błąkającej się materii podświadomości, która w ten sposób przebija się przez zamarzniętą skorupę „Ego” . Nic więc dziwnego, że Dziennik rozpoczyna się cytatem z Freuda. Dali traktował Freuda w rzeczywistości jak duchowego ojca i nigdy nie był nieposłuszny, nie wątpił w ani jedno słowo.

Według Dalego świat idei Freuda znaczył dla niego tyle samo, co świat Pisma Świętego dla artystów średniowiecznych czy świat starożytnej mitologii dla artystów renesansu.

Dali położył podwaliny pod istnienie całego świata podświadomości w 1936 roku swoim obrazem „Przedmieścia miasta paranoiczno-krytycznego: południe na peryferiach europejskiej historii”. To zdjęcie na pierwszy rzut oka przedstawia typowe miasto. Irytujące detale nie wywołują od razu uczucia zaskoczenia i szoku. Szybko jednak widz zaczyna rozumieć, że perspektywy poszczególnych części obrazu nie są ze sobą powiązane, co jednak nie narusza jedności kompozycji. Przedstawione miasto wydaje się wyrastać z podświadomego snu i ma określone znaczenie, dopóki widz nie zacznie go krytycznie analizować. Oprócz szczegółów właściwych tylko snom, wydarzenia odbywają się w różnych częściach miasta, które nie są w żaden sposób ze sobą powiązane, ale są prawdziwymi owocami pamięci Dali. Gala trzyma kiść winogron, w której odbija się echem częściowa postać konia i klasycystyczny budynek w tle, który z kolei odbija się w zabawkowym domku umieszczonym w otwartej komodzie. Ogólnie rzecz biorąc, pełna, ale chaotyczna fabuła jest wyjaśniona w podtytule tytułu obrazu: to naprawdę historia Europy, która minęła w połowie, oddychając nostalgią, żalem.

Pragnienie Dalego, aby zostać rozpoznanym w społeczeństwie, które w istocie było obojętne na sztukę, zwłaszcza nowoczesną, spowodowało w nim naturalną skłonność do zwracania na siebie uwagi. W tym czasie, około połowy lat 30., artysta zaczął tworzyć surrealistyczne obiekty, które stały się jego najsłynniejszymi dziełami. Z manekina fryzjera zrobił popiersie, kładąc na nim francuski bochenek i kałamarz. Następnie pojawił się szokujący i wyzywający smoking - afrodyzjak, zawieszony na kieliszkach do wina. Inne jego pamiątki to Lobster Phone, kompozycja stworzona w 1936 roku, oraz szokujące Mae West Sofa Lips (1936-37): drewniana rama pokryta różową satyną.

Ale to nie te dziwne przedmioty przyciągnęły największą uwagę Dalego, ale jego wykład w London Group Rooms, Burlington Gardens w lipcu 1936 roku. Odbyła się w ramach Międzynarodowej Wystawy Surrealistów. Artysta wystąpił w stroju nurka głębinowego. „Więc wygodniej będzie zejść w głąb podświadomości” – zachowując pełną powagę, powiedział artysta i spotkał się z gromkimi brawami. Niestety zapomniał zabrać ze sobą rurki do oddychania i podczas wykładu zaczął się dusić, zaczął gorączkowo gestykulować, wywołując strach i zamieszanie wśród słuchaczy. Nie było to dokładnie to, co zamierzał Dali, ale uwagę opinii publicznej zwróciła pierwsza wystawa prac surrealistów, która odbyła się w Londynie, w galerii na Cork Street. Wystawę, która cieszy się dużym zainteresowaniem, zorganizowała amerykańska kolekcjonerka Peggy Guggenheim. Poza reklamą wystawy incydent ze skafandrem zwrócił na Dali uwagę wydawców magazynu Time: jego zdjęcie znalazło się na okładce ostatniego numeru z 1936 roku. Pod fotografią, wykonaną przez Man Raya, widniał następujący komentarz: „Płonąca sosna, arcybiskup, żyrafa i chmura piór wyleciały przez okno”.

Pani Guggenheim została drugim zamożnym nowojorskim mecenasem Dalego (wcześniej wykładał surrealizm w nowojorskim Museum of Modern Art w 1935 r.). Wkrótce ci patroni stali się jego najgorętszymi zwolennikami.

Powrót Dalego do Hiszpanii po Londyńskiej Wystawie Surrealistów w 1936 roku został powstrzymany przez wojnę domową, która rozpoczęła się wraz z powstaniem generała Franco i jego lojalnych żołnierzy przeciwko rządowi ludowemu. Rząd został zmuszony do ucieczki do Walencji, a następnie

Strach Dali o losy kraju i jego mieszkańców znalazł odzwierciedlenie w jego obrazach, malowanych w czasie wojny. Wśród nich jest tragiczna i przerażająca miękka konstrukcja z gotowanej fasoli: przeczucie wojny domowej (1936). Uczucia wyrażone przez Dali na tym obrazie są porównywalne z oszałamiającą Guernicą Picassa.

Chociaż Dali często wyrażał pogląd, że wydarzenia z życia na świecie, takie jak wojny, mają niewiele wspólnego ze światem sztuki, bardzo martwił się wydarzeniami w Hiszpanii. Swoje nieustające obawy wyraził w „Jesiennym kanibalizmie” (1936), gdzie splecione palce zjadają się nawzajem. Przerażenie artysty łagodzi tu znajomy pejzaż Cadaqués w tle, będący wyrazem przekonania, że ​​takie wydarzenia, nawet wojna domowa, są przemijające, ale życie toczy się dalej.

Komentarz Dalego do hiszpańskiej wojny domowej nosił po prostu tytuł „Hiszpania”. Obraz powstał w 1938 roku, kiedy wojna osiągnęła punkt kulminacyjny. Ta niejednoznaczna, paranoiczno-krytyczna praca przedstawia postać kobiety opartej łokciem o komodę z jedną otwartą szufladą, z której zwisa kawałek czerwonego sukna. Górna część kobiecego ciała utkana jest z niewielkich postaci, z których większość ułożona jest w bojowych pozach, przywodzących na myśl grupy Leonarda da Vinci. W tle pustynna piaszczysta równina. Wielu przyjaciół Dali stało się ofiarami wojny domowej w jego ojczyźnie. Z przyzwyczajenia starał się nie myśleć o złych rzeczach. Jednym ze sposobów na zapomnienie było znieczulenie umysłu, dla którego sen był idealny. Znajduje to odzwierciedlenie w obrazie „Sen” (1937), w którym artysta stworzył jeden z najpotężniejszych obrazów. Głowa bez tułowia spoczywa na delikatnych rekwizytach, które w każdej chwili mogą się odłamać. W lewym rogu obrazu znajduje się pies, który również jest podtrzymywany przez rekwizyt. Po prawej stronie rośnie wioska, podobna do jednej z wiosek na Costa Brava. Reszta przestrzeni obrazu, poza oddaloną małą łodzią rybacką, jest pusta, co symbolizuje niepokój artysty.

Podczas hiszpańskiej wojny domowej w 1937 roku Dalí i Gala odwiedzili Włochy, aby obejrzeć prace renesansowych artystów, których Dalí najbardziej podziwiał. Odwiedzili też Sycylię. Ta podróż zainspirowała artystę do napisania „Impresji afrykańskich” (1938). Para wróciła do Francji, gdzie krążyły pogłoski o zbliżającej się wojnie w Europie, i znalazła czas, aby ponownie odwiedzić Stany Zjednoczone w pierwszej połowie 1939 roku.

W innej grupie obrazów, w których przejawiał się niepokój Dalego przed wyraźnie zbliżającą się wojną światową, wykorzystano motyw telefonu. Zagadka Hitlera (ok. 1939) przedstawia telefon i parasol na bezludnej plaży. Obraz nawiązuje do nieudanego spotkania brytyjskiego premiera Neville'a Chamberlaina z Adolfem Hitlerem. Zarówno w „Wzniosłej chwili”, jak iw „Mountain Lake”, napisanym w 1938 roku, artysta wykorzystał (poza telefonem) wizerunek kuli, typowy dla Dali symbol przeczuć.

Zaraz po wybuchu wojny we wrześniu 1939 roku Dali opuścił Paryż i udał się do Arcachon, na wybrzeżu na południe od Bordeaux. Stąd Gala i on przenieśli się do Lizbony, gdzie wśród uciekających przed wojną poznali słynną projektantkę Elsę Schiaparelli, dla której projektował już sukienki i kapelusze, oraz reżysera filmowego René Claira. Po okupacji Francji w 1940 roku Dali wyjechał do Stanów Zjednoczonych, gdzie otworzył nowy warsztat.

W międzyczasie za obrazy Dalego płacono duże sumy. Anagram „Avida Dollars” został wykonany w 1941 roku od nazwiska Salvadora Dali przez André Bretona jako kpina z zamieszania Dalego związanego z zarabianiem pieniędzy. Ale było coś znacznie więcej niż ukłucie zazdrości z powodu rosnącego sukcesu Dalego, który zaczął nabierać rozpędu w 1936 roku, i zaskakująco ciepłego przyjęcia artysty w Stanach Zjednoczonych zarówno przez bogatych mecenasów, jak i zwykłych widzów.

Popularność obrazów Dalego wynikała po części z faktu, że wyglądały jak dzieła dawnych mistrzów, wykonane starannie i sumiennie. Istotne było również to, że pisała je osoba, choć czasem ekscentryczna podczas publicznych wystąpień, ale przystojna, dobrze wychowana, dobrze ubrana i najprawdopodobniej nie rewolucjonista ani komunista.

Ale główny powód popularności Dali w Ameryce był inny. W kręgach artystycznych Europy Dali nie był uważany za poważnego pretendenta do korony estety, ponieważ był zanurzony w egzoterycznych teoriach sztuki. Ale w USA, gdzie sztuką nadal kierowały tradycyjne postawy, a na tradycyjną sztukę europejską polowali milionerzy i królowie biznesu, Dali został powitany z entuzjazmem. Jego obrazy, choć o tajemniczej treści, były dostępne dla percepcji wzrokowej, ponieważ przedstawiały zrozumiałe przedmioty, więc ta impulsywna osobowość, odpychająca wszędzie i irytująca wszystkich w Europie, została zaakceptowana w Stanach Zjednoczonych, które szczyciły się szczerym, silnym- chętne, wszechstronne osobowości i showmani.

Dali i Gala niechętnie opuścili Europę, ale wkrótce osiedlili się wygodnie we Friedrichsburgu w Wirginii, w Hamton Manor, domu Careya Crosby'ego, awangardowego wydawcy. Tutaj Gala zaczęła urządzać Dali przytulne gniazdko, rekwirując bibliotekę i zamawiając niezbędne materiały do ​​malowania z pobliskiego miasta Richmond.

Rok później Dali i Gala przeprowadzili się z panią Crosby przez Stany Zjednoczone do Monterey, niedaleko San Francisco w Kalifornii. Dom w tym mieście stał się ich głównym azylem, choć przez długi czas mieszkali w Nowym Jorku, skąpani w luksusie. W ciągu ośmiu lat, które Gala i Dali spędzili w Ameryce, Dali zarobił fortunę. Niektórzy krytycy twierdzą, że robiąc to, zapłacił swoją reputacją artysty.

W świecie inteligencji artystycznej reputacja Dali zawsze była niska. Nie tylko zachowywał się wyzywająco, co przyniosło mu pewne dywidendy reklamowe, ale był uważany przez miłośników sztuki za zwykły wybryk mający na celu zwrócenie uwagi na jego twórczość. Podczas podróży do Ameryki Salvador Dali pokazał spotkanym dziennikarzom zdjęcie swojej nagiej dziewczyny Gali z kotletami jagnięcymi na ramionach. Zapytany, co mają z tym wspólnego kotlety, odpowiedział: „To bardzo proste. Uwielbiam Galę i kocham kotlety jagnięce. Oto są razem. Wielka harmonia!”

Większość artystów i amatorów postrzegała sztukę tamtych czasów jako poszukiwanie nowego języka, którym można by wyrazić współczesne społeczeństwo i wszystkie rodzące się w nim nowe idee. Stara technika, czy to w literaturze, czy muzyce, czy w sztukach plastycznych, była ich zdaniem nieprzydatna w XX wieku.

Wielu wydawało się, że tradycyjny styl pisania Dali nie idzie w parze z poszukiwaniem nowego języka malarstwa, co znalazło odzwierciedlenie w obrazach takich mistrzów XX wieku, jak Picasso i Matisse. Jednak Dali miał zwolenników wśród europejskich miłośników sztuki, zwłaszcza tych, którzy interesowali się ruchem surrealistycznym, którzy widzieli w jego twórczości wyjątkowy sposób wyrażania ukrytych części ludzkiego ducha.

Dali podczas pobytu w Ameryce brał udział w licznych projektach komercyjnych: w teatrze, balecie, w dziedzinie biżuterii, mody, a nawet wydawał gazetę autopromocyjną (wydano tylko dwa numery). Ponieważ liczba projektów rosła z czasem, wydawał się bardziej masowym artystą niż poważnym artystą, zajętym poszukiwaniem środków wyrazu. Chociaż jego popularność rosła, Dali zaczął tracić, przynajmniej w Europie, poparcie krytyków i historyków sztuki, od których reputacja artysty zależała przez całe życie.

Ze swojej bezpiecznej przystani w Wirginii, a następnie w Kalifornii, Dali rozpoczął triumfalny podbój świata sztuki nowego kontynentu. Amerykańscy przyjaciele byli gotowi nadal pomagać artyście w jego karierze. Jednym z jego pierwszych zleceń był projekt pawilonu Venus Dream na Międzynarodową Wystawę w Nowym Jorku w 1939 roku. Dalí planował zbudować basen wewnątrz pawilonu, w którym zamierzał umieścić syreny. Na fasadzie chciał przedstawić postać Wenus w stylu Botticellego, ale z głową dorsza lub podobnej ryby. Kierownictwo wystawy nie zatwierdziło tych planów, a pawilon nie został zbudowany, ale Dali miał okazję opublikować swój pierwszy amerykański manifest: „Deklaracja niezależności wyobraźni i praw człowieka do własnego szaleństwa”.

Incydent z Bonwitem Tellerem miał miejsce przed incydentem z Międzynarodową Wystawą. Dalí zamówił dekorację okienną dla domu towarowego Bonwit Teller w Nowym Jorku. Dali wykonał to zlecenie w swoim niepowtarzalnym ekstrawaganckim stylu, eksponując czarną satynową wannę i baldachim głowy bawołu z zakrwawionym gołębiem w zębach. Ta kompozycja przyciągnęła tak wielu ludzi, że chodnikami Piątej Alei nie dało się przejść. Administracja zamknęła skład. Zdenerwowało to Dali tak bardzo, że przewrócił wannę, rozbijając szybę w oknie i wyszedł przez nią na ulicę, gdzie został zatrzymany przez nowojorską policję.

Dalí otrzymał wyrok w zawieszeniu. Zwróciło to tak dużą uwagę na jego osobowość, że jego kolejna wystawa w nowojorskiej galerii odniosła ogromny sukces. Takie przypadki, czasem szokujące, stworzyły dobrą reklamę Dali wśród ogółu społeczeństwa, które widziało w artyście ucieleśnienie wolności jednostki, z której Stany Zjednoczone były tak dumne i którą, jak twierdził, można znaleźć tylko w Ameryce (czyli nie w Europie).

Kiedy niektórzy dziennikarze wątpili w zdrowie psychiczne Dali i celowość jego wybryków, przyjął wyzwanie. Odpowiadając na artykuł w Art Digest, w którym zapytano go, czy jest po prostu szaleńcem, czy zwykłym odnoszącym sukcesy biznesmenem, artysta odpowiedział, że sam nie wie, gdzie zaczyna się głęboki, filozofujący Dali, a gdzie kończy się szalony i absurdalny Dali.

Wszystko to było częścią ducha Nowego Świata tamtych czasów i sprawiło, że Dali stał się poszukiwanym towarem poza obszarem handlarzy i galerii sztuki. Projektował już modele dla Elsy Schiaparelli. Teraz zaczął wymyślać bardziej fantastyczne kreacje, które trafiły na łamy Vogue'a i Harper's Bazaar i przyniosły mu popularność wśród zamożnej i wyrafinowanej publiczności. Markiz de Cuevas, założyciel Baletu Monte Carlo, również wprowadził Dalego w swój świat, zlecając scenografię do Bachanaliów z kostiumami Coco Chanel. Inne zamówienia na scenografię do baletu markiza de Cuevas to Labirynt (1941) z choreografią Leonida Massina, Rozmowa sentymentalna, Kawiarnia chińska i Zepsuty most (1944).

To właśnie w Ameryce wielki geniusz pisze, prawdopodobnie jedną ze swoich najlepszych książek, napisaną przez siebie Sekretne życie Salvadora Dali. Kiedy ta książka została opublikowana w 1942 roku, natychmiast spotkała się z poważną krytyką ze strony prasy i zwolenników społeczeństwa purytańskiego Regis Hotel w Nowym Jorku, gdzie artysta założył swoją pracownię, gdzie pracował nad portretami pani George Tate II, Heleny Rubinstein, królowej kosmetyków (Dalí zaprojektował też jej mieszkanie ) i pani Luther Green.

Ponadto Dali ponownie zaangażował się w prace nad filmami. Entuzjastycznie przyjął ten sposób wyrażania siebie, w którym widział dziedzinę twórczości przyszłości, mimo że później umniejszał wkład kina w sztukę. To on stworzył słynną surrealistyczną sekwencję snów w Czarodziejkach Alfreda Hitchcocka z 1945 roku. Hitchcock chciał nakręcić pierwszy film o psychoanalizie w czasie, gdy nauki Freuda zaczynały wywierać głęboki wpływ na amerykańskie myślenie, więc sam Bóg kazał mu zwrócić się do Dali. W następnym roku artysta rozpoczął pracę nad projektem Moist Walta Disneya, który niestety nie został ukończony. Jeszcze tylko jeden pełnometrażowy film oparty na scenariuszu Dali, Don Giovanni Tenorio, powstał w Hiszpanii w 1951 roku.

Dali z reguły lubił żywiołową aktywność i wraz z Galą, która była stale obok niego, stał się znany w całych Stanach Zjednoczonych jako król sztuki nowoczesnej. Poświęcił nawet czas na napisanie Ukrytych twarzy, powieści o grupie arystokratów stojących u progu II wojny światowej.

Nowa wizja świata, według Dali, zrodziła się w błysku oświecenia, który był kolejną konsekwencją, oprócz ryku i radioaktywnej poświaty, wybuchu bomby atomowej nad Hiroszimą 6 sierpnia 1945 roku. Dali szukał mistycznej odpowiedzi w czarnych chmurach podniesionych przez eksplozję. Wierzył, że absolutna wizja sensu tego wszystkiego musi być udzielona dzięki łasce Boga i łasce prawdy. Idea miłosierdzia Bożego była w nim pielęgnowana jako dziecko podczas religijnego wychowania. Jeśli chodzi o łaskę prawdy, artysta liczył na odnalezienie jej w odkryciach współczesnej fizyki.

Choć idee Dalego dotyczące życia, Boga i współczesnej nauki zaczęły dojrzewać w mózgu artysty jeszcze w Stanach Zjednoczonych i zaczęły pojawiać się w jego dziełach z tamtego okresu, ostatecznie dojrzały i zaczęły przynosić owoce dopiero po powrocie do ojczyzny w Hiszpanii w 1948.

Dali był tak zszokowany bombą atomową, że namalował całą serię obrazów poświęconych atomowi. Pierwszym z tej serii były „Trzy Sfinksy Atolu Bikini”, powstałe w 1947 roku. „Sfinksy” to trzy ciała w kształcie grzyba, podobne do grzybowej chmury powstałej po eksplozji tej broni masowego rażenia. Pierwszy grzyb na pierwszym planie wyrasta z szyi kobiety jak chmura włosów, drugi pojawia się pośrodku i wygląda jak listowie drzewa, trzeci, najbardziej oddalony, wyrasta zza krajobrazu Cadaqués.

Była to pierwsza praca z serii obrazów i rysunków, którymi Dali zwrócił się ku destrukcyjnemu powojennemu światu, na który artysta spojrzał z troską i który popchnął go do mistycznego podejścia do swojej twórczości.

Po zakończeniu wojny w 1945 roku Dalí zdecydował się pozostać w Stanach Zjednoczonych, gdzie przygotowywał się do swojego artystycznego renesansu. Teraz był bardziej niż kiedykolwiek przekonany, że artyści renesansu mieli rację malując o tematyce religijnej i sposób, w jaki to robili. Wypowiedział wojnę akademickiemu stylowi pisania, preferowanemu przez tradycyjne salony, sztuce afrykańskiej, która wywarła głęboki wpływ na tak ważne postacie sztuki europejskiej, jak Modigliani, Picasso i Matisse, oraz dekoracyjnemu plagiatowi artystów, którzy stali się artystami abstrakcyjnymi, ponieważ naprawdę nie miał nic do powiedzenia. . Dali powiedział, że zamierza ożywić hiszpański mistycyzm i pokazać jedność wszechświata, przedstawiając duchowość materii.

Jednym z pierwszych obrazów, które niosły jego nową wizję świata, była „Dematerializacja pod nosem Nerona” (1947). Przedstawia rozcięty sześcian pod łukiem, w którego zakręcie unosi się popiersie Nerona. Sekcja symbolizuje rozszczepienie atomu. Dali zaczął stale używać tej techniki.

W tym samym czasie Dali pracował również nad kilkoma innymi projektami, w tym scenografią i kostiumami do baletu Manuela de Falli El sombrero de tres picos (Kapelusz Tricorne). Dali postawił na scenie worki z mąką i unoszące się w przestrzeni drzewa, a sam dom młynarza rozbija się skośnymi drzwiami i oknami, z których jedno leci w niebo.

Dali namalował także wiele portretów, w tym portret kolekcjonera sztuki Jamesa Dunna, wykonany w 1949 roku. W latach pięćdziesiątych Dalí namalował wiele znakomitych portretów artystów teatralnych, w tym Catherine Cornell (1951) i Laurence Oliver jako Ryszard III (1951). Portrety, jako źródło wielkich dochodów, były dla Dali na pierwszym miejscu aż do lat 70. Portret córki Francisco Franco, Carmen Bordue - Franco został wręczony hiszpańskiemu przywódcy w 1974 roku na specjalnej ceremonii. Najważniejszym obrazem Dalego z 1951 roku było Ukrzyżowanie Chrystusa autorstwa św. Jana z krucyfiksem wiszącym na niebie nad Port Ligat. Ten nieskazitelny i dyskretny obraz, pozbawiony surrealistycznych podtekstów, został sprzedany Glasgow Art Gallery.

Jednak zaraz po zawieszeniu został przecięty przez wandala protestującego przeciwko 8200 funtów, które galeria zapłaciła za obraz. (W ciągu pięciu lat galeria odzyskała te pieniądze z odsetek, sprzedaży biletów wstępu i praw do produkcji reprodukcji.) Inny obraz o tym samym uproszczonym podejściu wizualnym nosi tytuł Eucharystyczna martwa natura.

Przedstawia stół nakryty obrusem, na którym leży chleb i ryby. Oba te obrazy tchną niezwykłą prostotą Dali. Być może odzwierciedlały radość i wdzięczność Dali z powodu powrotu do ojczyzny w Port Ligat.

Wkrótce po powrocie do Hiszpanii Dalí rozpoczął pracę nad dwoma zleceniami. Dla Petera Brooka, angielskiego reżysera teatralnego, który wyreżyserował „Salome” Straussa, oraz dla Luchino Viscontiego, włoskiego reżysera filmowego, który kręci nową wersję „Jak wam się podoba” Szekspira. Podczas pobytu w Port Lligat Dali w swoich dziełach sięga do motywów fikcji religijnej. Motywy religijne, klasyczna kompozycja, naśladowanie techniki dawnych mistrzów są charakterystyczne dla jego obrazów z lat 50. Jonna na krzyżu” (1951), „Ostatnia wieczerza” (1955), „Odkrycie Ameryki, czyli sen Krzysztofa Kolumba” (1958-1959).

W 1953 roku w Rzymie odbyła się duża retrospektywna wystawa Salvadora Dali. Zawiera 24 obrazy, 27 rysunków, 102 akwarele!

Wcześniej, w 1951 roku, w przededniu zimnej wojny, Dali rozwinął teorię „sztuki atomowej”, opublikowaną w tym samym roku w Manifeście mistycznym. Dali stawia sobie za cel przekazanie widzowi idei stałości istnienia duchowego nawet po zniknięciu materii (Raphael's Exploding Head. 1951).

W 1959 roku Dalí i Gala założyli własny dom w Port Lligat. W tym czasie nikt nie mógł wątpić w geniusz wielkiego artysty. Jego obrazy były kupowane za duże pieniądze przez wielbicieli i miłośników luksusu. Ogromne płótna malowane przez Dali w latach 60. szacowane były na ogromne sumy. Wielu milionerów uważało za szykowne posiadanie obrazów Salvadora Dali w swojej kolekcji.

Realizując nowe pomysły ze swoją zwykłą niewyczerpaną energią, Dali stworzył jeszcze kilka baletów, wśród nich Zbieracze winogron i Balet na galę, do których opracował libretto i scenografię, oraz Maurice Bejart - choreografię. Premiera odbyła się w 1961 roku w Phoenix Theatre w Wenecji. Nadal zaskakiwał publiczność swoimi ekstrawaganckimi występami. Na przykład w Rzymie pojawił się w „Metafizycznym sześcianie” (prostym białym pudełku pokrytym odznakami naukowymi). Większość widzów, którzy przyszli obejrzeć występy Dali, była po prostu zachwycona ekscentryczną celebrytą. Jednak jego prawdziwym fanom nie podobały się te wybryki. Uważali, że showman rzucił cień na twórczość artysty. Na to Dali odpowiedział, że nie jest klaunem, ale strasznie cyniczne społeczeństwo, w swojej naiwności, nie podejrzewa, że ​​gra na poważnie, by ukryć swoje szaleństwo. Krytykując sztukę współczesną za wprowadzanie publiczności w ślepy zaułek, Dali przychylnie wypowiadał się o takich niegdyś ukochanych, obecnie niepopularnych francuskich malarzach historycznych, jak Jean-Louis-Ernest Meissonier i Mariano Fortuny, którzy malowali wielkie i szlachetne epickie sceny budynków, w których znajdowały się struktury władzy. usytuowany.

Ci artyści, których miłośnicy sztuki współczesnej nazywali „pompiersami” („strażakami”), według Dali, malowali w dobry realistyczny sposób. Swoje zdolności malarskie w tym samym duchu zademonstrował w dużym obrazie „Bitwa pod Tetuanem” (1962), który został umieszczony obok dzieła Fortuny w Palacio del Tinel w Barcelonie. Na tym obrazie Dali był pod silnym wpływem stylu Eugene'a Delacroix z jego licznymi scenami bitewnymi. Ponadto artysta dobrze dopracował szczegóły, uczynił akcję aktywną i efektowną, no i oczywiście umieścił Galę w tle.

Pod koniec lat 60. związek Dali i Gali zaczął zanikać. A na prośbę Gali Dali był zmuszony kupić jej swój zamek, w którym spędzała dużo czasu w towarzystwie młodych ludzi. Reszta ich wspólnego życia była tlącymi się głowniami, które kiedyś były jasnym ogniem namiętności.

Od około 1970 roku stan zdrowia Dali zaczął się pogarszać. Chociaż jego energia twórcza nie osłabła, zaczęły go niepokoić myśli o śmierci i nieśmiertelności. Wierzył w możliwość nieśmiertelności, w tym nieśmiertelności ciała, i badał sposoby zachowania ciała poprzez zamrażanie i przeszczep DNA, aby narodzić się na nowo. Ważniejsza była jednak konserwacja dzieł, która stała się jego głównym projektem. Włożył w to całą swoją energię.

Artysta wpadł na pomysł zbudowania muzeum dla swoich prac. Wkrótce przystąpił do odbudowy teatru w Figueres, swojej ojczyźnie, poważnie zniszczonej podczas hiszpańskiej wojny domowej. Nad sceną wzniesiono gigantyczną kopułę geodezyjną. Audytorium zostało oczyszczone i podzielone na sektory, w których można było wyświetlać jego prace z różnych gatunków, w tym sypialnię Mae West i duże obrazy, takie jak „Halucynogenny toreador”.

Sam Dali namalował hol wejściowy, przedstawiając siebie i Galę myjących złoto w Figueres, ze stopami zwisającymi z sufitu. Salon nazwano Pałacem Wiatrów, od poematu o tym samym tytule, opowiadającego legendę o wschodnim wietrze, którego ukochana wyszła za mąż i żyje na zachodzie, więc ilekroć się do niej zbliża, musi się odwrócić, podczas gdy jego łzy spadają na ziemię. Legenda ta bardzo spodobała się Dali, wielkiemu mistykowi, który kolejną część swojego muzeum poświęcił erotyzmowi.

Wiele innych dzieł i innych bibelotów było wystawianych w Teatrze-Muzeum Dalego. Salon został otwarty we wrześniu 1974 roku i bardziej przypominał bazar niż muzeum. Znajdowały się tam między innymi wyniki eksperymentów Dali z holografią, z których miał nadzieję stworzyć globalne trójwymiarowe obrazy. (Jego hologramy zostały po raz pierwszy wystawione w Knedler Gallery w Nowym Jorku w 1972 r. Przestał eksperymentować w 1975 r.) Ponadto Dali Theatre-Museum wystawia podwójne obrazy spektroskopowe przedstawiające nagą Galę na tle obrazu Claude'a Laurenta i innych dzieł sztuki , stworzony przez Dalego.

„Muzeum Dali” to niezrównane surrealistyczne dzieło, które do dziś zachwyca zwiedzających. Muzeum jest retrospektywą życia wielkiego artysty.

Popyt na prace Dali oszalał. Walczyli o nią wydawcy książek, magazyny, domy mody i reżyserzy teatralni. Stworzył już ilustracje do wielu arcydzieł literatury światowej, takich jak Biblia, Boska komedia Dantego, Raj utracony Miltona, Bóg i monoteizm Freuda, Sztuka miłości Owidiusza. Tworzył także surrealistyczne kompozycje, takie jak „Napoleońska maska ​​pośmiertna na nosorożcu”, „Halucynogenny torreador” z bębnami, nożycami, łyżkami, miękkim zegarem zwieńczonym koroną czy „Vision de l'Ange z boskim kciukiem i dwunastu apostołów”. Wielu Salvadora Dali poświęciło dziesięciolecia swojego życia biznesowi i handlowi. Przez kilka lat malował jeden obraz rocznie – zwykle za ogromną opłatą, podczas gdy zajmował się wszystkim, od sprzedaży litografii po projektowanie garniturów i reklamę linii lotniczych. „Dali śpi lepiej po otrzymaniu czeków na duże sumy "- lubił mówić. Prawdopodobnie Dali naprawdę spał jak dziecko, bo jego nazwisko obnosiło się na opakowaniach kosmetyków, na butelkach brandy, na zestawach mebli. Jednym z jego najbardziej frywolnych zajęć były malowane panele pasażerskie Dali w 1973 roku samolot hiszpańskich linii lotniczych. Praca artysty w reklamie sprawiła, że ​​większość krytyków zgodziła się, że przez co najmniej dwie ostatnie dekady Prace Dali wyróżniały się bardziej ekscentrycznością niż jakimikolwiek prawdziwymi osiągnięciami artystycznymi.

Kult Dalego, obfitość jego dzieł w różnych gatunkach i stylach doprowadziły do ​​powstania licznych podróbek, które spowodowały ogromne problemy na światowym rynku sztuki. Sam Dalí był zamieszany w skandal w 1960 roku, kiedy podpisał wiele czystych kartek papieru przeznaczonych do tworzenia odcisków z kamieni litograficznych posiadanych przez handlarzy w Paryżu. Postawiono zarzut nielegalnego wykorzystania tych czystych arkuszy. Jednak ten skandal pozostawił Dali obojętnym. „Ludzie nie martwiliby się tak, gdybym był przeciętnym artystą” – prychnął. „Wszyscy wielcy artyści zostali sfałszowani”, aw latach 70. artysta nadal prowadził swoje gorączkowe i aktywne życie, jak zawsze kontynuując poszukiwania nowego plastiku sposobów odkrywania jego niesamowitego świata sztuki.

W 1974 Dali podpisał kontrakt z amerykańską agencją reklamową na reklamę telewizyjną, w której namalował rajstopy noszone przez modelkę. Później, kiedy wyjechał z Ameryki do Francji, widziano go z wielką lalką Królika Buggsa, pożegnalnym prezentem od firmy. „To najbrzydsze i najstraszniejsze stworzenie na świecie", powiedział Dali. „Pomaluję je majonezem i uczynię obiektem artystycznym".

W ostatnich latach Dali często zwracał się w stronę fotografii. Wykłada, wydaje książki poświęcone sobie i swojej sztuce, w których bez skrępowania chwali swój talent („Dziennik geniusza”, „Dali według Dali”, „Złota księga Dali”, „Sekretne życie Salvadora Dali”) . Zawsze wyróżniał się dziwacznym zachowaniem, ciągle zmieniającymi się ekstrawaganckimi kostiumami i stylem wąsów.

W 1976 roku ukazała się biografia Dali Nadzwyczajne wyznania Salvadora Dali. Artysta twierdził w nim, że jest jedyną rozsądną osobą na świecie: „Klown to tak naprawdę nie ja, tylko nasze strasznie cyniczne i niewrażliwe społeczeństwo, grające powagę tak naiwnie, że najlepiej ukrywa własne szaleństwo” . I nie zmęczę się powtarzam! - Nie zwariowałem."

Salvador Dali miał dwa marzenia: jedno zrodziło się z pomysłów kłębiących się w jego głowie, drugie było wynikiem młodzieńczych marzeń o pełni życia z niezbędnymi udogodnieniami. Pierwszy, zupełnie własny, czasem lekko się otwierał i pozwalał światu zewnętrznemu, który nigdy do końca nie rozumiał zagadki umysłu artysty, uchwycić swoje odbicie. Drugi był ukochany przez Galę i przyjaciół, którzy pomogli mu zdobyć uznanie i osiągnąć światową sławę. Dali w swoich pracach nieustannie wyrażał uznanie dla ważnej roli Gali w jego życiu. Jej wpływ, jako muzy i modelki, był bardzo ważny dla większości jego obrazów. Pod koniec lat 60. wdzięczność Dali przybrała bardziej namacalną formę: kupił dla niej zamek w Pubol, niedaleko Figueres, dekorując go swoimi obrazami i zapewniając wszelkie wygody i luksusy. Nie jest jasne, czy Gala chciała mieć zamek. Wielu wierzyło, że chciałaby mieszkać w Toskanii. Nie jest też jasne, czy podarunek dla żony zamku oznaczał początek odrębnego życia. Partnerstwo życiowe i biznesowe Gala - Dali były tak nierozłączne, że nie sposób było sobie wyobrazić ich całkowitego zerwania.

Przez całe życie z Dali Gala grała rolę szarego kardynała, woląc pozostać w tle. Niektórzy uważali ją za siłę napędową Dali, inni za czarownicę tkającą intrygi. Kiedy angielski dziennikarz telewizyjny Russell Harty przeprowadzał wywiad z Dalim dla programu telewizyjnego BBC w 1973 roku, Gala niechętnie zgodziła się pojawić w drzwiach na kilka sekund. Ale kiedy ekipa filmowa miała właśnie wejść za Dali do basenu, zniknęła całkowicie. Być może teraz jest zmęczona wybrykami i sztuczkami przeznaczonymi dla publiczności.

Gala i Dali zawsze skutecznie zarządzali swoimi sprawami i jego stale rosnącym majątkiem. To ona nalegała na branie pieniędzy za jego występy przed publicznością i uważnie śledziła prywatne transakcje zakupu jego obrazów. Była potrzebna fizycznie i psychicznie, więc kiedy zmarła 10 czerwca 1982 roku, Dali potraktował jej śmierć jako straszny cios. Nie mieli dzieci. Artysta zawsze powtarzał, że w żadnym wypadku nie chce ich mieć. „Wielcy geniusze zawsze rodzą mierne dzieci, a ja nie chcę być potwierdzeniem tej reguły” – powiedział. „Chcę zostawić tylko siebie jako spuściznę”.

Popychana silnym pragnieniem bycia blisko jej ducha, Dali przeniosła się do zamku Pubol, prawie przestając pojawiać się w społeczeństwie. Mimo to jego reputacja rosła. W 1982 roku Muzeum Salvadora Dali, otwarte w Cleveland w stanie Ohio, zawierające większość jego prac zebranych przez E. i A. Reynoldsów Morse'ów, przeniosło się do imponującego budynku w St. Petersburgu na Florydzie. Georges Pompidou Centre w Paryżu zorganizowało dużą retrospektywę prac Dali w 1979 roku, która została później wysłana przez kanał La Manche do Tate Gallery w Londynie. Podwójna ekspozycja retrospektywy pozwoliła ogółowi Europy zapoznać się z twórczością Dali i przyniosła mu wielką popularność.

Wśród nagród, które spadły na Dali jak róg obfitości, było członkostwo w Francuskiej Akademii Sztuk Pięknych. Hiszpania obdarzyła go najwyższym odznaczeniem, przyznając mu Wielki Krzyż Izabeli Katolickiej, nadany mu przez króla Juana Carlosa. Dali został ogłoszony markizem de Pubol w 1982 roku. Mimo to Dali był nieszczęśliwy i źle się czuł. Bliżej lat 80. zaczął mieć problemy zdrowotne. Śmierć Franco zszokowała i przeraziła Dali. Jako patriota nie mógł spokojnie przeżywać przemian losów Hiszpanii. Lekarze podejrzewali, że Dalí cierpi na chorobę Parkinsona. Ta choroba kiedyś stała się śmiertelna dla jego ojca.

Dali rzucił się w wir pracy. Przez całe życie podziwiał artystów włoskiego renesansu, zaczął więc malować obrazy inspirowane głowami Giuliano de' Medici, Mojżesza i Adama (znajdujące się w Kaplicy Sykstyńskiej) Michała Anioła i jego „Zdjęcie z krzyża” w Bazylice św. Piotra Kościół w Rzymie. Zaczął też malować w stylu wolnym. Liniowy, ekspresjonistyczny styl malarstwa, przywodzący na myśl Vincenta van Gogha, jest widoczny w obrazach takich jak Łóżko i stolik nocny wściekle atakujący wiolonczelę (1983), gdzie ostre, klasyczne linie wczesnych prac Dalego ustępują miejsca bardziej swobodnym, bardziej romantycznym obrazom. styl.

Pod koniec 1983 roku nastrój Dali nieco się poprawił. Czasami zaczynał chodzić po ogrodzie, zaczął malować obrazy. Ale, niestety, nie trwało to długo. Starość wzięła górę nad błyskotliwym umysłem. 30 sierpnia 1984 roku w domu Dali wybuchł pożar. Artysta prawie stracił życie. Był przykuty do łóżka przez kilka dni, kiedy łóżko w jakiś sposób się zapaliło. Być może przyczyną była wadliwa lampka przy łóżku. Cały pokój płonął. Udało mu się doczołgać do drzwi. Robert Descharnet, który przez wiele lat kierował sprawami Dalego, uratował go od śmierci, wyciągając go z płonącego pokoju.

Dali doznał poważnych oparzeń i od tego czasu niewiele o nim słyszano, chociaż w 1984 roku Descharne opublikował monografię „Salvador Dali: człowiek i jego dzieło”. Wkrótce rozeszły się nieuniknione pogłoski, że Dali jest całkowicie sparaliżowany, że jest chory na chorobę Parkinsona, że ​​siłą trzymano go w zamknięciu. A nawet, że przez kilka lat fizycznie nie był w stanie wykonywać tych prac, które nadal pojawiały się pod jego nazwiskiem.

Aktywność zawodowa Dali całkowicie upadła. Sekretarki i agenci wyłudzali od niego pieniądze, jak tylko mogli, sprzedawali jego prawa autorskie, prawa do reprodukcji na całym świecie. Większość dochodów trafiała do ich głębokich kieszeni.

W lutym 1985 stan zdrowia Dali nieco się poprawił i był w stanie udzielić wywiadu największej hiszpańskiej gazecie Pais.

Ale w listopadzie 1988 roku Dali został przyjęty do kliniki z rozpoznaniem niewydolności serca.

Serce Salvadora Dali zatrzymało się 23 stycznia 1989 roku, sześć lat po ukończeniu jego ostatniej pracy, Jaskółczego ogona, prostej kompozycji kaligraficznej na białym prześcieradle. Prostota obrazu przywodzi na myśl twórczość Paula Klee i wzrusza, jak muzyka skrzypiec.

Pracując nad swoim ostatnim obrazem, Dali wyznał kiedyś rzadkiemu gościowi, że zamierza namalować serię obrazów opartych nie na czystej wyobraźni, nastroju czy snach, ale na rzeczywistości swojej choroby, egzystencji i ważnych wspomnieniach. Jednocześnie nie można nie myśleć, że Dali wyobrażał sobie swoje życie jako jakąś katastrofę. Pobłogosławiony tytaniczną energią i żywym, kreatywnym umysłem, został jednocześnie przeklęty naturalnym talentem prowodyra i żartownisia, który nadszarpnął jego reputację jako artysty. Podobnie jak większość artystów, w tym współczesnych mistrzów, takich jak Paul Cezanne i Claude Monet, Dali najprawdopodobniej czuł, że nie wyraził wszystkiego, co zobaczył, co paliło jego duszę. Ale jego niezaprzeczalny kunszt, który rozwijał, i siła jego najbardziej wyrazistych obrazów poruszały struny duszy wielu ludzi należących do najróżniejszych warstw kulturowych. Jego pamiętne obrazy należą do symboli duchowego panteonu sztuki i prawdopodobnie pozostaną trwałymi kamieniami milowymi sztuki XX wieku.

Jego ciało zostało zabalsamowane zgodnie z jego prośbą i przez tydzień leżał w swoim muzeum w Figueres. Tysiące ludzi przyszło pożegnać wielkiego geniusza.

Salvador Dali, ze swoją charakterystyczną dziwnością za życia, leży niepochowany, jak zapisał, w krypcie w swoim Muzeum Teatralnym Dali w Figueres. Zostawił swoją fortunę i swoje dzieła do Hiszpanii.

dali kreatywność surrealizm sztuka

Więc po tym, jak pojechaliśmy do Figueres, które słynie przede wszystkim z Teatru-Muzeum wielkiego Salvadora Dali - mistrzowie surrealizmu. Figueros to rodzinne miasto Dali, znajduje się 40 km od Francji i jest uważane za drugie najczęściej odwiedzane muzeum w Hiszpanii po madryckim Prado.

Na zdjęciu tytułowym Plac Gala-Salvador Dali z fasadą Teatru-Muzeum i pomnikiem ręki Dali katalońskiego filozofa Francesca Pujolsa.

Pod wycięciem znajdują się zdjęcia muzeum i dużo tekstu do nich. Nie bądź leniwy, przeczytaj, bo. być może rzuci to światło na cechy twórczego geniuszu Dali i jego arcydzieł.

01. W rzeczywistości pomnik jest nie tylko dla samego Pujolsa (jego szare popiersie jest umieszczone na głowie Homera), którego Dali czcił jako filozofa, który otworzył świat na Podświadomość. W tle, w postaci postaci z jajową głową, Dali prawdopodobnie przedstawił siebie. Po prawej stronie figury znajduje się pomnik atomu wodoru - elementu systemu figuratywnego Dali.

02. Instalacja Dali - gigantyczna głowa z telewizorem na czole. Górująca w pobliżu rzeźba to „Obelisk Telewizji” Wolfa Vostela:

03. Jeden z trzech pomników poświęconych francuskiemu malarzowi Meissonierowi, osadzony na oponach samochodowych.

04. Nurek w kosmicznym skafandrze, symbolizujący zanurzenie w podświadomości, obok niego postacie z bochenkiem chleba – kolejnym ulubionym symbolem Dali.

Być może nurek przypomina widzowi jedno wydarzenie z biografii Dali. Jakoś na zaproszenie wykładał w tej formie na amerykańskim uniwersytecie. Podczas wykładu coś się stało z dopływem tlenu, Dali zaczął się dusić i tylko cud w osobie jednego studenta, który jakimś cudem domyślił się zdjęcia tego skafandra, uratował Dalego od śmierci.

05. Dziedziniec. Statuetka-instalacja Dali „Deszczowa taksówka”. Instalacja to cadillac, w którym pada deszcz po upuszczeniu monety. Na cadillacu znajduje się postać królowej Estery autorstwa austriackiego rzeźbiarza Ernsta Fuchsa, która ciągnie słupek z oponami samochodowymi. Całość kompozycji wieńczy Gala Boat (nazwana na cześć żony i muzy Dali - Gala, czyli Elena Dyakonova). Uważa się, że krople spadające z dna łodzi to prezerwatywy wypełnione niebieską farbą.

06. Łódź galowa, czarny parasol. Z tyłu znajduje się kopuła geodezyjna muzeum.

07. Samochód jest częstym elementem ikonograficznym w pracach Dali, łączy w sobie materię kopalną i coś z najnowszej historii ludzkości. Dali twierdził, że wyprodukowano tylko 6 takich maszyn. i przypisywali posiadanie jednego z nich Alowi Capone (słynnemu „ojcu chrzestnemu”), wyjaśniając stłuczone szkło na eksponowanym w muzeum eksponacie. rzekomo jako akt wandalizmu. Według artysty jeden z samochodów należał do Roosevelta, jeden do Clarka Gable'a i tak dalej. A ten 4-ty egzemplarz samochodu Dali podarował swojej żonie Gali. Wewnątrz Cadillaca nieustannie kapie misterna sieć rur, ku uciesze ślimaków winorośli, które dotrzymują towarzystwa kilku manekinom i ich kierowcy.

08. Na dziedzińcu zainstalowano także rzeźby wykonane na wzór (a może celowo) pozdrawiających swoich widzów statuetek Oskara. Oto groteskowe potwory między centralnymi oknami dziedzińca.

09. Te rzeźbiarskie grupy fantastycznych stworzeń wyłaniających się z ciemności składają się z wielu różnych elementów: ślimaków, kamieni z Cape Creus, ściętych gałęzi, fragmentów gargulców z pobliskiego kościoła św. Piotruś, padlina wieloryba, kamienny róg, szuflady (również ulubiony symbol Dali w pracy z podświadomością) – cała ta rzeźba reprezentuje pierwiastek męski.

10. „Aga Gala, patrząca na morze, które z odległości 18 metrów zmienia się w portret Abrahama Lincolna”. Tutaj Dali działa jako innowator idei podwójnego obrazu.

11. Autorska kopia na płótnie obrazu „Hallucinogenic torero”, tutaj Dali ponownie ucieka się do idei podwójnego obrazu.

12. Jedna z wielu instalacji Dalego. Motyw biblijny jest widoczny w postaci postaci ukrzyżowanej. Wzdłuż krawędzi popiersia znajduje się kataloński chleb o dziwacznym kształcie, który jest widoczny w wielu pracach Dali, w tym w dekoracji zewnętrznej teatru-muzeum.

13. Scenę teatru miejskiego (a wcześniej był tu teatr, podarowany Dali przez lokalne władze) wieńczy efektowna przezroczysta kopuła, która stała się symbolem Muzeum Teatralnego i całego Figueres jako cały. Architektem tej „kopuły geodezyjnej”, przypominającej budową oko muchy (ulubiony owad Dalego w jego twórczości jako symbol paranoi), był Emilio Pinheiro. Kopuła jest wyjątkowa w swoim projekcie, tworzy grę lustrzanych odbić i jest symbolem jedności i monarchii według Dali.

14. „Upiór seksualnej atrakcyjności” (jedno z pierwszych surrealistycznych dzieł Dalego). Artysta często stosował taką technikę - ogromną pompatyczną ramę i mały obraz w porównaniu z nią. W prawym dolnym rogu Dali przedstawił się jako dziecko w marynarskim stroju, patrzące na ogromnego potwora, miękkiego i twardego jednocześnie. Ten obraz dla artysty symbolizował seksualność. Tłem jest hiperrealistyczny krajobraz Cape Creus. Na uwagę zasługuje również znacząca obecność kul, które dla Dali są symbolem śmierci i zmartwychwstania.

15. Mae West Hall. W centrum znajduje się popularna instalacja 3D poświęcona tej amerykańskiej aktorce. Oczy obrazu to powiększone, wyretuszowane fotografie puentylistycznych obrazów z widokami Paryża; nos jest kominkiem z bali, słynnymi ustami kanapy. Pozostałe elementy to wentylator zegarowy, zabytkowe zegary, dwa dzbanki, Wenus z Milo oraz szyja żyrafa i szuflady.

16. Aby cała kompozycja zamieniła się w trójwymiarowy obraz twarzy aktorki, musisz wspiąć się po schodach na wielbłąda i zajrzeć w soczewkę zawieszoną na brzuchu wielbłąda.

17. Również w tym pokoju: łazienka na suficie, odwrócona do góry nogami:

18. Po lewej - gigantyczna peruka - włosy Mae West, wpisany do Księgi Rekordów Guinnessa jako największa peruka zamówiona przez Dali u słynnego fryzjera.

19. A oto rzeczywisty obraz, który widzowie widzą przez obiektyw zawieszony na wielbłądzie:

20. Dali był osobą wszechstronnie utalentowaną, a także próbował swoich sił w dekorowaniu witryn w różnych sklepach. Ta prezentacja nosi tytuł „Retrospektywne kobiece popiersie”. Artysta uzupełnił to popiersie o mrówki, kolby kukurydzy, wstążkę ze starego rzutnika zootropowego, bochenek chleba z brązowym atramentem (wskazówka o zawodzie prawnika, którym był jego ojciec) oraz postacie z obrazu „Anioł Pański”. ” Milleta, tak częstego w systemie figuratywnym Dali. Rolę cokołu pełni ręka w czarnej rękawiczce, wokół której owinięta jest druga dłoń z białej parafiny. Gablotę uzupełniają szczęka rekina, szkielet latającej ryby, prawdziwa łyżka z iluzorycznym plastikowym kubkiem oraz wielowartościowy róg nosorożca.

21. W drugiej gablocie Dali tworzy zespół obrazów, na tle tych samych piór bażanta wyróżnia się kurtka Coco Chanel i rzeźba „Kwiat zła” w postaci dzbanka z pastą szklaną z włożone do niego stopy (jedna to parafina, druga to model anatomiczny) oraz mitologiczni bracia Dioscuri, Kastor i Pollux. synowie Zeusa i Ledy (tu przedstawieni są w postaci 2 statuetek, których okrągłe wierzchołki wykonane są z odlewów niemowlęcych pup). Należy zauważyć, że sam Dali zawsze utożsamiał się z Zeusem, a Gala z Ledą. Jak wiadomo z mitologii greckiej byli rodzeństwem. Więc Dali przez całe życie miał podobne uczucia do Gali i uważał za bluźnierstwo gwałcenie ich cielesnym pożądaniem.

22. Dali twierdził, że widok sceny lub dziedzińca z instalacją „Deszczowa taksówka” (jak w tym przypadku) z okien galerii był jedną z głównych przyjemności dostarczanych mu przez Muzeum Teatralne.

23. Jedna z prac graficznych Dali. Przyciągnął mnie fakt, że Dali odważnie balansuje między mężczyzną a kobietą, ja odważnie wplatam symbole płci w płótno obrazu.

24. Sala „Pałac Wiatru”. Ten pokój był Dali szczególnie bliski, bo tutaj, mając 14 lat, po raz pierwszy wystawiał swoje prace i otrzymał wiele pochwał w prasie. Przede wszystkim w tym pokoju uwagę przykuwa zachwycające malowidło na suficie. Dali powiedział, że ten obraz jest pełen paradoksu: widzom patrzącym w górę wydaje się, że widzą chmury, niebo i 2 postacie unoszące się w powietrze (Dali i Gala) - w rzeczywistości jest to efekt czysto teatralny, ponieważ zamiast na niebie widzimy ziemię, a zamiast lądu – morze, ucieleśnione w zakolu Zatoki Róż. I dodaje Dali, pośrodku, w miejscu słońca, jest ziejąca dziura, aw niej głęboka noc, a z głębi ludzkiej podświadomości wyłania się łódź podwodna. Krawędzie obrazu to elementy najważniejszych dzieł Dali, jego symboli i znaków. (Tutaj nie są widoczne)

25. Wejście do pracowni Dali. Po prawej stronie znajduje się popiersie Velazqueza, jednego z ulubionych artystów Dali, którego zawsze podziwiał. Pośrodku graficzny portret Gali. Na suficie panel „Pałac Wiatru” z elementami systemu figuratywnego Dali (patrz poprzednie zdjęcie).

26. Studio Dali. Jego warsztat poświęcony tematowi Wiecznie Kobiecego. Pośrodku sali – „Akt” Williama Adolphe Bouguereau, znanego jako artysta salonowy i akademicki. Nad rzeźbą zwraca uwagę osobliwa lampa w stylu modernistycznym z głową bogini Fortuny z zasłoniętymi oczami, górująca nad wszystkim na spirali z łyżeczek zawieszonych pod sufitem.

27. W rogu pokoju na sztalugach znajdują się 2 obrazy – „Galatea Sfer” i „Portret Gali z objawami onomania”, związane z okresem mistycyzmu nuklearnego.

28. Fortuna z łyżkami.

29. Sypialnia. Na ścianie wisi gobelin z obrazu „Trwałość pamięci”, znajdującego się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. W swojej autobiografii Sekretne życie Salvadora Dali artysta opisuje reakcję Gala, kiedy po raz pierwszy zobaczył to płótno: "Uważnie śledziłem twarz Gal i zobaczyłem, jak jej zdziwienie przeradza się w podziw. Bezbłędnie zidentyfikowałem prawdziwą zagadkę, zapytałem ją:
- Myślisz, że za 3 lata będziesz pamiętał to zdjęcie?

Gdy raz to zobaczysz, nie zapomnisz”.

30. Obraz Milleta „Angelus”. Elementy tego obrazu były już widoczne na popiersiu w zdobionej gablocie "Retrospektywne popiersie kobiety". Nie na próżno Dali wprowadził je do swojej twórczości, ale… wykorzystał je w nieco innym celu. Faktem jest, że artysta przedstawił na swoim obrazie modlącego się mężczyznę i kobietę. Podczas pracy w polu przerywali i odprawiali zwyczajowy na ten czas rytuał modlitwy. W tle widoczny kościół. Ale Dali nie byłby Dali, gdyby nie dostrzegł tajemnego znaczenia w tym nieszkodliwym obrazie. Przeprowadził całe badania i doszedł do wniosku, że kobieta, stojąc w określonej pozycji, stoi jak modliszka, która po kopulacji ze swoim samcem zabija go. Dali zdecydował więc, że kobieta i mężczyzna kłaniają się przed stosunkiem płciowym, po którym los mężczyzny jest przesądzony.

31. Oto studia dokumentalne Dali dotyczące jego teorii modliszki i postaci kobiety na obrazie Millaisa.

32. „Jeśli upadnie, więc upadnie”. Martwa natura w stylu holenderskim, kupiona przez artystę w Paryżu i „dalizowana”. Artysta ułożył z tej martwej natury alegorię jako dowód wdzięczności dla swojego przyjaciela, katalońskiego filozofa Francesca Pujolsa. Na płótnie wyraźnie widoczne są zmiany dokonane przez Dali, a napis na stole to fraza Pujolsa - „Jak spada, to spada”. To zdanie, które nadało nazwę obrazowi, zakończyło obszerny i złożony tekst filozoficzny, którym Dali był niezwykle zainteresowany. Według niektórych artystów, tutaj Dali proroczo napisał datę swojej śmierci (na tarczy płynącego zegarka) - 23.01.1989.

33. Sala „Loża”, poświęcona trikom optycznym – stereoskopii, anamorfozie i holografii.

34. I znowu „Retrospektywne kobiece popiersie” z figurkami z „Angelusa” Milleta i mrówkami na twarzy. Dali uważała takie kobiece popiersie za idealne i była przerażona wspaniałymi rozmiarami biustu. Naoczni świadkowie twierdzili nawet, że Dali zemdlał na widok ogromnego popiersia.

35. Scena teatru-muzeum z ogromnym panelem „Labirynt” opartym na micie o Tezeuszu i Ariadnie. Ta praca była tłem dla serii baletów Diagilewa, które z powodzeniem odbywały się w Nowym Jorku. Tutaj teatralność Dali jest najbardziej oczywista: pośrodku popiersia znajduje się mężczyzna-góra (jego głowa rzuca ten sam cień, co góra) z otworem przelotowym w klatce piersiowej. Z tyłu – krajobraz Cape Creus, niezmiennie obecny na obrazach Dali. Pod tą sceną spoczywa twórca całego teatru-muzeum. Tego dnia nie wpuszczono nas do małego ciemnego pomieszczenia przylegającego do damskiej toalety. W ścianie umieszczona jest trumna Salvadora Dali. A na nim mały biały nagrobek z napisem: „Salvador Dali Domenech Marques de Dali de Pubol 1904 - 1989".

Jeszcze za życia Dali otrzymał tytuł markiza.

36.

37. „Portret Beethovena namalowany z 2 ośmiornicami i palcem Dalego”. Dali wziął 2 ośmiornice, zanurzył je w farbie i po prostu rzucił na płótno, czołgały się, wiły i zostawiały na płótnie swoje dziwaczne ślady. A potem Dali właśnie skończył malować portret.

38. Instalacja Dali pod kopułą geodezyjną.

39. Jeszcze raz instalacja "Deszczowa taksówka" i widok na scenę z tyłu.

40. Wieża Galatea, wykonana przez Dalego specjalnie dla Gali. Na fasadzie jest ten sam kataloński chleb, o którym już wspomniałem. Jaja - odnoszą się do starożytnej greckiej epopei, że dzieci Zeusa i Ledy urodziły się z jaj. Jednak u Dali można je interpretować zarówno jako narodziny nowego życia, jak i jego nierozerwalny, „tożsamy” związek z Galą. Jego wieczna muza, po której śmierci jego życie straciło wszelki sens.

Mam nadzieję, że nie znudziliście się Dali ;)
Od siebie mogę powiedzieć, że Dali, choć nie jest moim ulubionym artystą, jest geniuszem i niesamowicie sprawną fizycznie osobą. Żyć tak, jakbyś codziennie grał surrealistyczną sztukę, zrozumiałą tylko dla ciebie, nie jest to takie łatwe.

W kolejnym poście hiszpańska Tarragona to przytulne miasteczko w Katalonii!

Oto biografia Salvadora Dali. Salvador to jeden z moich ulubionych artystów. Starałem się dodać więcej brudnych detali, smakowitych ciekawostek i cytatów znajomych z otoczenia mistrza, których nie ma na innych stronach. Znajduje się tam krótka biografia twórczości artysty - patrz nawigacja poniżej. Wiele pochodzi z filmu Gabriella Flights „Biografia Salvadora Dali”, więc uważajcie, spoilery!

Kiedy opuszcza mnie natchnienie, odkładam pędzel i farbę i siadam, by napisać coś o ludziach, którymi się inspiruję. Tak to idzie.

Biografia Salvadora Dali. Spis treści.

Dalis spędzą następne osiem lat w Stanach Zjednoczonych. Zaraz po przybyciu do Ameryki Salvador i Gala zorganizowali wielką orgię PR-owców. Urządzili bal przebierańców w surrealistycznym stylu (Gala siedziała w kostiumie jednorożca, hmm) i zaprosili najwybitniejszych ludzi z ówczesnej bohemy. Dali z powodzeniem zaczął wystawiać w Ameryce, a jego szokujące wybryki bardzo lubili amerykańską prasę i artystyczny tłum. Co, co, ale takiego wirtuozowsko-artystycznego szajsu jeszcze nie widzieli.

W 1942 surrealista opublikował napisaną przez siebie autobiografię Sekretne życie Salvadora Dali. Książka dla nieprzygotowanych umysłów będzie lekko szokująca, mówię od razu. Warto jednak przeczytać, jest ciekawa. Mimo oczywistej dziwności autora, czyta się ją dość lekko i naturalnie. IMHO, Dali jako pisarz jest całkiem niezły, oczywiście na swój sposób.

Jednak pomimo ogromnego sukcesu krytyków Gale ponownie miał trudności ze znalezieniem nabywców na obrazy. Ale wszystko się zmieniło, gdy w 1943 roku zamożna para z Kolorado odwiedziła wystawę Dalego – Reynold i Eleanor Mos stali się stałymi nabywcami obrazów Salvadora i przyjaciół rodziny. Para Mos kupiła jedną czwartą wszystkich obrazów Salvadora Dali, a później założyła Muzeum Salvadora Dali w Petersburgu, ale nie w tym, o którym myślisz, ale w Ameryce, na Florydzie.

Zaczęliśmy kolekcjonować jego prace, często spotykaliśmy się z Dalim i Galą, a on nas polubił, bo my lubiliśmy jego obrazy. Gala też się w nas zakochała, ale musiała utrzymać reputację osoby o trudnym charakterze, była rozdarta między sympatią do nas a swoją reputacją. (c) Eleonora Mos

Dali ściśle współpracował jako projektant, brał udział w tworzeniu biżuterii i scenerii. W 1945 roku Hitchcock zaprosił mistrza do stworzenia scenerii do jego filmu Spellbound. Nawet Walt Disney był urzeczony magicznym światem Dali. W 1946 roku zamówił kreskówkę, która miała wprowadzić Amerykanów w surrealizm. To prawda, że ​​\u200b\u200bszkice wyszły tak surrealistyczne, że kreskówka nigdy nie pojawi się w kasie, ale później ostatecznie zostanie ukończona. Nazywa się Destino. Kreskówka jest schizofazowa, bardzo piękna, z wysokiej jakości grafiką i jest warta obejrzenia, w przeciwieństwie do psa andaluzyjskiego (nie oglądaj psa, szczerze).

Spór Salvadora Dali z surrealistami.

Podczas gdy całe środowisko artystyczne i intelektualne nienawidziło Franco, ponieważ był dyktatorem, który siłą zagarnął republikę. Mimo to Dali postanowił pójść wbrew powszechnej opinii. (c) Antonia Pichota.

Dali był monarchistą, rozmawiał z Franco i powiedział mu, że zamierza przywrócić monarchię. Więc Dali był dla Franco. (c) Lady Moyne

Malarstwo Salwadoru w tym czasie nabiera szczególnie akademickiego charakteru. W przypadku obrazów mistrza tego okresu element klasyczny jest szczególnie charakterystyczny, pomimo oczywistej surrealistycznej fabuły. Maestro maluje również pejzaże i klasyczne obrazy bez surrealizmu. Wiele obrazów nabiera też wyraźnie religijnego charakteru. Słynne obrazy Salvadora Dali z tego okresu to Lód atomowy, Ostatnia wieczerza, Chrystus św. Juana de la Cruz itp.

Syn marnotrawny powrócił na łono Kościoła katolickiego iw 1958 roku Dali i Gala wzięli ślub. Dali miał 54 lata, Galya 65. Jednak pomimo ślubu ich romans się zmienił. Celem Gali było uczynienie z Salvadora Dali światowej sławy i już osiągnęła swój cel. Nie da się ukryć, że ich partnerstwo było czymś więcej niż tylko biznesowym układem. Ale Gala uwielbiała, gdy młode ogiery stały przez godzinę bez przerwy, a Salvadorich nie był już taki sam. Nie wyglądał już jak bezpłciowy ekstrawagancki efeb, którego znała wcześniej. Dlatego ich związek wyraźnie się ochłodził, a Galę coraz częściej widywano w otoczeniu młodych żigolaków i bez Salwadoru.

Wielu uważało, że Dali był tylko showmanem, ale tak nie jest. Pracował po 18 godzin dziennie, podziwiając tutejsze krajobrazy. Myślę, że był w zasadzie prostym człowiekiem. (c) Lady Moyne.

Amanda Lear, druga wielka miłość Salvadora Dali.

Salvador, który przez całe życie płonął płonącymi oczami, zmienił się w trzęsące się, nieszczęśliwe zwierzę o zgorzkniałym spojrzeniu. Czas nikogo nie oszczędza.

Śmierć Gali, żony surrealisty.

Wkrótce mistrz czekał na nowy cios. W 1982 roku, w wieku 88 lat, Gala zmarła na zawał serca. Mimo ochłodzenia stosunków, które całkiem niedawno się ochłodziło, Salvador Dali wraz ze śmiercią Gali stracił rdzeń, podstawę swojego istnienia i stał się jak jabłko, którego rdzeń zgnił.

Dla Dali był to najsilniejszy cios. Jakby jego świat się walił. To okropny czas. Czas najgłębszej depresji. (c) Antonia Pichota.

Po śmierci Gali Dali stoczył się w dół. Wyjechał do Pubola. (c) Lady Moyne.

Słynny surrealista przeniósł się do kupionego dla żony zamku, gdzie ślady jej dawnej obecności pozwoliły mu niejako rozjaśnić swoją egzystencję.

Myślę, że dużym błędem było przejście na emeryturę do tego zamku, gdzie był otoczony przez ludzi, którzy w ogóle go nie znali, ale w ten sposób Dali opłakiwał Galę (c) Lady Moyne.

Niegdyś słynny imprezowicz Salvador, którego dom zawsze był pełen ludzi pijanych różowym szampanem, zamienił się w samotnika, który pozwalał odwiedzać się tylko bliskim przyjaciołom.

Powiedział - no cóż, spotkajmy się, ale w zupełnej ciemności. Nie chcę, żebyś widziała, jaka jestem stara i szara. Chcę, żeby zapamiętała mnie jako młodą i piękną (c) Amandę.

Poproszono mnie, żebym go odwiedził. Postawił na stole butelkę czerwonego wina, kieliszek, postawił krzesło i został w sypialni za zamkniętymi drzwiami. (c) Lady Moyne.

Pożar i śmierć Salvadora Dali

Los, który wcześniej rozpieszczał Dalego szczęściem, postanowił, jakby w odwecie za wszystkie poprzednie lata, rzucić nowe nieszczęście na Salwador. W 1984 roku na zamku wybuchł pożar. Żadna z pielęgniarek dyżurujących przez całą dobę nie odpowiedziała na wołania Dali o pomoc. Kiedy Dali został uratowany, jego ciało było spalone w 25 procentach. Niestety los nie dał artyście łatwej śmierci i wyzdrowiał, choć był wycieńczony i opatrzony bliznami po oparzeniach. Przyjaciele Salvadora przekonali go, by opuścił zamek i przeniósł się do muzeum w Figueres. Ostatnie lata przed śmiercią Salvador Dali spędził w otoczeniu swojej sztuki.

Pięć lat później Salvador Dali zmarł w szpitalu w Barcelonie z powodu zatrzymania akcji serca. Tak to idzie.

Taki koniec wydaje się zbyt smutny dla człowieka przepełnionego życiem i tak odmiennego od innych. Był niesamowitą osobą. (c) Lady Moyne

Powiedz Vrubelowi i Van Goghowi.

Salvador Dali wzbogacił nasze życie nie tylko swoimi obrazami. Cieszę się, że pozwolił nam się tak dobrze poznać. (c) Eleonora Mos

Czułam, że skończyła się ogromna, bardzo znacząca część mojego życia, jakbym straciła własnego ojca. (c) Amanda.

Spotkanie z Dali dla wielu było prawdziwym odkryciem nowego rozległego świata, niezwykłej filozofii. W porównaniu z nim wszyscy ci współcześni artyści, którzy próbują naśladować jego styl, wyglądają po prostu żałośnie. (c) Ultrafiolet.

Salvador Dali zapisał przed śmiercią, że pochowa się w swoim muzeum, otoczony swoimi dziełami, pod stopami podziwiających go wielbicieli.

Z pewnością są ludzie, którzy nawet nie wiedzą, że on nie żyje, myślą, że po prostu już nie pracuje. W pewnym sensie nie ma znaczenia, czy Dali żyje, czy nie. Dla popkultury jest zawsze żywy. (c) Alice Cooper.