Cykl programów koncertowych(Rosja, 2010). 10 numerów.

Nie ma bardziej autorytatywnych postaci we współczesnej kulturze muzycznej niż przedstawiciele światowej elity dyrygenckiej. Twórcy cyklu wybrali dziesięć znaczących nazwisk – Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons, a także ich sławni rosyjscy koledzy. Dziś są powszechnie uznanymi mistrzami i liderami największych orkiestr.

Każdy program oparty jest na wykonaniu jednego z wymienionych mistrzów z jego orkiestrą.

Soliści: skrzypkowie Vadim Repin i Siergiej Kryłow, oboista Aleksiej Utkin, pianista Denis Matsuev i inni.

Program jest najbardziej zróżnicowany – od I.S. Bacha do A. Schoenberga i A. Pärta. Wszystkie utwory należą do arcydzieł światowej muzyki.

Gospodarzem cyklu jest pianista Denis Matsuev.

Pierwsze wydanie. .
Solista Vadim Repin.
Program: I. Strawiński. Symfonia w trzech częściach; M. Bruch. I Koncert skrzypcowy g-moll; L. Beethovena. Symfonia nr 7.

Drugie wydanie. Vladimir Fedoseev i Bolszoj Orkiestra Symfoniczna. LICZBA PI. Czajkowski.
Program: L. Beethoven. Symfonia nr 4.
Nagrany w Złotej Sali Musikverein w Wiedniu.

Wydanie III. „Maris Jansons i Orkiestra Symfoniczna Radia Bawarskiego”.
Program: R. Wagner. Introdukcja i „Śmierć Izoldy” z opery „Tristan i Izolda”; R. Straussa. Suita walców z opery „Der Rosenkavalier”.

Wydanie IV. „Daniel Barenboim i West-Eastern Divan Orchestra”.
Program: V.A. Mozarta. Koncert nr 7 F-dur na trzy fortepiany i orkiestrę. Soliści - Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schönberga. Wariacje na orkiestrę. G. Verdiego. Uwertura do opery „Siła przeznaczenia”.

Piąte wydanie. „Vladimir Spivakov i Orkiestra Filharmonii Narodowej Rosji.
Siergiej Prokofiew. Koncert nr 3 na fortepian i orkiestrę. Symfonia nr 1 „Klasyczna”. Solista Denis Matsuev. Nagrany w Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego w 2008 roku.

Wydanie szóste. „Lauryn Maazel i Orkiestra Symfoniczna Arturo Toscanini”
W programie: Giacchino Rossini. Uwertura do opery „Włoski w Algierze”; Johannesa Brahmsa. Symfonia nr 2.
Nagrany w Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego.

7. wydanie. Yuri Temirkanov i Akademicka Orkiestra Symfoniczna Filharmonii Petersburskiej. D.D. Szostakowicz.

Wydanie ósme. Yuri Bashmet i Moskiewski Zespół Kameralny Solistów.
W programie: Joseph Haydn - Koncert na wiolonczelę i orkiestrę. Solista Steven Isserlis (Wielka Brytania), Niccolo Paganini - 5 kaprysów (opracowanie E. Denisova na skrzypce i orkiestrę kameralną). Solista Sergey Krylov (Włochy); V.A. Mozart - Divertimento nr 1.
Nagranie w BZK.

Wydanie IX. Michaił Pletnew i Rosyjska Orkiestra Narodowa
Rosyjska Orkiestra Narodowa wykona suitę z baletu P.I. Czajkowski „Jezioro łabędzie”, skomponowany przez Michaiła Pletnewa. Nagranie w Teatrze Bolszoj w Rosji w ramach Wielkiego Festiwalu RNO, 2009.

10. wydanie. Valery Gergiev i Orkiestra Symfoniczna Teatru Maryjskiego
Orkiestra Symfoniczna Teatru Maryjskiego pod batutą Walerego Gergiewa wykonuje przeboje orkiestrowe - uwertury z oper Rossiniego, Verdiego, Wagnera, walce z baletów Czajkowskiego, fragmenty z Romea i Julii Prokofiewa.

Nie może istnieć bez dyrygentów, tak jak przemysł filmowy bez reżyserów, przemysł literacki i wydawniczy bez montażystów, projekty modowe bez projektantów. Lider orkiestry zapewnia organiczną interakcję wszystkich instrumentów podczas występu. Dyrygent jest główną postacią na scenie Filharmonii, sali koncertowej czy innej sali koncertowej.

Wirtuozi

Spójność orkiestry symfonicznej, harmonijne brzmienie wielu instrumentów muzycznych osiąga się dzięki umiejętnościom dyrygenta. Nic dziwnego, że najzdolniejsi z nich otrzymują różne wysokie tytuły i tytuły, a wśród ludzi nazywani są „wirtuozami”. I rzeczywiście, nienaganne posiadanie batuty dyrygenta pozwala każdemu muzykowi siedzącemu w orkiestrowym lodzie wnieść wszystkie niuanse twórczego impulsu. Ogromna orkiestra symfoniczna nagle zaczyna brzmieć jak całość, a kompozycja muzyczna ujawnia się w całej okazałości.

Znani dyrygenci są zjednoczeni umiejętnością, wszyscy przeszli przez szkołę sztuk pięknych, zajęło im trochę czasu, aby zyskać popularność i uznanie szerokiej publiczności. Popularność zdobywa się na przestrzeni lat. W przeważającej części znani dyrygenci, oprócz działalności koncertowej, zajmują się nauczaniem, prowadzą szkolenia dla młodych muzyków, a także kursy mistrzowskie.

samopoświęcenie

Sztuka dyrygowania orkiestrą wymaga wielu lat praktyki, ciągłego doskonalenia, czego efektem są niekończące się próby. Niektórzy znani dyrygenci wyróżniają się szczególną wytrwałością twórczą, graniczącą z samopoświęceniem, gdy życie osobiste schodzi na dalszy plan, a pozostaje tylko muzyka. Ta sytuacja jest jednak dobra dla sztuki.

Najsłynniejsi dyrygenci są związani umowami z określonymi zespołami muzycznymi, co daje im możliwość osiągnięcia wysokiego poziomu wykonawstwa, przy czym konieczne jest wzajemne zrozumienie, które później będzie gwarantem udanej działalności koncertowej.

Znani dyrygenci operowi

W światowej muzycznej hierarchii są nazwiska, które wszyscy znają. Nazwiska słynnych dyrygentów operowych można znaleźć na plakatach, billboardach, od ich imienia noszą nazwy statków wycieczkowych. Ta popularność jest zasłużona, ponieważ niewiele osób jest jeszcze w stanie poświęcić całe swoje życie, bez śladu, muzyce. Najsłynniejsi dyrygenci podróżują po całym świecie, koncertują z różnymi grupami muzycznymi lub prowadzą orkiestry w głównych ośrodkach muzycznych. Spektakle operowe wymagają szczególnej spójności orkiestry, której towarzyszą partie wokalne, arie i cavatina. We wszystkich agencjach muzycznych można znaleźć nazwiska słynnych dyrygentów operowych, których można zaprosić na sezon lub serię spektakli. Doświadczeni impresariowie znają styl pracy i cechy charakteru każdego z nich. To pomaga im dokonać właściwego wyboru.

Znani dyrygenci Rosji

Muzyka, zwłaszcza opera, ma wiele elementów. Oto orkiestra, w skład której wchodzą różne instrumenty: dęte, smyczkowe, smyczkowe, perkusyjne. Soliści, wykonawcy partii wokalnych, chór i inni uczestnicy spektaklu. Odmienne fragmenty spektaklu operowego łączą w jedną całość reżyser spektaklu i dyrygent orkiestry. Co więcej, ten ostatni aktywnie uczestniczy w akcji od początku do końca. W Rosji są dyrygenci, którzy swoją muzyką prowadzą operę po jedynej prawdziwej ścieżce, która prowadzi widza do prawdziwej sztuki.

Znani dyrygenci Rosji (lista):

Aleksandrow Aleksander Wasiliewicz.
Bashmet Jurij Abramowicz.
Borysowna.
Władimirowicz.
Broniwicki Aleksander Aleksandrowicz.
Wasilenko Siergiej Nikiforowicz.
Garanyan Georgy Abramowicz.
Gergiev Valery Abisalovich.
Gorenstein Mark Borisovich.
Aleksandrowicz.
Jewtuszenko Aleksiej Michajłowicz
Ermakowa Ludmiła Władimirowna
Kabalewski Dmitrij Borysowicz.
Kazhlaev Murad Magomedovich.
Kogan Paweł Leonidowicz.
Lundstrem Oleg Leonidovich
Mravinsky Jewgienij Aleksandrowicz.
Swietłanow Jewgienij Fiodorowicz.
Spiwakow Władimir Teodorowicz

Każdy znany rosyjski dyrygent może z powodzeniem prowadzić dowolną zagraniczną orkiestrę symfoniczną, do tego wystarczy kilka prób. Profesjonalizm muzyków pomaga przezwyciężyć zarówno różnicę stylów.

Światowe gwiazdy

Znani światowi dyrygenci to utalentowani muzycy uznani przez szeroką publiczność.

Pavel Kogan

Najsłynniejszy rosyjski dyrygent, który od ponad czterdziestu lat daje światu swoją sztukę. Jego popularność jest bezprecedensowa. Nazwisko mistrza znajduje się na liście dziesięciu największych współczesnych dyrygentów. Muzyk urodził się w rodzinie słynnych skrzypków Leonida Kogana i Elizavety Gilels. Od 1989 roku jest stałym dyrektorem artystycznym, a także głównym dyrygentem MGASO (Moskiewska Państwowa Orkiestra Symfoniczna). Jednocześnie reprezentuje Rosję w głównych ośrodkach muzycznych Ameryki.

Pavel Kogan występuje na całym świecie z najlepszymi orkiestrami symfonicznymi, jego sztuka uważana jest za niedoścignioną. Maestro jest Rosjaninem, nosi tytuł „Artysty Ludowego Rosji”. Pavel Kogan ma również wiele nagród, w tym Order Zasługi dla Ojczyzny i Order of the Arts.

Herbert von Karajan

Światowej sławy dyrygent austriackiego pochodzenia Herbert von Karajan (1908-1989) urodził się w rodzinie greckich imigrantów. W wieku ośmiu lat wstąpił do Konserwatorium Mozarteum w Salzburgu, gdzie przez 10 lat studiował i zdobył podstawowe umiejętności dyrygenckie. W tym samym czasie młody Karajan uczył się grać na pianinie.

Debiut miał miejsce w 1929 roku na Salburg Festival Theatre. Herbert dyrygował operą „Salome”. W okresie od 1929 do 1934 był naczelnym kapelmistrzem teatru w niemieckim mieście Ulm. Następnie Karajan stał przez długi czas przy stoisku dyrygenta Orkiestry Filharmonii Wiedeńskiej. Następnie wystąpił z operą Charlesa Gounoda „Noc Walpurgii”.

Najlepsza godzina dla dyrygenta nadeszła w 1938 roku, kiedy wystawiona przez niego opera Ryszarda Wagnera „Tristan i Izolda” odniosła ogromny sukces, po czym Herbert został nazwany „Cudem Karajanem”.

Leonard Bernstein

Amerykański dyrygent (1918-1990), urodzony w rodzinie żydowskich imigrantów. Edukację muzyczną Leonard rozpoczął jako dziecko, uczył się gry na pianinie. Chłopak jednak stopniowo zaangażował się w dyrygenturę i w 1939 roku zadebiutował – młody Bernstein wykonał z małą orkiestrą kompozycję własnej kompozycji „Ptaki”.

Dzięki wysokiemu profesjonalizmowi Leonard Bernstein szybko zyskał popularność i już w młodym wieku prowadził New York Philharmonic Orchestra. Będąc wszechstronną osobą kreatywną, dyrygent zajmował się literaturą. Napisał kilkanaście książek o muzyce.

Valery Gergiev

Słynny dyrygent Valery Abisalovich Gergiev urodził się 2 maja 1953 roku w Moskwie. W wieku dziewiętnastu lat wstąpił do Konserwatorium Leningradzkiego. Jako student brał udział w międzynarodowym konkursie dyrygenckim w Berlinie, gdzie zajął II miejsce.

Po ukończeniu konserwatorium w 1977 młody dyrygent został przyjęty jako asystent w Teatrze Kirowa. Valery Gergiev został jego mentorem i już w 1978 roku stał przy konsoli i grał operę Prokofiewa „Wojna i pokój”. W 1988 roku zastąpił Jurija Temirkanova po odejściu do Filharmonii Leningradzkiej.

Rok 1992 upłynął pod znakiem powrotu Teatrowi Kirowa pod historyczną nazwą „Teatr Maryjski”. Publiczność teatralna w Petersburgu, aby dostać się na spektakle operowe, jest nagrywana z wyprzedzeniem, z kilkumiesięcznym wyprzedzeniem. Dziś Valery Gergiev jest głównym dyrygentem teatru i jego dyrektorem artystycznym.

Jewgienij Swietłanow

Słynny dyrygent rosyjski i światowy Jewgienij Fiodorowicz Swietłanow (1928-2002) pozostawił wyraźny ślad w dziedzictwie kulturowym Rosji. Ma tytuły „Bohatera Pracy Socjalistycznej” i „Artysty Ludowego ZSRR”. Jest laureatem Nagrody Lenina i Nagrody Państwowej ZSRR.

Kariera twórcza Svetlanova rozpoczęła się natychmiast po ukończeniu Instytutu Gnessin w 1951 roku. Studia kontynuował w Konserwatorium Moskiewskim w klasie dyrygentury operowej i symfonicznej oraz kompozycji.

Debiut miał miejsce w 1954 roku na scenie Teatru Bolszoj w inscenizacji opery Rimskiego-Korsakowa Służąca z Pskowa. Od 1963 do 1965 był głównym dyrygentem Teatru Bolszoj. W trakcie jego pracy wyraźnie wzrósł poziom przedstawień operowych.

W latach 1965-2000 łączył pracę jako dyrektor artystyczny i główny dyrygent Państwowej Orkiestry Symfonicznej ZSRR (później Rosja).

Władimir Spiwakow

Rosyjski dyrygent Spivakov Vladimir Teodorovich urodził się w 1944 roku w mieście Ufa. W 1968 ukończył Konserwatorium Moskiewskie, w 1970 ukończył studia podyplomowe.

Mistrzostwo Vladimir Spivakov studiował w Konserwatorium Gorkiego pod kierunkiem profesora Israela Gusmana. Później odbył specjalny kurs w USA u Leonarda Bernsteina i Lorina Maazela.

Obecnie jest stałym liderem i dyrygentem kameralnej orkiestry symfonicznej Moscow Virtuosi, którą osobiście zorganizował w 1979 roku. Występował z europejskimi orkiestrami i amerykańskimi grupami muzycznymi. Dyrygowany w Teatrze La Scala, Akademii Cecylii, Filharmonii Niemieckiej Kolonii i Radiu Francuskim. Jest prezesem Międzynarodowego Domu Muzyki w Moskwie.

Jurij Bashmet

Rosyjski dyrygent Bashmet Juri Abramowicz urodził się 24 stycznia 1953 r. w Rostowie nad Donem. Artysta ludowy ZSRR. Laureat czterech Nagród Państwowych Federacji Rosyjskiej.

W 1976 ukończył Konserwatorium Moskiewskie. W 1972 roku jeszcze jako student zakupił altówkę włoskiego mistrza Paolo Testore wykonaną w 1758 roku. Bashmet do dziś gra na tym wyjątkowym instrumencie.

Aktywną działalność koncertową rozpoczął w 1976 roku, a dwa lata później objął stanowisko pedagoga w Konserwatorium Moskiewskim. W 1996 roku Yuri Bashmet stworzył „Experimental Viola Department”, w którym odbywa się badanie partii altówki w muzyce symfonicznej, operowej i kameralnej. Następnie otrzymał tytuł profesora w Konserwatorium Moskiewskim. Obecnie zaangażowany w aktywną działalność charytatywną i społeczną.

G. Lomakin(1811-1885). Sława utalentowanego nauczyciela śpiewu dotarła do Lomakina wcześnie i szybko rozprzestrzeniła się po całej północnej stolicy. Został zaproszony do nauczania w wielu instytucjach edukacyjnych: korpusie kadetów, marynarki wojennej i paź, liceum, szkole teatralnej, szkole prawniczej (gdzie studiował w tym czasie P.I. Czajkowski). W tej szkole spotkał się G.Ya. Lomakin z krytykiem sztuki V.V. Stasow. Wybitny rosyjski krytyk wielokrotnie zwracał uwagę na „doskonałą szkołę”, „właściwą ścieżkę nauki”, „wrodzony talent”, „znaczenie i umiejętność prowadzenia chóru”, które odegrały znaczącą rolę w karierze naszego rodaka. W 1862 roku razem ze słynnym kompozytorem M.A. Balakirev, Lomakin zorganizował darmową szkołę muzyczną - aby oświecić i edukować ludzi. W szkole G.Ya. Lomakin nie tylko stworzył wspaniały nowy chór, ale także zdołał zorganizować kształcenie przyszłych nauczycieli muzyki. Wielu jego uczniów stało się znanymi muzykami: śpiewakami, dyrygentami chórów, nauczycielami. Gavriil Yakimovich ostatnie lata życia poświęcił pracy kompozytorskiej: wcześniej komponował muzykę tylko z przerwami, w krótkich godzinach przerw między zajęciami z chórami. W tym okresie stworzył szereg kompozycji na chór, napisał kilka romansów. A w 1883 roku, kiedy mgr inż. Balakirev, Lomakin również otrzymał rzadką okazję do opublikowania swoich prac. Poświęcił ostatnie dni swojego życia na ich weryfikację i redagowanie arkuszy próbnych.

A. Archangielski (1846-1924)

Kaplica dworska.

Chór Niezależny (1880).

Kaplica hrabiego Szeremietiewa.

CV Smoleński (1848-1909)

Dyrektor Szkoły Synodalnej (1889-1901).

Dyrektor chóru dworskiego (1901-1903).

Dyrektor prywatnych kursów regencyjnych (St. Petersburg)

VS. Orłow (1856-1907).

Chór Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1878-1886).

Kaplica Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1882-1888).

Regent Chóru Synodalnego (1886-1907).

Aleksander Dmitriewicz Kastalski (1856-1926).

Chór synodalny (regent od 1901).

Paweł Grigoriewicz Czesnokow (1877-1944).

Prywatny chór duchowy A.P. Kajutowa.

Chór Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1916-1917).

Regent kościołów moskiewskich.

Nikołaj Michajłowicz Danilin (1856-1945).

Chór synodalny (1910-1918).

Prywatny chór Kayutov (1915-1917).

Leningradzka Kaplica Akademicka.

Chór Państwowy ZSRR.

Swiesznikow Aleksander Wasiliewicz(1890-1980), dyrygent chóru, Artysta Ludowy ZSRR (1956), Bohater Pracy Socjalistycznej (1970). W latach 1936-37 był kierownikiem artystycznym Państwowego Chóru ZSRR, zorganizowanego na bazie utworzonego przez niego w 1928 Ogólnounijnego Radiowego Zespołu Wokalnego; w latach 1937-1941 - Leningrad. kaplice; od 1941 r. - Państwowy Rosyjski Chór Pieśni (później Państwowy Akademicki Chór Rosji ZSRR). Organizator (1944) i dyrektor Moskwy. szkoła chóralna (od 1991 Akademia Sztuki Chóralnej im. S.). Profesor (od 1946), rektor (1948-74) Moskwa. konserwatorium. Nagroda Państwowa ZSRR (1946).

JURLOW Aleksander Aleksandrowicz (1927-73), dyrygent chóralny, Artysta Ludowy RSFSR (1970), Azerbejdżan. SRR (1972). Uczeń A.V. Swiesznikow. Od 1958 dyrektor artystyczny i główny dyrygent Rep. Rosyjski kaplica chóru (od 1973 nazwana jego imieniem). Profesor Pedagogiki Muzycznej. instytut. Gnezyny (od 1970). Nagroda Państwowa ZSRR (1967).

Tevlin Boris Grigoryevich dyrygent chóralny, profesor (1981), kierownik katedry dyrygentury chóralnej w Konserwatorium Moskiewskim im. P. I. Czajkowskiego (1993-2007). Artysta Ludowy Federacji Rosyjskiej (1995).

Kazaczkow Siemion Abramowicz (1909-2005) - pedagog, profesor, kierownik wydziału dyrygentury chóralnej w Państwowym Konserwatorium Kazańskim.

Mini Władimir Nikołajewicz (ur. 1929), dyrygent chóru, Artysta Ludowy ZSRR (1988). Uczeń V.G. Sokolova, A.V. Swiesznikow. Od 1972 ręce. założona przez niego Moskwa. chór kameralny, od 1987 roku (w tym samym czasie) dyrektor artystyczny Państwa. Rosyjski chór. Od 1978 profesor (w latach 1971-79 rektor) Musical-ped. instytut. Gnezyny. Nagroda Państwowa ZSRR (1982).

Dmitriak Giennadij Aleksandrowicz - dyrygent chóralny, operowy i symfoniczny, Czczony Artysta Rosji, dyrektor artystyczny i główny dyrygent Państwowego Chóru Akademickiego Rosji im. A.A. Jurłow i Capella „Kreml moskiewski”, docent Wydziału Dyrygentury Chóralnej Rosyjskiej Akademii Muzycznej. Gnesinik.

Wymagania dla dyrygenta chóru

Doskonała znajomość techniki dyrygenckiej;

Umiejętność prawidłowego rozmieszczenia członków chóru w partiach zgodnie z ich głosem i zakresem śpiewu;

Z łatwością poruszaj się po całej gamie utworów muzycznych różnych stylów, epok, kierunków, poznaj teoretyczne podstawy nagrywania i czytania partytur chóralnych;

Miej dobre ucho do muzyki, wyczucie rytmu i rozwinięty gust artystyczny.

Gatunki muzyki chóralnej

VILLANELLA(włoska pieśń wiejska) – pieśń włoska XV-XVI w., głównie 3-głosowa, z par al. ruch głosów, żywy charakter, treść liryczna lub humorystyczna.

KANON(norma grecka, zasada) - polifoniczna. musical. na podstawie formularza. na ścisłej ciągłej, imitacji, pod którą. głosy powtarzają melodię głosu wiodącego, wchodząc przed jego zakończeniem z poprzednim. Kanon wyróżnia liczba głosów, odstępy między nimi (kanon w prima, kwincie, oktawie itp.), liczba tematów naśladowanych jednocześnie (kanon prosty; podwójny, na przykład w nr 4 Requiem Mozarta, itd.), forma imitacji (kanon wzrasta, maleje). W tak zwanym kanonie nieskończonym koniec melodii przechodzi w jej początek, więc głosy mogą wchodzić wielokrotnie. W kanonie ze „wskaźnikiem zmiennym” (Vl. Protopopov) podczas imitacji zachowany jest wzór melodyczny i rytm, ale zmienia się interwał. Imitacja kanoniczna, w takiej czy innej formie, jest często używana w chórze. op.; są sztuki napisane w formie K. („Echo” O. Lasso, „Pieśń skowronka” F. Mendelssohna, arr. N.A. Rimsky-Korsakov „Chodzę z mokasynem” itp.).

KANT(od lat, cantus - śpiew, pieśń) - rodzaj starej pieśni chóralnej lub zespołowej czapka. Powstał w XVI wieku. w Polsce, później - na Ukrainie, od 2 płci. XVII wiek - w Rosji, rozpowszechniony jako wczesny rodzaj pieśni miejskiej; do początku XVIII wiek - ulubiony gatunek muzyki domowej, codziennej. Początkowo pieśń jest hymnem-pieśnią o treści religijnej, później przesycona jest motywami świeckimi; pojawiają się krawędzie. liryczne, duszpasterskie, pijackie, komiczne, marszowe itp. W epoce Piotra Wielkiego kanty panegiryczne, tzw. wiwat; w wykonaniu chórów śpiewaków podczas uroczystości i procesji triumfalnych, przy akompaniamencie ognia armatniego, fanfar i bicia dzwonów. Cechy stylu Kanta: forma kupletowa, podporządkowanie rytmu muzycznego poetyce; klarowność rytmiczna i gładkość melodii; głównie 3-głosowa hurtownia z równoległym ruchem 2 wyższych głosów, bas jest często rozwijany melodycznie; jest też imitacja. W kancie występuje naturalna korelacja melodii i harmonii, równowaga funkcji harmonicznych - subdominanty, dominanty, toniki. B. Asafjew zwraca uwagę, że „w ewolucji muzyki w drugiej połowie XVIII i na początku XIX wieku. Kant staje się rodzajem krótkiej encyklopedii triumfującego stylu homofonicznego” („Forma muzyczna jako proces”, L., 1963, s. 288). Kanty były rozpowszechniane w zbiorach rękopiśmiennych, bez wskazywania autorów tekstu i muzyki, chociaż często używano wierszy współczesnych poetów Trediakowskiego, Łomonosowa, Sumarokowa i innych. nar. piosenki. Stopniowo obrzeże stawało się bardziej skomplikowane, nabierając cech romansu. Później (w XIX w.) na podstawie kantu powstawały pieśni żołnierskie, pijackie, studenckie, a częściowo rewolucyjne. Wpływ Kanta odnajdujemy także w języku rosyjskim. muzyka klasyczna, Glinki („Chwała” z opery „Iwan Susanin”) itp.

KANTATA(włoski cantare - śpiewać) - utwór na śpiewaków-solistów, chór i orkiestrę, o charakterze uroczystym lub liryczno-epickim. Kantaty mogą być chóralne (bez solistów), kameralne (bez chóru), z towarzyszeniem fortepianu lub bez, jednoczęściowe lub składać się z kilku pełnych numerów. Od oratorium (podobnego do niego pod względem środków wyrazu) kantata różni się zwykle mniejszym rozmiarem, jednolitością treści i mniej rozwiniętą fabułą. Kantata powstała we Włoszech (XVII w.), początkowo jako utwór do śpiewu (w przeciwieństwie do sonaty). Oznacza to, że kantata zajmuje swoje miejsce w twórczości J.S. Bacha, który pisał kantaty o tematyce duchowej, mitologicznej i codziennej. W Rosji kantata pojawiła się w XVIII wieku, a swój rozwój osiągnęła w XIX i XX wieku: solowa kantata teatralna („Czarny szal” Wierstowskiego), pozdrowienia, rocznice, liryczne, liryczno-filozoficzne kantaty („Pieśni pożegnalne”). uczniów instytutów Katarzyny i Smolnego” Glinki ; „Moskwa”, „Do radości” Czajkowskiego; „Świtezianka” Rimskiego-Korsakowa; „Jan z Damaszku”, „Po przeczytaniu Psalmu” Tanejewa; „Wiosna ", "Dzwony" Rachmaninowa; "Kantata na otwarcie pomnika Glinki" Bałakiriewa itp. d.).

Gatunek kantaty rozwinął się w twórczości kompozytorów radzieckich, zwłaszcza w utworach o tematyce historycznej, patriotycznej i współczesnej (Aleksander Newski Prokofiewa, Symfonia-kantata „Na polu Kulikowym” Szaporina, „Kantata o ojczyźnie” Arutyuniana, itp.). Współczesny niemiecki kompozytor K. Orff napisał kantaty sceniczne (Carmina Burana i inne).

MADRYGAŁ(włoski) - pieśń liryczna w języku ojczystym. (w przeciwieństwie do pieśni w łac.), pierwotnie monofoniczny. We wczesnym renesansie (XIV w.) wykonywany był w 2-3 głosach. W epoce późnego renesansu (XVI w.) zajmował centrum, miejsce w muzyce świeckiej, reprezentując jedno- lub wieloczęściową kompozycję wokalną magazynu polifonicznego na 4-5 głosów; był dystrybuowany poza Włochami. Gatunek madrygałów jest przeważnie liryczny, ściśle związany z tekstem poetyckim (aż do ilustracji pojedynczych słów). Tworzący się w kręgach arystokratycznych madrygał melodyczny (w przeciwieństwie do frotolli, villanelli, chanson itp.) daleki jest od muzyki ludowej, często zbyt wyrafinowanej; jednocześnie miała też znaczenie progresywne, poszerzające zakres obrazów i środków wyrazu. Prostszy, kojarzony z folklorem, emocjonalny madrygał angielski z XVI-XVII wieku. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). Do XVII wieku madrygał odchodzi od stylu wokalno-polifonicznego, podkreślając głos solowy z akompaniamentem instrumentalnym. Wybitnymi mistrzami madrygału (na różnych etapach jego rozwoju) byli Arkadelt, Villart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi.

MOTET(z francuskiego mot - słowo) - gatunek wokalny. polifoniczny. muzyka. Początkowo we Francji (12-14 w.) kilka łączono w motecie. (najczęściej 3) samodzielne melodie z różnymi tekstami: w głosie niższym (tenor) - cerkiew. chorał w tekście łacińskim, w środku (motet) i górnym (triplum) - pieśni miłosne lub komiczne w potocznym francuskim. Kościół katolicki zwalczał takie „wulgarne motety”, przeciwstawiając je (z XV w.) polifonicznymi hymnami jednemu tekstowi łacińskiemu. Madrygały zostały napisane dla chóru w postaci czapki. (z końca XVI w. iz akompaniamentem), składał się z kilku (2, 3 lub więcej) odcinków, w formie polifonicznej, często w składzie akordowym. W XVII wieku były motety dla śpiewaków solowych z towarzyszeniem instrumentalnym.

CHÓR OPEROWY- jeden z głównych elementów współczesnego spektaklu operowego. W związku z epoką, gatunkiem, indywidualnością kompozytora chór w operze pełni inną rolę niż tworzenie rodzimego tła, elementu zdobniczego, uczestnika prologu, przerywników do ch. osoba działająca. W operze seria („opera poważna”, XVII–XVIII w.) chór był prawie nieobecny, w operze buffa („opera komiczna”, XVIII w.) pojawiał się sporadycznie (np. w finale). Wzmocniona została rola chóru jako nośnika wizerunku ludu w operach Glucka i Cherubiniego, choć często jest to chór. sceny w nich mają charakter oratoryjno-statyczny. Większe znaczenie dramatyczne przypisywano chórowi w operach zachodnioeuropejskich pierwszej tercji XIX w. Rossiniego (William Tell), Verdiego (Nabucco, Bitwa pod Legnano), z ich wizerunkami bohaterskiego ludu; w operze Meyerbeera udział chóru podkreśla dramatyczne kulminacje, w lirycznej operze XIX wieku. chór przyczynia się do stworzenia odpowiedniej atmosfery, barwy narodowej, nastroju (op. Bizet, Verdi, Gounod); w operze ludowo-domowej chóry mają charakter rodzajowy, bliski ludowej pieśni, tańcowi (op. Moniuszko, Smetana). Rus. świecką sztukę chóralną najpierw reprezentowały chóry operowe (XVIII w., op. Fomin, Paszkiewicz i in.); aw przyszłości chóry zajmują duże miejsce w języku rosyjskim. opery, będące „podstawowym dogmatem i afirmacją narodowości i demokracji” (B. Asafiev). Twórczość operowa i chóralna Rus. kompozytorów jest wyjątkowo różnorodna.

W operach historyczno-patriotycznych (Iwan Susanin Glinki, Książę Igor Borodina, Służąca z Pskowa Rimskiego-Korsakowa itp.) bohaterem staje się chór wraz z bohaterami. Zwłaszcza (chór nabrał wielkiego znaczenia w ludowych dramatach muzycznych Musorgskiego („Borys Godunow”, „Chowanszczina”), gdzie obraz ludu jest prezentowany na wiele sposobów, w rozwoju. W rosyjskich operach codziennych Wierstowskiego („Grób Askolda”). "), Dargomyzhsky ("Syrena") , Serov ("The Enemy Force"), Czajkowski ("Czerewiczki", "Czarodziejka") itp. istnieje ścisły związek z pieśnią ludową. Oryginalność narodowa znajduje odzwierciedlenie w chórze sceny z oper nawiązujących do tematyki orientalnej ("Rusłan i Ludmiła" Glinki, "Demon" Rubinsteina, "Książę Igor" Borodina itp.). W przedstawieniu baśniowych, fantastycznych wątków używa się środków chóralnych (op. Glinka , Wierstowski, Rimski-Korsakow).Chór jest również używany w oratorium, zwykle w prologu, epilogu (opera Glinka, Sierow, Rubinstein, Borodin itp., wykonując hymny itp. (Dziewczyna z Orleanu Czajkowskiego, Chovanshchina Musorgskiego, itd.) Tradycje aktywnego udziału chóru w rosyjskiej operze klasycznej są kontynuowane w sowieckiej twórczości muzycznej: około pióra rosyjskich kompozytorów radzieckich „Wojna i pokój”, „Siemion Kotko” Prokofiewa, „Dekabryści” Szaporina, „Katerina Izmaiłowa” Szostakowicza, „Emelyan Pugaczow” Kovala, „Cichy płynie don” i „Dziewica ziemia odwrócona” Dzierżyńskiego, „Październik” Muradeli, „Wirineya” Słonimskiego i innych, wiele oper narodowych zawiera oddzielne chóry i rozwinięte sceny chóralne. Chór operowy ma swoją specyfikę wykonawczą: to przede wszystkim wielka jasność, wybrzuszenie niuansów (podobnie jak w dekoracyjnym projekcie), nacisk na tekst, jego umiejętność „wlatywania przez orkiestrę” do audytorium. Ponieważ chór operowy jest często w ruchu, konieczne jest szczególne zaufanie i niezależność każdego z jego członków. Aby rozwinąć te cechy, w niektórych grupach śpiewacy uczą się wyczucia czasu podczas studiowania swoich partii. Obecność mise-en-scens, w których chór nie widzi dyrygenta, wymusza tzw. audycje (tempo dyrygenta) prowadzone zza kulis przez chórmistrzów; jednocześnie, aby osiągnąć synchronizację wykonania, wprowadza się pewne prowadzenie do „punktów” dyrygenta (mniej lub bardziej, w zależności od głębokości chóru).

ORATORIUM(od lat, wow - mówię, modlę się) - duży utwór muzyczny dla chóru, solistów, orków.; komp. od zespołów wokalnych, arii, recytatywów, ukończonych numerów orkiestrowych. Oratorium powstało we Włoszech, na przełomie XVI-XVII wieku, niemal równocześnie z kantatą i operą i jest im zbliżone strukturą. Różni się od kantaty większym rozmiarem, szczegółową fabułą, epicko-dramatycznym charakterem, a od opery przewagą elementu narracyjnego nad dramatycznym przetworzeniem. Oratorium rozwinęło się z udramatyzowanych jutrzni (pieśni laudacyjnych duchowych) wykonywanych w specjalnych salach kościoła - oratoriach. Szczególnym rodzajem oratorium jest Pasja; pod względem struktury i typu oratorium obejmuje także mszę, requiem, Stabat Mater itp. Gatunek oratorium osiąga szczyt w twórczości Bacha, a zwłaszcza Haendla, który stworzył typ oratorium heroiczno-epickiego; Oratoria Haydna odznaczają się cechami gatunkowo-domowymi i liryczno-filozoficznymi. W 19-stym wieku szturchać. Gatunek oratoryjny został stworzony przez Mendelssohna, Schumanna, Berlioza, Brahmsa, Dworzaka, Liszta, Verdiego i innych w XX wieku. - Honegger, Britten i inni Pierwszy oznacza rosyjskie oratorium „Minin i Pożarski” Degtyareva; szereg oratoriów stworzył A. Rubinstein („pandemonium babilońskie”, „raj utracony” itp.). W operach rosyjskiej klasyki szeroko stosowane są techniki oratoryjne w postaci dużych scen chóralnych (Iwan Susanin, Rusłan i Ludmiła Glinki, Judyta Sierowa, Książę Igor Borodina, Sadko Rimskiego-Korsakowa itp.). Gatunek oratorium jest szeroko stosowany przez kompozytorów sowieckich, ucieleśniając wątki historyczne i współczesne („Emelyan Pugachev” Kovala, „Legenda bitwy o ziemię rosyjską” Shaporina, „Pieśń lasów” Szostakowicza, „Na straży” dla pokoju” Prokofiewa, „Requiem” Kabalewskiego, „Mahoń” Zarina i inni).

UTWÓR MUZYCZNY- najprostsza i najczęstsza forma muzyki wokalnej, łącząca obraz poetycki z muzycznym. Charakterystyczne dla utworu jest obecność kompletnej, samodzielnej, melodyjnej melodii, prostota konstrukcji (najczęściej okres lub forma 2-, 3-częściowa). Muzyka pieśni odpowiada ogólnej treści tekstu, bez uszczegóławiania jej (na przykład w bardzo popularnej piosence dwuwierszowej). Istnieją pieśni ludowe i profesjonalne (produkowane przez kompozytorów) różniące się gatunkiem, pochodzeniem, strukturą itp. Gatunek pieśni chóralnej jest powszechny: pieśń ludowa (chłopska i miejska), sowiecka pieśń masowa itp. chóry kompozytorów rosyjskich i radzieckich. W muzyce zachodnioeuropejskiej pieśń chóralną kultywowali kompozytorzy romantyczni (Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms). W przenośni termin pieśń. lub pieśń (dla podkreślenia epickiej, uroczystej, poetyckiej wzniosłości dzieła) używane są w tytule najważniejszych dzieł muzycznych, kantat (np. Pieśń o losie Brahmsa, Pieśń triumfu).

CHÓRALNY- śpiew religijny w kościołach katolickich i protestanckich. Protestancki chorał polifoniczny (wprowadzony w XVI w. przez przywódców reformacji) był śpiewany przez całą społeczność po niemiecku (w przeciwieństwie do chorału gregoriańskiego unisono, który śpiewali po łacinie specjalnie śpiewacy mężczyźni). Melodie chorału wyróżniają siedzący rytm. Magazyn chóralny (lub po prostu chorał) jest zwykle nazywany. prezentacja akordów przez jednolite czasy trwania w zwolnionym tempie.

10 grudnia 2014

Kultura muzyczna nie może istnieć bez dyrygentów, przemysł filmowy bez reżyserów, przemysł literacki i wydawniczy bez redaktorów, projekty modowe bez projektantów. Lider orkiestry zapewnia organiczną interakcję wszystkich instrumentów podczas występu. Dyrygent jest główną postacią na scenie Filharmonii, sali koncertowej czy innej sali koncertowej.

Wirtuozi

samopoświęcenie

Najsłynniejsi dyrygenci są związani umowami z określonymi zespołami muzycznymi, co daje im możliwość osiągnięcia wysokiego poziomu wykonania utworów muzycznych. Jednocześnie konieczne jest wzajemne zrozumienie, które następnie posłuży jako gwarancja udanej działalności koncertowej.

Znani dyrygenci operowi

Znani dyrygenci Rosji

Znani dyrygenci Rosji (lista):

Aleksandrow Aleksander Wasiliewicz.
Bashmet Jurij Abramowicz.
Bezrodnaja Swietłana Borysowna.
Bogosłowski Nikita Władimirowicz.
Broniwicki Aleksander Aleksandrowicz.
Wasilenko Siergiej Nikiforowicz.
Garanyan Georgy Abramowicz.
Gergiev Valery Abisalovich.
Gorenstein Mark Borisovich.
Diagilew Siergiej Aleksandrowicz.
Jewtuszenko Aleksiej Michajłowicz
Ermakowa Ludmiła Władimirowna
Kabalewski Dmitrij Borysowicz.
Kazhlaev Murad Magomedovich.
Kogan Paweł Leonidowicz.
Lundstrem Oleg Leonidovich
Mravinsky Jewgienij Aleksandrowicz.
Swietłanow Jewgienij Fiodorowicz.
Spiwakow Władimir Teodorowicz

Światowe gwiazdy

Znani światowi dyrygenci to utalentowani muzycy uznani przez szeroką publiczność.

Pavel Kogan

Pavel Kogan występuje na całym świecie z najlepszymi orkiestrami symfonicznymi, jego sztuka uważana jest za niedoścignioną. Maestro jest laureatem Nagrody Państwowej Rosji, ma tytuł "Artysty Ludowego Rosji". Pavel Kogan ma również wiele nagród, w tym Order Zasługi dla Ojczyzny i Order of the Arts.

Herbert von Karajan

Debiut miał miejsce w 1929 roku na Salburg Festival Theatre. Herbert dyrygował operą Salome Richarda Straussa. W okresie od 1929 do 1934 był naczelnym kapelmistrzem teatru w niemieckim mieście Ulm. Następnie Karajan stał przez długi czas przy stoisku dyrygenta Orkiestry Filharmonii Wiedeńskiej. Następnie wystąpił z operą Charlesa Gounoda „Noc Walpurgii”.

Leonard Bernstein

Amerykański dyrygent Leonard Bernstein (1918-1990), urodzony w rodzinie żydowskich imigrantów. Edukację muzyczną Leonard rozpoczął jako dziecko, uczył się gry na pianinie. Chłopak jednak stopniowo zaangażował się w dyrygenturę i w 1939 roku zadebiutował – młody Bernstein wykonał z małą orkiestrą kompozycję własnej kompozycji „Ptaki”.

Valery Gergiev

Po ukończeniu konserwatorium w 1977 młody dyrygent został przyjęty jako asystent w Teatrze Kirowa. Jego mentorem został Jurij Temirkanow, a już w 1978 roku na podium stanął Walerij Gergiew, grając operę Wojna i pokój Prokofiewa. W 1988 roku zastąpił Jurija Temirkanova po odejściu do Filharmonii Leningradzkiej.

Jewgienij Swietłanow

W latach 1965-2000 łączył pracę jako dyrektor artystyczny i główny dyrygent Państwowej Orkiestry Symfonicznej ZSRR (później Rosja).

Władimir Spiwakow

Rosyjski dyrygent Spivakov Vladimir Teodorovich urodził się w 1944 roku w mieście Ufa. W 1968 ukończył Konserwatorium Moskiewskie, w 1970 ukończył studia podyplomowe.

Mistrzostwo Vladimir Spivakov studiował w Konserwatorium Gorkiego pod kierunkiem profesora Israela Gusmana. Później odbył specjalny kurs w USA u Leonarda Bernsteina i Lorina Maazela.

Jurij Bashmet

Rosyjski dyrygent Bashmet Juri Abramowicz urodził się 24 stycznia 1953 r. w Rostowie nad Donem. Artysta ludowy ZSRR. Laureat czterech Nagród Państwowych Federacji Rosyjskiej.

Publikacje sekcji muzycznej

Falą ręki

Walerij Gergiew. Zdjęcie: Michał Dolezal / TASS

Top-5 rosyjskich dyrygentów.

Valery Gergiev

Zespół autorytatywnego magazynu o muzyce klasycznej postanowił kiedyś dowiedzieć się, kiedy śpi Maestro Gergiev. Porównaliśmy rozkłady wycieczek, prób, lotów, konferencji prasowych i przyjęć galowych. I okazało się: nigdy. Okazuje się, że on też nie je, nie pije, nie widzi swojej rodziny i oczywiście nie odpoczywa. Cóż, w zdolności do pracy - klucz do sukcesu. To jedyny sposób, aby stać się jednym z najbardziej poszukiwanych i najpopularniejszych dyrygentów na świecie - takim jak Valery Gergiev.

W wieku 7 lat Valera została zabrana przez rodziców do szkoły muzycznej. Chłopiec wyglądał na bardzo zaabsorbowanego i cały czas wyglądał przez okno. Mimo to był odciągnięty od futbolu, a tam nasza przegrywa! Po wysłuchaniu nauczyciel zwrócił się do matki: „Wydaje mi się, że nie ma słuchu. Może stanie się Pele ... ”Ale nie możesz oszukać serca matki. Zawsze wiedziała, że jej Valera jest geniuszem i upewniła się, że został przyjęty do szkoły muzycznej. Miesiąc później nauczyciel cofnął jego słowa. Triumfem młodego muzyka, który wyjechał z Władykaukazu do Leningradu, do konserwatorium, było zwycięstwo na Konkursie Herberta von Karajana - najbardziej prestiżowym ze wszystkich. Od tego czasu Gergiev zna wartość zwycięstw - i, jak potrafi, opiekuje się młodymi i utalentowanymi muzykami, którzy są w pobliżu.

W wieku 35 lat jest dyrektorem artystycznym Teatru Maryjskiego! Nie do pomyślenia: ogromny kolos z dwoma zespołami – operą i baletem – oraz znakomitą orkiestrą symfoniczną, odziedziczoną po Juriju Temirkanowie, jest do Państwa dyspozycji. I możesz odtwarzać dowolną muzykę. Nawet Wagner, tak bardzo kochany przez Gergieva. Valery Abisalovich wystawi w swoim teatrze Der Ring des Nibelungen - wszystkie cztery opery wystawione przez cztery noce z rzędu. Dziś może to zrobić tylko Teatr Maryjski.

Ale cicha rywalizacja z Moskwą nadal trwa. Zbudowano nową scenę dla Bolszoj, zamkniętą z powodu odbudowy - a Gergiev buduje nową salę koncertową w Petersburgu, bez ani jednego grosza państwowego (Mariinsky-3), a następnie - luksusową Nową Scenę Maryjskiego-2.

Gergiev podbił Moskwę poważnie i przez długi czas na początku 2000 roku, kiedy założył tutaj Wielkanocny Festiwal i oczywiście nim kierował. Co wydarzyło się w stolicy w Niedzielę Wielkanocną! Bolshaya Nikitskaya została zablokowana przez policję, w drodze do Wielkiej Sali Konserwatorium były solidne twarze mediów, nie tylko poprosili o dodatkowy bilet - wyciągnęli go z rąk za jakiekolwiek pieniądze. Moskwianie tak bardzo tęsknili za dobrymi orkiestrami, że byli gotowi modlić się za Gergiewa, który wraz ze swoją orkiestrą zapewniał im nie tylko jakość - czasem zdarzały się rewelacje. I tak generalnie trwa do dziś. Dopiero teraz to już nie kilka koncertów, jak w 2001 roku, ale 150 – w całej Rosji, a nawet poza jej granicami. Duzy człowiek!

Władimir Spiwakow. Zdjęcie: Sergey Fadeichev / TASS

Władimir Spiwakow

Profesor Yankelevich podarował utalentowanemu uczniowi Centralnej Szkoły Muzycznej Wołodii Spiwakowowi te same skrzypce, na których miał rozpocząć karierę muzyczną. Narzędzie weneckiego mistrza Gobettiego. Miała „zawał serca” – drewnianą wkładkę na piersi, a lutnicy uważali, że w rzeczywistości to nie powinno brzmieć. Ale nie ze Spivakovem. „Vovochka, dobrze jest sprzedawać z tobą skrzypce: każda patelnia zaczyna brzmieć za trzy minuty”, powiedział mu kiedyś stary lutnik. Znacznie później, dzięki staraniom swojej żony Sati, Władimir Teodorowicz będzie miał upragnionego Stradivariusa. Skrzypek Vladimir Spivakov podbił świat z Gobetti: wygrał kilka prestiżowych konkursów i zwiedził wszystkie najlepsze etapy planety w trasie, nie gardząc jednak zapleczem, w tym rosyjskim - tam też czekała publiczność.

Genialny skrzypek podbił cały świat. Ale w połowie lat 70., u szczytu kariery, zaczął studiować zawód dyrygenta. Starszy w szkole dyrygenckiej, Lorin Maazel, zapytał, czy postradał zmysły. Po co mu to, skoro gra tak bosko. Ale Spivakov był nieugięty. Jego wielki nauczyciel Leonard Bernstein był tak urzeczony wytrwałością i talentem ucznia, że dał mu pałeczkę dyrygencką. Ale jedną rzeczą jest nauczyć się dyrygowania, inną rzeczą jest znalezienie do tego zespołu. Spivakov go nie szukał, stworzył go: wiosną 1979 roku pojawiła się orkiestra kameralna Moscow Virtuosos. Orkiestra szybko stała się sławna, ale przed oficjalnym uznaniem muzycy musieli ćwiczyć w nocy - w palaczach, ZhEKs, w klubie Akademii Wojskowej Frunze. Według samego Spivakova w Tomsku orkiestra dała trzy koncerty tego samego dnia: o piątej, siódmej i dziewiątej. A słuchacze przynieśli muzykom jedzenie - ziemniaki, paszteciki, pierogi.

Droga do Wielkiej Sali Konserwatorium dla moskiewskich wirtuozów była krótkotrwała: nie wystarczy powiedzieć, że orkiestra była popularna, nadają się tu tylko superlatywy. Wzorem swojego festiwalu we francuskim Colmar zorganizował festiwal w Moskwie, gdzie zaprasza światowe gwiazdy. Obok sił twórczych pojawiła się kolejna linia – charytatywna, Fundacja Spivakov umie wyszukiwać i wspierać talenty, a stypendyści konkurują tylko ze sobą (jednym z pierwszych był Evgeny Kisin).

W 2000 roku Władimir Teodorowicz stworzył kolejną grupę - Orkiestrę Filharmonii Narodowej Rosji. Ma siedzibę w Moskiewskim Międzynarodowym Domu Muzyki, którego prezesem jest Vladimir Spivakov.

Jurij Bashmet. Zdjęcie: Valentin Baranovsky / TASS

Jurij Bashmet

Oto człowiek ze szczęśliwym losem. On, podobnie jak Jurij Gagarin, jest pierwszy. Oczywiście nie wozi się go limuzyną z otwartym dachem ulicami naszej stolicy i wszystkich innych stolic świata, nie nazywa się go po ulicach i placach. Jednak... Szkoły muzyczne noszą jego imię, a entuzjastyczni fani na całym świecie złożyli u jego stóp prawdopodobnie milion szkarłatnych róż - a nawet więcej.

Czy wiedział, przenosząc się ze skrzypiec na altówkę we Lwowskiej Centralnej Szkole Muzycznej, że ten instrument, który dotąd uważany był za bezpretensjonalny, będzie gloryfikować? A za wszystko winni są Beatlesi. Można powiedzieć, że dali światu zarówno altówkę, jak i Bashmet. Jak każdy nastolatek dał się ponieść emocjom – tak bardzo, że stworzył własną grupę i potajemnie występował na wakacjach z rodzicami. A potem nie wiedział, jak się przyznać, że miał ukrytą paczkę banknotów o dużych nominałach, podczas gdy moja mama wydała jeden na miesiąc.

Po Lwowskiej Centralnej Szkole Muzycznej wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, poszedł na pierwszy zagraniczny konkurs - od razu zagrał na prestiżowej ARD w Monachium (a innych nie było na altówce) i wygrał! Myślisz, że jego kariera zaczęła się tutaj? Po prostu nie w domu. W Wielkiej Sali Konserwatorium grał solo, gdy jego altówka zabrzmiała już w Nowym Jorku, Tokio i na scenach europejskich. W Moskwie obserwowali podporządkowanie: „Jak możemy dać ci salę, skoro mamy w naszej kadrze szanowanych i popularnych ludzi?” (Nie miało znaczenia, że byli członkami orkiestry).

Nie chcesz wydawać z programami solo? Stworzę orkiestrę. Fani i fani podróżowali po całej Rosji dla moskiewskich solistów, była to jedna z najlepszych orkiestr kameralnych w ZSRR. A potem – dźwięk altówki usłyszeli kompozytorzy, którzy szczęśliwym trafem (XX wiek!) szukali nowych środków wyrazu. Stworzyli idola dla siebie i publiczności, zaczęli pisać nowe i nowe opusy na altówkę. Dziś poświęcono mu dziesiątki utworów, a pasja kompozytora nie ustaje: każdy chce pisać dla Bashmet.

Jurij Bashmet kieruje dziś dwiema orkiestrami („Moskiewskie solistki” i „Nowa Rosja”), kieruje kilkoma festiwalami (najsłynniejszym z nich jest Zimowy Festiwal w Soczi), dużo czasu poświęca pracy z dziećmi: organizuje kursy mistrzowskie i współpracuje z młodzieżową orkiestrą symfoniczną, gdzie grają oczywiście najlepsi z najlepszych.

Jurij Temirkanow. Zdjęcie: Alexander Kurov / TASS

Jurij Temirkanow

Czy Siergiej Prokofiew domyślił się, że mały chłopiec, syn szefa Komitetu Sztuki Kabardyno-Bałkarii (podczas ewakuacji opiekował się moskiewskim muzycznym „zrzutem”), zostanie jednym z najlepszych dyrygentów w świat? A poza tym namiętny wielbiciel muzyki samego Prokofiewa: ze względu na Jurija Temirkanowa nie tylko wykonanie słynnych partytur kompozytora, ale także odrodzenie zapomnianych. Jego interpretacje symfonii Szostakowicza czy oper Czajkowskiego uważane są za standard, są nimi kierowane. Jego orkiestra - o długiej nazwie, która w mowie potocznej zamieniła się w "Zasługę" (od zasłużonego zespołu Rosji - Akademickiej Orkiestry Symfonicznej Filharmonii Petersburskiej im. D. D. Szostakowicza) - weszła do rankingu najlepszych orkiestr w świat.

W wieku 13 lat Temirkanov przybył do Leningradu i związał swój los z tym miastem. Centralna Szkoła Muzyczna przy konserwatorium, samo konserwatorium, najpierw wydział orkiestrowy, potem wydział dyrygencki z legendarnym Ilyą Musinem. Jego kariera rozwijała się szybko: po konserwatorium zadebiutował w Małym Teatrze Operowym (Michajłowski), w następnym roku wygrał konkurs i wyruszył w tournée - do Ameryki - z Kirillem Kondrashinem i Davidem Ojstrachem. Następnie kierował Orkiestrą Filharmonii Leningradzkiej, aw 1976 został naczelnym dyrygentem Teatru Kirowa. Tam stworzył te same referencyjne interpretacje oper Czajkowskiego, a jedną z nich wystawił - Damę pikową. Nawiasem mówiąc, Valery Gergiev niedawno przywrócił tę produkcję i zwrócił ją na scenę Teatru Maryjskiego. W 1988 roku jest to szczególna duma dyrygenta: został wybrany – a nie mianowany „z góry”! - główny dyrygent samego „Zasługi”, a następnie dyrektor artystyczny Filharmonii Petersburskiej.

Algis Zhuraitis. Zdjęcie: Alexander Kosinets / TASS

Algis Zhuraitis

Artysta Ludowy Rosji, laureat Państwowej Nagrody ZSRR Algis Zhuraitis mieszkał przez 70 lat, a 28 z nich pracowało w najlepszym teatrze dużego kraju - Bolszoj. Pochodzący z Litwy, ukończył Konserwatorium Wileńskie (a następnie otrzymał kolejne wykształcenie w Konserwatorium Moskiewskim) i zadebiutował w Litewskim Teatrze Opery i Baletu. Utalentowany dyrygent został szybko zauważony w stolicy - a Zhuraitis dostał miejsce w Moskwie: najpierw był asystentem dyrygenta Bolszoj Orkiestry Symfonicznej Radia Wszechzwiązkowego, następnie dyrygentem Mosconcert, a wreszcie w 1960 roku dostał do Teatru Bolszoj.

Zhuraitis zasłynął współpracą z Jurijem Grigorowiczem: słynny choreograf zrealizował większość przedstawień w Bolszoj z Zhuraitisem, w tym legendarnego Spartaka.

Skandaliczną sławę przyniósł dyrygentowi jego artykuł w gazecie „Prawda”, poświęcony eksperymentalnemu występowi Alfreda Schnittkego i Jurija Ljubimowa „Królowa pikowa”: w wyniku publikacji produkcja nie doczekała się premiery , został zakazany. Znacznie później, w swoich wywiadach, Schnittke sugerował, że za pojawieniem się tej publikacji stał sekretarz KC KPZR ds. ideologii - Michaił Susłow, znany ze swoich zręcznych intryg.

Dyrygent od 20 lat jest żonaty z piosenkarką Eleną Obrazcową. „W jednej chwili zakochałem się w Algisie Zhuraitisie. Nie rozumiem, jak to się stało - w sekundę! Wracali z wycieczki i znaleźli się w tym samym przedziale... Nie było prowokacji z obu stron. Siedzieliśmy i rozmawialiśmy. I nagle między nami wybuchła iskra! I nie mogłem już bez niego żyć”.

Wirtuozi

samopoświęcenie

Znani dyrygenci operowi

Znani dyrygenci Rosji

Światowe gwiazdy

Pavel Kogan

Herbert von Karajan

Leonard Bernstein

Valery Gergiev

Jewgienij Swietłanow

Władimir Spiwakow

Jurij Bashmet

Wirtuozi

samopoświęcenie

Znani dyrygenci operowi

Znani dyrygenci Rosji

Światowe gwiazdy

Pavel Kogan

Herbert von Karajan

Leonard Bernstein

Valery Gergiev

Jewgienij Swietłanow

Władimir Spiwakow

Jurij Bashmet

Falą ręki

Valery Gergiev

Władimir Spiwakow

Jurij Bashmet

Jurij Temirkanow

Algis Zhuraitis

Możesz być zainteresowany