Cechujący się głębokim artystycznym usposobieniem autor Lay nie tylko opisuje pewne aspekty życia i wydarzeń, ale je maluje, przedstawia w obrazach i symbolach, dzięki czemu pozwala wyraźnie wyobrazić sobie życie tamtych czasów w swojej wyobraźni. .

Tak więc w „Słowie” znalazło się pełne i wyczerpujące odzwierciedlenie życia starożytnej Rusi. Nie tylko w całych obrazach, ale także w poszczególnych szczegółach odzwierciedlono atmosferę życia starożytnej Rosji: życie domowe, zawody, obrazy wojny, obrazy przyrody itp.

Ulubioną rozrywką książąt i drużyny były polowania, a zwłaszcza sokolnictwo. Wiele miejsc w „Słowie” poświęconych jest wizerunkowi lotów sokoła dla ptaka. Lay barwnie przedstawia bogactwo wszelkiego rodzaju zwierzyny łownej – ptaków i zwierząt, które obfitowały w stepy południowej Rusi i przestrzenie leśne: przed rozpoczęciem bitwy gromadzą się orły; wilki wyją w wąwozach; Wozy połowieckie ryczą w polu jak spłoszone łabędzie; wycieczki ranne w polowaniu ryczą i krzyczą; Książę Wsiewołod jechał wściekłym objazdem; lisy szczekają na szkarłatne tarcze; gągoły, mewy, czerniady (rodzaj kaczek) i wiele innych zwierząt łownych wypełniają wolne stepy i rzeki południowej Rosji.

Ze szczególną miłością autor rozwodzi się nad szczegółami i cechami broni. Według jego opisu zbroi można całkowicie przywrócić broń starożytnego rosyjskiego wojownika. Z częstej wzmianki o włóczniach ((Kuryanie są karmieni od końca włóczni) bitwa jest przedstawiana jako
stosy połamanych włóczni) można stwierdzić, że włócznie miały pierwszorzędne znaczenie w życiu codziennym rosyjskiego wojownika. 3a następują po nich, w kolejności ważności, szable i miecze harużne (adamaszek, stal). Szable są zaostrzone, rozpalone do czerwoności szable uderzają o hełmy Awarów. Miecze to poważna broń i za każdym razem Słowo mówi o nich w pełnym obrazie
wyrażenie: „wykuli bunt mieczem”, „zakwitają ziemię mieczami”. Wraz z włóczniami wielkie niebezpieczeństwo stanowiły chmury strzał; nimi jakby sieją ziemię, zsyłają deszcz na ziemię. Kiedy żołnierze mieli: szkarłatne (karmazynowe, jaskrawoczerwone) tarcze, lśniące miedziane hełmy (hełmy) na głowach, chorągwie-chorągwie przy pułkach, które „stoją” na początku kampanii, a „mówią” poluzowane w czasie kampania; kiedy upadają, oznaczają porażkę. Trudno wreszcie wyliczyć wiele szczegółów uzbrojenia: złote hełmy (np. Wsiewołod), złote siodła i strzemiona na osiodłanych koniach chartów dla wojowników szybkich jak wilki stepowe; otwarte kołczany-tula, wykonane według Kroniki Wołyńskiej ze skór bobra lub rysia; nawleczone łuki, szewcy (noże bojowe noszone w blatach), lyatsky sulits (rzucanie włóczniami z żelazną lub stalową końcówką) itp.

Ich uwagę przykuwają krwawe obrazy wojny, rysowane przez autora obok pokojowych okupacji rolniczych. Gdy tylko Igor wyruszył na wyprawę, jak „orły klektem wzywają bestie na kości”, a wilki i lisy, wąchając zdobycz, wyją i grzechoczą. Podczas kampanii Olega Gorysławowicza, który mieczem wykuł bunt, sytuacja na ziemi rosyjskiej była smutna, wyniszczona częstymi najazdami wroga i rosyjskimi bitwami.

Szerokim i swobodnym pędzlem autor malował obrazy tak dobrze znanej mu południowej przyrody. Autor potrafił wyobrazić sobie zmiany dnia i nocy, światła i ciemności, zjawiska niebieskie i ziemskie. Natura na jego obraz żyje pełnią życia. Szerokie rzeki, pielęgnujące na swoich srebrzystych potokach książęce wały, obfitujące w ryby i dające schronienie wielu dzikim ptakom; bezkresne stepy porośnięte trawiasto-piórkową trawą, w której chowają się konie wojowników; drzewa, kwiaty - wszystko jest pełne życia i ruchu, jasnych kolorów. / 5.

Pojęcie sztuki

Słowo " sztuka" zarówno w języku rosyjskim, jak iw wielu innych językach jest używany w dwóch znaczeniach:

• w wąska poczucie, że jest to specyficzna forma praktyczno-duchowego rozwoju świata;
• w szeroki- najwyższy poziom umiejętności, umiejętności, niezależnie od sposobu, w jaki się przejawiają (sztuka kuchmistrza, lekarza, piekarza itp.).

- specjalny podsystem duchowej sfery społeczeństwa, który jest twórczą reprodukcją rzeczywistości w obrazach artystycznych.

Początkowo sztukę nazywano wysokim stopniem umiejętności w każdym biznesie. To znaczenie tego słowa jest nadal obecne w języku, gdy mówimy o sztuce lekarza lub nauczyciela, sztuce walki czy krasomówstwie. Później zaczęto coraz częściej używać pojęcia „sztuka” na określenie szczególnej działalności mającej na celu odzwierciedlenie i przekształcenie świata zgodnie z normy estetyczne, tj. zgodnie z prawami piękna. Jednocześnie zachowano pierwotne znaczenie tego słowa, ponieważ stworzenie czegoś pięknego wymaga najwyższych umiejętności.

Temat Sztuka to świat i człowiek w całokształcie ich wzajemnych relacji.

Forma istnienia sztuka - dzieło sztuki (wiersz, obraz, sztuka teatralna, film itp.).

Sztuka używa również specjalnych oznacza dla reprodukcja rzeczywistości: dla literatury jest to słowo, dla muzyki to dźwięk, dla sztuk pięknych to kolor, dla rzeźby to objętość.

Cel sztuka jest dwoista: dla twórcy jest artystyczną autoekspresją, dla widza jest rozkoszowaniem się pięknem. Ogólnie rzecz biorąc, piękno jest tak ściśle związane ze sztuką, jak prawda z nauką, a dobro z moralnością.

Sztuka jest ważnym składnikiem kultury duchowej ludzkości, formą poznania i refleksji nad otaczającą człowieka rzeczywistością. Pod względem możliwości rozumienia i przekształcania rzeczywistości sztuka nie ustępuje nauce. Jednak sposoby rozumienia świata przez naukę i sztukę są różne: jeśli nauka używa do tego ścisłych i jednoznacznych pojęć, to sztuka -.

Sztuka, jako samodzielna i jako gałąź produkcji duchowej, wyrosła z produkcji materiału, została w nią pierwotnie wpleciona jako moment estetyczny, ale czysto utylitarny. z natury artysta, który w ten czy inny sposób stara się wszędzie wprowadzać piękno. Aktywność estetyczna człowieka nieustannie przejawia się w życiu codziennym, społecznym, a nie tylko w sztuce. dziać się estetyczna eksploracja świata osoba publiczna.

Funkcje sztuki

Sztuka wykonuje liczbę funkcje publiczne.

Funkcje sztuki można podsumować następująco:

• funkcja estetyczna pozwala odtworzyć rzeczywistość zgodnie z prawami piękna, kształtuje gust estetyczny;
• funkcja społeczna przejawiająca się w tym, że sztuka oddziałuje ideowo na społeczeństwo, przekształcając tym samym rzeczywistość społeczną;
• funkcje kompensacyjne pozwala przywrócić spokój ducha, rozwiązać problemy psychologiczne, „uciec” na chwilę od szarej codzienności, zrekompensować brak piękna i harmonii w codzienności;
• funkcja hedoniczna odzwierciedla zdolność sztuki do sprawiania przyjemności osobie;
• funkcja poznawcza pozwala poznawać rzeczywistość i analizować ją za pomocą artystycznych obrazów;
• funkcja predykcyjna odzwierciedla zdolność sztuki do przewidywania i przewidywania przyszłości;
• funkcja edukacyjna przejawia się w zdolności dzieł sztuki do kształtowania osobowości człowieka.

funkcja poznawcza

Po pierwsze to kognitywny funkcjonować. Dzieła sztuki są cennym źródłem informacji o złożonych procesach społecznych.

Oczywiście nie wszyscy w otaczającym świecie interesują się sztuką, a jeśli tak, to w różnym stopniu, a samo podejście sztuki do przedmiotu jej poznania, kąt jej widzenia jest bardzo specyficzny w porównaniu z innymi formami świadomości społecznej. Główny przedmiot wiedzy w sztuce zawsze był i pozostaje. Dlatego sztuka w ogóle, aw szczególności fikcja, nazywana jest nauką humanistyczną.

funkcja edukacyjna

Edukacyjny funkcja – zdolność do wywierania istotnego wpływu na rozwój ideowy i moralny osoby, jej samodoskonalenie lub upadek.

A jednak funkcje poznawcze i edukacyjne nie są specyficzne dla sztuki: inne formy świadomości społecznej również pełnią te funkcje.

funkcja estetyczna

Specyficzną funkcją sztuki, która czyni ją sztuką w prawdziwym tego słowa znaczeniu, jest jej estetyka funkcjonować.

Dostrzegając i pojmując dzieło sztuki, nie tylko przyswajamy jego treść (jak treści z fizyki, biologii, matematyki), ale pozwalamy tej treści przejść przez serce, emocje, nadać zmysłowo konkretnym obrazom tworzonym przez artystę ocenę estetyczną jako piękny lub brzydki, wzniosły lub niski. , tragiczny lub komiczny. Sztuka kształtuje w nas umiejętność wydawania takich ocen estetycznych, odróżniania tego, co naprawdę piękne i wzniosłe, od wszelkiego rodzaju namiastek.

funkcja hedoniczna

Poznawcza, edukacyjna i estetyczna łączą się w sztuce. Dzięki chwili estetycznej cieszymy się treścią dzieła sztuki i właśnie w procesie rozkoszowania się jesteśmy oświeceni i wykształceni. W związku z tym mówią o hedonistyczny(przetłumaczone z greckiego - przyjemność) Funkcje sztuka.

Od wielu stuleci w literaturze społeczno-filozoficznej i estetycznej trwa spór o związek piękna w sztuce z rzeczywistością. Ujawnia to dwa główne stanowiska. Według jednego z nich (w Rosji poparł go N. G. Czernyszewski) piękno w życiu jest zawsze i pod każdym względem wyższe niż piękno w sztuce. W tym przypadku sztuka jawi się jako kopia typowych postaci i przedmiotów samej rzeczywistości oraz surogat rzeczywistości. Oczywiście preferowana jest koncepcja alternatywna (G. V. F. Hegel, A. I. Herzen i inni): piękno w sztuce jest wyższe niż piękno w życiu, ponieważ artysta widzi dokładniej i głębiej, czuje się silniejszy i jaśniejszy, i dlatego może inspirować z jego sztuką innych. W przeciwnym razie (będąc surogatem, a nawet duplikatem) społeczeństwo nie potrzebowałoby sztuki.

dzieła sztuki, będąc merytorycznym ucieleśnieniem ludzkiego geniuszu, stają się najważniejszymi wartościami duchowymi i przekazywanymi z pokolenia na pokolenie, własnością społeczeństwa estetycznego. Opanowanie kultury, edukacja estetyczna jest niemożliwa bez zaznajomienia się ze sztuką. Dzieła sztuki minionych stuleci uchwyciły duchowy świat tysięcy pokoleń, bez opanowania którego człowiek nie może stać się osobą w prawdziwym tego słowa znaczeniu. Każdy człowiek jest swego rodzaju pomostem między przeszłością a przyszłością. Musi opanować to, co pozostawiło mu poprzednie pokolenie, twórczo pojąć swoje duchowe doświadczenie, zrozumieć swoje myśli, uczucia, radości i cierpienia, wzloty i upadki i przekazać to wszystko potomnym. Tylko tak potoczy się historia, aw tym ruchu ogromną armię ma sztuka, wyrażająca złożoność i bogactwo duchowego świata człowieka.

Rodzaje sztuki

Podstawową formą sztuki była szczególna synkretyczny(niepodzielny) kompleks działalności twórczej. Dla człowieka prymitywnego nie istniała odrębna muzyka, literatura czy teatr. Wszystko zostało połączone w jedną akcję rytualną. Później z tego synkretycznego działania zaczęły wyłaniać się odrębne rodzaje sztuki.

Rodzaje sztuki- są to utrwalone historycznie formy artystycznej refleksji nad światem, wykorzystujące do budowania obrazu szczególne środki - dźwięk, kolor, ruch ciała, słowo itp. Każdy rodzaj sztuki ma swoje szczególne odmiany - rodzaje i gatunki, które razem zapewniają różnorodność artystycznych postaw wobec rzeczywistości. Przyjrzyjmy się pokrótce głównym rodzajom sztuki i niektórym ich odmianom.

Literatura posługuje się środkami słownymi i pisemnymi do budowania obrazów. Istnieją trzy główne rodzaje literatury - dramat, epos i liryzm oraz liczne gatunki - tragedia, komedia, powieść, opowiadanie, wiersz, elegia, opowiadanie, esej, felieton itp.

Muzyka używa dźwięku. Muzyka dzieli się na wokalną (przeznaczoną do śpiewania) i instrumentalną. Gatunki muzyczne - opera, symfonia, uwertura, suita, romans, sonata itp.

Taniec wykorzystuje środki ruchów plastycznych do budowania obrazów. Przydziel rytuał, folk, salę balową,

tańce nowoczesne, balet. Kierunki i style tańca - walc, tango, fokstrot, samba, polonez itp.

Obraz przedstawia rzeczywistość na płaszczyźnie za pomocą koloru. Gatunki malarstwa - portret, martwa natura, pejzaż, a także gatunki codzienne, animalistyczne (obrazy zwierząt), historyczne.

Architektura tworzy środowisko przestrzenne w postaci struktur i budynków dla życia ludzkiego. Dzieli się na mieszkalne, publiczne, ogrodnicze, przemysłowe itp. Istnieją również style architektoniczne - gotyk, barok, rokoko, secesja, klasycyzm itp.

Rzeźba tworzy dzieła sztuki, które mają objętość i trójwymiarową formę. Rzeźba jest okrągła (popiersie, posąg) i płaskorzeźba (obraz wypukły). Wielkość dzieli się na sztalugową, dekoracyjną i monumentalną.

Sztuka i Rzemiosło związane z potrzebami aplikacji. Obejmuje to przedmioty artystyczne, które można wykorzystać w życiu codziennym - naczynia, tkaniny, narzędzia, meble, ubrania, biżuterię itp.

Teatr organizuje specjalną akcję sceniczną poprzez grę aktorów. Teatr może być dramatyczny, operowy, lalkowy itp.

Cyrk przedstawia spektakularną i zabawną akcję z niezwykłymi, ryzykownymi i zabawnymi liczbami na specjalnej arenie. Są to akrobatyka, balansowanie, gimnastyka, jazda konna, żonglerka, sztuczki magiczne, pantomima, klaunowanie, tresura zwierząt i tak dalej.

Film jest rozwój akcji teatralnej w oparciu o nowoczesne techniczne środki audiowizualne. Rodzaje kinematografii obejmują fabułę, filmy dokumentalne, animację. Według gatunku wyróżnia się komedie, dramaty, melodramaty, filmy przygodowe, detektywi, thrillery itp.

Zdjęcie utrwala dokumentalne obrazy wizualne za pomocą środków technicznych - optycznych i chemicznych lub cyfrowych. Gatunki fotografii odpowiadają gatunkom malarstwa.

Etap obejmuje małe formy sztuk performatywnych – dramaturgię, muzykę, choreografię, iluzje, przedstawienia cyrkowe, przedstawienia autorskie itp.

Do wymienionych rodzajów sztuki można dodać grafikę, grafikę radiową itp.

W celu ukazania wspólnych cech różnych rodzajów sztuki oraz ich różnic zaproponowano różne podstawy ich klasyfikacji. Istnieją więc rodzaje sztuki:

• według liczby użytych środków - prostych (malarstwo, rzeźba, poezja, muzyka) i złożonych lub syntetycznych (balet, teatr, kino);
• w zakresie stosunku dzieła sztuki do rzeczywistości – obrazowym, przedstawiającym rzeczywistość, kopiującym ją (malarstwo realistyczne, rzeźba, fotografia) oraz ekspresyjnym, gdzie fantazja i wyobraźnia artysty tworzą nową rzeczywistość (ornament, muzyka);
• w odniesieniu do przestrzeni i czasu - przestrzenny (sztuki plastyczne, rzeźba, architektura), czasowy (literatura, muzyka) i czasoprzestrzenny (teatr, kino);
• według czasu występowania – tradycyjne (poezja, taniec, muzyka) i nowe (fotografia, kino, telewizja, wideo), zwykle przy użyciu dość skomplikowanych środków technicznych do budowy obrazu;
• według stopnia przydatności w życiu codziennym - stosowane (sztuka i rzemiosło) i dobre (muzyka, taniec).

Każdy typ, rodzaj lub gatunek odzwierciedla określoną stronę lub aspekt ludzkiego życia, ale razem wzięte, te elementy sztuki dają wszechstronny artystyczny obraz świata.

Potrzeba twórczości artystycznej lub czerpania przyjemności z dzieł sztuki wzrasta wraz ze wzrostem poziomu kulturowego danej osoby. Sztuka staje się tym bardziej potrzebna, im bardziej człowiek oddala się od stanu zwierzęcego.

Wskazane jest, aby podzielić się na osobną grupę Ludowy zabawka: rosyjska i białoruska.

Ich tematyka jest najbardziej zróżnicowana, odzwierciedlając pracę i życie ludzi, ich stosunek do środowiska, fabułę baśni.

Cechą tego typu zabawek jest ekspresyjność obrazów, umowność, uogólnienie, dynamizm, dekoracyjność. Zabawki ludowe ucieleśniają najlepsze tradycje artystyczne, wprowadzają dzieci w kulturę swojego ludu i kładą podwaliny pod więź z ojczyzną. Jednocześnie zabawki tworzone w różnych miejscach są niepowtarzalne pod względem treści, materiału i stylu artystycznego.

W białoruskiej zabawce ludowej istnieją zarówno ogólne znaki, które zbliżają go do zabawek innych ludów, jak i specjalne, które są charakterystyczne tylko dla niego: zwięzłość, uogólnienie, zwięzłość, oszczędność, ekspresyjność środków wizualnych. W tej zabawce w szczególny sposób załamuje się naiwność, a jednocześnie mądrość, fantazja i rzeczywistość. Pobudza do aktywnej pracy myśli, zachęca do samodoskonalenia, własnego odczytania obrazka zabawki.

Białoruska zabawka ludowa z reguły jest niewielka i bardzo wygodna w użyciu.

Funkcjonalność i kompaktowość tej zabawki pozwala dzieciom aktywnie z niej korzystać. Na Białorusi najstarszą jest gliniana zabawka przedstawiająca postacie ludzi, zwierząt, grzechotki. Drewniana zabawka, zwykle z intonacją ruchów lub czynności, miała znaczące rozpowszechnienie w życiu ludowym. Ciekawe, oryginalne zabawki wykonane ze słomy o starożytnej historii. Ich przeznaczenie jest bardzo szerokie: do zabawy, podczas uroczystości rolniczych, na święta, do dekoracji domu itp. W rodzinach chłopskich używano lnianych zabawek.

Zabawka Dymkowo. Figurki wyrzeźbione z gliny i jaskrawo kolorowe. Początki pojawienia się kochanki Dymkowa, koni, gwizdków, nosicieli wody są zakorzenione daleko w historii.

Produkty Gzhel są zawsze łatwe do odróżnienia: są wykonane z białej gliny i pomalowane niebieskawo-niebieskimi szerokimi pociągnięciami, odtwarzającymi kompozycje kwiatowe lub sceny z życia ludowego.

Produkty Skopinsky są piękne i skomplikowane. Charakterystyczną cechą jest błyszcząca szklista glazura, która pokrywała produkty.

W mieście Kargopol zachowało się oryginalne tradycyjne rzemiosło wytwarzania zabawek z gliny.

Zabawka Filimonowa. Jego plastyczność jest osobliwa, prymitywność formy rzeźbiarskiej z łatwością współistnieje ze szczególną ekspresją i wdziękiem.

Cechą charakterystyczną gorodeckiego rzemiosła jest wykonanie rysunku na naturalnym tle drewna; jasne kolory i malowanie na zasadzie umieszczania dużych kolorowych plam.

Bogorodskie zabawki są rzeźbione z drewna, nie malowane, tylko czasami pokrywane bejcą lub lakierem. Cechą charakterystyczną są zabawki „z ruchem”.

W Fedoseevskaya „toporshchina” zabawki są składane z ociosanych desek i drzazg. Ale świętość żółtego koloru i jego bliskość do codzienności zawsze przyciągała dzieci.

Pierwsza lalka gniazdująca w Rosji pojawiła się pod koniec XIX wieku. Siergijew Posad, wieś Babenka, wieś Merinovo - miejsca, w których powstają rosyjskie lalki lęgowe.

„Największa prawda i prostota ludowej zabawki”, pisze E.A. Flerina, - jej ekspresyjność i celowość sprawiły, że była przydatna do wychowywania dzieci. Podobnie jak mowa ojczysta, bajka, piosenka, ludowa zabawka jest wspaniałym dziedzictwem kulturowym. Ludowa zabawka tysiąclecia wychowała dziecko, sprawdzana jest przez dziecięcą miłość do niej, przez dziecięcą zabawę.

Zabawka każdego narodu ma swoje tradycje pedagogiczne, artystyczne i techniczne, proste i jasne. Tradycje te mają z jednej strony cechy międzynarodowe, z drugiej zaś cechy zdeterminowane tożsamością narodową, kulturą, sposobem życia i pedagogiką danego ludu. Zabawka ludowa ma swoją historię, która potwierdza, że ​​nie jest to zjawisko przypadkowe, ale prężnie rozwijająca się gałąź sztuki ludowej, która ma swoje własne tradycje.

Podchodząc do zabawki ludowej z pedagogicznego punktu widzenia, widzimy, że opiera się ona na subtelnej znajomości psychologii dziecka i ma wszechstronny wpływ na rozwój jego uczuć, umysłu i charakteru.

W ludowej zabawce nie ma sztuczności. Zabawka powstała w czasie, gdy zainteresowania dorosłych i dzieci były sobie bliskie, kiedy twórczość obojga miała wiele cech wspólnych, kiedy istniała naturalna bliskość w psychice i nastawieniu obojga. Zabawka była interesująca zarówno dla dzieci, jak i dorosłych (lalka była przymocowana do słupa do domu, zbierała dorosłych na wakacje).

Zabawka fabularna ukazuje świat baśni i baśniowych obrazków, a także krąg zjawisk życiowych, z którymi dziecko styka się na co dzień. Tradycyjne dla sztuki ludowej figury kobiety, konia, koguta, niedźwiedzia, przedstawione zarówno w zabawce, jak iw hafcie, rzeźbieniu, ukazują organiczny związek zabawki ze sztuką ludową. W nim, podobnie jak w hafcie, postacie te są interpretowane w sposób warunkowy, bajeczny.

Największa prawda i prostota postawy, wielka ekspresja i celowość, chęć zrozumienia otoczenia i opanowania go zapewniły zabawce wszystkie cechy pedagogiczne: podobała się, rozwijała kreatywność, uczyła rozumieć otaczające życie, uczyła opanowania głównych typów pracy dorosłych. Te cechy zostały zachowane w zabawkach ludowych w przyszłości, wraz z pojawieniem się i rozwojem rękodzieła.

W ludowej zabawce ludzie dają dziecku swoją miłość i przywiązanie, swoją wesołość i śmiech, swoje myśli i wiedzę, swoje umiejętności - to jest wielka siła jej oddziaływania na dziecko. Poprzez ludową zabawkę ktoś bardzo bliski i serdeczny przemawia do dziecka zgodnie z prawdą, mądrze. Siła miłości tego ludu do dziecka przemawia ustami babci bawiącej wnuczkę.

Jakie walory edukacyjne niesie ze sobą zabawka ludowa? W ludowej zabawce jest dużo ciepła, które wyraża się w jej troskliwym, kochającym wykonaniu: gliniana zabawka Dymkowo pluskająca kolorami, słoneczna drewniana zabawka Semenov, świąteczne, jaskrawoczerwone konie Gorodets.

Ludowa zabawka wesoła, wesoła. Ludzie zainwestowali w swoją zabawkę wiele prawdziwego humoru. Zabawne klauny, klaun na sznurku, walące barany, latające ptaszki, którym jednocześnie obracają się pióra na ogonie i wiele innych zachwyca dziecko. A mistrz wie o tej radości, dziecięcym śmiechu z nieoczekiwanego ruchu, dźwięku i sam ma frajdę tworząc te zabawki.

Ludowa zabawka rozbudza myślenie i wyobraźnię dziecka. W obrazie i nieskomplikowanej, ale dowcipnej technice ruchu, dźwięku, z jego bajeczną, dekoracyjną interpretacją. Wiele zabawek to prawdziwa bajka. Takie są wszystkie zwierzęta Dymkowa, ptaki (indyki i gęsi w złocie i jasnych zespołach, konie cętkowane i pręgowane).

Zabawka ludowa wykonywana jest zgodnie ze wszystkimi prawami stylizacji (kiedy wyróżnia się jeden lub dwa istotne detale, np. rozwój dzieci nie tylko figuratywnych, ale także abstrakcyjnych.

Ludowa zabawka mówi, że ludzie są subtelnym psychologiem, który wie, jak zobaczyć i zrozumieć dziecko takim, jakie ono jest, z jego zainteresowaniami i potrzebami.

Pedagogika ludowa stworzyła wszystkie główne rodzaje zabawek dla każdego wieku: grzechotki dla małych dzieci (z hałasem, ruchem, jasnymi kolorami); wspaniałe wózki inwalidzkie dla dziecka w wieku 2-4 lat (łyżwy Gorodets, koguty Semenov, gramofony Kirowa itp.). Konie i inne zwierzęta zostały umieszczone na kołach, aby zaspokoić potrzebę ruchu dziecka. Rozmiar zabawki dla dzieci w tym wieku powinien być duży, ponieważ dziecko w grze z zabawką jest centralną postacią. Dla starszych zestawy są bardziej skomplikowane w treści (zwierzęta - drewniane Bogorodsk i Zagorsk wykonane z masy papierowej, składane zabawki itp.)

Piłka, obręcz to najstarsze zabawki ludowe, tworzone jednocześnie przez różne ludy. Spotykamy je w starożytnym Egipcie, w zabytkowych zabawkach. Tokarze Babensky'ego tworzą oryginalne „dydaktyczne” składane zabawki: piramidy, lalki gniazdujące, składane jajka, beczki itp. Ta zabawka pod względem koloru, kształtu, wielkości nie ma sobie równych na rynku zachodnim. W projektowaniu zabawek ludowych widzimy, że mistrz bierze pod uwagę specyfikę wieku dzieci: bardziej uproszczoną, warunkową w kształcie, kolorową zabawkę dla dzieci - gwizdki, konie Gorodets i bardziej realistyczną dla starszych - rzeźbę Bogorodsk .

Ludowa zabawka nie tylko cieszy, bawi, nie tylko rozwija estetycznie, ale daje pole do kreatywnej zabawy, która orientuje się w otaczającym życiu oraz uczy dziecko pracy i technologii. Nawet w zabawnej zabawce bardzo często dziecku pokazywane są sceny z życia zawodowego (kuźnia kowali, gospodyni karmi kurczaki itp.). Wszystko to, co poprzez grę stopniowo wprowadza dziecko w życie zawodowe dorosłych.

Estetyka w zabawce, bez celowego dostosowywania się do gustów dzieci, wnosi do dziecka wielką kulturę artystyczną sztuki ludowej, rozwija oryginalne cechy estetyki jego ludu. Daje zabawkę ludową każdej narodowości. Rosyjska zabawka ludowa jest pełna tradycji narodowej sztuki rosyjskiej: prostota i wyraźny rytm formy malarstwa dekoracyjnego, ornamentyka: nieodparta jasność i szlachetna powściągliwość w doborze kolorów, które kojarzą się z lokalnymi tradycjami zdobniczymi.

Żaden inny rodzaj sztuki ludowej nie pielęgnuje tak aktywnie i głęboko narodowych cech poczucia estetyki dziecka jak ludowa zabawka, którą dziecko kocha, przy pomocy której aktywnie i twórczo działa.

Technika zabawek ludowych jest zawsze prosta, przystępna dla zrozumienia dzieci i często bardzo dowcipna, zbudowana na najprostszych prawach techniki i mechaniki. Wzbudza to duże zainteresowanie dzieci i popycha je do wynalazków technicznych.

W rosyjskiej zabawce ludowej problem realizmu jest ciekawie rozwiązany. Realizm w sztuce dla dzieci to wartościowy początek, który zapewnia prostą i prawdziwą sztukę. Uczucie, często naiwne, ale całkiem szczere, jakie mistrz wkłada w swoją pracę, nadaje zdrowy realizm, na którym opiera się zarówno bajka, jak i dekoracyjnie odświętna elegancka zabawka Dymkovo, zabawki Semenov i Gorodets. Prawdziwa podstawa bajki jest tutaj na twarzy. Prostota, niekompletność obrazu (łyżwy Gorodets), jasność wcale nie pozbawiają zabawki poczucia prawdziwego obrazu, wręcz przeciwnie, czynią ją bardziej namacalną, ponieważ koncentrują uwagę dziecka na najważniejszej rzeczy i służą najważniejsze z najwyższą jasnością.

Fabuła

W 1240 roku powstał w tym miejscu targ, na którym handlowano zbożem na otwartej loggii z pilastrami chroniącymi przed deszczem. Na pamiątkę znajdującego się w tym miejscu kościoła dwa obrazy św. Michała i Matki Bożej. Uważano, że ten ostatni ma cudowne moce.

Arkady pierwszego piętra ozdobione ażurowymi oknami

Zewnętrzne arkady z bogato zdobionymi oknami pojawiły się dopiero w 1367 roku. Kościół zaczął odgrywać swoją rolę w historii sztuki dopiero od 1348 roku, kiedy to Europę przetoczyła się pierwsza fala zarazy. Kościół Orsanmichele wzbogacił się w tym czasie: ocaleni z zarazy przekazali parafii 350 000 florenów z poczucia winy lub skruchy, co przekroczyło roczny budżet miasta i pozwoliło kościołowi zamówić duże marmurowe tabernakulum. Ponieważ handel zbożem nie pasował do wspaniałego przybytku Orcagni, targ został przeniesiony w inne miejsce. Odtąd dolne piętro Orsanmichele służyło wyłącznie celom religijnym, a handel po raz pierwszy w historii Florencji ustąpił miejsca sztuce. Wyższe kondygnacje pełniły funkcję rezerwowego spichlerza aż do początku XVI wieku.

W XIV wieku. obiektowi nadano nową funkcję – centrum warsztatów rzemieślniczych. W następnych dziesięcioleciach cechy przekazały fundusze na wykonanie rzeźb swoich patronów i innych świętych, umieszczonych w 14 niszach na czterech zewnętrznych ścianach kościoła. Gildie były na tyle bogate, że zatrudniały znanych artystów: Nanni di Banco, Donatello, Lorenza Ghibertiego i Andreę del Verocchio.

·

Wnętrze Orsanmichele

Tabernakulum ołtarzowe w Orsanmichel

Św. Marka autorstwa Donatello

Tomasza Niewierzącego Verrocchio

świątynia katolicka
Santa Maria dei Miracoli Santa Maria dei Miracoli
Autor projektu	Lombardo, Piotr
· San Giorgio Maggiore · Santi Giovanni i Paolo · Santa Maria dei Frari · Santa Maria della Salute the Builder	Lombardo, Pietro i Lombardo, Tullio
Budowa	20 lutego 1367 - ok. 1422
alejki	6,96 m głębokości i 5,38 m szerokości
Relikwie i sanktuaria	freski Masolina, Masaccia i Filipińczyka Lippiego

Kaplica Brancaccich(włoski. Capella Brancacci) – kaplica w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, słynąca z wczesnorenesansowych malowideł ściennych. Freski Masaccia w Kaplicy Brancaccich zrewolucjonizowały sztukę europejską i wyznaczyły kierunek jej rozwoju na kilka stuleci.

Kościół Santa Maria del Carminevo we Florencji, w którym znajduje się Kaplica Brancaccich, podobnie jak wiele starożytnych kościołów, wyróżnia się niezwykle bezpretensjonalną fasadą, która kryje w sobie prawdziwą perłę malarstwa

20 lutego 1367 roku Piero di Puvicese Brancacci zarządził budowę rodzinnej kaplicy w budowanym od 1268 roku kościele Carmine. W przyszłości Kaplica Brancaccich stała się nie tylko prywatną kaplicą rodzinną, ale odgrywała znaczącą rolę w życiu publicznym Florencji: znajdowała się w niej słynna XIII-wieczna ikona Madonna del Popolo, która była przedmiotem publicznego kultu (trofea m.in. przed nim wisiała wojna pisańska). Dlatego, jak V.N. Łazariewa, a obraz zdobiący kaplicę zawierał szereg jednoznacznych nawiązań do ówczesnych wydarzeń społecznych.

Madonna del Popolo

Swój słynny cykl fresków sala ta zawdzięcza potomkowi fundatora kaplicy, rywalowi wpływowego męża stanu Kosmy Starszego Medyceusza Felice Brancacciego(włoski. Felice Brancacciego; 1382-ok. 1450), który około 1422 roku zlecił Masolino i Masaccio namalowanie kaplicy znajdującej się w prawym transepcie kościoła (nie zachowały się dokładne udokumentowane daty prac nad freskami). Wiadomo, że Felice Brancacci wrócił z ambasady w Kairze 15 lutego 1423 roku i wkrótce potem zatrudnił Masolino. Spełnił się pierwszy etap malowania: namalował zaginione już freski lunety i sklepienia, po czym artysta wyjechał na Węgry. Kiedy to się zaczęło drugi etap malowania, nie wiadomo na pewno – Masolino wrócił z Węgier dopiero w lipcu 1427 r., ale być może jego współpracownik Masaccio zabrał się do pracy jeszcze przed jego powrotem, na I piętro. 1420s

Prace nad freskami przerwano w 1436 roku po powrocie Kosmy Starszego z wygnania. Felice Brancacci został przez niego uwięziony w 1435 roku na dziesięć lat w Kapodistrii, po czym w 1458 roku został również ogłoszony buntownikiem z konfiskatą całego majątku. Malowanie kaplicy ukończono dopiero pół wieku później, trzeci etap, w 1480 r., przez artystę Filippina Lippiego, któremu udało się zachować cechy stylistyczne maniery swoich poprzedników, mozolnie kopiując. (Ponadto, według współczesnych, on sam chciał zostać artystą jako dziecko, widząc freski w tej właśnie kaplicy).

Kaplica należała do rodu Brancacci przez ponad czterysta lat – do 18 sierpnia 1780 roku, kiedy to markizy Ricordi podpisali umowę o wykupieniu mecenatu za 2000 skudów. W XVIII wieku freski były kilkakrotnie odnawiane, aw 1771 roku zostały poważnie zniszczone przez sadzę z dużego pożaru. Remonty przeprowadzono na początku XX wieku oraz w latach 40. i 50. XX wieku. W 1988 r. przeprowadzono ostatnie zakrojone na szeroką skalę prace renowacyjne i porządkowe.

Jak zwraca uwagę Łazariew, XVIII-wieczne renowacje dotyczyły nie tylko malarstwa, ale także architektury lokalu: dwuskrzydłowe ostrołukowe okno (biforium), pod którym znajdował się ołtarz i sięgające samego szczytu, zmieniono na okno prostokątne, łuk wejściowy zamieniono na kaplicę z ostrołukowego na półkolisty, zmieniono też sklepienie krzyżowo-żebrowe i lunety. Kiedyś architektura kaplicy wyglądała bardziej „gotycko” niż obecnie.

Opis

Masaccio. „Wypędzenie z raju” (fragment, przed renowacją)

Michelino da Besozzo, „Zaręczyny św. Katarzyna"- obraz namalowany również w latach 20. XV wieku, przykład gotyku międzynarodowego, w porównaniu z którym realizm fresków w Kaplicy Brancaccich był prawdziwym szokiem

Tematem przewodnim fresków, na polecenie zamawiającego, był żywot Apostoła Piotra i grzech pierworodny. Freski ułożone są w dwóch rzędach wzdłuż bocznych i tylnych ścian kaplicy (trzeci rząd lunet zaginął). Od spodu panel imitujący okładzinę marmurową.

W sumie przetrwało dwanaście scen, z których sześć zostało całkowicie lub prawie całkowicie namalowanych przez Masaccio. Seria zaczyna się od Upadku Adama i Ewy (górna prawa ściana) i kontynuuje Wygnanie z Raju (górna lewa ściana). Potem przychodzi Cud z Staterem, Kazanie Piotra do trzech tysięcy, Chrzest neofitów Piotra, Uzdrowienie kaleki Piotra i Zmartwychwstanie Tabity. Na dole po lewej: „Paweł odwiedza Piotra w więzieniu”; „Zmartwychwstanie syna Teofila”; „Piotr uzdrawia chorych swoim cieniem”; „Piotr rozdziela majątek wspólnoty między ubogich”; „Ukrzyżowanie Piotra i spór między Piotrem a Szymonem Magiem”; Anioł uwalnia Piotra z więzienia. Kompozycje wertykalnych obrazów z reguły łączą kilka epizodów z różnych czasów, co jest hołdem dla średniowiecznej tradycji opowiadania obrazkowego.

"Spadek"

W rogach kaplicy umieszczono podwójne pilastry oddzielające freski sceny ołtarzowej od fresków ścian bocznych. Pilastry te dźwigają gzyms z grzankami, który przechodzi między registrami (ten sam gzyms znajdował się niewątpliwie nad drugim registratem). Prawdopodobnie podobne pilastry umieszczono także na końcu registrów bocznych, w pobliżu łuku wejściowego (skrajne freski zostały częściowo odcięte podczas jego przebudowy).

• zagubione freski:
• W 1422 roku kościół został konsekrowany, a następnie Masaccio uwiecznił to wydarzenie na jednym z fresków kościoła, zwanym „Sagra” i wówczas bardzo znanym, ale niestety zniszczonym na początku XVII wieku podczas remontu.
• malowidła ścienne lunety (m.in. „Powołanie Piotra i Andrzeja”) oraz sklepienia autorstwa Mazolino

Zasługi artystyczne

Freski Masaccia w kaplicy Brancacciego uważane są za arcydzieła malarstwa renesansowego, wyróżniają się wyrazistością linii, realistyczną konkretnością w przedstawieniu postaci oraz umiejętnością wnikania w charaktery przedstawionych postaci. Ponadto wielki Masaccio żył zaledwie 27 lat i właśnie ten cykl pozostał jego głównym dziełem.

Dzieła Masaccia, dzięki zastosowanym przez niego rozwiązaniom artystycznym – w szczególności wykorzystaniu mało znanej dotąd perspektywy linearnej i powietrznej, od razu stały się wzorem do naśladowania, zaczęto je nazywać „fundamentem, na którym zbudowano całą budowlę malarstwa europejskiego”. jest oparty". W Żywotach najsłynniejszych malarzy znajduje się długa lista artystów włoskich, którzy według Vasariego swoje osiągnięcia zawdzięczają wpływowi Masaccia:

„Wszyscy słynni rzeźbiarze i malarze od tego czasu do chwili obecnej, którzy praktykowali i studiowali w tej kaplicy, stali się znakomici i sławni, a mianowicie Fra Giovanni da Fiesole, Fra Filippo, Filippino, który ją ukończył, Alessio Baldovinetti, Andrea del Castagno, Andrea del Verrocchio, Domenico Ghirlandaio, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Pietro Perugino, Fra Bartolomeo ze św. w ogóle wszyscy, którzy starali się nauczyć tej sztuki, nieustannie chodzili uczyć się do tej kaplicy, aby uczyć się wskazówek i zasad dobrej pracy od postaci Masaccia.

Ważną zaletą pracy Masaccio było to, że zwracał szczególną uwagę na rzetelną anatomię swoich postaci, wykorzystując wiedzę, którą wyniósł z antycznej rzeźby – dlatego jego ludzie wydają się mieć prawdziwe, masywne ciała. Ponadto umieszcza swoje freski w realnym środowisku architektonicznym, zwracając uwagę na usytuowanie okna w kaplicy i malując przedmioty tak, jakby były oświetlone tym źródłem światła. Dlatego wydają się trójwymiarowe: ta objętość jest przekazywana przez potężne modelowanie światła i cienia. Ponadto ludzie są przeskalowani do tła krajobrazu, które jest również namalowane z perspektywy światło-powietrze.

Lazarev pisze o kolorystyce tych fresków: „Masaccio, jak wszyscy Florentczycy, podporządkował kolor formie, używając koloru do wydobycia jej plastyczności. Blade kolory znikają z jego palety, kolor staje się gęsty i ciężki. Mistrz preferuje kolory liliowy, niebieski, pomarańczowo-żółty, ciemnozielony, ciemnofioletowy i czarny, kolor biały odgrywa w jego obrazach bardzo skromną rolę, zawsze skłaniając się ku szarości. W porównaniu z rozjaśnioną późnogotycką kolorystyką, kolor Masaccio odbierany jest jako znacznie bardziej materialny, ściśle związany ze strukturą formy. Wszystko, co bajeczne i świąteczne, zniknęło z gamy kolorystycznej, ale stało się znacznie poważniejsze i bardziej znaczące. A dzięki światłu nabrał takiej plastycznej wyrazistości, że przy nim rozwiązania kolorystyczne mistrzów późnego gotyku zawsze wyglądają nieco naiwnie.

Agnia Lwowna Barto urodził się w Moskwie w rodzinie lekarza - weterynarza. Studiowała w szkole pedagogicznej, jednocześnie uczęszczała do szkoły teatralnej, chciała zostać aktorką. Wcześnie zaczęła pisać wiersze: były to złośliwe fraszki dla nauczycieli i koleżanek. W wieku 20 lat ukazały się drukiem jej pierwsze wiersze. A. Barto szeroko stosowała środki humorystyczne, nawet gdy opowiadała małym dzieciom o zabawkowym króliczku, niedźwiedziu, byku, koniu. („Zabawki 1936)
Jest babka, kołysząca się,
Westchnienia w drodze:
- Och, tablica się skończyła,
Teraz upadnę!
Każda zabawka na obraz poety nabiera indywidualności:
Czas spać!
Byk zasnął
Położył się w pudle na beczce.
Śpiący miś poszedł do łóżka
Tylko słoń nie chce spać.
Słoń kiwa głową
Posyła ukłon słoniowi.
Zabawki A. Barto są pełnoprawnymi uczestnikami życia dzieci, przyjaciółmi dzieci:
Kocham mojego konia
Uczeszę jej gładko włosy,
Gładzę kucyk przegrzebkiem
I pojadę konno w odwiedziny.
Taka cecha w wierszach o zabawkach przyciąga uwagę, z reguły są one pisane w pierwszej osobie, jeśli mówimy o dobrych uczynkach dzieci - „Ciągam łódkę wzdłuż szybkiej rzeki…”; „Nie, na próżno zdecydowaliśmy się jeździć na kocie w samochodzie…”; „Samolot zbudujemy sami…”, aw trzeciej osobie, gdy nie ma aktywnych działań dziecka lub złych uczynków „Króliczek został porzucony przez gospodynię…”; „Nasza Tanya głośno…”.
Ta technika pomaga ustalić pozytywne cechy charakteru u młodych czytelników.
Niejedno pokolenie narodu radzieckiego znało i kochało wiersze A. Barto od dzieciństwa. Sekret takiej popularności tkwi w świeżości i bezpośredniości uczuć przekazywanych przez poetkę, w jej umiejętności rozwiązywania najważniejszych problemów pedagogicznych w żywej artystycznej formie.
Wiersze A. Barto jest kroniką sowieckiego dzieciństwa. Bohaterami tych wierszy są dzieci od malucha, który jeszcze nie potrafi wymówić słowa „matka”, do 14-letniej nastolatki, która przygotowuje się do wstąpienia do Komsomołu. Z taką znajomością psychologii dziecięcej poetka tworzy książki dla najmłodszych. Obrazem takiej książki jest zbiór „Zabawki” z 1936 r., Złożony z lekkich dźwięcznych wierszy o ulubionych zabawkach dzieci - kudłatym misiu, byku, piłce, koniu itp.

Nie mający odpowiedników w poezji dziecięcej świata, to cykl międzynarodowych wierszy A. Barto - "Tłumaczenia z dzieci". Wiele wierszy dla dzieci

czytać i solidaryzować się z poetką, aby wczuć się w nastrój dziecka mieszkającego w tej czy innej części świata. Dopiero potem zaczęła tworzyć wiersze zachowujące bezpośredniość wizji świata dzieci z różnych krajów. „Wielu ludzi łączy „małych poetów”, ale często ich doświadczenia są głębsze, bogatsze, niż dziecko jest w stanie wyrazić. Starałem się więc zachować znaczenie każdego wiersza, aby znaleźć dla niego poetycką formę, która umożliwiłaby wyjaśnienie, dokładniejsze przekazanie tego, co zostało powiedziane przez dziecko ”- powiedział A. Barto o pomyśle \u200b\ u200bw tym cyklu. Problematyka wierszy cyklu jest różnorodna: stosunek do natury, miłość do matki, miłość z pierwszego dzieciństwa, troska o przyszłość.
„Tłumaczenia od dzieci”- przełomowe dzieło nie tylko w twórczości A. Barto, ale także w światowej literaturze dziecięcej. Cykl ten stworzył nowatorską tradycję w poszukiwaniu poetyckiej autoekspresji poetów dziecięcych świata. Umiejętność znajdowania nowych możliwości poetyckiej autoekspresji, przekazywania pałeczki tradycji jest jedną z najważniejszych cech twórczości A. Barto od ponad dekady. Talent A. Barto nie zatrzymał się w rozwoju, starała się powiedzieć nowe poetyckie słowo każdemu nowemu młodemu pokoleniu czytelników.
Napisane w różnym czasie, wiersze Barto dla dzieci są zebrane w dwutomowe „Wiersze dla dzieci”, w zbiorach wierszy „Za kwiaty w zimowym lesie”, „Tylko wiersze”, „Twoje wiersze” i inni. Bohaterami jej książek są dzieci od niemowlęctwa do 14 roku życia.
Wiersze Barto są kochane przez dzieci w każdym wieku. Sekret takiej popularności tkwi w świeżości i bezpośredniości uczuć przekazywanych przez poetkę, w jej umiejętności rozwiązywania najważniejszych zadań pedagogicznych w żywej artystycznej formie.
Rymowalność wierszy Barta jest bogata i różnorodna. Zawsze jest głośna i silna. W wierszach poetki bogactwo treści łączy się organicznie z wysoce artystyczną formą.
A. Fadeev napisał: „Twórczość A. Barto, pełna miłości do życia, jasna, słoneczna, odważna, życzliwa, przynosi radość ludziom, wychowując więcej niż jedno pokolenie dzieci”.