Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści należą do przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I uwierz mi, ich dzieła zapadną w Twojej pamięci nie mniej głęboko niż dzieła mistrza z minionych epok.

Wojciecha Babskiego

Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył Politechnikę Śląską, ale związał się z. Ostatnio maluje głównie kobiety. Skupia się na manifestacji emocji, dąży do uzyskania jak największego efektu prostymi środkami.

Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z nowymi technikami. Ostatnio coraz większą popularność zdobywa za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z powodzeniem sprzedaje swoje prace, które można już znaleźć w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.

Warrena Changa

Warren Chang jest współczesnym amerykańskim artystą. Urodzony w 1957 roku i wychowany w Monterey w Kalifornii, w 1981 roku ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie, uzyskując tytuł Bachelor of Fine Arts w dziedzinie sztuk pięknych. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim rozpoczął karierę jako profesjonalny artysta w 2009 roku.

Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa wywodzi się z twórczości XVI-wiecznego malarza Jana Vermeera i rozciąga się na przedmioty, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, uczniów, pracownie, sale lekcyjne i wnętrza domów. Jego celem jest stworzenie nastroju i emocji w jego realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.

Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki wizualne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters Association of America, największej społeczności malarstwa olejnego w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Obecnie Warren mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, uczy też (znany jako utalentowany nauczyciel) w San Francisco Academy of the Arts.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni jest włoskim artystą. Urodzony 15 października 1955 w Blair. Ukończyła scenografię w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, samodzielnie bowiem „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym jeszcze w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.

Wczesne malarstwo Bruniego jest zakorzenione w surrealizmie, ale z czasem zaczyna skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symbolizmu, wzmacniając to połączenie znakomitym wyrafinowaniem i czystością swoich postaci. Przedmioty ożywione i nieożywione nabierają równej godności i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za zasłoną, ale pozwalają zobaczyć esencję swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, zamyślenie i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony blaskiem sztuki i harmonią muzyki.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodził się w 1970 roku w Gliwicach, ale od 1989 roku mieszka i pracuje w USA, w mieście Shasta w Kalifornii.

Jako dziecko studiował sztukę pod kierunkiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, więc od najmłodszych lat działalność artystyczna miała pełne wsparcie ze strony obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i artystka pracująca w niepełnym wymiarze godzin, Cathy Gaggliardi, zachęciła Alcasandera do zapisania się do szkoły artystycznej. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee Wisconsin, gdzie studiował malarstwo u profesora filozofii Harry'ego Rosina.

Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata, Balos przeniósł się do Chicago, aby studiować w Szkole Sztuk Pięknych, której metody opierają się na pracach Jacquesa-Louisa Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos posługuje się ludzką postacią, aby podkreślić cechy i wady ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.

Kompozycje fabularne jego obrazów mają na celu samodzielną interpretację widza, dopiero wtedy płótna nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i podmiotowego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu zakres jego twórczości znacznie się rozszerzył i obecnie obejmuje swobodniejsze metody malowania, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrazić idee i ideały bycia poprzez malarstwo.

Alicja Monks

Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodziła się w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Już jako dziecko zainteresowała się malarstwem. Uczęszczała do The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, aw 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo Medici we Florencji.

Następnie kontynuowała studia w ramach programu studiów magisterskich w New York Academy of Art, na Wydziale Sztuki Figuratywnej, którą ukończyła w 2001 roku. Ukończyła Fullerton College w 2006 roku. Przez krótki czas wykładała na uniwersytetach i instytucjach edukacyjnych w całym kraju oraz uczyła malarstwa w nowojorskiej Akademii Sztuki, a także na Montclair State University i Lyme Academy College of Art.

„Korzystając z filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi wyspami koloru — częściami ludzkiego ciała.

Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utrwalone już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Uważnemu widzowi mogłyby powiedzieć wiele o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak korzyści płynące z pływania, tańca itp. Moje postacie są przyciśnięte do szyby kabiny prysznicowej, zniekształcając własne ciało, zdając sobie sprawę, że w ten sposób wpływają na osławione męskie spojrzenie na nagą kobietę. Grube warstwy farby są mieszane ze sobą, aby z daleka naśladować szkło, parę wodną i mięso. Jednak z bliska ujawniają się niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję moment, w którym abstrakcyjne pociągnięcia stają się czymś innym.

Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu mnie to zafascynowało, a nawet miało na jego punkcie obsesję i poczułem, że muszę sprawić, by moje obrazy były jak najbardziej realistyczne. „Wyznawałem” realizm, dopóki ten nie zaczął się rozpadać i dekonstruować. Teraz badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style mogą współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.

Antoni Finelli

włoski artysta - obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech między Rzymem a Campobasso. Jego prace były wystawiane w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: w Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, znajdują się także w kolekcjach prywatnych i publicznych.

Rysunki ołówkiem" Obserwator czasu Antonio Finelli wysyła nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej czasowości i rygorystycznej analizie tego świata z nim związanego, której głównym elementem jest upływ czasu i ślady jakie pozostawia na skórze.

Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika twarzy wskazuje na upływ czasu, artysta ma też nadzieję na odnalezienie na ciałach swoich bohaterów dowodów na bezwzględność czasu. Antonio określa swoje prace jednym ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować prawdziwe skutki upływu czasu w człowieku.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma troje dzieci. Dwanaście lat mieszkała w Rzymie, trzy lata w Anglii i Francji. Ukończył historię sztuki w BD School of Art. Następnie otrzymała dyplom w specjalności konserwator dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.

Pasja Flaminii do malarstwa narodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „coiffer la pate”, a także bawi się materiałem. Podobną technikę poznała w pracach artysty Pascala Torua. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper i François Legrand, a także różnymi nurtami artystycznymi: street artem, chińskim realizmem, surrealizmem i renesansowym realizmem. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.

Denis Czernow

Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Akademii Sztuk Pięknych w 1998 roku zamieszkał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował również na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.

Regularnie bierze udział w wystawach sztuki, w tej chwili było ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość prac Denisa Czernowa znajduje się w zbiorach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.

Denis pracuje w szerokim zakresie technik graficznych i malarskich. Rysowanie ołówkiem to jedna z jego ulubionych technik malarskich, tematyka jego rysunków ołówkiem jest również bardzo różnorodna, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.

„Książki dają mi ogromne poczucie osobistej i twórczej satysfakcji. Kiedy pracuję nad książką, chciałbym, żeby telefon nigdy nie dzwonił. Moja satysfakcja pochodzi z prawdziwych śladów na papierze”.

Amerykański ilustrator książek dla dzieci, Pinkney Jerry, urodził się 22 grudnia 1939 roku w Germantown. W szkole średniej jego miłość i talent do rysowania zauważył rysownik John Liney, który zachęcił go do kontynuowania kariery artysty. Po ukończeniu Dobbins Vocational School Pinkney otrzymał pełne stypendium na studia w Philadelphia Museum College of Art. Później przeniósł się do Bostonu, gdzie pracował przy projektowaniu i ilustrowaniu, ostatecznie otwierając własne studio, Jerry Pinkney Studio, a później przeniósł się do Nowego Jorku. Pinkney Jerry nadal mieszka i pracuje w Nowym Jorku, przez lata swojej twórczej kariery prowadził seminaria na uniwersytecie, w szkołach artystycznych w całym kraju.

„Chciałem pokazać, co afroamerykański artysta może zrobić w tym kraju w sztukach wizualnych. Chcę być silnym wzorem do naśladowania dla mojej rodziny i innych Afroamerykanów”.

Każdy kraj ma swoich bohaterów sztuki współczesnej, których nazwiska są powszechnie znane, których wystawy gromadzą rzesze fanów i ciekawskich, a których prace trafiają do prywatnych kolekcji.

W tym artykule przedstawimy Ci najpopularniejszych współczesnych artystów w Stanach Zjednoczonych.

Iva Morris

Amerykańska artystka Iva Morris urodziła się w wielodzietnej rodzinie z dala od sztuki, a wykształcenie artystyczne otrzymała po szkole. Otrzymała tytuł licencjata w dziedzinie sztuki na Uniwersytecie Nowego Meksyku w 1981 roku. Dziś Iva zajmuje się sztuką od ponad 20 lat, jej prace znane są w kraju i za granicą, wielokrotnie przyniosły jej nagrody i wyróżnienia. Można je znaleźć w galeriach Albuquerque, Sante Fe, Nowego Meksyku, Madrytu.

Warrena Changa

Artysta Urren Cheng urodził się w 1957 roku w Kalifornii, uzyskał tytuł Bachelor of Fine Arts w dziedzinie malarstwa w Pasadena College of Design i przez następne 20 lat pracował jako ilustrator dla różnych firm, rozpoczynając karierę profesjonalnego artysty dopiero w 2009 roku. Styl malarski Chenga wywodzi się z twórczości XVI-wiecznego artysty Jana Vermeera – Warren Cheng pracuje w sposób realistyczny, tworząc dwie główne kategorie: wnętrza biograficzne oraz obrazy przedstawiające ludzi pracy. Obecnie wykłada na Akademii Sztuk Pięknych w San Francisco.

Christopher Traedy Ulrich

Artysta z Los Angeles, Christopher Ulrich, jest surrealistą z zacięciem ikonograficznym. Na jego twórczość ogromny wpływ miała starożytna mitologia. Pierwsza indywidualna wystawa Ulricha (wspólnie z artystą Billy Shire) miała miejsce w czerwcu 2009 roku.

Michael DeVore jako Michael DeVore

Młody artysta, pochodzący z Oklahoma City, Michael Devore, pracuje w tradycji klasycznego realizmu. Z pomocą i wsparciem rodziny zajął się sztuką i zdobył wiele nagród w swoim rodzinnym stanie, zanim zaczął studiować sztuki piękne na Pepperdine University w Malibu. Następnie artysta kontynuował studia we Włoszech. Obecnie jego prace są wystawiane na całym świecie i znajdują się w kolekcjach prywatnych. Michael Devore jest członkiem Oil Painters of America, International Guild of Realism, National Society of Oil and Acryl Painters oraz Portrait Painters of America.

Marii Karol Kenney

Mary Carol Kenny urodziła się w Indianie w 1953 roku. Z wykształcenia jest bardzo daleko związana ze sztukami wizualnymi, ale od 2002 roku, wiedziona pragnieniem zostania artystką, zaczęła uczęszczać na zajęcia z rzeźby i ceramiki w Santa Barbara City College, a następnie rozpoczęła naukę u Ricky’ego Stricha. Obecnie jest członkiem The Santa Barbara Art Ass, Santa Barbara Sculptor's Guild oraz laureatką wielu nagród w dziedzinie rzeźby i malarstwa.

Patrycja Watwood

Realistyczna artystka Patricia Watwood urodziła się w 1971 roku w Missouri. Ukończyła z wyróżnieniem Akademię Sztuk Pięknych, studiowała u Jacoba Collinsa i Teda Setha Jacobsa. Styl artysty to nowoczesny klasycyzm: w obrazach przeplatają się mitologia, alegorie i współczesne życie. Patricia od kilku lat prowadzi wykłady na temat klasycyzmu w całym kraju, a obecnie mieszka z rodziną na Brooklynie.

Paula Rubino

Paula Rubino to współczesna amerykańska artystka i pisarka urodzona w 1968 roku w New Jersey i wychowana na Florydzie. Posiada doktorat z prawa. W latach 90. przeniosła się do Meksyku i skupiła się na malarstwie. Sztukę rysunkową studiowała we Włoszech, gdzie ukończyła swoją pierwszą powieść. Wydano również serię jej opowiadań. Obecnie mieszka w Floryda.

Patsy Valdez

Urodzona w Los Angeles w 1951 roku, Patssy Valdez studiowała sztuki piękne w Otis Art Institute, gdzie w 1980 roku otrzymała nagrodę Distinguished Alumnus. W 2005 roku Valdes otrzymał nagrodę i tytuł „Latina of Excellence in the Cultural Arts” od Amerykańskiego Kongresu Latynoamerykańskiego Forum. Zyskała rozgłos na początku swojej kariery, współpracując z awangardową grupą artystyczną ASCO. Jest laureatem wielu prestiżowych nagród, w tym przyznanych przez J. Paul Getty Visual Arts Trust Fund oraz National Endowment for the Arts. Otrzymał stypendium Brody'ego w dziedzinie sztuk wizualnych. Obrazy Valdesa są częścią kilku dużych kolekcji.

Cynthia Grilli

Artystka Cynthia Grilli uzyskała tytuł Bachelor of Fine Arts w Rhode Island School of Design w 1992 r., a do 1994 r. uzyskała tytuł magistra malarstwa na nowojorskiej Akademii Sztuki. Jej prace były publikowane w wielu publikacjach w USA, wystawiane w całym kraju i znajdują się w kolekcjach prywatnych i korporacyjnych w Ameryce i Europie. Cynthia jest dwukrotną stypendystką Fundacji Elizabeth Greenshields.

Erica Fischla

Eric Fischl urodził się w Nowym Jorku w 1948 roku. W 1972 roku ukończył California Institute of the Arts z tytułem licencjata. Po ukończeniu studiów przez pewien czas pracował jako ochroniarz w Chicago Museum of Modern Art. Po przeprowadzce do Szkocji Fischl rozpoczął nauczanie w Nova Scotia College of Art and Design i bezpośrednio zajął się malarstwem. W Szkocji odbyła się jego pierwsza indywidualna wystawa. Gatunki jego twórczości są bardzo różnorodne, ale głównie malarstwo figuratywne, epizody ze współczesnego życia w Ameryce.

Szczegóły Kategoria: Sztuki piękne i architektura XIX wieku Zamieszczono 08.08.2017 11:47 Wyświetleń: 1925

W 1776 roku Ameryka ogłosiła niepodległość i od tego czasu faktycznie rozpoczyna się rozwój narodowej sztuki plastycznej, która miała odzwierciedlać historię kraju.

Artyści XVIII wieku większość z nich była samoukami i wzorowała się na stylu sztuki brytyjskiej.
A w XIXw. Powstała już pierwsza szkoła malarstwa, Hudson River School.

Szkoła rzeki Hudson

Hudson River School to nazwa grupy amerykańskich malarzy krajobrazu. Ich twórczość rozwijała się w stylu romantyzmu. Obrazy przedstawiały dolinę rzeki Hudson i jej okolice. Artyści najczęściej przedstawiali amerykańskie bezdroża i kwestionowali wykonalność postępu technologicznego.

Thomas Cole „Oxbow” (1836). Metropolitan Museum of Art (Nowy Jork)
Hudson River School nie była zjawiskiem jednorodnym w malarstwie tamtych czasów: istniała na przykład odnoga w stylu impresjonizmu, która nazywała się luminizm. Luminizm przywiązywał dużą wagę do postrzegania światła przez artystę. Luminizm różni się od impresjonizmu tym, że zwraca się większą uwagę na szczegóły, wykonuje się ukryte pociągnięcie pędzla. Ale ogólnie te dwa style są podobne.

Fitz Henry Lane „Statek we mgle” (1860)
Założycielem szkoły był artysta Thomas Cole. Jesienią 1825 roku udał się nad rzekę Hudson. Potem dołączył do niego jego bliski przyjaciel Asher Brown Durand. Inni artyści Szkoły:

Alberta Bierstadta
Johna Williama Casilliera
Kościół Fryderyka Edwina
Tomasz Kol
Samuela Colmana
Jaspera Francisa Cropseya
Thomasa Doughty'ego
Roberta Scotta Duncansona
Sanforda Robinsona Gifforda
Jamesa McDougala Harta
Williama Harta
Williama Stanleya Haseltine'a
Dr Martin Johnson Headey

Malarstwo artystów Hudson School wyróżniało się prostotą i spontanicznością.

Thomas Cole (1801-1848)

Thomas Cole urodził się w Anglii. W 1818 jego rodzina wyemigrowała do Stanów Zjednoczonych. Podstawy zawodu Cole otrzymał od wędrownego portrecisty Steina. Ale portrety mu się nie powiodły i zaczął malować pejzaże. Udało mu się także w obrazach alegorycznych, jak np. cykl Wędrówka życia, składający się z obrazów przedstawiających cztery okresy życia człowieka: dzieciństwo, młodość, dojrzałość i starość. Cykl ten przechowywany jest w National Gallery of Art (Waszyngton, USA)

T. Cole „Dzieciństwo”
Na pierwszym obrazie artysta przedstawił dziecko w łodzi, która pływa po rzece życia. Ta łódź jest prowadzona przez anioła. Dziecko nie jest jeszcze zdolne do samodzielności. Jego horyzonty, jak na zdjęciu, są ograniczone. Postać na dziobie łodzi trzyma klepsydrę, symbolizującą czas.

T. Cole „Młodzież”
Ta sama łódź, ale jest w niej już młody człowiek. Już sam kontroluje łódkę, ale anioł nadal go nie opuszcza - obserwuje go z brzegu.

Anioł nadal obserwuje człowieka, ale jest on pogrążony w swoich problemach, które go ogarniają - podkreśla to ponura kolorystyka obrazu, powalone przez burzę drzewa...

T. Cole „Starość”
A teraz ścieżka życia człowieka dobiega końca. Na łodzi nie ma już klepsydry - czas ziemskiego życia się skończył. A łódź jest cała zniszczona...
Zstąpił do niego anioł stróż, aby skierować jego dalszą drogę do innego świata, aw oddali widoczne są inne anioły. Cole powiedział o tym obrazie: „Kajdany cielesnej egzystencji opadają, a umysł jest już w stanie dostrzec przebłyski życia wiecznego”.

Winslowa Homera (1836-1910)

Zdjęcie z 1880 roku
Amerykański malarz i grafik, twórca malarstwa realistycznego. Najbardziej znany jest ze swoich pejzaży morskich. Malował olejami i akwarelami. Jego twórczość wpłynęła na cały późniejszy rozwój malarstwa amerykańskiego.
Homer był pod wpływem różnych ruchów artystycznych, ale opierał się głównie na tematyce czysto amerykańskiej.
Jego malarstwo z wczesnego okresu jest jasne i pogodne, podczas gdy drugi okres charakteryzuje się ciemnymi tonami i tragicznymi tematami.

W. Homer „Sygnał mgły”. Bostońskie Muzeum Sztuk Pięknych (USA)
Tematem obrazu jest walka człowieka z morzem, stosunek kruchego życia ludzkiego do wiecznej natury.

Thomas Cowperthwaite Eakins (Aikins) (1844-1916)

Amerykański artysta, fotografik, pedagog, największy przedstawiciel amerykańskiego malarstwa realistycznego.

T. Eakinsa. Autoportret (1902)
Ukończył Akademię Sztuk Pięknych w Pensylwanii, dalej doskonalił swoje umiejętności w Europie, głównie w Paryżu pod kierunkiem Jean Leon Gerome. Wykładał w Akademii Sztuk Pięknych, był jej dyrektorem.
Przywiązywał dużą wagę do studium i przedstawiania aktu, wykazując swobodę myślenia, za co został zwolniony. W malarstwie i fotografiach Eakinsa nagie i półnagie ciało zajmuje centralne miejsce. Jest właścicielem wielu zdjęć sportowców. Eakins szczególnie interesował się transmisją ruchów ludzkiego ciała.

T. Eakins „Pływanie” (1895)
Malował portrety w środowisku wielopostaciowym.
Najbardziej znanym dziełem jest Gross Clinic.

T. Eakins „Gross Clinic” (1875)
Obraz przedstawia słynnego filadelfijskiego chirurga Samuela Grossa, który kieruje operacją na oczach studentów akademii medycznej. Artysta przedstawia doktora Grossa jako geniusza ludzkiej myśli, ale obraz szokował współczesnych mu realizmem.
T. Eakins znany jest także z wielu znaczących portretów, w tym z portretu amerykańskiego poety i publicysty Walta Whitmana (1887-1888), który sam poeta uznał za najlepszy.

T. Eakinsa. Portret Whitmana (1887)

James Abbot McNeil Whistler (1834-1903)

Malarz anglo-amerykański, portrecista, akwaforta i litograf. Prekursor impresjonizmu i symbolizmu.

D. Whistlera. Autoportret. Instytut Sztuki (Detroit)
Urodzony w Lowell w stanie Massachusetts. Jego ojciec, George Washington Whistler, znany inżynier kolejowy, został zaproszony w 1842 r. do budowy dróg w Rosji, zaprojektował kolej mikołajowską. W Rosji James uczęszczał do Akademii Sztuk Pięknych. W Stanach Zjednoczonych uczył się w szkole wojskowej, ale został wydalony za słabe wyniki.

D. Whistler „Aranżacja w szarości i czerni. Matka artysty (1871). Musee d'Orsay (Paryż)
To najsłynniejsze dzieło Jamesa Whistlera.
Studiował malarstwo w Paryżu, następnie w Wenecji (zajmował się szkicami akwarelowymi i rycinami).
W pierwszym okresie twórczości Whistlera chęć uchwycenia pierwszego wrażenia na obiekcie - pejzażu czy osobie - bliska była impresjonizmowi. Ale w wielu kwestiach nie zgadzał się z impresjonistami: nie aprobował kultu plenerowego, z góry przemyślał tonację kolorystyczną. W późniejszych pracach Whistler używa niezwykle rozcieńczonych, przypominających akwarele, przezroczystych kolorów, które oddają poczucie niestabilnej mobilności środowiska atmosferycznego.

D. Whistler „Symfonia w szarym i zielonym oceanie” (1866-1872)

gatunek domowy

Wielki rozwój malarstwa amerykańskiego XIX wieku. ma gatunek domowy. Początkowo gatunek ten opierał się na przedstawianiu życia prowincjonalnego za pomocą kart, tańców itp.

Eastman Johnson, Szczęście opuszczonego dyliżansu (1871)
Ale po rozpoczęciu rewolucji przemysłowej i urbanizacji w Stanach Zjednoczonych artyści zaczęli przedstawiać życie mieszkańców dużych miast.

John Gast „Amerykański postęp” (około 1872)
Obraz przedstawia alegoryczną Kolumbię z podręcznikiem w dłoniach. Prowadzi cywilizację na zachód wraz z amerykańskimi osadnikami, rozciągając wzdłuż drogi linię telegraficzną. Na zdjęciu różne rodzaje działalności gospodarczej pierwszych osadników, historia transportu. Indianie i dzikie zwierzęta są przedstawiani jako uciekający przed osadnikami.

„Szkoła kosza na śmieci”

Na przełomie XIX i XX wieku. Stany Zjednoczone doświadczyły szybkiego wzrostu w dużych miastach. Kamer tamtych czasów nie można było jeszcze używać do szybkiego rejestrowania incydentów, więc gazety zatrudniały artystów do ilustrowania. W ten sposób powstała „szkoła kosza na śmieci”, do której należeli Robert Henry, Glenn Colman, Jerome Myers i George Bellows. Głównymi obiektami szkiców pracowni były ulice z ich typowymi przedstawicielami: bezdomnymi dziećmi, prostytutkami, ulicznymi performerami i imigrantami. Pochodzenie, wykształcenie i poglądy polityczne tych artystów były zróżnicowane. Ale Robert Henry uważał, że życie i działalność biedoty, proletariatu i klasy średniej są godne ucieleśnienia w malarstwie – takie są realia tamtych czasów.

Pomoc pielęgniarki George'a Bellowsa Edith Cavell (1918)
„Szkoła kosza na śmieci” zrewolucjonizowała sztuki wizualne w Stanach Zjednoczonych, była ich prekursorem

MALARSTWO AMERYKAŃSKIE
Pierwsze dzieła malarstwa amerykańskiego, które do nas dotarły, pochodzą z XVI wieku; są to szkice wykonane przez członków ekspedycji badawczych. Jednak profesjonalni artyści pojawili się w Ameryce dopiero na początku XVIII wieku; jedynym stałym źródłem utrzymania był dla nich portret; gatunek ten zajmował wiodącą pozycję w malarstwie amerykańskim do początku XIX wieku.
okres kolonialny. Pierwsza grupa portretów, wykonanych w technice malarstwa olejnego, pochodzi z drugiej połowy XVII wieku; w tym czasie życie osadników toczyło się stosunkowo spokojnie, życie się stabilizowało i istniały możliwości dla sztuki. Spośród tych dzieł najsłynniejszy portret pani Frick z córką Marią (1671-1674, Massachusetts Museum of Art w Warster), namalowany przez nieznanego angielskiego artystę. W latach trzydziestych XVIII wieku w miastach wschodniego wybrzeża było już kilku artystów pracujących w bardziej nowoczesny i realistyczny sposób: Henrietta Johnston w Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn w Annapolis (1708), Gustav Hesselius w Filadelfii (1712), John Watson w Perth Emboy w New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) i John Smybert (1728) w Bostonie. Malarstwo dwóch ostatnich wywarło znaczący wpływ na twórczość Johna Singletona Copleya (1738-1815), uważanego za pierwszego wielkiego artystę amerykańskiego. Z rycin z kolekcji Pelham młody Copley wpadł na pomysł angielskiego portretu formalnego i malarstwa Godfreya Nellera, czołowego angielskiego mistrza, który pracował w tym gatunku na początku XVIII wieku. W obrazie Chłopiec z wiewiórką (1765, Boston, Muzeum Sztuk Pięknych) Copley stworzył wspaniały realistyczny portret, delikatny i zaskakująco dokładny w przekazywaniu faktury przedmiotów. Kiedy Copley wysłał tę pracę do Londynu w 1765 roku, Joshua Reynolds poradził mu, aby kontynuował studia w Anglii. Jednak Copley pozostał w Ameryce do 1774 roku i nadal malował portrety, starannie dopracowując w nich wszystkie szczegóły i niuanse. Następnie odbył podróż do Europy iw 1775 osiadł w Londynie; w jego stylu pojawił się manieryzm i cechy idealizacji, charakterystyczne dla ówczesnego malarstwa angielskiego. Do najwspanialszych dzieł wyprodukowanych przez Copleya w Anglii należą duże formalne portrety przypominające prace Benjamina Westa, w tym Brooke Watson and the Shark (1778, Boston, Museum of Fine Arts). Benjamin West (1738-1820) urodził się w Pensylwanii; po namalowaniu kilku portretów Filadelfijczyków przeniósł się w 1763 roku do Londynu. Tutaj zyskał sławę jako malarz historyczny. Przykładem jego twórczości w tym gatunku jest obraz Śmierć generała Wolfe'a (1770, Ottawa, National Gallery of Canada). W 1792 roku West zastąpił Reynoldsa na stanowisku prezesa Brytyjskiej Królewskiej Akademii Sztuk.
Wojna o niepodległość i początek XIX wieku W przeciwieństwie do Copleya i Westa, którzy pozostali na zawsze w Londynie, portrecista Gilbert Stuart (1755-1828) wrócił do Ameryki w 1792 roku, robiąc karierę w Londynie i Dublinie. Wkrótce stał się czołowym mistrzem tego gatunku w młodej republice; Stuart malował portrety prawie każdej wybitnej postaci politycznej i publicznej w Ameryce. Jego prace są wykonywane w żywy, swobodny, szkicowy sposób, bardzo odmienny od stylu amerykańskiej twórczości Copleya. Benjamin West zaprosił młodych amerykańskich artystów do swojego londyńskiego studia; jego uczniami byli Charles Wilson Peel (1741-1827) i Samuel FB Morse (1791-1872). Peel stał się założycielem dynastii malarzy i rodzinnego przedsiębiorstwa artystycznego w Filadelfii. Malował portrety, zajmował się badaniami naukowymi i otworzył Muzeum Historii Naturalnej i Malarstwa w Filadelfii (1786). Z jego siedemnaściorga dzieci wielu zostało artystami i przyrodnikami. Morse, lepiej znany jako wynalazca telegrafu, namalował kilka pięknych portretów i jeden z najbardziej imponujących obrazów w całym malarstwie amerykańskim, Luwr. W tej pracy około 37 płócien jest reprodukowanych w miniaturze z niesamowitą dokładnością. Dzieło to, jak wszystkie dzieła Morse'a, miało na celu zapoznanie młodego narodu z wielką kulturą europejską. Washington Allston (1779-1843) był jednym z pierwszych artystów amerykańskich, którzy złożyli hołd romantyzmowi; podczas długich podróży po Europie malował burze morskie, poetyckie sceny włoskie i sentymentalne portrety. Na początku XIX wieku powstały pierwsze amerykańskie akademie artystyczne, które kształciły studentów i brały bezpośredni udział w organizowaniu wystaw: Pennsylvania Academy of Arts w Filadelfii (1805) i National Academy of Drawing w Nowym Jorku (1825), której pierwszym prezesem został S. R. Morse . W latach dwudziestych i trzydziestych XIX wieku John Trumbull (1756-1843) i John Vanderlyn (1775-1852) namalowali ogromne kompozycje oparte na historii Ameryki, które zdobiły ściany rotundy Kapitolu w Waszyngtonie. W latach trzydziestych XIX wieku pejzaż stał się dominującym gatunkiem w malarstwie amerykańskim. Thomas Cole (1801-1848) malował pustkowie północy (stan Nowy Jork). Twierdził, że zniszczone przez pogodę góry i jasne jesienne lasy są bardziej odpowiednimi tematami dla amerykańskich artystów niż malownicze europejskie ruiny. Cole namalował także kilka pejzaży nasyconych etycznym i religijnym znaczeniem; wśród nich cztery duże obrazy Droga życia (1842, Waszyngton, National Gallery) - alegoryczne kompozycje przedstawiające łódź spływającą po rzece, w której siedzi chłopiec, potem młody mężczyzna, potem mężczyzna i wreszcie starzec. Wielu pejzażystów poszło za przykładem Cole'a i przedstawiało w swoich pracach widoki amerykańskiej przyrody; często są łączone razem pod nazwą „Hudson River School” (co nie jest prawdą, ponieważ pracowali w całym kraju i pisali w różnych stylach). Spośród amerykańskich malarzy gatunkowych najbardziej znani są William Sidney Mount (1807-1868), który malował sceny z życia rolników z Long Island, oraz George Caleb Bingham (1811-1879), którego obrazy poświęcone są życiu rybaków z brzegi Missouri i wybory w małych prowincjonalnych miasteczkach. Przed wojną secesyjną najpopularniejszym artystą był Frederick Edwin Church (1826-1900), uczeń Cole'a. Malował głównie w dużym formacie i wykorzystywał motywy momentami zbyt naturalistyczne, by przyciągnąć i oszołomić publiczność. Church podróżował do najbardziej egzotycznych i niebezpiecznych miejsc, zbierając materiał na obraz południowoamerykańskich wulkanów i gór lodowych mórz północnych; jednym z jego najsłynniejszych dzieł jest obraz Wodospad Niagara (1857, Waszyngton, Corcoran Gallery). W latach 60. XIX wieku ogromne płótna Alberta Bierstadta (1830-1902) budziły powszechny podziw dla przedstawionego na nich piękna Gór Skalistych z ich czystymi jeziorami, lasami i strzelistymi szczytami.

Okres powojenny i przełom wieków. Po wojnie secesyjnej w Europie modne stało się studiowanie malarstwa. W Düsseldorfie, Monachium, a zwłaszcza w Paryżu można było zdobyć o wiele bardziej fundamentalne wykształcenie niż w Ameryce. James McNeil Whistler (1834-1903), Mary Cassatt (1845-1926) i John Singer Sargent (1856-1925) studiowali w Paryżu, mieszkali i pracowali we Francji i Anglii. Whistler był bliski francuskim impresjonistom; w swoich obrazach zwracał szczególną uwagę na zestawienia kolorystyczne oraz wyrazistą, zwięzłą kompozycję. Mary Cassatt na zaproszenie Edgara Degasa brała udział w wystawach impresjonistów w latach 1879-1886. Sargent malował portrety najwybitniejszych ludzi Starego i Nowego Świata w śmiały, impulsywny, szkicowy sposób. Przeciwna strona spektrum stylistycznego impresjonizmu w sztuce końca XIX wieku. zajmowali artyści realiści malujący iluzjonistyczne martwe natury: William Michael Harnett (1848-1892), John Frederic Peto (1854-1907) i John Haberl (1856-1933). Dwaj główni artyści przełomu XIX i XX wieku, Winslow Homer (1836-1910) i Thomas Eakins (1844-1916), nie należeli do żadnego z modnych wówczas ruchów artystycznych. Homer rozpoczął karierę artystyczną w latach 60. XIX wieku od ilustrowania nowojorskich magazynów; już w latach 90. XIX wieku miał reputację znanego artysty. Jego wczesne obrazy to sceny z wiejskiego życia nasycone jasnym światłem słonecznym. Później Homer zwrócił się ku bardziej złożonym i dramatycznym obrazom i motywom: Prąd Zatokowy (1899, Met) przedstawia rozpacz czarnego marynarza leżącego na pokładzie łodzi na wzburzonym, pełnym rekinów morzu. Thomas Eakins za życia był poddawany ostrej krytyce za nadmierny obiektywizm i bezpośredniość. Teraz jego prace są wysoko cenione za ścisły i wyraźny rysunek; jego pędzel należy do wizerunków sportowców i szczerych, sympatycznych portretów.

XX wiek. Na początku wieku ceniono przede wszystkim naśladownictwo francuskiego impresjonizmu. Publiczny gust został zakwestionowany przez grupę ośmiu artystów: Robert Henry (1865-1929), WJ Glackens (1870-1938), John Sloane (1871-1951), JB 1876-1953), AB Davis (1862-1928), Maurice Prendergasta (1859-1924) i Ernesta Lawsona (1873-1939). Krytycy nazwali ich szkołą „koszów na śmieci” ze względu na ich zamiłowanie do przedstawiania slumsów i innych prozaicznych tematów. W 1913 roku na tzw. „Zbrojownia” pokazała prace mistrzów należących do różnych dziedzin postimpresjonizmu. Artyści amerykańscy byli podzieleni: jedni zwrócili się ku badaniu możliwości koloru i abstrakcji formalnej, inni pozostali przy tradycji realistycznej. Do drugiej grupy należeli Charles Burchfield (1893-1967), Reginald Marsh (1898-1954), Edward Hopper (1882-1967), Fairfield Porter (1907-1975), Andrew Wyeth (ur. 1917) i inni. Obrazy Ivana Albrighta (1897-1983), George'a Tookera (ur. 1920) i Petera Blooma (1906-1992) utrzymane są w stylu "magicznego realizmu" (podobieństwo do natury w ich pracach jest przesadzone, a rzeczywistość bardziej jak sen lub halucynacja). Inni artyści, tacy jak Charles Sheeler (1883-1965), Charles Demuth (1883-1935), Lionel Feininger (1871-1956) i Georgia O "Keeffe (1887-1986), łączyli w swoich pracach elementy realizmu, kubizmu, ekspresjonizmu i innych nurtów sztuki europejskiej. Marynistyczne widoki Johna Marina (1870-1953) i Marsdena Hartleya (1877-1943) bliskie są ekspresjonizmowi. Wizerunki ptaków i zwierząt na obrazach Maurice'a Gravesa (ur. 1910) zachowały się do dziś związek ze światem widzialnym, choć formy w jego twórczości są mocno zniekształcone i sprowadzone do niemal skrajnych oznaczeń symbolicznych. Po II wojnie światowej malarstwo bezprzedmiotowe stało się wiodącym nurtem w sztuce amerykańskiej. Główną uwagę zwrócono teraz na sama powierzchnia obrazu była postrzegana jako arena interakcji linii, brył i plam barwnych. Ekspresjonizm abstrakcyjny zapanował w tych latach, stając się pierwszym ruchem w malarstwie, który pojawił się w Stanach Zjednoczonych i miał międzynarodowe znaczenie, kierowany przez Arsaila Gorkiego (1904-1948), Willema de Kooninga (Kooninga) (1904-1997), Jacksona Pollocka (1912-1956), Marka Rothko (1903-1970) i ​​Franza Kline'a (1910-1962). Jednym z najciekawszych odkryć abstrakcyjnego ekspresjonizmu była metoda artystyczna Jacksona Pollocka, który kapał farbę na płótno lub rzucał nią, tworząc złożony labirynt dynamicznych linearnych form. Inni artyści tego nurtu - Hans Hofmann (1880-1966), Clyford Still (1904-1980), Robert Motherwell (1915-1991) i Helen Frankenthaler (ur. 1928) - uprawiali technikę bejcowania płócien. Innym wariantem sztuki nieobiektywnej jest malarstwo Josefa Albersa (1888-1976) i Eda Reinharta (1913-1967); ich obrazy składają się z zimnych, dokładnie obliczonych geometrycznych kształtów. Inni artyści, którzy pracowali w tym stylu, to Ellsworth Kelly (ur. 1923), Barnett Newman (1905-1970), Kenneth Noland (ur. 1924), Frank Stella (ur. 1936) i Al Held (ur. 1928); później poprowadzili kierunek opt-art. Pod koniec lat 50. sztuce nieobiektywnej sprzeciwiali się Robert Rauschenberg (ur. 1925), Jasper Johns (ur. 1930) i Larry Rivers (ur. 1923), zajmujący się mediami mieszanymi, w tym techniką asamblażu. W swoich „obrazach” umieszczali fragmenty fotografii, gazet, plakatów i innych przedmiotów. Na początku lat 60. ze zgromadzenia zrodził się nowy ruch, tzw. pop-artu, którego przedstawiciele bardzo starannie i dokładnie odtwarzali w swoich pracach różnorodne przedmioty i obrazy amerykańskiej popkultury: puszki Coca-Coli i konserwy, paczki papierosów, komiksy. Czołowymi artystami tego nurtu są Andy Warhol (1928-1987), James Rosenquist (ur. 1933), Jim Dine (ur. 1935) i Roy Lichtenstein (ur. 1923). W ślad za pop-artem pojawił się opt art, oparty na zasadach optyki i iluzji optycznej. W latach 70. w Ameryce nadal istniały różne szkoły ekspresjonizmu, geometryczny hard-edge, pop-art, coraz bardziej modny fotorealizm i inne style sztuk pięknych.

LITERATURA
Czegodajew AD Sztuka Stanów Zjednoczonych Ameryki od wojny o niepodległość do współczesności. M., 1960 Czegodajew A.D. Sztuka Stanów Zjednoczonych Ameryki. 1675-1975. Malarstwo, architektura, rzeźba, grafika. M., 1975

Encyklopedia Colliera. - Społeczeństwo otwarte. 2000 .

Zobacz, co „MALARSTWO AMERYKAŃSKIE” znajduje się w innych słownikach:

Codzienne sceny i pejzaże amerykańskich artystów z lat 20. i 30., wykonane w naturalistyczny, opisowy sposób. Amerykańskie malarstwo rodzajowe nie było zorganizowanym ruchem, było szeroko rozpowszechnione wśród amerykańskiej… Wikipedii

- „Wesele chłopskie”, 1568, Pieter Brueghel, Kunsthistorisches Museum, Wiedeń ... Wikipedia

Współrzędne: 29°43′32″s. cii. 95°23′26″ szer  /  29,725556° N cii. 95,390556° W itp. ... Wikipedii

Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku- Jedno z największych muzeów na świecie i największe muzeum sztuki w Stanach Zjednoczonych - Metropolitan Museum of Art, zlokalizowane w Nowym Jorku po wschodniej stronie Central Parku na Manhattanie. Miejsce to znane jest jako Mila Muzeów…… Encyklopedia twórców wiadomości

Wikipedia zawiera artykuły o innych osobach o tym nazwisku, patrz Bessonova. Marina Aleksandrovna Bessonova (22 lutego 1945 (19450222), Moskwa, 27 czerwca 2001, Moskwa) jest rosyjską historyczką sztuki, krytykiem i muzealnikiem. Spis treści 1 ... ... Wikipedia

Jedno z największych muzeów sztuki w USA. Założona w Bostonie w 1870 r. Przechowuje wybitne przykłady rzeźby ze starożytnego Egiptu (popiersie Ankhhaf, III tysiąclecie pne), Grecji i Rzymu, tkaniny koptyjskie, średniowieczną sztukę Chin i Japonii ... ... Wielka radziecka encyklopedia

- (De Kooning, Willem) DE Kooning w swoim studio. (1904-1997), współczesny artysta amerykański, kierownik szkoły abstrakcyjnego ekspresjonizmu. De Kooning urodził się 24 kwietnia 1904 roku w Rotterdamie. W wieku 15 lat zapisał się na wieczorowe kursy malarstwa ... ... Encyklopedia Colliera

- (Chattanooga) miasto w południowo-wschodnich Stanach Zjednoczonych (patrz Stany Zjednoczone Ameryki) (Tennessee); port na rzece Tennessee w Wielkiej Dolinie Appalachów; położone między Appalachami a płaskowyżem Cumberland, na granicy ze stanem Georgia. Ludność 153,6 tys. ... ... Encyklopedia geograficzna

- (Chattanooga), miasto w południowo-wschodnich Stanach Zjednoczonych, Tennessee. Port na rzece. Tennessee. 152 tys. mieszkańców (1994; z przedmieściami ok. 430 tys. mieszkańców). Przemysł chemiczny, włókienniczy, celulozowo-papierniczy. Metalurgia żelaza, inżynieria mechaniczna. ... ... słownik encyklopedyczny

Barbara Rose (ur. 1938) jest amerykańską historyczką i krytyczką sztuki. Studiowała w Smith College, Barnard College i Columbia University. W latach 1961-1969 była żoną artysty Franka Stelli. W ... ... Wikipedii

Książki

• Obrazy angielskie i amerykańskie w Washington National Gallery (miękka okładka), EG Milyugina, Washington National Gallery posiada największe na świecie kolekcje wysokiej jakości obrazów angielskich i amerykańskich. Zbiory odzwierciedlają zarówno historię malarstwa światowego,… Kategoria: