Rzeźba z XVIII wieku

„Jeździec miedziany”. Rzeźbiarz EM Falcone.

Cechy rzeźby XVIII wieku.

W XVIII wieku, zwłaszcza od jego drugiej połowy, rozpoczął się rozkwit rzeźby rosyjskiej.

Głównym kierunkiem jest klasycyzm.

Powszechne stosowanie motywów świeckich.

Rzeźbiarzy łączyły idee obywatelstwa i patriotyzmu, wzniosłe ideały starożytności.

W męskim wizerunku rzeźbiarze starali się ucieleśnić cechy bohaterskiej osobowości, aw kobiecym wizerunku ideały piękna, harmonii i doskonałości.

Charakteryzuje się różnorodnością form rzeźbiarskich: monumentalne, architektoniczne i dekoracyjne, rzeźba sztalugowa (czyli trójwymiarowa), powstało wiele popiersi wybitnych osobistości.

Klasycyzm wymagał ścisłego systemu rozmieszczenia kreacji na elewacji budowli: w centralnej części budowli, na głównym portyku, w ryzalitach bocznych lub wieńczących budowlę, stapiających się z niebem.

Rzeźba XVIII wieku charakteryzuje się połączeniem, fuzją cech baroku i klasycyzmu.

Gatunek portretowy w rzeźbie związany jest przede wszystkim z nazwiskiem Shubin F.I. Stworzył obszerną galerię portretów, przedstawiającą w marmurze wybitne postacie swoich czasów, oddające zarówno indywidualny, jak i społeczny wygląd tych ludzi.

Dla Gordeeva F.G. charakteryzuje się tworzeniem rzeźby monumentalno - dekoracyjnej. Złożoność sylwetek, dynamika, ekspresja, figury alegoryczne – wszystko to charakteryzuje jego twórczość. Stworzył szereg płaskorzeźb o tematyce antycznej na elewacje i wnętrza.

Wiek XVIII to okres działalności utalentowanych rzeźbiarzy Rastrelli K., Kozlovsky M.I. , Falcone E. inni. To naprawdę okres rozkwitu rosyjskiej rzeźby.

B.K. Rastrelli (1675-1744)

Rzeźbiarski portret Petera IBK Rastrelli, 1723-1729, Muzeum Rosyjskie.

Anna Ioannovna z czarnym chłopcem, B.K. Rastrelli, 1741, Muzeum Rosyjskie.

Pomnik Piotra I na Zamku Michajłowskim w Petersburgu, B.K. Rastrelli, 1800.

Popiersie AD Mienszykow. Rzeźbiarz B.K. Rastrelli, 1716-1717, Pałac Mienszykowa, Petersburg.

EM. Falcone (1816-1891).

„Jeździec miedziany”, EM Falcone, Petersburg, 1782

Zima. EM. Falcone, 1771, Ermitaż.

MI. Kozłowski (1753-1802).

Relief „Książę Izyasław Mścisławowicz na polu bitwy”, M.I. Kozłowski.1771.

Pomnik A.V. Suworow. Rzeźbiarz MI Kozłowski, Petersburg, 1799-1801.

Samson rozdziera paszczę lwa. Rzeźbiarz MI Kozłowski, 1800, Peterhof.

Odniesienie: podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Samson został porwany, po wojnie został przywrócony przez rzeźbiarza V.A. Samsonowa i umieścić na starym miejscu.

FG Gordiejew (1744-1810).

Prometeusz, rzeźbiarz F.G. Gordeev, gips, 1769, Galeria Trietiakowska.

FI Szubina (1740-1805).

Katarzyna II - prawodawca, F.I. Shubin.1789-1890

Popiersie Katarzyny II, F.I. Szubin, 1770.

Popiersie Golicyna. FI Shubin, 1775. Za ten rzeźbiarski portret Katarzyna II nagrodziła mistrza złotą tabakierką.

Popiersie M.V. Łomonosow, rzeźbiarz F.I. Szubin, 1792.

Popiersie Pawła I, F.I. Szubin, 1800.

Notatka:

Rzeźba sięga czasów pogańskich, kiedy powstawały dzieła z drewna. Jednak po chrystianizacji na Rusi rzeźba rozwijała się słabo. Wynikało to z zakazu bałwochwalstwa.

Początek rozwoju rzeźby związany jest z epoką Piotra I. Początkowo rzeźbiarze zapożyczali europejskie gatunki i metody. A sami twórcy byli w większości obcokrajowcami. Jednak z czasem pojawiają się również mistrzowie krajowi. Rzeźba osiągnęła wysoki poziom w Złotym Wieku Katarzyny II. Ponadto jego rozwój był kontynuowany, ulepszany, a dziś rzeźba jest jednym z popularnych gatunków kultury.

Materiał przygotowany: Melnikova Vera Alexandrovna

Pierwsze dzieła rąk ludzkich, które można nazwać rzeźbami, pojawiły się w czasach prehistorycznych i były bożkami czczonymi przez naszych przodków. W ciągu ostatnich setek tysięcy lat sztuka rzeźbiarska osiągnęła niespotykane dotąd wyżyny, a dziś w muzeach i na ulicach wielu miast na całym świecie można zobaczyć prawdziwe arcydzieła, które niezmiennie budzą podziw wśród zwiedzających i przechodniów. Który więc ze słynnych rosyjskich i zagranicznych mistrzów różnych epok może pochwalić się swoim nazwiskiem w kategorii „słynnych rzeźbiarzy” i które z ich dzieł znajdują się w złotym funduszu sztuki światowej?

Znani rzeźbiarze starożytnego świata

Jak już wspomniano, sztuka rzeźbiarska powstała wiele tysiącleci temu, o czym świadczą liczne kamienne i gliniane trójwymiarowe wizerunki ludzi, zwierząt i mitycznych stworzeń znalezione podczas wykopalisk archeologicznych. Oczywiście nikt nie wie, kim byli ich autorzy, ale historia zachowała nazwiska niektórych wielkich rzeźbiarzy, którzy tworzyli w okresie od XIV wieku pne do współczesności. mi. i do I wieku naszej ery. mi.

Na przykład, zapytany, kim są najsłynniejsi rzeźbiarze starożytnego świata, koniecznie wymienia między innymi wielkiego starożytnego egipskiego rzeźbiarza Totmesa Młodszego. Pracował na dworze faraona Echnatona i stworzył jedno z najsłynniejszych dzieł sztuki okresu amarneńskiego – popiersie królowej Nefertiti. O tym, kim są najsłynniejsi rzeźbiarze Grecji i Rzymu starożytności, jest znacznie więcej informacji. W szczególności mistrzowie Critias i Nesiot stworzyli w V wieku pne. mi. wspaniała kompozycja Harmodiusa i Arystogeitona, która później niejednokrotnie inspirowała późniejszych rzeźbiarzy. Jeszcze większe wyżyny w sztuce rzeźbiarskiej osiągnął wielki Fidiasz, który jest autorem złota i kości słoniowej, uznawanych za jeden z cudów starożytnego świata. Nie sposób nie zauważyć ogromnego wkładu w rozwój sztuki antycznej, jaki wnieśli tak znani rzeźbiarze jak Skopas, Praksyteles czy Lizyp, którzy stworzyli tzw. kwadrygę św. Marka. Jeśli chodzi o rzeźbiarzy rzymskich, większość ich dzieł, takich jak słynny Apollo Belvedere, to kopie greckich oryginałów.

Znani rzeźbiarze świata: epoka średniowiecza

Jak wiadomo początek okresu historycznego, który nastąpił po upadku zachodniego cesarstwa rzymskiego, nie był najlepszym okresem dla rozwoju sztuki. Dlatego dziś nie są znane żadne szczególnie znaczące dzieła sztuki rzeźbiarskiej z V-XII wieku. Na szczęście z czasem nakazy kościoła zaczęły słabnąć i pojawiły się rzeźby świętych i władców, których autorzy pozwolili sobie odejść od ścisłych kanonów sztuki sakralnej i uczynić swoje dzieła bardziej realistycznymi. Jako przykład można przytoczyć takich mistrzów jak ojciec i syn Pisano, którzy działali na przełomie XIII i XIV wieku. I oczywiście, jeśli chodzi o najsłynniejszych rzeźbiarzy epoki gotyku, nie sposób nie wymienić Adama Krafta, twórcy luksusowego ołtarza Kaplicy Tetzel.

Sztuka rzeźby renesansowej

Chyba nie ma osoby, która nie wie, kim są najsłynniejsi rzeźbiarze i ich dzieła okresu renesansu. Rzeczywiście, do tej epoki należą takie arcydzieła jak posąg Dawida i którego kopie zdobią kościoły katolickie na całym świecie, a także pomnik Gattamelata Donatello i „Perseusz” Benvenuto Celliniego. Z francuskich mistrzów warto zwrócić uwagę na Jeana Goujona i Germaina Pilona, ​​którzy pracowali pod wpływem swoich włoskich kolegów.

Znani mistrzowie rzeźby XVIII wieku

Wspaniałym przykładem sztuki współczesnej rzeźby jest słynna Fontanna di Trevi w Palazzo Poli w Rzymie, która uważana jest za jeden z symboli włoskiej stolicy. Jej autorami są Nicolo Salvi i Pietro Bracci, którzy wykonali figurę Neptuna i trytonów. W XVIII wieku pracowali także Edmond Bouchardon i Jean-Baptiste Pigalle, który zasłynął ze swoich nagrobków rzymskich papieży. Jeśli chodzi o angielskich mistrzów, można wyróżnić wśród nich swoiste trio, w skład którego wchodzą John Flaxman, Joseph Nollekens i Thomas Banks.

Rzeźba europejska XIX wieku

Początek przedostatniego stulecia upłynął pod znakiem pojawienia się jasnej gwiazdy światowej rzeźby – Bertela Thorvaldsena, który w 1803 roku zaprezentował publiczności swojego „Jasona”. Po głośnym światowym debiucie stał się niezwykle rozchwytywanym mistrzem wśród znamienitych odbiorców z różnych krajów, aw swoim dość długim życiu twórczym wyrzeźbił wiele znakomitych kompozycji i portretów znanych osób. W szczególności warto wspomnieć o potężnym fryzie przedstawiającym wyczyny Aleksandra Wielkiego, stworzonym przez niego w 1812 roku do dekoracji Pałacu Kwirynalskiego.

Zastanawiając się, kim byli najsłynniejsi rzeźbiarze i ich dzieła XIX wieku, jednym z pierwszych nazwisk, które przychodzi na myśl, jest Auguste Rodin. I wcale nie jest to zaskakujące, ponieważ jego dzieła „Myśliciel” i „Pocałunek” są uznawane za największe arcydzieła sztuki światowej. Z mistrzów rzeźby w Niemczech na szczególną uwagę zasługuje L. Schwanthaler, który stworzył wiele wspaniałych dzieł zdobiących pałace i inne znaczące budowle w Monachium.

Rzeźbiarze XX-XXI wieku

W ubiegłym stuleciu tradycje wielkich włoskich mistrzów kontynuował Giacomo Manza, który zasłynął stworzeniem wykonanej dla niego w Rzymie Bramy Śmierci. Ponadto warto wspomnieć o takich mistrzach, jak Jacques Lipchitz i Ossip Zadkine, którzy pracowali w surrealistycznym stylu. W kategorii „Najsłynniejsi rzeźbiarze świata” znalazło się także dzieło „Walking Man” powstałe w 1961 roku, które w Sotheby’s wyceniono na 104,3 mln dolarów. Wśród rzeźbiarzy końca XX wieku warto wymienić także Lynn Chadwick i Barry'ego Flanagana.

Znani rzeźbiarze Rosji z XVIII-XIX wieku

Nie ma potrzeby mówić o sztuce rzeźbiarskiej w Rosji w epoce przed Piotrowej, ponieważ po prostu nie istniała. Założenie Petersburga skłoniło nas do zastanowienia się nad dekorowaniem jego pałaców i placów kompozycjami rzeźbiarskimi, jak to było w zwyczaju w krajach europejskich, więc na dwór zaczęto zapraszać zagranicznych mistrzów. Tak więc pierwszymi znanymi rzeźbiarzami „rosyjskimi” byli cudzoziemcy. Na przykład zachowało się kilka trójwymiarowych portretów, wykonanych przez ojca przyszłego wielkiego architekta, K. B. Rastrelli.

Po założeniu przez Katarzynę II II Akademii Sztuk Pięknych zaczęli tam studiować Rosjanie. W szczególności w latach jej panowania wyróżnili się tacy pionierzy krajowej sztuki rzeźbiarskiej, jak F. Shubin, M. Kozlovsky i F. Gordeev, którzy stworzyli słynnego Samsona. Szczególnie wielu utalentowanych rzemieślników pojawiło się w XIX wieku. W szczególności w tym okresie pracowali tak znani rzeźbiarze Rosji, jak M. M. Antokolsky, autor pomnika Piotra Wielkiego w Peterhofie, A. M. Opekushin, P. Velionsky i I. N. Schroeder.

Jednym z najbardziej rozpoznawalnych dzieł rzeźbiarskich pierwszej połowy XX wieku jest oczywiście słynny pomnik Very Muchiny „Robotniczka i kołchozowa kobieta” - uznane arcydzieło socrealizmu. Nie mniej interesujące są prace E. Vutechicha, który stworzył „Wojownika-Wyzwoliciela” dla berlińskiego parku Treptow i światowej sławy pomnika „Ojczyzna”, oraz M. Anikushina, autora pomników A.P. Czechowa i A. Puszkina, który został zainstalowany w Leningradzie w 1957 roku.

Jeśli chodzi o to, kim są najbardziej znani rosyjscy rzeźbiarze okresu poradzieckiego, prawdopodobnie Ernst Neizvestny, który rozpoczynając pracę w czasach ZSRR, został zmuszony do emigracji do Stanów Zjednoczonych, a jego najważniejsze dzieło „ Maska Smutku”, należy im również przypisać magadański pomnik ofiar represji stalinowskich – utworzony w 1996 r. Innym rzeźbiarzem, który zyskał szerokie uznanie w ostatnich dziesięcioleciach, jest M. Shemyakin, wśród którego dzieł na szczególną uwagę zasługuje wielopostaciowa kompozycja „Dzieci – ofiary wad dorosłych”.

E. Falcone. Piotr I

W przeciwieństwie do innych form sztuki rzeźba nie miała w Rosji tak długiej i silnej tradycji. Rzeźba od pierwszych kroków łączy w sobie portret, monumentalny posąg, dekoracyjną płaskorzeźbę i medalierstwo. W tamtych czasach używano głównie odlewów z wosku i brązu, rzadziej z białego kamienia i marmuru. Szeroko stosowano sztukaterie alabastrowe i rzeźby w drewnie. Dużą rolę w rozwoju sztuki rosyjskiej rzeźby odegrały osoby podróżujące za granicę. Zapoznali się ze starożytną rzeźbą, a nawet przywieźli ją ze sobą do Rosji. Wykorzystanie rzeźby do celów dekoracyjnych rozpoczęło się już w czasach Piotra Wielkiego, w szczególności zdobiono płaskorzeźbami budowle triumfalne, fasady Pałacu Letniego itp.

W drugiej połowie XVIII wieku nastąpił niezwykły rozkwit rzeźby rosyjskiej. Genialni mistrzowie tego okresu - F. Shubin, F. Gordeev, I. Prokofiev, F. Shchedrin, I. Martos - w niczym nie ustępują zagranicznym rzeźbiarzom swoich czasów, a pod pewnymi względami ich przewyższają. Chociaż rosyjscy mistrzowie są indywidualni na swój sposób, wszyscy opierają się na wspólnych zasadach twórczych. Wyjaśnia to fakt, że wszyscy rzeźbiarze ukończyli Akademię Sztuk Pięknych w Petersburgu i studiowali u wybitnego nauczyciela, Francuza Nicolasa Gilleta. Ogromną rolę odegrał klasycyzm, który polegał na dogłębnym badaniu zabytków starożytności. Wątki związane ze starożytną mitologią, tradycjami biblijnymi i wydarzeniami historycznymi są szeroko rozpowszechnione. Ważne staje się podążanie za wzniosłymi ideami obywatelstwa i patriotyzmu. Pod wpływem starożytności rzeźbiarze gloryfikują heroiczne, męskie piękno nagiego ludzkiego ciała, częściej męskiego, rzadziej kobiecego.

BARTOLOMEO - CARLO RASTRELLI (1675 - 1744)

Był najważniejszym rzeźbiarzem tego okresu. Rastrelli przybył do Rosji w 1716 roku i pracował tu do końca życia. Rastrelli stworzył wspaniałą rzeźbę Piotra I.

Portret Piotra I (1723 -1729)

W skomplikowanym obrocie głowy, w śmiałym zdjęciu płaszcza rzeźbiarz przekazał impulsywność, emocjonalność charakteru Piotra, znaczenie, imponowanie jego osobowości. Odcisnęło to piętno w stylach baroku i klasycyzmu, które nie mogły nie wpłynąć na twórczość Rastrellego. Tutaj splendor wyglądu króla i nieugiętość charakteru męża stanu łączą się.

B.-K. Rastrelli. Portret Anny Ioannovny z czarnym chłopcem

Cesarzowa Anna Ioannovna wystąpi we wspaniałym stroju koronacyjnym w towarzystwie czarnoskórej kobiety, która ofiaruje jej kulę. Przed nami nie posąg, ale cała grupa, gdzie każda postać ma osobny cokół. Rzeźba jest zaprojektowana do okrągłego widoku. Rastrelli wykonał rzeźbę w stylu barokowym, więc obowiązuje tu zasada opozycji: bardzo duża Anna Ioannovna i małe czarne dziecko, bardzo statyczna, majestatyczna cesarzowa i żywy, zwinny chłopiec, kontrast promiennej powierzchni twarz, ramiona, ramiona i matowo połyskujące, usiane drogocennymi kamieniami i szyte powierzchnie cesarskich sukienek. Wysoka i gruba, z twarzą, jak mówili współcześni, „bardziej męską niż kobiecą”, Anna Ioannovna robi silne, niemal przerażające wrażenie. Ale to nie jest efekt donosu, ale ostre wyniesienie do rangi splendoru, majestatu.

FEDOT IWANOWICZ SZUBIN (1740 - 1805)

Pochodzący z tej samej wioski rybackiej co Łomonosow. Studiował na Akademii Sztuk Pięknych, jego głównym nauczycielem był rzeźbiarz Nicola Gillet. Doskonalił swoje nauczanie za granicą, we Francji i we Włoszech, studiował zabytki starożytności. Shubin stworzył wiele wspaniałych rzeźbiarskich obrazów w stylu klasycyzmu, starając się ujawnić różne aspekty swojej osobowości w człowieku, starając się być niezwykle obiektywnym, delikatnym i protekcjonalnym. Czasami jednak potrafił złagodzić i uszlachetnić osobliwe cechy modela.

Portret I. S. Barysznikowa

To wysoki urzędnik - tajny doradca. Rzeźbiarz podkreślił na smukłej twarzy Barysznikowa arogancki, ale inteligentny wygląd, majestatyczną godność. Czuje się, że osoba ta zna swoją wartość, umie i stara się podkreślić arystokrację swojego wyglądu.

Katarzyna II jest prawodawcą. Marmur. 1789

Portret MV Łomonosowa. Marmur. do 1793 roku

Portret cesarzowej Katarzyny II

E. Falcone. Piotr I („Jeździec miedziany”)

ETIENNE FALCONET (1716 - 1791)

E. M. Falcone jest bezpośrednio związany z rozkwitem rosyjskiej rzeźby monumentalnej. We Francji dał się poznać jako mistrz rzeźby sztalugowej i kameralnej. Starzejący się już Falcone został zaproszony do Rosji w 1765 r. specjalnie w celu wypełnienia cesarskiego rozkazu - pomnika Piotra I. Tutaj, w atmosferze rodzącego się rosyjskiego klasycyzmu, ukończył to monumentalne dzieło. Słynny pomnik Piotra I na Placu Senackim w Petersburgu jest słusznie uważany za twórcę kultury rosyjskiej.

To heroiczny obraz, w którym najważniejsza jest niezłomna, wszechogarniająca energia i celowość woli. Potężny koń szybko wlatuje na wielką kamienną skałę i zastyga z wysoko uniesionymi przednimi nogami. Piotr władczo wyciąga rękę do przodu, jakby potwierdzał swoją wolę, potwierdzał nową, przekształconą przez niego Rosję. W rysach twarzy Piotra podkreśla się niezniszczalną energię, wewnętrzny ogień. Pięknie otoczona pierścieniami włosów, głowa jest zwieńczona laurami. Postać cesarza jest bardzo majestatyczna. Ubrany jest w luźne ubranie, na które narzucony jest płaszcz opadający pięknymi dużymi fałdami na koński zad.

Ważnym symbolem jest tu wąż zdeptany przez konia. Wąż od dawna uważany jest przez ludy europejskie za ucieleśnienie zła, oszustwa. Falcone wyraził ideę zazdrosnych ludzi, podstępnych zdrajców, wrogów wszystkiego, co nowe, którzy ingerowali w Piotra w jego przekształcających działaniach.

Inskrypcja na pomniku Piotra Wielkiego.

Ten wizerunek wyrzeźbił mądry bohater, który dla dobra swoich poddanych, pozbawiając się spokoju,
Ten ostatni objął stanowisko i panował, służył, sam swoim przykładem zaaprobował swoje prawa,
Urodzony do berła, do pracy wyciągnął ręce, ukrył potęgę monarchy, abyśmy mogli odkrywać nauki.
Kiedy budował miasto, znosił trudy wojen, przebywał w dalekich krajach i wędrował po morzach,
Artyści gromadzili i szkolili żołnierzy, pokonywali przeciwników krajowych i zewnętrznych;
A jednym słowem to jest Piotr, Ojciec Ojczyzny; ziemskie bóstwo, które Rosja czci,
I tak wiele ołtarzy płonie przed tą wizją, tak długo, jak długo jest wiele serc, które są mu dłużne.

Michaił Łomonosow.1743 - 1747

M. Kozłowski. Pomnik AV Suworowa w Petersburgu. (1799 - 1801)

MICHAŁ IWANOWICZ KOZŁOWSKI (1753 - 1802)

Bardzo utalentowany rzeźbiarz, ukończył Akademię Sztuk Pięknych, podobnie jak Shubin odwiedził Włochy i Francję. Stworzył wiele dzieł rzeźbiarskich różnych gatunków. Pracował w gatunku klasycyzmu. Lubił przedstawiać starożytnych bohaterów, prawie nie rzeźbi kobiecych modeli.

Najbardziej ceni sobie męską i młodzieńczą naturę. Wydłużone proporcje delikatnego ciała, relief mięśni, matowa powierzchnia marmuru; pełen wdzięku chód postaci, wspaniale pochylone głowy; grube loki przyćmiewają otwarte i odważne twarze.

Ale są też inne prace: bohaterowie-wojownicy, ucieleśnienie dojrzałego męskiego piękna; wciąż nie ochłonął po bitwie Ajax z martwym ciałem Patroklosa; Herkules, łatwo startujący na koniu; Samson rozdziera paszczę lwa.

Pomnik Suworowa powstał pod koniec życia Kozłowskiego. W tym pomniku rzeźbiarz przekazuje uogólniony obraz wszystkich starożytnych bohaterów, wprowadzając pewne podobieństwo portretowe do dowódcy. Pomnik odzwierciedla nie tyle osobowość słynnego dowódcy, ile ideę militarnego triumfu Rosji.
Odważna łaska Suworowa żywo ucieleśnia zrozumienie pięknego XVIII wieku. Postać uniesiona jest na niską platformę smukłego cylindrycznego cokołu w eleganckiej, niemal tanecznej pozycji.

Suworow jest pokazany jako obrońca sprawiedliwości. W prawej ręce stoi z wyciągniętym mieczem, a lewą zakrywa tarczą święty ołtarz herbami państw, którym w 1799 r. pospieszyła do Europy armia rosyjska. Bohater ma na sobie zbroję z elementami starożytnej broni rzymskiej i rycerskiej, twarz zachowuje tylko dalekie podobieństwo do pierwowzoru, ale to nie przeszkadza nam dostrzec rysy narodowego geniusza wojskowego w obrazie wodza.

Najważniejsze, co rzuca się w oczy w posągu, to wyraźny, mocny krok do przodu i nieodparte wymachiwanie mieczem. Szybki atak, ożywiony w przebraniu bohatera, przypomina chwalebny przydomek Suworowa - „Generał Naprzód!”.

A. M. Opekushin. Pomnik AS Puszkina w Moskwie

Aleksander Michajłowicz Opekuszin

(1838 - 1923)

Rzeźbiarz, kształcił się pod kierunkiem profesora Jensena, po czym studiował w Akademii Sztuk Pięknych, która w 1874 roku nadała mu tytuł akademika.

Z jego dzieł najbardziej znanych jest kilka dzieł, z których najbardziej znany jest pomnik A.S. Puszkina w Moskwie.

Znajduje się na Placu Puszkinskim w stolicy. Już z daleka postać poety jest dobrze widoczna na wysokim cokole, z czterech stron którego znajdują się latarnie, przypominające swoim kształtem czasy Puszkina. Po bliższym przyjrzeniu się poeta wydaje się żywy. Stoi cicho, głęboko zamyślony. Lekko pochylając głowę, wydaje się patrzeć na przechodzących ludzi, dlatego obraz Puszkina nabiera ciepła, szczerości.

Przed nami poeta-myśliciel, poeta liryczny. Naturalna prostota, liryczna miękkość, a nawet nuty intymności tkwiące w wizerunku poety nie umniejszają jego znaczenia, które jest niezbędne w pomniku-pomniku.

Rysy twarzy poety opracowane są dość szczegółowo, a jednocześnie w sposób uogólniony, tak aby były dobrze widoczne z daleka. Ubrania umiejętnie tworzą wyrazistą objętość - peleryna opada z ramion i zakrywa plecy miękkimi, ciężkimi fałdami o nierównej długości, uogólniając kształt i nadając sylwetce malowniczości i piękna.

A. S. Puszkin

Tysiąclecie Rosji (fragment)

Piotr I

Po latach 1720-1730, „czasie przewrotów pałacowych” i epoce „bironizmu”, rozpoczyna się nowy wzrost samoświadomości narodowej, zaostrzony walką z obcą dominacją. Wstąpienie na tron ​​Elżbiety Pietrowna, córki Piotra I, zostało odebrane przez społeczeństwo rosyjskie jako początek odrodzenia Rosji i kontynuacja tradycji Piotra. Pod jej rządami powstał Uniwersytet Moskiewski i Akademia Trzech Najszlachetniejszych Sztuk, które w przyszłości odegrają ogromną rolę w szkoleniu krajowego personelu w dziedzinie nauki i sztuki.

Jednym z pierwszych profesorów nowo otwartej Akademii Sztuk Pięknych był francuski rzeźbiarz Nicolas Francois Gillet, przedstawiciel późnego baroku, który uczył studentów profesjonalnego opanowania różnych rodzajów plastyki, a także nauczyciel wielu późniejszych sławnych mistrzów.

Andreas Schlüter (1660/1665-1714)

Konrad Osner (1669-1747)

Bartolomeo Carlo Rastrelli (1675-1744)

Najwybitniejszym mistrzem rosyjskiej rzeźby pierwszej połowy XVIII wieku był hrabia Bartolomeo Carlo Rastrelli, Włoch z urodzenia. Nie robiąc nic znaczącego we Włoszech i Francji, w 1716 r. Przybył do Petersburga, gdzie zaczął realizować duże zamówienia państwowe, najpierw dla Piotra I, potem dla Anny Ioannovny i Elżbiety Pietrowna.

Pracujący w Rosji aż do śmierci rzeźbiarz stworzył szereg wybitnych dzieł rzeźby monumentalnej, dekoracyjnej i sztalugowej.

Tatiana Ponka

Architektura. Wiodący kierunek w architekturze drugiej połowy XVIII wieku. był klasycyzm, który charakteryzował się odwoływaniem się do obrazów i form architektury antycznej (system porządkowy z kolumnami) jako idealnego standardu estetycznego.

Znaczące wydarzenie architektoniczne lat 60-80. był projekt nabrzeży Newy. Jedną z atrakcji Petersburga był Ogród Letni. W latach 1771 - 1786 Ogródek letni od strony bulwaru Newy ogrodzony był kratą, której autorem jest Yu.M. Felten (1730-1801) i jego asystent P. Jegorow. Kratownica Ogrodu Letniego wykonana jest w stylu klasycyzmu: dominuje tu pion: pionowo stojące szczyty przecinają prostokątne ramy, równomiernie rozmieszczone masywne pylony podtrzymują te ramy, podkreślając swoim rytmem ogólne poczucie majestatu i spokoju. W latach 1780-1789 zaprojektowany przez architekta A.A. Kwasow zbudował granitowe wały i skarpy oraz wejścia do rzeki.

Podobnie jak wielu współczesnych, Yu.M. Felten był zaangażowany w przebudowę wnętrz Wielkiego Pałacu Peterhof (Biała Jadalnia, Sala Tronowa). Na cześć chwalebnego zwycięstwa floty rosyjskiej nad Turkami w zatoce Chesma w 1770 r. Jedną z sal Wielkiego Pałacu Peterhof był Yu.M. Felten przekształcony w Chesme Hall. Główną ozdobę sali stanowiło 12 płócien, wykonanych w latach 1771-1772. niemieckiego malarza F. Hackerta, poświęcony bitwom floty rosyjskiej z turecką. Na cześć bitwy pod Chesmą, Yu.M. Felten zbudował pałac Chesme (1774-1777) i cerkiew Chesme (1777-1780) 7 wiorst od Petersburga na drodze do Carskiego Sioła. Pałac i kościół, zbudowane w stylu gotyckim, tworzą jeden zespół architektoniczny.

Największym mistrzem rosyjskiego klasycyzmu był V. I. Bażenow (1737/38-1799). Dorastał na Kremlu moskiewskim, gdzie jego ojciec był diakonem w jednym z kościołów, studiował w gimnazjum na Uniwersytecie Moskiewskim. Po ukończeniu Akademii Sztuk Pięknych w 1760 r. V.I. Bazhenov wyjechał jako emeryt do Francji i Włoch. Mieszkając za granicą, cieszył się taką sławą, że został wybrany profesorem Rzymu, członkiem akademii florenckiej i bolońskiej. W 1762 r., po powrocie do Rosji, otrzymał tytuł akademika. Ale w Rosji twórczy los architekta był tragiczny.

W tym okresie Catherine wymyśliła budowę Wielkiego Pałacu Kremlowskiego na Kremlu, a V.I. Bazhenov został mianowany jego głównym architektem. Projekt VI Bażenowowi chodziło o odbudowę całego Kremla. W rzeczywistości był to projekt nowego centrum Moskwy. Obejmował pałac królewski, Kolegia, Arsenał, Teatr, plac, pomyślany jako starożytne forum, z trybunami do publicznych zgromadzeń. Sam Kreml dzięki temu, że Bażenow zdecydował się na kontynuację trzech ulic z przejściami na teren pałacu, połączonych z ulicami Moskwy. Od 7 lat VI. Bażenow opracowuje projekty, przygotowuje się do budowy, ale w 1775 r. Katarzyna nakazuje ograniczenie wszelkich prac (oficjalnie - z powodu braku funduszy, nieoficjalnie - z powodu negatywnego nastawienia opinii publicznej do projektu).

Mija kilka miesięcy, a V.I. Bazhenovowi powierzono stworzenie kompleksu pałacowo-parkowego budynków we wsi Czernaja Brud (Carycyno) pod Moskwą, gdzie Katarzyna II postanowiła zbudować swoją wiejską rezydencję. Dziesięć lat później wszystkie główne prace zostały zakończone. W czerwcu 1785 r. Katarzyna przybyła do Moskwy i dokonała inspekcji budynków Carycyna, a następnie w styczniu 1786 r. Wydała dekret: pałac i wszystkie budynki należy zburzyć, a V.I. Bazhenov zwolniony bez wynagrodzenia i emerytury. „To jest więzienie, a nie pałac” - taka jest konkluzja cesarzowej. Legenda łączy wyburzenie pałacu z jego przytłaczającym wyglądem. Budowę nowego pałacu Katarzyna poleciła M.F. Kazakow. Ale i ten pałac nie został ukończony.

W latach 1784-1786. W I. Bazhenov zbudował dwór dla bogatego właściciela ziemskiego Paszkowa, który jest znany jako dom P.E. Paszkow. Dom Paszkowa znajduje się na zboczu wysokiego wzgórza, naprzeciwko Kremla, u zbiegu Neglinki z rzeką Moskwą i jest architektonicznym arcydziełem epoki klasycyzmu. Majątek składał się z budynku mieszkalnego, areny, stajni, budynków usługowych i gospodarczych oraz kościoła. Budynek wyróżnia się starożytną surowością i powagą z czysto moskiewskimi wzorami.

Innym utalentowanym rosyjskim architektem, który pracował w stylu klasycyzmu, był M. F. Kazakow (1738-1812). Kazakow nie był emerytem i studiował starożytne i renesansowe zabytki z rysunków i modeli. Wielką szkołą była dla niego wspólna praca z zaproszonym przez niego Bażenowem nad projektem Pałacu Kremlowskiego. W 1776 r. Catherine poleciła M.F. Kazakow projektuje budynek rządowy na Kremlu - Senat. Teren przeznaczony na budynek Senatu miał niewygodny podłużny trójkątny kształt, otoczony ze wszystkich stron starymi budynkami. Budynek Senatu otrzymał więc ogólny plan trójkąta. Budynek ma trzy kondygnacje i jest murowany. Centrum kompozycji stanowił dziedziniec, na który prowadził łuk wejściowy zwieńczony kopułą. Po minięciu łuku wejściowego, osoba wchodząca znalazła się przed majestatyczną rotundą zwieńczoną potężną kopułą. Senat miał zasiadać w tym jasnym, okrągłym budynku. Narożniki trójkątnego budynku są ścięte. Z tego powodu budynek jest postrzegany nie jako płaski trójkąt, ale jako solidna, masywna bryła.

MF Kazakow jest także właścicielem budynku Sejmu Szlacheckiego (1784-1787). Osobliwością tej budowli było to, że w centrum budowli architekt umieścił Salę Kolumnową, a wokół niej znajdowały się liczne pomieszczenia mieszkalne i sale. Centralną przestrzeń Sali Kolumnowej, przeznaczonej do uroczystych uroczystości, podkreśla koryncka kolumnada, a odświętny nastrój podkreśla blask licznych żyrandoli i oświetlenia sufitowego. Po rewolucji budynek został przekazany związkom zawodowym i przemianowany na Dom Związków. Począwszy od pogrzebu V.I. Lenina, Sala Kolumnowa Domu Związków służyła jako sala żałobna dla pożegnań mężów stanu i sławnych ludzi. Obecnie w Sali Kolumnowej odbywają się publiczne spotkania i koncerty.

Trzecim co do wielkości architektem drugiej połowy XVIII wieku jest I. E. Starov (1744-1808). Studiował najpierw w gimnazjum na Uniwersytecie Moskiewskim, a następnie w Akademii Sztuk Pięknych. Najważniejszą budowlą Starowa jest Pałac Taurydzki (1782-1789) – ogromny majątek miejski G.A. Potiomkina, który otrzymał tytuł Tauride za rozwój Krymu. Podstawą kompozycji pałacu jest sień-galeria, dzieląca cały zespół wnętrz na dwie części. Od strony głównego wejścia znajduje się szereg pomieszczeń przylegających do ośmiobocznej sali z kopułą. Po przeciwnej stronie znajduje się duży ogród zimowy. Z zewnątrz budynek jest bardzo skromny, ale kryje w sobie olśniewający luksus wnętrz.

Od 1780 r. w Petersburgu pracuje Włoch Giacomo Quarenghi (1744–1817). Jego kariera w Rosji była bardzo udana. Kreacje architektoniczne w Rosji to genialne połączenie rosyjskich i włoskich tradycji architektonicznych. Jego wkład w architekturę rosyjską polegał na tym, że wraz ze Szkotem C. Cameronem wyznaczył standardy dla architektury ówczesnego Petersburga. Arcydziełem Quarenghiego był budynek Akademii Nauk, zbudowany w latach 1783-1789. Centrum główne podkreśla ośmiokolumnowy joński portyk, którego świetności dodaje typowa petersburska kruchta z klatką schodową na dwie „kiełki”. W latach 1792-1796. Quarenghi buduje Pałac Aleksandra w Carskim Siole, który stał się jego kolejnym arcydziełem. W Pałacu Aleksandrowskim głównym motywem jest potężna kolumnada porządku korynckiego. Jednym z niezwykłych budynków Quarenghi był budynek Instytutu Smolnego (1806-1808), który ma przejrzysty, racjonalny układ, zgodny z wymaganiami instytucji edukacyjnej. Jego plan jest typowy dla Quarenghi: środek fasady zdobi majestatyczny ośmiokolumnowy portyk, frontowy dziedziniec ograniczony jest skrzydłami budynku i ogrodzeniem.

Pod koniec lat 70. do Rosji przybył architekt C. Cameron (1743-1812), Szkot z urodzenia. Wychowany na europejskim klasycyzmie, zdążył wyczuć całą oryginalność architektury rosyjskiej i zakochać się w niej. Talent Camerona przejawiał się głównie w wykwintnych podmiejskich zespołach pałacowo-parkowych.

W 1777 r. Syn Jekateriny, Paweł Pietrowicz, miał syna - przyszłego cesarza Aleksandra I. Zachwycona cesarzowa podarowała Pawłowi Pietrowiczowi 362 akry ziemi wzdłuż rzeki Slavyanka - przyszły Pawłowsk. W 1780 r. C. Cameron zajął się tworzeniem zespołu pałacowo-parkowego w Pawłowsku. W budowie parku, pałacu i obiektów parkowych brali udział wybitni architekci, rzeźbiarze, artyści, jednak pierwszy okres powstawania parku pod przewodnictwem Camerona był bardzo znaczący. Cameron położył podwaliny pod największy i najlepszy park krajobrazowy w Europie w modnym wówczas angielskim stylu – park o wybitnie naturalnym krajobrazie. Po dokładnych pomiarach wytyczył główne arterie dróg, alejki, ścieżki, wyznaczył miejsca na zagajniki i polany. Malownicze i przytulne zakątki współistnieją tu z małymi lekkimi budynkami, które nie naruszają harmonii zespołu. Prawdziwą perłą twórczości C. Camerona jest Pałac Pawłowski, który jest zbudowany na wysokim wzgórzu. Zgodnie z rosyjskimi tradycjami architektowi udało się „wpasować” obiekty architektoniczne w malowniczą okolicę, połączyć piękno stworzone przez człowieka z naturalną wspaniałością. Pałac w Pawłowsku pozbawiony jest pretensjonalności, jego okna z wysokiego wzgórza spokojnie spoglądają na wolno płynącą rzekę Sławiankę.

Ostatni architekt XVIII wieku. V. Brenna (1747-1818) jest słusznie uważany za ulubionego architekta Pawła i Marii Fiodorowna. Po wstąpieniu na tron ​​w 1796 r. Paweł I usunął C. Camerona ze stanowiska naczelnego architekta Pawłowska i mianował na jego miejsce V. Brennę. Odtąd Brenna kieruje wszystkimi budynkami w Pawłowsku, uczestniczy we wszystkich znaczących budowlach z czasów Pawłowa.

Brenne, Paweł I powierzył kierownictwo pracy w swojej drugiej wiejskiej rezydencji – Gatczynie. Pałac Gatchina w Brennej ma skromny, wręcz ascetyczny spartański wygląd, ale wystrój wnętrz jest majestatyczny i luksusowy. W tym samym czasie rozpoczęto prace w parku Gatchina. Na brzegach jezior i wysp znajduje się wiele pawilonów, które z zewnątrz wyglądają bardzo prosto, ale ich wnętrza są wspaniałe: Pawilon Wenus, Dom Brzozowy (przypominający z wyglądu kłodę brzozowego drewna opałowego), Porta Masca i Pawilon Rolnika.

Paweł I postanowił wybudować pałac w Petersburgu we własnym stylu – w duchu militarnej estetyki. Projekt pałacu opracował V.I. Bażenowa, ale w związku z jego śmiercią Paweł I powierzył budowę pałacu V. Brennej. Paul zawsze chciał mieszkać tam, gdzie się urodził. W 1797 r. Na Fontance, w miejscu Letniego Pałacu Elizawety Pietrowna (gdzie urodził się Paweł), odbyło się położenie pałacu ku czci Archanioła Michała - patrona niebiańskich gospodarzy - Zamku Michajłowskiego. Zamek Michajłowski stał się najlepszym dziełem Brennej, któremu nadał wygląd twierdzy. Wygląd zamku to czworobok otoczony kamiennym murem, wokół pałacu po obu stronach wykopano rowy. Do pałacu można było dostać się mostami zwodzonymi, a wokół pałacu w różnych miejscach rozmieszczono armaty. Początkowo zewnętrzna część zamku była pełna dekoracji: marmurowe posągi, wazony i figury były wszędzie. Pałac posiadał rozległy ogród i plac apelowy, na którym przy każdej pogodzie odbywały się przeglądy i parady. Ale w swoim ukochanym zamku Paweł przeżył tylko 40 dni. W nocy z 11 na 12 marca został uduszony. Po śmierci Pawła I zniszczeniu uległo wszystko, co nadawało pałacowi charakter twierdzy. Wszystkie posągi przeniesiono do Pałacu Zimowego, rowy zasypano ziemią. W 1819 roku opuszczony zamek przeniesiono do Głównej Szkoły Inżynierskiej i pojawiła się jego druga nazwa – Zamek Inżynierski.

Rzeźba. W drugiej połowie XVIIIw. zaczyna się prawdziwy rozkwit rzeźby rosyjskiej, co wiąże się przede wszystkim z nazwiskiem F.I. Szubina (1740–1805), rodaka M.V. Łomonosow. Po ukończeniu Akademii z dużym złotym medalem Shubin udał się na emeryturę, najpierw do Paryża (1767-1770), a następnie do Rzymu (1770-1772). Za granicą w 1771 roku, nie z życia, Shubin stworzył popiersie Katarzyny II, za które po powrocie do ojczyzny w 1774 roku otrzymał tytuł akademika.

Pierwsza praca F.I. Shubin po powrocie - popiersie A.M. Golicyna (1773, Muzeum Rosyjskie) to jedno z najwspanialszych dzieł mistrza. W przebraniu wykształconego szlachcica odczytuje się inteligencję, autorytet, arogancję, ale jednocześnie protekcjonalność i nawyk ostrożnego „pływania” na falach zmiennego politycznego losu. Na obraz słynnego dowódcy A. Rumyantseva-Zadunaisky'ego, za wcale nie heroicznym wyglądem okrągłej twarzy z śmiesznie zadartym nosem, przekazywane są cechy silnej i znaczącej osobowości (1778, Państwowe Muzeum Sztuki, Mińsk).

Z biegiem czasu zainteresowanie Shubinem zanika. Jego portrety, wykonywane bez upiększeń, były coraz mniej lubiane przez klientów. W 1792 r. Shubin stworzył z pamięci popiersie M.V. Łomonosowa (Państwowe Muzeum Rosyjskie Akademii Nauk). W obliczu wielkiego rosyjskiego naukowca nie ma ani sztywności, ani szlachetnej arogancji, ani nadmiernej pychy. Patrzy na nas nieco kpiąca osoba, mądrzejsza o światowe doświadczenie, która żyła jasno i trudno. Żywotność umysłu, duchowość, szlachetność jednocześnie - smutek, rozczarowanie, a nawet sceptycyzm - to główne cechy charakterystyczne dla wielkiego rosyjskiego naukowca, którego F.I. Shubin wiedział bardzo dobrze.

Arcydzieło sztuki portretowej autorstwa F.I. Shubin to popiersie Pawła I (1798, RM; 1800, Galeria Trietiakowska). Rzeźbiarzowi udało się oddać całą złożoność obrazu: arogancję, chłód, chorobę, tajemnicę, ale jednocześnie cierpienie osoby, która od dzieciństwa doświadczyła całego okrucieństwa koronowanej matki. Paweł Podobała mi się ta praca. Ale zamówień prawie nie było. W 1801 roku dom F.I. Shubin i warsztat z pracami. W 1805 roku rzeźbiarz zmarł w biedzie, jego śmierć przeszła niezauważona.

W tym samym czasie francuski rzeźbiarz E.-M. Falcone (1716-1791; w Rosji - od 1766 do 1778). Falcone pracował na dworze króla francuskiego Ludwika XV, następnie w Akademii Paryskiej. W swojej twórczości Falcone podążał za panującą na dworze modą rokokową. Prawdziwym arcydziełem była jego praca „Zima” (1771). Obraz siedzącej dziewczyny, uosabiającej zimę i zakrywającej kwiaty u jej stóp gładko opadającymi fałdami odzieży, niczym pokrywa śnieżna, jest pełen cichego smutku.

Ale Falcone zawsze marzył o stworzeniu monumentalnego dzieła, udało mu się zrealizować to marzenie w Rosji. Za radą Diderota Katarzyna zleciła rzeźbiarzowi wykonanie konnego pomnika Piotra I. W 1766 r. Falcone przybył do Petersburga i rozpoczął pracę. Przedstawił Piotra I na koniu. Głowę cesarza wieńczy wieniec laurowy – symbol jego chwały i zwycięstw. Ręka króla, wskazująca na Newę, Akademię Nauk i Twierdzę Piotra i Pawła, symbolicznie wyznacza główne cele jego panowania: edukację, handel i potęgę militarną. Rzeźba wznosi się na cokole w postaci granitowej skały o wadze 275 t. Zgodnie z sugestią Falcone na cokole wyryto lakoniczny napis: „Piotrowi Wielkiemu, Katarzynie II”. Otwarcie pomnika miało miejsce w 1782 roku, kiedy Falcone nie było już w Rosji. Cztery lata przed otwarciem pomnika przy E.-M. Falcone nie zgodził się z cesarzową, a rzeźbiarz opuścił Rosję.

W twórczości wybitnego rosyjskiego rzeźbiarza M.I. Kozłowski (1753-1802) łączył cechy baroku i klasycyzmu. Był również na emeryturze w Rzymie, Paryżu. W połowie lat 90., po powrocie do ojczyzny, rozpoczyna się najbardziej owocny okres w twórczości Kozłowskiego. Tematem przewodnim jego prac jest starożytność. Z jego dzieł do rosyjskiej rzeźby przybyli młodzi bogowie, amorki, piękne pasterki. Takimi są jego „Pasterz z zającem” (1789, Muzeum Pałacu Pawłowskiego), „Śpiący Kupidyn” (1792, Muzeum Rosyjskie), „Amorek ze strzałą” (1797, Galeria Trietiakowska). W posągu „Czuwanie Aleksandra Wielkiego” (druga połowa lat 80., Muzeum Rosyjskie) rzeźbiarz uchwycił jeden z epizodów kształtowania woli przyszłego dowódcy. Najważniejszym i największym dziełem artysty był pomnik wielkiego rosyjskiego dowódcy A.V. Suworow (1799-1801, Petersburg). Pomnik nie ma bezpośredniego podobieństwa portretowego. Jest to raczej uogólniony obraz wojownika, bohatera, w którego stroju militarnym łączą się elementy broni starożytnego Rzymianina i średniowiecznego rycerza. Energia, odwaga, szlachetność emanuje z całego wyglądu dowódcy, z jego dumnego odwrócenia głowy, pełnego wdzięku gestu, jakim podnosi szablę. Kolejne wybitne dzieło M.I. Kozłowski stał się posągiem „Samson rozdzierający paszczę lwa” – centralnym w Wielkiej Kaskadzie Fontann Peterhofu (1800-1802). Pomnik był poświęcony zwycięstwu Rosji nad Szwecją w Wielkiej Wojnie Północnej. Samson uosabiał Rosję, a lew pokonał Szwecję. Potężna postać Samsona jest oddana przez artystę w złożonym zwrocie, w intensywnym ruchu.

Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej pomnik został skradziony przez nazistów. W 1947 roku rzeźbiarz V.L. Simonov odtworzył go na podstawie zachowanych dokumentów fotograficznych.

Obraz. W drugiej połowie XVIIIw. gatunek historyczny pojawia się w malarstwie rosyjskim. Jego wygląd związany jest z nazwiskiem A.P. Łosenko. Ukończył Akademię Sztuk Pięknych, następnie jako emeryt został wysłany do Paryża. AP Losenko jest właścicielem pierwszego dzieła z historii Rosji - „Vladimir and Rogneda”. Artysta wybrał w nim moment, w którym książę Włodzimierz z Nowogrodu „błaga o przebaczenie” Rognedę, córkę księcia połockiego, na którego ziemie udał się ogniem i mieczem, zabił jej ojca i braci, a przemocą wziął ją za żonę . Rogneda cierpi teatralnie, podnosząc oczy; Vladimir jest także teatralny. Ale samo odwołanie się do historii Rosji było bardzo charakterystyczne dla epoki silnego zrywu narodowego w drugiej połowie XVIII wieku.

Temat historyczny w malarstwie rozwinął G.I. Ugryumow (1764-1823). Głównym tematem jego prac była walka narodu rosyjskiego: z nomadami ("Próba siły Jana Usmara", 1796-1797, Muzeum Rosyjskie); z rycerzami niemieckimi („Uroczysty wjazd Aleksandra Newskiego do Pskowa po zwycięstwie nad rycerzami niemieckimi”, 1793, Muzeum Rosyjskie); dla bezpieczeństwa ich granic („Zdobycie Kazania”, 1797-1799, Muzeum Rosyjskie) itp.

Największym sukcesem było malarstwo drugiej połowy XVIII wieku. sięga gatunku portretowego. Do najbardziej niezwykłych zjawisk kultury rosyjskiej drugiej połowy XVIII wieku. należy do dzieła malarza F.S. Rokotow (1735/36–1808). Pochodził z chłopów pańszczyźnianych, ale wolność otrzymał od właściciela ziemskiego. Sztukę malarstwa opanował u P. Rotary. Młody artysta miał szczęście, jego patronem był pierwszy rektor Akademii Sztuk Pięknych I.I. Szuwałow. Na zalecenie I.I. Shuvalova F.S. Rokotow w 1757 roku otrzymał zamówienie na mozaikowy portret Elizawety Pietrowna (z oryginału autorstwa L. Tokkego) dla Uniwersytetu Moskiewskiego. Portret odniósł taki sukces, że F.S. Rokotov otrzymuje zamówienie na portrety wielkiego księcia Pawła Pietrowicza (1761), cesarza Piotra III (1762). Kiedy Katarzyna II wstąpiła na tron, F.S. Rokotov był już znanym artystą. W 1763 roku artysta namalował cesarzową w pełnym rozkwicie, z profilu, wśród pięknej scenerii. Rokotov namalował także inny portret cesarzowej, w połowie długości. Cesarzowa bardzo go lubiła, uważała, że ​​jest „jednym z najbardziej podobnych”. Katarzyna przekazała portret Akademii Nauk, gdzie pozostaje do dziś. Idąc za panującymi, portrety F.S. Rokotow chciał mieć Orłowów, Szuwałowów. Niekiedy tworzył całe galerie portretów przedstawicieli tej samej rodziny w różnych jej pokoleniach: Bariatynskich, Golicynów, Rumiancewów, Woroncowów. Rokotov nie stara się podkreślać zewnętrznych zalet swoich modeli, najważniejsze dla niego jest wewnętrzny świat człowieka. Wśród dzieł artysty wyróżnia się portret Majkowa (1765). W przebraniu ważnego urzędnika państwowego kryjącego się za ospałą zniewieściałością, wnikliwością, ironicznym umysłem. Kolorystyka portretu, zbudowana na połączeniu zieleni i czerwieni, stwarza wrażenie pełnokrwistości, witalności obrazu.

W 1765 roku artysta przeniósł się do Moskwy. Moskwa wyróżnia się większą swobodą twórczą niż oficjalny Petersburg. W Moskwie kształtuje się szczególny styl malarstwa „Rokotowa”. Artysta tworzy całą galerię pięknych kobiecych wizerunków, wśród których najbardziej godny uwagi jest portret A.P. Stuyskaya (1772, Państwowa Galeria Trietiakowska). Szczupła postać w jasnoszaro-srebrnej sukience, mocno rozczochrane upudrowane włosy, opadający na klatkę piersiową długi lok, wyrafinowana owalna twarz o ciemnych oczach w kształcie migdałów - wszystko to dodaje tajemnicy i poezji wizerunkowi młodej kobiety. Wyśmienita kolorystyka portretu - zielonkawy bagienny i złocisty brąz, wyblakły róż i perłowa szarość - potęguje wrażenie tajemniczości. W XX wieku. poeta N. Zabolotsky poświęcił temu portretowi wspaniałe wiersze:

Jej oczy są jak dwie chmury

Pół uśmiech, pół płacz

Jej oczy są jak dwa kłamstwa

Okryty mgłą niepowodzeń.

Udane wcielenie wizerunku A. Struyskiej na portrecie posłużyło za podstawę legendy, zgodnie z którą artysta nie był obojętny na model. W rzeczywistości imię wybranego S.F. Rokotov jest dobrze znany, a A.P. Struiskaya była szczęśliwie zamężna ze swoim mężem i była zwykłym właścicielem ziemskim.

Innym wielkim artystą XVIII wieku był D.G. Lewicki (1735-1822) – twórca portretu formalnego i wielki mistrz portretu kameralnego. Urodził się na Ukrainie, ale na przełomie lat 50. i 60. rozpoczęło się jego życie w Petersburgu, na zawsze związane z tym miastem i Akademią Sztuk Pięknych, w której przez wiele lat prowadził klasę portretu.

W swoich modelach starał się podkreślić oryginalność, najbardziej rzucające się w oczy cechy. Jednym z najbardziej znanych dzieł artysty jest uroczysty portret P.A. Demidov (1773, Państwowa Galeria Trietiakowska). Przedstawiciel znanej rodziny górniczej, P.A. Demidov był bajecznie bogatym człowiekiem, dziwnym ekscentrykiem. Na formalnym portrecie, oryginalnym w projekcie, Demidov jest przedstawiony jako stojący w swobodnej pozie na tle kolumnady i draperii. Stoi w opustoszałej sali ceremonialnej, w domu, w szlafmycy i szkarłatnym szlafroku, gestem wskazując na swoje rozrywki - konewkę i doniczkę z kwiatami, których był miłośnikiem. W swoim stroju, w swojej pozie - wyzwanie dla czasu i społeczeństwa. Wszystko miesza się w tej osobie - życzliwość, oryginalność, chęć realizacji w nauce. Lewickiemu udało się połączyć cechy ekstrawagancji z elementami portretu ceremonialnego: kolumnami, draperiami, pejzażem z widokiem na sierociniec w Moskwie, na utrzymanie którego Demidow ofiarował ogromne sumy.

Na początku lat 70. Levitsky wykonuje siedem portretów uczniów Smolnego Instytutu Szlachetnych Dziewic - „Smolyanka” (wszystko w czasie), słynących z muzykalności. Te portrety stały się najwyższym osiągnięciem artysty. W nich umiejętności artysty przejawiały się ze szczególną kompletnością. EN Khovanskaya, E.N. Chruszczowa, E.I. Nelidov są przedstawiani w kostiumach teatralnych podczas wykonywania eleganckiego pastorału. Na portretach G.I. Alimova i E.I. Molchanova, jedna z bohaterek gra na harfie, druga siedzi obok instrumentu naukowego z książką w ręku. Umieszczone obok siebie portrety te uosabiały korzyści płynące z „nauki i sztuki” dla rozsądnej, myślącej osoby.

Szczytem dojrzałej twórczości mistrza był jego słynny alelogiczny portret Katarzyny II, ustawodawcy w Świątyni Sprawiedliwości, powtórzony przez artystę w kilku wersjach. Ta praca zajmuje szczególne miejsce w sztuce rosyjskiej. Uosabiał wysokie idee epoki dotyczące obywatelstwa i patriotyzmu, idealnego władcy - oświeconego monarchy, niestrudzenie dbającego o dobro swoich poddanych. Sam Lewicki opisał swoją pracę w następujący sposób: „Środek obrazu przedstawia wnętrze świątyni bogini sprawiedliwości, przed którą w postaci Ustawodawcy, HIV, płonącego maku na ołtarzu, poświęca swój cenny pokój dla pokoju powszechnego”.

W 1787 Lewicki porzucił nauczanie i opuścił Akademię Sztuk Pięknych. Jednym z powodów tego było zamiłowanie artysty do nurtów mistycznych, które dość szeroko rozpowszechniły się w Rosji pod koniec XVIII wieku. i jego wejście do loży masońskiej. Nie bez wpływu nowych idei w społeczeństwie, około 1792 roku, portret przyjaciela Lewickiego i jego mentora w masonerii, N.I. Nowikow (TG). Niesamowita żywotność i ekspresja gestu i spojrzenia Nowikowa, nie charakterystyczna dla bohaterów portretów Lewickiego, fragment pejzażu w tle - wszystko to zdradza próbę opanowania przez artystę nowego, bardziej nowoczesnego języka obrazkowego, tkwiącego już w inne systemy artystyczne.

Innym wybitnym artystą tego czasu był V. L. Borowikowski (1757–1825). Urodził się na Ukrainie, w Mirgorodzie, malarstwa ikon uczył się u ojca. W 1788 W.L. Borowikowskiego sprowadzono do Petersburga. Uczył się pilnie, doskonaląc swój gust i umiejętności, i wkrótce stał się uznanym mistrzem. W latach 90. tworzy portrety, które w pełni oddają cechy nowego nurtu w sztuce – sentymentalizmu. Wszystkie „sentymentalne” portrety Borowikowskiego to wizerunki ludzi w kameralnej scenerii, w prostych strojach z jabłkiem lub kwiatem w dłoni. Najlepszym z nich jest portret M.I. Lopuchina. Często nazywany jest najwyższym osiągnięciem sentymentalizmu w malarstwie rosyjskim. Młoda dziewczyna patrzy w dół z portretu. Jej postawa jest swobodna, prosta sukienka luźno układa się na jej ciele, jej świeża twarz jest pełna wdzięku i wdzięku. Na portrecie wszystko jest w harmonii, w zgodzie ze sobą: zacieniony zakątek parku, chabry wśród kłosów dojrzałego żyta, więdnące róże, ospałe, nieco kpiące spojrzenie dziewczyny. W portrecie Lopukhiny artysta był w stanie pokazać prawdziwe piękno - duchowe i liryczne, właściwe Rosjanom. Cechy sentymentalizmu pojawiły się u V.L. Borowikowskiego nawet na obraz cesarzowej. Teraz nie jest to reprezentatywny portret „ustawodawcy” ze wszystkimi cesarskimi regaliami, ale obraz zwykłej kobiety w szlafroku i czapce na spacerze w parku Carskie Sioło z ukochanym psem.

Pod koniec XVIIIw. w malarstwie rosyjskim pojawia się nowy gatunek - pejzaż. W Akademii Sztuk Pięknych otwarto nową klasę pejzażu, a pierwszym profesorem klasy pejzażu został S. F. Szczedrin. Stał się twórcą rosyjskiego krajobrazu. To Szczedrin jako pierwszy opracował schemat kompozycyjny krajobrazu, który przez długi czas stał się wzorowy. A na nim S. F. Shchedrin uczył więcej niż jedno pokolenie artystów. Rozkwit twórczości Szczedrina przypadł na lata 90. XVIII wieku. Wśród jego dzieł najbardziej znane są serie widoków parków Pawłowskiego, Gatchina i Peterhof, widoki wyspy Kamenny. Shchedrin uchwycił określone typy struktur architektonicznych, ale główną rolę przypisał nie im, ale otaczającej naturze, z którą człowiek i jego dzieła są w harmonijnej fuzji.

F. Aleksiejew (1753/54-1824) położył podwaliny pod krajobraz miasta. Wśród jego dzieł z lat 90. szczególnie znane są „Widok na Twierdzę Pietropawłowską i Wały Pałacowe” (1793) oraz „Widok na Wały Pałacowe z Twierdzy Pietropawłowskiej” (1794). Aleksiejew tworzy wzniosły i jednocześnie żywy obraz wielkiego, majestatycznego, indywidualnego miasta w swoim pięknie, w którym człowiek czuje się szczęśliwy i wolny.

W 1800 roku cesarz Paweł I zlecił Aleksiejewowi namalowanie widoków Moskwy. Artysta zainteresował się starą rosyjską architekturą. Przebywał w Moskwie ponad rok i przywiózł szereg obrazów i wiele akwarel z widokami moskiewskich ulic, klasztorów, przedmieść, ale przede wszystkim różne obrazy Kremla. Gatunki te są wysoce niezawodne.

Praca w Moskwie wzbogaciła świat artysty, pozwoliła mu na świeże spojrzenie na życie stolicy po powrocie. W jego petersburskich pejzażach wzmacnia się charakter gatunkowy. Nabrzeża, aleje, barki, żaglówki zapełniają się ludźmi. Jednym z najlepszych dzieł tego okresu jest „Widok nabrzeża angielskiego z Wyspy Wasilewskiej” (1810, Muzeum Rosyjskie). Znalazł miarę, harmonijną proporcję samego krajobrazu i architektury. Pisanie tego obrazu zakończyło składanie tak zwanego krajobrazu miejskiego.

Rytownictwo. W drugiej połowie wieku działali wspaniali rytownicy. „Prawdziwym geniuszem grawerowania” był E. P. Chemesov. Artysta żył zaledwie 27 lat, pozostało po nim około 12 prac. Chemesov pracował głównie w gatunku portretowym. Portret grawerowany rozwijał się bardzo aktywnie pod koniec wieku. Oprócz Chemesova można wymienić G.I. Skorodumov, znany z grawerowania kropkowanego, co stwarzało szczególne możliwości interpretacji „malowniczej” (I. Selivanov. Portret wielkiego księcia Aleksandry Pawłownej z oryginału autorstwa V.P. Borowikowskiego, mezzotinta; GI Skorodumov. autoportret, rysunek piórkiem).

Sztuka i Rzemiosło. W drugiej połowie XVIII wieku ceramika Gzhel osiągnęła wysoki poziom artystyczny - wyroby rzemiosła ceramicznego regionu moskiewskiego, którego centrum stanowił dawny volost Gzhel. Na początku XVIIw. chłopi z wiosek Gzhel zaczęli wyrabiać cegły, zwykłe, szkliwione naczynia w jasnych kolorach i zabawki z miejscowej gliny. Pod koniec XVIIw. chłopi opanowali produkcję „mrówki”, tj. pokryte zielonkawym lub brązowym szkliwem. Gżel stał się znany w Moskwie, aw 1663 r. car Aleksiej Michajłowicz nakazał rozpoczęcie badań nad glinkami Gżel. Do Gzhel wysłano specjalną komisję, w skład której wchodzili Afanasy Grebenshchikov, właściciel fabryki ceramiki w Moskwie, oraz D.I. Winogradow. Winogradow przebywał w Gzhel przez 8 miesięcy. Mieszając glinę Orenburga z gliną Gzhel (czarnoziem), otrzymał prawdziwą czystą, białą porcelanę (porcelanę). W tym samym czasie rzemieślnicy Gzhel pracowali w fabrykach A. Grebenshchikova w Moskwie. Szybko opanowali produkcję majoliki i zajęli się produkcją fermentowanych garnków, dzbanów, kubków, filiżanek, talerzy, dekorowanych malowidłami ornamentalnymi i narracyjnymi, wypełnionymi barwami zielonymi, żółtymi, niebieskimi i fioletowo-brązowymi na białym polu. Od końca XVIIIw. w Gzhel następuje przejście od majoliki do półfajansu. Zmienia się również malowanie wyrobów – od wielobarwnego, charakterystycznego dla majoliki, do jednobarwnego malowania z niebieskim (kobaltowym). Zastawa stołowa Gzhel była szeroko rozpowszechniona w Rosji, Azji Środkowej i na Bliskim Wschodzie. W okresie rozkwitu przemysłu Gzhel istniało około 30 fabryk do produkcji naczyń. Wśród znanych fabrykantów byli bracia Barmin, Chrapunov-novy, Fomin, Tadin, Rachkins, Guslins, Gusyatnikovs i inni.

Ale największe sukcesy odnieśli bracia Terenty i Anisim Kuzniecow. Ich fabryka powstała na początku XIX wieku. we wsi Nowo-Kharitonovo. Od nich dynastia kontynuowała rodzinny interes aż do rewolucji, kupując coraz więcej zakładów i fabryk. W drugiej połowie XIXw. następuje stopniowe zanikanie rzemiosła Gzhel z ręcznym formowaniem i malowaniem, pozostają tylko duże fabryki. Od początku 1920 r. pojawiały się osobne warsztaty garncarskie, artele. Prawdziwe odrodzenie produkcji Gzhel rozpoczyna się w 1945 roku. Przyjęto jednokolorowe niebieskie malowanie podszkliwne (kobaltowe).

W 1766 roku we wsi Verbilki koło Dmitrowa pod Moskwą zrusyfikowany Anglik Frans Gardner założył najlepszą prywatną manufakturę porcelany. Swój prestiż ugruntował jako pierwszy wśród prywatnych manufaktur porcelany, tworząc w latach 1778-1785 na zlecenie Katarzyny II cztery wspaniałe serwisy porządkowe, wyróżniające się czystością i surowością wystroju. Fabryka produkowała także figurki włoskich postaci operowych. Początek XIX wieku wyznaczył nowy etap w rozwoju porcelany Gardner. Artyści fabryki zrezygnowali z bezpośredniego naśladowania europejskich wzorców i próbowali znaleźć własny styl. Ogromną popularność zyskały puchary Gardnera z portretami bohaterów Wojny Ojczyźnianej 1812 roku. Zelentsova z magazynu „Latarnia magiczna”. Byli to mężczyźni i kobiety wykonujący zwykłą pracę chłopską, dzieci chłopskie, robotnicy miejscy - szewcy, dozorcy, handlarze. Postacie ludów zamieszkujących Rosję zostały wykonane z dokładnością etnograficzną. Figurki Gardnera stały się widoczną ilustracją historii Rosji. F.Ya. Gardner znalazł swój własny styl produktów, w którym empirowe formy połączono z gatunkiem motywów i nasyceniem kolorystycznym wystroju jako całości. Od 1891 roku zakład należał do M.S. Kuzniecow. Po rewolucji październikowej zakład stał się znany jako Fabryka Porcelany Dmitrowskiego, a od 1993 r. - „Porcelana Verbilok”.

Miniatura Fedoskino . Pod koniec XVIIIw. we wsi Fedoskino pod Moskwą rozwinął się rodzaj rosyjskiego malarstwa miniaturowego laki farbami olejnymi na papierze-mache. Miniatura Fedoskino powstała dzięki jednemu złemu nawykowi, który był powszechny w XVIII wieku. W tamtych czasach wąchanie tytoniu było bardzo modne i wszyscy to robili: szlachta, plebs, mężczyźni, kobiety. Tytoń przechowywano w tabakierkach wykonanych ze złota, srebra, szylkretu, porcelany i innych materiałów. A w Europie zaczęto robić tabakiery z prasowanej tektury nasączonej olejem roślinnym i suszonej w temperaturach do 100 ° C. Materiał ten zaczęto nazywać papier-mache (papier do żucia). Tabakiery pokryto czarnym podkładem i czarnym lakierem, w obrazie wykorzystano klasyczne sceny. Takie tabakiery były bardzo popularne w Rosji, więc w 1796 roku we wsi Daniłkowo, 30 km od Moskwy, kupiec P.I. Korobov rozpoczął produkcję okrągłych tabakierek, które zostały ozdobione rycinami naklejonymi na wieczkach. Ryciny pokryto przezroczystym werniksem. Od 1819 r. właścicielem fabryki był zięć Korobowa P.V. Lukutin. wraz z synem A. P. Lukutin rozszerzył produkcję, zorganizował szkolenie rosyjskich mistrzów, pod jego kierownictwem produkcja została przeniesiona do wsi Fedoskino. Mistrzowie Fedoskino zaczęli ozdabiać tabakierki, koraliki, szkatułki i inne wyroby miniaturami malarskimi wykonanymi farbami olejnymi w klasyczny sposób malarski. Przedmioty Łukutina z XIX wieku przedstawiają widoki Kremla moskiewskiego i innych zabytków architektury, sceny z życia ludowego w technice malarstwa olejnego. Szczególną popularnością cieszyły się przejażdżki trojkami, festyny ​​czy tańce chłopskie, picie herbaty przy samowarach. Dzięki kreatywności rosyjskich mistrzów lakiery Lukutina nabrały oryginalności i narodowego smaku, zarówno pod względem fabuł, jak i technologii. Miniatura Fedoskino jest malowana farbami olejnymi w trzech do czterech warstwach – kolejno wykonywane jest malowanie (ogólny zarys kompozycji), pisanie lub przemalowywanie (opracowanie bardziej szczegółowe), lazurowanie (modelowanie obrazu farbami transparentnymi) i odblaski (wykończenie pracy jasnymi kolorami, które odbijają światło na przedmiotach). Oryginalna technika Fedoskino to „przepisywanie”: przed malowaniem na powierzchnię nakłada się odblaskowy materiał - proszek metalowy, płatki złota lub masę perłową. Prześwitujące przez przezroczyste warstwy farb glazurujących te podszewki nadają obrazowi głębi, niesamowitego efektu blasku. Oprócz tabakierek fabryka produkowała szkatułki, etui na oczy, etui na igły, okładki do albumów rodzinnych, puszki na herbatę, pisanki, tace i wiele innych. Produkty miniaturystów Fedoskino były bardzo popularne nie tylko w Rosji, ale także za granicą.

Tak więc w drugiej połowie XVIII wieku, w epoce „Rozumu i Oświecenia”, powstała w Rosji wyjątkowa, pod wieloma względami wyjątkowa kultura artystyczna. Ta kultura była obca narodowej ograniczoności i izolacji. Z niesamowitą łatwością chłonęła i twórczo przerabiała wszystko, co wartościowe stworzyła twórczość artystów z innych krajów. Narodziły się nowe rodzaje i gatunki sztuki, nowe trendy artystyczne, jasne twórcze nazwy.