Wielu z nas udało się przejść z XX wieku do XXI wieku bez wehikułu czasu. Jak mówią, żyjemy na przełomie dwóch wieków. Dlatego mówiąc o tym, kim są współcześni kompozytorzy i do jakiego wieku należą, musimy to wziąć pod uwagę. Niedawno XX wiek uznano za nowoczesność. Ale kiedy nadszedł XXI wiek, poprzedni wiek automatycznie stał się przeszłością.

Terminologia

Przed rozpoczęciem rozmowy na zadany temat należy ustalić niezbędną terminologię. Po pierwsze, czym jest muzyka klasyczna jako taka? Po drugie, kim są współcześni kompozytorzy? W zrozumieniu tych zagadnień pomoże ciekawa opinia Stephena Fry'ego. Jego książki z historii muzyki klasycznej są tak zachwycające, że czasem nie sposób się od nich oderwać. Bardzo jasno i niezwykle jasno definiuje postawione pytania.

Muzyka klasyczna. Jeśli rozważymy to pojęcie w wąskim tego słowa znaczeniu, stanie się jasne, że odnosi się ono do dość krótkiego okresu klasycyzmu, który dominował od 1750 do 1830 roku. W szerokim znaczeniu klasyka to każda poważna muzyka, która wymaga skupienia na słuchaniu i pewnego wysiłku emocjonalnego.

współczesnych kompozytorów. Ogólnie przyjmuje się, że muzyka klasyczna przetrwała próbę czasu. W związku z tym, jak może być nowoczesny? Pewna metamorfoza właśnie nastąpiła, gdy przenieśliśmy się w XXI wiek, zostawiając wiek XX w przeszłości. Okazało się więc, że współcześni kompozytorzy klasyczni należą do XX wieku. Jak zatem być z muzyką klasyczną w XXI wieku? Tutaj oznacza to, że jest używana w szerokim tego słowa znaczeniu – jako muzyka poważna, zmuszająca do myślenia i wymagająca pewnego emocjonalnego wysiłku.

Wielcy kompozytorzy rosyjscy XX wieku. Lista

Poniższa lista nie jest ułożona chronologicznie, lecz alfabetycznie. Oczywiście, można z niego wyróżnić, można wskazać szczególnie wybitne. Ale ponieważ wszystkie te osobowości są najjaśniejszymi przedstawicielami swojego stulecia, można je bezpiecznie nazwać - wielkimi współczesnymi kompozytorami XX wieku. Wymieniono nie tylko kompozytorów urodzonych na przełomie XIX i XX wieku. Ich twórczość z tego okresu była już znana lub ich rozkwit twórczości przypadał na wiek XX.

Kompozytorzy zagraniczni XX wieku. Lista

Rosyjscy kompozytorzy XXI wieku

Niemożliwe jest przypisanie niektórych twórców muzyki do konkretnego stulecia. Przecież wiele utworów współczesnych kompozytorów zostało wydanych i zasługiwało na uwagę zarówno w XX, jak i w XXI w. Dotyczy to zwłaszcza żyjących kompozytorów, którym udało się zasłynąć ze swojej wysoce artystycznej twórczości w ubiegłym stuleciu i nadal komponują muzykę w obecny. Mówimy o Rodionie Konstantinowiczu Szczedrinie, Sofii Asgatovnej Gubaidulinie i innych.

Jednak są też mało znani rosyjscy kompozytorzy XXI wieku, którzy stworzyli wspaniałe kompozycje, ale ich nazwiska nie miały czasu, aby stać się popularnymi.

• Batagow Anton.
• Bakszy Aleksander.
• Ekimowski Wiktor.
• Karmanow Paweł.
• Korowicyn Władimir.
• Markiełow Paweł.
• Martynow Władimir.
• Pawłowa Alla.
• Piekarz Marek.
• Sawałow Jurij.
• Sawieliew Jurij.
• Siergiejewa Tatiana.

Tę listę można znacznie rozszerzyć.

O kompozytorach współczesnych

Marek Pekarski (ur. 1940). Zasłynął ze swojego zespołu instrumentów perkusyjnych. Atmosfera na jego koncertach sprzyja śmiechu, gdyż kompozytor w trakcie wykonywania muzyki (oraz w przerwach) potrafi z powodzeniem żartować.

Martynov Vladimir (ur. 1946) to kompozytor minimalistyczny. Łączy w sobie religijność i „postęp”. Współczesny mistrz muzyki poważnej jest w stanie przekazać wiele przy minimalnych środkach.

Jekimowski Wiktor (ur. 1947). Uwagę zwracają jego programowe kompozycje o jaskrawych tytułach. Są to „B” (muzyka napisana na flety i fonogramy), „Siam Concerto” (przeznaczony na dwa fortepiany), „Sublimations” (na orkiestrę symfoniczną), „27 Destructions” (na instrumenty perkusyjne) i wiele innych.

(ur. 1951). W jej twórczości wyczuwalny jest wpływ muzyki A. Skriabina. Dużo lotu, fluktuacji, ognia. Drugi koncert fortepianowy przykuwa uwagę słuchaczy dynamicznym rozwojem i nagłym finałem, który przenosi słuchacza do średniowiecza, a potem z powrotem.

Pavlova Alla (ur. 1952) jest kompozytorką emigracyjną. Obecnie mieszka w Ameryka. Jej muzyka jest melodyjna, a jednocześnie smutna i żałobna. Napisała sześć symfonii w tonacjach molowych, które są całymi tragediami.

Jak widać, muzyka współczesnych kompozytorów jest różnorodna, zaskakująca i atrakcyjna. Wielu twórców uwielbia eksperymenty, szuka nowych form. Należą do nich Bakshi Alexander (ur. 1952). Wśród jego kompozycji wyróżnia się "Unanswered Call", napisany na skrzypce, 6-7 telefonów komórkowych i orkiestrę smyczkową.

Markiełow Paweł (ur. 1967). Jednym z jego ulubionych kierunków jest muzyka sakralna. Napisał symfonie na orkiestrę, sonaty vers libre na fortepian, 20 symfonii dzwonowych.

Współcześni kompozytorzy dla dzieci

Wybitnymi przedstawicielami są Yuri Savalov, Vladimir Korovitsyn, Yuri Saveliev.

Yuri Savalov był utalentowanym kompozytorem, doskonałym pedagogiem i wspaniałym aranżerem. Z entuzjazmem prowadził orkiestrę w Dziecięcej Szkole Muzycznej. Był też dobrym wykonawcą. Grał na klawiszach i instrumentach dętych. Każdy z jego dziewięciu utworów na fortepian ma podtytuł: „Matka”, „Wyznanie”, „Wiatr wędrówki”, „Natchnienie”, „Bal w Zamku Książęcym”, „Preludium”, „Marsz”, „Walc”, „ Kołysanka". Wszystkie są bardzo ciekawe, różnorodne i piękne.

Władimir Korowicyn urodził się w 1955 roku. Jego twórczość składa się z muzyki napisanej w różnych romansach, utworów duchowych napisanych na chór, kamerę i orkiestrę symfoniczną. Dla dzieci napisał zbiór piosenek dla dzieci „Raduj się w słońcu” i „Album dziecięcy” na fortepian. Spektakle są doskonałym uzupełnieniem repertuaru studentów. Tytuły sztuk trafnie oddają ich charakter i nastrój: „Calineczka”, „Drewniane buciki”, „Człowiek z wariacjami na akordeon”, „Emelya jeździ na piecu”, „Smutna księżniczka”, „Taniec na okrągło”.

Piosenki dla dzieci

Piosenki dla dzieci współczesnych kompozytorów są przepełnione optymizmem i pogodą ducha. Pomimo tego, że niektóre z nich powstały pół wieku temu, pozostają nie tylko aktualne, ale także dość nowoczesne. Za najbardziej uważa się V. Shainsky, I. Dunaevsky, D. Kabalevsky, G. Gladkov. Z wielką przyjemnością słuchamy ich wesołych i prowokacyjnych piosenek, śpiewamy je sami i razem z dziećmi.

Nie wszyscy wiedzą, że to G. Gladkov jest właścicielem melodii z tak popularnych filmów i kreskówek, jak „Czerwony Kapturek”, „O łuczniku Fedot”, „Dzieci kapitana Granta”, „Szczupak”, „Kruk z plasteliny” i inni.

Innym legendarnym twórcą współczesnych piosenek dla dzieci jest V. Shainsky. Ma ich ponad trzysta. Wystarczy posłuchać Blue Wagon, Piggy, Chung-Chang, Antoshka i wielu innych, aby zrozumieć, jak utalentowany jest ten kompozytor.

Tak więc współcześni kompozytorzy są uważani nie tylko za żyjących lub niedawno zmarłych kompozytorów XXI wieku, ale także za mistrzów XX wieku. Obaj stworzyli wielogatunkową i różnorodną muzykę, która zasługuje na uwagę słuchaczy i muzykologów.

6. (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Skryabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najjaśniejszych osobowości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych z przemianami życia publicznego przełomu XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, jego ojciec nie mógł zwrócić uwagi na syna, ponieważ służył jako ambasador w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S.V. Rachmaninow. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin całkowicie poświęcił się muzyce – jako koncertujący pianista-kompozytor odbył tournée po Europie i Rosji, większość czasu spędzając za granicą.
Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypada na lata 1903-1908, kiedy III Symfonia („Boski poemat”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, „Tragiczne” i „Szatańskie” poematy fortepianowe, IV i V sonaty oraz inne utwory wydany. „Poemat ekstazy”, składający się z kilku motywów-obrazów, skoncentrował twórcze pomysły Sryabina i jest jego jasnym arcydziełem. Harmonijnie połączył zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i liryczne, zwiewne brzmienie instrumentów solowych. Ogromna energia życiowa, ognista namiętność, silna wola zawarta w „Poemacie ekstazy” robi na słuchaczu nieodparte wrażenie i do dziś zachowuje siłę oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego, i po raz pierwszy w historii utworowi temu miał towarzyszyć kolor muzyka, ale premiera, z przyczyn technicznych, nie przeszła bez efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był pomysł Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby zaapelować do całej ludzkości i zainspirować go do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Cytat AN Skriabina: „Powiem im (ludziom), że… nie oczekują od życia niczego poza tym, co sami mogą stworzyć… Powiem im, że nie ma czego opłakiwać o tym, że nie ma straty "Aby nie bali się rozpaczy, która jako jedyna może dać początek prawdziwemu tryumfowi. Silny i potężny jest ten, kto przeżył rozpacz i ją pokonał."

Cytat o A.N. Skriabinie: „Dzieło Skriabina było jego czasem, wyrażonym w dźwiękach. Ale kiedy to, co tymczasowe, przemijające, znajduje swój wyraz w dziele wielkiego artysty, nabiera trwałego znaczenia i staje się trwałe”. GV Plechanow

ANScriabin „Prometeusz”

7. (1873 - 1943)

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow to największy światowy kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy obraz Rachmaninowa jako kompozytora określany jest często epitetem „kompozytor najbardziej rosyjski”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w łączeniu tradycji muzycznych moskiewskiej i petersburskiej szkoły kompozytorskiej oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który wyróżnia się w odosobnieniu w światowej kulturze muzycznej.
Urodzony w guberni nowogrodzkiej, od czwartego roku życia zaczął uczyć się muzyki pod kierunkiem matki. Studiował w Konserwatorium Petersburskim, po 3 latach przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego, które ukończył z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista, komponujący muzykę. Katastrofalna premiera przełomowej I Symfonii (1897) w Petersburgu zapoczątkowała kryzys twórczości kompozytorskiej, z którego Rachmaninow wyszedł na początku XX wieku z dojrzałym stylem, łączącym rosyjskie pieśni kościelne, ustępujący europejski romantyzm, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm, wszystkie nasycone ze złożoną symboliką. W tym okresie twórczości powstały jego najlepsze dzieła, w tym 2 i 3 koncerty fortepianowe, II Symfonia oraz jego ulubione dzieło - poemat "Dzwony" na chór, solistów i orkiestrę.
W 1917 roku został zmuszony do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w Stanach Zjednoczonych. Przez prawie dziesięć lat po odejściu nic nie komponował, ale intensywnie koncertował w Ameryce i Europie, uznawany za jednego z najwybitniejszych pianistów epoki i najwybitniejszego dyrygenta. Mimo całej burzliwej działalności Rachmaninow pozostał osobą wrażliwą i niepewną siebie, dążącą do samotności, a nawet samotności, unikając natrętnej uwagi opinii publicznej. Szczerze kochał i tęsknił za ojczyzną, zastanawiając się, czy nie popełnił błędu opuszczając ją. Stale interesował się wszystkimi wydarzeniami mającymi miejsce w Rosji, czytał książki, gazety i czasopisma, pomagał finansowo. Jego ostatnie kompozycje - III Symfonia (1937) i "Tańce symfoniczne" (1940) stały się wynikiem drogi twórczej, chłonąc wszystko, co najlepsze z jego niepowtarzalnego stylu oraz żałobne poczucie nieodwracalnej straty i tęsknoty za domem.

Cytat SV Rachmaninowa:
„Czuję się jak duch błąkający się samotnie po świecie, który jest mu obcy”.
„Najwyższą cechą każdej sztuki jest jej szczerość”.
„Wielcy kompozytorzy zawsze i przede wszystkim zwracali uwagę na melodię jako naczelną zasadę w muzyce. Melodia jest muzyką, główną podstawą wszelkiej muzyki… Pomysłowość melodyczna w najwyższym tego słowa znaczeniu jest głównym celem życiowym kompozytora. ... Przez Z tego powodu wielcy kompozytorzy z przeszłości wykazywali tak duże zainteresowanie melodiami ludowymi swoich krajów.

Cytat o SV Rachmaninowie:
„Rachmaninow był zrobiony ze stali i złota: stal w dłoniach, złoto w sercu. Nie mogę myśleć o nim bez łez. Nie tylko skłoniłem się przed wielkim artystą, ale kochałem w nim człowieka”. I. Hoffmana
„Muzyka Rachmaninowa to Ocean. Jego fale – muzyczne – zaczynają się tak daleko za horyzontem i unoszą cię tak wysoko i opuszczają tak powoli… że czujesz tę Moc i Oddech”. A. Konczałowski

Ciekawostka: podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncertów charytatywnych, z których zebrane pieniądze przesłał na fundusz Armii Czerwonej do walki z nazistowskimi najeźdźcami.

SVRachmaninow. Koncert fortepianowy nr 2

8. (1882-1971)
Igor Fiodorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych światowych kompozytorów XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „zwierciadłem” epoki muzycznej, jego twórczość odzwierciedla wielość stylów, nieustannie się krzyżujących i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej historii muzyki i podporządkowując je własnym regułom.
Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu Petersburskiego, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozytorska Strawińskiego, dzięki której opanował do perfekcji technikę kompozytorską. Zawodowo komponować zaczął stosunkowo późno, ale jego kariera była szybka – seria trzech baletów: Ognisty ptak (1910), Pietruszka (1911) i Święto wiosny (1913) od razu przyniosła go do grona kompozytorów pierwszej rangi .
W 1914 opuścił Rosję, jak się okazało prawie na zawsze (w 1962 odbyły się tournee po ZSRR). , zmuszony do zmiany kilku krajów - Rosji, Szwajcarii, Francji, w rezultacie pozostał, by mieszkać w USA. Jego twórczość dzieli się na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „produkcja seryjna”, okresy te dzieli nie czas życia w różnych krajach, ale „pismo odręczne” autora.
Strawiński był bardzo wykształconą, towarzyską osobą o wspaniałym poczuciu humoru. W kręgu jego znajomych i korespondentów znajdowali się muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni, mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego - "Requiem" (1966) pochłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą twórczości mistrza.
W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „wyjątkowość”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągłą zmianą gatunku, stylu, kierunku fabuły - każde z jego dzieł jest wyjątkowy, ale ciągle powracał do projektów, w których widać rosyjskie pochodzenie, słychać rosyjskie korzenie.

Cytat IF Strawińskiego : „Całe życie mówię po rosyjsku, mam rosyjski styl. Może w mojej muzyce nie jest to od razu widoczne, ale jest w niej nieodłączne, tkwi w jej ukrytej naturze”

Cytat o I.F. Strawińskim: „Strawiński jest prawdziwie rosyjskim kompozytorem… Rosyjski duch jest niezniszczalny w sercu tego naprawdę wielkiego, wielopłaszczyznowego talentu, zrodzonego z rosyjskiej ziemi i żywotnie z nią związanego…” D. Szostakowicz

Ciekawostka (rower):
Będąc w Nowym Jorku, Strawiński wziął taksówkę i ze zdziwieniem przeczytał swoje nazwisko na szyldzie.
- Nie jesteś krewnym kompozytora? — zapytał kierowcę.
- Czy jest kompozytor o takim nazwisku? – zdziwił się kierowca. - Słyszę to po raz pierwszy. Jednak Strawiński to nazwisko właściciela taksówki. Z muzyką nie mam nic wspólnego - nazywam się Rossini...

IF Strawiński. Suita „Ognisty ptak”

9. (1891—1953)

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew - jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista, dyrygent.
Urodzony w obwodzie donieckim, od dzieciństwa związany z muzyką. Prokofiewa można uznać za jedno z nielicznych (jeśli nie jedyne) rosyjskich muzycznych „cudownych dzieci”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazują chęć tworzenia), w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium Petersburskim, wśród jego nauczycieli był. Początek jego kariery zawodowej wywołał burzę krytyki i niezrozumienie jego indywidualnego, z gruntu antyromantycznego i skrajnie modernistycznego stylu, paradoks polega na tym, że po zburzeniu kanonów akademickich struktura jego kompozycji pozostała wierna, a następnie stała się siłą powstrzymującą modernistyczny, całkowicie zaprzeczający sceptycyzm. Od samego początku swojej kariery Prokofiew dużo koncertował i koncertował. W 1918 odbył międzynarodowe tournée, m.in. odwiedzając ZSRR, by wreszcie w 1936 wrócić do ojczyzny.
Kraj się zmienił, a „swobodna” twórczość Prokofiewa została zmuszona do ustąpienia realiom nowych wymagań. Talent Prokofiewa rozkwitł z nową energią - pisze opery, balety, muzykę do filmów - ostra, silna wola, niezwykle dokładna muzyka z nowymi obrazami i pomysłami położyła podwaliny pod radziecką muzykę klasyczną i operę. W 1948 roku nastąpiły niemal jednocześnie trzy tragiczne wydarzenia: aresztowano i zesłano do obozów jego pierwszą żonę Hiszpankę pod zarzutem szpiegostwa; wydano dekret Biura Politycznego KC WKPB, w którym Prokofiew, Szostakowicz i inni zostali zaatakowani i oskarżeni o „formalizm” i niebezpieczeństwa związane z ich muzyką; nastąpiło gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia kompozytora, przeszedł na emeryturę do kraju i praktycznie go nie opuścił, ale nadal komponował.
Jednymi z najjaśniejszych dzieł okresu sowieckiego były opery „Wojna i pokój”, „Opowieść o prawdziwym człowieku”; balety „Romeo i Julia”, „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; „Na straży świata”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; praca na fortepianie.
Twórczość Prokofiewa uderza swoją wszechstronnością i rozpiętością tematów, oryginalnością jego muzycznego myślenia, świeżością i oryginalnością złożyły się na całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarły ogromny wpływ na wielu kompozytorów radzieckich i zagranicznych.

Cytat SS Prokofiewa:
„Czy artysta może stać z dala od życia?.. Jestem przekonany, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służby człowiekowi i ludowi… Przede wszystkim musi być obywatelem w jego sztukę, śpiewaj o ludzkim życiu i prowadź człowieka ku lepszej przyszłości...
„Jestem przejawem życia, które daje mi siłę do przeciwstawiania się wszelkim nieduchowym”

Cytat o S.S. Prokofiewie: "...wszystkie oblicza jego muzyki są piękne. Ale jest tu jedna rzecz zupełnie niezwykła. Podobno wszyscy mamy jakieś wpadki, wątpliwości, po prostu zły humor. I w takich chwilach, nawet jeśli Nie gram i nie słucham Prokofiewa, tylko pomyśl o nim, dostaję niesamowitego zastrzyku energii, czuję wielką chęć do życia, do działania” E. Kissin

Ciekawostka: Prokofiew bardzo lubił szachy, wzbogacając grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, w tym wynalezioną przez siebie „dziewiątką” szachów - planszą 24x24, na której umieszczono dziewięć zestawów pionków.

SS Prokofiew. Koncert nr 3 na fortepian i orkiestrę

10. Dmitrij Dmitrijewicz SZOSTAKOWICZ (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz jest jednym z najbardziej znaczących i koncertujących kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego twórczość jest prawdziwym wyrazem wewnętrznego ludzkiego dramatu i annałów trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, przeplata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losem jego rodzinnego kraju.
Urodzony w Petersburgu, pierwsze lekcje muzyki pobierał u matki, ukończył Konserwatorium Petersburskie, po wstąpieniu do którego jego rektor Aleksander Głazunow porównał go z Mozartem - imponował wszystkim doskonałą pamięcią muzyczną, bystrym słuchem i talentem kompozytorskim . Już na początku lat 20., pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnej twórczości i stał się jednym z najlepszych kompozytorów w kraju. Światowa sława przyszła do Szostakowicza po zwycięstwie w 1927 roku.
Do pewnego okresu, a mianowicie przed produkcją opery „Lady Makbet z mceńskiego powiatu”, Szostakowicz pracował jako niezależny artysta - „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Ostre potępienie tej opery w 1936 roku i represje z 1937 roku położyły podwaliny pod późniejszą nieustanną wewnętrzną walkę Szostakowicza o chęć wyrażania własnych poglądów w obliczu narzucanych przez państwo trendów w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość są ze sobą bardzo ściśle powiązane, był chwalony przez władze i prześladowany przez nie, piastował wysokie stanowiska i był z nich usuwany, nagradzany i bliski aresztowania siebie i najbliższych.
Miękki, inteligentny, delikatny człowiek, formę wyrazu zasad twórczych znalazł w symfoniach, w których mógł w jak najbardziej otwarty sposób mówić prawdę o czasie. Ze wszystkich obszernych dzieł Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 utworów), najbardziej dramatyczne są symfonie 5,7,8,10,15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz otwiera się w muzyce kameralnej.
Mimo że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nie wyjeżdżał za granicę, jego muzyka, humanistyczna w swej istocie i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozprzestrzeniła się po całym świecie, wykonywana przez najlepszych dyrygentów. Ogrom talentu Szostakowicza jest tak ogromny, że pełne zrozumienie tego wyjątkowego fenomenu sztuki światowej dopiero nadejdzie.

Cytat D.D. Szostakowicza: „Prawdziwa muzyka jest w stanie wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko zaawansowane humanistyczne idee”.

D. Szostakowicz. Symfonia nr 7 „Leningradzka”

D. Szostakowicz. Walc nr 2

Wyrównanie do emtekstu: justifynbsp; tytuł=

Współcześni kompozytorzy. Zobacz katalog współczesnych kompozytorów na musikaneo.com Muzyka klasyczna przetrwała próbę czasu i zgadzamy się, że jeśli utwór ma mniej niż 100 lat, nie może być muzyką klasyczną. Ale czym zajmują się absolwenci konserwatorium, gdzie są ich prace i jak mogą odnosić się do muzyki klasycznej?

Muzyka klasyczna. W wąskim znaczeniu termin ten odnosi się do okresu klasycyzmu, który dominował w latach 1750-1830. W szerokim znaczeniu muzyka klasyczna to każda poważna muzyka, która zmusza do myślenia, wymaga uważnego słuchania i pewnego emocjonalnego wysiłku.

okresy muzyczne. Muzyczne epoki i autorzy tworzący muzykę w różnych okresach są pięknie przedstawieni na musikaneo.com

Wielcy kompozytorzy rosyjscy XX wieku. Wszystkie te osobowości są najjaśniejszymi przedstawicielami swojego stulecia, można je bezpiecznie nazwać wielkimi współczesnymi kompozytorami XX wieku. Wymieniono nie tylko kompozytorów urodzonych na przełomie XIX i XX wieku. Ich twórczość z tego okresu była już znana lub ich rozkwit twórczości przypadał na wiek XX.

• Pachmutowa Aleksandra Nikołajewna Prokofiew Siergiej Siergiejewicz. Rachmaninow Siergiej Wasiljewicz. Sviridov Gieorgij Wasiljewicz. Skriabin Aleksander Nikołajewicz. Słonimski Siergiej Michajłowicz. Strawiński Igor Fiodorowicz.

• Chaczaturian Aram Iljicz. Szostakowicz Dmitrij Dmitriewicz. Schnittke Alfred Garriewicz. Szczedrin Rodion Konstantynowicz.

Kompozytorzy zagraniczni XX wieku.

• Alban Breg. Antona Weberna. Arnolda Schönberga. Bela Bartok. Villa Lobos Heitor. Witold Lutosławski. György Ligeti. Johna Cage'a. George’a Gershwina.

• Leonarda Bernsteina. Luigi Nono. Mikołaja Ciurlionisa. Nadii Boulanger. Oliviera Messiaena

• Paula Hindemitha. Charlesa Ivesa. Edwarda Benjamina Brittena. Edgara Varese'a. Janis Xenakis.

Rosyjscy kompozytorzy XXI wieku Niemożliwe jest przypisanie niektórych twórców muzyki do konkretnego stulecia. Przecież wiele utworów współczesnych kompozytorów zostało wydanych i zasługiwało na uwagę zarówno w XX, jak i w XXI w. Dotyczy to zwłaszcza żyjących kompozytorów, którym udało się zasłynąć ze swojej wysoce artystycznej twórczości w ubiegłym stuleciu i nadal komponują muzykę w obecny. Mówimy o Rodionie Konstantinowiczu Szczedrinie, Sofii Asgatovnej Gubaidulinie i innych.

Jednak są też mało znani rosyjscy kompozytorzy XXI wieku, którzy stworzyli wspaniałe kompozycje, ale ich nazwiska nie miały czasu, aby stać się popularnymi.

• Batagow Anton. Bakszy Aleksander. Ekimowski Wiktor. Karmanow Paweł. Korowicyn Władimir. Markiełow Paweł. Martynow Władimir. Pawłowa Alla. Piekarz Marek. Sawałow Jurij. Sawieliew Jurij. Siergiejewa Tatiana.

Światowa muzyka klasyczna jest nie do pomyślenia bez dzieł rosyjskich kompozytorów. Rosyjska szkoła kompozytorska, której tradycje kontynuowała radziecka i dzisiejsza szkoła rosyjska, rozpoczęła się w XIX wieku od kompozytorów, którzy połączyli europejską sztukę muzyczną z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę z rosyjskim duchem.

jako AS Puszkin, VA Żukowski, AS Griboyedov, AA Delvig. Impulsu twórczego nadała mu wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX wieku i spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów - V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeer. Sukces przyszedł do M. I. Glinki po wyprodukowaniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”) (1836), która została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich, po raz pierwszy w muzyce światowej, rosyjskiej sztuce chóralnej oraz europejskiej symfoniczno-operowej praktyki zostały organicznie połączone, a także pojawił się bohater, podobny do Susanin, którego wizerunek podsumowuje najlepsze cechy charakteru narodowego. V. F. Odoevsky opisał operę jako „nowy element w sztuce, a w jej historii rozpoczyna się nowy okres - okres muzyki rosyjskiej”.

Glinka: „Aby stworzyć piękno, trzeba być czystym w duszy”

Druga opera - epicka „Rusłan i Ludmiła” (1842), nad którą prace przeprowadzono na tle śmierci Puszkina iw trudnych warunkach życiowych kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, został niejednoznacznie przyjęty przez publiczność i władze i wywołał u M. I. Glinki urazę. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. W jego spuściźnie pozostały romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki była oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej.

Michaił Iwanowicz Glinka nie wyróżniał się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię, być może gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem. Znał sześć języków obcych, w tym perski.

Aleksander Porfiriewicz BORODIN (1833-1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych rosyjskich kompozytorów drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego był chemikiem, lekarzem, nauczycielem, krytykiem i miał talent literacki.

Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół zwracali uwagę na jego niezwykłą aktywność, zapał i zdolności w różnych kierunkach, przede wszystkim w muzyce i chemii. A.P. Borodin jest rosyjskim kompozytorem bryłek, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyków, wszystkie swoje osiągnięcia w muzyce zawdzięcza samodzielnej pracy nad opanowaniem techniki komponowania. Na powstanie A. P. Borodina wpłynęła twórczość M. I. Glinki (a także wszystkich kompozytorów rosyjskich XIX wieku), a dwa wydarzenia dały impuls bliskiemu zajęciu się kompozycją na początku lat 60. XIX wieku - po pierwsze, znajomość i małżeństwo z utalentowanym pianisty E. S. Protopopowej, a po drugie spotkanie z M. A. Bałakiriewem i dołączenie do twórczego środowiska kompozytorów rosyjskich, znanego jako „Potężna garstka”. Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin intensywnie podróżował i koncertował po Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, pod koniec XIX wieku stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych kompozytorów rosyjskich w Europie wiek XX wiek.

Centralne miejsce w twórczości A. P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869–1890), będąca przykładem muzycznej epopei narodowego bohaterstwa, której on sam nie miał czasu ukończyć (ukończył ją jego przyjaciele AA Głazunow i NA Rimski-Korsakow). W „Księciu Igorze”, na tle majestatycznych obrazów wydarzeń historycznych, odzwierciedlona została główna idea całego dzieła kompozytora - odwaga, spokojna wielkość, duchowa szlachetność najlepszego narodu rosyjskiego i potężna siła całego narodu rosyjskiego, przejawiającego się w obronie ojczyzny. Pomimo faktu, że A.P. Borodin pozostawił stosunkowo niewielką liczbę dzieł, jego twórczość jest bardzo różnorodna i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiej muzyki symfonicznej, który wywarł wpływ na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Reakcja chemiczna soli srebra kwasów karboksylowych z halogenami, w wyniku której powstają chlorowcowane węglowodory, została nazwana na cześć Borodina, który jako pierwszy zbadał w 1861 roku.

Modest Pietrowicz MUSSORGSKI (1839-1881)

Modest Pietrowicz Musorgski to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek Potężnej Garstki. Innowacyjna praca Musorgskiego znacznie wyprzedzała swoje czasy.

Urodzony w obwodzie pskowskim. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny, studiował w Petersburgu, był, zgodnie z rodzinną tradycją, wojskowym. Decydującym wydarzeniem, które zdecydowało, że Musorgski urodził się nie do służby wojskowej, ale do muzyki, było spotkanie z MA Bałakiriewem i dołączenie do Potężnej Garstki. Musorgski jest wielki, ponieważ w swoich wielkich dziełach – operach Borys Godunow i Chowańszczyzna – uchwycił w muzyce dramatyczne kamienie milowe rosyjskiej historii z radykalną nowością, której rosyjska muzyka nie znała przed nim, ukazując w nich połączenie masowych scen ludowych i różnorodne bogactwo typów, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach zarówno autora, jak i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie. Innym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utworów fortepianowych „Obrazki z wystawy”, w których barwne i pomysłowe miniatury przesiąknięte są motywem rosyjskiego refrenu i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniała go prawdziwa duchowa czystość i bezinteresowność. Ostatnie lata jego życia były trudne - nieład życiowy, nieuznawanie twórczości, samotność, uzależnienie od alkoholu, wszystko to zadecydowało o przedwczesnej śmierci w wieku 42 lat, pozostawił po sobie stosunkowo niewiele kompozycji, z których część została uzupełniona przez innych kompozytorów. Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego antycypowały pewne cechy rozwoju muzycznego XX wieku i odegrały ważną rolę w rozwoju stylów wielu światowych kompozytorów.

Pod koniec życia Musorgski pod naciskiem „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich utworów i przekazał je Tertijowi Filippowowi.

Piotr Iljicz CZAIKOWSKI (1840-1893)

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, wyniósł rosyjską sztukę muzyczną na niespotykane dotąd wyżyny. Jest jednym z najważniejszych kompozytorów światowej muzyki klasycznej.

Pochodzący z guberni wiackiej, choć jego ojcowskie korzenie sięgają Ukrainy, Czajkowski wykazywał zdolności muzyczne od dzieciństwa, jednak pierwsze wykształcenie i pracę związał z prawem. Czajkowski jest jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych” – studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium Petersburskim. Czajkowski był uważany za kompozytora „zachodniego”, w przeciwieństwie do ludowych postaci „Potężnej garstki”, z którymi miał dobre twórcze i przyjacielskie stosunki, jednak jego twórczość jest nie mniej przesiąknięta rosyjskim duchem, udało mu się w unikalny sposób połączyć zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z rosyjskimi tradycjami odziedziczonymi po Michaile Glince.

Kompozytor prowadził aktywne życie – był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osobą publiczną, pracował w dwóch stolicach, koncertował w Europie i Ameryce. Czajkowski był raczej osobą niestabilną emocjonalnie, entuzjazm, przygnębienie, apatia, irytacja, gwałtowny gniew - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często, będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.

Czajkowski: „Wielki talent wymaga wielkiej pracowitości”

Trudno jest wyróżnić coś najlepszego z twórczości Czajkowskiego, ma on kilka dzieł o równej wielkości w prawie wszystkich gatunkach muzycznych - operze, balecie, symfonii, muzyce kameralnej. Treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, dzieła literatury rosyjskiej i światowej ujawniają się w niej w nowy sposób, odzwierciedlają głębokie procesy życia duchowego.

Uniwersytet Cambridge zaocznie i bez obrony pracy nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki, a paryska Akademia Sztuk Pięknych wybrała go członkiem korespondentem.

Nikołaj Andriejewicz RIMSKY-KORSAKOW (1844-1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego krajowego dziedzictwa muzycznego. Jego osobliwy świat i uwielbienie dla wiecznego wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedności z naturą nie mają sobie równych w historii muzyki.
Urodzony w guberni nowogrodzkiej, zgodnie z rodzinną tradycją, został oficerem marynarki wojennej, na okręcie wojennym podróżował po wielu krajach Europy i obu Ameryk. Edukację muzyczną pobierał najpierw od matki, następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille'a. I znowu, dzięki M. A. Bałakiriewowi, organizatorowi Potężnej Garstki, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do środowiska muzycznego i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.

Centralne miejsce w spuściźnie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 dzieł ukazujących różnorodność gatunkową, stylistyczną, dramatyczną i kompozytorską decyzji kompozytora, posiadających jednak szczególny styl - z całym bogactwem składu orkiestrowego, melodycznych linii wokalnych są głównymi. Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za który otrzymał przydomek „gawędziarz”.

Oprócz bezpośredniej niezależnej działalności twórczej N. A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako finalista dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina. Rimski-Korsakow był założycielem szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i kierownik Konserwatorium Petersburskiego wydał około dwustu kompozytorów, dyrygentów, muzykologów, wśród nich Prokofiewa i Strawińskiego.

Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915)

Alexander Nikolayevich Skryabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najjaśniejszych osobowości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych z przemianami życia publicznego przełomu XIX i XX wieku.

Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, jego ojciec nie mógł zwrócić uwagi na syna, ponieważ służył jako ambasador w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S. V. Rachmaninow. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin całkowicie poświęcił się muzyce – jako koncertujący pianista-kompozytor odbył tournée po Europie i Rosji, większość czasu spędzając za granicą.

Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypadł na lata 1903-1908, kiedy ukazała się III Symfonia („Boski poemat”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, „Tragiczne” i „Szatańskie” poematy fortepianowe, IV i V sonaty oraz inne utwory. „Poemat ekstazy”, składający się z kilku motywów-obrazów, skoncentrował twórcze pomysły Sryabina i jest jego jasnym arcydziełem. Harmonijnie połączył zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i liryczne, zwiewne brzmienie instrumentów solowych. Ogromna energia życiowa, ognista namiętność, silna wola zawarta w „Poemacie ekstazy” robi na słuchaczu nieodparte wrażenie i do dziś zachowuje siłę oddziaływania.

Skriabin: „Powiem im, żeby nie oczekiwali od życia niczego poza tym, co sami mogą stworzyć”.

Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego, i po raz pierwszy w historii temu utworowi miał towarzyszyć kolor muzyka, ale premiera, z przyczyn technicznych, nie przeszła bez efektów świetlnych.

Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był pomysł Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby zaapelować do całej ludzkości i zainspirować go do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Siergiej Wasiljewicz RACHMANINOW (1873 - 1943)

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow to największy światowy kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy wizerunek Rachmaninowa jako kompozytora określany jest często epitetem „kompozytor najbardziej rosyjski”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w łączeniu tradycji muzycznych moskiewskiej i petersburskiej szkoły kompozytorskiej oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który wyróżnia się w odosobnieniu w światowej kulturze muzycznej.

Urodzony w guberni nowogrodzkiej, od czwartego roku życia zaczął uczyć się muzyki pod kierunkiem matki. Studiował w Konserwatorium Petersburskim, po 3 latach przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego, które ukończył z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista, komponujący muzykę. Katastrofalna premiera przełomowej I Symfonii (1897) w Petersburgu wywołała kryzys twórczy kompozytora, z którego Rachmaninow wyszedł na początku XX wieku ze stylem, który łączył rosyjskie pieśni kościelne, zanikający europejski romantyzm, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm, a wszystko to przesycone złożona symbolika. W tym okresie twórczości powstały jego najlepsze dzieła, w tym 2 i 3 koncerty fortepianowe, II Symfonia oraz jego ulubione dzieło - poemat "Dzwony" na chór, solistów i orkiestrę.

Rachmaninow: „Czuję się jak duch, który błąka się samotnie po obcym mu świecie”.

W 1917 r. Rachmaninow i jego rodzina zostali zmuszeni do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w Stanach Zjednoczonych. Przez prawie dziesięć lat po odejściu nic nie komponował, ale intensywnie koncertował w Ameryce i Europie, uznawany za jednego z najwybitniejszych pianistów epoki i najwybitniejszego dyrygenta. Mimo całej burzliwej działalności Rachmaninow pozostał osobą wrażliwą i niepewną siebie, dążącą do samotności, a nawet samotności, unikając natrętnej uwagi opinii publicznej. Szczerze kochał i tęsknił za ojczyzną, zastanawiając się, czy nie popełnił błędu opuszczając ją. Stale interesował się wszystkimi wydarzeniami mającymi miejsce w Rosji, czytał książki, gazety i czasopisma, pomagał finansowo. Jego ostatnie kompozycje - III Symfonia (1937) i "Tańce symfoniczne" (1940) stały się wynikiem drogi twórczej, chłonąc wszystko, co najlepsze z jego niepowtarzalnego stylu oraz żałobne poczucie nieodwracalnej straty i tęsknoty za domem.

Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncertów charytatywnych, z których zebrane pieniądze przesłał na fundusz Armii Czerwonej do walki z nazistowskimi najeźdźcami.

Igor Fiodorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971)

Igor Fiodorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych światowych kompozytorów XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „zwierciadłem” epoki muzycznej, jego twórczość odzwierciedla wielość stylów, które nieustannie się krzyżują i są trudne do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej historii muzyki i podporządkowując je własnym regułom.

Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu Petersburskiego, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozytorska Strawińskiego, dzięki której opanował do perfekcji technikę kompozytorską. Zawodowo komponować zaczął stosunkowo późno, ale awans był szybki - seria trzech baletów: Ognisty ptak (1910), Pietruszka (1911) i Święto wiosny (1913) od razu przyniosła go do grona kompozytorów pierwszej rangi.

W 1914 opuścił Rosję, jak się okazało prawie na zawsze (w 1962 odbyły się tournee po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, zmuszonym do zmiany kilku krajów - Rosji, Szwajcarii, Francji, a ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość dzieli się na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „produkcja seryjna”, okresy te dzieli nie czas życia w różnych krajach, ale „pismo odręczne” autora.

Strawińskiego: „Mam rosyjską sylabę. Może w mojej muzyce nie jest to od razu oczywiste, ale jest w to wbudowane”.

Strawiński był bardzo wykształconą, towarzyską osobą o wspaniałym poczuciu humoru. W kręgu jego znajomych i korespondentów znajdowali się muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni, mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego - "Requiem" (1966) pochłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą twórczości mistrza.

W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „wyjątkowość”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągła zmiana gatunku, stylu, kierunku fabuły - każde z jego dzieł jest wyjątkowe , ale ciągle wracał do konstrukcji, w których widać rosyjskie pochodzenie, słyszał rosyjskie korzenie.

Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891-1953)

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista i dyrygent.

Urodzony w obwodzie donieckim, od dzieciństwa związany z muzyką. Prokofiewa można uznać za jedno z nielicznych (jeśli nie jedyne) rosyjskich muzycznych „cudownych dzieci”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazywać chęć tworzenia), w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium Petersburskim, wśród jego nauczycieli był N. A. Rimski-Korsakow. Początek jego kariery zawodowej wywołał burzę krytyki i niezrozumienie jego indywidualnego z gruntu antyromantycznego i skrajnie modernistycznego stylu, paradoks polega na tym, że łamiąc akademickie kanony, struktura jego kompozycji pozostała wierna klasycznym zasadom, a następnie stała się hamującą siłę modernistycznego, zaprzeczającego wszystkim sceptycyzmu. Od samego początku swojej kariery Prokofiew dużo koncertował i koncertował. W 1918 odbył międzynarodowe tournée, m.in. odwiedzając ZSRR, by wreszcie w 1936 wrócić do ojczyzny.

Kraj się zmienił, a „swobodna” twórczość Prokofiewa została zmuszona do poddania się realiom nowych wymagań. Talent Prokofiewa rozkwitł z nową energią - pisze opery, balety, muzykę do filmów - ostra, silna wola, niezwykle dokładna muzyka z nowymi obrazami i pomysłami położyła podwaliny pod radziecką muzykę klasyczną i operę. W 1948 roku nastąpiły niemal jednocześnie trzy tragiczne wydarzenia: aresztowano i zesłano do obozów jego pierwszą żonę Hiszpankę pod zarzutem szpiegostwa; wydano dekret Biura Politycznego KC WKPb, w którym Prokofiew, Szostakowicz i inni zostali zaatakowani i oskarżeni o „formalizm” i niebezpieczeństwa związane z ich muzyką; nastąpiło gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia kompozytora, przeszedł na emeryturę do kraju i praktycznie go nie opuścił, ale nadal komponował.

Prokofiew: „Kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służby człowiekowi i ludowi”.

Jednymi z najjaśniejszych dzieł okresu sowieckiego były opery „Wojna i pokój”, „Opowieść o prawdziwym człowieku”; balety Romeo i Julia oraz Kopciuszek, które stały się nowym standardem w światowej muzyce baletowej; oratorium „Na straży świata”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; praca na fortepianie.

Twórczość Prokofiewa uderza swoją wszechstronnością i rozpiętością tematów, oryginalnością jego muzycznego myślenia, świeżością i oryginalnością złożyły się na całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarły ogromny wpływ na wielu kompozytorów radzieckich i zagranicznych.

Prokofiew bardzo lubił szachy, wzbogacając grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, wśród których wynalazł „dziewięć” szachów - planszę o wymiarach 24 × 24 pól, na której umieszczono dziewięć zestawów pionków.

Dmitrij Dmitrijewicz SZOSTAKOWICZ (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz to jeden z najbardziej znaczących i koncertujących kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego twórczość jest prawdziwym wyrazem wewnętrznego ludzkiego dramatu i kroniką trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, przeplata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losem jego rodzinnego kraju.

Urodzony w Petersburgu, pierwsze lekcje muzyki pobierał u matki, ukończył Konserwatorium Petersburskie, po wstąpieniu do którego jego rektor Aleksander Głazunow porównywał go z Mozartem – imponował więc wszystkim doskonałą pamięcią muzyczną, bystrym słuchem i kompozytorskim prezent. Już na początku lat 20., pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnej twórczości i stał się jednym z najlepszych kompozytorów w kraju. Światowa sława przyszła do Szostakowicza po zwycięstwie w I Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w 1927 roku.

Do pewnego okresu, a mianowicie przed produkcją opery Lady Makbet z mceńskiego powiatu, Szostakowicz pracował jako niezależny artysta – „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Ostre potępienie tej opery w 1936 roku i represje z 1937 roku położyły podwaliny pod późniejszą nieustanną wewnętrzną walkę Szostakowicza o chęć wyrażania własnych poglądów w obliczu narzucanych przez państwo trendów w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość są ze sobą bardzo ściśle powiązane, był chwalony przez władze i prześladowany przez nie, piastował wysokie stanowiska i był z nich usuwany, nagradzany i bliski aresztowania siebie i najbliższych.

Miękki, inteligentny, delikatny człowiek, formę wyrazu zasad twórczych znalazł w symfoniach, w których mógł w jak najbardziej otwarty sposób mówić prawdę o czasie. Ze wszystkich obszernych dzieł Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 utworów), najbardziej dramatyczne są symfonie 5,7,8,10,15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz otwiera się w muzyce kameralnej.

Mimo że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nie wyjeżdżał za granicę, jego muzyka, humanistyczna w swej istocie i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozprzestrzeniła się po całym świecie, wykonywana przez najlepszych dyrygentów. Ogrom talentu Szostakowicza jest tak ogromny, że pełne zrozumienie tego wyjątkowego fenomenu sztuki światowej dopiero nadejdzie.

Wiek XX to epoka wielkich przemian w kulturze światowej, aw szczególności w muzyce. Z jednej strony obie wojny światowe i liczne rewolucje wpłynęły na ogólną burzliwą sytuację na świecie.

Z drugiej strony postępujący na naszych oczach rozwój technologiczny doprowadził do powstania radykalnie nowych gatunków, stylów, kierunków, sposobów muzycznej ekspresji. Mimo to niektórzy kompozytorzy XX wieku nie porzucili tradycyjnych form klasycznych, rozwijając i wzbogacając tę ​​formę sztuki. W ramach tego artykułu porozmawiamy o takich innowacyjnych szkołach kompozytorskich i kompozytorach, jak

• Nowa Szkoła Wiedeńska i jej przedstawiciele
  • Kompozytorzy francuskiej szóstki
    • Kompozytorzy awangardowi

Nowa szkoła wiedeńska

Jednym z pierwszych innowatorów na początku XX wieku jest austriacki kompozytor Arnold Schönberg, który kierował Nową Szkołą Wiedeńską i stworzył system dodekafonowy. Jego uczniowie – Alban Berg i Anton Webern – całkowicie zrezygnowali z systemu tonalnego, tworząc w ten sposób muzykę atonalną, co oznacza odrzucenie toniki (brzmienia głównego). Wyjątkiem są najnowsze prace A. Berga. Kompozytorzy atonalistyczni komponowali głównie w stylu ekspresjonistycznym, na którym spoczywają ślady okrutnych wstrząsów ludzkości po utracie bliskich w czasie wojny, głodu, zimna i biedy. System atonalny wyczerpał się już od jakiegoś czasu, jednak w przyszłości, przez cały XX wiek i do dziś wielu kompozytorów próbuje swoich sił w tej technice.

„Francuska szóstka”

Niemal równocześnie z grupą Schönberga we Francji zaczęli działać kompozytorzy francuskiej szóstki, zjednoczeni wspólnym światopoglądem. Są to A. Honegger, D. Milhaud, F. Poulenc, J. Auric, L. Duray, J. Tayefer. Kompozytorom „Szóstki” zależało na tym, aby sztuka muzyczna była dostępna dla przedstawicieli wszystkich grup społecznych. Niemniej jednak ich muzyka dorównywała wielu utworom klasycznym. Kompozytorzy „Szóstki” w swoich utworach promowali kierunek urbanistyki związany z rozwojem miast i postępem high-tech XX wieku. Wykorzystanie w pracach różnych efektów dźwiękowych (zwłaszcza w pracach A. Honeggera) - pikanie, rytm lokomotywy parowej itp. - jest swoistym hołdem złożonym kierunkowi urbanizacji.

Awangarda z lat 50

W latach pięćdziesiątych na scenie pojawili się awangardowi kompozytorzy P. Boulez (Francja), K. Stockhausen (Niemcy), L. Nono i L. Berio (Włochy). Muzyka dla tych kompozytorów staje się polem eksperymentów, gdzie większą wagę przywiązuje się do konstrukcji pasma dźwiękowego, niż do samej treści muzycznego płótna. Szczególne miejsce w ich twórczości zajmuje technika serialna, wywodząca się z systemu dodekafonicznego i doprowadzona do apogeum. Powstaje totalny serializm – w tej technice pisarskiej serializm odzwierciedla się we wszystkich elementach muzycznej całości (rytm, melodia, dynamiczne odcienie itp.). Kompozytorzy awangardowi są także twórcami technik muzyki elektronicznej, muzyki konkretnej, minimalizmu i puentylizmu.

Powyżej mała lista muzycznych stylów, nurtów, muzycznej ekspresji, można więc sobie wyobrazić, jaką różnorodność niesie ze sobą ten ciekawy, wielowarstwowy i wieloaspektowy wiek XX.