„Nowy świat narodził się, gdy namalowali go impresjoniści”
Henri Kahnweiler
XIX wiek. Francja. W malarstwie wydarzyło się coś nie do pomyślenia. Grupa młodych artystów postanowiła potrząsnąć 500-letnią tradycją. Zamiast wyraźnego rysunku użyli szerokiego „niechlujnego” pociągnięcia pędzla.
I całkowicie porzucili zwykłe obrazy, przedstawiające wszystkich z rzędu. I panie o łatwej cnocie i panowie o wątpliwej reputacji.
Publiczność nie była gotowa na malarstwo impresjonistyczne. Byli wyśmiewani i skarceni. A co najważniejsze, nic od nich nie kupili.
Ale opór został złamany. A niektórzy impresjoniści doczekali swojego triumfu. To prawda, że mieli już ponad 40 lat. Jak Claude Monet czy Auguste Renoir. Inni czekali na uznanie dopiero pod koniec życia, jak Camille Pissarro. Ktoś do tego nie dotrzymał, jak Alfred Sisley.
Jakiego rewolucjonisty zrobił każdy z nich? Dlaczego opinia publiczna tak długo ich nie akceptowała? Oto 7 najsłynniejszych na świecie francuskich impresjonistów.
1. Edouard Manet (1832-1883)
Edwarda Grzywa. Autoportret z paletą. 1878 Kolekcja prywatnaManet był starszy niż większość impresjonistów. Był ich główną inspiracją.
Sam Manet nie twierdził, że jest przywódcą rewolucjonistów. Był człowiekiem świata. Marzyłem o oficjalnych nagrodach.
Ale czekał bardzo długo na uznanie. Publiczność w najgorszym razie chciała zobaczyć greckie boginie lub martwe natury, aby wyglądały pięknie w jadalni. Manet chciał malować współczesne życie. Na przykład kurtyzany.
Rezultatem było „Śniadanie na trawie”. Dwóch dandysów odpoczywa w towarzystwie dam łatwej cnoty. Jeden z nich, jakby nic się nie stało, siedzi obok ubranych mężczyzn.
Edwarda Grzywa. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż Porównaj jego „Śniadanie na trawie” z „Romans in the Decline” Thomasa Couture'a. Obraz Couture zrobił furorę. Artysta natychmiast stał się sławny.
„Śniadanie na trawie” zostało oskarżone o wulgarność. Kobietom w ciąży absolutnie nie zalecano patrzenia na nią.
Thomas Couture. Upadek Rzymian. 1847 Musée d'Orsay, Paryż. artchive.ru W malarstwie Couture dostrzegamy wszystkie atrybuty akademizmu (malarstwa tradycyjnego XVI-XIX w.). Kolumny i posągi. Lud apolliński. Tradycyjne stonowane kolory. Manieryzm postaw i gestów. Fabuła z odległego życia zupełnie innych ludzi.
„Śniadanie na trawie” Maneta to inny format. Przed nim nikt tak łatwo nie portretował kurtyzan. Blisko szanowanych obywateli. Chociaż wielu ówczesnych mężczyzn spędzało w ten sposób swój wolny czas. To było prawdziwe życie prawdziwych ludzi.
Kiedyś przedstawiał szanowaną damę. Brzydki. Nie mógł jej schlebiać pędzlem. Pani była rozczarowana. Zostawiła go we łzach.
Edwarda Grzywa. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paryż. wikimedia.commons.org Więc kontynuował eksperymenty. Na przykład kolorem. Nie próbował przedstawiać tak zwanego naturalnego koloru. Jeśli widział szarobrązową wodę jako jasnoniebieską, to przedstawiał ją jako jasnoniebieską.
To oczywiście zirytowało opinię publiczną. „W końcu nawet Morze Śródziemne nie może pochwalić się takim błękitem jak woda w Manet” – żartowali.
Edwarda Grzywa. Argenteuil. 1874 Muzeum Sztuk Pięknych, Tournai, Belgia. wikipedia.org Ale fakt pozostaje. Manet zasadniczo zmienił cel malowania. Obraz stał się ucieleśnieniem indywidualności artysty, który pisze, jak mu się podoba. Zapomnij o wzorach i tradycjach.
Innowacje długo mu nie wybaczały. Uznanie czekało dopiero pod koniec życia. Ale już go nie potrzebował. Umierał boleśnie na nieuleczalną chorobę.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet. Autoportret w berecie. 1886 Kolekcja prywatna Claude Monet można nazwać podręcznikowym impresjonistą. Ponieważ był wierny temu kierunkowi przez całe swoje życie.
Malował nie przedmioty i ludzi, ale jednobarwną konstrukcję rozświetleń i plam. Oddzielne pociągnięcia. Drżenie powietrza.
Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. Metmuseum.org Monet malował nie tylko naturę. Był również dobry w pejzażach miejskich. Jeden z najbardziej sławnych - .
W tym obrazie jest dużo fotografii. Na przykład ruch jest przekazywany za pomocą rozmytego obrazu.
Uwaga: odległe drzewa i postacie wydają się być we mgle.
Claude Monet. Bulwar des Capucines w Paryżu. 1873 (Galeria Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX w.), Moskwa Przed nami zatrzymany moment tętniącego życiem Paryża. Brak inscenizacji. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawiani jako zbiór kresek. Taka bezfabularność i efekt „zamrożonej klatki” to główna cecha impresjonizmu.
W połowie lat 80. artyści byli rozczarowani impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobra. Ale bezmyślność wielu uciskanych.
Tylko Monet nadal trwał, wyolbrzymiając impresjonizm. To rozwinęło się w serię obrazów.
Ten sam krajobraz przedstawiał dziesiątki razy. O różnych porach dnia. O różnych porach roku. Aby pokazać, jak bardzo temperatura i światło mogą zmienić ten sam widok nie do poznania.
Tak więc były niezliczone stogi siana.
Obrazy Claude'a Moneta w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie. Po lewej: Stogi siana o zachodzie słońca w Giverny, 1891 Po prawej: Stóg siana (efekt śniegu), 1891
Należy pamiętać, że cienie na tych obrazach są kolorowe. A nie szary czy czarny, jak to było w zwyczaju przed impresjonistami. To kolejny z ich wynalazków.
Monetowi udało się cieszyć sukcesem i dobrobytem materialnym. Po 40 już zapomniał o biedzie. Mam dom i piękny ogród. I robił to dla przyjemności przez wiele lat.
Przeczytaj o najbardziej kultowym obrazie mistrza w artykule
3. Auguste Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling i Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest Impresjonizm to najbardziej pozytywny obraz. A najbardziej pozytywnym wśród impresjonistów był Renoir.
W jego obrazach nie znajdziesz dramatu. Nie użył nawet czarnej farby. Tylko radość istnienia. Nawet najbardziej banalny Renoir wygląda pięknie.
W przeciwieństwie do Moneta Renoir częściej malował ludzi. Krajobrazy były dla niego mniej znaczące. Na obrazach jego przyjaciele i znajomi odpoczywają i cieszą się życiem.
Pierre-Auguste Renoir. Śniadanie dla wioślarzy. 1880-1881 Phillips Collection, Waszyngton, USA. wikimedia.commons.org Nie znajdziesz w Renoir i zamyśleniu. Bardzo się cieszył, że dołączył do impresjonistów, którzy całkowicie odmówili poddanych.
Jak sam powiedział, w końcu ma okazję malować kwiaty i nazywać je po prostu „Kwiatami”. I nie wymyślaj o nich żadnych historii.
Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolem w ogrodzie. 1875 Muzeum Thyssen-Bormenis, Madryt. arteuam.com Renoir najlepiej czuł się w towarzystwie kobiet. Poprosił swoje pokojówki, aby śpiewały i żartowały. Im głupsza i naiwniejsza była piosenka, tym lepiej dla niego. Męczyła go męska paplanina. Nic dziwnego, że Renoir jest znany z nagich obrazów.
Modelka na obrazie „Akt w słońcu” wydaje się pojawiać na kolorowym abstrakcyjnym tle. Ponieważ dla Renoira nie ma nic drugorzędnego. Oko modelki lub obszar tła są równoważne.
Pierre-Auguste Renoir. Nago w słońcu. 1876 Musée d'Orsay, Paryż. wikimedia.commons.org Renoir żył długo. I nigdy nie odkładaj pędzla i palety. Nawet gdy jego ręce były całkowicie spętane przez reumatyzm, przywiązywał pędzel do ramienia liną. I malował.
Podobnie jak Monet, na uznanie czekał po 40 latach. A moje obrazy widziałem w Luwrze, obok dzieł sławnych mistrzów.
Przeczytaj o jednym z najbardziej uroczych portretów Renoira w artykule
4. Edgar Degas (1834-1917)
Edgara Degasa. Autoportret. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkiana, Lizbona, Portugalia. kultura.pl Degas nie był klasycznym impresjonistą. Nie lubił pracować na świeżym powietrzu (na zewnątrz). Nie znajdziesz u niego celowo rozjaśnionej palety.
Wręcz przeciwnie, kochał wyraźną linię. Ma dużo czerni. I pracował wyłącznie w studiu.
Ale wciąż jest na równi z innymi wielkimi impresjonistami. Bo był impresjonistą gestu.
Nieoczekiwane kąty. Asymetria w rozmieszczeniu obiektów. Postacie zaskoczone. Oto główne atrybuty jego obrazów.
Zatrzymywał chwile życia, nie pozwalając bohaterom opamiętać się. Spójrz przynajmniej na jego „Orkiestrę Operową”.
Edgara Degasa. Orkiestra Operowa. 1870 Musée d'Orsay, Paryż. commons.wikimedia.org Na pierwszym planie oparcie krzesła. Muzyk stoi do nas tyłem. A w tle baleriny na scenie nie mieściły się w „ramie”. Ich głowy są bezlitośnie „odcinane” krawędzią obrazu.
Dlatego jego ulubieni tancerze nie zawsze są przedstawiani w pięknych pozach. Czasami po prostu się rozciągają.
Ale taka improwizacja jest urojona. Oczywiście Degas dokładnie przemyślał skład. To tylko efekt zamrożonej klatki, a nie prawdziwa zamrożona klatka.
Edgara Degasa. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelbourne, Wermouth, USA Edgar Degas uwielbiał malować kobiety. Ale choroba lub cechy ciała nie pozwalały mu na fizyczny kontakt z nimi. Nigdy się nie ożenił. Nikt go nigdy nie widział z damą.
Brak prawdziwych wątków w jego życiu osobistym dodawał jego obrazom subtelnego i intensywnego erotyki.
Edgara Degasa. Gwiazda baletu. 1876-1878 Musee d'Orsay w Paryżu. wikimedia.comons.org Należy pamiętać, że na zdjęciu „Gwiazda baletu” narysowana jest tylko sama baletnica. Jej koledzy za kulisami są ledwo dostrzegalni. Tylko kilka nóg.
Nie oznacza to, że Degas nie dokończył obrazu. Taki jest odbiór. Skup się tylko na najważniejszych rzeczach. Niech reszta zniknie, nieczytelna.
Przeczytaj o innych obrazach mistrza w artykule.
5. Berthe Morisot (1841-1895)
Edwarda Grzywa. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzeum Marmottana Moneta, Paryż. Bertha Morisot rzadko znajduje się w czołówce wielkich impresjonistów. Jestem pewien, że to niezasłużone. Właśnie w niej znajdziesz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli podoba Ci się ten styl, pokochasz jej pracę całym sercem.
Morisot pracowała szybko i żywiołowo, przenosząc swoje wrażenie na płótno. Postacie wydają się rozpływać w przestrzeni.
Berthe Morisot. Lato. 1880 Muzeum Fabre, Montpellier, Francja. Podobnie jak Degas, często pozostawiała pewne szczegóły niedokończone. A nawet części ciała modelu. Nie możemy odróżnić rąk dziewczyny na obrazie „Lato”.
Droga Morisota do wyrażania siebie była trudna. Nie tylko zajmowała się „niechlujnym” malarstwem. Wciąż była kobietą. W tamtych czasach dama miała marzyć o małżeństwie. Potem każde hobby zostało zapomniane.
Dlatego Bertha długo odmawiała małżeństwa. Dopóki nie znalazła mężczyzny, który z szacunkiem traktował jej zawód. Eugene Manet był bratem malarza Edouarda Maneta. Posłusznie nosił sztalugi i farby dla swojej żony.
Berthe Morisot. Eugene Manet z córką w Bougival. 1881 Muzeum Marmottana Moneta, Paryż. Ale to było jeszcze w XIX wieku. Nie, Morisot nie nosił spodni. Ale nie mogła sobie pozwolić na pełną swobodę ruchów.
Nie mogła sama iść do parku, aby pracować bez towarzystwa bliskiej jej osoby. Nie mogłam siedzieć sama w kawiarni. Dlatego jej obrazy to osoby z kręgu rodzinnego. Mąż, córka, krewni, nianie.
Berthe Morisot. Kobieta z dzieckiem w ogrodzie w Bougival. 1881 Narodowe Muzeum Walii, Cardiff. Morisot nie czekał na rozpoznanie. Zmarła w wieku 54 lat na zapalenie płuc, nie sprzedając prawie żadnej swojej pracy za życia. Na jej akcie zgonu w rubryce „zawód” była kreska. Nie do pomyślenia było nazywanie kobiety artystką. Nawet jeśli naprawdę była.
Przeczytaj o obrazach mistrza w artykule
6. Camille Pissarro (1830 - 1903)
Camille Pissarro. Autoportret. 1873 Musée d'Orsay, Paryż. wikipedia.org Camille Pissarro. Niekonfrontacyjny, rozsądny. Wielu uważało go za nauczyciela. Nawet najbardziej temperamentni koledzy nie wypowiadali się źle o Pissarro.
Był wiernym wyznawcą impresjonizmu. W rozpaczliwej potrzebie, z żoną i pięciorgiem dzieci, nadal ciężko pracował w swoim ulubionym stylu. I nigdy nie przerzuciłem się na malowanie salonowe, aby stać się bardziej popularnym. Nie wiadomo skąd miał siłę, by w pełni uwierzyć w siebie.
Aby w ogóle nie umrzeć z głodu, Pissarro malował wachlarze, które były skwapliwie wyprzedane. A prawdziwe uznanie przyszło mu po 60 latach! Wtedy wreszcie mógł zapomnieć o potrzebie.
Camille Pissarro. Dyliżans w Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay, Paryż Powietrze na obrazach Pissarra jest gęste i gęste. Niezwykłe połączenie koloru i objętości.
Artysta nie bał się malować najbardziej zmiennych zjawisk natury, które na chwilę pojawiają się i znikają. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.
Camille Pissarro. Mróz. 1873 Musée d'Orsay, Paryż Jego najsłynniejsze prace to widoki Paryża. Z szerokimi bulwarami, próżnym pstrokatym tłumem. W nocy, w dzień, przy różnej pogodzie. Pod pewnymi względami nawiązują do serii obrazów Claude'a Moneta.
„Gracze w karty”
Autor
Paweł Cezanne
Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm
Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale zaczął malować w Paryżu. Prawdziwy sukces przyszedł mu po indywidualnej wystawie zorganizowanej przez kolekcjonera Ambroise Vollarda. W 1886 roku, 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na przedmieścia rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wyjazdy do niego „pielgrzymką do Aix”.
130x97 cm
1895
Cena £
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji prywatnej
Praca Cezanne'a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie tematu lub fabuły na płótno, dzięki czemu jego obrazy nie wywołują dezorientacji widza. Cezanne połączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowej faktury nadał formie przedmiotom niesamowitą plastyczność.
Seria pięciu obrazów „Gracze w karty” powstała w latach 1890-1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób entuzjastycznie gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.
Cztery obrazy są przechowywane w muzeach w Europie i Ameryce (Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Fundacja Barnes i Courtauld Institute of Art), a piąty, do niedawna, był ozdobą prywatnej kolekcji Grecki miliarder armator George Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, postanowił wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowej” pracy Cezanne'a byli handlarz dziełami sztuki William Aquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, który zaoferował za nie około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Kataru za 250 mln. Największa transakcja artystyczna w historii malarstwa została zamknięta w lutym 2012 roku. Zostało to zgłoszone do Vanity Fair przez dziennikarkę Alexandrę Pierce. Dowiedziała się o kosztach obrazu i nazwisku nowego właściciela, a potem informacja przeniknęła do mediów na całym świecie.
W 2010 roku w Katarze otwarto Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Katarskie Muzeum Narodowe. Teraz ich kolekcje się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję The Card Players.
Najbardziejdrogie zdjęciena świecie
Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani
Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne rezerwy ropy i gazu, co natychmiast uczyniło Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten niewielki kraj odnotował największy PKB per capita. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani przejął władzę w 1995 roku, podczas gdy jego ojciec przebywał w Szwajcarii przy wsparciu członków rodziny. Zasługą obecnego władcy, zdaniem ekspertów, jest jasna strategia rozwoju kraju, tworząca udany wizerunek państwa. Katar ma teraz konstytucję i premiera, a kobiety zyskały prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al Jazeera. Władze państwa arabskiego przywiązują dużą wagę do kultury.
2
"Numer 5"
Autor
Jackson Pollock
Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
Jack the Sprinkler - taki przydomek nadał Pollockowi amerykańska publiczność za jego specjalną technikę malarską. Artysta zrezygnował z pędzla i sztalugi, a farbę wylał na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej podczas ciągłego poruszania się wokół nich i wewnątrz nich. Od najmłodszych lat lubił filozofię Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.
122x244 cm
1948
Cena £
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's
Wartość pracy Pollocka nie tkwi w wyniku, ale w procesie. Autor nie przypadkowo nazwał swoją sztukę „malarstwem akcji”. Z jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock mieszał farbę z piaskiem, potłuczonym szkłem i pisał kawałkiem kartonu, szpachlą, nożem, łopatą. Artysta był tak popularny, że w latach 50. w ZSRR byli nawet naśladowcy. Obraz „Numer 5” jest uznawany za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, aw 2006 roku sprzedał go w Sotheby`s za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak kancelaria wkrótce wydała komunikat prasowy w imieniu swojego klienta, w którym stwierdził, że David Martinez nie był właścicielem obrazu. Jedno jest pewne: meksykański finansista rzeczywiście niedawno zebrał dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, by przegapił tak „wielką rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.
3
„Kobieta III”
Autor
Willem de Kooning
Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
Pochodzący z Holandii wyemigrował do Stanów Zjednoczonych w 1926 roku. W 1948 odbyła się osobista wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe, czarno-białe kompozycje, dostrzegając w ich autorze wielkiego modernistycznego artystę. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość z tworzenia nowej sztuki odczuwalna jest w każdej pracy. De Kooning wyróżnia żywiołowość malarstwa, szerokie pociągnięcia, dlatego czasami obraz nie mieści się w granicach płótna.
121x171 cm
1953
Cena £
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej
W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiają się kobiety o pustych oczach, masywnych piersiach i brzydkich rysach. „Kobieta III” była ostatnim dziełem z tej serii biorącym udział w aukcji.
Od lat 70. obraz był przechowywany w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, ale po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych starano się go pozbyć. W 1994 roku obraz został wywieziony z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stephenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Ciekawe, że w ciągu jednego roku Geffen zaczął sprzedawać swoją kolekcję obrazów. Zrodziło to wiele plotek: na przykład, że producent zdecydował się na zakup Los Angeles Times.
Na jednym z forów artystycznych wyrażono opinię o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu Leonarda da Vinci „Dama z gronostajem”. Za ząbkowanym uśmiechem i bezkształtną postacią bohaterki znawca malarstwa dostrzegł wdzięk osoby z królewskiej krwi. Świadczy o tym również słabo wyrysowana korona wieńcząca głowę kobiety.
4
„Portret AdeleBlocha-Bauera I"
Autor
Gustav Klimt
Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny
Gustav Klimt urodził się w rodzinie grawera i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami i tylko Gustav stał się sławny na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca był odpowiedzialny za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Przed jego obrazami każdy widz zastyga: pod cienkimi pociągnięciami złota wyraźnie widać szczery erotyzm.
138x136 cm
1907
Cena £
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's
Losy obrazu, który nosi tytuł „Austriacka Mona Lisa”, mogą z łatwością stać się podstawą bestsellera. Dzieło artysty stało się przyczyną konfliktu całego państwa i jednej starszej pani.
Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratkę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnią wolą było przeniesienie obrazu do austriackiej Galerii Państwowej. Jednak Bloch w swoim testamencie anulował darowiznę, a naziści wywłaszczyli obraz. Później galeria prawie nie wykupiła Złotej Adele, ale potem pojawiła się dziedziczka - Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.
W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Maria Altman przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego obraz „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe środki: negocjowano pożyczki, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie zwyciężyło zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W czasie procesu miała 79 lat i do historii przeszła jako osoba, która zmieniła wolę Bloch-Bauera na korzyść osobistych interesów. Obraz został zakupiony przez Ronalda Laudera, właściciela New Gallery w Nowym Jorku, gdzie pozostaje do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.
5
"Krzyk"
Autor
Edvard Munch
Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm
Pierwszy obraz Muncha, który zasłynął na całym świecie, „Choroba” (istnieje w pięciu egzemplarzach) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo przygnębiających wątków, jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weź przynajmniej „Krzyk”.
73,5x91 cm
1895
Cena £
119,992 mln USD
sprzedane w 2012
na aukcji Sotheby's
Pełna nazwa obrazu to Der Schrei der Natur (przetłumaczona z niemieckiego jako „krzyk natury”). Twarz osoby lub kosmity wyraża rozpacz i panikę - widz przeżywa te same emocje, patrząc na obraz. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które nabrały ostrości w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.
Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Lekko uszkodzony po kradzieży, Krzyk został odrestaurowany i był gotowy do ponownego wystawienia w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury praca stała się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię jej odbitek-kopii, a maska z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.
Dla jednej fabuły Munch napisał cztery wersje dzieła: ta w prywatnej kolekcji wykonana jest w pastelu. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcji 2 maja 2012 roku. Nabywcą był Leon Black, który na „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. oraz Lion Advisors, L.P. znany z miłości do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Lincoln Art Center i Metropolitan Museum of Art. Posiada największą kolekcję obrazów współczesnych artystów i mistrzów klasycznych minionych wieków.
6
„Akt na tle biustu i zielonych liści”
Autor
Pablo Picasso
Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm
Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania jest prawdziwym Francuzem. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie wyjechał do Paryża i tam spędził większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku jest podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu opinii, że obiekt przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.
130x162 cm
1932
Cena £
106,482 mln USD
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie
Podczas pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlova, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu, przeniósł się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu uznanie znalazło bohatera, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najdroższych obrazów na świecie powstał niemal przypadkiem - z wielkiej miłości, która jak zawsze u Picassa była krótkotrwała. W 1927 zainteresował się młodą Marie-Therese Walter (miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał ze swoją kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obraz Daphne. Obraz został zakupiony przez nowojorskiego dealera Paula Rosenberga i sprzedany w 1951 roku Sidneyowi F. Brody'emu. Brodys pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta miał 80 lat. Po śmierci męża pani Brody wystawiła dzieło na aukcję w Christie's w marcu 2010 roku. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie po raz drugi ujrzała światło, ale nazwisko właściciela wciąż nie jest znane.
7
„Osiem elfów”
Autor
Andy Warhole
Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art
„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których musisz pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta pop, reżyser i jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla I.Millera. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella i Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.
358x208 cm
1963
Cena £
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji prywatnej
Lata 60. Warhola - tak zwana era pop-artu w Ameryce. W 1962 pracował na Manhattanie w Factory Studio, gdzie zebrała się cała bohema Nowego Jorku. Jej najzdolniejsi przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości świata. W tym samym czasie Warhol wypróbował technikę sitodruku – wielokrotne powtórzenia jednego obrazu. Wykorzystał tę metodę również podczas tworzenia „Ośmiu Elvisów”: widz zdaje się widzieć kadry z filmu, w którym gwiazda budzi się do życia. Jest tu wszystko, co artysta tak bardzo kochał: wizerunek publiczny, w którym wygrywają wszyscy, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główne przesłanie.
Obecnie jest dwóch handlarzy dziełami sztuki promującymi prace Warhola na rynku światowym: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Pierwszy w 2008 roku wydał 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tylko droższe. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant ds. sztuki Philippe Segalo, który pomógł rzymskiemu znawcy sztuki Annibale Berlinghieri, sprzedać Osiem Elvisów nieznanemu kupcowi za 100 milionów dolarów z rekordu Warhola.
8
"Pomarańczowy,Czerwony żółty"
Autor
Marek Rothko
Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dwińsku w Rosji (obecnie Dyneburg na Łotwie), w wielodzietnej rodzinie żydowskiego aptekarza. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale artystycznym Uniwersytetu Yale, otrzymał stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki ubóstwiali artystę, a muzea ścigały go przez całe życie.
206x236 cm
1961
Cena £
86,882 mln USD
sprzedany w 2012
na aukcji Christie
Pierwsze artystyczne eksperymenty Rothko miały orientację surrealistyczną, ale z czasem uprościł fabułę do plam barwnych, pozbawiając je wszelkiej obiektywności. Początkowo miały jasne odcienie, a w latach 60. wypełniły się brązem, fioletem, gęstniejąc do czerni w chwili śmierci artysty. Mark Rothko przestrzegał przed szukaniem jakiegokolwiek znaczenia w swoich obrazach. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor, który rozpuszcza się w powietrzu i nic więcej. Polecił patrzeć na prace z odległości 45 cm, aby widz został „wciągnięty” w kolor, jak w lejek. Uwaga: oglądanie zgodnie z wszelkimi zasadami może prowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowo pojawia się świadomość nieskończoności, całkowite zanurzenie w sobie, odprężenie, oczyszczenie. Kolor na jego obrazach żyje, oddycha i ma silne oddziaływanie emocjonalne (czasami mówi się, że uzdrawia). Artysta powiedział: "Widz powinien płakać patrząc na nich" - i rzeczywiście były takie przypadki. Zgodnie z teorią Rothko, w tej chwili ludzie przeżywają to samo doświadczenie duchowe, które on miał podczas pracy nad obrazem. Jeśli udało ci się to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, to nie zdziw się, że te dzieła abstrakcjonizmu są często porównywane przez krytyków z ikonami.
Praca „Pomarańczowy, czerwony, żółty” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowy koszt na aukcji Christie's w Nowym Jorku to 35-45 milionów dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwukrotnie wyższą od szacunkowej. Nazwisko szczęśliwego właściciela obrazu, jak to często bywa, nie zostało ujawnione.
9
"Tryptyk"
Autor
Franciszek Bacon
Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm
Przygody Francisa Bacona, pełnego imiennika, a ponadto dalekiego potomka wielkiego filozofa, rozpoczęły się, gdy ojciec się go wyrzekł, nie mogąc pogodzić się z homoseksualnymi skłonnościami syna. Bacon pojechał najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego ślady są mylone w całej Europie. Nawet za jego życia jego prace były wystawiane w wiodących ośrodkach kulturalnych świata, w tym w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.
147,5x198 cm (każdy)
1976
Cena £
86,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's
Prestiżowe muzea starały się posiadać obrazy Bacona, ale prymitywna angielska publiczność nie spieszyła się z taką sztuką. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.
Sam artysta za początkowy okres swojej twórczości uważał okres powojenny. Wracając ze służby ponownie zajął się malarstwem i stworzył główne arcydzieła. Przed udziałem w aukcji „Tryptyku 1976” najdroższym dziełem Bacona był „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W „Tryptyku, 1976” artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a furie są jego mękami. Obraz przez ponad 30 lat znajdował się w zbiorach prywatnych i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale co to jest kilka milionów dla konesera sztuki, a nawet hojny po rosyjsku? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90. XX wieku, pod wpływem swojej dziewczyny Dasha Zhukova, która stała się modną właścicielką galerii we współczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych biznesmen jest właścicielem dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, kupionych za kwoty przekraczające 100 mln dolarów. W 2008 roku został właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku nabyto kolejne cenne dzieło Bacona - „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że nabywcą ponownie został Roman Arkadjewicz.
10
„Staw z liliami wodnymi”
Autor
Claude Monet
Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm
Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę na swoich płótnach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Śniadanie na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury, a prawdziwe malarstwo zajął się podczas podróży wzdłuż wybrzeża iw plenerze. W Paryżu prowadził bohemy styl życia i nie opuszczał go nawet po odbyciu służby wojskowej.
210x100 cm
1919
Cena £
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie
Oprócz tego, że Monet był świetnym artystą, entuzjastycznie zajmował się ogrodnictwem, uwielbiał dziką przyrodę i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, przedmioty wydają się zamazane ruchem powietrza. Wrażenie potęgują duże pociągnięcia, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i zlewają się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W malarstwie zmarłego Moneta szczególne miejsce zajmuje temat wody i życia w nim. W miejscowości Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne ze specjalnie przywiezionych przez niego z Japonii nasion. Kiedy ich kwiaty zakwitły, zaczął malować. Cykl Lilie wodne składa się z 60 prac, które artysta malował przez prawie 30 lat, aż do swojej śmierci. Jego wzrok pogarszał się z wiekiem, ale nie zatrzymał się. W zależności od wiatru, pory roku i pogody widok na staw ciągle się zmieniał, a Monet chciał te zmiany uchwycić. Dzięki starannej pracy dotarło do niego zrozumienie istoty natury. Niektóre obrazy z cyklu znajdują się w czołowych galeriach świata: Narodowym Muzeum Sztuki Zachodniej (Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.
11
Fałszywa gwiazda t
Autor
Jaspera Johnsa
Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art
W 1949 roku Jones wstąpił do szkoły projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi uznawany jest za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Presidential Medal of Freedom, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.
137,2x170,8 cm
1959
Cena £
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej
Podobnie jak Marcel Duchamp, Jones pracował z prawdziwymi przedmiotami, przedstawiając je na płótnie i rzeźbie w pełnej zgodzie z oryginałem. W swoich pracach wykorzystywał proste i zrozumiałe dla każdego przedmioty: butelkę piwa, flagę czy mapy. Na obrazie False Start nie ma wyraźnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „błędnie” podpisując kolory na zdjęciu, wywracając samą koncepcję koloru do góry nogami: „Chciałem znaleźć sposób na przedstawienie koloru tak, aby mógł być określony przez kogoś innego metoda." Jego najbardziej wybuchowy i „niepewny”, zdaniem krytyków, obraz został nabyty przez nieznanego nabywcę.
12
„Siedzącynagina sofie"
Autor
Amedeo Modigliani
Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm
Modigliani często chorował od dzieciństwa, w gorączkowym delirium rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysta. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, aw 1906 wyjechał do Paryża, gdzie rozkwitała jego sztuka.
65x100 cm
1917
Cena £
68,962 mln USD
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Sotheby's
W 1917 Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a później jego żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, ostatni rekord przed sprzedażą Seated Nude on a Sofa w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego kupca za maksymalną cenę Modiglianiego w tej chwili. Aktywna sprzedaż prac rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w biedzie na gruźlicę, a następnego dnia samobójstwo popełniła również Jeanne Hebuterne, która była w dziewiątym miesiącu ciąży.
13
„Orzeł na sośnie”
Autor
Qi Baishi
Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl guohua
Zainteresowanie kaligrafią skłoniło Qi Baishi do malowania. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuana. Ministerstwo Kultury Chin przyznało mu tytuł „Wielkiego Artysty Ludu Chińskiego”, w 1956 otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.
10x26 cm
1946
Cena £
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Chiński Strażnik
Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi i to jest jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia stał się profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do twojego kraju, ponieważ w Chinach jest Qi Baishi”. Kompozycja „Orzeł na sośnie” uznawana jest za największe dzieło artysty. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglificzne. Dla Chin kwota, za którą zakupiono produkt, jest rekordowa – 425,5 mln juanów. Tylko zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.
14
„1949-A-#1”
Autor
Clifford wciąż
Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
W wieku 20 lat odwiedził Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i był rozczarowany. Później zapisał się na kurs studenckiej ligi artystycznej, ale wyszedł 45 minut po rozpoczęciu zajęć – okazało się, że to „nie jego”. Pierwsza osobista wystawa wywołała rezonans, artysta znalazł siebie, a wraz z nią uznanie
79x93 cm
1949
Cena £
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's
Wszystkie jego prace, które są ponad 800 płótnami i 1600 pracami na papierze, nadal przeszły do amerykańskiego miasta, gdzie zostanie otwarte muzeum jego imienia. Denver stało się takim miastem, ale tylko budowa była dla władz kosztowna, a na jej ukończenie wystawiono na licytację cztery prace. Prace Stilla raczej nie trafią na licytację, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-No.1” sprzedano za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż maksymalnie 25-35 milionów dolarów.
15
„Kompozycja suprematystyczna”
Autor
Kazimierz Malewicz
Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl Suprematyzm
Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, a następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (od łacińskiego „dominacja”).
71x88,5 cm
1916
Cena £
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's
Obraz był przechowywany w muzeum miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, ale po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował tę pracę w tym samym roku co Manifest suprematyzmu, więc Sotheby`s jeszcze przed aukcją ogłosiło, że nie trafi do prywatnej kolekcji za mniej niż 60 milionów dolarów. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli kolejną „kompozycję suprematystyczną” z Muzeum MoMA, aby sprzedać ją u Phillipsa za 17 milionów dolarów.
16
„Kąpiący się”
Autor
Paul Gauguin
Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm
Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, potem wrócił z rodziną do Francji, ale wspomnienia z dzieciństwa nieustannie pchały go do podróży. We Francji zaczął malować, przyjaźnił się z Van Goghiem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, dopóki Van Gogh nie odciął mu ucha podczas kłótni.
93,4x60,4 cm
1902
Cena £
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Sotheby's
W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby wykorzystać dochody na wyprawę w głąb wyspy Tahiti. Tam stworzył prace, w których wyczuwa się subtelny związek natury z człowiekiem. Gauguin mieszkał w krytej strzechą chacie, a na jego płótnach rozkwitł tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitian Tehura, co nie przeszkodziło artyście w angażowaniu się w rozwiązłość. Zarażony syfilisem wyjechał do Francji. Jednak Gauguin był tam ciasny i wrócił na Tahiti. Okres ten nazywany jest „drugim Tahitańczykiem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.
17
„Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym”
Autor
Henri Matisse
Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fowizm
W 1889 Henri Matisse miał atak zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy wyzdrowiał po operacji, matka kupiła mu farby. Najpierw z nudów Matisse kopiował kolorowe pocztówki, potem - dzieła wielkich malarzy, które widział w Luwrze, a na początku XX wieku wymyślił styl - fowizm.
65,2x81 cm
1911
Cena £
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009
na aukcji Christie
Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas należał do Yves Saint Laurent. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja sztuki przeszła w ręce przyjaciela i kochanka Pierre'a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie's. Perłą sprzedawanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym”, namalowany na zwykłym obrusie zamiast na płótnie. Jako przykład Fowizmu jest przepełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze znanej serii obrazów obrusowych, dziś ta praca jest jedyną, która znajduje się w prywatnej kolekcji.
18
„Śpiąca dziewczyna”
Autor
RoyZawietrzny
chtenstein
Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art
Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 roku Liechtenstein uzyskał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność ironii uczyniły z niego kultowego artystę ubiegłego wieku.
91x91 cm
1964
Cena £
44,882 mln USD
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's
Kiedyś guma do żucia wpadła w ręce Liechtensteinu. Przerysował obraz z wkładki na płótnie i stał się sławny. Ta fabuła z jego biografii zawiera całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, a w opakowaniu po gumie nie ma mniej piękna niż w Mona Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i kreskówki: Lichtenstein po prostu powiększał gotowy obraz, rysował raster, używał sitodruku i sitodruku. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gersh, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.
19
"Zwycięstwo. Boogie Woogie"
Autor
Piet Mondrian
Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm
Jego prawdziwe nazwisko – Cornelis – artysta zmienił na Mondrian, kiedy przeniósł się do Paryża w 1912 roku. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet pochodzi od Mondriana.
27x127 cm
1944
Cena £
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998
na aukcji Sotheby's
Najbardziej „muzyczny” z artystów XX wieku utrzymywał się z martwych natur akwarelowych, choć zasłynął jako artysta neoplastyczny. W latach czterdziestych przeniósł się do USA i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork - to go najbardziej zainspirowało! Obraz „Zwycięstwo. Najlepszym tego przykładem jest Boogie Woogie. "Markowe" zgrabne kwadraty uzyskano dzięki zastosowaniu taśmy klejącej - ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wyprodukował znane na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużym nadrukiem w kolorową kratkę.
20
„Kompozycja nr 5”
Autor
BazyliaKandinski
Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda
Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z władzami sowieckimi, ale wkrótce zdał sobie sprawę, że prawa proletariatu nie zostały dla niego stworzone i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.
275x190 cm
1911
Cena £
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007
na aukcji Sotheby's
Kandinsky był jednym z pierwszych, którzy całkowicie porzucili malarstwo obiektowe, za co otrzymał tytuł geniusza. Podczas nazizmu w Niemczech jego obrazy były klasyfikowane jako „sztuka zdegenerowana” i nigdzie nie były wystawiane. W 1939 Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwszy powstał w 1910 roku, ostatni w 1939 roku). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” brzmiało dla mnie jak modlitwa” – powiedział artysta. W przeciwieństwie do wielu naśladowców planował to, co przedstawi na wielkim płótnie, jakby pisał notatki.
21
„Studium kobiety w kolorze niebieskim”
Autor
Fernand Leger
Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm
Leger otrzymał wykształcenie architektoniczne, a następnie był uczniem Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu. Artysta uważał się za wyznawcę Cezanne'a, był apologetą kubizmu, w XX wieku odnosił również sukcesy jako rzeźbiarz.
96,5x129,5 cm
1912-1913
Cena £
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's
David Normann, prezes Sotheby's International Impressionism and Modernism, uważa, że ogromna suma zapłacona za Błękitną Damę jest całkowicie uzasadniona. Obraz należy do słynnej kolekcji Legera (artysta namalował trzy obrazy na jednej działce, ostatni z nich jest dziś w rękach prywatnych - red.), a powierzchnia płótna zachowała się w swojej pierwotnej formie. Sam autor przekazał tę pracę galerii Der Sturm, następnie trafiła do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.
22
„Scena uliczna. Berlin"
Autor
Ernst LudwigKirchner
Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm
Dla niemieckiego ekspresjonizmu Kirchner stał się postacią przełomową. Jednak lokalne władze oskarżyły go o przywiązanie do „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który popełnił samobójstwo w 1938 roku.
95x121 cm
1913
Cena £
38 096 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie
Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Inspirował go zgiełk i nerwowość wielkiego miasta. Na obrazie sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku niepokój artysty jest szczególnie dotkliwy: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki - pełne wdzięku i groźne. Była to ostatnia praca ze słynnej serii, sprzedana na aukcji, pozostałe są przechowywane w muzeach. W 1937 r. naziści brutalnie potraktowali Kirchnera: 639 jego dzieł skonfiskowano z niemieckich galerii, zniszczono lub sprzedano za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.
23
"Spoczynkowytancerz"
Autor
Edgar Degas
Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm
Historia Degasa jako artysty zaczęła się od tego, że pracował jako kopista w Luwrze. Marzył o tym, by stać się „sławnym i nieznanym”, iw końcu mu się to udało. Pod koniec życia, głuchy i niewidomy, 80-letni Degas nadal brał udział w wystawach i aukcjach.
64x59 cm
1879
Cena £
37,043 mln USD
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's
„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedział Degas. Sceny z życia tancerek wydają się podglądane: dziewczyny nie pozują artystce, ale po prostu stają się częścią atmosfery uchwyconej wzrokiem Degasa. Resting Dancer sprzedano za 28 milionów dolarów w 1999 roku, a niespełna 10 lat później kupiono go za 37 milionów dolarów – dziś jest to najdroższa praca artysty, jaką kiedykolwiek wystawiono na aukcję. Degas przywiązywał dużą wagę do ram, sam je projektował i zabronił ich wymiany. Ciekawe jaka ramka jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?
24
"Obraz"
Autor
Juan Miro
Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl Sztuka abstrakcyjna
Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta był po stronie republikanów. W 1937 uciekł przed faszystowskimi władzami do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro maluje obraz „Pomóż Hiszpanii!”, zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.
89x115 cm
1927
Cena £
36,824 mln USD
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's
Drugie imię obrazu to „Niebieska Gwiazda”. Artysta napisał go w tym samym roku, gdy ogłosił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie kpił z płótna, drapiąc farbę gwoździami, przyklejając pióra do płótna, zasypując dzieło śmieciami. Jego celem było obalenie mitów o tajemnicy malarstwa, ale poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit - surrealistyczną abstrakcję. Jego „Malarstwo” nawiązuje do cyklu „obrazów-snów”. Czterech kupujących walczyło o niego na aukcji, ale jeden telefon incognito rozstrzygnął spór, a „Malarstwo” stało się najdroższym obrazem artysty.
25
"Niebieska róża"
Autor
Yves Klein
Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malowanie monochromatyczne
Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło pozłacania ram, buddyzm zen i wiele innych. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.
153x199x16 cm
1960
Cena £
36,779 mln USD
sprzedany w 2012
na aukcji Christie
Pierwsza wystawa prac w jednolitym kolorze żółtym, pomarańczowym, różowym nie wzbudziła zainteresowania publiczności. Klein obraził się i następnym razem zaprezentował 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Opatentował nawet tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „International Klein Blue”. Artysta sprzedawał też pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na deszcz, podpalając karton, wykonując na płótnie odbitki ludzkiego ciała. Jednym słowem eksperymentowałem najlepiej jak potrafiłem. Do stworzenia „Niebieskiej Róży” użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyków i naturalnej gąbki.
26
„Szukam Mojżesza”
Autor
Sir Lawrence Alma-Tadema
Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm
Sam Sir Lawrence dodał przedrostek „alma” do swojego nazwiska, aby pojawiać się na pierwszym miejscu w katalogach sztuki. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy były tak poszukiwane, że artysta otrzymał tytuł rycerski.
213,4x136,7 cm
1902
Cena £
35,922 mln USD
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's
Głównym tematem twórczości Alma-Tademy był antyk. Na obrazach starał się w najdrobniejszych szczegółach przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu zajmował się nawet wykopaliskami archeologicznymi na Półwyspie Apenińskim, a w swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrze z tamtych lat. Historie mitologiczne stały się dla niego kolejnym źródłem inspiracji. Artysta był bardzo poszukiwany za życia, ale po śmierci szybko został zapomniany. Teraz zainteresowanie odżywa, o czym świadczy koszt obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, siedmiokrotnie wyższy niż kosztorys przedsprzedażowy.
27
„Portret śpiącego nagiego urzędnika”
Autor
Lucian Freud
Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne
Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po wprowadzeniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.
219,1x151,4 cm
1995
Cena £
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie
Podczas gdy modni artyści XX wieku tworzyli pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedawali je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je za jeszcze więcej. „Uchwytam płacz duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że to wszystko jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane i skutecznie sprzedawane, że eksperci mieli wątpliwości: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret śpiącego nagiego urzędnika”, według Słońca, został nabyty przez konesera piękna i miliardera Romana Abramowicza.
28
„Skrzypce i gitara”
Autor
Xjeden gris
Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm
Urodził się w Madrycie, gdzie ukończył Szkołę Sztuki i Rzemiosła Artystycznego. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł w krąg najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Legera, współpracował także z Siergiejem Diagilewem i jego zespołem.
5x100 cm
1913
Cena £
28,642 mln USD
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie
Gris, jak sam mówi, zajmował się „planarną, kolorową architekturą”. Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie pozostawił ani jednego przypadkowego kreski, co sprawia, że kreatywność związana jest z geometrią. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem ojca założyciela ruchu, Pabla Picassa. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze kubistyczne dzieło, Tribute to Picasso. Obraz „Skrzypce i gitara” jest uznawany za wybitny w twórczości artysty. Za życia Gris był znany, lubiany przez krytyków i historyków sztuki. Jego prace są wystawiane w największych muzeach świata i przechowywane w prywatnych kolekcjach.
29
"PortretPola Eluarda»
Autor
Salvador Dali
Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm
„Surrealizm to ja”, powiedział Dali, gdy został wyrzucony z grupy surrealistów. Z czasem stał się najsłynniejszym artystą surrealistą. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. Na przykład to on wymyślił opakowanie dla Chupa-Chups.
25x33 cm
1929
Cena £
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's
W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali odwiedzić wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Obraz „Portret Paula Eluarda” został namalowany właśnie podczas tej historycznej wizyty. „Czułem, że powierzono mi obowiązek uchwycenia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony myślą o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.
30
"Rocznica"
Autor
Marc Chagall
Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda
Moishe Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych epoki. W latach 30., kiedy władzę przejęli naziści, z pomocą amerykańskiego konsula wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji wrócił dopiero w 1948 roku.
80x103 cm
1923
Cena £
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990
na aukcji Sotheby
Obraz „Jubileusz” uznawany jest za jedno z najlepszych dzieł artysty. Ma wszystkie cechy jego twórczości: fizyczne prawa świata zostają wymazane, baśniowy klimat zostaje zachowany w scenerii życia drobnomieszczańskiego, a w centrum akcji znajduje się miłość. Chagall nie czerpał ludzi z natury, a jedynie z pamięci lub fantazji. Obraz „Jubileusz” przedstawia samego artystę z żoną Belą. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, nowojorskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej MoMA zachowuje dokładnie to samo, tylko pod nazwą „Urodziny”. Nawiasem mówiąc, zostało napisane wcześniej - w 1915 roku.
projekt przygotowany
Tatiana Palasowa
ocena skompilowana
zgodnie z listą www.art-spb.ru
magazyn tmn №13
(maj-czerwiec 2013)
To więcej niż ładne obrazki, to odzwierciedlenie rzeczywistości. W pracach wielkich artystów można zobaczyć, jak zmienił się świat i świadomość ludzi.
Sztuka to także próba stworzenia alternatywnej rzeczywistości, w której można ukryć się przed okropnościami swoich czasów, czy chęcią zmiany świata. Sztuka XX wieku słusznie zajmuje szczególne miejsce w historii. Ludzie, którzy żyli i pracowali w tamtych czasach, przeżyli wstrząsy społeczne, wojny i bezprecedensowy rozwój nauki; i wszystko to znalazło odcisk na ich płótnach. Artyści XX wieku brali udział w tworzeniu nowoczesnej wizji świata.
Niektóre imiona wciąż wymawia się z oddechem, a niektóre są niesłusznie zapomniane. Ktoś miał tak kontrowersyjną ścieżkę twórczą, że nadal nie możemy dać mu jednoznacznej oceny. Przegląd ten skupia się na 20 największych artystach XX wieku. Camille Pizarro- Francuski malarz. Wybitny przedstawiciel impresjonizmu. Na twórczość artysty wpływ mieli John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet.
Urodzony 10 lipca 1830 w Saint Thomas, zmarł 13 listopada 1903 w Paryżu.
Pustelnia w Pontoise, 1868 r. 
Pasaż operowy w Paryżu, 1898
Zachód słońca w Varengeville, 1899
Edgar Degas - Artysta francuski, jeden z największych impresjonistów. Na twórczość Degasa prześledzono wpływy grafiki japońskiej Urodził się 19 lipca 1834 w Paryżu, zmarł 27 września 1917 w Paryżu. 
Absynt, 1876
Gwiazda, 1877
Kobieta czesząca włosy, 1885
Paweł Cezanne - Malarz francuski, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli postimpresjonizmu. W swojej pracy starał się ukazać harmonię i równowagę natury. Jego twórczość miała ogromny wpływ na światopogląd artystów XX wieku. Urodzony 19 stycznia 1839 w Aix-en-Provence we Francji, zmarł 22 października 1906 w Aix-en-Provence.
Hazardziści, 1893
Nowoczesna Olimpia, 1873
Martwa natura z czaszkami, 1900
Claude Monet- wybitny francuski malarz. Jeden z twórców impresjonizmu. W swoich pracach Monet starał się przekazać bogactwo i bogactwo otaczającego go świata. Jego późny okres charakteryzuje się dekoracyjnym charakterem i Późny okres twórczości Moneta charakteryzuje dekoracyjność, postępujące rozpuszczanie się obiektywnych form w wyrafinowanych zestawieniach plam barwnych.
Urodzony 14 listopada 1840 w Paryżu, zmarł 5 grudnia 1926 w Żwernym.
Klif Welk w Pourville, 1882
Po obiedzie, 1873-1876
Etretat, zachód słońca, 1883
Arkhip Kuindzhi - słynny rosyjski artysta, mistrz malarstwa pejzażowego. Wcześnie stracił rodziców. Od najmłodszych lat zaczęła się przejawiać miłość do malarstwa. Praca Arkhipa Kuindzhiego miała ogromny wpływ na Mikołaja Roericha. Urodzony 15 stycznia 1841 w Mariupolu, zmarł 11 lipca 1910 w Petersburgu.
„Wołga”, 1890-1895
„Północ”, 1879
„Widok Kremla z Zamoskvorechye”, 1882
Pierre Auguste Renoir - Francuski malarz, grafik, rzeźbiarz, jeden z wybitnych przedstawicieli impresjonizmu. Był również znany jako mistrz świeckiego portretu. Auguste Rodin stał się pierwszym impresjonistą, który stał się popularny wśród bogatych paryżan. Urodzony 25 lutego 1841 w Limoges we Francji, zmarł 2 grudnia 1919 w Paryżu.
Pont des Arts w Paryżu, 1867
Bal w Moulin de la Galette, 1876
Joanna Samary, 1877
Urodzony 7 czerwca 1848 w Paryżu, zmarł 8 maja 1903 na wyspie Hiva Oa w Polinezji Francuskiej.
Krajobraz bretoński, 1894
Wieś Breton w śniegu, 1888
Czy jesteś zazdrosny? 1892
Dzień Świętych, 1894
Wassily Kandinsky - Rosyjski i niemiecki artysta, poeta, teoretyk sztuki. Uważany za jednego z liderów awangardy I połowy XX wieku. Jeden z twórców sztuki abstrakcyjnej.Urodzony 22 listopada 1866 w Moskwie, zmarł 13 grudnia 1944 w Neuilly-sur-Seine we Francji.
Para na koniu, 1918
Życie pstrokate, 1907
Moskwa 1, 1916
W kolorze szarym, 1919
Henri Matisse - jeden z najwybitniejszych francuskich malarzy i rzeźbiarzy. Jeden z założycieli ruchu fowistów. W swojej pracy starał się przekazać emocje poprzez kolor. W swojej pracy pozostawał pod wpływem kultury islamskiej zachodniego Maghrebu. Urodzony 31 grudnia 1869 w mieście Le Cateau, zmarł 3 listopada 1954 w miejscowości Cimiez.
Plac w Saint-Tropez, 1904
Zarys Notre Dame nocą, 1902
Kobieta w kapeluszu, 1905
Taniec, 1909
włoski, 1919
Portret Delectorskiej, 1934
Mikołaja Roericha- Rosyjski artysta, pisarz, naukowiec, mistyk. W swoim życiu namalował ponad 7000 obrazów. Jedna z wybitnych postaci kultury XX wieku, założyciel ruchu „Pokój przez Kulturę”. Urodzony 27 października 1874 w Petersburgu, zmarł 13 grudnia 1947 w Kullu, Himachal Pradesh w Indiach.
Goście zagraniczni, 1901
Wielki Duch Himalajów, 1923
Wiadomość z Szambali, 1933
Kuźma Pietrow-Wodkin - Rosyjski artysta, grafik, teoretyk, pisarz, pedagog. Był jednym z ideologów reorganizacji szkolnictwa artystycznego w ZSRR. Urodzony 5 listopada 1878 r. w mieście Chwalyńsk w obwodzie saratowskim, zmarł 15 lutego 1939 r. w Leningradzie.
„1918 w Piotrogrodzie”, 1920
„Grający chłopcy”, 1911
Kąpiący się rudy koń, 1912
Portret Anny Achmatowej
Kazimierz Malewicz- rosyjski artysta, twórca suprematyzmu - nurtu w sztuce abstrakcyjnej, nauczyciel, teoretyk sztuki i filozof Urodzony 23 lutego 1879 w Kijowie, zmarł 15 maja 1935 w Moskwie.
Reszta (Towarzystwo w cylindrach), 1908
„Chłopki z wiadrami”, 1912-1913
Plac Czarnego Suprematysty, 1915
Malarstwo suprematyczne, 1916
Na bulwarze, 1903
Pablo Picasso- hiszpański malarz, rzeźbiarz, rzeźbiarz, projektant ceramik. Jeden z twórców kubizmu. Twórczość Pabla Picassa miała znaczący wpływ na rozwój malarstwa w XX wieku. Według sondażu czytelników magazynu Time Urodzony 25 października 1881 w Maladze w Hiszpanii, zmarł 8 kwietnia 1973 w Mougins we Francji.
Dziewczyna na balu, 1905
Portret Ambroise Vallor, 1910
Trzy Gracje
Portret Olgania
Taniec, 1919
Kobieta z kwiatem, 1930
Amadeo Modigliani- włoski malarz i rzeźbiarz. Jeden z najjaśniejszych przedstawicieli ekspresjonizmu. Za życia miał tylko jedną wystawę w grudniu 1917 w Paryżu. Urodzony 12 lipca 1884 w Livorno we Włoszech, zmarł 24 stycznia 1920 na gruźlicę. Pośmiertnie otrzymały światowe uznanie. Światowe uznanie otrzymało pośmiertnie. 
wiolonczelista, 1909
Małżonkowie, 1917
Joanna Hebuterne, 1918
Krajobraz śródziemnomorski, 1918
Diego Rivera- meksykański malarz, muralista, polityk. Był mężem Fridy Kahlo. Lew Trocki na krótko znalazł schronienie w ich domu. Urodzony 8 grudnia 1886 w Guanajuato, zmarł 21 grudnia 1957 w Mexico City.
Notre Dame de Paris w deszczu, 1909
Kobieta przy studni, 1913
Związek Chłopów i Robotników, 1924
Przemysł w Detroit, 1932
Marc Chagall- malarz rosyjski i francuski, grafik, ilustrator, artysta teatralny. Jeden z najwybitniejszych przedstawicieli awangardy. Urodzony 24 czerwca 1887 w mieście Liozno w obwodzie mohylewskim, zmarł 28 marca 1985 w Saint-Paul-de-Provence.
Anyuta (Portret siostry), 1910
Panna młoda z wachlarzem, 1911
Ja i wieś, 1911
Adam i Ewa, 1912
Marek Rothko(obecnie Mark Rotkovich) jest amerykańskim artystą, jednym z twórców ekspresjonizmu abstrakcyjnego i twórcą malarstwa kolorowego. Pierwsze prace artysty powstały w duchu realistycznym, jednak w połowie lat 40. Mark Rothko zwrócił się ku surrealizmowi. Do roku 1947 następuje najważniejszy punkt zwrotny w twórczości Marka Rothko, tworzy on własny styl – ekspresjonizm abstrakcyjny, w którym odchodzi od elementów obiektywnych.
Urodzony 25 września 1903 w mieście Dvinsk (obecnie Daugavpils), zmarł 25 lutego 1970 w Nowym Jorku.
Nieuprawny
Numer 7 lub 11
pomarańczowy i żółty
Salvador Dali- malarz, grafik, rzeźbiarz, pisarz, projektant, reżyser. Być może najsłynniejszy przedstawiciel surrealizmu i jeden z największych artystów XX wieku. Zaprojektowany przez Chupa-Chups.
Urodzony 11 maja 1904 w Figueres w Hiszpanii, zmarł 23 stycznia 1989 w Hiszpanii.
Kuszenie św. Antoniego, 1946
Ostatnia Wieczerza, 1955
Kobieta z główką róż, 1935
Moja żona Gala, naga, patrząc na swoje ciało, 1945
Frida Kahlo - Meksykański artysta i grafik, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli surrealizmu. Frida Kahlo zaczęła malować po wypadku samochodowym, w którym przez rok była przykuta do łóżka.
Była żoną słynnego meksykańskiego artysty komunistycznego Diego Rivery. Lew Trocki znalazł schronienie w ich domu na krótki czas.
Urodzony 6 lipca 1907 w Coyoacan w Meksyku, zmarł 13 lipca 1954 w Coyoacan.
Uścisk uniwersalnej miłości, ziemi, mnie, Diego i Coatla, 1949
Mojżesz (Rdzeń Stworzenia), 1945
Dwie Fridy, 1939
Andy Warhole(real. Andrey Varhola) – amerykański artysta, projektant, reżyser, producent, wydawca, pisarz, kolekcjoner. Założyciel pop-artu, jedna z najbardziej kontrowersyjnych postaci w historii kultury. Na podstawie życia artysty powstało kilka filmów. Urodzony 6 sierpnia 1928 w Pittsburghu w Pensylwanii, zmarł w 1963 w Nowym Jorku.
Humanizm i realizm rozwijają się w kulturze Francji XX wieku. W tym okresie Francja dała ludzkości wybitnych kompozytorów D. Millau, A. Oneguerre, pisarzy L. Aragon, R. Rolland, A. France, rzeźbiarzy A. Mayol, A. Bourdelle, artystów A. Marqueta, A. Matisse'a, a także stał się kolebką wielu ruchów formalistycznych w literaturze i sztuce.
W kierunku budowy nowych typów konstrukcji i kompleksów mieszkaniowych rozwija się architektura Francji. Rozwój przemysłu, zastosowanie osiągnięć naukowych i technologicznych determinuje wykorzystanie materiałów budowlanych – szkła, stali, żelaza. Architektura nabiera w tym czasie konstruktywnego i funkcjonalnego charakteru. Na jego rozwój ma wpływ zastosowanie żelbetu, o czym można dowiedzieć się więcej odwiedzając Forum Budownictwa. Jedną z pierwszych tego typu budowli był budynek mieszkalny przy Rue Franklin w Paryżu, który wybudował Auguste Perret (1874 - 1945).
Le Corbusier (1887 - 1965) dokonał prawdziwych odkryć w architekturze, był jednym z pierwszych, którzy zastosowali żelbet. Le Corbusier wysunął ideę stworzenia „Sun City”. Swoje propozycje realizował w afrykańskim mieście Nemura oraz w Indiach, w stolicy stanu Pendżab, Chandigarsi.
W latach powojennych charakter architektury podążał za potrzebą odbudowy starych i restauracji zniszczonych ośrodków. Doświadczenie budowlane w Le Havre (kierowany przez O. Perreta) miał wielki rezonans. Dokonywanie zmian w budynkach Paryża było spowodowane szybkim wzrostem liczby ludności. W latach 50. i 60. powstało wiele oryginalnych obiektów, m.in. most wiszący u ujścia Sekwany, dom radiowo-telewizyjny (projekt A. Bernard), dom UNESCO (projekt M. Breuer).
Paryż był centrum życia artystycznego we Francji. Mieszkali tu i pracowali artyści należący do różnych szkół artystycznych.
Jeden z krytyków sztuki w 1905 roku, widząc jasne obrazy wystawione na paryskim Salonie Jesiennym, nazwał je dzikimi. Kierownictwo artystyczne A. Deraina (1880 - 1954), M. Vlaminaca (1876 - 1958), A. Matisse'a (1869 - 1954) otrzymało od tego czasu nazwę Fowizm (fawizm (fr.) - dziki). W pracach Fowistów nie ma akcji, ale istnieje wewnętrzne połączenie póz, przedstawionych linii i kolorów.
Obraz A. Matisse'a „Czerwona ryba” jest przechowywany w Moskwie w Muzeum. A. S. Puszkin. Akwarium, okrągły stół, kwiaty, czerwone rybki wśród zieleni za szkłem – wszystko tchnie lekkim, radosnym nastrojem, nasyconym spokojną równowagą, wyrazistością linii i wspaniałą grą kolorów.
Chęć tchnięcia w sztukę słonecznej radości, młodości była charakterystyczna dla Matisse'a. Malował wdzięk i plastyczność ludzkiego ciała, wnętrza z oknami wychodzącymi na kwitnące ogrody, południowe pejzaże, przekazywał dźwięki muzyki, czyste rytmy tańca. Artysta miał ciekawą ogólną percepcję życia, jego barw i form, a nie konkretnych detali. Widać to na obrazach A. Matisse'a „Muzyka”, „Wielkie czerwone wnętrze”, „Taniec”, „Niebieska waza”, „Azja”, „Hiszpańska martwa natura”. W pracach Matisse'a wśród środków wizualnych dominuje kolor. Ogólny emocjonalny ton jego obrazów tworzy dekoracyjną interpretację kwiatów.
Albert Marquet (1875 - 1947) XX wieku stał się pieśniarzem francuskiego krajobrazu. Malował widoki Paryża (placów, zespołów architektonicznych, kwartałów, nabrzeża Sekwany). Marquet lubił też malować morze sylwetkami żaglówek.
Słynny artysta Fernand Leger (1881 - 1955) widział przyszłość sztuk pięknych w syntezie z architekturą, a także w rozwoju form monumentalnych. W latach dwudziestych ukształtował się styl artysty. Na twórczość artysty wpływ miała znajomość z architektem Le Corbusierem. Leger eksperymentuje w dziedzinie syntezy sztuki, tworzy panele dekoracyjne. Artysta zwraca się do tych, które ujawniają uniwersalne ludzkie idee w cyklu prac „Odpoczynek. Chwała Dawidowi”. Bohaterowie jego dzieł są pełni optymizmu, umiejętności, witalności.
Francuską szkołę plastyczną przełomu XVII i XVIII wieku można nazwać wiodącą szkołą europejską, to właśnie we Francji narodziły się wówczas takie style artystyczne jak rokoko, romantyzm, klasycyzm, realizm, impresjonizm i postimpresjonizm.
Rokoko (francuski rokoko, od rocaille - dekoracyjny motyw muszlowy) - styl w sztuce europejskiej I poł. XVIII wieku. Rokoko cechuje hedonizm, wycofanie się w świat idyllicznej gry teatralnej, pasja do tematów pasterskich i zmysłowo-erotycznych. Charakter rokokowego dekoru nabrał wyrazistych eleganckich, wyrafinowanych i wyrafinowanych form.Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard pracowali w stylu rokoko.
Klasycyzm - styl w sztuce europejskiej XVII-początku XIX w., którego cechą charakterystyczną było odwoływanie się do form sztuki antycznej jako idealnej normy estetycznej i etycznej.Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David pracowali w stylu klasycyzmu.
Romantyzm - styl sztuki europejskiej XVIII-XIX wieku, którego charakterystycznymi cechami było stwierdzenie przyrodzonej wartości życia duchowego i twórczego jednostki, obraz silnych i często buntowniczych namiętności i charakterów.Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake pracowali w stylu romantyzmu.
|
Edwarda Maneta. Śniadanie w warsztacie. 1868 |
Narodziny realizmu w malarstwie najczęściej kojarzone są z twórczością francuskiego artysty Gustave'a Courbeta, który w 1855 roku otworzył w Paryżu osobistą wystawę „Pawilon Realizmu”, choć jeszcze przed nim artyści szkoły Barbizon Theodore Rousseau, Jean- Francois Millet, Jules Breton pracował realistycznie. W latach 70. XIX wieku realizm został podzielony na dwa główne obszary - naturalizm i impresjonizm.
Realistyczne malarstwo rozpowszechniło się na całym świecie. W stylu realizmu ostrej orientacji społecznej w Rosji XIX wieku pracowali Wędrowcy.
Impresjonizm (od wrażenia francuskiego - wrażenie) - styl w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, którego charakterystyczną cechą była chęć jak najbardziej naturalnego uchwycenia rzeczywistego świata w jego mobilności i zmienności, przekazania ich ulotnych wrażeń . Impresjonizm nie poruszał kwestii filozoficznych, ale skupiał się na płynności chwili, nastroju i oświetleniu. Samo życie staje się tematem impresjonistów, jako seria małych świąt, imprez, przyjemnych pikników na łonie natury w przyjaznym otoczeniu. Impresjoniści byli jednymi z pierwszych, którzy malowali w plenerze, nie kończąc swojej pracy w studiu.Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley i inni pracowali w stylu impresjonizmu.
postimpresjonizm - styl sztuki, który powstał pod koniec XIX wieku. Postimpresjoniści starali się swobodnie i ogólnie przekazać materialność świata, odwołując się do dekoracyjnej stylizacji.Postimpresjonizm dał początek takim dziedzinom sztuki jak ekspresjonizm, symbolizm i nowoczesność.
Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec pracowali w stylu postimpresjonizmu.
Rozważmy bardziej szczegółowo impresjonizm i postimpresjonizm na przykładzie twórczości poszczególnych mistrzów Francji XIX wieku.
|
Edgara Degasa. Autoportret. 1854-1855 |
Począwszy od surowych historycznych obrazów i portretów, w latach 70. XIX wieku Degas zbliżył się do przedstawicieli impresjonizmu i zwrócił się ku obrazowi współczesnego życia miejskiego - ulic, kawiarni, przedstawień teatralnych.
W obrazach Degasa dynamiczna, często asymetryczna kompozycja, precyzyjny elastyczny rysunek, nieoczekiwane kąty, aktywna interakcja między figurą a przestrzenią są dokładnie przemyślane i zweryfikowane.
|
E. Degas. Łazienka. 1885 |
Ulubiona technika pasteli pozwoliła Edgarowi Degasowi najpełniej pokazać swój talent jako rysownika. Nasycone tony i „połyskujące” akcenty pasteli pomogły artyście stworzyć wyjątkową barwną atmosferę, tę opalizującą lekkość, która tak wyróżnia wszystkie jego prace.
W dojrzałych latach Degas często sięga po temat baletu. Kruche i nieważkie postacie baletnic pojawiają się przed widzem albo w zmierzchu zajęć tanecznych, albo w świetle reflektorów na scenie, albo w krótkich chwilach odpoczynku. Pozorna przypadkowość kompozycji i bezstronna pozycja autora sprawiają wrażenie podglądanego cudzego życia, artysta pokazuje nam świat wdzięku i piękna, nie popadając w nadmierny sentymentalizm.Edgara Degasa można nazwać subtelnym kolorystą, jego pastele są zaskakująco harmonijne, czasem delikatne i lekkie, czasem budowane na ostrych kontrastach kolorystycznych. Maniera Degasa była niezwykła ze względu na niesamowitą swobodę, malował pastele odważnymi, łamanymi kreskami, czasami pozostawiając ton papieru przebijający się przez pastel lub dodając kreski olejne lub akwarelowe. Kolor na obrazach Degasa powstaje z opalizującego blasku, z płynącego strumienia opalizujących linii, które dają początek formie.
Późne prace Degasa wyróżnia intensywność i bogactwo kolorów, które uzupełniają efekty sztucznego oświetlenia, powiększone, niemal płaskie formy i ograniczenie przestrzeni, co nadaje im napięty i dramatyczny charakter. W tym
okres Degas napisał jedno ze swoich najlepszych dzieł - "Niebiescy tancerze". Artysta pracuje tu w dużych plamach koloru, przywiązując ogromną wagę do dekoracyjnej organizacji powierzchni obrazu. Pod względem piękna harmonii kolorystycznej i rozwiązania kompozycyjnego obraz „Niebiescy tancerze” można uznać za najlepsze ucieleśnienie tematu baletowego Degasa, który osiągnął w tym obrazie najwyższe bogactwo faktur i zestawień kolorystycznych.|
P. O. Renoir. Autoportret. 1875 |
|
P. O. Renoir. Brodzik dla dzieci. 1869 |
|
P. O. Renoir. Portret aktorki Jeanne Samary. 1877 |
Należy zauważyć, że użycie odcieni zieleni, żółci, ochry, różu i czerwieni do zobrazowania skóry zszokowało ówczesną publiczność, nieprzygotowaną na postrzeganie faktu, że cienie powinny być kolorowe, wypełnione światłem.
W latach 80. XIX wieku w twórczości Renoira rozpoczął się tak zwany „okres Ingresa”. Najsłynniejszym dziełem tego okresu są Wielcy Kąpiący się. Po raz pierwszy Renoir zaczął używać szkiców i szkiców do budowania kompozycji, linie rysunku stały się wyraźne i zdefiniowane, kolory straciły dawną jasność i nasycenie, obraz jako całość zaczął wyglądać bardziej powściągliwie i chłodniej.
Na początku lat 90. XIX wieku nastąpiły nowe zmiany w sztuce Renoira. Malarsko pojawia się opalizująca barwa, dlatego okres ten bywa nazywany „perłowym”, następnie ten okres ustępuje miejsca „czerwonemu”, nazwanemu tak ze względu na upodobanie do odcieni czerwonawych i różowych kwiatów.
Eugene Henri Paul Gauguin (lata życia 1848-1903) - francuski malarz, rzeźbiarz i grafik. Obok Cezanne'a i Van Gogha był największym przedstawicielem postimpresjonizmu. Zaczął malować w wieku dorosłym, wczesny okres twórczości wiąże się z impresjonizmem. Najlepsze dzieła Gauguina powstały na wyspach Tahiti i Hiva-Oa w Oceanii, gdzie Gauguin opuścił „przewrotną cywilizację”. Charakterystyczną cechą stylu Gauguina jest tworzenie na dużych płaskich płótnach statycznych i kontrastujących kolorystycznie kompozycji, głęboko emocjonalnych i jednocześnie dekoracyjnych.W Żółtym Chrystusie Gauguin przedstawił krucyfiks na tle typowego francuskiego krajobrazu wiejskiego, cierpiącego Jezusa otaczają trzy bretońskie wieśniaczki. Spokój w powietrzu, spokojne uległe pozy kobiet, pejzaż nasycony słonecznym żółtym kolorem z drzewami w czerwonych jesiennych liściach, chłop zajęty w oddali swoimi sprawami, nie może nie kłócić się z tym, co dzieje się na krzyżu. Otoczenie ostro kontrastuje z Jezusem, na którego twarzy ukazuje się ten etap cierpienia, który graniczy z apatią, obojętnością na wszystko, co go otacza. Sprzeczność bezgranicznych mąk przyjętych przez Chrystusa i „niewidzialność” tej ofiary przez ludzi – to główny temat tego dzieła Gauguina.
|
P. Gauguina. Czy jesteś zazdrosny? 1892 |
na brzegu dwie siostry - właśnie pływały, a teraz ich ciała rozkładają się na piasku w przypadkowych, zmysłowych pozach - rozmawiają o miłości, jedno wspomnienie powoduje spór: „Jak? Czy jesteś zazdrosny!".
Malując soczyste, pełnokrwiste piękno tropikalnej przyrody, naturalnych ludzi nieskażonych cywilizacją, Gauguin przedstawił utopijne marzenie o ziemskim raju, o życiu człowieka w zgodzie z naturą. Polinezyjskie płótna Gauguina pod względem dekoracyjnego koloru, płaskości i monumentalności kompozycji, uogólnienia stylizowanego wzoru, przypominają panele.
P. Gauguina. Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy? 1897-1898
Obraz „Skąd przyszliśmy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?" Gauguin rozważał wzniosłą kulminację swoich przemyśleń. Zgodnie z intencją artysty obraz należy czytać od prawej do lewej: trzy główne grupy figur ilustrują pytania postawione w tytule. Grupa kobiet z dzieckiem po prawej stronie obrazu reprezentuje początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w skrajnie lewicowej grupie Gauguin przedstawił ludzką starość, zbliżającą się do śmierci; niebieski bożek w tle symbolizuje inny świat. Ten obraz jest szczytem innowacyjnego postimpresjonistycznego stylu Gauguina; jego styl łączył wyraźne operowanie kolorem, zdobnictwo kolorystyczne i rozwiązania kompozycyjne, płaskość i monumentalność obrazu z emocjonalną ekspresją.
Prace Gauguina antycypowały wiele cech stylu Art Nouveau, które rozwinęły się w tym okresie i wpłynęły na ukształtowanie się mistrzów grupy Nabis i innych malarzy początku XX wieku.
|
W. Van Gogha. Autoportret. 1889 |
W 1888 roku Van Gogh przeniósł się do Arles, gdzie ostatecznie ustalono oryginalność jego twórczego stylu. Ognisty temperament artystyczny, dręczący impuls do harmonii, piękna i szczęścia, a jednocześnie lęk przed siłami wrogimi człowiekowi, ucieleśniają albo w mieniących się słonecznymi kolorami południa pejzażach („Żółty Dom”, „Żniwa”). .La Crot Valley”), czy w złowrogich, przypominających koszmar obrazach („Night Cafe Terrace”); dynamika koloru i kreski
|
W. Van Gogha. Taras kawiarni nocnej. 1888 |
Intensywnej pracy Van Gogha w ostatnich latach towarzyszyły napady choroby psychicznej, które doprowadziły go do szpitala dla psychicznie chorych w Arles, następnie do Saint-Remy (1889-1890) i Auvers-sur-Oise (1890), gdzie popełnił samobójstwo. Twórczość z ostatnich dwóch lat życia artysty naznaczona jest ekstatyczną obsesją, niezwykle wzmożoną ekspresją zestawień kolorystycznych, gwałtownymi wahaniami nastrojów – od szaleńczej rozpaczy i ponurego wizjonera („Droga z cyprysami i gwiazdami”) po drżące uczucie oświecenia i pokój („Krajobraz w Auvers po deszczu”) .
|
W. Van Gogha. Irysy. 1889 |
W. Van Gogha. Pole pszenicy z wronami. 1890
„Pole pszenicy z krukami” to obraz Van Gogha, namalowany przez artystę w lipcu 1890 roku i jest jednym z jego najbardziej znanych dzieł. Obraz miał być ukończony 10 lipca 1890 roku, 19 dni przed śmiercią w Auvers-sur-Oise. Istnieje wersja, w której Van Gogh popełnił samobójstwo w trakcie pisania tego obrazu (wychodząc na zewnątrz z materiałami do rysowania, zastrzelił się z pistoletu zakupionego, aby odstraszyć stada ptaków w okolicy serca, a następnie samodzielnie dotarł do szpitala, gdzie zmarł z powodu utraty krwi).
