Osioł ogon Larions. Stowarzyszenie Artystyczne „Osioł Ogon”

Opublikowano: Ogon osła. Katalog wystawy malarstwa grupy artystów Ośli Ogon. M., 1912.

Wystawę organizuje M.F. Larionov; druga (po The Jack of Diamonds zimą 1910–1911) z serii czterech słynnych wystaw sztuki awangardowej z początku lat 1910. Znaczenie oburzającej nazwy wystawy wiąże się z historią osła z Paryża, który za pomocą pędzla przywiązanego do ogona stworzył obraz, który miał zostać uznany przez krytykę sztuki za arcydzieło sztuki malarskiej, znany w kręgach artystów. „Osioł ogon” został zorganizowany przez Larionova po jego decydującym zerwaniu z grupą jego byłych podobnie myślących ludzi - artystów P.P. Konczałowskiego, A.V. Lentułowa, I.I. Maszkowa, którzy pod koniec 1911 roku utworzyli stowarzyszenie artystyczne „Jack of Diamonds”. Wystawa Larionova została otwarta wkrótce po drugiej wystawie „Jack of Diamonds” w lutym 1912 r. Wzięli w niej udział jego współpracownicy - VS Bart, SP Bobrov, N.S. Goncharova, KM Zdanevich, I.F. Larionov, A.V. Szewczenko; K.S. Malewicz i V.E. Tatlin, którzy byli wówczas blisko Larionowa; młodzi artyści z Petersburga M. V. Le-Dantyu, V. I. Matvey, E. Ya Sagaidachny; a także A.A.Morgunov, N.E.Rogovin, I.A.Skuye, A.V.Fonvizin, M.Z.Shagal, A.S.Yastrzhembsky. Równolegle z „Ogonem osła” iw tej samej sali wystawowej uruchomiono ekspozycję petersburskiego stowarzyszenia „Związek Młodzieży”, w której uczestniczyli V.D. Bubnova, K.V. Dydyshko, A.M. Zelmanova, L.N. Kurchaninova, P.I. Lwowa, V.I.Matvei, L.Ya.Mitelman, S.A.Nagubnikov, P.D.Potipaka, O.V.Rozanova, E.K.Spandikov, I.S.Szkolnik, P.N.Filonov (poza katalogiem) i inni.

VE Tatlin. Marynarz. 1911. Tempera na płótnie 71,5x71,5. Timing („Osioł ogon”. Nr 257 w katalogu)

N. S. Gonczarowa. Chłopi zbierający jabłka. 1911. Olej na płótnie. 104x97,5. Państwowa Galeria Trietiakowska („Osioł ogon”, nr 68 w katalogu)

Wystawa została otwarta w nowym budynku wystawienniczym MUZHVZ przy ul. Miasnickaja. Prowokacyjne i skandaliczne znaczenie nazwy „Osioł Ogon” ujawniło się od samego początku: w dniu otwarcia w sali wystawowej wybuchł pożar (szybko został ugaszony); ponadto na wniosek cenzora usunięto z wystawy głównej dzieła religijne Gonczarowej (tetraptych „Czterech apostołów”) oraz obraz Filonowa. Zainteresowanie wystawą wzbudziła także prasa moskiewska, publikując publikacje na temat rywalizacji między „waletami karo” a „oślimi ogonami”. Ale te oburzające manifestacje bynajmniej nie stanowiły jego głównej treści. „Osioł ogon” wszedł do historii sztuki awangardowej nie tyle ze względu na skandalizującą nazwę, ile przede wszystkim ze względu na nowatorstwo i wysoką jakość prezentowanych na wystawie obrazów.

Malarstwo artystów-wystawców „Osła Ogona” zostało wykonane w stylu prymitywistycznym. W 1912 roku okres prymitywizmu w twórczości lidera grupy Łarionow osiągnął fazę dojrzałości i największej siły wyrazu artystycznego. Przejawiało się to także w prezentowanym na wystawie obrazie Larionova. Jego ekspozycja była znacząca - ponad 40 prac. Wśród nich wyróżniał się cykl obrazów stworzonych przez artystę na podstawie jego „nieudanej podróży do Turcji”. Dla takich dzieł z cyklu jak „Turek” (1911-1912. Galeria Trietiakowska) charakterystyczna jest bardzo wyrafinowana kolorystyka kompozycji, ale jednocześnie pewien powrót do przedstawiania radosnych i sielskich scen w Czarnym Pejzaż morski - temat zakończonego już impresjonistycznego okresu twórczości. W „Scenie tureckiej. Palaczowi” (1911. zbiory prywatne, Paryż; prawdopodobnie w katalogu wystawy jest też „Młodą damą i służącą”) prymitywistyczna interpretacja przedstawionych postaci została połączona z płaską, ale jednocześnie niezwykle wyrafinowaną, zbudowane na najlepszych odcieniach i niuansach koloru, rozwiązanie tła obrazu.

Wystawa pokazała znaczną liczbę obrazów z serii „żołnierzy” Larionova. Wiązały się one z wrażeniami ze służby wojskowej, którą artysta odbywał od końca 1910 roku. Wiele prac prezentowanych na wystawie jest dziś dobrze znanych: „Poranek w koszarach” (1910 r. Galeria Trietiakowska), „ Szkic w pobliżu obozu” (1911. Muzeum Rosyjskie), Odpoczywający żołnierz (1911-1912. Galeria Trietiakowska), Kozak (Żołnierz na koniu. 1911-1912. Tate Gallery, Londyn). Prace z cyklu "żołnierz", powstałe w szczytowym okresie prymitywizmu twórczości Larionova, charakteryzują się połączeniem celowo "przyziemnych" wątków zaczerpniętych z życia codziennego wojska, z bardzo wyrafinowanymi i niekonwencjonalnymi rozwiązaniami malarskimi. Jednocześnie Łarionow odważnie wprowadza na swoje płótna takie elementy jak prymitywny rysunek, napisy na płocie, czy nawet cyfry na tabliczkach oznaczające numer jednostki wojskowej. Szczególnie skandaliczny i prowokacyjny, który wywołał oburzenie próżnej krytyki prasowej, był jego Autoportret (portret własny Łarionow. 1911-1912. Kolekcja prywatna). Artysta z roześmianą twarzą przedstawiony jest na nim w białej koszuli z rozpiętym kołnierzykiem, w obraz wprowadzono napis - jakby jego własny podpis.

Inne prezentowane na wystawie prace Larionova również należą do jego najlepszych obrazów. Wśród nich - „Fryzjer przed wyjściem na scenę” („Fryzjer damski”. 1910-1911. Kolekcja prywatna), kojarzona z poprzednim – „fryzjerskim” – cyklem, czy „Tancerka cyrkowa przed wyjściem” (1911. OOMII), w co odzwierciedlało zainteresowanie artysty prowincjonalnym plakatem teatralnym. W wielu innych swoich pracach Larionov próbował niejako poszerzyć granice malarstwa, zwracając się do nowych technik przekazywania rzeczywistości („Fotografia natychmiastowa”, „Fotograficzne studium wiosennego topniejącego śniegu” i inne) lub przedstawiających tematy i przejawy życia, które wcześniej nie były charakterystyczne dla malarstwa („Kobieta w niebieskim gorsecie (ogłoszenie w gazecie)”). Wreszcie takie prace jak Scena (Kinematograf) (1911–1912. Centrum Pompidou) i Kölnersha (1911–1912. Państwowa Galeria Trietiakowska) powstały w stonowanych i częściowo monochromatycznych barwach, z przewagą delikatnej bieli. W twórczości znakomitego kolorysty Łarionowa takie chwilowe „zanikanie” intensywności malarskiej barwy świadczyło o rychłych zmianach w jego manierze malarskiej.

Bogate możliwości prymitywizmu reprezentowały także prace innych uczestników wystawy. Tendencję tę podążyli inni mistrzowie - współpracownicy Larionowa. Pokazywały raczej duże ekspozycje malarstwa prymitywistycznego. W niektórych pracach Szewczenki, jak na przykład kilku jego „żołnierskich” płótnach, również inspirowanych wrażeniami ze służby wojskowej, widoczny był wpływ pracy lidera grupy – Łarionow. Morgunow zademonstrował w swoich obrazach inny wariant prymitywizmu (być może nieco bliższy malarstwu artystów Waleta Diamentów). Na ekspozycji Tatlina uwagę zwróciły serie jego prac „marynarskich” związanych ze służbą w marynarce wojennej („Sprzedawca ryb” i inne) oraz projekty kostiumów do produkcji „dramatu ludowego” „Car Maksemjan”.

Obszerna (ponad 50 obrazów) ekspozycja Gonczarowej wzbudziła duże zainteresowanie. Wiele obrazów pokazywanych przez artystkę należy do najlepszych zarówno w jej dziedzictwie, jak iw malarskim dorobku rosyjskiego prymitywizmu. Są to jej dzieła religijne (tetraptych „Czterej apostołowie” ze względu na zakaz cenzury pokazywany był w osobnej sali), sceny z życia chłopskiego („Chłopi zbierający jabłka”, „Żniwa”, „Taniec w kółko” i inne), wciąż Życia. W swoich pracach Gonczarowa odważnie sięgała po elementy sztuki ludowej – ikony, popularne grafiki, a nawet malowane blaszane tace („Smoker” (styl malowania tac)). Artysta zaprezentował na wystawie zarówno cykl prac powstałych na ten sam temat, jak i kilkuczęściowe poliptyki. Ciekawe możliwości dalszego rozwoju malarstwa awangardowego pokazały jej płótna z cyklu „Możliwości artystyczne o pawie”: w nich wizerunek ptaka wykonany został na przemian w „stylu chińskim”, „stylu egipskim”, „Rosyjski styl haftu”, a także w nowoczesny sposób - „styl kubistyczny” i „styl futurystyczny”.

Malewicz zaprezentował na wystawie swoją wariację na temat malarstwa prymitywistycznego. Pokazywane przez niego dzieła „cyklu chłopskiego” („Żniwo zboża”, „Pogrzeb chłopa”, „Wieśniaczki w kościele”) stały się najważniejszym etapem jego twórczego rozwoju. W swoich oryginalnych pracach, powstałych w okresie „Oślego ogona”, Malewicz okazuje się być nieco bliski prymitywistycznej twórczości Gonczarowej i porównywalny z nią w znacznie większym stopniu niż z twórczością innych członków grupy. Inne obrazy Malewicza były związane z życiem miejskim. Jego prace, takie jak „Operator kukurydzy w kąpieli”, „Polka argentyńska”, odznaczają się barwnością i odwagą w doborze tematu iw rozwiązaniu kompozycyjnym, jednocześnie cechuje je pewna skandaliczność.

Wystawa „Osioł Ogon” wzbudziła duże zainteresowanie publiczności i znaczny odzew w prasie; Spośród licznych publikacji na uwagę zasługuje recenzja M.A. Wołoszyna (Donkey's Tail // Russian Art Chronicle. 1912. Nr 7. Kwiecień).

Literatura:
Literatura: Łobanow 1930; Aleksandra Flakera. Ogon osła. O jednym nazwisku // Ku pamięci Chardżyjewa 2000; AA Strigalew. O działalności wystawienniczej Petersburskiego Stowarzyszenia Artystów „Związek Młodzieży” // Voldemar Matvey i „Związek Młodzieży”. Reprezentant. wyd. GF Kowalenko. M., 2005; Pospiełow 2008; Inszakow 2010.;

Stowarzyszenie Artystyczne „Osioł Ogon”. MF Larionov, NS Goncharova.

"Osioł Ogon" - grupa rosyjskich artystów awangardowych związana z wystawą o tej samej nazwie, zorganizowaną w 1912 roku w Moskwie. Wywodzi swoją skandaliczną nazwę od skandalu w Salon des Indépendants w Paryżu (gdzie w 1910 roku grupa oszustów wystawiła abstrakcyjny obraz, właściwie „namalowany” przez osła z ogonem). Trzon moskiewskiej wystawy stanowiła praca grupy M.F. Larionova, który niedługo wcześniej wraz z N.S. Goncharovą i szeregiem innych artystów ze stowarzyszenia Jack of Diamonds postanowił zorganizować własną, znacznie bardziej wystawa. Pokazywano tu prace największych mistrzów rosyjskiego futuryzmu (obok Łarionow i Gonczarowa - K.S. Malewicza, W.E. Tatlina i M.Z. Szagala).

W stylu dominowała celowo prymitywna, mocna barwna ekspresja formalna, motywy wiejskiej archaiczności lub szorstkiego miejskiego folkloru.

W przeciwieństwie do „Waleta Diamentowego”, który stał się tradycją i wieloletnim nurtem stylistycznym, „Osioł Ogon”, nie przybierając kształtu organizacyjnego, rozpadł się już w 1913 roku, nie tworząc wspólnego paradygmatu artystycznego. W każdym razie grupa efemeryczna przeszła do historii jako ważny etap rosyjskiego futuryzmu, który w tym krótkim okresie przeszedł od prymitywnego „neofolkloru” do spontanicznej abstrakcji „Rayonchik”.

MF Larionov studiował w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury pod kierunkiem VA Serova, II Levitana. Tam poznał N.S. Gonczarową, która została nie tylko jego żoną, ale także osobą o podobnych poglądach w twórczości. Od początku XX wieku Larionow aktywnie uczestniczył w życiu artystycznym, wystawiając nie tylko w Rosji, ale także w Europie, a duży wpływ na Larionowa wywarli malarze francuscy. W latach 1902-06 pracował w stylu późnego impresjonizmu („Krzew bzu w rozkwicie”). W 1907 roku, będąc pod wpływem fowizmu i sztuki naiwnej, zwrócił się ku manierze prymitywistycznej, tworząc zapadające w pamięć (soczysty kolor, ostre linie, ostre sceny) płótna („Odpoczywający żołnierz”; „Wiosna”).

Będąc na czele ówczesnego życia artystycznego, do 1912 stworzył nową koncepcję artystyczną – rajonizm, jeden z pierwszych przykładów sztuki abstrakcyjnej w kategorii tzw. w wyniku przecięcia się promieni odbitych od różnych obiektów.

Malarstwo i grafika N. S. Gonczarowej – pierwotnie impresjonistyczne, następnie rozwiązane w duchu fowizmu – stoi u początków rosyjskiego futuryzmu. W latach 1907-1911 udało jej się - chyba bardziej organicznie niż komukolwiek z rówieśników - połączyć tradycje "prymitywu" (lubok, malowane znaki itp.), a także tradycje ikony z nowymi kierunkami awangardowymi . Szczególne miejsce w jej twórczości zajmują tematy rodzajowe i codzienne („Sianokosy”, „Pranie płótna”), a także motywy religijne (cykl „Ewangeliści”). Groźno-apokaliptyczna ekspresja robi wrażenie na „Mistycznych obrazach wojny”. Rozkładając formy widzialnego świata, artysta zwrócił się ku kubofuturyzmowi („Rowerzysta”).

Zamieniając awangardę w „sztukę życia”, Goncharova i Larionov zajmowali się teatrem (projekt kabaretu artystycznego „Różowa latarnia”) i kinem (udział w kręceniu pierwszego rosyjskiego filmu futurystycznego „Dramat w kabarecie nr 13"). Dlatego ich przejście do scenografii było tak organiczne (na zaproszenie S.P. Diagilewa). Potężna malarska plastyczność inscenizowanej inscenizacji Złotego kogucika NA Rimskiego-Korsakowa przez Gonczarową odniosła w Paryżu ogromny sukces. Pracując w rosyjskich sezonach, Goncharova opuściła Moskwę wraz z mężem, ostatecznie osiedlając się w stolicy Francji w 1919 roku.

1. rosyjscy artyści. / Rozdz. wyd. Anisimow AP – M.: Delo, 2003.

ogon osła"- jedno z najbardziej znanych, a nawet sensacyjnych stowarzyszeń artystycznych w naszym kraju. Stowarzyszenie zostało zorganizowane w 1912 roku przez rosyjskich artystów awangardowych Michaiła Fiodorowicza Łarionow i Natalię Siergiejewną Gonczarową. Ta organizacja artystów od samego początku przyciągała uwagę opinii publicznej. Łączył twórców o podobnym duchu, bliskich awangardowym nurtom sztuki.

Nazwa „Osioł ogon” pochodzi od jednego z obrazów wystawionych na wystawie w Paryżu w 1910 roku. Ten obraz był niezwykły, ponieważ był namalowany z ogonem osła. Niestety, mimo szybkiego startu i nawet nieco skandalicznej popularności, stowarzyszenie artystów nie przetrwało długo i rozpadło się w 1913 roku, pozostawiając po sobie jedynie wspomnienie historycznego wydarzenia w sztuce awangardowej.

Oprócz Michaiła Larionowa i Natalii Gonczarowej w „Ośle Ogonie” byli tacy artyści jak Kazimierz Malewicz, Władimir Tatlin, W. Bart, A. Szewczenko i inni. W przeciwieństwie do innych awangardowych stowarzyszeń artystycznych, artyści z Osiołego Ogona promowali unifikację szkoły europejskiej i tradycji rosyjskiej sztuki ludowej, rosyjskiego prymitywizmu, popularnej grafiki itp. Obrazy tych artystów w pełni potwierdziły ich tezy. Celowo uproszczone formy, przypominające nieco etnoprymitywizm, połączone z awangardowymi stylami, które były powszechne na początku lat 1910. Dla wielu „ogon osła” jest ściśle związany z pojęciem prymitywizmu w malarstwie. Upadek grupy nastąpił z powodu faktu, że wielu artystów wchodzących w skład stowarzyszenia, próbując się w tym stylu, stopniowo zaczęło poruszać się w różnych kierunkach, próbując się w innych gatunkach i kierunkach.

Kreatywność K. Malewicz

Kazimierz Sewerinowicz Malewicz (1878 - 1935) - artysta znany w gatunku awangardy, impresjonizmu, futuryzmu, kubizmu.

Jego pierwsze obrazy powstały pod wpływem francuskich impresjonistów i oczywiście powstały również w stylu impresjonistycznym. Po pewnym czasie zaczął namiętnie interesować się futuryzmem. Był niemal najaktywniejszym uczestnikiem wszystkich wystaw futurystycznych, a nawet pracował nad kostiumami i scenografią, jednym słowem zaprojektował futurystyczną operę „Zwycięstwo nad słońcem” w 1913 roku. Występ ten, który odbył się w Petersburgu, stał się jednym z najważniejszych etapów rozwoju całej rosyjskiej awangardy.

To właśnie geometryzacja form i maksymalne uproszczenie w projektowaniu skłoniły Kazimierza Malewicza do zastanowienia się nad stworzeniem nowego kierunku – suprematyzmu.

Kreatywność Malewicz

Artysta dokonał rewolucji, zrobił krok, o którym nikt na świecie nie mógł się zdecydować przed nim. Całkowicie porzucił figuratywność, wręcz fragmentaryczną figuratywność, która wcześniej istniała w futuryzmie i kubizmie.

Artysta pokazał światu swoje pierwsze czterdzieści dziewięć obrazów na wystawie w Piotrogrodzie w 1915 r. - „0,10”. Pod swoimi pracami artysta umieścił napis: „Suprematyzm w malarstwie”. Wśród tych płócien znalazł się słynny na całym świecie „Czarny kwadrat”, napisany w 1914 roku (?), który wywołał ostre ataki krytyki. Jednak ataki te nie ustępują do dziś.

Już w następnym roku Kazimierz Malewicz wydał broszurę „Od kubizmu do suprematyzmu. Nowy realizm obrazkowy”, w którym jasno uzasadnił swoją innowacyjność.

W rezultacie suprematyzm wywarł tak ogromny wpływ nie tylko na malarstwo, ale także na sztukę architektoniczną Zachodu i Rosji, że przyniósł swemu twórcy prawdziwie światową sławę.

suprematyzm

Instrument muzyczny

kwiatowa dziewczyna

Jak wszyscy artyści o niestandardowym, „lewicowym” kierunku, Kazimierz Malewicz był bardzo aktywny podczas rewolucji.

Artysta zajmował się scenografią do prawykonania Włodzimierza Majakowskiego „Tajemnica – buff” w 1918 roku, kierował Wydziałem Artystycznym Rady Moskiewskiej. Kiedy przeniósł się do Piotrogrodu, kierował i wykładał w Wolnych Warsztatach Artystycznych.

Jesienią 1919 roku Kazimierz udał się do Witebska, aby uczyć w Ludowej Szkole Artystycznej, zorganizowanej przez Marca Chagalla, która wkrótce została przekształcona w Instytut Artystyczno-Praktyczny. Witebsk opuścił dopiero w 1922 r., by wrócić do Piotrogrodu i pracować w fabryce porcelany, wymyślać coraz to nowe formy malarstwa, badać możliwości zastosowania suprematyzmu w architekturze.

W 1932 roku Malewicz objął stanowisko kierownika Pracowni Doświadczalnej Muzeum Rosyjskiego, gdzie rozwinął wysuniętą przez siebie teorię „elementu dodatkowego w malarstwie”.

W tym samym 1932 roku Malewicz nagle ponownie zwrócił się ku tradycyjnemu realizmowi. Być może wynikało to z trendów nowego czasu, ale w ten czy inny sposób Kazimierz Malewicz nie mógł zakończyć tego nowego okresu swojej twórczości. W 1933 ciężko zachorował, a dwa lata później, w 1935, zmarł.

Kreatywność P. Filonow

Pavel Nikolayevich Filonov (8 stycznia 1883, Moskwa - 3 grudnia 1941, Leningrad) - rosyjski, radziecki artysta, założyciel, teoretyk, praktyk i nauczyciel sztuki analitycznej - wyjątkowy kierunek reform w malarstwie i grafice pierwszej połowy XX wieku wiek.

Kreatywność Filonow

Pierwsze znaczące prace Filonowa, zwykle pisane techniką mieszaną na papierze (Mężczyzna i Kobieta, Święto Królów, Wschód i Zachód, Zachód i Wschód; wszystkie prace - 1912-1913, Muzeum Rosyjskie, Sankt Petersburg), ściśle przylegają do symboliki i nowoczesność - z ich alegorycznymi postaciami-personifikacjami i namiętnym zainteresowaniem "odwiecznymi tematami" bytu.

Rozwijają oryginalny sposób budowania przez artystę obrazu z krystalicznych komórek barwnych - jako solidnie „wykonanej” rzeczy. Jednak (w przeciwieństwie do V.E. Tatlina) pozostaje niejako „futurystą-konserwatystą” i nie przechodzi do projektowania, pozostając w ramach czystej, błyszczącej, pstrokatej malowniczości.

W 1913 roku zaprojektował scenografię do tragedii Władimira Majakowskiego Włodzimierza Majakowskiego. Przez następne dwa lata Paweł Filonow pracował jako ilustrator futurystycznych broszur, opublikował swój transracjonalny wiersz Kazanie o przerośnięciu świata i zaczął rozwijać teorie artystyczne : Ideologia sztuki analitycznej i zasady Madeness.

w 1919 roku obrazy artysty były wystawiane na pierwszej państwowej bezpłatnej wystawie sztuki robotniczej w Piotrogrodzie. W związku z nieustanną ostrą krytyką i atakami na Filonowa jego wystawa zaplanowana na lata 1929-1930. nie odbyło się w Muzeum Rosyjskim.

w 1932 roku Jego życia i pracy nie przerwała wojna. Zmarł na zapalenie płuc podczas oblężenia Leningradu w 1941 roku. w 1967 roku W Nowosybirsku odbyła się pośmiertna wystawa prac Pawła Filonowa.

Dopiero w ostatnich latach malarstwo Filonowa zyskało światowe uznanie. Obrazy stworzone przez jego myśl dały ogromny impuls do rozwoju awangardy w ZSRR. Odnalazł swój styl artystyczny dzięki tym bezkompromisowym ideałom, w które wierzył.

Już w jego wczesnych pracach widać wyraźnie odrzucenie ideologii Akademii Malarstwa w Petersburgu. Filonov opuścił akademię w 1910 roku i postanowił zignorować malarstwo głównego nurtu, aby dalej rozwijać swój styl.

W swoim malarstwie Pavel Filonov obserwował i uświadamiał sobie siły, które składają się na istnienie ludzkości. Jego celem było osiągnięcie systematycznej wiedzy o świecie i jego populacji ludzkiej.

Obrazy Filonowa były wynikiem nie tylko obrazów semantycznych. Jego malarstwo jest zestawieniem intelektualnych zasad, z których część zaczerpnięta jest z teorii i ideologii artysty. Na obrazie Filonowa widoczna jest „inteligencja projektowa”.

Pavel Filonov poświęcił x. dużo czasu i wysiłku

artystyczne wynalazki i twórcze pomysły. Pracował 18 godzin dziennie.

W 1925 roku, znalazłszy wielu naśladowców i zwolenników swojego stylu wypowiedzi, założył w Piotrogrodzie szkołę. Szkoła ta została zamknięta przez rząd w 1928 roku. wraz ze wszystkimi prywatnymi organizacjami artystycznymi i kulturalnymi.

Praca artysty

Symfonia Szostakowicza
święta Rodzina
Kołchoznik

Kołchoznik

Ci, którzy nie mają nic do stracenia

Wiosenna Formuła

Mężczyzna i kobieta

Święto Królów

Zwierząt

Ci, którzy nie mają nic do stracenia

„Ogon osła”- grupa rosyjskich artystów awangardowych związana z wystawą o tej samej nazwie, zorganizowaną w 1912 roku w Moskwie. Wywodzi swoją skandaliczną nazwę od skandalu w Salon des Indépendants w Paryżu (gdzie w 1910 roku grupa oszustów wystawiła abstrakcyjny obraz, właściwie „namalowany” przez osła z ogonem).

Trzon moskiewskiej wystawy stanowiła praca grupy M.F. Larionowa, który krótko wcześniej wraz z N.S. Goncharovą i szeregiem innych artystów ze stowarzyszenia Jack of Diamonds postanowił zorganizować własną, znacznie bardziej wystawa. Pokazywano tu prace największych mistrzów rosyjskiego futuryzmu (obok Łarionow i Gonczarowa - K.S. Malewicza, W.E. Tatlina i M.Z. Szagala).

W stylu dominowała celowo prymitywna, mocna barwna ekspresja formalna, motywy wiejskiej archaiczności lub szorstkiego miejskiego folkloru.

Od początku XX wieku Larionow aktywnie uczestniczył w życiu artystycznym, wystawiając nie tylko w Rosji, ale także w Europie, a duży wpływ na Larionowa wywarli malarze francuscy. W latach 1902-06 pracował w stylu późnego impresjonizmu („Krzew bzu w rozkwicie”). W 1907 roku, będąc pod wpływem fowizmu i sztuki naiwnej, zwrócił się ku manierze prymitywistycznej, tworząc zapadające w pamięć (soczysty kolor, ostre linie, ostre sceny) płótna („Odpoczywający żołnierz”; „Wiosna”).

Skandaliczną sławę wystawy zapewniła cenzura,

poprzez zakazanie szeregu obrazów reprezentujących Gonczarową

popularne ryciny świętych („Ewangeliści”, 1911),

wierząc, że nie można ich pokazać na wystawie

o podobnej nazwie.

„Osioł Ogon” to jedno z najbardziej znanych, a nawet sensacyjnych stowarzyszeń artystycznych w naszym kraju. Stowarzyszenie zostało zorganizowane w 1912 roku przez rosyjskich artystów awangardowych Michaiła Fiodorowicza Larionowa i Natalię Siergiejewną Gonczarową. Ta organizacja artystów od samego początku przyciągała uwagę opinii publicznej. Łączył twórców o podobnym duchu, bliskich awangardowym nurtom sztuki.

N Goncharova „Żniwa”

Nazwa „Osioł Ogon” pochodzi od jednego z obrazów, który był wystawiany na wystawie w Paryżu w 2010 roku. Ten obraz był niezwykły, ponieważ był namalowany z ogonem osła.

Niestety, mimo szybkiego startu i nawet nieco skandalicznej popularności, stowarzyszenie artystów nie przetrwało długo i rozpadło się w 1913 roku, pozostawiając po sobie jedynie wspomnienie historycznego wydarzenia w sztuce awangardowej.

N. Goncharova „Okrągły taniec”

N. Goncharova „Chłopiec z kogutem”

N. Gonczarowa „Konie do kąpieli”

N. Goncharova „Autoportret z żółtymi liliami”

M. Larionov „Palący żołnierz”

Oprócz Michaiła Larionowa i Natalii Gonczarowej w „Ośle Ogonie” byli tacy artyści jak Kazimierz Malewicz, Władimir Tatlin, W. Bart, A. Szewczenko i inni.

K. Malewicz „polerki do podłóg”

W przeciwieństwie do innych awangardowych stowarzyszeń artystycznych, artyści z Osiołego Ogona promowali unifikację szkoły europejskiej i tradycji rosyjskiej sztuki ludowej, rosyjskiego prymitywizmu, popularnej grafiki itp.

Obrazy tych artystów w pełni potwierdziły ich tezy. Celowo uproszczone formy, przypominające nieco etnoprymitywizm, połączone z awangardowymi stylami, które były powszechne na początku lat 1910.

V. Tatlin „Autoportret”

Dla wielu „ogon osła” jest ściśle związany z pojęciem prymitywizmu w malarstwie. Upadek grupy nastąpił z powodu faktu, że wielu artystów wchodzących w skład stowarzyszenia, próbując się w tym stylu, stopniowo zaczęło poruszać się w różnych kierunkach, próbując się w innych gatunkach i kierunkach.

V.Tatlin „Model”

W. Barth „Autoportret podwójny”

A. Szewczenko „Kobieta w czerwieni (Portret żony artysty N.S. Psishcheva-Shevchenko)”

Możesz być zainteresowany