Metody nauczania sztuk plastycznych

Obecnie istnieje bardzo duża liczba technik rysunkowych. A z tego, jak uczymy dzieci rysować, a teraz dorośli również zaczęli uczyć się dużo sztuki, ważne jest, aby wiedzieć, jak uczyć poprawnie?

W tej pracy kontrolnej rozważymy okresy historyczne, epoki różnych cywilizacji i spróbujemy zrozumieć, co jest tak ważne i potrzebne naszemu pokoleniu ludzi żyjących w epoce technologii informacyjnej, w czasach, w których maszyny są w stanie wykonać wiele Funkcje. Ale to jest nasz problem z tobą, żelazo nie jest w stanie przekazać tylu emocji i doświadczeń, do jakich zdolne są ludzkie umiejętności w dziedzinie sztuki. Ważne jest, aby umieć zrozumieć różnicę między tym, co jest zrobione z duszą i ciepłem, a tym, co jest po prostu w fabryce, wytłoczone w tysiącach egzemplarzy, ale bez duszy.

„Historia metod nauczania rysunku to nie tylko zbiór interesujących i wiarygodnych faktów, to przede wszystkim historia rozwoju idei i poglądów pedagogicznych” - pisze Rostowcew w swojej książce o badaniu metod rysowania w językach obcych krajach „historia metod nauczania nie tylko opowiada o przeszłości, ale także zachowuje zgromadzone doświadczenie poprzednich pokoleń, pomaga we właściwy sposób rozwiązywać współczesne problemy.

Era prymitywnego społeczeństwa.

Już we wczesnym okresie prymitywnym ludzie zaczęli uczyć się rysować. Wyraźnymi liniami na powierzchni kości lub ściany jaskini człowiek odtworzył różne przedmioty, zwierzęta, a nawet ludzi pewną i pewną ręką.

Aby uzyskać tak wyraźne obrazy, musiał wyćwiczyć wzrok i jędrność dłoni. Od takich momentów iw naszych czasach rozpoczyna się kształcenie w szkołach artystycznych i szkołach artystycznych. Uczymy się również kontrolować ruch ręki, koordynując go z okiem i umysłem.

Być może asymilacja umiejętności w starożytności miała charakter bezpośredniej, żywej obserwacji i naśladownictwa. Kiedy mężczyzna malował zwierzęta i sceny z polowań, zainteresowana młodzież uważnie śledziła jego fascynującą twórczość. Być może niektórzy od razu zaczęli go naśladować, a inni później powtarzali metody pracy. Posługujemy się tymi samymi technikami podczas prowadzenia różnych kursów mistrzowskich i otwartych.

W okresie neolitu trend realistyczny jest na linii spadkowej. Rzemieślnicy stopniowo tracą umiejętność poprawnego oddawania form przedmiotów, obrazy stają się coraz bardziej schematyczne i warunkowe, prymitywny artysta nabywa umiejętności abstrakcji, uogólnień, rozumienia podstaw kształtowania, dostrzegania podobieństw i różnic w naturze kształtu przedmiotów. obiekty. Są to również zadania, które mają miejsce w naszych czasach, kiedy uczy się ich stylizowanych, uproszczonych rysunków, zwłaszcza dla tych, którzy zajmują się projektowaniem.

Pod koniec okresu antycznego ówczesny artysta przestrzegał pewnych kanonizowanych form i zasad, których uczył swojego ucznia. Mamy też to, różne podręczniki i tabele, które uczą rysowania.

Era starożytnego Egiptu.

Starożytny Egipt to czas, w którym po raz pierwszy powstały specjalne szkoły artystyczne, z jasnym systemem nauczania, z jasną metodyką nauczania rysunku. Szkoły te nauczały zasad i praw konstruowania wizerunku i wymagały od swoich uczniów ścisłego ich przestrzegania.

Opracowano kanony do przedstawiania osoby, kwiatu lotosu, świętych zwierząt i różnych przedmiotów. Te raz na zawsze ustalone kanony z jednej strony pomagały początkującemu artyście w szybkim opanowaniu procesu konstruowania obrazu przedmiotów, z drugiej krępowały i ograniczały jego możliwości twórcze. Ta technika jest dla nas interesująca, ponieważ na początku rysowania, naszym zdaniem, tę technikę można zastosować opowiadając, pokazując, a nawet można zapamiętać zasady konstruowania wielu przedmiotów i istot żywych, aby uzyskać większy realizm w rysunek.

Podczas przedstawiania postaci ludzkiej gliniana powierzchnia planszy została po raz pierwszy narysowana przez Egipcjan cienkimi liniami w równe kwadraty. Komórki te posłużyły uczniowi jako wytyczne do prawidłowego zobrazowania postaci ludzkiej. Na gotowym rysunku komórki te zostały zniszczone: rozgnieciono je palcem i dokładnie wyrównano powierzchnię planszy.

Ta metoda jest bardzo podobna do naszej, kiedy przenosimy szkic do dużego formatu. Używamy również siatki, ponieważ to właśnie ta metoda pomaga poprawnie przenieść rysunek bez zmiany jego proporcji, a jedynie zwiększyć skalę.

Wiek starożytności.

Greccy artyści zapożyczyli od Egipcjan metodę badania proporcjonalnych wzorców struktury postaci ludzkiej - obliczenia matematyczne. Ale jednocześnie Grecy, studiując przyrodę, obserwując piękno nagiego ludzkiego ciała, znaleźli wiele uroku i harmonii, co nie jest przypadkiem, że bogowie zaczęli być przedstawiani na obraz i podobieństwo ludzi.

Ważne jest również, abyśmy nauczyli się czuć, a nie tylko mechanicznie przekazywać podobieństwo przedmiotów.

Apollodor z Aten uważany jest za pierwszego malarza sztalugowego, który wprowadził do techniki malarskiej mieszanie kolorów między sobą oraz ich gradację według światła i cienia.

A stało się to w V wieku pne. mi. Czy ktoś może wątpić w poprawność takiego użycia kolorów we współczesnej naturalistycznej szkole artystycznej. Nauka prawidłowego łączenia kolorów jest ważnym zadaniem.

Zeuxis, artysta starożytnej Grecji, próbował znaleźć i ustalić ideał i kanon piękna w oparciu o badania natury. Tego uczy współczesna szkoła rysunku - naucz się tworzyć kompozycję przy użyciu naturalnego materiału.

Linia na rysunku odegrała kluczową rolę w epoce starożytnej Grecji. Artysta, przedstawiając przedmiot, musiał wyraźnie, bez zbędnych kresek i zawijasów, zarysować kreskami kształt przedmiotu. A to można było zrobić tylko w wyniku wielu lat nauki. Greccy artyści opanowali wysoką technikę rysunku, doskonale znali kształt i budowę ludzkiego ciała.

Czy nie uczymy się rysować z natury, zapamiętywać proporcje? Jest to ważne, jeśli chcemy opanować poprawny rysunek akademicki.

Artyści greccy po raz pierwszy w historii rozwoju rysunku edukacyjnego wprowadzili światłocień i podali przykłady perspektywicznej konstrukcji obrazu na płaszczyźnie, kładąc podwaliny pod realistyczny rysunek z życia.

Greccy artyści-pedagodzy ustalili właściwą metodę nauczania rysunku, która opierała się na czerpaniu z natury. Po raz pierwszy wśród Greków rysunek jako przedmiot akademicki otrzymuje właściwy kierunek. W tym względzie na szczególną uwagę zasługuje Sikyońska szkoła rysunku, której faktycznym kierownikiem jest Pamphilus, dzięki któremu rysunek zaczął być traktowany jako ogólnokształcący przedmiot edukacyjny i został wprowadzony we wszystkich szkołach ogólnokształcących w Grecji. Jako pierwszy zrozumiał, że rysunek rozwija myślenie przestrzenne i figuratywne przedstawienie, które są niezbędne ludziom wszystkich zawodów.

Dzisiejsi nauczyciele i dzieci w szkołach ogólnokształcących starają się zapomnieć o tym jakże ważnym fakcie. Z roku na rok coraz mniej godzin przeznacza się na naukę sztuki. I to, jak widzimy, jest ważną lekcją w rozwoju dziecka.

W czasach Cesarstwa Rzymskiego artysta-nauczyciel mniej zastanawiał się nad wysokimi problemami twórczości artystycznej, interesowała go głównie rzemieślnicza i techniczna strona sprawy. Dlatego przy nauczaniu rysunku, kopiowania z próbek dominowało mechaniczne powtarzanie metod pracy, co z kolei zmuszało artystów rzymskich do coraz większego odchodzenia od tych głęboko przemyślanych metod nauczania.

Ten moment zasługuje na naszą uwagę, ponieważ zawsze musimy pamiętać, że to, co tworzymy własnymi rękami, wkładamy w to nasze emocje. Nie powinieneś ślepo powtarzać za kimś bez myślenia i odczuwania. Jeśli chcemy zrobić coś, co sprawi, że wielu pomyśli o życiu - to jest zadanie naszej pracy. I niech mniej wykształceni ludzie używają prostego stemplowania.

Epoka średniowiecza.

W średniowieczu osiągnięcia sztuki realistycznej zostały skazane na zapomnienie. Artyści nie znali ani zasad konstruowania obrazu na płaszczyźnie, którymi posługiwali się wielcy mistrzowie starożytnej Grecji, ani dorobku w zakresie metod nauczania, przy pomocy których wychowali wspaniałych rysowników i malarzy.

Ideolodzy sztuk plastycznych średniowiecza odrzucali tendencje realistyczne, ponieważ realistycznie oddana natura budziła w widzu uczucie „ziemskie”.

Możemy również użyć tej metody, gdy chcemy przekazać głęboki sens fabuły w obrazie, z czego korzystają abstrakcjoniści.

W średniowieczu wiele uwagi poświęcano kopiowaniu, ta metoda była główna na obrazie. Oto jedna z możliwości wykonania kopii: „Jeżeli na odwrocie oryginału nie ma rysunku ani plamy, to połóż na nim czysty papier, przyłóż pod światło, do okna lub framugi okiennej i widząc wszystkie elementy, narysuj je ostrożnie na papierze i zaznacz światła czerwoną farbą. Zdjęcie zrobione w ten sposób będzie podobne do oryginału w taki sam sposób jak pierwsze.

Tą metodą posługujemy się również w naszych czasach, opierając prześcieradła o okno lub kładąc je na szklanym blacie oświetlonym snopem światła. Ta metoda kopiowania daje bardzo dokładny powtarzalny wzór.

Metodą nauczania rysunku w warsztatach średniowiecza było czysto rękodzieło: kopiowanie próbek i technik pracy mistrza. Studium przyrody i przyrody w sensie akademickim nie było praktykowane. Rysunku uczył mistrz, który nie przestrzegał ścisłego systemu ani jasnych metod nauczania. Większość uczniów uczyła się samodzielnie, uważnie przyglądając się twórczości mistrza.

Ta technika może być stosowana przez nauczycieli, którzy nie chcą uczyć surowych praw zasad proporcji i perspektywy. Naszym zdaniem takie momenty nauczania rysunku mają zastosowanie w zakresie dokształcania na zajęciach pozalekcyjnych, gdzie nie ma tak ściśle ustalonych zasad rysowania, w przeciwieństwie do szkół artystycznych.

Renesans.

Renesans jest ściśle związany ze sztuką starożytności. Ponieważ wszyscy wielcy mistrzowie, badający wykopaliska starożytności, inspirowali się tworzeniem swoich dzieł. Najlepsi mistrzowie sztuk plastycznych podejmują pracę nad problematyką rysunku, dążą do ożywienia kultury antycznej, gromadzą i badają zabytki sztuki antycznej. W swoich badaniach opierają się na osiągnięciach optyki, matematyki i anatomii. Nauki o proporcjach, perspektywie i anatomii plastycznej znajdują się w centrum uwagi teoretyków i praktyków sztuki.

Oznacza to, że aby stworzyć wartościowy produkt w sztuce, nie wystarczy tylko poprawnie narysować poprzez analizę tematu. Ważne jest również poznanie jego konstrukcji, funkcji, wszystkich części wewnętrznych, aby móc poprawnie oddać charakter obiektu.

Cennino Cennini napisał w swoim Traktacie o malarstwie: „Wiedzcie, że aby się uczyć, potrzeba dużo czasu: więc najpierw w dzieciństwie, przynajmniej przez rok, trzeba ćwiczyć rysowanie na tablicy. Potem - pobyć jakiś czas z nauczycielem w warsztacie, żeby móc pracować we wszystkich gałęziach naszej sztuki. Następnie - zacznij wymazywać farby i rób to przez chwilę, a następnie szlifuj gips, nabierz wprawy w gruntowaniu płyt gipsem, wykonuj reliefy z gipsu, zeskrobuj, złoć, dobrze ziarnisty. I tak powinno być przez sześć lat. Potem - kolejne sześć lat, żeby ćwiczyć malowanie, dekorować bejcami, pisać złote tkaniny, ćwiczyć pracę na ścianie, cały czas rysować, nie opuszczając żadnych świąt ani dni roboczych.

Tylko w ten sposób iw naszych czasach można opanować wszystkie subtelności produkcji dzieł. W szkołach artystycznych i wyższych uczelniach studenci muszą nauczyć się wykonywać wszystkie czynności, od wykonania blejtramów po malowanie dzieł sztuki na płótnie. Jednocześnie staraj się nie opuszczać zajęć, pracować codziennie, nie zauważając weekendów i świąt.

„Trzy księgi o malarstwie” stworzył najwybitniejszy florencki architekt Leon Battista Alberti. Alberti postrzega rysunek nie jako ćwiczenie mechaniczne, ale jako ćwiczenie umysłu. Ta mądra postawa i rysunek dały później Michałowi Aniołowi powód do powiedzenia: „Rysują głową, a nie rękami”. Bardzo ważna uwaga w praktyce rysunku. Konieczne jest przemyślenie, uświadomienie sobie, jak iw jakiej kolejności pracować.

Cechą charakterystyczną metody nauczania rysunku w tej epoce była metoda osobistego pokazu.

Do wskazówek metodologicznych należy również rada Albertiego, aby dać duży obraz: „Słuchaj, po prostu tego nie rób, jak wielu, którzy uczą się rysować na małych tablicach. Chcę, abyś poćwiczył na dużych rysunkach, prawie równych rozmiarom temu, co kopiujesz, ponieważ w małych rysunkach każdy duży błąd jest łatwo ukryty, ale najmniejszy błąd jest doskonale widoczny na dużym rysunku.

Ten punkt jest ważny, ponieważ rzeczywiście, jeśli nauczysz się poprawnie przedstawiać w dużym formacie, to w mniejszym będzie to równie łatwe i poprawne.

Leonardo da Vinci wielokrotnie powtarza, że ​​teoria naukowa odgrywa kolosalną rolę w działaniach praktycznych, więc uczeń musi najpierw przestudiować teorię, a następnie przejść do praktyki, napisał: „Najpierw naucz się nauki, a potem przejdź do praktyki generowanej przez tę naukę”.

Z tego wynika, że ​​ważne jest nie tylko nauczenie się mechanicznego opanowania umiejętności rysowania, ale także konieczne jest studiowanie teorii. Książki są ważnym narzędziem sukcesu.

Leonardo radzi, jak najlepiej zorganizować nauczanie rysunku: „Mówię i potwierdzam, że rysowanie w społeczeństwie jest o wiele lepsze niż samotne iz wielu powodów. Po pierwsze, będziesz się wstydzić, jeśli wśród kreślarzy będą patrzeć na ciebie, jakbyś nie radził sobie dobrze, i ten wstyd będzie powodem dobrego nauczania; po drugie, dobra zazdrość skłoni cię do znalezienia się wśród tych, którzy są bardziej chwaleni niż ty, ponieważ pochwały innych będą cię pobudzać; a także to, co zapożyczysz z pracy tych, którzy robią lepiej od ciebie.

Ta propozycja zawiera wiele pytań: liczbę uczniów w klasie, charakterystykę wiekową itp. Ale sam fakt, że na etapie nauczania ważne jest, aby być w zespole podobnie myślących ludzi, jest ważnym punktem do stworzenia kreatywnego atmosfera.

Przyjrzymy się twórczości innego artysty renesansowego, Albrechta Durera.

Szczególnie dużą wartość dla pedagogiki artystycznej ma opracowana przez Dürera metoda generalizacji formy (zwana później przycinaniem). Bardzo trudno jest podać prawidłowy obraz perspektywiczny złożonej postaci, na przykład głowy, ręki, postaci ludzkiej, a dla początkującego jest to po prostu niemożliwe. Ale jeśli złożona forma zostanie maksymalnie uogólniona na prostoliniowe formy geometryczne, to łatwo poradzi sobie z zadaniem nie tylko doświadczonego, ale także początkującego artysty.

Tej metody uczy się nas teraz, analizując figury i jej elementy, znajdujemy wiele figur geometrycznych, które upraszczają rysunek, unikając zbędnych szczegółów.

W renesansie metoda konstruktywnej analizy formy była szeroko stosowana przez artystów - nauczycieli. Wiele rysunków mówi o tym przekonująco, w tym rysunek Holbeina, który pokazuje nie tylko schemat struktury strukturalnej głowy, ale także zmiany w perspektywicznym widoku struktury przy każdym obrocie. Jeśli głowa jest pochylona w dół, wierzchołki konstruktywnych łuków są skierowane w dół; jeśli głowa zostanie odrzucona z powrotem do góry, wierzchołki łuków zostaną podniesione; jeśli głowa znajduje się na poziomie wzroku kreślarza, wówczas zamieniają się w równoległe linie.

Stosujemy tę wiedzę w praktyce, gdy trudno jest określić, czy głowa jest pochylona w dół, czy odrzucona z powrotem do góry, wtedy znajomość wzorców struktury konstrukcyjnej głowy pomoże prawidłowo ustalić jej nachylenie i obrót na rysunku.

Prace mistrzów renesansu w dziedzinie perspektywy pomogły artystom poradzić sobie z najtrudniejszym problemem konstruowania trójwymiarowego kształtu przedmiotów na płaszczyźnie. Udowodnili słuszność i zasadność swoich stanowisk zarówno teoretycznie, jak i praktycznie. Malarze renesansu zwracali również dużą uwagę na badanie anatomii plastycznej. Prawie wszyscy kreślarze byli zainteresowani prawami proporcjonalnego stosunku części ludzkiego ciała.

Mistrzowie renesansu umiejętnie wykorzystywali dane swoich obserwacji w praktyce sztuk pięknych. Ich prace zadziwiają widza głęboką znajomością anatomii, perspektywy i praw optyki.

Umieszczając dane naukowe jako podstawę sztuk pięknych, artyści renesansu zwracali szczególną uwagę na rysunek. Mówili, że rysunek zawiera wszystkie najważniejsze rzeczy, które są potrzebne do udanej pracy twórczej.

Epoka XVII wieku.

Wiek XVII w dziejach metod nauczania rysunku należy uznać za okres kształtowania się rysunku jako przedmiotu akademickiego i kształtowania się nowego pedagogicznego systemu nauczania – akademickiego. Najbardziej charakterystyczną cechą tego okresu jest powstawanie specjalnych placówek oświatowych – akademii sztuk pięknych i szkół artystycznych, w których na poważnie zadomowiła się nauka rysunku.

Szkoła akademicka Carracciego dała dobre wyniki. Każdy, kto go ukończył, doskonale opanował każdy materiał rysunkowy, rozumiał znaczenie tonu, znał prawa perspektywy i anatomii plastycznej.

Po raz pierwszy w historii nauczania rysunku Carracci wprowadził w swojej Akademii nagrody za najlepsze wykonanie pracy pedagogicznej. Wyróżnienie najlepszych, zachęcanie do osiągania sukcesów to owocna metoda pracy z uczniami. Dystrybuując nagrody wśród najlepszych uczniów, Carracci zadbał o to, aby ci, którym się nie powiodło, starali się dołożyć wszelkich starań, aby wyjść z czołówki i otrzymać nagrodę. Tego rodzaju rywalizacja zaszczepiła w każdym uczniu chęć zostania pierwszym.

Ta metoda zachęty jest stosowana również dzisiaj, co jest szczególnie ważne dla uczniów, kiedy za dobre wyniki można dostać nie tylko przyjemną ocenę, ale także nagrody rzeczowe.

Tradycja stała się cechą charakterystyczną wszystkich kolejnych akademii. Studiując dziedzictwo i dostrzegając kulturę artystyczną swoich poprzedników, akademie przekazały to wszystko kolejnym pokoleniom artystów, ściśle zachowując wielki i niewzruszony fundament, na którym ta tradycja została stworzona.

W okresie entuzjazmu dla nowych nurtów w sztukach wizualnych, który rozpoczął się pod koniec XIX wieku i nabrał szerokiego rozmachu w pierwszej ćwierci XX wieku, akademicki system edukacji był czasem poddawany niezasłużonej krytyce. Wielu artystów i historyków sztuki stało się sceptycznych wobec akademickiego kierunku w sztuce.

Naszym zdaniem nic nowego i niezrozumiałego nie ma takiej wartości, jak mawiał jakiś „suchy akademizm”. Nie możesz tworzyć bez znajomości zasad. Tylko dzięki starannemu przestudiowaniu wszystkich wzorców można uzyskać realistyczny obraz akademicki. Ale wtedy, zgodnie z nastrojem każdego artysty, możesz iść na studia i stworzyć coś nowego, ekstrawaganckiego.

Rysunek to podstawa podstaw. Nie można opanować rysunku bez poważnej wiedzy naukowej. Opanowując rysunek, uczeń jednocześnie poznaje świat. Możemy więc stwierdzić, że zajęcia z rysunku są przydatne dla każdego.

Wadą ówczesnego akademickiego systemu edukacji był brak dbałości o indywidualność młodego artysty. Tutaj swoją rolę odegrała estetyka klasycyzmu, gdzie indywidualność całkowicie podporządkowana interesom narodu, państwa, doprowadziła do idealizacji natury i człowieka, do odrzucenia przeniesienia indywidualnych cech natury.

Epoka XVIII - połowa XIX wieku.

Od XVIII wieku do drugiej połowy XIX wieku akademie artystyczne Francji, Anglii, Rosji, Niemiec przeżywają swój „złoty wiek”. Pokazują artystom drogę na wyżyny sztuki, kształcą gust artystyczny, określają ideał estetyczny. Rysunek jako podstawa sztuk plastycznych znajduje się w centrum uwagi wszystkich uczelni. Przypisuje się mu szczególne znaczenie jako niezależny przedmiot akademicki.

A dzisiaj, począwszy od szkół artystycznych, rysunek jest osobnym, niezależnym przedmiotem.

Akademie wiele zrobiły w zakresie rozwoju metod nauczania rysunku, malarstwa i kompozycji. Niemal każdy nauczyciel akademii zastanawiał się, jak udoskonalić metodykę, jak ułatwić i skrócić proces opanowania materiału przez studentów.

A dziś wielu tworzy własne metody, opracowuje programy szkoleniowe w zakresie rysunku.

W sztuce toczy się spór między akademizmem a rzeczywistością. Goethe pisze: „Uczeń musi najpierw wiedzieć, czego ma szukać, co artysta może wykorzystać w przyrodzie, jak powinien to wykorzystać dla celów artystycznych. Jeśli nie ma tej wstępnej wiedzy, żadne doświadczenie mu nie pomoże, a on, podobnie jak wielu naszych współczesnych, przedstawi jedynie zwykłą, na wpół zabawną lub, po zbłądzeniu w sentymentalizm, fałszywie zabawną. I dalej: „Nie należy jednak zapominać, że spychając ucznia bez wykształcenia artystycznego w stronę natury, odsuwa się go jednocześnie od przyrody i sztuki”.

W sztuce współczesnej spotkamy się ze wszystkimi gatunkami, technikami rysunku. Obecny czas jest bardzo zróżnicowany. To jest zarówno dobre, jak i złe. Dlatego bardzo ważne jest, aby najpierw opanować akademizm, a następnie tworzyć według własnego uznania, jednocześnie rozumiejąc, czym jest ideał w sztuce.

Przywiązując wielką wagę do wskazówek metodologicznych, po raz pierwszy w zachodnioeuropejskiej pedagogice artystycznej Reinolde wysuwa ideę, że nauczanie wymaga kreatywnego podejścia, że ​​nauka rysunku jest również sztuką.

Mówimy o tym nawet teraz - nauce lub kreatywności - z czego składa się pedagogika. Wydaje się, że trzeba umieć poprawnie połączyć te dwie dziedziny, wtedy pojawi się nowoczesny poprawny zawód, w którym dzieci będą chciały iść na studia.

Tworząc coś nowego w sztuce, trzeba dbać o to, co stare, nawołuje Louis David: „Nie popełnijcie błędu, obywatele, muzeum nie jest bynajmniej bezużyteczną kolekcją luksusowych przedmiotów i rozrywki, która może jedynie zaspokoić ciekawość. Musi stać się poważną szkołą. Nauczyciele poślą tam swoich młodych uczniów, ojciec zabierze tam syna. Na widok genialnych dzieł młody człowiek poczuje, jak przemówią w nim zdolności do nauk ścisłych lub sztuki, które tchnęła w niego natura.

Już teraz staramy się nie tylko przekazywać teorię, praktykę, ale także uczyć widzieć i zapamiętywać dzieła innych artystów. Wyraża się to bardziej emocjonalnie podczas podróży na wycieczki, wystawy, wycieczki do muzeów.

Technika rysowania Dupuy jest bardzo interesująca: rozpocząć obraz nie od części, ale od ogółu (od dużej formy). Aby wykonać to zadanie, Dupuis wykonał specjalne grupy modeli głowy, części ciała i postaci ludzkiej. Każda grupa składała się z czterech modeli i odzwierciedlała pewną sekwencję metodologiczną w konstrukcji obrazu. Na przykład zaproponowano cztery modele wyjaśniające sekwencję obrazu głowy: pierwszy przedstawiał ogólny kształt głowy; drugi - w formie przycinania; trzecia - z nutą detalu i ostatnia - ze szczegółowym studium formy. W ten sam sposób analizowano kształt dłoni i stóp. Ta metoda pracy z uczniami była na tyle skuteczna, że ​​ta metoda nauczania była szeroko stosowana zarówno w szkołach ogólnokształcących, jak iw specjalnych szkołach artystycznych.

Ta technika rysowania jest bardzo pouczająca. Wiele momentów wciąż istnieje, ale tylko niewielka liczba głównych atrybutów, oczywiście byłoby lepiej, gdyby wszystkie specjalne instytucje miały dobrą bazę materiałową, wizualną.

Pestalozzi argumentował, że rysunek powinien poprzedzać pisanie, nie tylko dlatego, że ułatwia proces opanowania pisania liter, ale także dlatego, że jest łatwiejszy do strawienia.

Oczywiście dzieci najpierw uczą się prostych umiejętności rysowania, a następnie pisania liter i cyfr, co wyraźnie widać w metodach nauczania zajęć w przedszkolach.

Pedagogiczne zrozumienie cech rozwoju człowieka, zwłaszcza w okresie jego dzieciństwa, pomaga nauczycielom plastyki w prawidłowym budowaniu procesu edukacyjnego w szkole. Szczególną rolę przypisuje się rysunkowi jako ogólnemu przedmiotowi edukacyjnemu.

Metoda geometryczna jest uznawana za najbardziej postępową i skuteczną, ponieważ pomaga dziecku analizować kształt przedmiotów, łatwiej jest mu nauczyć się praw perspektywy.

Epoka przełomu XIX i XX wieku.

Od drugiej połowy XIX wieku zainteresowanie metodami nauczania rysunku w specjalnej szkole artystycznej wyraźnie osłabło. Jednocześnie w szkole średniej rozwijane są metody nauczania w szerszym znaczeniu. Metodą nauczania rysunku zajmują się nie tylko artyści, ale także krytycy sztuki, psychologowie, lekarze; obserwują uczniów, przeprowadzają eksperymenty, na podstawie których proponują formy i metody nauczania, wykorzystują specjalne modele i pomoce wizualne, dzięki którym uczniowie szybciej i lepiej przyswajają materiał edukacyjny. Publikuje się szczególnie wiele podręczników do wstępnej nauki rysunku.

W dzisiejszych czasach wiele uwagi poświęca się wczesnemu rozwojowi dzieci, technikę nietradycyjnego rysunku opanowuje się od najmłodszych lat.

L. Tadd zaczyna już włączać do szkoły szerszy zakres zajęć z tematyki rysunkowej – modelowanie w glinie, rzeźbienie w drewnie, metaloplastyka itp. Jego zdaniem „przy przedstawianiu form na rysunku, glinie czy na drewnie, ze względu dzięki różnorodności materiałów nabywane i przyswajane są różne koordynacje fizyczne. Po ogólnym kursie elementarnym następuje stolarstwo, ślusarstwo, rysunek mechaniczny i architektoniczny, rysunek i malarstwo z życia.

Obecnie istnieje również wiele organizacji edukacji dodatkowej, szkół, w których dzieci mogą opanować różnorodne techniki, uczyć się różnych materiałów i pracować z nimi.

Badając metody nauczania rysunku w szkołach średnich na przełomie XIX i XX wieku, przekonamy się, że w tym okresie przedmiot rysunku obejmował już cztery rodzaje zajęć: rysunek z natury, gdzie zajmowano się rysowaniem i malarstwa, rysunku dekoracyjnego (zajęcia z plastyki i rękodzieła), rysunku tematycznego oraz rozmów o sztuce

To wszystkie dyscypliny zawarte we współczesnym programie nauczania w szkole artystycznej.

Badając dzieje nauczania rysunku w szkołach ogólnokształcących od ostatniej ćwierci XIX wieku do połowy XX wieku, zobaczymy, że rozwój metod nauczania przebiegał w dwóch kierunkach: przedstawiciele metody geometrycznej bronią kierunku akademickiego w nauczanie rysunku, treści naukowych i wiodącej roli nauczyciela. Przedstawiciele metody naturalnej, odrzucając akademicki kierunek w sztuce i przewodnią rolę nauczyciela w nauczaniu rysunku, wyznają metodę „bezpłatnej edukacji”.

W krótkim czasie na Zachodzie pojawiły się różne nurty artystyczne: neoimpresjonizm, kubizm, ekspresjonizm, dadaizm, surrealizm i wiele innych. Chaotyczna walka opinii i trendów w tej epoce wprowadziła jeszcze większą dezorganizację i zamęt w metodach nauczania przedmiotów artystycznych, a przede wszystkim rysunku. Wielu sprzeciwiało się edukacji akademickiej, uważając, że artysta traci swoje naturalne cechy w szkole. W wyniku dominacji tych poglądów sztuka zaczęła ulegać degradacji.

„Studiując historię metod nauczania rysunku zarówno w szkołach ogólnokształcących, jak i artystycznych, musimy przyjąć wszystko, co najlepsze w przeszłości, i to nie tylko ze szkół zagranicznych, ale także z naszej rosyjskiej” - pisze Rostowcew.

Od tego, kto i jak uczy w placówkach zajmujących się edukacją artystyczną, takie pokolenie otrzymamy w przyszłości. Począwszy od ciebie, zadaniem jest nauczenie się syntezy całej wiedzy o rysunku, zarówno akademickiej, jak i kochającej wolność. Dopiero potem będziemy mogli nauczyć naszych uczniów wszystkiego, najważniejsze jest zaszczepienie w nich chęci tworzenia i tworzenia piękna.

· Metodyka nauczania jako system jednolitej aktywności nauczyciela i uczniów w opanowaniu określonej części programu.

· Pojęcia metod i technik, zasady dydaktyczne, środki i formy kształcenia.

Metodologia- zestaw skutecznych metod szkolenia i edukacji. Jest to specjalny dział pedagogiki, który bada zasady i prawa budowania procesu edukacyjnego. W tym sensie metodologia może być ogólna, uwzględniająca metody i techniki nauczania właściwe dla wszystkich przedmiotów, oraz prywatna, oznaczająca metody nauczania mające zastosowanie do dowolnego przedmiotu akademickiego.

Metodyka może być ogólna, uwzględnia metody nauczania właściwe dla wszystkich przedmiotów oraz prywatne - metody i techniki stosowane w nauczaniu dowolnego przedmiotu.

Metoda nauczania przedmiotu obejmuje:

Metoda nauczania- sposób pracy nauczyciela z uczniami, za pomocą którego osiąga się najlepsze przyswojenie materiału edukacyjnego. Termin „metoda” pochodzi od greckiego słowa „methodos”, które oznacza drogę, drogę zmierzającą do prawdy, do oczekiwanego rezultatu. Wybór metod nauczania zależy od celów nauczania, a także od wieku uczniów.

Szkolenie z recepcji- to osobny moment, metoda nauczania składa się z kilku technik. Z zestawu technik i metod nauczania, połączonych wspólnym kierunkiem, powstaje system szkolenia.

Cele kształcenia- zaplanowany z góry rezultat działalności pedagogicznej, osiągnięty za pomocą różnych technik, metod i pomocy dydaktycznych.

Cele edukacyjne - kształtowanie wspólnej kultury osobowości uczniów na podstawie opanowania obowiązkowego minimum treści programów edukacyjnych;

Cele rozwojowe – rozwój zdolności (logiczne myślenie, pamięć, obserwacja, umiejętność poprawnego podsumowania danych i wyciągania wniosków, porównywania, umiejętność sporządzenia planu i wykorzystania go itp.)

Cele edukacyjne - kształtowanie poczucia humanizmu, kolektywizmu, szacunku dla starszych, wzajemnej pomocy, responsywności, grzeczności, negatywnego stosunku do złych nawyków, wartości zdrowia fizycznego itp.

Praktyczny cel szkolenia jest związany z jego orientacją, z jaką umiejętnością kształtuje się w wyniku procesu uczenia się.

Zasady uczenia się- zasady dydaktyczne:

· Zasada świadomości i aktywności – świadome, sensowne, celowe uczenie się (z punktu widzenia ucznia).

Zasada widoczności polega na wykorzystaniu przez nauczyciela wizualnego kanału percepcji, co pozwala na przedstawienie maksimum nowego materiału w krótkim czasie i znacznie zwiększa efektywność przyswajania nowych informacji oraz przyczynia się do intensywności nauki.

Zasada systematyczności i konsekwencji nadaje systematyczność procesowi uczenia się

Zasada siły. Celem tej zasady jest silne i długotrwałe przyswojenie zdobytej wiedzy.

· Zasada dostępności implikuje rozwój treści procesu uczenia się z uwzględnieniem możliwości osób szkolonych.

· Zasadą naukowego charakteru jest staranny dobór informacji składających się na treść szkolenia. Studentom należy proponować do asymilacji tylko mocno ugruntowaną, naukowo potwierdzoną wiedzę.

· Zasada związku między teorią a praktyką, ponieważ praktyka jest głównym materiałem wiedzy.

Środki edukacji- zespół zasobów materialnych, technicznych, informacyjnych i organizacyjnych służących do zapewnienia różnorodnych metod nauczania.

Formy studiów- to sposób interakcji uczestników szkolenia, sposób jego istnienia. Zazwyczaj wyróżnia się trzy grupy form kształcenia:

Przedni (zbiorowy),

Grupa,

Indywidualny.

Metoda nauczania sztuk pięknych jako nauka teoretycznie uogólnia praktyczne doświadczenie, formułuje prawa i reguły nauczania, wskazuje technologię najskuteczniejszych metod i proponuje ich wdrożenie. Metodologia opiera się na danych naukowych z zakresu pedagogiki, psychologii, estetyki i historii sztuki.

Oczywiście w żywym procesie nauczania każdy nauczyciel wypracowuje własną metodykę pracy, ale musi ona być budowana zgodnie z ogólnymi celami i założeniami nowoczesnego nauczania sztuk pięknych, które nie zostały wypracowane od razu, zanim metodyka poszła przez trudną ścieżkę rozwoju.

Metodyka nauczania sztuk pięknych jako nauki podsumowuje praktyczne doświadczenia, proponuje takie metody nauczania, które już się sprawdziły i dają najlepsze efekty.

Metoda nauczania sztuk plastycznych jest żywą, rozwijającą się nauką, pochłaniającą wszelkie nowinki. Aby jednak nowe technologie mogły być skutecznie wdrażane w praktyce, konieczna jest znajomość doświadczeń historycznych oraz kierunków rozwoju nauczania sztuk pięknych.

Rozwój osoby twórczej, jej zdolności artystycznych jest bezpośrednio związany z celem i zadaniami nauczania przedmiotu plastycznego.

Jej głównym CELEM jest zapoznanie z kulturą duchową jako sposobem przekazywania z pokolenia na pokolenie uniwersalnych wartości człowieka, przy których postrzeganiu i odtwarzaniu, w jego działalności dokonuje się twórczy i moralny samorozwój człowieka, integralność jego wewnętrzny świat jest zachowany. Tak więc, przyłączając się do kultury duchowej, człowiek jednocześnie łączy się ze swoją naturalną esencją, rozwijając swoje podstawowe - uniwersalne - zdolności: do holistycznego, pomysłowego myślenia; do empatii ze światem zewnętrznym; do twórczej aktywności.

Realizacja tego celu odbywa się poprzez edukację estetyczną człowieka za pomocą sztuki i pedagogiki artystycznej. Opierają się na edukacji artystycznej i działalności artystycznej. Tylko w ich całości możemy sobie wyobrazić realizację celów edukacji estetycznej. Są to dwa różne sposoby rozwijania ludzkiej świadomości, nie zastępując, ale uzupełniając się.

Kryteria oceny twórczego rozwoju osoby w dziedzinie edukacji estetycznej ujawniają się zgodnie z zadaniami kształtowania harmonijnie rozwiniętej osoby. Trzy powiązane ze sobą kierunki: A) zachowanie integralności moralnej jednostki; B) rozwój jej potencjału twórczego; C) zapewnienie w niej harmonijnej współzależności cech społecznych i unikalnych.

Wszystko to naturalnie realizuje się w działalności artystycznej człowieka.

Dziecko w swojej aktywności poznawczej i twórczej przyswaja sobie przede wszystkim jego znaczenie, związane z emocjonalnym i wartościującym stosunkiem do życia. Sztuka jest środkiem akumulacji, koncentracji tego doświadczenia życiowego ludzkości, które wiąże się z zadaniami rozwijania moralnego i twórczego potencjału ludzi. Dlatego jednym z głównych celów sztuki jest, oparte na uniwersalnych siłach człowieka, rozwijanie jego ideału moralnego, postaw twórczych, emocji i uczuć estetycznych.

Program artystyczny w szkole przewiduje 4 główne rodzaje pracy - rysunek z życia, rysunek tematyczny, rysunek dekoracyjny, rozmowy o sztuce, które są ze sobą ściśle powiązane i uzupełniają się w rozwiązywaniu zadań postawionych przez program.

Zadania zajęć plastycznych to: Rozwijanie percepcji wzrokowej uczniów. Rozwijanie umiejętności obserwacji, ustalania podobieństw i różnic, klasyfikowania przedmiotów według kształtu i faktury. Kształcenie zdolności estetycznych i plastycznych, nauka rysunku z natury, na tematy, wykonywania ilustracji i rysunków dekoracyjnych, rozwijanie umiejętności graficznych i malarskich. Rozwijaj myślenie mentalne i abstrakcyjne.

Wiodącym rodzajem rysunku jest ryc. z natury kot. prowadzi do ogólnego rozwoju człowieka - rozwija wyobraźnię, myślenie umysłowe, przestrzenne i abstrakcyjne, oko, pamięć.

Szkolny kurs plastyczny. sztuka ma na celu:

1. Przygotować wszechstronnych, wykształconych członków społeczeństwa,

2. Edukować estetycznie dzieci, rozwijać ich gust artystyczny.

3. Pomóż dzieciom poznać otaczający je świat, rozwinięty. obserwacja, przyzwyczajenie do logicznego myślenia, uświadomienie sobie tego, co się widzi.

4. Naucz wykorzystywać rysunek w pracy i działaniach społecznych

5. Zapoznanie studentów z podstawami rysunku realistycznego. Zaszczepienie umiejętności i uzdolnień plastycznych, zapoznanie z podstawowymi technicznymi metodami pracy.

6. Rozwijanie zdolności twórczych i estetycznych uczniów, rozwijanie myślenia przestrzennego, reprezentacji figuratywnej i wyobraźni.

7. Zapoznanie uczniów z wybitnymi dziełami sztuki rosyjskiej i światowej. Zaszczepić zainteresowanie i miłość do sztuki. zajęcia.

Tematyka metod nauczania sztuk plastycznych jest ściśle związana z dyscyplinami specjalnymi i psychologiczno-pedagogicznymi. Metodologia jako przedmiot badań uwzględnia cechy pracy nauczyciela z uczniami. Metodologia rozumiana jest jako zbiór racjonalnych metod szkolenia i wychowania. Jest to specjalny dział pedagogiki, który bada zasady i prawa budowania procesu edukacyjnego. Metodyka może być ogólna, uwzględnia metody nauczania właściwe dla wszystkich przedmiotów oraz prywatne - metody i techniki stosowane w nauczaniu dowolnego przedmiotu.

Metodyka nauczania sztuk pięknych jako nauki teoretycznie uogólnia doświadczenie praktyczne, proponuje takie metody nauczania, które już się sprawdziły i dają najlepsze efekty. Celem zajęć jest ukształtowanie podstaw i świadomości zawodowej i pedagogicznej nauczyciela sztuk plastycznych. Celem przedmiotu jest poznanie historii, teorii, metod badań naukowych w zakresie dydaktyki plastyki, nabycie intelektualnych i praktycznych umiejętności rozwiązywania problemów dydaktyki plastyki, stworzenie podstaw do późniejszego kształtowania twórcze podejście do działalności nauczyciela plastyki, kształtowanie trwałego zainteresowania zawodem nauczyciela plastyki. Przez metodę nauczania rozumie się taki sposób pracy nauczyciela z uczniami, w którym osiągane jest najlepsze przyswojenie materiału edukacyjnego i wzrost wyników w nauce.

Metoda nauczania składa się z odrębnych metod nauczania: - według źródła pozyskiwania wiedzy (wizualna, praktyczna, werbalna, gra) - według sposobu pozyskiwania wiedzy (odtwórcza, informacyjno-receptywna, badawcza, heurystyczna) - według charakteru aktywności (sposób organizacji i realizacji zajęć edukacyjnych i poznawczych, sposób kontroli i samokontroli, sposób pobudzania i motywowania do uczenia się) – wg rodzaju wykonywanego zawodu

Owsjannikowa Swietłana Iwanowna,

nauczyciel sztuk plastycznych najwyższej kategorii

Liceum MOU „Politek” Wołgodońsk, obwód rostowski.

Nowoczesne metody nauczania sztuk plastycznych.

W swoim doświadczeniu w pracy z uczniami wykorzystuję wiele metod i technologii, ale w swoim referacie chcę zatrzymać się tylko na dwóch, które są interesujące i istotne dla współczesnej młodzieży szkolnej: jest to metoda pracy na zasadzie warsztatu twórczego i metoda nauczania umiejętności grafiki komputerowej. Obie metody mają zastosowanie zarówno w klasie, jak i poza godzinami lekcyjnymi – w klasie. Jednak ich użycie na kubku jest bardziej preferowane.

Warsztaty twórcze dla dziecka to nieograniczona szansa na rozwój twórczego myślenia i działania. Warsztat kreatywny dla nauczyciela to nieograniczone pole w wykorzystaniu nowoczesnych technologii pedagogicznych, takich jak zorientowany na osobowość, pomoc w uświadomieniu sobie naturalnych zdolności uczniów do ich rozwoju i zastosowania w różnych działaniach twórczych; humanitarny - osobisty, oparty na wszechstronnym szacunku i miłości do dziecka, wierze w jego siły twórcze; technologia współpracy, pozwalanie na wspólne opracowywanie celów z uczniami, współtworzenie z nimi, bycie ich przyjacielem, tworzenie wyłącznie pozytywnego towarzyszenia emocjonalnego mającego na celu rozwijanie trwałych zainteresowań; zróżnicowane uczenie się według poziomu rozwoju artystycznego i twórczego oraz potencjału; uczenie się oparte na problemach umożliwienie stworzenia sytuacji problemowej i zaktywizowania samodzielnej aktywności uczniów w celu jej rozwiązania; technologia indywidualizacji zgodnie z metodą projektową, która pozwala na realizację indywidualności dziecka, jego potencjału i zdolności w działaniach badawczych i konkurencyjnych.

Praca metodą warsztatu kreatywnego ma na celu realizację następujących celów i zadań:

Doskonalenie wiedzy, umiejętności i zdolności nabywanych przez dziecko w procesie nauki i życia;

Rozwój samodzielności w twórczej działalności poszukiwawczej;

Rozwój zainteresowania różnorodnością rodzajów i gatunków sztuki, chęć podjęcia próby opanowania różnorodnych materiałów i technik;

Rozwijanie umiejętności i chęci zastosowania zdobytej wiedzy w praktyce, w życiu codziennym, w przemianach osobistych i środowiskowych;

Kształcenie umiejętności estetycznych, postrzeganie życia ludzkiego w zgodzie z naturą, sztuką, siedliskiem;

Wychowanie do miłości do kultury rodzimej i światowej, wychowanie do tolerancji;

Podnoszenie zaufania do własnej potrzeby, znaczenia i przydatności dla społeczeństwa, które potrzebuje produktów pracy twórczej;

Metodyka warsztatu twórczego opiera się na wspólnej aktywności nauczyciela i ucznia, gdzie wyboru aktywności dokonuje uczeń, a nauczyciel jedynie doradza i koryguje przebieg swojej pracy. Uczeń ma prawo wybrać, w jakiej formie i gatunku plastyki chce rozpocząć pracę, planuje swoje działania z pomocą nauczyciela: wykonuje szkic, wybiera materiał, przygotowuje pulpit, a następnie przystępuje do realizacji swojego planu . Każdy uczeń w pracowni twórczej jest artystą przygotowującym się do zaprezentowania publiczności swojej twórczości. Każda praca wykonana metodą warsztatu twórczego jest tak naprawdę projektem, a gotowy produkt to produkt, który dziecko prezentuje na konkursach, olimpiadach czy wystawach. W ciągu jednego roku akademickiego, w zależności od zdolności, umiejętności i dynamiki, jeden student może wykonać od czterech do dwudziestu prac twórczych w różnych typach i gatunkach plastycznych. A grupa dzieci, licząca 15-20 osób, przygotowuje pełnoprawną, imponującą wystawę, na której prezentowane są prace wykonane z najróżniejszych materiałów i różnymi technikami.

Praca według metody warsztatu twórczego pozwala na jednoczesne opanowanie ogromnej ilości technik i materiałów, co jest w zasadzie niemożliwe w tradycyjnym procesie edukacyjnym. Na przykład grupa chłopaków z 20 osób, podzielona według zainteresowań, jednocześnie wykonuje zupełnie inne technologie pracy: ktoś robi drapanie, ktoś witraż, ktoś zajmuje się malarstwem, ktoś grafiką, niektórzy studenci robią panele z odpadów, a niektórzy zajmują się florystyką itp. Dla nauczyciela zajęcia metodą warsztatową to ciężka, ale ciekawa praca, która nie pozwala ani na chwilę oderwać się od dzieci, ale przynosi twórczą satysfakcję z uzyskanych efektów. Praca urzeka nie tylko uczniów, ale także rodziców, którzy przychodzą obejrzeć ich prace i są gotowi udzielić wszelkiego moralnego wsparcia.

Nie mniej ważny jest psychologiczny aspekt metodyki pracy na zasadzie warsztatu twórczego. Nie jest tajemnicą, że dzieci, które zaczynają zajmować się plastyką, mają czasem szereg kompleksów, takich jak zwątpienie, niska samoocena, strach – „nie uda mi się”, „nie będzie pięknie”, „nikomu się to nie spodoba”, „ja generalnie nic nie umiem” i inne. Stopniowo te kompleksy zanikają, ponieważ zadania wykonywane przez dziecko w warsztacie nie mają stałej punktacji (oceniony jest tylko efekt końcowy, doprowadzony do perfekcji), nie ma limitu czasowego. W końcu każde dziecko odnosi sukces, to ono decyduje, jak i gdzie jego ukończona praca może zostać wykorzystana: wziąć udział w wystawie, zostać wysłana na konkurs lub podarowana mamie.

W dobie informatyki praca metodą warsztatu twórczego nie jest już możliwa bez umiejętności pracy z komputerem, a oto dlaczego:

Wysokiej jakości, ciekawa, ukończona praca może posłużyć dziecku do udziału w różnego rodzaju konkursach, olimpiadach, konferencjach i wystawach.

Taki udział często implikuje obecność pełnowartościowego materiału teoretycznego, opracowanego zgodnie ze współczesnymi wymogami pracy naukowej i zawierającego wykresy, tabele czy fotografie.

Postanowienia wielu konkursów internetowych określają jakość i rozmiar przesyłanego obrazu, liczbę pikseli na cal itp.

Własne materiały ekspozycyjne mogą być przez dziecko zaprojektowane w formie elektronicznej w formie prezentacji.

Dzieci mogą stworzyć własną stronę internetową, aby zaprezentować swoją kreatywność krewnym, przyjaciołom itp.

Wszystko to zakłada umiejętność pracy studenta z komputerem. Skupię się jednak tylko na tym, co moim zdaniem nauczyciel plastyki powinien robić w tym kierunku.

Na obecnym etapie rozwoju społeczeństwa grafika komputerowa staje się kolejnym rodzajem sztuk plastycznych. Dlatego od nauczyciela plastyki w szkole wymaga się umiejętności pracy w edytorach graficznych i musi tego uczyć swoich uczniów. Moim zdaniem niewłaściwe jest wyposażanie klas, w których odbywają się lekcje plastyki, w komputery przy każdym stole, w przeciwnym razie nie będzie gdzie uczyć się z innymi materiałami. Formą pierwotną jest nadal klasyczna forma nauczania plastyki, czyli praca z tworzywem plastycznym. Pierwszym wyjściem jest odwiedzenie klasy komputerowej. Ta opcja powinna być wcześniej uwzględniona w harmonogramie, ponieważ większość szkół ma tylko jedną klasę komputerową. Drugim wyjściem, bardziej dostępnym, są dodatkowe zajęcia pozalekcyjne, czyli koło.

W praktyce mojej pracy powstały dwa stowarzyszenia twórcze: „Magic Tassel” i „Semitsvetik”. Stowarzyszenia zlokalizowane są w różnych szkołach, dlatego warunki stosowania metodyki nauczania grafiki komputerowej są różne. W stowarzyszeniu twórczym „Magiczny Pędzel” dzieci angażowane są na podstawie indywidualnego projektu, podczas którego nauczyciel wyjaśnia z redaktorami główne punkty pracy, a następnie dzieci w czasie przeznaczonym na wizytę w pracowni komputerowej lub w domu na komputera osobistego, samodzielnie tworzyć własne prace graficzne, czy też przetwarzać prace fotograficzne, które mają być przesłane na konkursy w Internecie. Tak więc dziecko zainteresowane publicznym zaprezentowaniem swojej pracy i udziałem w różnych konkursach internetowych podąża następującą ścieżką:

tworzenie pracy w warsztacie kreatywnym z materiałów plastycznych, naturalnych i innych;

fotografowanie go;

obróbka w edytorach graficznych;

tworzenie obrazów w edytorach graficznych według rodzaju grafiki za pomocą grafiki komputerowej;

gromadzenie obrazów na osobistym dysku flash;

wysyłanie wersji elektronicznej na konkursy;

utworzenie osobistej strony lub strony internetowej do prezentacji swojej pracy;

Ta metoda jest odpowiednia dla dzieci powyżej 10 roku życia, gdy pomoc nauczyciela jest tylko doradcza. Stowarzyszenie kreatywne Semitsvetik obejmuje studio Myszka dla dzieci w wieku 8-10 lat, gdzie 1 godzina tygodniowo jest przeznaczona na pracę z edytorami graficznymi. Dzieci są zaangażowane w grupie, opanowując różne edytory graficzne i ich możliwości. Efekt końcowy ten sam: dostęp do konkursów internetowych, udział w wystawach, prezentacja swoich prac w Internecie.

Przyjrzyjmy się szczegółowo algorytmowi nauczania dzieci pracy z edytorami graficznymi. Uważam, że należy w miarę możliwości zapoznać uczniów z dużą liczbą edytorów graficznych, gdyż holistyczne postrzeganie ich możliwości da dziecku swobodę wyboru działań i kreatywność.

Krok pierwszy: Program Paint, mimo całej swojej pozornej prostoty, pozwala na tworzenie niesamowitych kompozycji pod względem głębi i złożoności, jeśli dziecko zastosuje wszystkie umiejętności nabyte w klasycznym rysunku. Wszystko, co musi zrobić nauczyciel, to przedstawić pasek narzędzi i pokazać, gdzie i jak można użyć każdego narzędzia.

Ryc. 1 Egorova Ksenia 11 lat „Pokój” Ryc. 2 Kovaleva Daria 14 lat „Zima”

Ryc. 3 Babaniyazova Elena, 14 lat „Boże Narodzenie” Ryc. 4 Gaevskaya Irina, 13 lat „Miasto”

Krok drugi: program Paint. Internet. Ten program ma o wiele więcej funkcji, które pozwalają przetwarzać i symulować dowolny obraz. Zapoznajmy się z paskiem narzędzi, efektami, korektą itp. Pokazujemy, jak kopiować, wycinać, wklejać, zmieniać i poprawiać obraz. Należy zauważyć, że dzieci bardzo szybko opanowują każdy edytor graficzny, jeśli znają już program Paint.

Krok trzeci: Adobe Photoshop. Przedstawiam ten program dzieciom po opanowaniu Painta. Net, ponieważ Adobe Photoshop jest bardziej złożony i bogaty. Opanowujemy pasek narzędzi, szczegółowo analizujemy efekty, uczymy się pracy z warstwami, a następnie dopasowujemy, wygładzamy, wyrównujemy, zmieniamy rozmiar itp.

Fot. 7 Balymova Elena, 13 lat Fot. 8 Milanina Tatiana, 11 lat „Pocztówka”

„Odbicie wiosny”

Dzieci w wieku szkolnym powinny pracować z edytorem graficznym tylko pod okiem nauczyciela, ponieważ czasami dają się tak ponieść emocjom, że przeciążają obraz zbędnymi szczegółami. Ważne jest, aby rozwijać harmonijną percepcję i poczucie proporcji.

Krok czwarty: Corel Photo Paint Pro i nie tylko. Muszę powiedzieć, że najciekawsze są te edytory graficzne, które mają ogromną liczbę funkcji, a także te tworzone przez programistów-amatorów. W tych programach można znaleźć wiele interesujących wyników. Z programem Corel Photo Paint Pro pracujemy już drugi rok, jest on bardzo bogaty i studenci ciągle znajdują w nim coś nowego.

Fot. 11 Kozlov Danil 9 lat „Żagle” Fot. 12 Minina Olga 9 lat „Kwiecista Łąka”

Ryc. 13 Leshchenko Kristina 9 lat „Jesień” Ryc. 14 Shperle Ekaterina 10 lat „Wyspa”

W programie Corel Photo Paint Pro najbardziej interesujące dla dzieci jest tworzenie kolaży, modelowanie obrazów zgodnie z ich pomysłami. Każde dziecko ma swój własny pendrive i zapisuje tam rysunek na koniec pracy.

Niestety nauczanie grafiki komputerowej nie należy dziś do obowiązków nauczyciela plastyki i nie jest zapisane w programach edukacyjnych w zakresie sztuk pięknych. Robią to przypadkowo nauczyciele informatyki, którzy mają bardzo odległe pojęcie o sztukach pięknych. Uważam, że tylko osoba znająca podstawy malarstwa, grafiki, plastyki, projektowania i fotografii może kompetentnie i poprawnie uczyć dzieci pracy w edytorach graficznych. Ale w tym celu on sam musi umieć w nich pracować.

Dokument

Dodatkowa poprawa edukacji metodologie nauczanie obrazowy sztuka1 Nowoczesny system edukacji w ... doskonalenie mojego metody nauczanie obrazowy sztuka i zainteresowany nowym metody nauczanie. (Móc...

Doskonalenie metod nauczania sztuk plastycznych (1)

Dokument

Nauczyciel plastyki i MHC, Doskonalenie metodologie nauczanie obrazowy sztuka Humanistyczny charakter edukacji zapewnia pełne .... Przyczynić się do poprawy jakości kształcenia nowoczesny informatyka oparta na...

Metodyka rozwijania zdolności twórczych młodszych uczniów plastyki i rzemiosła na lekcjach plastyki. Ukończone przez: Ivanova A.E

Lekcja

... współczesny kultura narodowa (9; s. 126). Praktyka pokazuje, że na każdym etapie lekcji obrazowy sztuka... - M., 1984. - S.101, 103. 4. Kuzin V.S.. Metodologia nauczanie obrazowy sztuka w klasach 1-3: Poradnik dla nauczyciela. - drugie wydanie...

Zasady dydaktyczne i metody nauczaniana lekcjach plastyki i pracy plastycznej

Wstęp

Na przestrzeni wieków szkoła zgromadziła spore doświadczenie w nauczaniu dzieci. Istnieją więc różne punkty widzenia na koncepcję, skuteczność stosowania różnych metod i zasad nauczania.

Proces uczenia się jest dość złożonym zjawiskiem i nie można go przedstawić jako prostego przekazania wiedzy przez nauczyciela uczniom, którzy tej wiedzy jeszcze nie posiadają. Tu naturalnie pojawiają się pytania: „Czego uczyć?” i „Jak uczyć?”

Prawa lub reguły, które funkcjonują w każdej nauce, odzwierciedlają jej obiektywne, istotne i trwałe powiązania, a także wskazują pewne trendy w ich rozwoju. Jednak prawa te nie zawierają bezpośrednich instrukcji praktycznych działań: stanowią jedynie teoretyczną podstawę do rozwoju technologii praktycznej działalności.

Zadaniem dydaktyki jest ustalenie, na podstawie wiedzy o obiektywnym rozwoju procesu wychowawczego, w jaki sposób na podstawie praw jego rozwoju kształtują się zasady i reguły nauczania, którymi kieruje się nauczyciel w jego praktyczna praca. Wszystko to aktualizuje temat badań.

Przedmiot badań: lekcje plastyki i pracy plastycznej.

Przedmiot badań: zasady i metody dydaktyczne nauczania plastyki i pracy artystycznej.

Hipoteza: prawidłowo i umiejętnie zorganizowane, metodycznie kompetentne stosowanie zasad i metod dydaktycznych na lekcjach pracy artystycznej i plastyki przyczynia się do efektywności procesu edukacyjnego, a mianowicie:

· Pomaga zwiększyć aktywność, zainteresowanie uczniów, co znajduje odzwierciedlenie w wynikach pracy.

Sprzyja rozwojowi zamiłowania do plastyki i pracy artystycznej.

· Rozwija takie cechy jak: spostrzegawczość, uwaga, wyobraźnia, myślenie, pamięć, mowa, samokontrola itp.

Promuje szybkie i trwałe przyswajanie wiedzy, która rozwija się w umiejętności i zdolności.

· Kształtuje umiejętność zastosowania zdobytej wiedzy w praktyce.

Cpraca świerkowa: badanie i uzasadnienie wpływu zasad dydaktycznych i metod nauczania na proces edukacyjny na lekcjach pracy artystycznej i plastyki.

Z celu wynikają następujące wyniki zadania:

1. Rozważ pojęcia „zasad dydaktycznych” i metod nauczania.

2. Rozważ klasyfikację metod i zasad nauczania, ich związek.

3. Określić podstawowe metody i zasady nauczania stosowane na lekcjach prac plastycznych i plastycznych.

4. Przestudiować cechy wdrażania głównych metod i zasad stosowanych na tych lekcjach.

5. Udowodnić wpływ zasad i metod dydaktycznych na aktywność uczniów i efektywność procesu wychowawczego.

Podczas pisania pracy wykorzystano następujące metody badania psychologiczno-pedagogiczne:

1. Studium literatury metodologicznej, psychologicznej i pedagogicznej na dany temat.

2. Obserwacja studentów.

3. Analiza własnego doświadczenia w szkole.

4. Analiza lekcji pracy plastycznej i plastyki.

Praktyczne znaczenie pracy: prezentowany materiał może być wykorzystany w wyniku przygotowania do zajęć plastycznych i prac plastycznych.

Baza badawcza: Liceum nr 165 w Mińsku.

Obciążenie pracą: wstęp, część główna i zakończenie.

1. Zasady i metody nauczania na lekcjach plastyki i pracy plastycznej

1.1 Pojęcie zasad dydaktycznych nauczania i ich klasyfikacja

Zasady uczenia się są niezbędnym narzędziem w nauczaniu. Dzięki tym zasadom następuje proces łączenia idei teoretycznych z praktyką pedagogiczną. Zasady nauczania w pedagogice mają przede wszystkim charakter doradczy i fakultatywny. Dzieje się tak dlatego, że aktywność nauczyciela w procesie uczenia się może zostać załamana poprzez różne formy i techniki.

Zasady szkolenia to wytyczne leżące u podstaw szkolenia i określające jego treść, metody i formy organizacji.

Zasady są podstawowymi punktami wyjścia każdej teorii, nauki w ogóle, są to podstawowe wymagania czegoś.

Zasady pedagogiczne to główne idee, których przestrzeganie pomaga w jak najlepszy sposób osiągnąć cele pedagogiczne.

Comenius postawił doświadczenie zmysłowe jako podstawę wiedzy i uczenia się oraz teoretycznie uzasadniony, ujawnił szczegółowo zasadę wizualizacji. Widoczność była używana przed nim. Mówili o tym nauczyciele – humaniści, na przykład Thomas More, określając edukację na wyspie jako „utopię”. Książki, zarówno pisane odręcznie, jak i drukowane, były już wcześniej często opatrzone rysunkami, ale było to niejako empiryczne zastosowanie wizualizacji bez jej teoretycznego uzasadnienia, które po raz pierwszy podał Komeński.

Widzialność pojmował szeroko, nie tylko jako percepcję wzrokową, ale także jako przyciąganie wszystkich zmysłów do lepszego i wyraźniejszego postrzegania rzeczy i zjawisk. Comenius domagał się, aby nauczanie zaczynało się nie od słownej interpretacji rzeczy, ale od konkretnych ich obserwacji.

Należy obserwować, co jest możliwe w przyrodzie; a jeśli nie można bezpośrednio obserwować rzeczy, należy je zastąpić obrazami, modelami, rysunkami.

Wielka jest zasługa Komeńskiego w rozwinięciu wizualizacji jako jednej z najważniejszych zasad dydaktyki: znakomicie uzasadnił, uogólnił, pogłębił i poszerzył pewne dostępne już wtedy praktyczne doświadczenia nauczania wizualnego, zastosował szeroko wizualizację w praktyce, dostarczając podręczniki z rysunkami.

Comenius kładł nacisk na systematyczne nauczanie. Zwrócił uwagę na potrzebę doprowadzenia uczniów do zrozumienia związku między zjawiskami i uporządkowania materiału edukacyjnego w taki sposób, aby nie sprawiał wrażenia chaosu, ale streszczał się w kilku podstawowych postanowieniach. Uważał, że w nauczaniu należy przejść od faktów do wniosków, od przykładów do reguł systematyzujących i uogólniających te fakty i przykłady; przejść od konkretu do abstrakcji, od łatwego do trudnego, od ogólnego do szczegółowego; najpierw daj ogólne pojęcie o temacie lub zjawisku, a następnie przystąp do badania jego poszczególnych aspektów.

Ogromne znaczenie, zdaniem Komeńskiego, ma kolejność treningu. Wszystko, co jest oferowane studentom do asymilacji, musi być zorganizowane w taki sposób, aby studiowanie nowego materiału było przygotowane na poprzednich lekcjach. Biorąc pod uwagę cechy wiekowe dzieci, Comenius radzi najpierw rozwijać wrażenia (uczucia) uczniów, potem pamięć, potem myślenie, a na końcu mowę i rękę, gdyż uczeń musi umieć poprawnie wyrazić to, czego się nauczył i zastosować to w praktyce.

Cennych wskazówek dostarczył Comenius, wysuwając dydaktyczny wymóg, aby uczenie się było wykonalne dla uczniów. Dzieciom należy dawać do nauki tylko to, co jest dostępne dla ich wieku. Wykonalność, dostępność w nauce osiąga się dzięki jasności nauczania, komunikacji głównej bez zbędnych szczegółów.

Stawiając dydaktyczny wymóg stabilności przyswajania materiału edukacyjnego przez uczniów, Komeński stwierdził, że trzeba położyć „solidny fundament”, nie spieszyć się z nauką, aby uczniowie w pełni opanowali to, czego nauczał: wszystko, co połączenie powinno być nauczane „w połączeniu”. Każdy temat powinien być streszczony w krótkich, precyzyjnych zasadach.

Duże znaczenie dla trwałej asymilacji mają ćwiczenia i powtarzanie poznanego przez uczniów materiału. Po przekazaniu uczniom nowego materiału edukacyjnego nauczyciel żąda, aby wezwany przez niego uczeń powiedział, powtórzył to, co mu powiedziano; zaprasza innego ucznia do zrobienia tego samego. Dzięki temu ćwiczeniu i powtórzeniu nauczyciel wyraźnie widzi to, co z jego wykładu pozostało niezrozumiałe dla uczniów. Powtarzane kilka razy mocno zapadają w pamięć. Ważną rolę w tym powtarzaniu na głos odgrywa rozwijanie umiejętności wyrażania tego, czego się nauczyliśmy, a samo przyswajanie staje się wyraźniejsze i trwalsze. W tym celu Comenius zaleca, aby uczniowie, dowiedziawszy się czegoś, starali się uczyć tego innych.

„Tego, co ma być zrobione, trzeba się nauczyć przez działanie” – mówi Komeński, podając zasady, według których należy organizować ćwiczenia. „Niech szkoły uczą się pisać, ćwicząc pisanie, mówić, ćwicząc mówienie, śpiewać, ćwicząc śpiew, rozumować, ćwicząc rozumowanie, itd., aby szkoły były tylko warsztatami, w których praca idzie pełną parą”.

Dla prawidłowego nauczania umiejętności konieczne jest podanie przez uczniów określonej formy i normy tego, co należy zrobić; posługiwania się narzędziami (np. podczas rysowania itp.), aby pokazać w praktyce, a nie tylko opowiadać, jak używać narzędzi. Ćwiczenia muszą zaczynać się od elementów, a nie od wykonania całych utworów; dotyczy to czytania (najpierw litery i sylaby, potem słowa, w końcu frazy), rysowania (wykonywanie ćwiczeń z rysowania poszczególnych kształtów) i pracy plastycznej (najpierw zapoznanie się z rodzajami szwów, a potem wykonanie zabawki), oraz do pisania i gramatyki oraz innych umiejętności.

Pokazując uczniom wzór do naśladowania, nauczyciel musi najpierw wymagać ścisłego, dokładnego naśladowania formy, później wykonanie może być bardziej swobodne. Wszelkie odstępstwa od próbek dokonane przez uczniów powinny być niezwłocznie korygowane przez prowadzącego, który swoje uwagi poparł odniesieniem do zasad. Podczas nauczania konieczne jest łączenie syntezy z analizą.

Być może Komeński dążył do silniejszego rozwijania zdolności poznawczych uczniów, „rozpalania pragnienia wiedzy i żarliwego zapału do nauki”, dla czego, jak podkreślał, trzeba łączyć interesy z przyjemnością, aby rozbudzać dziecięcą ciekawość.

„U moich uczniów zawsze rozwijam autonomię w obserwacji, mowie, praktyce i zastosowaniu” – napisał.