W przeciwieństwie do wczesnośredniowiecznej epopei heroicznej, w której opiewano bohaterstwo ludzi walczących w interesie swojego klanu i plemienia, czasem wbrew jego honorowi, w okresie rozkwitu średniowiecza opiewano bohatera walczącego o integralność i niepodległości swojego państwa. Jego przeciwnikami są zarówno zagraniczni zdobywcy, jak i szalejący panowie feudalni, którzy swoim wąskim egoizmem wyrządzają wielkie szkody sprawie narodowej. W tej epopei jest mniej fantazji, prawie nie ma elementów mitologicznych, które zastępują elementy religijności chrześcijańskiej. W formie ma charakter wielkich poematów epickich lub cykle małych piosenek, które łączy osobowość bohatera lub ważne wydarzenie historyczne.
Najważniejsze w tej epopei jest jego narodowość, z czego nie od razu się zdaje sobie sprawę, gdyż w specyficznej sytuacji rozkwitu średniowiecza bohater epickiego dzieła pojawia się często w przebraniu ogarniętego religijnym entuzjazmem wojownika-rycerza lub bliskiego krewnego lub pomocnika królem, a nie człowiekiem z ludu. Przedstawianie królów, ich pomocników, rycerzy, ludzi jako bohaterów eposu wg Hegla zrobił to „nie z preferencji osób szlachetnych, ale z chęci nadania obrazu całkowitej wolności w pragnieniach i działaniach, co okazuje się realizowane w idei królestwa”. Również entuzjazm religijny, często tkwiący w bohaterze, nie był sprzeczny z jego narodowością, ponieważ ludzie w tym czasie przypisywali charakter ruchu religijnego swojej walce z panami feudalnymi. Narodowość bohaterów eposu w okresie rozkwitu średniowiecza – w bezinteresownej walce o sprawę całego ludu, w swym niezwykłym patriotycznym zapale w obronie ojczyzny, z imieniem której nieraz na ustach ginęli, walcząc z obcymi niewolnikami i zdradzieckich działań anarchistycznych panów feudalnych.
Najlepsze zabytki heroicznej epopei XII-XIV wieku. - „Pieśń o Rolandzie” – próbka francuskiej epopei, „Pieśń mojej strony” – hiszpańska, „Pieśń o Nibelungach” – niemiecka, cykle pieśni o Marko Kraleviczu i bitwie o Kosowo – południowosłowiańskie.
„Pieśń o Rolandzie”, która ukazała się około 1100 roku, jest pod wieloma względami typowa dla całej epopei rozkwitu średniowiecza. Odzwierciedlało to jednocześnie specyfikę rozwoju ówczesnej Francji, gdzie dążenia brutalnych, samolubnych panów feudalnych do zapobieżenia centralizacji kraju były niezwykle namacalne i szkodliwe. W tych warunkach na pierwszy rzut oka mogło dojść do zjawiska niezwykłego: niedostrzegalne zdarzenie, które stało się podstawą „Pieśni” – nieudanej wyprawy Karola Wielkiego za Pireneje w 778 r. Ludowa fantazja przerodziła się w coś majestatycznego – w zderzenie dwóch zasad: największego heroizmu, manifestowanego na chwałę „słodkiej Francji”, z największym feudalnym egoizmem, który doprowadził do zdrady w stosunku do samej Francji. Centralnym epizodem „Pieśni” była bitwa w wąwozie Ronceval między tylną strażą armii Karola a Saracenami (w rzeczywistości Baskami). Główną patriotyczną postacią jest Roland, dowódca straży tylnej, pasierb wielkiego pana feudalnego Ganelona i siostrzeniec Karola Wielkiego (historia nie zna jednak siostrzeńca Karola o takim imieniu). Głównym antypodem Rolanda jest zdrajca feudalny pan Ganelon, którego zdrada doprowadziła do ogromnej katastrofy – śmierci całej straży tylnej dowodzonej przez Rolanda. Dopasuj Rolanda i innych patriotycznych bohaterów: jego przyjaciela Oliviera, biskupa Turpina, zwykłych żołnierzy. Nosicielem feudalnego egoizmu jest natomiast Ganelon, który z osobistej zemsty na Rolandzie niszczy wraz z nim kolejne dwadzieścia tysięcy rodaków-wojowników. Okrutna egzekucja, która spotkała Ganelona, jest postrzegana w piosence jako kara, na którą zasłużył.
Oprócz metody kontrastowania postaci pozytywnych i negatywnych, autor ucieka się do hiperbolizacji, przedstawiając Karla (200-letniego mądrego starca z powiewającą siwą brodą, posiadającego niezwykłą siłę itp.). Uderza artystyczny obiektywizm w przedstawieniu Ganelona, któremu w osobistej odwadze nie odmawia dobroci swojego wyglądu. Jednocześnie wyraża się żal, że te dobre cechy trafiły do niegodnego zdrajcy. Daje się do zrozumienia, że wady Ganelona to nie tyle jego cecha osobista, ile cechy nieodłącznie związane z jego majątkiem. Z cech artystycznych piosenki należy zwrócić uwagę na jej kompozycyjną harmonię i spójność, obecność technik charakterystycznych dla poezji ludowej: hiperbolizację, powtórzenia, stabilne epitety. Narodowość „Pieśni o Rolandzie”, wyraz w niej nastrojów postępowych kręgów Francji w XII wieku. sprawiły, że stał się popularny w następnych stuleciach.
„Pieśń o mojej stronie”, która przedstawiała walkę wyzwoleńczą narodu hiszpańskiego przeciwko tym, którzy zniewolili ich na początku VIII wieku. Arabscy zdobywcy (Maurowie), podobnie jak Pieśń o Rolandzie, przesiąknięty jest wielkim patriotycznym patosem. A jednocześnie nie sposób nie zauważyć jej oryginalności, odzwierciedlenia w niej demokratycznego charakteru hiszpańskiej rekonkwisty (odzyskania kraju z rąk obcych najeźdźców), której główną siłą był lud, podczas gdy królowie często występował w niskiej roli wspólników Maurów, prześladowców tych, którzy walczyli o wolność. . Stąd wyraźna demokratyzacja wizerunku wojownika przeciwko Maurom Cydów w porównaniu z jego historycznym pierwowzorem Rodrigo (Roy) Diaz de Bivar (1044-1099), szlachcic o przezwisku Cyd. Tu też leżą źródła konfliktu bohatera z królem i wielką szlachtą w osobie hrabiego Garcii i infantów z Carion, z którymi nie przyjaźni się, mimo że infantowie zostają jego zięciami na jakiś czas. czas. Sid zachowuje się jak typowy bohater ludowy i prowadzi walkę o wolność, ma odwagę, dumę, poczucie własnej wartości, zaradność i humor charakterystyczny dla ludu.
Demokracja, tkwiąca w ideowej orientacji wiersza, w dużej mierze tłumaczy oryginalność jej maniery artystycznej, którą cechuje nie tyle patos i hiperbolizacja, ile ciepło w opisie bohatera (stały epitet „mój” – „mój Sid”). , chęć pokazania go od rodzinnego, codziennego oblicza, podkreślenia jego humoru, co daje się odczuć w finale „Piosenki” – wspaniałego pomnika hiszpańskiej epopei heroicznej.
„Pieśń o Nibelungach” (XIII wiek), stworzona w południowo-wschodnich Niemczech na podstawie ustnych legend o epoce wielkiej migracji ludów, zajmuje szczególne miejsce wśród zabytków heroicznej epopei rozkwitu średniowiecza . Najważniejsze w „Pieśni” jest to, że oddaje prawdziwy obraz tragicznego i ponurego życia świata feudalnego, krwawego świata panów feudalnych z ich niekończącymi się walkami generowanymi przez rywalizację militarną, starcia na zasadzie wypełniania wasalnego obowiązku , ze względu na bogactwo materialne („skarby”, „skarby”) itp. Powyższe odpowiadało prawdziwemu życiu XIII wieku. w Niemczech, gdzie panowało rozdrobnienie feudalne i anarchia. Choć od 962 r. kraj ten był głośno nazywany Świętym Cesarstwem Rzymskim Narodu Niemieckiego, to władza cesarska w nim była niemal niedostrzegalna.
Te historyczne cechy rozwoju Niemiec odcisnęły piętno na niemieckiej epopei heroicznej: „Pieśń o Nibelungach”, w przeciwieństwie do „Pieśni o Rolandzie”, nie charakteryzuje się patriotycznym patosem.
Niemniej Nibelungowie, podobnie jak inne pomniki heroicznej epopei rozkwitu średniowiecza, są ludowe. Jej narodowość w fakcie, że krwawe czyny panów feudalnych są w nim ukazane z pozycji ludu, nie w kategoriach jego aprobaty i upoetyzowania, ale w kategoriach jego bezwarunkowego potępienia, gdyż sprowadzili śmierć na wielkie rzesze niewinnych ludzi. Popularny jest wizerunek najbardziej uderzającego pozytywnego bohatera pierwszej części, Zygfryda, obdarzonego rysami baśniowego bohatera, dzielnego księcia z Dolnego Renu, pogromcy smoków i dwunastu olbrzymów, właściciela skarbu Nibelungów. Przyjaźni się z królami burgundzkimi, którym pomaga pokonać wojowniczych Sasów, bardzo kocha ich siostrę – swoją narzeczoną, a potem żonę – piękną Krimhildę. Autor przeciwstawia Zygfrydowi najemników, podstępnych panów feudalnych, takich jak wasal burgundzkiego króla Gunthera Hagena, który jest zdolny do popełnienia ohydnej zbrodni – perfidnego zabójstwa Zygfryda.
Narodowość drugiej części „Nibelungów” polega na ciągłym potępieniu krwawej walki feudalnej, która jest tu jedynym tematem obrazu. Jego główny nosiciel zostaje zahartowany, moralnie zrujnowany przez feudalny świat, zamieniony w złą furię Kriemhilda, która ostatecznie popełnia straszliwe okrucieństwa w imię zemsty za odebrany jej skarb Nibelungów, który doprowadził do śmierci wszystkich Burgundów z ich oddział. I to nie przypadek, że stary bohater Hildbrant kładzie kres krwawym niekończącym się czynom Kriemhildy, która uosabia niezwyciężoność ludu i jego prawdę.
Rycerski (dworski) literatura XII-XIII wieku zajmuje również ważne miejsce w procesie literackim swoich czasów. Pod względem głębi ideowej ustępuje eposowi heroicznemu, ponieważ wyraża nastroje i ideały tylko klasy rządzącej społeczeństwa feudalnego, a nie ogółu ludzi, chociaż w jej najlepszych dziełach wyraźnie przezwyciężono ograniczenia klasowe.
Pojawienie się literatury rycerskiej, czyli dworskiej (od francuskiego słowa „podwórko” oznaczającego dwór króla lub wielkiego pana feudalnego) wiązało się z dwiema okolicznościami. Po pierwsze, wzrosła kultura rycerska, zwłaszcza za sprawą ich odległych, poszerzających horyzonty wypraw wschodnich. Po drugie, w warunkach narastającego oporu ludu panowie feudalni potrzebowali stworzenia specyficznie feudalnej, „odnowionej”, świeckiej, a nie kościelnej ideologii, w której do odegrania znaczącej roli powołano literaturę. Stąd powstanie ideału prawdziwego rycerza, który obejmuje nie tylko cechy wojownika, ale także cnoty o charakterze estetycznym: znajomość sztuk, w tym poezji, umiejętność pięknego opiekowania się kobietą ze swojego otoczenia, co zaowocowało swoistym „kultem damy”.
Główne gatunki literatury rycerskiej - tekst piosenki I powieść. W rozwoju liryki dużą rolę odegrali poeci – rycerze Prowansji – południowej Francji, którzy zdobyli ogólnoeuropejskie uznanie. To prowansalscy poeci otrzymali to imię trubadurzy, rozwinęły się małe formy gatunkowe tekstów rycerskich: Sirventa (wiersz na temat społeczno-polityczny), napięcie (wiersz-argument), kanzon (lub canson) - piosenka miłosna na cześć kobiety, której odmiany można rozważyć alba (piosenka poranna) serenada (piosenka wieczorna) pastorela (wiersz o spotkaniu rycerza z pasterką). Następnie te formy gatunkowe były również używane przez poetów-rycerzy z północnej Francji - trouvers, Niemcy - minnesingerzy. Najbardziej znani z trubadurów to Bertrand de Born, Bernard de Ventadorn, Jaufre Rudel; Rambout III, hrabia Orange; Gieraut de Borneil, Markabrune; z trouveurów - Thibaut, hrabia Szampanii; Konon de Bethune, Maria Francuska, Chretien de Troyes; od minnesingerów - Kurenbergera, Waltera von der Vogelweide, Wolframa von Eschenbacha.
Tematem lirycznych wierszy poetów jest wojna, miłość i sztuka. Teksty rycerskie odegrały bardzo pozytywną rolę w historii poezji zachodnioeuropejskiej.
Romans I opowieść rycerska, podobnie jak teksty poetów-rycerzy, szeroko rozwijają wątki militarnych wyczynów i miłości. Cechą charakterystyczną poetyki powieści rycerskiej jest połączenie elementów fantastycznych z realistycznymi. Ponadto fantazję w nim komplikuje awanturnictwo – ukazujące liczne przygody rycerzy.
W zależności od źródła fabuły powieści rycerskie łączą się w cykle, z których główne to: antyczny, związany z tradycją księgarską; bretoński, Lub arturiańska, mający podstawę folklorystyczną w celtyckich opowieściach ludowych, a później Orientalny, lub bizantyjski, związany ze wschodnimi kampaniami rycerskimi. Przykładem powieści z cyklu antycznego są powieści o Aleksandrze Wielkim („Aleksandria”), w których słynnemu starożytnemu dowódcy nadano cechy średniowiecznego idealnego rycerza. Powieści są szeroko rozpowszechniane. bretoński, Lub arturiańska, cykl, którego drugie imię – arturiańskie – pochodzi od imienia na wpół legendarnego króla Brytów Artura (V-VI w.), który z powodzeniem walczył z anglosaskimi najeźdźcami. W powieściach pojawia się również w przebraniu idealnego rycerza. Oprócz króla Artura, wybitną rolę w powieściach z cyklu bretońskiego odgrywa rycerz Lancelot, potajemnie zakochany w Ginevrze, żonie Artura; wróżka Morgana, magik Merlin itp. Rycerze przebywający na dworze Artura charakteryzują się wykwintnymi dworskimi manierami i zwyczajami. Obrazowo ilustrują to dzieła francuskiego eposu dworskiego, twórcy powieści z cyklu arturiańskiego. Chrétien de Troyes (druga połowa XII wieku) „Lancelot, czyli rycerz na wozie”, „Nawet, czyli rycerz lwa”, „Percewal, czyli opowieść o Graalu”. Był właścicielem powieści o Tristanie, która nie dotarła do nas. Jednak pod tytułem „Romans Tristana i Izoldy” pojawiła się w innych wersjach, wierszem i prozą, i jest ogólnie najlepszą z powieści rycerskich. Wykraczając poza ramy wąskoklasowej ideologii rycerskiej, wykorzystanie źródła ludowego – legend celtyckich – przesądziło o uniwersalnym charakterze jej treści. Stylizowaną opowieść o fabule tej powieści, dokonaną na podstawie jej rewizji, które do nas dotarły, podał francuski naukowiec J. Bedier (1864-1938). Bohater powieści, młody mężczyzna, wówczas dojrzały mąż, Tristan, przeżywa niezwykłą miłość do irlandzkiej księżniczki, jasnowłosej (lub złotowłosej) Izoldy, z niezwykłą siłą namiętności i stałości, podczas gdy on, wykazując się niezwykłą odwagą , dokonuje wyczynów w imię dobra ludzi (zniszczenie Morolda, który ściągał od ludzi daninę). Miłość Tristana nie przemija nawet wtedy, gdy Izolda zostaje żoną króla Marka, jego wuja i zwierzchnika, a sam Tristan w rozpaczy poślubia inną Izoldę, białoręką, pozostając w istocie wierną Izoldzie o złotych włosach. Powieść zakończona tragiczną śmiercią obojga kochanków brzmi jednak jak hymn na cześć szczerego, naturalnego, wszechogarniającego uczucia miłości.
W przyszłości, wraz z upadkiem samego rycerskości, pozbawiona odżywczej podstawy romans rycerski staje się coraz bardziej imitacyjny, epigoniczny. Napisano o nim parodie, z których najbardziej uderzająca jest powieść genialnego Cervantesa „Don Kichot”, będąca jednocześnie wspaniałym realistycznym dziełem renesansu.
Urzędniczy Literatura (kościelno-religijna) dojrzałego i późnego średniowiecza rozwijała się w tym samym kierunku, co w okresie poprzednim. Nowością w nim był wygląd dramat liturgiczny, związane z kultem i zbudowane na materiale biblijnym (cuda, tajemnice, moralność). Dramat ten jednak stopniowo traci swój specyficznie klerykalny charakter – ulega „zeświecczeniu”, łącząc się z przykładami wczesnego dramatu miejskiego. „Dramat opuścił kruchtę kościoła i przyszedł na rynek miejski” (A.S. Puszkin).
Literatura miast jako jeden z nurtów literackich XII-XIV wieku. wyraźnie sprzeciwia się literaturze rycerskiej. Jego orientacja jest wyraźnie antyfeudalna, a bohater pozytywny jest człowiekiem prostym, ale obdarzonym bystrym umysłem i zaradnością, przebiegłością, która daje mu możliwość zwycięskiego wyjścia z trudnych sytuacji. Główne gatunki tej literatury: krótka opowieść satyryczna (francuskie fablio, niemieckie schwank, włoskie opowiadanie), alegoryczna epopeja o zwierzętach, różne gatunki dramatyczne małych form, z których najbardziej popularne są farsy wraz z zawartością ich gospodarstwa domowego.
Uważa się, że najbardziej typowy przykład fablio był szeroko rozpowszechniony we Francji w XIII wieku. dzieło nieznanego autora „Chłopski lekarz”, które później posłużyło jako materiał do komedii Moliera „Doktor mimowolnie”. Bystry wieśniak, zmuszony do leczenia zakrztuszonej się kością królewskiej córki, wykazuje taką zaradność, że nie będąc lekarzem, naprawdę uwalnia dziewczynę od choroby i otrzymuje chwałę utalentowanego uzdrowiciela. Popularny był także Fablio Rütbef (1230-1285) „Testament osła”, skierowany przeciwko wyższemu duchowieństwu. Chciwy biskup, który miał ukarać podległego mu księdza za zakopanie osła na chrześcijańskim cmentarzu, porzuca zamiar, gdy ksiądz wręcza mu 20 liwrów „zapisanych” przez osła. Podobny charakter mają niemieckie schwanki, umieszczone w księdze miejskiego poety Strickera (zm. 1250). „Amis pop”. Pojawia się w nim zwykły ksiądz Amis, obdarzony niezwykłą inteligencją i zaradnością w starciach z książętami kościoła, prawdopodobnie wywodzący się z chłopów lub mieszczan. Uciekając się do pomysłowości i bystrości, „wypełnia” nawet tak trudny obowiązek powierzony mu przez biskupa, jakim jest nauczenie osła czytania i pisania.
Najlepszym przykładem tzw. „eposu zwierzęcego” – powstałego we Francji, ale potem rozprzestrzenionego w całej Europie, „Romansu o lisie”. To ogromne dzieło, składające się z 26 odcinków, w których cały feudalny świat przedstawiony jest w formie królestwa zwierząt. Jednocześnie sprytny, przebiegły Lis (Renard) jest personifikacją mieszkańca miasta; niegrzeczny, głupi, zły wilk (Izengrin) o sile fizycznej - przeciętny rycerz; niezdarny niedźwiedź (Bren) - wielki pan feudalny; lew (Szlachetny) działa bezpośrednio jako król zwierząt; osioł (Baudouin) - nadworny kaznodzieja; kogut (Chantecleer) – szef kaplicy dworskiej lub dobosz armii królewskiej. Ptaki, zające, ślimaki reprezentują zwykłych ludzi, którzy nieustannie muszą mieć się na baczności, aby nie paść ofiarą możnych tego świata.
Na uwagę zasługuje zmieniający się stosunek autorów „Powieści o lisie” do centralnego wizerunku samego Lisa. Sympatie autorów są po jego stronie, gdy walczy ze zwierzętami zajmującymi eksponowaną pozycję w świecie zwierząt. Jak prości zaradni ludzie z fablio i schwank, w tych przypadkach zręcznie mu to uchodzi na sucho, stawiając innych w głupiej sytuacji. Kiedy jednak Lis zaczyna obrażać słabych – kurczaki, kury, zające, koty – traci sympatię autora i często sam wpada w tarapaty, stając się w przyszłości uosobieniem wyższej części mieszczan, w przyszłości drapieżnej burżuazji.
Spośród dramatycznych gatunków literatury miejskiej dużym zainteresowaniem cieszą się m.in farsy. Z reguły przedstawiają nieuczciwego przebiegłego człowieka z wyższych warstw miasta, którego zwykle omija jeszcze bardziej zręczna osoba z bardzo prostego ludu, jak pokazano w bardzo popularnym XV wieku we Francji. farsa „Prawnik Patlen”. Zwycięzcą sprytnego prawnika, który oszukał bogatego sukiennika, jest pasterz Thibault, który przechytrzył tego oszusta, „którego zwiódłby Sąd Ostateczny”.
Spośród dzieł literatury antyfeudalnej, wykraczającej poza ramy satyry społecznej, wyróżniają się zwłaszcza te związane z wiekami XIII-XIV. Niemiecko-austriacki wiersz Wernera Sadovnika „Peasant Helmbrecht” (1250), angielski poemat alegoryczny Williama Langlanda (1330-1400) „Vision of Peter Ploughman”, angielski folk ballady Robin Hooda (XIV wiek). Ścisły związek literatury miejskiej z prawdziwym życiem tamtych czasów odegrał znaczącą rolę w późniejszym rozwoju kultury europejskiej na ścieżce realizmu, przygotowując przejście do literatury renesansowej.
Wyślij swoją dobrą pracę w bazie wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza
Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Wam bardzo wdzięczni.
Podobne dokumenty
Analiza tekstu i jej poziomy. Opracowanie lekcji języka rosyjskiego z elementami analizy leksykalnej i stylistycznej na podstawie opowiadania „Żółta strzała” W. Pielewina. Metody kształtowania ekspresji mowy u uczniów szkół ponadgimnazjalnych. Problem tekstu we współczesnej nauce.
praca semestralna, dodano 21.05.2013
Charakterystyka działalności administracyjnej, kierowniczej i metodycznej placówki oświatowej. Opracowanie planu-streszczenia wykładu na temat „Rozwój małej grupy” oraz seminarium. Analiza psychologiczno-pedagogiczna klas i grup.
raport z praktyki, dodano 22.03.2011
Wzbogacenie słownictwa uczniów to cel lekcji języka angielskiego na temat „Potrzebuję biurka”. Sprawdzenie asymilacji pisowni w obrębie badanego materiału. Praca nad nowym materiałem, metody jego utrwalania. Sprawdzanie rozumienia mowy angielskiej przez uczniów.
podsumowanie lekcji, dodano 23.11.2015
Podsumowanie planu lekcji na temat „Sposoby pisania algorytmów”. Pojęcie algorytmu jako jedno z głównych w programowaniu i informatyce. Wykład szkolny, rozmowa, praca z podręcznikiem i książką jako metody nauczania. Dokumentacja narzędzia programowo-pedagogicznego.
praca semestralna, dodano 18.05.2011
Studium problemu wychowania patriotycznego uczniów na lekcjach plastyki. Określenie metod, technik i zasad stosowanych na lekcjach twórczości artystycznej. Opracowanie podsumowania lekcji na temat: „Strój narodowy Baszkirów”.
praca semestralna, dodano 28.10.2011
Dialektyzm jest istotną jednostką języka w powieści M.A. Szołochow „Odwrócona dziewicza gleba”. Odzwierciedlenie żywej dialektyki w dziele. Ogólna koncepcja słownictwa dialektycznego. Czasowniki charakteryzujące kolektywizację w powieści. Mądrość ludowa na kartach powieści.
praca semestralna, dodano 01.05.2009
Pojęcie obrazu artystycznego, jego ogólna charakterystyka i funkcje, budowa i elementy. Dikteme jako jednostka tekstu i sposób ucieleśnienia obrazowości w tekście literackim i artystycznym. Struktura językowa obrazu przyrody i jego funkcja w utworze.
praca dyplomowa, dodano 21.01.2017
Historia stworzenia: Dzieło powstało w 1912 roku. (1913) XX wiek. - epoka modernizmu. W tym okresie Wielka Brytania straciła pozycję najpotężniejszego mocarstwa na świecie. Społeczeństwo stało się jednak bardziej sprawiedliwe i pomimo dwóch wojen światowych i Wielkiego Kryzysu przeciętny poziom życia dramatycznie wzrósł. Była I wojna światowa, która pozbawiła Anglię prawie miliona mieszkańców i pozostawiła ogromne długi. Kryzys gospodarczy pogorszył sytuację Anglii. W XX wieku. Sytuacja społeczna, gospodarcza i polityczna kraju uległa pogorszeniu.
Rodzaj: Dramat
Gatunek muzyczny: Komedia
Cechy gatunku: komedia edukacyjna, komedia romantyczna, komedia społeczna, komedia mitologiczna („neomitologizm”)
Źródła historii: Literackie (mit o Pigmaleonie; „Przygody wędrownego ogórka” T. Smoletta), Autobiograficzne (stosunek autora do idei politycznych i nierówności społecznych). Domowe (lokalizacja Londynu w XX wieku)
Główny temat: temat nierówności społecznych
Temat: temat miłości, temat przyjaźni, problemy klasycznej angielszczyzny, temat podłości
Działka:
Ekspozycja (Deszczowy dzień. Pani z córką siedzą pod baldachimem. Freddy, jej syn, szuka taksówki. Nic nie znajdując, wraca i spotyka kwiaciarkę, która upuszcza kwiaty i krzyczy na niego. Mężczyzna z zeszyt coś pisze, dziewczyna-kwiatek coś myśli, pisze na nią donos i płacze).
Krawat (Spotkanie profesora Higginsa i pułkownika Pickeringa. Dziewczyna-kwiatka prześladuje ich, prosząc o kupienie od niej kwiatów. Przybycie kwiaciarki Elizy Doolittle do domu profesora, jej prośba o poprawę wymowy)
Rozwój akcji (zakład profesora Higginsa i pułkownika Pickeringa. Wizyty ojca Elizy Doolittle)
Climax (Odwrócenie życia Elizy Doolittle. Eliza zostaje damą z towarzystwa. Uczestnictwo w imprezach towarzyskich. Kłótnia Elizy z profesorem. Ucieczka Elizy. Smutek Higginsa i Pickeringa).
Rozwiązanie (zmiana w życiu i ojcu Elizy Doolittle. Ślub Elizy z Freddiem. Pojednanie dziewczyny z Higginsem i Pickeringiem.)
Analiza struktury kompozycyjnej:
A) Konflikt:
· Podstawowy(między bohaterami „obecnego” wieku i „przeszłego” wieku)
· Strona(między Elizą Doolittle i Henrym Higginsem; między panią Higgins i Henrym Higginsem; między Alfredem Doolittle i Elizą Doolittle; między Elizą Doolittle i Freddiem)
B) System obrazu: Kontrastujący bohaterowie: Bohaterowie „obecnych” i „przeszłych” stuleci.
C) Obrazy:
Elizy Doolittle: Flower Girl, córka Alfreda Doolittle. Atrakcyjny, ale nie mający świeckiego wychowania (a raczej wychowania ulicznego), około osiemnastu - dwudziestu lat. Ma na sobie czarny słomkowy kapelusz, mocno zniszczony przez londyński kurz i sadzę, z trudem posługujący się pędzlem. Jej włosy mają mysi kolor, którego nie ma w naturze. Czerwono-czarny płaszcz, wąski w talii, sięgający ledwie do kolan; pod spodem widoczna brązowa spódnica i płócienny fartuch. Wygląda na to, że buty też miały lepsze czasy. Bez wątpienia na swój sposób jest czysta, ale przy paniach zdecydowanie wygląda jak bałagan. Jej rysy nie są złe, ale stan jej skóry pozostawia wiele do życzenia; ponadto zauważalne jest, że potrzebuje usług dentysty. Wizerunek Elizy Doolittle został stworzony dla aktorki Patricka Campbella i ukończony podczas próby w londyńskim His Majesty's Theatre (1914).
Bohaterka dosłownie „wpada” do spektaklu: wulgarna, brudna, z dziką, nieartykułowaną mową, czasem nie pozbawiona oryginalności (np. ”). Henry Higgins postanawia – zakładając się z pułkownikiem Pickeringiem – że zrobi z niej „prawdziwą damę”. Podczas eksperymentu Eliza Doolittle przechodzi serię przemian.
Pierwszy to moment, gdy zostaje „wyprana do takiego piękna”, że jej własny ojciec nie jest w stanie rozpoznać. Po drugie, czarująca, z wyrafinowaną mową i manierami wygrywa zakład Hittinsa. I trzecia – kiedy odkrywa swoje nowe, jeszcze nie zadomowione, kruche, ale żywe „ja”. Znajdując odpowiednią mowę, ona, podobnie jak bohaterki jej ukochanego Ibsen Show, przede wszystkim odnajduje siebie - nie tylko „dobre maniery”, ale inny sposób „bycia”. I co bardzo ważne, „być” samodzielnie, niezależnie od woli swojego nauczyciela – rzeźbiarza Higtinsa. Oto bohaterka typowego szowinowskiego paradoksu. Ona, jako bohaterka starożytnej opowieści o Pigmalionie i Galatei, powinna była zakochać się w Hittinsie i starać się o jego małżeństwo. Ale Shaw nie mógł stworzyć takiej bohaterki. Jego Eliza Doolittle jest oczywiście przywiązana do Higginsa, ale natura tego uczucia nie jest dla niej do końca oczywista, w każdym razie konotacja erotyczna nie dominuje. Dla bohaterki znacznie ważniejsza i ciekawsza jest jej własna osoba. Dramat Elizy Doolittle. w tym, że w pewnym sensie nie jest „wcześniej wcielona” przez swojego „twórcę”, który obudził w niej naturalny talent - nie tylko muzykalność, umiejętności aktorskie, wspaniałe ucho, ale także bystrą, potężną osobowość. To Higgins obudził, a nie wskrzesił, swoją Galateę, a wynika to z faktu, że Eliza Doolittle. - córka jej ojca, genialnego mówcy i filozofa, dżentelmena padlinożercy Alfreda Doolittle.
Oczywiście Eliza Doolittle nie może już wrócić do swojego dawnego siebie. A on nie chce. Jej zakłopotanie jest zrozumiałe: już chce żyć samodzielnie, ale jeszcze nie wie jak. Namiętna, subtelna natura, w przeciwieństwie do Higginsa, otwarta na innych ludzi, potrafiąca odróżnić i docenić ich duchowe właściwości, Eliza Doolittle po ludzku wygrywa „spór” ze swoim Pigmalionem. Bohaterka spektaklu jest wezwana do przełamania stereotypu podporządkowania się tradycyjnemu obrazowi „dobrze zagranej sztuki”: zamiast marzyć o kwiecie pomarańczy i marszu Mendelssohna, snuje plany na samodzielne życie.
Henryka Higginsa: profesor fonetyki. Mężczyzna około pięćdziesiątki, z siwymi włosami i smardzami na twarzy, niskiego wzrostu. Higgins był z czegoś ciągle niezadowolony, zły i wydawał się na pierwszy rzut oka źle wychowany. Początkowo traktował Elizę gorzej niż służącą. Ale zawsze był pułkownik Pickering, który próbował uspokoić Higginsa. Profesor Higgins i jego stary przyjaciel Pickering postawili na to, że człowiek, który mówi dialektami i przeklina, opanuje doskonałą angielską wymowę dzięki trzymiesięcznemu kursowi fonetyki. Higgins przyjął wyzwanie i starał się nie zawstydzić przed swoim przyjacielem. Dla niego była to sprawa honoru, dlatego zażądał, aby Eliza była gotowa do nauki fonetyki niemal przez całą dobę. Jego niezmordowana energia osłabiła dziewczynkę-kwiatek i jednocześnie przyciągnęła. Dla profesora Higginsa Eliza była tylko studentką, ale jednocześnie pozostała kobietą, do której on oczywiście się przywiązał. Początkowo Eliza marzyła o pracy w bardziej prestiżowym sklepie, ale po przyjęciu księcia była zdezorientowana. Higgins był zainteresowany tylko zakładem i pozostawia Elizę jej losowi. Taka była natura tego starego kawalera. Bernard Shaw pozostawia finał otwarty. Wszystko może się zmienić, ale nie w jego sztuce, ale w umysłach widzów. Profesor Higgins nie żałował dziewczyny, ale włożonego w nią wysiłku. Proponuje, że poderwie dla niej męża, jeśli tylko będzie miała gdzie się komunikować w przyszłości. Nie chce widzieć miłości uczennicy do nauczyciela. Przestraszony utratą wolności Higgins nie powstrzymuje magicznej damy. Nie przychodzi mu do głowy, że ludzie z niższych warstw również mają duszę.
Przyjęcia:
10. Wnioski dotyczące pojęcia semantycznego: potępienie zdrady i podłości, gloryfikowanie miłości, przyjaźni, potępienie nierówności między ludźmi, gloryfikowanie nowego ideału damy.
„Pigmalion” to kpina z fanów „błękitnej krwi” – o swoim spektaklu mówił sam autor. Dla Shaw ważne było pokazanie, że wszystkie cechy Elizy, które ujawnia jako dama, można już znaleźć w dziewczynie-kwiatku jako naturalne zdolności lub że cechy dziewczyny-kwiata można następnie ponownie odkryć w damie.
Charakter człowieka określany jest nie bezpośrednio przez otoczenie, ale przez międzyludzkie, emocjonalnie zabarwione relacje i powiązania, przez które przechodzi on w warunkach swojego otoczenia. Człowiek jest istotą wrażliwą, receptywną, a nie biernym przedmiotem, któremu można nadać dowolny kształt, jak kawałek wosku. do centrum dramatycznej akcji.
„Pomijając lingwistykę, należy przede wszystkim zauważyć, że Pigmalion był wesołą, błyskotliwą komedią, której ostatni akt zawierał element prawdziwego dramatu: dziewczynka-kwiatek dobrze wywiązała się ze swojej roli szlachetnej damy i jest nie jest już potrzebna – wystarczy, że wróci na ulicę lub wyjdzie poślubić jednego z trzech bohaterów”. Widz rozumie, że Eliza została damą nie dlatego, że nauczono ją ubierać się i mówić jak dama, ale dlatego, że weszła w ludzkie relacje z damami i dżentelmenami pośród nich. Podczas gdy cała sztuka sugeruje w niezliczonych szczegółach, że różnica między damą a kwiaciarką polega na ich zachowaniu, w tekście jest coś zupełnie przeciwnego: „Dama różni się od kwiaciarki nie tym, jak się nosi, ale tym, jak leczy się”. Te słowa należą do Elizy. Jej zdaniem zasługa przekształcenia jej w damę należy do Pickeringa, a nie Higginsa. Higgins tylko ją wyszkolił, nauczył poprawnej mowy itp. Są to zdolności, które można łatwo nabyć bez pomocy z zewnątrz. Uprzejme przemówienie Pickeringa wywołało wewnętrzną przemianę, która odróżnia dziewczynę od kwiatów od damy. Pouczalność spektaklu polega na syntezie – czynnikiem decydującym o istocie człowieka jest jego społeczny stosunek do innych ludzi. Postawa publiczna obejmuje dwie strony: zachowanie i atrakcyjność. Eliza z dziewczynki-kwiatka staje się damą dzięki temu, że wraz z jej zachowaniem zmieniło się również traktowanie, jakie odczuwała w otaczającym ją świecie.
Interpretacja zakończenia Pigmaliona jest oczywista. Nie ma ona charakteru antropologicznego, jak poprzednie tezy, ale natury etycznej i estetycznej: pożądana jest nie przemiana mieszkańców slumsów w damy i dżentelmenów, jak przemiana Doolittle'a, ale ich przemiana w nowego typ dam i dżentelmenów, których poczucie własnej wartości opiera się na własnej pracy. Eliza w pogoni za pracą i niezależnością jest ucieleśnieniem nowego ideału damy, który w istocie nie ma nic wspólnego z dawnym ideałem damy z arystokratycznego towarzystwa. Nie została hrabiną, jak wielokrotnie powtarzał Higgins, ale kobietą, której siła i energia są podziwiane. Znamienne jest to, że nawet Higgins nie może odmówić jej atrakcyjności – rozczarowanie i wrogość szybko zamieniają się w coś przeciwnego. Wydaje się nawet, że zapomniał o pierwotnym pragnieniu innego rezultatu i pragnieniu uczynienia z Elizy hrabiny.
47. Analiza sztuki b. Shawa „Pigmaleon”
Historia stworzenia: Dzieło powstało w 1912 roku. (1913) XX wiek. - epoka modernizmu. W tym okresie Wielka Brytania straciła pozycję najpotężniejszego mocarstwa na świecie. Społeczeństwo stało się jednak bardziej sprawiedliwe i pomimo dwóch wojen światowych i Wielkiego Kryzysu przeciętny poziom życia dramatycznie wzrósł. Była I wojna światowa, która pozbawiła Anglię prawie miliona mieszkańców i pozostawiła ogromne długi. Kryzys gospodarczy pogorszył sytuację Anglii. W XX wieku. Sytuacja społeczna, gospodarcza i polityczna kraju uległa pogorszeniu.
Rodzaj: Dramat
Gatunek muzyczny: Komedia
Cechy gatunku: komedia edukacyjna, komedia romantyczna, komedia społeczna, komedia mitologiczna („neomitologizm”)
Źródła historii: Literackie (mit o Pigmaleonie; „Przygody wędrownego ogórka” T. Smoletta), Autobiograficzne (stosunek autora do idei politycznych i nierówności społecznych). Domowe (lokalizacja Londynu w XX wieku)
Główny temat: temat nierówności społecznych
Temat: temat miłości, temat przyjaźni, problemy klasycznej angielszczyzny, temat podłości
Działka:
Ekspozycja (Deszczowy dzień. Pani z córką siedzą pod baldachimem. Freddy, jej syn, szuka taksówki. Nic nie znajdując, wraca i spotyka kwiaciarkę, która upuszcza kwiaty i krzyczy na niego. Mężczyzna z zeszyt coś pisze, dziewczyna-kwiat myśli, że pisze coś przeciwko niej i płacze).
Fabuła (Spotkanie profesora Higginsa i pułkownika Pickeringa. Dziewczyna-kwiatka dręczy ich prośbą o kupienie od niej kwiatów. Przybycie kwiaciarki Elizy Doolittle do domu profesora, jej prośba o poprawę wymowy)
Rozwój akcji (zakład profesora Higginsa i pułkownika Pickeringa. Wizyty ojca Elizy Doolittle)
Kulminacja (odwrócenie życia Elizy Doolittle. Eliza zostaje damą z towarzystwa. Uczestnictwo w imprezach towarzyskich. Kłótnia Elizy z profesorem. Ucieczka Elizy. Smutek Higginsa i Pickeringa).
Rozwiązanie (Zmiana w życiu i ojcu Elizy Doolittle. Ślub Elizy z Freddiem. Pojednanie dziewczyny z Higginsem i Pickeringiem.)
Analiza struktury kompozycyjnej:
Konflikt:
Podstawowy(między bohaterami „obecnego” wieku i „przeszłego” wieku)
Strona(między Elizą Doolittle i Henrym Higginsem; między panią Higgins i Henrym Higginsem; między Alfredem Doolittle i Elizą Doolittle; między Elizą Doolittle i Freddiem)
System obrazu: Kontrastujący bohaterowie: Bohaterowie „obecnych” i „przeszłych” stuleci.
Obrazy:
Elizy Doolittle: Flower Girl, córka Alfreda Doolittle. Atrakcyjny, ale nie mający świeckiego wychowania (a raczej wychowania ulicznego), około osiemnastu - dwudziestu lat. Ma na sobie czarny słomkowy kapelusz, mocno zniszczony przez londyński kurz i sadzę, z trudem posługujący się pędzlem. Jej włosy mają mysi kolor, którego nie ma w naturze. Czerwono-czarny płaszcz, wąski w talii, sięgający ledwie do kolan; pod spodem widoczna brązowa spódnica i płócienny fartuch. Wygląda na to, że buty też miały lepsze czasy. Bez wątpienia na swój sposób jest czysta, ale przy paniach zdecydowanie wygląda jak bałagan. Jej rysy nie są złe, ale stan jej skóry pozostawia wiele do życzenia; ponadto zauważalne jest, że potrzebuje usług dentysty. Wizerunek Elizy Doolittle został stworzony dla aktorki Patricka Campbella i ukończony podczas próby w londyńskim His Majesty's Theatre (1914).
Bohaterka dosłownie „wpada” do spektaklu: wulgarna, brudna, z dziką, nieartykułowaną mową, czasem nie pozbawiona oryginalności (np. ”). Henry Higgins postanawia – zakładając się z pułkownikiem Pickeringiem – że zrobi z niej „prawdziwą damę”. Podczas eksperymentu Eliza Doolittle przechodzi serię przemian.
Pierwszy to moment, gdy zostaje „wyprana do takiego piękna”, że jej własny ojciec nie jest w stanie rozpoznać. Po drugie, czarująca, z wyrafinowaną mową i manierami wygrywa zakład Hittinsa. I trzecia – kiedy odkrywa swoje nowe, jeszcze nie zadomowione, kruche, ale żywe „ja”. Znajdując odpowiednią mowę, ona, podobnie jak bohaterki jej ukochanego Ibsen Show, przede wszystkim odnajduje siebie - nie tylko „dobre maniery”, ale inny sposób „bycia”. I co bardzo ważne, „być” samodzielnie, niezależnie od woli swojego nauczyciela – rzeźbiarza Higtinsa. Oto bohaterka typowego szowinowskiego paradoksu. Ona, jako bohaterka starożytnej opowieści o Pigmalionie i Galatei, powinna była zakochać się w Hittinsie i starać się o jego małżeństwo. Ale Shaw nie mógł stworzyć takiej bohaterki. Jego Eliza Doolittle jest oczywiście przywiązana do Higginsa, ale natura tego uczucia nie jest dla niej do końca oczywista, w każdym razie konotacja erotyczna nie dominuje. Dla bohaterki znacznie ważniejsza i ciekawsza jest jej własna osoba. Dramat Elizy Doolittle. w tym, że w pewnym sensie nie jest „wcześniej wcielona” przez swojego „twórcę”, który obudził w niej naturalny talent - nie tylko muzykalność, umiejętności aktorskie, wspaniałe ucho, ale także bystrą, potężną osobowość. To Higgins obudził, a nie wskrzesił, swoją Galateę, a wynika to z faktu, że Eliza Doolittle. - córka jej ojca, genialnego mówcy i filozofa, dżentelmena padlinożercy Alfreda Doolittle.
Oczywiście Eliza Doolittle nie może już wrócić do swojego dawnego siebie. A on nie chce. Jej zakłopotanie jest zrozumiałe: już chce żyć samodzielnie, ale jeszcze nie wie jak. Namiętna, subtelna natura, w przeciwieństwie do Higginsa, otwarta na innych ludzi, potrafiąca odróżnić i docenić ich duchowe właściwości, Eliza Doolittle po ludzku wygrywa „spór” ze swoim Pigmalionem. Bohaterka spektaklu jest wezwana do przełamania stereotypu podporządkowania się tradycyjnemu obrazowi „dobrze zrobionej sztuki”: zamiast marzyć o kwiecie pomarańczy i bagnach Mendelssohna, snuje plany na samodzielne życie.
Henryka Higginsa: Profesor fonetyki.Mężczyzna około pięćdziesiątki, z siwymi włosami i smardzami na twarzy, niskiego wzrostu.Higgins był ciągle z czegoś niezadowolony, zły i wydawał się na pierwszy rzut oka źle wychowany. Początkowo traktował Elizę gorzej niż służącą. Ale zawsze w pobliżu był pułkownik Pickering, który próbował uspokoić Higginsa. Profesor Higgins i jego stary przyjaciel Pickering zawarli zakład, którego przedmiotem była możliwość opanowania osoby mówiącej dialektami i przekleństwami ze wspaniałą angielską wymową przy pomocy trzymiesięczny kurs fonetyki. Higgins przyjął wyzwanie i starał się nie zawstydzić przed swoim przyjacielem. Dla niego była to sprawa honoru, dlatego zażądał, aby Eliza była gotowa do nauki fonetyki niemal przez całą dobę. Jego niezmordowana energia osłabiła dziewczynkę-kwiatek i jednocześnie przyciągnęła. Dla profesora Higginsa Eliza była tylko studentką, ale jednocześnie pozostała kobietą, do której on oczywiście się przywiązał. Początkowo Eliza marzyła o pracy w bardziej prestiżowym sklepie, ale po przyjęciu księcia była zdezorientowana. Higgins był zainteresowany tylko zakładem i pozostawia Elizę jej losowi. Taka była natura tego starego kawalera. Bernard Shaw pozostawia finał otwarty. Wszystko może się zmienić, ale nie w jego sztuce, ale w umysłach publiczności.Profesor Higgins żałował nie dziewczyny, ale włożonego w nią wysiłku. Proponuje, że poderwie dla niej męża, jeśli tylko będzie miała gdzie się komunikować w przyszłości. Nie chce widzieć miłości uczennicy do nauczyciela. Przestraszony utratą wolności Higgins nie powstrzymuje magicznej damy. Nie przychodzi mu do głowy, że ludzie z niższych warstw również mają duszę.
Przyjęcia:
Wniosek dotyczący koncepcji semantycznej: potępienie zdrady i podłości, gloryfikowanie miłości, przyjaźni, potępienie nierówności między ludźmi, gloryfikowanie nowego ideału damy.
„Pigmalion” to kpina z fanów „błękitnej krwi” – o swoim spektaklu mówił sam autor. Dla Shaw ważne było pokazanie, że wszystkie cechy Elizy, które ujawnia jako dama, można już znaleźć w dziewczynie-kwiatku jako naturalne zdolności lub że cechy dziewczyny-kwiata można następnie ponownie odkryć w damie.
Charakter człowieka określany jest nie bezpośrednio przez otoczenie, ale przez międzyludzkie, emocjonalnie zabarwione relacje i powiązania, przez które przechodzi on w warunkach swojego otoczenia. Człowiek jest istotą wrażliwą, receptywną, a nie biernym przedmiotem, któremu można nadać dowolny kształt, jak kawałek wosku. do centrum dramatycznej akcji.
„Pomijając lingwistykę, należy przede wszystkim zauważyć, że Pigmalion był wesołą, błyskotliwą komedią, której ostatni akt zawierał element prawdziwego dramatu: dziewczynka-kwiatek dobrze wywiązała się ze swojej roli szlachetnej damy i jest nie jest już potrzebna – wystarczy, że wróci na ulicę lub wyjdzie poślubić jednego z trzech bohaterów”. Widz rozumie, że Eliza została damą nie dlatego, że nauczono ją ubierać się i mówić jak dama, ale dlatego, że weszła w ludzkie relacje z damami i dżentelmenami pośród nich. Podczas gdy cała sztuka sugeruje w niezliczonych szczegółach, że różnica między damą a kwiaciarką polega na ich zachowaniu, w tekście jest coś zupełnie przeciwnego: „Dama różni się od kwiaciarki nie tym, jak się nosi, ale tym, jak leczy się”. Te słowa należą do Elizy. Jej zdaniem zasługa przekształcenia jej w damę należy do Pickeringa, a nie Higginsa. Higgins tylko ją wyszkolił, nauczył poprawnej mowy itp. Są to zdolności, które można łatwo nabyć bez pomocy z zewnątrz. Uprzejme przemówienie Pickeringa wywołało wewnętrzną przemianę, która odróżnia dziewczynę od kwiatów od damy. Pouczalność spektaklu polega na syntezie – czynnikiem decydującym o istocie człowieka jest jego społeczny stosunek do innych ludzi. Postawa publiczna obejmuje dwie strony: zachowanie i atrakcyjność. Eliza z dziewczynki-kwiatka staje się damą dzięki temu, że wraz z jej zachowaniem zmieniło się również traktowanie, jakie odczuwała w otaczającym ją świecie.
Interpretacja zakończenia Pigmaliona jest oczywista. Nie ma ona charakteru antropologicznego, jak poprzednie tezy, ale natury etycznej i estetycznej: pożądana jest nie przemiana mieszkańców slumsów w damy i dżentelmenów, jak przemiana Doolittle'a, ale ich przemiana w nowego typ dam i dżentelmenów, których poczucie własnej wartości opiera się na własnej pracy. Eliza w pogoni za pracą i niezależnością jest ucieleśnieniem nowego ideału damy, który w istocie nie ma nic wspólnego z dawnym ideałem damy z arystokratycznego towarzystwa. Nie została hrabiną, jak wielokrotnie powtarzał Higgins, ale kobietą, której siła i energia są podziwiane. Znamienne jest to, że nawet Higgins nie może odmówić jej atrakcyjności – rozczarowanie i wrogość szybko zamieniają się w coś przeciwnego. Wydaje się nawet, że zapomniał o pierwotnym pragnieniu innego rezultatu i pragnieniu uczynienia z Elizy hrabiny.
„Pigmalion” to sztuka Bernarda Shawa z 1912 roku.
Analiza „Pigmaliona”.
Główni bohaterowie Pigmaliona- kwiaciarka z niższej klasy o imieniu Eliza Doolittle; jej ojciec, który pracuje jako padlinożerca; pułkownik Pickering; naukowiec Henry Higgins; a także pani Hill z dziećmi (córka i syn o imieniu Freddie).
IDEA spektaklu „Pigmalion” polega na tym, że nawet osoba biedna i niewykształcona może stać się kulturalna i piękna, jeśli pracuje!
Problemy „Pigmaliona”.
W Pigmalionie Shaw połączył dwa równie ekscytujące dla siebie tematy: problem nierówności społecznych i problem klasycznego angielskiego.
B. Shaw był szczególnie błyskotliwy w swojej pracy, aby zwrócić uwagę na problem nierówności ludzi w społeczeństwie. Pod koniec dzieła Eliza, już wykształcona, zostaje, jak wcześniej, z niczym, jedynie z tragiczną świadomością swojej sytuacji materialnej i subtelnym poczuciem bezgranicznej niesprawiedliwości wobec ludzi z niższych warstw społecznych. W efekcie dziewczyna wraca do mieszkania Higginsa, ale już tam jest doceniana i akceptowana jako rówieśnik, „swój”, jako pełnoprawna osoba.
Spektakl ma również walor pouczający i wychowawczy w zakresie edukacji. W końcu właściwa edukacja i wychowanie odgrywa ważną rolę w życiu każdego harmonijnego i samowystarczalnego człowieka.
Sam Shaw zdefiniował cel swojej sztuki w następujący sposób: „„ Pigmalion ”to kpina z fanów„ błękitnej krwi ”...
Stanowisko Shawa jako przekonanego socjalisty obejmowało żądania wyzwolenia społeczeństwa od panującego kłamstwa i niesprawiedliwości, promocji rozwoju duchowego i dobrobytu wszystkich grup społecznych. Główną ideą spektaklu jest to, że klasy wyższe różnią się od niższych jedynie ubiorem, wymową, manierą, wykształceniem – i te społeczne przepaści można i trzeba pokonać. Talent Higginsa i szlachetność Pickeringa naprawdę czynią z dziewczyny-kwiata księżną, co można rozumieć jako symbol przyszłego postępu społecznego i emancypacji, do których nawoływał Shaw i jego współpracownicy.
Aby ustanowić sprawiedliwość w społeczeństwie, argumentuje dramaturg, najważniejsze jest pokonanie biedy i ignorancji. Wyzwolenie Elizy z tych kłopotów wzmacnia najlepsze cechy osobowości tkwiące w niej wcześniej - przyzwoitość, poczucie własnej wartości, wrażliwość duchową, energię. Dla mniej silnych postaci, takich jak ojciec Dolittle, bieda jest druzgocąca. Higgins, który podczas „eksperymentu” przyczynił się do duchowego wyzwolenia Elizy, zrobił to nieświadomie, nie jest w stanie wznieść się ponad czysto egoistyczne względy. Duchowa bezduszność Higginsa, niezdolnego do zrozumienia i szacunku dla Elizy, uosabia bezduszność angielskiego społeczeństwa i na tym polega tragedia końcowej sytuacji spektaklu.
