Piloci, rekiny, seksowne dziewczyny, tancerki, ocean, imponujące eksplozje - tak przedstawia nowojorski artysta Robert Longo. Jego ilustracje są niezwykle głębokie, mistyczne, potężne i magnetyczne. Być może efekt ten osiągnięto dzięki czarno-białemu obrazowi, który autor starannie rozpisuje węglem drzewnym.

Robert Longo urodził się w 1953 roku na Brooklynie w Nowym Jorku. Mówiąc o sobie, artysta nigdy nie zapomina wspomnieć, że kocha kino, komiksy, magazyny i ma słabość do telewizji, które mają niebagatelny wpływ na jego twórczość. Robert Longo czerpie większość tematów do swoich obrazów z tego, co widział i czytał wcześniej. Autor zawsze lubił rysować i chociaż uzyskał tytuł licencjata z rzeźby, nie przeszkadza mu to w robieniu tego, co kocha, wręcz przeciwnie. Niektóre rysunki artysty bardzo przypominają rzeźby, on lubi te kontury, które wychodzą spod ręki. Jest w tym jakaś moc.

Główne wystawy malarstwa Roberta Longo odbywają się w Museum of Art w Los Angeles, a także w Museum of Modern Art w Chicago.

(Język angielski) Roberta Longo, R. 1953) to amerykański artysta współczesny znany ze swojej pracy w różnych gatunkach.

Biografia

Roberta Longo urodził się 7 stycznia 1953 roku w Brooklynie (Nowy Jork) w USA. Studiował na University of North Texas (Denton), ale zrezygnował. Później studiował rzeźbę pod kierunkiem Leondy Fincke. W 1972 otrzymał stypendium na studia na Akademii Sztuk Pięknych we Florencji i wyjechał do Włoch. Po powrocie do Stanów Zjednoczonych wstąpił do Buffalo State College, który ukończył z tytułem licencjata w 1975 roku. W tym samym czasie spotkał się z fotografką Cindy Sherman.

Pod koniec lat 70. Robert Longo zainteresował się organizowaniem spektakli (np. Sound Distance of a Good Man). Takim pracom zwykle towarzyszyło tworzenie serii fotografii i filmów wideo, które były następnie pokazywane jako osobne prace i elementy instalacji. W tym samym czasie Longo grał w wielu nowojorskich zespołach punkrockowych, a nawet był współzałożycielem Hallwalls Gallery. W latach 1979-81 artysta pracował także nad cyklem prac graficznych „Ludzie w miastach”.

W 1987 roku Longo przedstawił serię konceptualnych rzeźb „Obiekty duchów” (Object Ghosts). Prace z tego cyklu są próbą przemyślenia i stylizacji obiektów z filmów science fiction (np. „Nostromo” – tak nazywał się statek w filmie Obcy). Podobny pomysł (ale urzeczywistniony prawdziwymi rekwizytami, które zostały użyte na planie) można znaleźć w pracy Dory Budor.

W 1988 Longo rozpoczął pracę nad serią Black Flag. Pierwszym elementem serii była flaga USA pomalowana na kolor grafitowy i wizualnie podobna do malowanego drewnianego pudełka. Kolejnymi pracami były wykonane z brązu rzeźby amerykańskiej flagi, z których każda opatrzona była sygnaturą (np. „zwróć nam nasze cierpienia” – „zwróć nam nasze cierpienia”).

Pod koniec lat 80. Robert Longo zaczął także kręcić filmy krótkometrażowe (m.in. Arena Brains - „Geeks in the Arena”, 1987). W 1995 roku Longo wyreżyserował film science fiction Johnny Mnemonic . Film jest uważany za kultowy klasyk gatunku cyberpunk. Główną rolę zagrał Keanu Reeves.

W latach 90. i 2000. Robert Longo nadal tworzył swoje hiperrealistyczne obrazy. Prace z cyklu Superbohaterowie (1998) czy Ofelia (2002) wyglądają jak fotografie lub rzeźby, ale są to obrazy malowane tuszem. Obrazy z serii Balkon (2008-09) i Tajemnice (2009) są malowane węglem drzewnym.

W 2010 roku Robert Longo stworzył serię fotografii w stylu „Ludzie w miastach” dla włoskiej marki Bottega Veneta (Bottega Veneta).

w latach 2016-17 Garage Museum of Contemporary Art gościło wystawę Testimonies, na której zaprezentowano publiczności niektóre prace Roberta Longo.

Robert Longo obecnie mieszka w Nowym Jorku, USA. Od 1994 roku jest żonaty z niemiecką aktorką Barbarą Sukową. Para ma troje dzieci.

Robert Longo, ur. 7 stycznia 1953 w Nowym Jorku) to amerykańska artystka mieszkająca i pracująca w Nowym Jorku.

Robert Longo urodził się w 1953 roku na Brooklynie w Nowym Jorku i dorastał na Long Island. Jako dziecko był pod silnym wpływem kultury popularnej - filmu, telewizji, czasopism i komiksów - która w dużej mierze ukształtowała jego styl artystyczny.

Pod koniec lat 70. Longo wykonywał eksperymentalną muzykę punkową w nowojorskich klubach rockowych w ramach Menthol Wars Roberta Longo . Jest współzałożycielem awangardowej grupy X-Patsys (wraz z żoną Barbarą Zukovą, Jonem Kesslerem, Knoxem Chandlerem, Seanem Conleyem, Jonathanem Kane i Anthonym Colemanem).

W latach 80. Longo wyreżyserował kilka teledysków, w tym piosenkę The One I Love zespołu R.E.M. , Bizarre Love Triangle zespołu New Order i Peace Sells zespołu Megadeth.

W 1992 roku artysta pełnił funkcję reżysera jednego z odcinków serialu "Opowieści z krypty" pod tytułem "To cię zabije" (This'll Kill Ya). Najbardziej znanym dziełem reżyserskim Longo jest film z 1995 roku

Główny Kurator Garażowego Muzeum Sztuki Współczesnej
Kate Fowl i Roberta Longo

Roberta Longo

z którymi Posta-Magazine spotkała się podczas instalacji wystawy, opowiadała o tym, co kryje się pod barwną warstwą obrazów Rembrandta, sile obrazu, a także o „prymitywnej” i „wysokiej” sztuce.

Patrząc na hiperrealistyczną grafikę Roberta Longo, trudno uwierzyć, że to nie fotografie. A jednak tak jest: monumentalne obrazy współczesnego miasta, natury czy katastrof rysowane są węglem na papierze. Są niemal namacalne - tak dopracowane i szczegółowe - i przez długi czas przyciągają uwagę swoją epicką skalą.

Longo ma cichy, ale pewny siebie głos. Po wysłuchaniu pytania chwilę się zastanawia, a potem mówi – poufnie, jak ze starym znajomym. Złożone abstrakcyjne kategorie zyskują w jego opowieści wyrazistość, a nawet pozornie fizyczną formę. I pod koniec naszej rozmowy rozumiem dlaczego.

Inna Logunowa: Oglądając zmontowaną część wystawy, byłem pod wrażeniem monumentalności Twoich obrazów. To niesamowite, jak nowoczesne i archetypowe są jednocześnie. Czy Twoim celem jako artysty jest uchwycenie istoty czasu?

Roberta Longo: My, artyści, jesteśmy reporterami czasów, w których żyjemy. Nikt mi nie płaci - ani rząd, ani kościół, słusznie mogę powiedzieć: moja praca polega na tym, jak widzę otaczający mnie świat. Jeśli weźmiemy jakiś przykład z historii sztuki, powiedzmy, obrazy Rembrandta czy Caravaggia, zobaczymy na nich odlew życia – taki, jaki był w tamtej epoce. Myślę, że to jest naprawdę ważne. Ponieważ w pewnym sensie sztuka jest religią, sposobem na oddzielenie naszych wyobrażeń o rzeczach od ich prawdziwej istoty, od tego, czym naprawdę są. To jest jego wielka siła. Jako artysta niczego wam nie sprzedaję, nie rozmawiam o Chrystusie ani o polityce – po prostu staram się coś z życia zrozumieć, zadaję pytania, które skłaniają widza do zastanowienia, zwątpienia w pewne ogólnie przyjęte prawdy.

A obraz z definicji jest archetypem, mechanizm jego oddziaływania związany jest z naszymi najgłębszymi podstawami. Rysuję węglem drzewnym - najstarszym materiałem człowieka prehistorycznego. Ironia polega na tym, że na tej wystawie, technologicznie, moje prace są najbardziej prymitywne. Goya pracował skomplikowaną, wciąż nowoczesną techniką akwaforty, Eisenstein kręcił filmy, a ja po prostu maluję węglem drzewnym.

To znaczy, używasz prymitywnego materiału, by wyciągnąć jakąś starożytną zasadę?

Tak, zawsze interesowałem się nieświadomością zbiorową. Kiedyś miałem po prostu obsesję na punkcie znalezienia i uchwycenia jego obrazów, a żeby jakoś się do tego zbliżyć, codziennie rysowałem. Ja jestem Amerykanką, moja żona Europejką, ona ukształtowała się w innej kulturze wizualnej i to ona pomogła mi zrozumieć, jak bardzo sam jestem wytworem systemu wizerunkowego mojego społeczeństwa. Konsumujemy te obrazy każdego dnia, nawet nie zdając sobie sprawy, że są częścią naszego ciała i krwi. Dla mnie sam proces rysowania jest sposobem na uświadomienie sobie, co z tego całego wizualnego szumu jest naprawdę twoje, a co jest narzucone z zewnątrz. Właściwie rysunek jest w zasadzie odciskiem nieświadomości - prawie każdy coś rysuje rozmawiając przez telefon lub myśląc. Dlatego na wystawie prezentowani są zarówno Goya, jak i Eisenstein, w tym rysunki.

Skąd to szczególne zainteresowanie twórczością Goi i Eisensteina?

W młodości ciągle coś rysowałem, robiłem rzeźby, ale nie miałem odwagi uważać się za artystę i nie widziałem siebie w tej roli. Rzucano mną z boku na bok: chciałem być albo biologiem, albo muzykiem, albo sportowcem. Ogólnie rzecz biorąc, w każdej z tych dziedzin miałem pewne zadatki, ale tak naprawdę jedyną rzeczą, w której naprawdę miałem zdolności, była sztuka. Pomyślałem, że znajdę się w historii sztuki lub restauracji – i wyjechałem na studia do Europy (na Akademię Sztuk Pięknych we Florencji – ok. Aut.), gdzie dużo iz entuzjazmem oglądałem i studiowałem dawnych mistrzów. I w pewnym momencie coś we mnie jakby kliknęło: wystarczy, chcę im odpowiedzieć czymś swoim.

Po raz pierwszy zobaczyłem obrazy i akwaforty Goyi w 1972 roku i uderzyły mnie one swoją kinową jakością. W końcu dorastałem w telewizji i kinie, moja percepcja była głównie wizualna - w młodości prawie nie czytałem, książki weszły w moje życie po trzydziestce. Poza tym to była czarno-biała telewizja - a obrazy Goi łączyły się w moim umyśle z moją własną przeszłością, moimi wspomnieniami. Byłem również pod wrażeniem silnego elementu politycznego jego pracy. W końcu należę do pokolenia, dla którego polityka jest częścią życia. Bliski przyjaciel został zastrzelony na moich oczach podczas protestów studenckich. Polityka stała się przeszkodą w naszej rodzinie: moi rodzice byli zagorzałymi konserwatystami, a ja liberałem.

Jeśli chodzi o Eisensteina, to zawsze podziwiałem pomysłowość jego zdjęć, wirtuozerską pracę kamery. Miał na mnie duży wpływ. W latach 80. nieustannie odwoływałem się do jego teorii montażu. W tym czasie szczególnie interesował mnie kolaż: jak z połączenia lub zderzenia dwóch elementów powstaje coś zupełnie nowego. Na przykład zderzające się ze sobą samochody to już nie dwa obiekty materialne, ale coś trzeciego – wypadek samochodowy.

Goya był artystą politycznym. Czy twoja sztuka jest polityczna?

Nie żebym był głęboko zaangażowany w politykę, ale pewne sytuacje życiowe zmusiły mnie do zajęcia stanowiska politycznego. Tak więc w szkole średniej interesowałem się tylko dziewczętami, sportem i rock and rollem. A potem gliniarze zastrzelili mojego przyjaciela i nie mogłem już dłużej trzymać się z daleka. Poczułam wewnętrzną potrzebę, żeby o tym opowiedzieć, a raczej pokazać - ale nie tyle poprzez same wydarzenia, ile ich konsekwencje, spowolnienie i rozciągnięcie.

A dziś najważniejsze dla mnie jest zatrzymanie przepływu obrazów, których liczba stale rośnie. Przepływają przed naszymi oczami z niewiarygodną szybkością i przez to tracą wszelkie znaczenie. Czuję, że muszę je zatrzymać, wypełnić treścią. W końcu odbiór sztuki różni się od codziennego, pobieżnego spojrzenia na rzeczy - wymaga skupienia, a co za tym idzie każe się zatrzymać.

Czy to był twój pomysł, żeby na jednej wystawie połączyć Roberta Longo, Francisco Goyę i Siergieja Eisensteina?

Oczywiście nie. Goya i Eisenstein to tytani i geniusze, nawet nie udaję, że jestem obok nich. Pomysł należy do Kate (Keith Fowl, główny kurator Garage Museum of Contemporary Art i kurator wystawy – przyp. autora), która chciała umieścić moje prace z ostatnich lat w jakimś kontekście. Na początku jej pomysł bardzo mnie zmylił. Ale powiedziała: „Spróbuj spojrzeć na nich jak na przyjaciół, a nie święte potwory, aby nawiązać z nimi dialog”. Kiedy już się zdecydowałem, pojawił się kolejny problem: było jasne, że nie uda nam się sprowadzić Goi z Hiszpanii. Ale potem zobaczyłem grafiki Eisensteina i przypomniałem sobie akwaforty Goi, które zrobiły na mnie takie wrażenie w młodości - i wtedy zdałem sobie sprawę, że nas troje łączy wspólny rys. I czarno-białe. I zaczęliśmy działać w tym kierunku. Wybrałam rysunki Eisensteina i akwaforty Kate autorstwa Goi. Wymyśliła też, jak zorganizować przestrzeń wystawienniczą – ja, szczerze mówiąc, trochę się pogubiłam, jak to zobaczyłam, zupełnie nie rozumiałam, jak z tym pracować.

Wśród prac prezentowanych na wystawie znajdują się dwie prace oparte na zdjęciach rentgenowskich obrazów Rembrandta Głowa Chrystusa i Batszeba. Jakiej szczególnej prawdy szukałeś w tych płótnach? Co odkryli?

Kilka lat temu w Filadelfii odbyła się wystawa „Rembrandt i oblicza Chrystusa”. Będąc wśród tych płócien, nagle zdałem sobie sprawę: tak wygląda niewidzialne - w końcu religia opiera się na wierze w niewidzialne. Poprosiłem znajomego konserwatora dzieł sztuki, aby pokazał mi zdjęcia rentgenowskie innych obrazów Rembrandta. I to uczucie - że widzisz niewidzialne - tylko się wzmocniło. Ponieważ zdjęcia rentgenowskie rejestrują sam proces twórczy. Co ciekawe: pracując nad wizerunkiem Jezusa, Rembrandt namalował całą serię portretów miejscowych Żydów, ale ostatecznie twarz Chrystusa pozbawiona jest semickich rysów – nadal jest Europejczykiem. A na zdjęciach rentgenowskich, na których widoczne są wcześniejsze wersje zdjęcia, ogólnie wygląda jak Arab.

W „Batszebie” zajęty byłem innym momentem. Rembrandt przedstawił ją jako pogodzoną z losem: zmuszona jest dzielić łoże z upragnionym przez nią królem Dawidem, a tym samym uratować męża, którego, jeśli odmówi, natychmiast wyśle ​​na wojnę na pewną śmierć. Zdjęcie rentgenowskie pokazuje, że początkowo Batszeba ma zupełnie inny wyraz twarzy, jakby w ogóle czekała na noc z Dawidem. Wszystko to jest niezwykle interesujące i pobudza wyobraźnię.

A gdyby prześwietlić twoją pracę, co byśmy zobaczyli na tych zdjęciach?

Byłem bardzo zły, kiedy byłem młody - nadal jestem zły, ale mniej. Pod rysunkami napisałam straszne rzeczy: kogo nienawidziłam, którego śmierci życzyłam. Na szczęście, jak powiedział mi znajomy historyk sztuki, rysunki węglem zazwyczaj nie są widoczne na zdjęciu rentgenowskim.

A jeśli już mówimy o warstwie zewnętrznej – osoby, które nie przyglądają się uważnie moim pracom, biorą ich do zdjęć. Ale im bardziej się do nich zbliżają, tym bardziej się gubią: to nie jest tradycyjne malarstwo figuratywne, ani modernistyczna abstrakcja, ale coś pomiędzy. Ponieważ moje rysunki są niezwykle szczegółowe, zawsze pozostają chwiejne i trochę niedokończone, dlatego w żadnym wypadku nie mogą być fotografiami.

Co jest dla Ciebie jako artysty najważniejsze – forma czy treść, pomysł?

Powstałem pod wpływem artystów konceptualnych, byli moimi bohaterami. A dla nich pomysł jest najważniejszy. Nie sposób przejść obojętnie obok formy, ale pomysł jest niezwykle ważny. Odkąd sztuka przestała służyć kościołowi i państwu, artysta musi wciąż na nowo odpowiadać sobie na pytanie – co ja do cholery robię? W latach 70. dręczyłem się poszukiwaniem formy, w której mógłbym pracować. Mogłem wybrać dowolne: artyści konceptualni i minimaliści dekonstruowali wszystkie możliwe sposoby tworzenia sztuki. Wszystko może być sztuką. Moje pokolenie zajmowało się zawłaszczaniem obrazów, obrazy obrazów stały się naszym materiałem. Robiłem zdjęcia i filmy, inscenizowałem performance, robiłem rzeźby. Z czasem zrozumiałam, że rysunek to coś pomiędzy sztuką „wysoką” – rzeźbą i malarstwem – a czymś zupełnie marginalnym, wręcz pogardzanym. I pomyślałem: a jeśli weźmiemy i powiększymy rysunek do skali dużego płótna, zamienimy go w coś okazałego, jak rzeźbę? Moje rysunki mają wagę, fizycznie wchodzą w interakcję z przestrzenią i widzem. Z jednej strony to najdoskonalsze abstrakcje, z drugiej świat, w którym żyję.

Robert Longo i Kate Fowl w Rosyjskich Archiwach Państwowych
literatura i sztuka

Szczegóły z Posta-Magazine
Wystawa czynna od 30 września do 5 lutego
Muzeum Sztuki Współczesnej „Garaż”, ul. Krymsky Val, 9, budynek 32
O innych projektach sezonu: http://garagemca.org/

Amerykański malarz i rzeźbiarz, którego głównym środkiem wyrazu jest rysunek węglem na papierze. Urodzony 7 stycznia 1953 w Brooklynie w Nowym Jorku, USA.

„Należę do pokolenia, które wychowało się na telewizji. Telewizja była moją opiekunką. Sztuka jest odzwierciedleniem tego, na czym dorastaliśmy, co nas otaczało jako dzieci. Znacie Anselma Kiefera? Dorastał w powojennych Niemczech, leżąc w gruzach. I to wszystko my widzimy w jego sztuce. W mojej sztuce widzimy czarno-białe obrazy, jakby zeszły z ekranu telewizora, na którym się wychowałem "- mówi .

Robert Longo w projekcie "Dowód" w "Garażu".

W Garażowym Muzeum Sztuki Współczesnej otwarto wystawę „Świadectwo: Francisco Goya, Siergiej Eisenstein, Robert Longo”. Wszyscy trzej artyści byli innowatorami swoich czasów, wszyscy myśleli o czasie, wszyscy pasjonowali się czarno-białymi obrazami. Robert zawsze interesował się artystami, którzy byli świadkami swojego czasu i dokumentowali wszystko, co się działo. W dziełach Eisensteina i Goya można dostrzec świadectwa epoki, w której żyli. Longo podziwiał ich pracę.
A w 2016 roku główny kustosz muzeum Keith Fowl wraz z Robertem Longo zorganizowali wystawę z archiwów Eisensteina i Goi z Państwowego Centralnego Muzeum Historii Współczesnej Rosji.

Dzieło sztuki zawsze dotyczy piękna, które artysta widzi w prawdziwym świecie. Staram się, aby ludzie, patrząc na moje obrazy, myśleli. W pewnym sensie moje obrazy mają za zadanie zatrzymać nieco niekończący się strumień obrazów, które pojawiają się w każdej sekundzie na świecie. Próbuję to spowolnić, zamieniając zdjęcie w obraz węglem. A poza tym wszyscy rysują - tutaj rozmawiasz ze mną przez telefon i pewnie coś szkicujesz na serwetce - jest w tych liniach coś podstawowego i pradawnego, a ja zderzam to ze zdjęciami robionymi czasem w sekundę - telefonem czy płyn do naczyń. A potem spędzam miesiące rysując jeden obraz.