Przez całe życie każdego artysty, jak zwykle, następuje zmiana pisma, charakteru, a nawet stylu. Zjawisko to widać u najsłynniejszych malarzy – od niemal wymuszonego przejścia Moneta do abstrakcji pod koniec życia, po przejście do wyrazistej palety kolorystycznej. Chociaż takie zmiany są charakterystyczne dla większości mistrzów malarstwa, w obrazach są szczególnie silne.

Jego trwająca blisko 80 lat kariera to sukcesy nie tylko w malarstwie, ale także w rzeźbie, ceramice, projektowaniu i działalności scenicznej. Dlatego chęć Picassa do eksperymentów nie jest zaskakująca. Aby prześledzić ewolucję stylistyczną Pabla Picassa, historycy sztuki dzielą jego twórczość na kilka okresów: „okres wczesny”, „okres niebieski”, „okres różowy”, „okres afrykański”, „okres kubizmu”, „okres klasyczny”, „surrealizm” , okresy militarne i powojenne oraz okres prac późnych.

Wczesny okres

Picasso zaczął malować w młodym wieku - w swoich pierwszych obrazach obrazy miały maksymalne podobieństwo do oryginału, podobnie jak paleta kolorów.

Malarstwo wczesnego okresu

„niebieski” okres

Od 1902 roku Pablo Picasso zaczął malować w stylu, w którym jasno wyrażono tematykę starości, śmierci, biedy i smutku. W palecie kolorystycznej artysty zaczęły dominować odcienie niebieskiego. W tym okresie Pablo malował głównie wizerunki niższych warstw społecznych: alkoholików, prostytutek, żebraków i innych ludzi.

Obrazy okresu „niebieskiego”.

Okres „różowy”.

W 1904 roku Pablo Picasso zaczął faworyzować różowe odcienie, tworząc obrazy ze świata teatru i cyrku. Jego bohaterami byli przeważnie wędrowni artyści – klauni, akrobaci czy tancerze.

Obrazy okresu „różowego”.

Okres „afrykański”.

Krótki okres, przypadający na lata 1907-1908, inspirowany był archaiczną sztuką Afryki, którą Picasso poznał na wystawie w Muzeum Trocadero. Dla artysty było to prawdziwe odkrycie - proste, a gdzieś nawet prymitywne formy starożytnych rzeźb wydawały się Pablo Picasso niesamowitą cechą, która niosła ze sobą ogromny ładunek artystyczny.

Zdjęcia z okresu „afrykańskiego”.

Pasja do rzeźby afrykańskiej zaprowadziła Pabla do zupełnie nowego gatunku. Odrzucenie realistycznego naśladowania otaczającego świata skłoniło artystę do uproszczenia konturów ludzkich wizerunków i przedmiotów, które następnie zaczęły zamieniać się w geometryczne bloki. Wraz z francuskim artystą Georgesem Braco Pablo Picasso stał się założycielem kubizmu - ruchu odrzucającego tradycje naturalizmu.

Okres „klasyczny”.

Na przejście od kubizmu do malarstwa, które byłoby bardziej „czytelne”, wpłynęła zarówno wewnętrzna potrzeba Picassa, jak i czynniki zewnętrzne. W tym okresie artysta współpracował z trupą baletową Siergieja Diagilewa, a także poślubił Olgę Khokhlovą. Nic dziwnego, że chciałaby rozpoznawać się na portretach, ale tylko życzenie żony nie wpłynęłoby w żaden sposób na twórczość Picassa, gdyby nie jego głód zmian.

Obrazy z okresu „klasycznego”.

Znajomość z Marią Teresą Walter, a także komunikacja z surrealistami skierowały Pabla Picassa w kierunku surrealizmu. Przejście w tym kierunku można opisać jego własnym stwierdzeniem: „Przedstawiam przedmioty tak, jak o nich myślę, a nie tak, jak je widzę”.

Okres wojenny i powojenny

Wiszące nad Europą zagrożenie, a także strach przed wojną sprawiły, że Picasso, jeśli nie oddaje bezpośrednio nastroju na płótnie, to nadaje obrazom mrok i tragizm. Powojenną twórczość artysty można nazwać szczęśliwą - dowcip i brak ponurych wątków można prześledzić w pracach artysty.

Artysta Pablo Picasso Urodził się w Hiszpanii w 1881 roku w rodzinie krytyka sztuki José Ruiza. Jose Ruiz lubił malować, ale gdy tylko zorientował się, że w rodzinie rośnie geniusz, dał pędzle i farby młodemu Pablo i został jego pierwszym nauczycielem. W wieku 13 lat Picasso wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w Barcelonie, a następnie do Akademii San Fernando w Madrycie.

Po studiach Pablo Picasso przeniósł się do Paryża. To właśnie we Francji hiszpański artysta stworzył swoje najlepsze dzieła. Twórcza biografia Pabla Picassa jest podzielona na kilka etapów.

niebieski okres. Obrazy z tego okresu wykonane są głównie w zimnych niebiesko-zielonych odcieniach. Bohaterowie - starcy, biedne matki i dzieci. Sam artysta w tym czasie jest biedny i nieszczęśliwy.

różowy okres. Obrazy stają się bardziej radosne, dominują w nich odcienie różu i pomarańczy. W tym okresie Fernanda Olivier pojawia się w życiu Pabla Picassa - ukochanego i muzy.

Okres afrykański. Odchodząc od wizerunku konkretnej osoby, pojawiają się motywy afrykańskie.

Kubizm. Przedstawione na obrazach obiekty są jakby zbudowane z sześcianów. Krytycy sztuki nie zaakceptowali kubizmu, ale obrazy sprzedają się wyjątkowo dobrze.

Neoklasycyzm. Kolory są jaśniejsze, obrazy wyraźniejsze. Pierwsze małżeństwo z baletnicą Olgą Khokhlovą, narodziny syna.

Surrealizm. Wyraźny odcisk na pracy problemów rodzinnych: seria portretów potwornej kobiety o brzydkich cechach seksualnych. Nowa miłość, narodziny córki. Pasja do rzeźby.

Pablo Picasso: artysta, milioner, długowieczny.

Po wojnie Pablo Picasso spotyka Francoise Gilot, mają dwoje dzieci. Françoise jest „kobietą-kwiatem” w twórczym i osobistym życiu artystki. Pablo Picasso stworzył słynnego Gołąbka Pokoju w 1949 roku.

W wieku 80 lat Picasso żeni się z Jacqueline Roque, która stała się jego ostatnią muzą i opiekowała się nim aż do śmierci. Pablo Picasso zmarł w 1973 roku, żył 92 lata i stworzył ponad 80 000 dzieł.

Laicy często rzucają uwagi artystom awangardowym, że nie umieją rysować, więc przedstawiają sześciany i kwadraty. Picasso może posłużyć za ilustrację fałszywości i prymitywności takiego twierdzenia. Od najmłodszych lat był w stanie odzwierciedlić naturę na papierze z maksymalnym podobieństwem do oryginału. Talent, który od urodzenia z powodzeniem trafiał do środowiska twórczego (ojciec najjaśniejszej postaci malarstwa XX wieku był nauczycielem rysunku i dekoratorem), rozwijał się błyskawicznie. Chłopiec zaczął rysować, zanim jeszcze mógł mówić.

Pablo namalował swój pierwszy obraz olejny, Picador (1889), w wieku ośmiu lat i trzymał go przy sobie przez całe życie. Malował nieustannie, zachowała się ogromna liczba szkiców na temat walk byków (czego Hiszpan nie lubi walk byków!), Szkice z życia miejscowej ludności. Ojciec zaczął angażować syna w malowanie wnętrz, polecając mu malowanie nóg gołębi. Wtedy to ojciec nalegał na przyjęcie Pabla do Akademii Sztuk Pięknych w Barcelonie „La Conha”. 13-letnie cudowne dziecko ukończyło rysunek egzaminacyjny nagiej modelki w jeden dzień, chociaż stworzenie go zajęło miesiąc.

Już w najwcześniejszych pracach Picassa widać wyraźnie, że zgodnie ze sztuką akademicką czuje się jak ryba w wodzie. Jednak nauka odlewów gipsowych nie mogła zająć młodego artysty, który miał już miejsce przez długi czas i opuścił Akademię. W madryckiej Akademii Królewskiej „San Fernando”, bardziej prestiżowej, Picasso również nie studiował długo. Nauczycielami 16-letniego malarza były płótna mistrzów w stołecznych muzeach: Velazquez, Goya, El Greco.

Tematem obrazów Picassa wciąż pozostaje otaczająca rzeczywistość: są to przechodnie, rybacy, kąpiący się, liczni sąsiedzi, przyjaciele, ojciec przypominający Don Kichota, matka i siostra. Siostra Lola pojawia się w obrazie rodzajowym Pierwsza komunia (1896), wizerunek matki jest znakomicie wykonany na portrecie z tego samego roku. W tym samym czasie powstał jeden z pierwszych autoportretów artysty.

W wieku 15 lat Picasso namalował duży obraz Wiedza i Miłosierdzie (1897), który można interpretować zarówno jako obraz rodzajowy, jak i symboliczny. Lekarz (którego postać Pablo odmalował od ojca) wyczuwa puls leżącej na łóżku kobiety, z drugiej strony zakonnica trzymająca dziecko przynosi szklankę wody. Zatem nauka medyczna i współczucie są sobie przeciwne. Na wystawie w Madrycie w 1897 roku obraz ten wzbudził niechęć krytyków: ręka pacjenta wydała im się mało realistyczna, nazwali ją rękawiczką. Ale to właśnie niewiarygodnie długie palce ospałej ręki zapowiadają przyszły styl „niebieskiego okresu”.

Osiągnąwszy profesjonalizm w realistycznym przekazie natury, Picasso był w stanie odrzucić dla niego tę archaiczną wersję malarstwa jako etap zaliczony. Próby młodego mistrza „rozmawiania różnymi językami stylistycznymi” obejmują portret siostry, przywołujący na myśl obrazy impresjonistów, oraz dopełniają galerię wczesnych prac, takich jak „Para hiszpańska przed hotelem” (1900). Jaskrawe plamy barwne przybliżają ten obraz do protofizmu, a wyraźne zarysowanie konturów jest ukłonem w stronę secesji. To właśnie w tym roku Picasso po raz pierwszy odwiedził Paryż – mekkę wszelkich osobowości twórczych, gdzie z „piekielnej mieszanki” talentów wszystkich narodów powstawała sztuka współczesna. W 1904 roku artysta przeniósł się na stałe do Paryża.

Chłopaki, wkładamy naszą duszę w stronę. Dziękuję za to
za odkrycie tego piękna. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas o godz Facebook I W kontakcie z

Według ekspertów Pablo Picasso jest uważany za najdroższego artystę na świecie. Kilka lat temu oficjalna sprzedaż jego dzieł wyniosła 262 miliony dolarów.Ponadto twórcza kariera Picassa jest uważana za jedną z najdłuższych. Obejmuje prawie 80 lat, nic więc dziwnego, że w tym czasie artysta skłaniał się ku eksperymentom – od klasycyzmu i naturalizmu po kubizm i surrealizm.

strona internetowa Postanowiłam prześledzić, jak zmieniał się charakter pisma i styl jednego z najbardziej znanych i cenionych artystów XX wieku oraz z czym związane były te zmiany.

Wczesny okres (8–20 lat)

Pablo Picasso (którego pełne imię i nazwisko to Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz y Picasso) urodził się w 1881 roku w andaluzyjskiej prowincji Hiszpanii. Jego ojciec był artystą i od najmłodszych lat zaszczepiał w chłopcu zamiłowanie do sztuki: uczył podstaw malarstwa i rozwijał talent syna na wszelkie możliwe sposoby. Mały Pablo zaczął malować w wieku 3 lat, aw wieku 7 lat malował już olejami. Wszystkie wczesne prace Picassa i ich paleta kolorów są maksymalnie podobne do oryginału - artysta przedstawia życie i ludzi takimi, jakimi są.

Płótno „Portret matki” z 1896 roku (pozostawione w kolażu powyżej) zostało namalowane przez 15-letniego artystę w Barcelonie podczas studiów w School of Arts and Crafts.

Jedna z ostatnich prac wczesnego okresu - "Nana" (w kolażu po prawej) - została napisana na pierwszą wystawę Pabla w Paryżu. W tym czasie opanował metody impresjonistów i naśladował ich. W rezultacie krytycy zauważyli wysokie umiejętności początkującego artysty, ale doradzili mu, aby szukał własnego stylu.

„Niebieski okres” (20–24 lata)

Pod koniec 1901 roku Pablo odnalazł swój oryginalny styl i malował dzieła, które później nazwano „okresem błękitu”, gdyż w palecie kolorystycznej artysty dominowały zimne i ponure odcienie błękitu. Na płótnach tego czasu dominują motywy smutku, biedy, starości i śmierci, a bohaterami obrazów stają się alkoholicy, prostytutki i osoby z niższych warstw społecznych.

Faktem jest, że w 1901 roku bliski przyjaciel Picassa popełnił samobójstwo. Artysta miał poczucie winy, że nie zapobiegł tragedii i popadł w depresję. Ponadto w ciągu tych lat Pablo desperacko potrzebował pieniędzy i często chodził głodny. Jednym z najsłynniejszych obrazów „niebieskiego okresu” jest obraz „Pijący Absynt” (po lewej w kolażu powyżej).

Jak na ironię, obrazy z tego najtrudniejszego i najgłodniejszego okresu życia artysty sprzedawane są dziś na aukcjach za duże pieniądze. Na przykład obraz „Głowa arlekina” (w kolażu po prawej) został sprzedany w Sotheby's za 15,2 miliona dolarów.

„Różowy okres” (23–25 lat)

W 1904 roku Picasso ostatecznie przeniósł się do Paryża. Kolejne dwa lata jego twórczości nazwano „okresem różowym” ze względu na charakterystyczną paletę barw. W tym czasie wszystkie prace Pabla są pełne radości, wdzięku i subtelności. Picasso nawiązuje nowe przyjaźnie i po raz pierwszy w życiu poważnie zakochuje się w Fernandzie Olivierze. Zakochani mieszkają razem w jego pracowni na Montmartre, a życie wydaje się piękne. Wkrótce Pablo ma patronów - pisarkę Gertrudę Stein i jej brata. Kupują obrazy od potrzebującego artysty, wystawiają je w swojej galerii i wprowadzają go w krąg paryskiej bohemy.

Głównymi bohaterami prac Picassa są wędrowni artyści, akrobaci, cyrkowcy i tancerze. Pablo widzi w nich wiele wspólnego z artystami: są też biedni i zawsze trzymają się razem.

Jednym z najsłynniejszych obrazów „okresu różowego” jest „Dziewczyna na balu” (po lewej w kolażu powyżej).

Okres afrykański (26–28 lat)

Ten krótki okres twórczości artysty nazywany jest również „protosześciennym” lub „Cezanne”, ponieważ Pablo był pod silnym wpływem metody Paula Cezanne'a. Picasso stara się maksymalnie uprościć obraz, dochodząc do wniosku, że każdy złożony kształt zawsze opiera się na prostej geometrii: sześcianie, kuli, walcu, stożku.

Fabuła ówczesnych płócien inspirowana była archaiczną sztuką Afryki, którą artysta zobaczył na wystawie etnograficznej w Muzeum Trocadero. Dla Pabla prosta, a nawet prymitywna sztuka afrykańska była prawdziwym odkryciem, ponieważ niosła ze sobą ogromny ładunek życiowy i artystyczny. Starożytne rzeźby przekazywały rzeczywistość z dużo większą siłą niż współczesna sztuka europejska.

Kubizm analityczny (28–31)

Kubizm analityczny Picassa zmienił rozwój całej sztuki XX wieku. Stał się twórcą tego nurtu w malarstwie wraz z francuskim artystą Georgesem Braque. Filozofia tego stylu polegała na tym, że malarstwo jest w stanie nie tylko przedstawiać to, co widzi ludzkie oko. Pablo szuka sposobu na pokazanie świata takim, jakim jest, dlatego stara się pisać „nie to, co widzi, ale to, co wie”.

Artysta najpierw eksperymentuje z kolorem: niszczy kolor, bo uważa, że to tylko złudzenie optyczne. Gęstość analitycznego kubizmu wyróżnia się monochromatycznością. Wtedy Picasso pozbywa się faktury rzeczy - skrupulatne wypisywanie szczegółów przedmiotów, włosów i zmarszczek nie ma już znaczenia.

W tym czasie Pablo maluje sporo portretów swojej ukochanej Fernandy, w szczególności obraz „Kobieta z gruszkami” (w kolażu po lewej). To właśnie w tych pracach doskonali swoją nową metodę widzenia formy.

Kubizm syntetyczny (w wieku 31–36 lat)

Kubizm syntetyczny charakteryzuje się zmianą koloru: Picasso zaczyna dodawać jasne kolory do swoich obrazów. Ponadto na płótnach pojawiają się rozpoznawalne przedmioty: klucz, fajka, butelka, szklanka, instrument muzyczny. W ten sposób obrazy syntetycznego kubizmu stają się bardziej kolażami. Co więcej, artysta wykorzystuje do ich tworzenia nie tylko farby, ale także papier-mache, gazety, nuty i trociny, aby nadać powierzchni więcej faktury. Najbardziej znana była seria jego płócien-kolaży „Gitary”.

Ten okres ma swoją nazwę, ponieważ Picasso syntetyzuje, łączy 2 rzeczywistości - artystyczną i rzeczywistą.

Klasycyzm (w wieku 36–44 lata)

To bardzo bogaty i żywy okres w życiu i twórczości Pabla. W tym czasie współpracuje z Rosyjskim Baletem Diagilewa, podróżuje z trupą do Rzymu i zakochuje się w rosyjskiej baletnicy Oldze Khokhlovej. Wkrótce para gra wesele, rodzi się ich syn Paulo.

Nowe środowisko - teatr, balet, podróże - wymaga realistycznego obrazu, a Picasso porzuca kubizm na rzecz antycznego klasycyzmu. Ponadto artysta obraca się teraz w nowym, szanowanym środowisku, do którego jego żona ma słabość. Olga żąda również od męża, aby zarówno ona, jak i ich syn byli rozpoznawalni na jego portretach, a Pablo nie może jej tej prośbie odmówić.

Surrealizm (44-56 lat)

Kiedy Picasso miał 45 lat, jego związek z Olgą Khokhlovą zaczął się pogarszać i poznał 17-letnią Francuzkę Marie-Thérèse Walter. Dziewczyna stała się jego modelką i nową muzą. Również w tym okresie Pablo dużo komunikuje się z surrealistami, a ten kierunek w malarstwie zaczyna mieć ogromny wpływ na jego twórczość. Przejście do surrealizmu można opisać wypowiedzią samego artysty: „Przedstawiam przedmioty tak, jak o nich myślę, a nie tak, jak je widzę”.

Jednym z najbardziej uderzających obrazów tamtych czasów jest płótno „Czytające kobiety” (po prawej w kolażu powyżej). Przedstawia Marię Teresę i jej siostrę. Obraz został później sprzedany w Sotheby's za 21,3 miliona dolarów.

Koniec lat 30. i wojna (56-64 lata)

Przeczucie zbliżającej się wojny w Europie i obawy przed wzrostem sił faszyzmu i frankizmu znalazły odzwierciedlenie także w twórczości Picassa. W tym czasie tworzy słynny cykl „Płaczące kobiety”, który dedykuje wszystkim kobietom tamtej epoki. Jego główną muzą w tym okresie była artystka i fotografka Dora Maar - to ją najczęściej przedstawia na swoich płótnach i uosabia w jej portretach wszystkie okropności wojny.

W 1937 roku Pablo Picasso maluje prawdopodobnie swój najsłynniejszy obraz, Guernicę (na zdjęciu poniżej). W ten sposób artysta odpowiada na nazistowskie bombardowanie hiszpańskiego miasta Guernica. Płótno stało się prawdziwym manifestem antyfaszystowskim, który szybko rozprzestrzenił się w całej Europie.

Okres powojenny (65-73 lata)

Ten okres w życiu artysty można nazwać czasem odnowy i nadziei. W latach powojennych Picasso zakochuje się w młodej artystce Francoise

24.04.2017 o 18:43 · pawłofoks · 1 700

Najsłynniejsze obrazy Picassa

Pablo Picasso to uznany geniusz XX wieku, jego obrazy są rozpoznawalne, a jego styl trudno pomylić z innymi malarzami. Jednym z ulubionych tematów w twórczości artysty był cyrk i jego bohaterowie. Mistrz lubił powtarzać, że prawdziwymi malarzami są Rembrandt, Giotto, to tylko klaun. Najsłynniejsze obrazy Picassa są sprzedawane za duże pieniądze, ale sam artysta uważał malarstwo za coś w rodzaju osobistego pamiętnika. W swoim długim, niemal stuletnim życiu nie przestawał tworzyć.

10. Dziewczyna na piłce

„Dziewczyna na balu”, namalowany w 1905 roku, jeden z najbardziej legendarnych obrazów Picassa, datuje się na początek różowego okresu artysty, zbiegającego się z jego przeprowadzką do Paryża. W pracy mistrza pojawiają się nowe odcienie: jasnoróżowy, czerwony, szaro-perłowy, zwiewny, który odróżnia nowy okres od poprzedniego (niebieski). Zmienia się też nastrój: jeśli wcześniej wybierano tematy smutne, problematyczne, teraz pojawiają się proste motywy radości, zachwytu życiem. Obraz „Dziewczyna na piłce” zbudowany jest na kontrastach: lekkości, kobiecości, elastyczności, wdzięku akrobaty na piłce ze stabilnością, twardością, męskością atlety na kostce. Obie artystki przeciwstawiają się tłu: dziewczyna w każdej chwili opuści piłkę lub ruszy dalej, a smutny pejzaż z samotnym koniem nie zmieni się jeszcze bardzo długo, a może nigdy.

9. Amator absyntu

« Pijący absynt - jeden z najbardziej sensacyjnych obrazów Picassa został namalowany w 1901 roku, jego tematem był ulubiony napój modnej bohemy – absynt. Choć wrażenie tej kreacji jest bardzo bolesne, nie można nie zauważyć znakomicie dobranej palety kolorystycznej: kontrastujące barwy wyrażają wewnętrzne zmagania bohaterki, jej zmagania ze światem zewnętrznym, sprzeczności i pojawiające się po drodze trudności. Z obrazu na obrazie emanuje samotność i opuszczenie, jest kanciasty, jakby złamany, poza jest wymuszona, a zbyt duża prawa ręka zdaje się izolować kobietę od świata, szukającą samotności, ochrony. I tylko lekki sarkastyczny uśmiech na ustach bohaterki mówi nam, że ta dama jeszcze żyje.

8. Dziewczęta z Awinionu

„Dziewczyny z Awinionu” namalowany w 1907 roku obraz jest jednym z najbardziej typowych przykładów kubizmu. Wydawałoby się, że kubizm jest zupełnie nie na miejscu tam, gdzie trzeba przedstawiać giętkie kobiece ciała, ale Picasso udaje się to zrobić w taki sposób, że patrząc na płótno nie odczuwa się dysonansu. Pomimo faktu, że kolana, twarze, piersi dziewcząt są przedstawiane jako kanciaste, rozumiemy, że przed nami są kapłanki miłości. Pierwowzorem dla nich były prawdziwe dziewczyny z burdelu w dzielnicy Avignon w Barcelonie. Początkowo na obrazie miały być obecne inne obrazy, uosabiające śmierć, ale później artysta pozostawił jedynie wizerunki kobiet i owoców jako symbol płodności. Tutaj wyzwanie nie leży w temacie, nie w tym, co jest przedstawione, ale w formie, w jaki sposób jest to przedstawione.

7. Trzej muzycy

Znany obraz Picassa „Trzej muzycy” napisany w stylu kubistycznym. Nie tylko muzycy są przedstawiani w strojach klaunów, artysta symbolicznie przedstawił Guillaume'a Apollinaire'a z klarnetem, Maxa Jacoba z akordeonem i siebie ze skrzypcami. Postacie wydają się być przyklejone do płótna oddzielnie od siebie, a kontury ich ciał zdają się poruszać w przestrzeni, nadając obrazowi objętość i dynamikę. Pomimo pozornej prostoty, podobieństwa do aplikacji i niewielkiej palety barw, obraz jest z pewnością wybitnym dziełem sztuki.

6. Niebieski nago

„Niebieski akt” - obraz ten można zaliczyć do najbardziej znanych płócien Picassa, mimo że jest to jeden z jego najwcześniejszych obrazów (1902). „Blue Nude”, jak łatwo się domyślić po nazwie i jednym spojrzeniu, nawiązuje do błękitnego okresu twórczości mistrzyni. Trudno powiedzieć, co autor chciał tą pracą przekazać, czy w ogóle chciał: postać kobiety w pozycji embrionalnej siedzi tyłem do widza. Tylko w kolorze i pozie można wychwycić cień rozpaczy, beznadziejności, samotności, nagości, nie tylko w sensie dosłownym, ale i przenośnym.

5. Dora Maar z kotem

Dora Maar z kotem. Artysta i Dora Maar rozwinęli żywy, pełen pasji związek od dziesięciu lat, była jego muzą więcej niż raz. Dory nie można nazwać delikatną i delikatną, jej kobiecość tkwi w tajemnicy, sile, niezwykłej energii. Artysta wlał tę energię w ten chyba najbardziej rozpoznawalny obraz Picassa. Dama w kapeluszu i ostrych niebieskich paznokciach mimowolnie przywołuje skojarzenia z przedstawicielami kociej rodziny, emanuje niezależnością, buntowniczym usposobieniem. Twarzy ukazanej zarówno z profilu, jak i pełnej ze zdeformowanym nosem, ustami i oczami nie można nazwać piękną, ale trudno o niej zapomnieć. Obraz małego czarnego kota na ramieniu kobiety tylko podkreśla jasność postaci, pewną agresywność Dory Maar.

4. Siedząca kobieta. Marii Teresy Waltera

« Siedząca kobieta. Marii Teresy Walter” – jeden z najsłynniejszych obrazów Picassa jest inspirowany inną muzą, Marią Teresą Walter. Kobieca postać zajmuje prawie całe płótno, jej kontury są ciężkie, szorstkie i kanciaste. Twarz nagiej kobiety wyraża głębokie zamyślenie. Picasso stara się pokazać wszechstronność kobiecej natury, świadomie zapominając o anatomii i realizmie przedstawienia ludzkiego ciała.

3. Guernika

„Guernica” jest praktycznie najbardziej rozpoznawalnym obrazem Picassa, głównie ze względu na polityczne implikacje. Na tym płótnie mistrz nie tylko wypowiada się przeciwko nazistowskiemu bombardowaniu Guerniki (Hiszpania) podczas wojny domowej, ale także przedstawia obraz wojny w ogóle, ze wszystkimi tragediami i cierpieniami. Z płótna tchnie fizyczny ból, poczucie straty, zniszczenia, śmierci. Dla wszystkich schematycznych obrazów ludzi każdy z nich jest obdarzony silną emocjonalnością.

2. Dziewczyna przed lustrem

„Dziewczyna przed lustrem”- Innym bardzo popularnym dziełem Picassa jest inspiracja znaną już Marią Teresą Walter. Główną ideą obrazu jest to, że dziewczyna widzi w lustrze nie do końca własne odbicie, ale coś nieziemskiego, innego. Jasne kontrastujące kolory podkreślają niejednoznaczność natury. Maria Teresa zdaje się widzieć w lustrze swoją prawdziwą naturę, zdeformowaną, zniekształconą, pomalowaną na jaskrawe odcienie, poszukującą nowych oblicz.

1. Stary gitarzysta

„Stary gitarzysta”. Najbardziej rozpoznawalne dzieła Picassa to w większości te, które powstały w niebieskim okresie twórczości. To zdjęcie jest tego najdobitniejszym przykładem. Inspiracją dla niej było samobójstwo przyjaciela artystki, Carlosa Casagemasa. Zimny niebieski kolor wyraża melancholię, frustrację, zamknięcie się w sobie, postać gitarzysty jest zgarbiona i skompresowana, owija się wokół dużej brązowej gitary. Wielkość instrumentu i jego kolor symbolicznie wskazują, że muzyka jest sposobem na oderwanie się od problemów okrutnego świata i zapomnienie o biedzie, a nawet ślepocie.