Wystawa „Artyści moskiewscy. 20-30s”, organizowany przez moskiewską organizację Związku Artystów RSFSR i Związku Artystów ZSRR, przedstawia widzowi panoramę życia artystycznego Moskwy w pierwszych dwóch porewolucyjnych dekadach.

Na wystawie prezentowane są obrazy, rysunki, rzeźby ze zbiorów najstarszych artystów Moskwy, ich spadkobierców i kolekcjonerów.

Nasz czas głębokiego przemyślenia historii kraju, jego kultury i sztuki wymaga badania przeszłości bez kajdan i stereotypów, wyłącznie w celu poznania prawdy. Wystawa daje taką możliwość, pokazując szeroki wachlarz pomysłów obrazowych i plastycznych, różnorodne kierunki twórcze. Przedstawia prace błyskotliwych, oryginalnych artystów, którzy przez długi czas byli nieznani szerokiej publiczności, a czasem nawet specjalistom. Prace M. B. Verigo, L. N. Agalakovej, M. F. Shemyakina, M. V. Lomakiny, D. E. Gurevicha, N. I. Prokosheva i wielu innych niezasłużenie zapomnianych artystów zajmują godne miejsce na wystawie obok dzieł znani malarze, graficy, rzeźbiarze.

Ta ekspozycja jest kontynuacją studiów nad sztuką Moskwy, rozpoczętych wystawami poświęconymi 30. i 50. rocznicy Moskiewskiego Związku Artystów RSFSR.

Budzące się w ostatnich latach zainteresowanie rosyjską awangardą zaowocowało obszernymi ekspozycjami fundamentalnymi i wystawami indywidualnymi wybitnych mistrzów. Ta wystawa łączy się z tym wielowątkowo i należy ją postrzegać na tle różnych pokazów ukazujących sztukę pierwszych lat po rewolucji.

Moskwa od wieków jest kulturalnym i duchowym centrum kraju. Jest nie tylko strażniczką tradycji, ale także kolebką najnowszych idei w sztuce początku XX wieku, związanych z jasnym i śmiałym buntem Waleta Diamentowego, z twórczością twórców najnowszych trendów w Kubo-futuryzm, suprematyzm, rajonizm. W Moskwie w latach 20. XX wieku żyła jeszcze siwowłosa staruszka, zachowana w architekturze, ludowy sposób życia. Jednocześnie to tutaj S. I. Shchukin i I. A. Morozov zgromadzili pierwsze w kraju kolekcje najnowszego malarstwa europejskiego. W Moskwie najważniejsze zagadnienia kultury i sztuki epoki manifestowały się w szczególnie skoncentrowanej formie, a jednocześnie najróżniejsze zjawiska nabrały swoistego moskiewskiego posmaku. Wszystko, co wydarzyło się w Moskwie, znalazło odzwierciedlenie w sztuce całego kraju. Jako centrum sztuki w całej swojej wyjątkowości i wyjątkowości Moskwa nie została jeszcze wystarczająco zbadana.

Nie mamy pełnych informacji o wielu ważnych wydarzeniach tamtych lat, które bezpośrednio lub pośrednio wpłynęły na kulturę i sztukę, a tak naprawdę jesteśmy na początku tworzenia historii sztuki radzieckiej, kiedy jest jeszcze wiele do zebrania i odkrycia . I konieczne jest studiowanie sztuki moskiewskiej, i to musi być zrobione natychmiast, nie tylko dla współczesnych, ale także dla przyszłych pokoleń, które nie wybaczą nam zaniedbania bezcennego dziedzictwa, które wciąż jest w naszych rękach. Czas jest nieubłagany, zaciera ślady minionych epok, niszczy zabytki sztuki, rozrzuca prace artystów w prywatnych, czasem nieznanych kolekcjach, a nawet jeśli trafiają do krajowych muzeów, to stają się trudno dostępne. Z biegiem czasu coraz trudniej będzie odtworzyć pełny obraz życia artystycznego Moskwy, przywrócić jej wyjątkowy potencjał twórczy, który narodził się na początku XX wieku, rozwinął się jasno w latach 20. istniał jeszcze w latach 30.

Oczywiście tak ogromnego, niemal nieograniczonego tematu, jakim jest życie artystyczne Moskwy, nie da się wyczerpać na jednej wystawie, zwłaszcza że obejmuje ona zaledwie nieco ponad dwie dekady. Niektóre zjawiska ukazane są najpełniej, inne jedynie fragmentarycznie. Losy samych artystów i ich dzieł nie potoczyły się jednakowo. Spuściznę jednych starannie konserwowano, spuściznę tworzoną przez innych schodziło się tylko w rozproszonych dziełach, a czasem jedna lub dwie, które przypadkowo ocalały w trudnym losie artysty. Przegląd życia artystycznego Moskwy, niezbędny do wprowadzenia do dużej i wieloaspektowej wystawy, nie pretenduje do miana wyczerpującego. Nakreśla jedynie główne kamienie milowe, podkreślając zjawiska uderzające i charakterystyczne dla Moskwy.

Jednym z pierwszych działań moskiewskich artystów po rewolucji był udział w ratowaniu dzieł sztuki i antyków. Dzieło to zgromadziło mistrzów różnych grup i nurtów. Brali udział w obronie Kremla, gdzie w czasie I wojny światowej koncentrowały się ogromne wartości państwowe i artystyczne (zbiory Ermitażu, rezerwy złota itp.). Zajmowali się rejestracją wartości artystycznych i historycznych będących własnością osób prywatnych, poszukiwaniem i transportem do państwowych magazynów dzieł sztuki z różnych epok, archiwów, które mogły zginąć. Praca wymagała poświęcenia, pochłaniała dużo czasu i wysiłku, a czasem wiązała się z zagrożeniem życia. Postacie kultury i inteligencja moskiewska wykazywały się dużą aktywnością i obywatelstwem.

Pod koniec 1917 roku, aby zachować dziedzictwo, zrodził się pomysł stworzenia na Kremlu Akropolu sztuki rosyjskiej, w celu zgromadzenia za jego murami bibliotek, muzeów, archiwów. Pomysł spotkał się z gorącym poparciem moskiewskiej opinii publicznej. Jednak przeniesienie się w marcu 1918 r. rządu z Piotrogrodu do Moskwy i przekształcenie Kremla w rezydencję rządową nie pozwoliły na urzeczywistnienie tego zamysłu.

Z inicjatywy działaczy kultury i oświaty w pierwszych latach porewolucyjnych w Moskwie powstały tzw. muzea proletariackie, z których wiele znajdowało się na obrzeżach miasta. Czasami opierały się na całych znacjonalizowanych kolekcjach sztuki, na przykład Muzeum A.V. Łunaczarskiego otwarte w rezydencji kolekcjonera I.S. Zbiory innych muzeów, złożone z różnych kolekcji i rozproszonych eksponatów, były bardzo zróżnicowane jakościowo. Według organizatorów takie muzea miały przybliżać masom kulturę, przybliżać im sztukę. Zadania te były ściśle związane z ideami głębokiej kulturowej i artystycznej przemiany społeczeństwa, tak aktualnymi w tamtym czasie. W 1919 roku w Moskwie z inicjatywy artystów powstało pierwsze w kraju Muzeum Kultury Malarskiej. Sami opracowali listę, według której państwo nabyło na początku wieku dzieła rosyjskich artystów wszystkich lewicowych trendów. W przyszłości planowano rozbudować ekspozycję i uzupełnić kolekcję dziełami wszystkich czasów i narodów. Muzeum istniało do końca lat 20. XX wieku i było ważną szkołą dla artystów, klubem dyskusyjnym, laboratorium badawczym i twórczym. W Moskwie nadal istniało wiele innych muzeów - publicznych i prywatnych, otwartych dla wszystkich zwiedzających, z różnorodnymi ekspozycjami, od starożytnej sztuki rosyjskiej po współczesne malarstwo zachodnie.

Jedną z jasnych i wczesnych stron sztuki radzieckiej, a także moskiewskiego życia artystycznego, był udział artystów w agitacji i sztuce masowej, stworzenie rewolucyjnego plakatu, projektowanie miast na uroczystości. W tę pracę zaangażowani byli mistrzowie prawie wszystkich kierunków. Kruche i krótkotrwałe dzieła te od dawna są własnością archiwów, muzeów i bibliotek. Na wystawie pokazano tylko kilka z nich, ale nawet one dają wyobrażenie o tej sferze działalności artystów (plakaty V. A. i G. A. Stenberg, G. G. Klutsis, rysunki różnych artystów).

Życie artystyczne Moskwy wiele zawdzięcza okresowi przedrewolucyjnemu ze względu na swoją oryginalność, różnorodność idei i różnorodność śmiałości. W pierwszych latach władzy radzieckiej posuwała się niejako naprzód, kierując się impulsami poprzedniej epoki, dopełniając na nowym gruncie wszystko, co zrodziło się z duchowej rewolucji początku XX wieku.

Potrzeba zjednoczenia była trendem tamtych czasów i jest nieodłącznym elementem nie tylko artystów rosyjskich, ale także europejskich. Tworzyli grupy podobnie myślących ludzi, aby wspólnie formułować programy twórcze, organizować wystawy, bronić swoich pomysłów w gorących debatach.

W Moskwie w latach 1917-1932 działało ponad 60 stowarzyszeń o różnym charakterze, składzie i trwałości. Niektóre z nich powstały w okresie przedrewolucyjnym, później ukształtowały się już w warunkach nowego społeczeństwa, na bazie nowych idei. Ale co najważniejsze, wszystko wpasowało się w przestrzeń artystycznego życia Moskwy, znalazło swoje miejsce i określiło jej szczególną polifonię.

Walka idei w sztuce była złożona i wielowymiarowa. Z jednej strony trwała konfrontacja realistów z artystami awangardowymi, zaprzeczającymi realizmowi jako jedynemu prawdziwemu nurtowi. Składając hołd wielkim mistrzom minionych epok, w swojej twórczości szukali nowych dróg w sztuce, zgodnych z epoką.

Wejście na arenę budowniczych życia, pracowników produkcyjnych i konstruktywistów dążących do przekształcenia świata przyniosło nowy odcień walce i przesunęło punkt ciężkości. Zaczynając od budownictwa w sztuce, pragnęli przejść nie tylko do budowy nowych miast, strojów, mebli, ale nawet samego sposobu życia człowieka. Ich pomysły były utopijne. Życie nie dało im szansy na spełnienie. Robotnicy produkcyjni i konstruktywiści odmawiali prawa do istnienia sztuki sztalugowej zarówno w nowoczesnym społeczeństwie, jak iw wymyślonym przez nich przyszłym świecie. W jego obronie stanęli nie tylko zwolennicy realizmu, ale także artyści awangardowi różnych formacji. Kłócąc się z przeciwnikami sztuki sztalugowej, A. V. Szewczenko jasno i zwięźle sformułował swoje zadania: „Teraz malarstwo sztalugowe może żyć bardziej niż kiedykolwiek, ponieważ malarstwo sztalugowe jest obrazem, nie jest dekoracją, nie sztuką użytkową, nie ozdobą jest potrzebne dzisiaj, a nie jutro.

Obraz to myśl, możesz odebrać człowiekowi życie, ale nie możesz sprawić, by przestał myśleć.

Warto zauważyć, że przy całej złożoności konfrontacji i jasności wzajemnego odrzucania idei, stowarzyszenia i grupy walczyły w obrębie sztuki, dla niej samej, dla jej życia. W przyszłości walka została przeniesiona ze sztuki do polityki. Sztuka, jej rozwój zaczął być zniekształcony i nie kierowany naturalnym torem i bynajmniej nie był determinowany potrzebami samej sztuki, ale ideami politycznymi.

Polityka państwa w pierwszych pięciu latach opierała się na uznaniu równego prawa artystów wszystkich kierunków do udziału w tworzeniu sztuki nowego społeczeństwa. Zostało to nie tylko ogłoszone w prasie, ale także przeprowadzone w prawdziwym życiu, o czym świadczą państwowe przejęcia od najlepszych przedstawicieli wszystkich grup w uczciwy sposób. Państwo przejęło rolę jedynego mecenasa sztuki. Uzupełniał zbiory muzealne, urządzał wystawy. W latach 1918–1919 Wydział Sztuk Pięknych Ludowego Komisariatu Oświaty otworzył ponad 20 wystaw – retrospektywnych i współczesnych, osobistych i zbiorowych. Gościli artystów reprezentujących różne nurty, od realistów po skrajną lewicę. Był to pierwszy w kraju szeroki przegląd sztuki.

Od 1922 r. państwo organizuje międzynarodowe wystawy radzieckich sztuk pięknych, które odniosły wielki sukces w wielu krajach Europy i Ameryki, a także w Japonii. Moskiewscy artyści zawsze byli na nich odpowiednio reprezentowani.

Aby lepiej zrozumieć specyfikę życia artystycznego Moskwy w tych latach, konieczne jest zapoznanie się z chronologią wystaw różnych stowarzyszeń, w których brali udział artyści niebędący członkami jednej lub drugiej grupy.

Pod koniec 1917 r. odbyły się w Moskwie wystawy stowarzyszeń powstałych przed rewolucją. Niektóre z nich - "Link", "Free Creativity" - przestały na tym istnieć. Inni - Moskiewski Salon, Walet Diamentów, Stowarzyszenie Wędrujących Wystaw Artystycznych, Związek Artystów Rosyjskich, Świat Sztuki - weszli w nowe życie i kontynuowali dalsze wystawianie. Wkrótce na bazie różnych sił jednoczących zaczęły powstawać zupełnie nowe formacje. Powstał nowy układ sił.

W 1919 r. jako pierwsze do działania przystąpiło stowarzyszenie młodych artystów (Obmohu). Absolwenci Vkhutemas, uczniowie A. V. Lentulova, A. M. Rodchenko, G. B. Yakulov, postawili sobie za zadanie realizację ważnych społecznie zleceń produkcyjnych, takich jak plakaty filmowe, szablony do plakatów do walki z analfabetyzmem, odznaki itp. n. Oprócz projektowania spektakle teatralne, ulice i place na uroczystości. Na wystawie można było zobaczyć kompozycje abstrakcyjne, a także metalowe konstrukcje przestrzenne. Obmohu zorganizowało cztery wystawy, po czym wielu jego uczestników podjęło pracę w teatrze, przemyśle poligraficznym, inni wstąpili do nowo powstałych stowarzyszeń. Bracia G. A. i V. A. Stenberg są reprezentowani na wystawie przez członków tego stowarzyszenia.

W tym samym roku 1919 wystawiono stowarzyszenie „Cwietodynamos i prymitywizm tektoniczny”. Studenci A. W. Szewczenki i A. W. Griszczenki w swojej pracy bronili konieczności i żywotności malarstwa sztalugowego. Interesujący i błyskotliwi malarze zadeklarowali się jako poważne zjawisko. Ale ich praca nie jest wystarczająco znana i zbadana (z wyjątkiem wybitnych przywódców). W 1923 roku grupa zorganizowała wystawę Towarzystwa Artystów Sztalugowych, a następnie stała się podstawą istniejącego do 1930 roku stowarzyszenia Pracowni Malarskich. Członkami stowarzyszenia byli R. N. Barto, N. I. Viting, B. A. Golopolosov, V. V. Kapterev, V. V. Pochitalov, K. N. Suryaev, G. M. Shegal i inni.

Nowe stowarzyszenia często tworzyli uczniowie Vkhutemas, nowej artystycznej instytucji edukacyjnej. Najwięksi artyści kraju w pierwszych latach porewolucyjnych brali udział w reformie szkolnictwa artystycznego, radykalnie aktualizując system i metody pedagogiczne. Pracowali w tworzonych przez siebie nowych placówkach oświatowych, które nastawione były na kształcenie artystów uniwersalnych. Mieli pracować w przyszłości w różnych dziedzinach sztuki – malarstwie sztalugowym, grafice, rzeźbie, a także w drukarstwie, teatrze, sztuce monumentalnej, dizajnie. Wiedza zdobyta w instytucie pozwoliła na bardzo szerokie i różnorodne zastosowanie jego talentu, jak pokazało późniejsze życie. Moskiewskim Wchutemasem przez kilka lat kierował VA Favorsky. Większość czołowych nauczycieli Vkhutemas-Vkhutein jest reprezentowana na wystawie: L. A. Bruni, P. V. Miturich, R. R. Falk i inni. Reprezentowani są także nauczyciele następnych pokoleń, którzy w swojej pracy zachowali tradycje Wyższych Chutemów – P. G. Zacharow, W. W. Poczitalow, I. I. Chekmazow, W. W. Faworskaja.

Moskwa zawsze była atrakcyjna dla artystów. Tak było aż do lat 20. Toczyło się tu burzliwe życie artystyczne, działało wielu wybitnych mistrzów sztuki, powstawały placówki oświatowe i prywatne pracownie, otwierano muzea, organizowano rozmaite wystawy. Z całego rozległego kraju przybywali tu młodzi ludzie, chętni do zdobycia wykształcenia artystycznego, wnosząc świeży nurt w życie kulturalne stolicy. Młodzi artyści starali się dołączyć do współczesnej sztuki europejskiej, ale tradycyjne wyjazdy zagraniczne stały się w tych latach niemożliwe. A dla większości studentów kolekcje nowej sztuki rosyjskiej i zachodniej, które były dostępne tylko w Moskwie, stały się głównym uniwersytetem. W latach dwudziestych XX wieku zbiory te były dogłębnie studiowane przez młodych, dawały im możliwość zapoznania się z nowymi pomysłami malarskimi i plastycznymi w celu wzbogacenia własnej twórczości.

W 1921 roku grupa futurystycznej młodzieży - A. A. Vesnin, L. S. Popova, A. M. Rodchenko, V. F. Stepanova, A. A. Exter - zorganizowała wystawę „5x5 = 25” i po zadeklarowaniu w deklaracji sztuki sztalugowej artyści przystąpili do produkcji. Kierując się ideami włączenia swojej twórczości w reorganizację otoczenia i życia codziennego, zaczęli zajmować się architekturą, teatrem, fotomontażem, meblami, ubiorem. Coraz więcej nowych zwolenników, takich jak VE Tatlin i jego uczniowie, było związanych z pracownikami produkcyjnymi i ich działalnością.

Nowy okres w życiu kraju rozpoczął się w 1922 roku, po zakończeniu wojny domowej. Życie zaczęło się poprawiać, ożywił się przemysł, ożywiło się życie kulturalne. Moskwa zostaje zatwierdzona jako oficjalna stolica wielonarodowego państwa. Odtąd wszystko, co ważne w sztuce i kulturze kraju, będzie w ten czy inny sposób związane z Moskwą.

Szczególnym bogactwem i różnorodnością wystaw wyróżniał się sezon 1922-1923.

Odbyły się wystawy Związku Artystów Rosyjskich, Świata Sztuki, Stowarzyszenia Wystaw Objazdowych. Po raz pierwszy swoje prace pokazali członkowie nowych stowarzyszeń „Genesis”, KNIFE, AHRR, „Makovets”.

„Nowe Towarzystwo Malarzy” (NOZh) zorganizowało jedyną wystawę, która spotkała się z powszechnym oburzeniem. Porzucając bezsensowne poszukiwania, młodzi artyści, uczniowie V. E. Tatlina, K. S. Malewicza, A. A. Estery, zwrócili się ku ostrym tematom społecznym, posługując się charakterystycznymi dla prymitywizmu technikami. Wystawa została przyjęta niejednoznacznie. W satyrycznym tonie prac urzędnicy dostrzegli kpinę z sowieckiego stylu życia. Jednocześnie niektórzy krytycy zauważyli odrodzenie obrazowości i emocjonalności w twórczości artystów. A. M. Gluskin, N. N. Popov, A. M. Nurenberg, M. S. Perutsky są członkami tego stowarzyszenia. W kolejnych latach wielu z nich weszło do Księgi Rodzaju. „Genesis”, grupa absolwentów Wchutemów, w swojej pracy potwierdziła tradycje moskiewskiej szkoły krajobrazu. Uczniowie P. P. Konczałowskiego i zwolennicy „Jack of Diamonds” zwrócili się ku realistycznemu malarstwu pejzażowemu, dążąc do zdobycia siły twórczej w zbliżaniu się do ziemi, po ukończeniu studiów udali się w malownicze okolice pod Moskwą i po przepracowaniu tam lata zorganizowali swoją pierwszą wystawę. Towarzystwo działało do 1930 roku, organizując siedem wystaw. Genesis obejmował: FS Bogorodsky, AM Gluskin, VV Kapterev, PP Konczałovsky, AV Kuprin, NA Lakov, AA Lebedev-Shuisky, SG Mukhin, AA Osmerkin, MS Perutsky, NN Popov, GI Rublev, AS Stavrovsky, SM Taratukhin, AN Chirkov , M. F. Shemyakin i inni.

W 1921 roku powstało jedno z najważniejszych stowarzyszeń artystycznych tamtych lat „Sztuka to życie” lub „Makowec”. Rok później na swojej pierwszej wystawie zaprezentował grupę zdolnych i utalentowanych malarzy i grafików, z których większość brała udział w wystawach w latach przedrewolucyjnych, takich jak Świat Sztuki, Salon Moskiewski itp. Skład stowarzyszenia był złożony i niejednorodny. Siłą cementującą było głębokie przywiązanie do sztuki, po części przyjacielskie więzi. Stowarzyszenie wydawało magazyn „Makovets”, wydając dwa numery. W opublikowanym manifeście „Nasz Prolog” zadeklarowali: „My z nikim nie walczymy, nie jesteśmy twórcami żadnego „izmu”. Nadchodzi czas jasnej kreatywności, kiedy sztuka odradza się w swoim niekończącym się ruchu, wymaga jedynie prostej mądrości natchnionego.

„Makovets” potwierdził w swojej twórczości wysoki profesjonalizm, duchowość, nieprzerwaną ciągłość tradycji w sztuce, przechodząc od starożytności do współczesności poprzez wszystkie wielkie epoki. Sztuka starożytnej Rosji miała dla nich trwałą wartość i źródło idei artystycznych. „Głęboki realizm” – tak określali twórczość tej grupy czołowi krytycy. Jego liderem był utalentowany artysta V. N. Chekrygin, który zmarł wcześnie. „Makowec” zorganizował trzy wystawy malarstwa i jedną wystawę rysunku. Wielu jego uczestników przeniosło się później do 4 Arts Society, OMX i innych. Jego uczestnikami byli T. B. Aleksandrowa, P. P. Babichev, E. M. Belyakova, L. A. Bruni, S. V. Gierasimow, L. F. Zhegin, K. K. Zefirov, K. N. Istomin, N. Kh. Maksimov, V. E. Pestel, M. S. Rodionov, S. M. Romanovich, N. Ya. Simonovich-Efimova, N. V. Sinezubov, R. A. Florenskaya, A. V. Fonvizin, V. N. Chekrygin, N. M. Chernyshev, A. V. Shevchenko, A. S. Yastrzhembsky i inni. W 1926 roku oddzieliła się od niego grupa artystów i utworzyła stowarzyszenie „Ścieżka Malarstwa”.

W 1922 roku po raz pierwszy Stowarzyszenie Artystów Rewolucyjnej Rosji (AHRR) wystąpiło z programem aktywnym społecznie, od 1928 roku Stowarzyszenie Artystów Rewolucji (AHR), organizując wystawy jedna po drugiej. AHRR wniósł coś nowego do życia artystycznego. Początkowy okres w jej działalności obfitował w wiele pozytywnych rzeczy: zrzeszanie utalentowanych artystów, tworzenie filii w różnych miastach, organizowanie wystaw objazdowych. Program AHRR opierał się na zadaniu dokumentowania rewolucyjnej rzeczywistości, ale deklarowany przez nich heroiczny, monumentalny realizm nie zawsze znajdował odzwierciedlenie w ich płótnach. Stopniowo w twórczości artystów AHRR-AHR zaczął dominować bezskrzydły, codzienny dokument.

Od początku istnienia AHRR walczy o przywództwo w życiu artystycznym, starając się być rzecznikiem państwa, arbitrem losów sztuki. Stowarzyszenie uznało sztukę za narzędzie walki ideologicznej. FS Bogorodsky, VK Byalynitsky-Birulya, BA Zenkevich, BV Ioganson, EA Katsman, PI Kotov, SM Luppov, II Mashkov, VN Meshkov, NM Nikonov, AM Nurenberg, VN Perelman, VS Svarog, GM Shegal, KF Yuon, VN Jakowlew. AHRR posiadało własne wydawnictwo, warsztaty plastyczne i produkcyjne. Wszystko to służyło szerokiej popularyzacji twórczości członków stowarzyszenia w wielkonakładowych reprodukcjach obrazów, ich kopiach. Często otrzymywała dotacje i zlecenia od Rewolucyjnej Rady Wojskowej na organizowanie wystaw. Zaplecze techniczne i materialne AHRR-AHR było nieporównanie potężniejsze niż wszystkich innych stowarzyszeń razem wziętych, stawiając artystów innych grup w nierównych warunkach życiowych i zawodowych. Te okoliczności, a co najważniejsze, pretensje Stowarzyszenia do przywództwa, wywołały ostro negatywne nastawienie i sprzeciw ze strony niemal wszystkich grup należących do innej koncepcji twórczej.

W następnym roku, w 1923 r., artyści Jacka Diamentowego wystąpili na Wystawie Malarstwa z grupą zbliżoną składem nie do okresu klasycznego (1910-1914), ale do lat późniejszych.W 1925 r. społeczeństwo, a trzy lata później stały się podstawą dużego stowarzyszenia „Towarzystwo Artystów Moskiewskich” (OMH).

W zmaganiach stowarzyszeń artystycznych centrum stanowił „Jack of Diamonds” reprezentowany przez Drevina, Konczałowskiego, Kuprina, Lentulowa, Osmerkina, Udaltsovej, Falka, Fiodorowa. Cała gama jego idei od ekspresjonizmu do prymitywizmu nadal istniała zarówno w pracy samych członków tego stowarzyszenia, jak iw innych stowarzyszeniach i grupach.

W 1923 r. Wystawiono także mniej znaczące stowarzyszenia - „Zgromadzenie”, „Towarzystwo Artystów Szkoły Moskiewskiej” i inne.

W 1924 r. „1 dyskusyjna wystawa stowarzyszeń aktywnej sztuki rewolucyjnej” zapoznała widza z absolwentami Wchutemów, którzy w następnym 1925 r. zjednoczyli się w Towarzystwie Malarzy Sztalugowych (OST) – jednym z najważniejszych w latach 20. Artyści A. O. Barshch, P. V. Williams, K. A. Vyalov, A. D. Goncharov, A. A. Deineka, A. N. Kozlov, A. A. Labas, S. A. Luchishkin, Yu I. Pimenov, N. A. Shifrin, D. N. Shterenberg - jeden z założycieli tego stowarzyszenia, które później obejmowało wielu mistrzowie - M. M. Axelrod, V. S. Alfeevsky, G. S. Berendhof, S N. Bushinsky, M. E. Gorshman, M. S. Granavtsev, E. S. Zernov, I. V. Ivanovsky, S. B. Nikritin, A. V. Shchipitsen i inni.

OST w swoim programie i twórczości potwierdziła wartość malarstwa sztalugowego w nowym znaczeniu, nie jako biernego lustrzanego odbicia rzeczywistości, ale jako twórczo przetworzonego, nasyconego myślą i emocjami odzwierciedlenia bytu w jego istocie, bogactwie i złożoności. Ich koncepcja łączyła osiągnięcia sztuki lewicowej z ostrym wyczuciem koloru, formy i rytmu, z wzmożoną emocjonalnością. Wszystko to korespondowało z nową tematyką ich obrazów, pejzażem miejskim, tematyką inscenizacji i sportem. Artyści tej grupy dużo pracowali w teatrze, poligrafii (plakaty, ilustracje). Następnie w 1931 r. Z OST wyłoniła się grupa Isobrigad - Williams, Vyalov, Zernova, Luchishkin, Nikritin.

W 1925 r. Na arenę wystawową wkroczyło nowe poważne i znaczące stowarzyszenie „4 sztuki”, w skład którego weszli przedstawiciele „Świata Sztuki”, „Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów”, „Błękitnej Róży”, „Makowec” i innych.

program zjednoczeniowy nie zawierał ostrych sformułowań i apeli, wyróżniał się powściągliwością. Wspólnym początkiem był przede wszystkim wysoki profesjonalizm. Doprowadziło to do szerokiego zakresu twórczych poszukiwań zawartych w stowarzyszeniu artystów - M. M. Axelrod, V. G. Bekhteev, L. A. Bruni, A. D. Goncharov, M. E. Gorshman, E. V. Egorova, I. V. Ivanovsky, K. N. Istomin, P. V. Kuznetsov, A. I. Kravchenko, N. N. Kupreyanov, A. T. Matveev, V.M. Midler, V.A. Milashevsky, P.V. Miturich, V.I. Mukhina, I.I. Nivinsky, P. Ya. Pavlinov, N. I. Padalitsyn, S. M. Romanovich, N. Ya. Simonovich-Efimova, M. M. Sinyakova-Urechina, A. A Soloveichik, M. M. Tarkhanov, VA Favorsky i inni. Do 1928 r. stowarzyszenie zorganizowało cztery wystawy.

W 1926 r. Rzeźbiarze moskiewscy po raz pierwszy zorganizowali wystawę rzeźby, a następnie utworzyli Towarzystwo Rzeźbiarzy Rosyjskich (ORS), które czterokrotnie prezentowało swoje prace na wystawach.

W pierwszych latach porewolucyjnych rzeźbiarze moskiewscy brali udział w realizacji planu monumentalnej propagandy. Wznieśli dwadzieścia pięć pomników w stolicy, a także w innych miastach. Większość z nich nie zachowała się, gdyż rzeźba została wykonana z kruchego materiału, a niektóre pomniki zostały celowo zniszczone. W kolejnych latach rzeźbiarze brali udział w różnych konkursach: na pomnik Karola Marksa na polu chodyńskim w Moskwie (1919), „Praca wyemancypowana”, na pomnik A. N. Ostrowskiego w Moskwie (1924). Rzeźbiarze prezentowali swoje prace na wystawach różnych stowarzyszeń.

S. F. Bulakovsky, A. S. Golubkina, I. S. Efimov, A. E. Zelensky, L. A. Kardashev, B. D. Korolev, S. D. Lebedeva, V. I. Mukhina, A. I. Teneta, I. G. Frikh-Har, D. A. Yakerson - członkowie OPC są prezentowani na tej wystawie ze szkicami i małe prace.

W 1926 roku, kontynuując proces tworzenia nowych grup artystów, wystawiono szereg stowarzyszeń, takich jak „Związek Artystów Realistów” (OHR), - V. P. Bychkov, V. K. Byalynitsky-Berulya, P. I. Kelin, E. V. Oranovsky, P. I. Petrovichev, L. V. Turzhansky i inni.

Grupa Drogi Malarstwa oddzieliła się od Makowca. Ta ciekawa, ale mało znana grupa artystów zorganizowała dwie wystawy (1927, 1928). W jej skład wchodzili TB Aleksandrova, PP Babichev, SS Grib, VI Gubin, LF Zhegin, VA Koroteev, GV Kostyukhin, VE Pestel.

W 1928 r. grupa młodzieży, uczniów R. R. Falka, zorganizowała wystawę społeczeństwa Rost. W jej skład wchodzili: E. Ya. Astafieva, N. V. Afanasyeva, L. Ya. Zevin, N. V. Kashina, M. I. Nedbaylo, B. F. Rybchenkov, O. A. Sokolova, P. M. Pusher, E. P. Shibanova, A. V. Shchipitsyn.

Jedno z największych i najbardziej znaczących pod względem składu „Towarzystwo Artystów Moskiewskich” (OMH) zostało zorganizowane w 1928 r., W skład którego weszli przedstawiciele „Jack of Diamonds”, „Makovets” i innych rozpadających się do tego czasu stowarzyszeń. OMX posiadało własne zaplecze produkcyjne i techniczne. Po zorganizowaniu dwóch wystaw (1928, 1929) został następnie zlikwidowany, podobnie jak inne stowarzyszenia. W skład OMC wchodzili artyści: S. V. Gerasimov, A. D. Drevin, K. K. Zefirov, V. P. Kiselev, A. V. Kuprin, P. P. Konchalovsky, B. D. Korolev, A. V. Luntulov, A. A. Lebedev-Shuisky, N. Kh. Maksimov, I. I. Mashkov, A. A. Osmerkin, MS Rodionov, SM Romanovich, GI Rublev, SM Taratukhin, NA Udaltsova, RR Falk, GV Fedorov, AV Fonvizin, VV Favorskaya, II Chekmazov, NM Chernyshev, AN Chirkov, GM Shegal, MF Shemyakin. W 1929 roku Grupa Artystów 13 wystawiła - artystów grafików i malarzy, podobnie myślących ludzi twórczych, którzy kierowali się nowoczesną sztuką europejską i kultywowali w swojej twórczości płynny byt rysując i malując z natury, utrwalając żywą, zmieniającą rzeczywistość, jej przemijalność . Pojawienie się tego stowarzyszenia zostało dobrze przyjęte przez opinię publiczną. Artyści mieli jednak szansę w pełni doświadczyć ataków wrogiej, wulgarnej krytyki skierowanej przeciwko lewicowym nurtom i odwoływaniu się do sztuki Zachodu. W "13" odbyły się dwie wystawy (1928, 1929). Do tej grupy należeli D. B. Daran, A. D. Drevin, L. Ya. Zevin, SD Iżewski, Nina i Nadieża Kaszina, N. W. Kuzmin, Z. R. Lieberman, T. A. Mavrina, W. A. ​​Milashevsky, M. I. Nedbaylo, S. N. Rastorguev, B. F. Rybchenkov, A. F. Sofronova, R. M. Semashkevich, NA Udaltsova. W 1930 roku powstały stowarzyszenia „Październik” i „Związek Artystów Radzieckich”. Oktyabr obejmował AA Daineka, GG Klutsis, DS Moor, AM Rodchenko, VF Stepanova.

Związek Artystów Radzieckich został założony przez artystów V.K. Byalynitsky-Birulya, KS Eliseev, PI Kotov, MV Matorin, AA Plastov, VS Svarog, VN Yakovlev i inni. Towarzystwo miało jedną wystawę (1931).

Na przełomie lat 20. i 30. zaczęto uporczywie rozwijać ideę utworzenia federacji grup twórczych. Jedną z prób był Rosyjski Związek Artystów Proletariackich (RAPH), w skład którego wchodziły AHR, OMAHR i OKhS. Powstała w 1931 r. Federacja Związków Artystów Radzieckich (FOSH) obejmowała AHR, RAPH, OKhK, MAHR, OMKh, ORS, OST, Izobrygad, ORP. FOSH zorganizował „antyimperialistyczną wystawę” poświęconą międzynarodowemu czerwonemu dniu.

W 1932 roku odbyły się ostatnie pokazy stowarzyszeń twórczych artystów.

Pod koniec lat dwudziestych wystąpienia w prasie drastycznie zmieniły swój charakter, wulgaryzacja w coraz większym stopniu przenikała na łamy wielu pism, takich jak Brygada Artystów, Za Sztukę Proletariacką i inne. Artyści i działacze kultury byli poddawani bezczelnej krytyce, bezkrytycznie i bezpodstawnie wysuwano wobec nich oskarżenia polityczne.

Te oskarżenia w dziedzinie kultury wynikały bezpośrednio ze zmian politycznych w kraju. W latach 1927–1928 zaczął się kształtować nowy totalitarny styl kierowania życiem kraju, aktywnie kształtowała się stalinowska biurokracja. Tworzyła się nowa normalna estetyka, zgodnie z którą artystom i postaciom kultury przypisywano rolę ilustratorów tych stanowisk ideologicznych, które bezpośrednio wyrażał Stalin i jego otoczenie. Artyści musieli brać udział w propagandzie idei partii, bezwzględnie reagować na chwilowe aktualne zjawiska życia. Wszystko to dotyczyło nie tylko sztuki propagandowo-masowej z jej dynamiczną reakcją na wydarzenia rzeczywistości, ale także sztuki sztalugowej. Tym samym artyści zostali pozbawieni prawa do głębokiego, twórczego, indywidualnego rozumienia rzeczywistości, jej duchowych problemów, do wyrażania swoich myśli i uczuć. Zaczęto organizować wystawy tematyczne, takie jak „Antyalkohol”, „Sztuka trzeciego decydującego roku pięciolatki” itp. Na takie wystawy artyści musieli stworzyć prace w jak najkrótszym czasie.

Jeśli chodzi o wystawy tematyczne poświęcone jakimkolwiek konkretnym zjawiskom, wydarzeniom, rocznicom, to jest to otwarcie lat 20. XX wieku. Jako pierwsi zorganizowali je członkowie AHRR, np. „Z życia i życia robotniczo-chłopskiej Armii Czerwonej” oraz „Życia i życia robotników” (1922), następnie ekspozycje poświęcone rocznicom Armii Czerwonej, która stała się tradycją. W swoje 10-lecie Rewolucyjna Rada Wojskowa opracowała tematykę prac i podpisała kontrakty z artystami. Ważna dla rozwoju sztuki radzieckiej była wystawa „Sztuka narodów ZSRR”, zorganizowana w 1927 roku przez Państwową Akademię Sztuk Pięknych, na której bardzo obszernie zaprezentowano twórczość wielu narodowości kraju.

Pod koniec lat dwudziestych na wystawach pojawiały się szkice i szkice z natury, portrety robotników i chłopów, górników i rybaków. Były efektem podróży artystów podróżujących w interesach, aby poznać życie kraju. Artyści otrzymali najbogatszy materiał do twórczości, zapoznali się z procesami produkcyjnymi w fabrykach i kopalniach, na polach iw artelach rybackich. Spotkałem ciekawych ludzi. Ale artyści nie potrafili wykorzystać tego materiału z autentycznym twórczym zaangażowaniem. Ideologiczne programowanie już zaczęło wpływać – widzieć i przedstawiać piękne, bezkonfliktowe, szczęśliwe życie.

Od połowy lat 20. w Moskwie coraz wyraźniej manifestowały się negatywne procesy w dziedzinie kultury i sztuki. Zaczęli tłoczyć się, a nawet po prostu niszczyć instytucje kultury. Jedno po drugim likwidowano proletariackie muzea. Zamknięto pierwsze Muzeum Nowego Malarstwa Zachodniego, a jego budynek przekazano resortom wojskowym. Dom Galerii Tsvetkova, zbudowany specjalnie dla muzeum, został oddany na mieszkania, pomimo petycji Galerii Trietiakowskiej. Moskiewskie Muzeum Publiczne i Rumiancewa zostało zamknięte wraz z przeniesieniem jego pomieszczeń i księgozbioru do Biblioteki ZSRR. VI Lenin. A zbiory malarstwa i grafiki, a także zbiory innych likwidowanych muzeów, przeniesiono do Państwowej Galerii Trietiakowskiej i Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych w ciasnych, przepełnionych pomieszczeniach, głównie w magazynach. W 1928 r. zlikwidowano Muzeum Kultury Malarskiej. Wszystko to nie mogło nie wpłynąć na życie artystyczne kraju i Moskwy w najbardziej negatywny sposób w kolejnych latach. Muzea były nie tylko najbardziej potrzebną szkołą dla artystów, ale odgrywały ważną rolę w kształtowaniu nowej publiczności. Muzea moskiewskie były zróżnicowane pod względem charakteru, zbiorów i skali. Stopniowo ulegały one unifikacji i standaryzacji, ich prężna działalność została później wprowadzona w ścisłe ramy określone przez urzędników zajmujących się sztuką. Likwidacja muzeów i inne działania w dziedzinie kultury celowo odrzuciły ludzi od prawdziwej sztuki i kultury wysokiej.

23 kwietnia 1932 r. Komitet Centralny Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików podjął uchwałę „O restrukturyzacji organizacji literackich i artystycznych”, która rozwiązała wszystkie stowarzyszenia artystyczne i zastąpiła je nową organizacją - Związkiem Artystów Radzieckich o jednorodnej strukturze i zarządzaniu, zbliżonym do każdego standardowego aparatu biurokratycznego do nadzorowania działalności artystów i wykonywania odgórnych decyzji. Szczególnie wielkie szkody wyrządzono Moskwie, gdzie życie duchowe od niepamiętnych czasów odznaczało się duchem wolności, niezależności i różnorodnością najróżniejszych zjawisk.

Lata trzydzieste XX wieku były najtragiczniejszymi latami w życiu naszego narodu. Nadszedł czas obojętności. Ciężkim wałem ideologicznym wszystko w kulturze zostało zmiażdżone i wyrównane, doprowadzone do jednolitości. Odtąd wszystko musi być zgodne z administracyjnymi instrukcjami zstępującymi z góry, które urzędnicy ze świata sztuki wściekle wcielają w życie.

Od końca lat 20. represje chwytały pojedynczych artystów, teraz z jeszcze większą siłą uderzają w postaci kultury. Wielu artystów zginęło w obozach, a ich prace przepadły bez śladu w trzewiach aparatu śledczego. Na wystawie prezentowane są prace artystów poddanych represjom - A. I. Grigoriewa, A. D. Drevina, A. K. Wingorskiego, L. L. Kwiatkowskiego, G. I. Klyunkova, G. D. Ławrowa, E. P. Leviny-Rozengoltsa, Z. I. Oskolkowa, P. F. Osipowa, N. I. Padalicyna, A. A. Pomanskiego, N. M. Semaszkiewicza, E. V. Safonova, M. K. Sokolov, Ya. I. Tsirelson, A. V. Shchipitsyn.

W sztuce zaczęto wspierać społecznie prestiżowe działania i gatunki: malowidło tematyczne wykonane w ścisłej zgodności z przepisami ideowymi, portrety członków rządu, przywódców partyjnych itp.

Entuzjazm ludu pracującego w budowaniu nowego życia rozbudzano wszelkimi sposobami w kraju. W podobny sposób wykorzystywano entuzjazm artystów i artystów, którzy w słabych zalążkach nowego pragnęli ujrzeć szczęśliwą przyszłość dla kraju i całej ludzkości, obiecaną z mównicy przez przywódcę partii. Starali się ucieleśnić te marzenia w swoich pracach, przedstawiając fikcyjne szczęśliwe życie, bez oglądania się na prawdziwe życie ludzi. Na wystawach dominowały płótna przepełnione fałszywym patosem, zafałszowaną treścią, oderwane od życia, lśniące świeżo malowanymi rekwizytami. Nierealne fantastyczne mity o powszechnym szczęściu i dobrobycie ludzi pod mądrym kierownictwem partii i jej lidera zaczęły rodzić się i sztucznie tworzyć w społeczeństwie.

Teraźniejszość i przeszłość kraju, jego historia, jego bohaterowie zostali zniekształceni. Nastąpił proces deformacji osobowości, „wykuto” ​​nową osobę, trybik w maszynie, pozbawiony indywidualnych potrzeb duchowych. Przykazania wysokiej moralności ludzkiej były zatkane kazaniami o walce klasowej. Wszystko to miało tragiczne konsekwencje dla sztuki i kultury kraju.

Charakter moskiewskich wystaw zmienił się diametralnie w latach trzydziestych XX wieku. Wyjątkowe i oryginalne występy grup i indywidualnych artystów, nasycone energią twórczych odkryć, zostały zastąpione wystawami amorficznymi typu „jesień”, „wiosna”, wystawy pejzaży, wykonawców, artystek itp. Nie zabrakło oczywiście , utalentowane prace. Nie nadawały jednak tonu, ale „ideologicznie zweryfikowane”, nawet jeśli nie dość artystyczne. Nadal urządzano ekspozycje tematyczne. Wśród nich znaczące i interesujące były wystawy: „Artyści RSFSR od 15 lat” (1933), która nadal jest w dużej mierze nawiązana do poprzedniego okresu, a także „Przemysł socjalizmu” (1939).

Większość prac na większe wystawy wykonano na zlecenie rządu. Walka o porządek, a co za tym idzie o uznanie, o byt materialny przybierała brzydkie formy. Teraz państwowy „mecenat” odwrócił się od uznania dla wielu utalentowanych artystów, którzy nie przyjęli oficjalnego kierunku w sztuce i nakazów wiodącego wydziału, tragedia ekskomuniki od widza.

Wielu artystów musiało wieść podwójne życie, wykonując prace na zamówienie według uregulowanych „przepisów”, a dla siebie w domu, w tajemnicy przed wszystkimi, pracować swobodnie i bez skrępowania, nie pokazując swoich najlepszych prac i nie licząc na to, że uda im się je wystawić. Ich nazwiska na długo opuściły karty katalogów wystaw. T. B. Aleksandrova, B. A. Golopolosov, T. N. Grushevskaya, L. F. Zhegin, A. N. Kozlov, V. A. Koroteev, G. V. Kostyukhin, E. P. Levina-Rozengolts, M. V. Lomakina, V. E. Pestel, I. N. Popov, M. K. Sokolov, M. M. Tarkhanov i inni, porzuciwszy sztukę oficjalną, stworzyli niezależnie , pozbawieni warsztatów, zakonów, a czasem nawet środków do życia, głodni, ale wolni w swej woli twórczej. Odizolowani od społeczeństwa, a nawet od siebie nawzajem, rozdzieleni, dokonywali swojego twórczego wyczynu samotnie. Utrzymywali się z nauczania, pracy w drukarni, teatrze, kinie, wnosząc wysoki profesjonalizm, smak i umiejętności do każdej dziedziny działalności.

Dzieła oficjalnie uznanych artystów najczęściej trafiały do ​​muzeów i zdobiły wnętrza oficjalnych instytucji różnych szczebli. Na tej wystawie nie ma takich prac. Prace artystów, którzy odeszli od realizacji zamówień, przez wiele lat trzymane były w domach.

Te obrazy z reguły nie są duże, wykonane na nie najlepszych płótnach, farby nie są najwyższej jakości. Tchną jednak prawdziwym życiem, posiadają nieprzemijający urok i niosą w sobie ogromne duchowe doświadczenie swoich czasów. Wyrażają złożony, czasem tragiczny światopogląd całego pokolenia, nie na zewnątrz, nie opisowo, ale wszelkimi środkami prawdziwej sztuki. Jeśli treść oficjalnych obrazów skierowana jest w stronę nieznanej, szczęśliwej przyszłości, z pominięciem dnia dzisiejszego, prawdziwi artyści pokazali prawdziwe życie współczesnych im w tej trudnej atmosferze braku wolności, prześladowań, a nie w obiecanym raju przyszłego światowego szczęścia. Ukazywali codzienny heroizm pokonywania niezliczonych trudności, upokorzeń, nieludzkości, potwierdzali prawdziwe wartości – życzliwość i miłość bliźniego, wiarę, hart ducha.

Krajobrazy K. N. Istomina, V. A. Korotejewa, A. I. Morozowa, O. A. Sokolovej, B. F. Rybczenkowa są liryczne, industrialne, miejskie, przepełnione głębokimi uczuciami, filozoficznymi refleksjami. Nawet martwe natury M. M. Sinyakovej-Urechiny, A. N. Kozlova, I. N. Popova są zaskakująco interesujące i niosą myśli o losie i czasie. Portret jest najjaśniejszy i najbardziej znaczący w twórczości E. M. Belyakova, D. E. Gurevicha, L. Ya Zevina, K. K. Zefirova, E. P. Levina-Rozengolts, A. I. Rubleva, R. A. Florenskaya i wielu innych mistrzów. Są to w większości portrety osób bliskich, krewnych. Z reguły przekazują poczucie głębokiego kontaktu portretowanej osoby z artystą. Czasami z wielką siłą odsłaniają wewnętrzne warstwy życia duchowego. Często artyści tamtych lat zwracali się ku tematyce biblijnej. Być może próbowali zrozumieć epokę i jej czyny przez pryzmat wartości uniwersalnych (L. F. Zhegin, S. M. Romanovich, M. K. Sokolov).

W ostatnich latach prace tych niegdyś oficjalnie nierozpoznanych artystów pokazywane były na wielu wystawach. Wychodząc z podziemia odsunęli na bok zdjęcia oficjalnego planu, dzięki wysokiej artystycznej perfekcji, drzemiącej w nich potężnej duchowej energii, budzącemu w widzu poczuciu prawdy. Są to prace artystów R. N. Barto, B. A. Golopolosov, A. D. Drevin, K. K. Zefirov, L. F. Zhegin, K. N. Istomin, M. V. Lomakina, A. I. Rubleva, GI Rubleva, N. V. Sinezubova, N. Ya. Simonovich-Efimova, N. A. Udaltsova, A. V. Shchipitsyn, R. A. Florenskaya i inni.

ta wystawa dostarcza wielu materiałów do refleksji, porusza wiele problemów, które wymagają dalszych szczegółowych badań. Stawia też najważniejsze pytanie o przyszłe losy całej moskiewskiej sztuki. Moskwa, potężny generator idei artystycznych, szkoła artystyczna i pedagogiczna, muzealne centrum kraju, obecnie nie ma możliwości stania przed widzem w całym swoim bogactwie i integralności. Od wielu lat niestrudzenie wzbogaca kraj, zapełniając muzea wszystkich regionów dziełami swoich artystów, rozdając wszystko, nie zostawiając nic dla siebie. Takich artystów jest wielu, których twórczość jest całkowicie rozproszona w różnych muzeach kraju iw ogóle nie jest reprezentowana w stolicy.

Prace prezentowane na tej wystawie są materiałem, który może stać się podstawą do stworzenia Moskiewskiego Muzeum Sztuki. To jego potencjalny fundusz. Ale może też zniknąć bez śladu, rozprzestrzeniając się po różnych muzealnych depozytach i kolekcjach prywatnych. Moskwa musi zająć się stworzeniem własnego muzeum i to natychmiast.

LI Gromowa

Kultura okresu sowieckiego i poradzieckiego jest jasną, wielkoformatową cewką rosyjskiego dziedzictwa. Wydarzenia 1917 roku stały się punktem odniesienia w rozwoju nowego sposobu życia, w kształtowaniu nowego sposobu myślenia. Nastroje społeczne przełomu XIX i XX wieku. zakończyła się rewolucją październikową, punktem zwrotnym w historii kraju. Teraz czekała na nową przyszłość z własnymi ideałami i celami. Sztuka, która w pewnym sensie jest zwierciadłem epoki, stała się także narzędziem realizacji założeń nowego ustroju. W przeciwieństwie do innych rodzajów twórczości artystycznej malarstwo, które kształtuje i kształtuje myśl człowieka, najdokładniej i bezpośrednio przeniknęło do świadomości człowieka. Z drugiej strony sztuka obrazkowa była w najmniejszym stopniu podporządkowana funkcji propagandowej i odzwierciedlała doświadczenia ludzi, ich marzenia, a przede wszystkim ducha czasu.

Rosyjska awangarda

Nowa sztuka nie uniknęła całkowicie starych tradycji. Malarstwo w pierwszych latach porewolucyjnych wchłonęło wpływy futurystów i ogólnie awangardy. Awangarda ze swoją pogardą dla tradycji przeszłości, tak bliska destrukcyjnym ideom rewolucji, znalazła zwolenników w obliczu młodych artystów. Równolegle z tymi nurtami rozwijały się w sztukach wizualnych tendencje realistyczne, które ożywił realizm krytyczny XIX wieku. Ta dwubiegunowość, dojrzewająca w okresie przemian epok, czyniła życie ówczesnego artysty szczególnie stresującym. Dwie ścieżki, które wyłoniły się w malarstwie porewolucyjnym, choć były przeciwieństwami, to jednak możemy zaobserwować wpływ awangardy na twórczość artystów realistycznych. Sam realizm w tamtych latach był różnorodny. Dzieła tego stylu mają symboliczny, agitacyjny, a nawet romantyczny wygląd. Absolutnie dokładnie przekazuje w symbolicznej formie wspaniałą zmianę w życiu kraju, dzieło B.M. Kustodiew – „bolszewik” oraz przepełniona żałosną tragedią i nieokiełznaną radością „Nowa planeta” K.F. Yuon.

Malarstwo P.N. Filonow ze swoją szczególną metodą twórczą - "realizmem analitycznym" - jest fuzją dwóch kontrastujących ze sobą nurtów artystycznych, co widać na przykładzie cyklu o propagandowym tytule i znaczeniu "Wkraczając w światowy rozkwit".

PN Filonow Statki z cyklu Wejście w światowy rozkwit. 1919 GTG

Niekwestionowany charakter uniwersalnych wartości ludzkich, niewzruszony nawet w tak niespokojnych czasach, wyraża obraz pięknej „Madonny Piotrogrodzkiej” (oficjalna nazwa „1918 w Piotrogrodzie”) autorstwa K.S. Petrov-Vodkin.

Pozytywne nastawienie do wydarzeń rewolucyjnych zaraża jasne i słoneczne, zwiewne prace pejzażysty A.A. Ryłow. Pejzaż „Zachód słońca”, w którym artysta wyraził przeczucie ognia rewolucji, który wybuchnie z narastającego płomienia ognia zagłady nad minioną epoką, jest jednym z inspirujących symboli tego czasu.

Wraz z symbolicznymi obrazami, które organizują podniesienie narodowego ducha i niosą ze sobą jak obsesję, pojawił się nurt malarstwa realistycznego, z pragnieniem konkretnego przeniesienia rzeczywistości.
Do dziś w dziełach z tego okresu tli się iskra buntu, która może objawić się w każdym z nas. Wiele dzieł, które nie miały takich cech lub były im przeciwne, zostało zniszczonych lub zapomnianych i nigdy nie zostaną ukazane naszym oczom.
Awangarda na zawsze odciska swoje piętno na malarstwie realistycznym, ale rozpoczyna się okres intensywnego rozwoju kierunku realizmu.

Czas stowarzyszeń artystycznych

Lata 20. to czas tworzenia nowego świata na ruinach pozostawionych przez wojnę secesyjną. Dla sztuki jest to okres, w którym z pełną mocą ruszyły różne stowarzyszenia twórcze. Ich zasady zostały częściowo ukształtowane przez wczesne ugrupowania artystyczne. Związek Artystów Rewolucji (1922 – AHRR, 1928 – AHRR) osobiście wykonywał rozkazy państwa. Pod hasłem „heroicznego realizmu” tworzący go artyści dokumentowali w swoich pracach życie i życie człowieka – twórcy rewolucji, w różnych gatunkach malarstwa. Głównymi przedstawicielami AHRR byli I.I. Brodskiego, który wchłonął realistyczne wpływy I.E. Repin, który pracował w gatunku historyczno-rewolucyjnym i stworzył całą serię prac przedstawiających V.I. Lenin, EM Cheptsov to mistrz codziennego gatunku, M.B. Grekowa, który malował sceny batalistyczne w dość impresjonistycznym szaleństwie. Wszyscy ci mistrzowie byli założycielami gatunków, w których wykonywali większość swoich dzieł. Wśród nich wyróżnia się płótno „Lenin w Smolnym”, na którym I.I. Brodski w najbardziej bezpośredniej i szczerej formie przekazał obraz przywódcy.

Na obrazie „Spotkanie komórki członkowskiej” E.I. Cheptsov bardzo rzetelnie, bez sztuczności przedstawia wydarzenia, które miały miejsce w życiu ludzi.

Wspaniały, radosny, hałaśliwy obraz wypełniony burzliwym ruchem i świętowaniem zwycięstwa tworzy M.B. Grekowa w kompozycji „Trębacze Pierwszej Armii Kawalerii”.

Pomysł nowej osoby, nowy wizerunek osoby wyrażają trendy pojawiające się w gatunku portretowym, których najjaśniejszymi mistrzami byli S.V. Malyutin i G.G. Ryażski. Na portrecie pisarza-wojownika Dmitrija Furmanowa, S.V. Malyutin pokazuje człowieka ze starego świata, któremu udało się dopasować do nowego świata. Deklaruje się nowy trend, który wywodzi się z prac N.A. Kasatkina i rozwinęła się w najwyższym stopniu w kobiecych obrazach G.G. Ryazhsky - „Delegat”, „Przewodnicząca”, w którym wymazuje się osobisty początek i ustala się typ osoby stworzony przez nowy świat.
Absolutnie dokładne wrażenie powstaje na temat rozwoju gatunku pejzażu na widok prac zaawansowanego malarza pejzażu B.N. Jakowlewa - „Transport jest coraz lepszy”.

B.N. Jakowlew Transport ma się coraz lepiej. 1923

Gatunek ten przedstawia odnawiający się kraj, normalizację wszystkich dziedzin życia. W tych latach na pierwszy plan wysuwa się pejzaż przemysłowy, którego obrazy stają się symbolami stworzenia.
Towarzystwo Malarzy Sztalugowych (1925) to kolejne stowarzyszenie artystyczne w tym okresie. Tu artysta starał się oddać ducha nowoczesności, typ nowej osoby, uciekając się do bardziej odległego przekazu obrazów ze względu na minimalną ilość środków wyrazu. W pracach „Ostovcewa” często pojawia się temat sportu. Ich malarstwo przepełnione jest dynamiką i ekspresją, co widać w pracach A.A. Deineka „Obrona Piotrogrodu”, Yu.P. Pimenova „Piłka nożna” itp.

Członkowie innego znanego stowarzyszenia – „Czterech Sztuk” – jako podstawę swojej twórczości obrali wyrazistość obrazu, wynikającą z zwięzłej i konstruktywnej formy, a także szczególny stosunek do jego bogactwa kolorystycznego. Najbardziej pamiętnym przedstawicielem stowarzyszenia jest K.S. Petrov-Vodkin i jedno z jego najwybitniejszych dzieł tego okresu - „Śmierć komisarza”, które poprzez specjalny język obrazkowy ujawnia głęboki symboliczny obraz, symbol walki o lepsze życie.

Ze składu „Czterech sztuk” P.V. Kuzniecow, prace poświęcone Wschodowi.
Ostatnim dużym stowarzyszeniem artystycznym tego okresu jest Towarzystwo Artystów Moskiewskich (1928), które różni się od innych sposobem energetycznego modelowania tomów, dbałością o światłocień i plastyczną wyrazistością formy. Niemal wszyscy przedstawiciele byli członkami „Tamburynowego Voltu” – zwolenników futuryzmu – co miało ogromny wpływ na ich twórczość. Prace P.P. Konczałowski, który pracował w różnych gatunkach. Na przykład portrety jego żony O.V. Konczałowskiej oddają specyfikę nie tylko ręki autora, ale także malarstwa całego stowarzyszenia.

23 kwietnia 1932 r. Dekretem „O restrukturyzacji organizacji literackich i artystycznych” rozwiązano wszystkie stowarzyszenia artystyczne i utworzono Związek Artystów ZSRR. Kreatywność wpadła w złowrogie kajdany sztywnej ideologizacji. Naruszona została wolność wypowiedzi artysty, będąca podstawą procesu twórczego. Mimo takiego załamania artyści zrzeszeni wcześniej w społecznościach kontynuowali swoją działalność, ale w środowisku malarskim wiodącą rolę objęły nowe postaci.
B.V. Ioganson był pod wpływem I.E. Repin i VI. Surikowa, na jego płótnach widać poszukiwanie kompozycyjne i ciekawe możliwości kolorystyczne, jednak obrazy autora odznaczają się nadmierną, niewłaściwą w tak naturalistyczny sposób postawą satyryczną, co możemy zaobserwować na przykładzie obrazu „Na Starym Uralu Zakład".

AA Deineka nie trzyma się z dala od „oficjalnej” linii sztuki. Nadal jest wierny swoim artystycznym zasadom. Teraz nadal pracuje w tematyce rodzajowej, poza tym maluje portrety i pejzaże. Obraz „Piloci przyszłości” dobrze ukazuje jego malarstwo z tego okresu: romantyczne, lekkie.

Artysta tworzy dużą liczbę prac o tematyce sportowej. Z tego okresu zachowały się jego akwarele, powstałe po 1935 roku.

Malarstwo z lat 30. przedstawia fikcyjny świat, iluzję jasnego i odświętnego życia. Artyście najłatwiej było pozostać szczerym w gatunku pejzażu. Rozwija się gatunek martwej natury.
Portret również podlega intensywnemu rozwojowi. PP Konczałowski pisze serię postaci kulturowych („V. Sofronitsky przy fortepianie”). Prace M.V. Niestierow, który wchłonął wpływ V.A. Sierow, pokaż osobę jako twórcę, którego istotą życia jest twórcze poszukiwanie. Tak widzimy portrety rzeźbiarza I.D. Shadr i chirurg S.S. Judin.

PD Korin kontynuuje tradycję portretową poprzedniego artysty, ale jego styl malarski polega na oddaniu sztywności formy, ostrzejszej, bardziej wyrazistej sylwetki i ostrej kolorystyki. Ogólnie rzecz biorąc, temat inteligencji twórczej ma duże znaczenie w portrecie.

Artysta na wojnie

Wraz z nadejściem Wielkiej Wojny Ojczyźnianej artyści zaczynają brać czynny udział w działaniach wojennych. Ze względu na bezpośrednią jedność z wydarzeniami, we wczesnych latach pojawiły się prace, których istotą jest utrwalenie tego, co się dzieje, „malowniczy szkic”. Często takim obrazom brakowało głębi, ale ich przekaz wyrażał całkowicie szczerą postawę artysty, szczyt moralnego patosu. Gatunek portretu osiąga względny dobrobyt. Artyści, widząc i doświadczając niszczycielskiego wpływu wojny, podziwiają jej bohaterów – ludzi z ludu, wytrwałych i szlachetnych duchem, którzy wykazali się najwyższymi przymiotami humanistycznymi. Takie tendencje zaowocowały uroczystymi portretami: „Portret marszałka G.K. Żukowa” P.D. Korina, wesołe buzie z P.P. Konczałowski. Duże znaczenie mają portrety inteligencji M.S. Saryan, stworzony w latach wojny - to obraz akademika „I.A. Orbeli”, pisarz „M.S. Shahinyan” i innych.

W latach 1940-1945 rozwinął się także gatunek pejzażowy i codzienny, który A.A. Plastow. „Faszysta odleciał” oddaje tragizm życia tego okresu.

Psychologizm pejzażu tutaj jeszcze bardziej wypełnia dzieło smutkiem i ciszą ludzkiej duszy, tylko wycie oddanego przyjaciela przecina wiatr zamętu. W końcu znaczenie krajobrazu zostaje przemyślane i zaczyna ucieleśniać surowy obraz wojny.
Osobno wyróżniają się obrazy narracyjne, na przykład „Matka partyzanta” S.V. Gierasimowa, który charakteryzuje się odmową gloryfikacji obrazu.

Malarstwo historyczne na czasie tworzy wizerunki bohaterów narodowych z przeszłości. Jednym z tych niezachwianych i inspirujących obrazów jest „Aleksander Newski” P.D. Korin, uosabiający niezwyciężonego, dumnego ducha ludu. W tym gatunku pod koniec wojny zarysowuje się nurt symulowanej dramaturgii.

Temat wojny w malarstwie

W malarstwie okresu powojennego ser. 1940 - zm. W latach pięćdziesiątych wiodącą pozycję w malarstwie zajmował temat wojny, jako moralnej i fizycznej próby, z której zwycięsko wyszedł naród radziecki. Rozwijają się gatunki historyczno-rewolucyjne, historyczne. Tematem przewodnim gatunku codzienności jest pokojowa praca, o której marzyło się przez wiele wojennych lat. Płótna tego gatunku są przesiąknięte radością i szczęściem. Artystyczny język codziennego gatunku staje się narracją i skłania się ku realizmowi. W ostatnich latach tego okresu zmianie ulega także krajobraz. Odradza się w nim życie regionu, ponownie zacieśnia się związek człowieka z naturą, pojawia się atmosfera wyciszenia. Miłość do natury śpiewana jest także w martwych naturach. Ciekawym rozwinięciem jest portret w twórczości różnych artystów, który charakteryzuje się przeniesieniem jednostki. Do wybitnych dzieł tego okresu należały: „List z frontu” A.I. Laktionov, dzieło podobne do okna na promienny świat;

kompozycja „Odpoczynek po bitwie”, w której Yu.M. Neprintsev osiąga taką samą żywotność obrazu jak A.I. Laktionow;

praca autorstwa A.A. Mylnikova „Na pokojowych polach”, radośnie radując się z końca wojny i ponownego zjednoczenia człowieka i pracy;

oryginalny obraz krajobrazu G.G. Nissky - „Nad śniegami” itp.

Surowy styl zastępujący socrealizm

Sztuka 1960-1980 jest nowym etapem. Rozwija się nowy „styl surowy”, którego zadaniem było odtworzenie rzeczywistości bez wszystkiego, co pozbawia dzieło głębi i wyrazistości oraz szkodzi przejawom twórczym. Cechowała go zwięzłość i uogólnienie obrazu artystycznego. Artyści tego stylu wychwalali heroiczny początek ciężkich dni pracy, który stworzyła specjalna emocjonalna struktura obrazu. „Styl surowy” był zdecydowanym krokiem w kierunku demokratyzacji społeczeństwa. Portret stał się głównym gatunkiem, dla którego pracowali zwolennicy tego stylu, rozwija się także portret grupowy, gatunek codzienny, gatunek historyczny i historyczno-rewolucyjny. V.E. Popkowa, który namalował wiele autoportretów, V.I. Iwanow jest zwolennikiem portretu grupowego, G.M. Korzhev, który stworzył płótna historyczne. Ujawnienie istoty „surowego stylu” można zobaczyć w obrazie „Geolodzy” P.F. Nikonow, „Odkrywcy polarni” A.A. i PA Smolins, „Płaszcz ojca” V.E. Popkow. W gatunku krajobrazu zainteresowanie przyrodą północną.

Symbolika epoki stagnacji

W latach 1970-1980. kształtuje się nowe pokolenie artystów, których twórczość w pewnym stopniu wpłynęła na sztukę współczesną. Charakteryzuje je język symboliczny, teatralna zabawa. Ich malarstwo jest dość artystyczne i wirtuozowskie. Głównymi przedstawicielami tego pokolenia są T.G. Nazarenko („Pugaczow”),

którego ulubionym tematem były wakacje i maskarada, A.G. Sitnikov, który używa metafory i przypowieści jako formy plastycznego języka, N.I. Nesterova, twórca niejednoznacznych obrazów („Ostatnia wieczerza”), I.L. Lubennikow, N.N. Smirnow.

Ostatnia Wieczerza. NI Niestierow. 1989

Tym samym ten czas jawi się w swojej różnorodności stylów i różnorodności jako ostateczne, formacyjne ogniwo dzisiejszej sztuki plastycznej.

Nasza epoka odkryła ogromne bogactwo malowniczego dziedzictwa poprzednich pokoleń. Współczesnego artysty nie ograniczają niemal żadne ramy definiujące, a czasem wrogie rozwojowi sztuk plastycznych. Niektórzy z dzisiejszych artystów starają się trzymać zasad sowieckiej szkoły realistycznej, ktoś odnajduje się w innych stylach i nurtach. Bardzo popularne są tendencje sztuki konceptualnej, które są niejednoznacznie postrzegane przez społeczeństwo. Bogactwo artystycznych i wyrazistych środków i ideałów, których dostarczyła nam przeszłość, musi zostać ponownie przemyślane i służyć jako podstawa dla nowych dróg twórczych i tworzenia nowego wizerunku.

Nasze warsztaty z historii sztuki

Nasza Galeria Sztuki Nowoczesnej oferuje nie tylko duży wybór sztuki radzieckiej i poradzieckiej, ale także regularnie prowadzi wykłady i kursy mistrzowskie z historii sztuki współczesnej.

Możesz zapisać się na kurs mistrzowski, zostawić życzenia dla klasy mistrzowskiej, w której chciałbyś uczestniczyć, wypełniając poniższy formularz. Na pewno przeczytamy dla Ciebie ciekawy wykład na wybrany przez Ciebie temat.

Czekamy na Ciebie w naszym LEKTORIUM!

S. Gierasimow „Zbiorowe wakacje w gospodarstwie rolnym”

Zapoznając się z dziełami sztuki radzieckiej, od razu zauważasz, że bardzo różni się ona od poprzedniego okresu w historii sztuki. Ta różnica polega na tym, że cała sztuka radziecka jest przesiąknięta sowiecką ideologią i została powołana do bycia dyrygentem wszystkich idei i decyzji państwa sowieckiego i partii komunistycznej, jako wiodącej siły społeczeństwa sowieckiego. O ile w sztuce XIX – początku XX wieku artyści poddawali zastaną rzeczywistość poważnej krytyce, o tyle w okresie sowieckim takie prace były nie do przyjęcia. Patos budowy socjalistycznego państwa przeniknął jak czerwona nitka do wszystkich sowieckich sztuk pięknych. Teraz, 25 lat po rozpadzie ZSRR, obserwuje się wzmożone zainteresowanie publiczności sztuką radziecką, zwłaszcza wśród młodych ludzi. Tak, a starsze pokolenie dużo zastanawia się nad minioną historią naszego kraju, a także interesuje się pozornie bardzo znanymi dziełami radzieckiego malarstwa, rzeźby i architektury.

Sztuka okresu Rewolucji Październikowej, wojny secesyjnej oraz lat 20-30.

W pierwszych latach po rewolucji iw latach wojny domowej ogromną rolę odegrały bojowy plakat polityczny. D.S. Moore i V.N. Denis są słusznie uważani za klasyków plakatu. Plakat Moora „Czy zgłosiłeś się na ochotnika?” a teraz urzeka wyrazistością obrazu.

Oprócz drukowanego plakatu, w latach wojny secesyjnej powstały ręcznie rysowane i szablonowane plakaty. To „ROSTA Windows”, w którym poeta V. Mayakovsky brał czynny udział.

W czasie wojny domowej W. I. Lenin sporządził monumentalny plan propagandowy, którego celem było wznoszenie w całym kraju pomników sławnych ludzi, którzy w ten czy inny sposób przyczynili się do przygotowania i przeprowadzenia rewolucji socjalistycznej. Wykonawcami tego programu są przede wszystkim rzeźbiarze N.A. Andriejew I.D. Shadr.

W latach dwudziestych XX wieku powstało stowarzyszenie, które odegrało znaczącą rolę w budowaniu nowego społeczeństwa radzieckiego - Rosja „(AHRR)” Stowarzyszenie Artystów Rewolucyjnej Rosji (AHRR).

W latach trzydziestych XX wieku powstał jeden Związek Artystów ZSRR, zrzeszający wszystkich artystów, którzy w swojej twórczości musieli kierować się metodą socrealizmu. Artyści starszego pokolenia (B. Kustodiew, K. Yuon i inni) i młodsi starali się odzwierciedlić to, co nowe w sowieckiej rzeczywistości.

W pracy I.I. Brodski odzwierciedlał wątek historyczny i rewolucyjny. Ten sam temat w twórczości M. Grekowa i K. Pietrowa-Wodkina jest niezwykle romantyczny.

W tych samych latach powstała epicka „Leniniana”, która stworzyła niezliczoną liczbę dzieł poświęconych W. I. Leninowi w okresie sowieckim.

M. Niestierow, P. Konczałowski, S. Gierasimow, A. Deineka, Y. Pimenow, G. Ryazhsky i inni artyści powinni być nazywani malarzami gatunkowymi (mistrzami gatunku codziennego) i portrecistami lat 20.-30. XX wieku.

Tacy artyści jak K.Yuon, A.Rylov, V.Baksheev i inni pracowali w dziedzinie krajobrazu.

Po rewolucji i wojnie domowej nastąpiła szybka budowa miast, w których powstało wiele pomników wybitnych postaci rewolucji, partii i państwa. Znani rzeźbiarze to A. Matveev, M. Manizer, N. Tomsky, S. Lebedeva i inni.

Radzieckie sztuki piękne 1941 -1945 i pierwsze lata powojenne

Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej sztuka radziecka zdecydowanie obalała powiedzenie, że „kiedy grzmią armaty, milczą muzy”. Nie, w okresie najokrutniejszych i najstraszniejszych wojen w dziejach ludzkości muzy nie milczały. Zaraz po perfidnym ataku faszystów niemieckich na Związek Radziecki pędzel, ołówek i dłuto artystów stały się potężną bronią w walce z wrogiem.

Bohaterski zryw ludu, jego jedność moralna stały się podstawą, na której powstała radziecka sztuka Wojny Ojczyźnianej. Przesiąknięty był ideami patriotyzmu. Idee te inspirowały plakacistów, inspirowały malarzy do tworzenia obrazów opowiadających o wyczynach narodu radzieckiego, determinowały treść prac we wszystkich rodzajach sztuki.

Ogromną rolę w tym czasie, podobnie jak w latach wojny domowej, odegrał plakat polityczny, w którym pracowali tacy artyści jak V.S. Ivanov, V.B. Koretsky i inni. W ich dziełach tkwi gniewny patos, w tworzonych przez nich obrazach ujawnia się nieugięta wola ludzi, którzy stanęli w obronie Ojczyzny.

Prawdziwy renesans przeżywa w czasie wojny ręcznie rysowany plakat. Na wzór „Okna ROSTA” w latach 1941 - 1945 powstały liczne arkusze „Okna TASS”. Wyśmiewali zaborców, demaskowali prawdziwą istotę faszyzmu, wzywali lud do obrony Ojczyzny. Wśród artystów pracujących w „Windows TASS” na pierwszym miejscu należy wymienić Kukryniksy (Kupriyanov, Krylov, Sokolov).

Seria graficzna tego czasu w przekonujący sposób opowiada o doświadczeniach narodu radzieckiego w latach wojny. Wspaniała seria rysunków D.A. Shmarinova „Nie zapomnimy, nie wybaczymy!” Surowość życia oblężonego Leningradu została uchwycona w cyklu rysunków A.F. Pachomowa „Leningrad w czasach blokady”.

Malarzom trudno było pracować w latach wojny: w końcu potrzeba czasu i odpowiednich warunków, materiałów, aby stworzyć gotowy obraz. Niemniej jednak było wiele płócien, które znalazły się w złotym funduszu sztuki radzieckiej. O trudnej codzienności wojny, o wojowniczych bohaterach opowiadają malarze z pracowni artystów wojskowych imienia A.B. Grekowa. Jeździli na fronty, brali udział w działaniach wojennych.

Artyści wojskowi uchwycili na swoich płótnach wszystko, co sami widzieli i czego doświadczyli. Wśród nich jest P.A. Krivonogov, autor obrazu „Zwycięstwo”, B.M. Nemensky i jego obraz „Matka”, wieśniaczka, która ukrywała żołnierzy w swojej chacie, która wiele przeżyła w trudnych dla Ojczyzny czasach.

Płótna o dużej wartości artystycznej tworzyli w tych latach A.A. Deineka, A.A. Plastov, Kukryniksy. Ich obrazy, poświęcone bohaterskim czynom narodu radzieckiego narodu radzieckiego z przodu iz tyłu, są przepojone szczerym podekscytowaniem. Artyści potwierdzają moralną wyższość narodu radzieckiego nad brutalną siłą faszyzmu. To manifestuje humanizm ludzi, ich wiarę w ideały sprawiedliwości i dobra. O odwadze narodu rosyjskiego świadczą historyczne płótna powstałe w czasie wojny, w tym cykl obrazów E.E. Lansere „Trofea rosyjskiej broni” (1942), tryptyk P.D. Korina „Aleksander Newski”, płótno A.P. .Bubnova „Poranek na polu Kulikovo”.

Portrety mówiły nam też wiele o ludziach w czasie wojny. W tym gatunku powstało wiele dzieł o wybitnych walorach artystycznych.

Galeria portretów z okresu Wojny Ojczyźnianej została uzupełniona wieloma dziełami rzeźbiarskimi. Ludzi o nieugiętej woli, odważnych postaciach, naznaczonych jasnymi różnicami indywidualnymi, przedstawiają rzeźbiarskie portrety S.D. Lebiediewa, N.V. Tomsky, V.I. Mukhina, V.E. Vuchetich.

Podczas Wojny Ojczyźnianej sztuka radziecka godnie wypełniała swój patriotyczny obowiązek. Artyści doszli do zwycięstwa po głębokich doświadczeniach, które pozwoliły w pierwszych latach powojennych tworzyć dzieła o złożonej i wieloaspektowej treści.

W drugiej połowie lat 40. i 50. sztuka wzbogaciła się o nowe wątki i obrazy. Jego głównymi zadaniami w tym okresie było odzwierciedlenie sukcesów budownictwa powojennego, wychowanie w moralności i ideałach komunistycznych.

Rozkwit sztuki w latach powojennych w dużej mierze ułatwiła działalność Akademii Sztuk ZSRR, w skład której wchodzą najwybitniejsi mistrzowie.

Sztuka lat powojennych charakteryzuje się także innymi cechami, które dotyczą przede wszystkim jej treści. W tych latach wzrosło zainteresowanie artystów wewnętrznym światem człowieka. Stąd uwaga, jaką malarze, rzeźbiarze, graficy przykładają do portretów i kompozycji rodzajowych, które pozwalają wyobrazić sobie ludzi w różnych sytuacjach życiowych i ukazują oryginalność ich charakterów i przeżyć. Stąd szczególna ludzkość i ciepło wielu dzieł poświęconych życiu i życiu narodu radzieckiego.

Oczywiście w tym czasie artyści nadal martwią się wydarzeniami z ostatniej wojny. Wciąż na nowo zwracają się do wyczynów ludu, do bolesnych doświadczeń narodu radzieckiego w trudnych czasach. Znane są takie płótna z tamtych lat, jak „Maszeńka” B. Niemenskiego, „List z przodu” A. Laktionowa, „Odpoczynek po bitwie” J. Niemenskiego , „Powrót” V. Kosteckiego i wielu innych.

Płótna tych artystów są interesujące, ponieważ temat wojny jest w nich rozwiązany w codziennym gatunku: rysują sceny z życia narodu radzieckiego na wojnie i na tyłach, opowiadają o ich cierpieniu, odwadze, bohaterstwie.

Warto zauważyć, że obrazy o treści historycznej są również często rozwiązywane w tym okresie w gatunku codziennym. Stopniowo spokojne życie narodu radzieckiego, które zastąpiło trudy lat wojny, znajduje coraz pełniejsze i dojrzalsze wcielenie w twórczości wielu artystów. Pojawia się duża liczba obrazów rodzajowych (tj. Obrazów z gatunku codziennego), uderzających różnorodnością tematów i wątków. Takie jest życie sowieckiej rodziny, z jej prostymi radościami i smutkami („Znowu dwójka!” F. Reshetnikova), to jest gorąca praca w fabrykach i fabrykach, w kołchozach i sowchozach („Chleb” T. Yablonskaya , „Na spokojnych polach” A. Mylnikowa). To jest życie sowieckiej młodzieży, rozwój dziewiczych ziem itp. Szczególnie ważny wkład w malarstwo rodzajowe wnieśli w tym okresie artyści A. Plastow, S. Czuikow, T. Sałachow i inni.

W tych latach z powodzeniem rozwijało się portretowanie - są to P. Korin, V. Efanov i inni artyści. W dziedzinie malarstwa pejzażowego w tym okresie pracowali oprócz najstarszych artystów, w tym M. Saryan, R. Nissky, N. Romadin i inni.

W kolejnych latach sztuki piękne okresu sowieckiego nadal rozwijały się w tym samym kierunku.

DS Moore

DS Moore

K. Petrov-Vodkin „1918 w Piotrogrodzie” (1920)

ID Shadr „brukowiec-broń proletariatu”

Gierasimow - urlop kołchozowy 1937

S. Gierasimow „Matka partyzanta”

DS Moore

P. Konczałowski „Liliowy w koszu” (1933)

NA Andreev „VI Lenin”

M. Grekov „Sztandar i trębacz” (1934)

Iwanowa Anna, uczennica 9 klasy gimnazjum nr 380

Praca ta zawiera opis okresu, głównych nurtów i kierunków malarstwa radzieckiego w latach 20-30 XX wieku.

Ściągnij:

Zapowiedź:

https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

W latach dwudziestych XX wieku pojawiły się stowarzyszenia „Bycie” i „NÓŻ” (Nowe Towarzystwo Malarzy). Artyści stosowali techniki prymitywizmu, preferując pejzaże i martwe natury. Pojawiło się Towarzystwo Czterech Sztuk (1924-1931), w skład którego oprócz malarzy (P. Kuzniecow, A. Krawczenko, Sorin i in.) ). Cztery sztuki były zdecydowanie przeciwne awangardyzmowi. „Makovets” (1921-1926) to nie tylko stowarzyszenie, ale także czasopismo o tej samej nazwie. Do stowarzyszenia należeli L. Żegin, N. Czernyszew, W. Faworski, A. Fonwizin, A. Szewczenko, S. Gierasimow.

W imieniu rosyjskiej awangardy przemawiali „Afirmatywi Nowej Sztuki” - UNOVIS (1919-1920), którzy najpierw osiedlili się w Witebsku (Malewicz, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov itp.), A następnie rozprzestrzenili się na inne miasta. W 1923 r. w Piotrogrodzie powstał GINHUK (Państwowy Instytut Kultury Artystycznej). W Moskwie INKhUK istniał od 1920 r. Najpierw jego przewodniczącym był Kandinsky, następnie Rodczenko, a następnie Osip Brik. Członkowie UNOVIS i INHUK byli ostro agresywni wobec tradycyjnej sztuki z przeszłości i głosili „komunistyczną kreatywność zbiorową”.

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji, załóż konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Lazar Lissitzky, „Lecą z daleka na Ziemię” Anna Leporskaya, „Chłopka w polu” Kazimierz Malewicz, „Chłop”

Różnorodne i sprzeczne zjawiska kultury rosyjskiej początku XX wieku: symbolizm, kubizm, konstruktywizm, rajonizm, suprematyzm, futuryzm, kubofuturyzm.

Symboliści starali się wyrazić doświadczenie duchowe, przeżycia emocjonalne w obrazach wizualnych. Symbolika miała „ubrać ideę w formę uczucia”. Vrubel, „Demon” Borysow-Musatow, „Majowe kwiaty”

Kubizm to modernistyczny ruch w sztukach wizualnych (głównie w malarstwie), który powstał w 1. ćwierci XX wieku. Pojawienie się kubizmu przypisuje się 1907 r. Lentulov, „Krajobraz z żółtą bramą” Chagall, „Ja i wieś”

Konstruktywizm to styl malarski, który po raz pierwszy powstał w Rosji w 1913 roku, kiedy rosyjski rzeźbiarz Władimir Tatlin podczas swojej podróży do Paryża zetknął się z dziełami Braque'a i Picassa. Kiedy Tatlin wrócił do Rosji, zaczął tworzyć podobne prace. Stały się one początkiem konstruktywizmu, który na tle ówczesnej sztuki miał szczególny wygląd. Aleksander Radczenko Lubow Popowa

Rajonizm to nurt rosyjskiego malarstwa awangardowego, jeden z najwcześniejszych nurtów w sztuce abstrakcyjnej. Opiera się na przesunięciu widma światła i przepuszczalności światła. Uważano, że człowiek postrzega nie sam przedmiot, ale „sumę promieni pochodzących ze źródła światła, odbitych od przedmiotu i złapanych w naszym polu widzenia”. Promienie na płótnie są przekazywane za pomocą kolorowych linii Michaił Larionow, „Szkło” Romanowicz, „Lilie w stawie”

Futuryści wznieśli swoisty prototyp przyszłości poprzez burzenie kulturowych stereotypów. Byli jak rewolucjoniści w sztuce, gdyż celem była powszechna odnowa ideologii i światopoglądu etycznego wszystkich poprzedników. Goncharova, „Słup soli” Exter, „Wino”

Realizm w pierwszych latach rewolucji ma inny „kolor” w twórczości różnych artystów: symboliczny – u Kustodiewa, Yuona, Konenkowa, propagandowy – u Czechonina, romantyczny – u Ryłowa. Konenkow Czechonin

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji, załóż konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Malarstwo radzieckie z lat 20-30 XX wieku. Ukończyła uczennica klasy 9a Liceum nr 380 Ivanova Anna

Ryłowa, „W błękitnej przestrzeni”

Drukowano je w dużych ilościach w różnych językach narodowych, dzięki czemu przenikały do ​​najodleglejszych zakątków kraju. Tak więc pierwszy plakat wydawnictwa Wszechrosyjskiego Centralnego Komitetu Wykonawczego „Car, papież i pięść” (1918) został natychmiast opublikowany w 10 językach. Lakonizm linii, sylwetki, koloru, inskrypcji, prymitywizm języka przyczyniły się do szybkiej czytelności tego, co zostało przedstawione na plakacie, jego ostro propagandowej orientacji. Plakat był przystępny dla analfabetów i zupełnie niepiśmiennych, nawoływał do walki z wrogiem w zrozumiałej dla każdego formie.

Tak więc malarstwo w latach 20-30 w Związku Radzieckim zaczęło być kontrolowane przez władze, ale były też stowarzyszenia, w których artyści wprowadzali w życie nowe idee, idee, starali się przekazać wszystkim swoją wizję tego, co dzieje się w kraju i świat.

W 1934 roku na I Ogólnounijnym Kongresie Pisarzy Radzieckich Maksym Gorki sformułował podstawowe zasady socrealizmu jako metody radzieckiej literatury i sztuki. Ten moment wyznacza początek nowej ery sztuki radzieckiej, ze ściślejszą kontrolą ideologiczną i schematami propagandowymi.

Podstawowe zasady:

• - Narodowość. Z reguły bohaterami dzieł socrealistycznych byli robotnicy miejscy i wiejscy, robotnicy i chłopi, przedstawiciele inteligencji technicznej i personelu wojskowego, bolszewicy i ludzie bezpartyjni.
• - Ideologia. Pokaż spokojne życie ludzi, poszukiwanie dróg do nowego, lepszego życia, bohaterskie czyny w celu osiągnięcia szczęśliwego życia dla wszystkich ludzi.
• - Specyfika. W obrazie rzeczywistości pokazać proces rozwoju historycznego, który z kolei musi odpowiadać materialistycznemu pojmowaniu historii (w procesie zmiany warunków swojego istnienia ludzie zmieniają swoją świadomość i stosunek do otaczającej rzeczywistości).

W latach następujących po tej uchwale Komitetu Centralnego WKPB w sprawie restrukturyzacji organizacji literackich i artystycznych odbyło się wiele ważnych wydarzeń, których celem było rozwijanie sztuki w kierunku wymaganym przez państwo. Poszerza się praktyka zamówień państwowych, kreatywnych podróży służbowych, wielkoformatowych wystaw tematycznych i rocznicowych. Radzieccy artyści tworzą wiele dzieł (tablice, monumentalne, dekoracyjne) dla przyszłości WOGNu. Oznaczało to ważny etap w odrodzeniu sztuki monumentalnej jako niezależnej. W tych pracach stało się oczywiste, że przyciąganie sztuki radzieckiej do monumentalności nie jest przypadkowe, ale odzwierciedla „wspaniałe perspektywy rozwoju społeczeństwa socjalistycznego”.

W 1918 roku Lenin w rozmowie z K. Zetkinem określił zadania sztuki w społeczeństwie sowieckim: „Sztuka należy do ludu. Musi mieć swoje najgłębsze korzenie w głębi szerokich mas pracujących. Musi być rozumiana przez te masy i kochana przez nie. Musi jednoczyć uczucia, myśli i wolę tych mas, podnosić je. Powinna budzić w nich artystów i rozwijać ich.”

W omawianym okresie, obok już istniejących dziedzin sztuki, pojawiło się kilka zasadniczo nowych, na przykład awangarda.

W ramach stylu monumentalizmu największym zainteresowaniem cieszy się rzeźba. Podobnie jak wszystkie inne kierunki w sztuce radzieckiej, rzeźba tego okresu miała agitacyjny charakter i patriotyczną treść w fabułach. Duże znaczenie dla rozwoju rzeźby miał Leninowski plan propagandy monumentalnej, przyjęty w 1918 r. Zgodnie z tym planem na terenie całego kraju miały powstawać pomniki propagujące nowe rewolucyjne wartości. W prace zaangażowani byli wybitni rzeźbiarze: N.A. Andriejewa (późniejszego twórcy rzeźbiarskiej Leniniany). Innym wybitnym rzeźbiarzem tego okresu jest Ivan Shadr. W 1922 stworzył pomniki „Robotnik”, „Siewca”, „Chłop”, „Armia Czerwona”. Oryginalność jego metody polega na uogólnieniu obrazu na podstawie określonej fabuły gatunkowej, potężnego modelowania tomów, ekspresyjności ruchu, romantycznego patosu. Jego najbardziej uderzającą pracą jest „Bruk brukowy jest narzędziem proletariatu. 1905" (1927). W tym samym roku na terenie elektrowni wodnej na Kaukazie ZAGES wzniósł pomnik Lenina własnego autorstwa – „jeden z najlepszych”. Vera Mukhina jest również uformowana jako mistrz w latach 20. W tym okresie tworzy projekt pomnika „Praca wyemancypowana” (1920, niezachowany), „Wieśniaczka” (1927). Spośród bardziej dojrzałych mistrzów odnotowuje się twórczość Sarah Lebiediewy, która tworzyła portrety. W swoim rozumieniu formy bierze pod uwagę tradycje i doświadczenia impresjonizmu. Alexander Matveev charakteryzuje się klasyczną jasnością w zrozumieniu konstruktywnych podstaw plastyczności, harmonii rzeźbiarskich mas i stosunku objętości w przestrzeni („Rozbierająca się kobieta”, „Kobieta zakładająca but”), a także słynny „Październik” (1927), w którym w skład kompozycji wchodzi 3 nagich mężczyzn.figury - połączenie tradycji klasycznych i ideału „człowieka epoki rewolucji” (atrybuty - sierp, młot, budenowka).

Formy sztuki zdolne do „życia” na ulicach w pierwszych latach po rewolucji odegrały kluczową rolę w „kształtowaniu świadomości społecznej i estetycznej ludu rewolucyjnego”. Dlatego wraz z rzeźbą monumentalną najbardziej aktywny był rozwój plakatu politycznego. Okazała się najbardziej mobilną i operacyjną formą sztuki. W okresie wojny secesyjnej gatunek ten charakteryzowały następujące cechy: „ostrość prezentacji materiału, błyskawiczna reakcja na szybko zmieniające się wydarzenia, orientacja propagandowa, dzięki której główne cechy plastycznego języka plakatu zostały uformowany. Okazały się lakonizmem, umownością obrazu, wyrazistością sylwetki i gestu. Plakaty były niezwykle powszechne, drukowane w dużych ilościach i rozwieszane wszędzie. Szczególne miejsce w opracowaniu plakatu zajmuje ROSTA Okna satyry, w których wybitną rolę odegrali Czeremnyk, Michaił Michajłowicz i Władimir Majakowski. Są to plakaty szablonowe, ręcznie kolorowane i z poetyckimi napisami na temat dnia. Odegrały ogromną rolę w propagandzie politycznej i stały się nową formą figuratywną. Projekt artystyczny uroczystości to kolejne nowe zjawisko sztuki radzieckiej, które nie miało tradycji. Święta obejmowały rocznice rewolucji październikowej, 1 maja, 8 marca i inne sowieckie święta. Stworzyło to nową, nietradycyjną formę sztuki, która nadała malarstwu nową przestrzeń i funkcję. Na święta powstały monumentalne tablice, które charakteryzowały się ogromnym monumentalnym propagandowym patosem. Artyści tworzyli szkice do projektów placów i ulic.

W projektowaniu tych świąt wzięły udział następujące osoby: Petrov-Vodkin, Kustodiev, E. Lansere, S. V. Gerasimov.

Radziecka historia sztuki podzieliła mistrzów malarstwa radzieckiego tego okresu na dwie grupy:

• - artyści, którzy starali się uchwycić fabułę w zwykłym obrazowym języku przedstawiania faktów;
• - artyści, którzy posługiwali się bardziej złożonym, figuratywnym postrzeganiem nowoczesności.

Tworzyli symboliczne obrazy, w których starali się wyrazić swoje „poetyckie, natchnione” postrzeganie epoki w jej nowym stanie. Konstantin Yuon stworzył jedną z pierwszych prac poświęconych obrazowi rewolucji (Nowa planeta, 1920, Państwowa Galeria Trietiakowska), w której wydarzenie interpretowane jest w skali uniwersalnej, kosmicznej. Petrov-Vodkin w 1920 roku stworzył obraz „1918 w Piotrogrodzie (Madonna Piotrogrodzka)”, rozwiązując w nim problemy etyczne i filozoficzne tamtych czasów. Arkady Ryłow, jak wierzono, w swoim pejzażu „W błękitnej przestrzeni” (1918) również myśli symbolicznie, wyrażając „swobodny oddech ludzkości, uciekający w rozległe przestrzenie świata, do romantycznych odkryć, do wolnych i mocnych przeżyć”. ”.

Na grafice pojawiają się też nowe obrazki. Nikolai Kupreyanov „w złożonej technice drzeworytu stara się wyrazić swoje wrażenia z rewolucji” („Samochody pancerne”, 1918; „Salwa Aurory”, 1920). W latach trzydziestych malarstwo monumentalne stało się nieodzowną częścią całej kultury artystycznej. Zależała ona od rozwoju architektury i była z nią mocno związana. Przedrewolucyjne tradycje kontynuował w tym czasie były artysta World of Art Evgeny Lansere - obraz sali restauracyjnej Dworca Kazańskiego (1933) świadczy o jego pragnieniu mobilnej formy barokowej. Przebija się przez płaszczyznę sufitu, rozszerzając przestrzeń na zewnątrz. Deineka, który również w tym czasie wnosi wielki wkład w malarstwo monumentalne, działa inaczej. Jego mozaiki stacji Majakowskaja (1938) powstały w nowoczesnym stylu: ostrości rytmu, dynamice lokalnych kolorowych plam, energii kątów, konwencji przedstawiania postaci i przedmiotów. Tematyka to głównie sport. Favorsky, znany grafik, również wniósł swój wkład w malarstwo monumentalne: swój system konstrukcji formy, rozwinięty w ilustracji książkowej, zastosował do nowych zadań. Jego malowidła ścienne w Muzeum Macierzyństwa i Niemowlęctwa (1933, wspólnie z Lwem Brunim) i Domu Modelek (1935) pokazują jego rozumienie roli samolotu, połączenie fresku z architekturą opartą na doświadczeniach starożytnego malarstwa rosyjskiego. (obie prace nie zachowały się).

Konstruktywizm stał się stylem dominującym w architekturze lat dwudziestych XX wieku.

Konstruktywiści starali się wykorzystać nowe możliwości techniczne do tworzenia prostych, logicznych, uzasadnionych funkcjonalnie form, celowych projektów. Przykładem architektury radzieckiego konstruktywizmu są projekty braci Vesnin. Najbardziej okazały z nich - Pałac Pracy nigdy nie został zrealizowany, ale miał znaczący wpływ na rozwój architektury krajowej. Niestety zniszczeniu uległy również zabytki architektury: dopiero w latach 30. w Moskwie zniszczono Wieżę Suchariowa, Sobór Chrystusa Zbawiciela, Cudowny Klasztor na Kremlu, Czerwoną Bramę i setki mało znanych kościołów miejskich i wiejskich, z których wiele miało wartość historyczną i artystyczną.

W związku z politycznym charakterem sztuki radzieckiej powstaje wiele stowarzyszeń i ugrupowań artystycznych z własnymi platformami i manifestami. Sztuka poszukiwała i była różnorodna. Głównymi ugrupowaniami były AHRR, OST, a także „4 arts”. Stowarzyszenie Artystów Rewolucyjnej Rosji zostało założone w 1922 roku. Jej trzon stanowili dawni Wędrowcy, których sposób bycia miał ogromny wpływ na podejście grupy – realistyczny język codziennego pisania zmarłych Wędrowców, „chodzenie do ludzi” i ekspozycje tematyczne. Oprócz tematyki obrazów (dyktowanej przez rewolucję) AHRR charakteryzowała się organizacją wystaw tematycznych, takich jak „Życie i życie robotników”, „Życie i życie Armii Czerwonej”.

Główni mistrzowie i dzieła grupy: Izaak Brodski („Przemówienie Lenina w fabryce Putiłowa”, „Lenin w Smolnym”), Georgy Ryazhsky („Delegat”, 1927; „Przewodniczący”, 1928), portrecista Siergiej Malyutin („ Portret Furmanowa", 1922), Abram Arkhipow, Efim Czeptow („Spotkanie wiejskie”, 1924), Wasilij Jakowlew („Transport jest coraz lepszy”, 1923), Mitrofan Grekow („Tachanka”, 1925, później „Do Kuban” i „Trębacze Pierwszej Kawalerii”, 1934). Towarzystwo Artystów Sztalugowych, założone w 1925 r., skupiało artystów o mniej konserwatywnych poglądach malarskich, głównie studentów WCHUTEMASU. Były to: Williams „Powstanie hamburskie”, Deineka („Przy budowie nowych warsztatów”, 1925; „Przed zejściem do kopalni”, 1924; „Obrona Piotrogrodu”, 1928), Labas Łuczyszkin („Piłka odleciała ”, „Kocham życie ”), Pimenov („Przemysł ciężki”), Tyshler, Shterenberg i inni. Popierali hasło odrodzenia i rozwoju malarstwa sztalugowego, ale kierowali się nie realizmem, a doświadczeniem współczesnych im ekspresjonistów. Spośród tematów blisko im było uprzemysłowienie, życie miejskie i sport. Towarzystwo Czterech Sztuk zostało założone przez artystów należących niegdyś do Świat Sztuki i Błękitnej Róży, dbających o kulturę i język malarstwa. Najwybitniejsi członkowie stowarzyszenia: Pavel Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Saryan, Favorsky i wielu innych wybitnych mistrzów. Społeczeństwo charakteryzowało się zapleczem filozoficznym z odpowiednią ekspresją plastyczną. Towarzystwo Artystów Moskiewskich obejmowało byłych członków stowarzyszeń Malarzy Moskiewskich, Makowiec i Genesis, a także członków Jacka Diamentowego. Najbardziej aktywni artyści: Piotr Konczałowski, Ilja Maszkow, Lentułow, Aleksander Kuprin, Robert Falk, Wasilij Rożdiestwienski, Osmerkin, Siergiej Gierasimow, Nikołaj Czernyszew, Igor Grabar. Artyści tworzyli „tematyczne” obrazy, wykorzystując zgromadzony „wallet karo” i tak dalej. tendencje szkoły awangardowej. Twórczość tych grup była symptomem tego, że świadomość mistrzów starszego pokolenia próbowała przystosować się do nowych realiów. W latach dwudziestych XX wieku odbyły się dwie duże wystawy, które utrwaliły trendy - z okazji 10. rocznicy października i Armii Czerwonej, a także „Wystawa sztuki narodów ZSRR” (1927).

Wiodąca sfera rozwoju literatury w latach 20. niewątpliwie jest poezją. Pod względem formy życie literackie pozostało w dużej mierze takie samo. Podobnie jak na początku wieku, ton nadawały jej środowiska literackie, z których wiele przetrwało krwawe ciężkie czasy i nadal działało w latach 20.: symboliści, futuryści, acmeiści itp. Powstają nowe kręgi i stowarzyszenia, ale rywalizacja wykraczają one obecnie poza sferę artystyczną i często nabierają wydźwięku politycznego. Największe znaczenie dla rozwoju literatury miały stowarzyszenia RAPP, Pereval, Bracia Serapionowowie i LEF.

RAPP (Rosyjskie Stowarzyszenie Pisarzy Proletariackich) ukształtowało się na I Ogólnounijnej Konferencji Pisarzy Proletariackich w 1925 r. W jego skład weszli pisarze (wśród najsłynniejszych A. Fadiejew i D. Furmanow) oraz krytycy literaccy. Poprzednikiem RAPP był Proletkult, jedna z najbardziej masowych organizacji założona w 1917 roku. Traktowali oni jako „wrogów klasowych” prawie wszystkich pisarzy, którzy nie byli członkami ich organizacji. Wśród autorów atakowanych przez członków RAPP byli nie tylko A. Achmatowa, Z. Gippius, I. Bunin, ale nawet tacy uznani „śpiewacy rewolucji”, jak M. Gorki i W. Majakowski. Ideową opozycję wobec RAPP tworzyła grupa literacka „Pass”.

Grupa Serapion Brothers powstała w 1921 roku w Piotrogrodzkim Domu Sztuki. W skład grupy weszli tak znani pisarze, jak V. Ivanov, M. Zoshchenko, K. Fedin i inni.

LEF - lewy przód sztuki. Stanowiska członków tej organizacji (W. Majakowski, N. Asejew, S. Eisenstein i inni) są bardzo sprzeczne. Łącząc futuryzm z nowatorstwem w duchu proletariackim, wpadli na bardzo fantastyczny pomysł stworzenia pewnego rodzaju „produkcyjnej” sztuki, która miała pełnić w społeczeństwie utylitarną funkcję zapewniania atmosfery sprzyjającej produkcji materialnej. Sztuka traktowana była jako element konstrukcji technicznej, bez podtekstów, fikcji psychologizmu itp.

Ogromne znaczenie dla rozwoju literatury rosyjskiej XX wieku. grał poetyckie dzieło V. Ya Bryusova, E. G. Bagritsky'ego, O. E. Mandelstama, B. L. Pasternaka, D. Biednych, „chłopskich” poetów, których najjaśniejszym przedstawicielem był przyjaciel Jesienina N. A. Klyuev. Szczególną kartą w historii literatury rosyjskiej jest twórczość poetów i pisarzy, którzy nie zaakceptowali rewolucji i zostali zmuszeni do opuszczenia kraju. Wśród nich są takie nazwiska jak M. I. Tsvetaeva, Z. N. Gippius, I. A. Bunin, A. N. Tołstoj, V. V. Nabokov. Niektórzy z nich, zdając sobie sprawę z niemożności życia z dala od ojczyzny, wrócili później (Cwietajewa, Tołstoj). Tendencje modernistyczne w literaturze ujawniły się w twórczości E. I. Zamiatina, autora fantastycznej powieści dystopijnej „My” (1924). Literatura satyryczna lat 20. reprezentowane przez opowiadania M. Zoshchenko; powieści współautorów I. Ilfa (IA Fainzilberg) i E. Pietrowa (EP Kataev) „Dwanaście krzeseł” (1928), „Złoty cielec” (1931) itp.

w latach 30. pojawiło się kilka ważnych dzieł, które weszły do ​​​​historii kultury rosyjskiej. Szołochow tworzy powieści „Quiet Flows the Don”, „Virgin Soil Upturned”. Dzieło Szołochowa zyskało światowe uznanie: za zasługi literackie otrzymał Nagrodę Nobla. W latach trzydziestych M. Gorky ukończył swoją ostatnią epicką powieść Życie Klima Samgina. Bardzo popularne było dzieło N. A. Ostrowskiego, autora powieści „Jak hartowano stal” (1934). A. N. Tołstoj („Piotr I” 1929–1945) stał się klasykiem radzieckiej powieści historycznej. Lata dwudzieste i trzydzieste to okres rozkwitu literatury dziecięcej. Kilka pokoleń ludzi radzieckich dorastało na książkach K. I. Czukowskiego, S. Ya. Marshaka, AP Gajdara, S. V. Michałkowa, A. L. Barto, V. A. Kaverina, L. A. Kassila, VP Kataevy.

W 1928 roku, nękany sowiecką krytyką, MA Bułhakow, bez nadziei na publikację, zaczyna pisać swoją najlepszą powieść Mistrz i Małgorzata. Prace nad powieścią trwały aż do śmierci pisarza w 1940 roku. Praca ta została opublikowana dopiero w 1966 roku. Pod koniec lat 80. ukazały się prace A.P. Płatonowa (Klimentowa) „Chevengur”, „Pit”, „Juvenile Sea” . Poeci A. A. Achmatowa, B. L. Pasternak pracowali „na stole”. Los Mandelstama (1891-1938) jest tragiczny. Poeta o niezwykłej sile i wielkiej precyzji figuratywnej należał do tych pisarzy, którzy zaakceptowawszy w swoim czasie Rewolucję Październikową, nie mogli się odnaleźć w społeczeństwie stalinowskim. W 1938 był represjonowany.

w latach 30. Związek Radziecki stopniowo zaczyna odgradzać się od reszty świata. Za „żelazną kurtyną” było wielu rosyjskich pisarzy, którzy mimo wszystko nadal pracują. Pisarzem pierwszej wielkości był poeta i prozaik Iwan Aleksiejewicz Bunin (1870-1953). Bunin od samego początku nie zaakceptował rewolucji i wyemigrował do Francji (opowiadanie „Miłość Mitii”, powieść „Życie Arseniewa”, zbiór opowiadań „Ciemne zaułki”). W 1933 otrzymał Nagrodę Nobla.

Na początku lat 30. istnienie wolnych kół i grup twórczych dobiegło końca. W 1934 r. Na I Ogólnounijnym Kongresie Pisarzy Radzieckich zorganizowano „Związek Pisarzy”, do którego zmuszono wszystkich ludzi zajmujących się pracą literacką. Związek Pisarzy stał się instrumentem totalnej kontroli władzy nad procesem twórczym. Nie można było nie należeć do Związku, gdyż w tym przypadku pisarz został pozbawiony możliwości publikowania swoich utworów, a ponadto mógł zostać pociągnięty do odpowiedzialności karnej za „pasożytnictwo”. M. Gorky stał u początków tej organizacji, ale jego przewodnictwo w niej nie trwało długo. Po jego śmierci w 1936 r. przewodniczącym został A. A. Fadiejew. Oprócz Związku Pisarzy zorganizowano inne związki „twórcze”: Związek Artystów, Związek Architektów, Związek Kompozytorów. W sztuce radzieckiej rozpoczął się okres jednolitości.

Rewolucja uwolniła potężne siły twórcze. Wpłynęło to również na rozwój rodzimej sztuki teatralnej. Powstały liczne grupy teatralne. Ważną rolę w rozwoju sztuki teatralnej odegrał Teatr Dramatyczny Bolszoj w Leningradzie, którego pierwszym dyrektorem artystycznym został A. Blok. V. Meyerholda, teatr. E. Wachtangow, Teatr Moskiewski. Rada Miejska Moskwy.

Do połowy lat dwudziestych datuje się pojawienie się dramaturgii radzieckiej, która miała ogromny wpływ na rozwój sztuki teatralnej. Ważniejsze wydarzenia sezonów teatralnych 1925-1927. stalowy „Burza” V. Bill-Belotserkovsky w teatrze. MGSPS, „Love Yarovaya” K. Treneva w Teatrze Małym, „Pęknięcie” B. Ławreniewa w Teatrze. E. Wachtangowa oraz w Teatrze Dramatycznym Bolszoj „Pociąg pancerny 14-69” W. Iwanowa w Moskiewskim Teatrze Artystycznym. Klasyka zajmowała mocne miejsce w repertuarze teatralnym. Próby jej ponownego odczytania podejmowały zarówno teatry akademickie (Gorące serce A. Ostrowskiego w Moskiewskim Teatrze Artystycznym), jak i „lewicowcy” („Las” A. Ostrowskiego i „Generalny inspektor” N. Gogola w Teatrze im. V. Teatr Meyerholda).

Jeśli teatry dramatyczne odbudowywały swój repertuar do końca pierwszej sowieckiej dekady, to nadal główne miejsce w działalności zespołów operowych i baletowych zajmowała klasyka. Jedynym większym sukcesem w odzwierciedleniu współczesności była inscenizacja baletu Czerwony mak (Czerwony kwiat) R. Glière'a. W krajach Europy Zachodniej i Ameryki L.V. Sobinow, A.V. Nieżdanowa, N.S. Golovanov, zespół Moskiewskiego Teatru Artystycznego, Teatr Kameralny, Studio. E. Vakhtangov, Kwartet starożytnych instrumentów rosyjskich

Życie muzyczne kraju w tamtych latach związane jest z nazwiskami S. Prokofiewa, D. Szostakowicza, A. Chaczaturiana, T. Chrennikowa, D. Kabalewskiego, I. Dunajewskiego i innych. Młodzi dyrygenci E. Mravinsky, B. Khaikin wyszedł na pierwszy plan. Powstały zespoły muzyczne, które później gloryfikowały rodzimą kulturę muzyczną: Kwartet. Beethovena, Wielkiej Państwowej Orkiestry Symfonicznej, Państwowej Filharmonii itp. W 1932 roku powstał Związek Kompozytorów ZSRR.

Wraz z aktorami starszego pokolenia (M. N. Ermolova, A. M. Yuzhin, A. A. Ostuzhev, V. I. Kachalov, O. L. Knipper-Czechowa) wyłaniał się nowy rewolucyjny teatr. Poszukiwanie nowych form scenicznej ekspresji jest charakterystyczne dla teatru działającego pod kierunkiem V. E. Meyerholda (obecnie Meyerhold Theatre). Na scenie tego teatru wystawiano sztuki V. Majakowskiego Tajemniczy buff (1921), Pluskwa (1929) i inne.Wielki wkład w rozwój teatru wniósł dyrektor III pracowni Moskiewskiego Teatru Artystycznego; organizator i lider Teatru Kameralnego, reformator sztuki scenicznej A. Ya Tairov.

Jedno z najważniejszych i najciekawszych zjawisk w historii kultury lat 20. XX wieku. był początkiem rozwoju kina radzieckiego. Rozwija się kino dokumentalne, które obok plakatu stało się jednym z najskuteczniejszych narzędzi walki i agitacji ideologicznej. Ważnym kamieniem milowym w rozwoju kina fabularnego był film Siergieja Michajłowicza Eisensteina (1898 - 1948) "Pancernik Potiomkin" (1925), który stał się jednym ze światowych arcydzieł. Krytykowano symbolistów, futurystów, impresjonistów, wyobrażaczy itp. Zarzucano im „dziwactwa formalistyczne”, że ich sztuka nie jest potrzebna narodowi radzieckiemu, że jest wrogo nastawiona do socjalizmu. Kompozytor D. Szostakowicz, reżyser S. Eisenstein, pisarze B. Pasternak, Yu Olesha i inni byli represjonowani.

kultura polityczna ideologia totalitaryzmu