Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści należą do przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I uwierz mi, ich dzieła zapadną w Twojej pamięci nie mniej głęboko niż dzieła mistrza z minionych epok.
Wojciecha Babskiego
Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył Politechnikę Śląską, ale związał się z. Ostatnio maluje głównie kobiety. Skupia się na manifestacji emocji, dąży do uzyskania jak największego efektu prostymi środkami.
Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z nowymi technikami. Ostatnio coraz większą popularność zdobywa za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z powodzeniem sprzedaje swoje prace, które można już znaleźć w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.
Warrena Changa
Warren Chang jest współczesnym amerykańskim artystą. Urodzony w 1957 roku i wychowany w Monterey w Kalifornii, w 1981 roku ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie, uzyskując tytuł Bachelor of Fine Arts w dziedzinie sztuk pięknych. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim rozpoczął karierę jako profesjonalny artysta w 2009 roku.
Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa wywodzi się z twórczości XVI-wiecznego malarza Jana Vermeera i rozciąga się na przedmioty, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, uczniów, pracownie, sale lekcyjne i wnętrza domów. Jego celem jest stworzenie nastroju i emocji w jego realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.
Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki wizualne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters Association of America, największej społeczności malarstwa olejnego w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Obecnie Warren mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, uczy też (znany jako utalentowany nauczyciel) w San Francisco Academy of the Arts.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni jest włoskim artystą. Urodzony 15 października 1955 w Blair. Ukończyła scenografię w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, samodzielnie bowiem „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym jeszcze w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.
Wczesne malarstwo Bruniego jest zakorzenione w surrealizmie, ale z czasem zaczyna skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symbolizmu, wzmacniając to połączenie znakomitym wyrafinowaniem i czystością swoich postaci. Przedmioty ożywione i nieożywione nabierają równej godności i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za zasłoną, ale pozwalają zobaczyć esencję swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, zamyślenie i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony blaskiem sztuki i harmonią muzyki.
Aleksander Balos
Alkasandr Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodził się w 1970 roku w Gliwicach, ale od 1989 roku mieszka i pracuje w USA, w mieście Shasta w Kalifornii.
Jako dziecko studiował sztukę pod kierunkiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, więc od najmłodszych lat działalność artystyczna miała pełne wsparcie ze strony obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i artystka pracująca w niepełnym wymiarze godzin, Cathy Gaggliardi, zachęciła Alcasandera do zapisania się do szkoły artystycznej. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee Wisconsin, gdzie studiował malarstwo u profesora filozofii Harry'ego Rosina.
Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata, Balos przeniósł się do Chicago, aby studiować w Szkole Sztuk Pięknych, której metody opierają się na pracach Jacquesa-Louisa Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos posługuje się ludzką postacią, aby podkreślić cechy i wady ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.
Kompozycje fabularne jego obrazów mają na celu samodzielną interpretację widza, dopiero wtedy płótna nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu zakres jego twórczości znacznie się rozszerzył i obecnie obejmuje swobodniejsze metody malowania, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrazić idee i ideały bycia poprzez malarstwo.
Alicja Monks
Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodziła się w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Już jako dziecko zainteresowała się malarstwem. Uczęszczała do The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, aw 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo Medici we Florencji.
Następnie kontynuowała studia w ramach programu studiów magisterskich w New York Academy of Art, na Wydziale Sztuki Figuratywnej, którą ukończyła w 2001 roku. Ukończyła Fullerton College w 2006 roku. Przez krótki czas wykładała na uniwersytetach i instytucjach edukacyjnych w całym kraju oraz uczyła malarstwa w nowojorskiej Akademii Sztuki, a także na Montclair State University i Lyme Academy College of Art.
„Korzystając z filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi wyspami koloru — częściami ludzkiego ciała.
Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utrwalone już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Uważnemu widzowi mogłyby powiedzieć wiele o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak korzyści płynące z pływania, tańca itp. Moje postacie są przyciśnięte do szyby kabiny prysznicowej, zniekształcając własne ciało, zdając sobie sprawę, że w ten sposób wpływają na osławione męskie spojrzenie na nagą kobietę. Grube warstwy farby są mieszane ze sobą, aby z daleka naśladować szkło, parę wodną i mięso. Jednak z bliska ujawniają się niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję moment, w którym abstrakcyjne pociągnięcia stają się czymś innym.
Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu mnie to zafascynowało, a nawet miało na jego punkcie obsesję i poczułem, że muszę sprawić, by moje obrazy były jak najbardziej realistyczne. „Wyznawałem” realizm, dopóki ten nie zaczął się rozpadać i dekonstruować. Teraz badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style mogą współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.
Antoni Finelli
włoski artysta - obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech między Rzymem a Campobasso. Jego prace były wystawiane w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: w Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, znajdują się także w kolekcjach prywatnych i publicznych.
Rysunki ołówkiem" Obserwator czasu Antonio Finelli wysyła nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej czasowości i rygorystycznej analizie tego świata z nim związanego, której głównym elementem jest upływ czasu i ślady jakie pozostawia na skórze.
Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika twarzy wskazuje na upływ czasu, artysta ma też nadzieję na odnalezienie na ciałach swoich bohaterów dowodów na bezwzględność czasu. Antonio określa swoje prace jednym ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować prawdziwe skutki upływu czasu w człowieku.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma troje dzieci. Dwanaście lat mieszkała w Rzymie, trzy lata w Anglii i Francji. Ukończył historię sztuki w BD School of Art. Następnie otrzymała dyplom w specjalności konserwator dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.
Pasja Flaminii do malarstwa narodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „coiffer la pate”, a także bawi się materiałem. Podobną technikę poznała w pracach artysty Pascala Torua. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper i François Legrand, a także różnymi nurtami artystycznymi: street artem, chińskim realizmem, surrealizmem i renesansowym realizmem. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.
Denis Czernow
Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Akademii Sztuk Pięknych w 1998 roku zamieszkał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował również na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.
Regularnie bierze udział w wystawach sztuki, w tej chwili było ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość prac Denisa Czernowa znajduje się w zbiorach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.
Denis pracuje w szerokim zakresie technik graficznych i malarskich. Rysowanie ołówkiem to jedna z jego ulubionych technik malarskich, tematyka jego rysunków ołówkiem jest również bardzo różnorodna, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.
Światowa historia sztuk pięknych pamięta wiele niesamowitych przypadków związanych z powstaniem i dalszymi perypetiami słynnych obrazów. Dzieje się tak dlatego, że dla prawdziwych artystów życie i praca są ze sobą zbyt ściśle powiązane.
Krzyk Edvarda Muncha
Rok powstania: 1893
Materiały: karton, olej, tempera, pastel
Lokalizacja: Galeria Narodowa,
Słynny obraz „Krzyk” norweskiego artysty ekspresjonistycznego Edvarda Muncha jest ulubionym tematem dyskusji mistyków na całym świecie. Niektórym wydaje się, że płótno przepowiadało straszne wydarzenia XX wieku z jego wojnami, katastrofami ekologicznymi i Holokaustem. Inni są pewni, że obraz przynosi nieszczęście i chorobę sprawcom.
Życie samego Muncha trudno nazwać pomyślnym: stracił wielu krewnych, był wielokrotnie leczony w klinice psychiatrycznej i nigdy nie był żonaty.
Nawiasem mówiąc, artysta czterokrotnie reprodukował obraz „Krzyk”.
Istnieje opinia, że \u200b\u200bjest wynikiem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał Munch. Tak czy inaczej widok zdesperowanego mężczyzny z dużą głową, otwartymi ustami i rękami przy twarzy wciąż szokuje każdego, kto dziś ogląda płótno.
„Wielki Masturbator” Salvadora Dali
Rok założenia: 1929
Materiały: olej, płótno
Lokalizacja: Centrum Sztuki Reina Sofia,
Opinia publiczna zobaczyła obraz „Wielki masturbator” dopiero po śmierci szokującego mistrza i najsłynniejszego surrealisty Salvadora Dali. Artysta trzymał go we własnej kolekcji w Dali Theatre Museum w Figueres. Uważa się, że niezwykłe płótno może wiele powiedzieć o osobowości autora, w szczególności o jego bolesnym stosunku do seksu. Jednak możemy tylko zgadywać, jakie motywy faktycznie kryją się w obrazie.
Przypomina to układanie rebusu: pośrodku obrazu znajduje się kanciasty profil skierowany w dół, podobny albo do samego Dali, albo do skały na wybrzeżu katalońskiego miasta, a w dolnej części wznosi się naga kobieca postać. głowa - kopia kochanki artysty Gala. Na obrazie pojawiają się także szarańcza, która wywołała u Dali niewytłumaczalny strach, oraz mrówki – symbol rozkładu.
„Rodzina” Egona Schielego
Rok założenia: 1918
Materiały: olej, płótno
Miejsce: Galeria Belvedere,
Kiedyś piękny obraz austriackiego artysty Egona Schiele nazwano pornografią, a artysta trafił do więzienia za rzekome uwodzenie nieletniej.
Za taką cenę otrzymał miłość do wzoru swojego nauczyciela. Obrazy Schiele są jednymi z najlepszych przykładów ekspresjonizmu, jednocześnie są naturalistyczne i pełne przerażającej rozpaczy.
Modelkami Schiele były często nastolatki i prostytutki. Ponadto artysta był zafascynowany sobą - jego spuścizna obejmuje szeroką gamę autoportretów. Schiele napisał płótno „Rodzina” na trzy dni przed własną śmiercią, przedstawiając swoją ciężarną żonę, która zmarła na grypę, oraz ich nienarodzone dziecko. Być może nie jest to najdziwniejsze, ale zdecydowanie najbardziej tragiczne dzieło malarza.
„Portret Adele Bloch-Bauer” Gustava Klimta
Rok powstania: 1907
Materiały: olej, płótno
Lokalizacja: Nowa Galeria,
Historię powstania słynnego obrazu austriackiego artysty Gustava Klimta „Portret Adele Bloch-Bauer” można słusznie nazwać szokującym. Żona austriackiego magnata cukrowniczego Ferdynanda Blocha-Bauera została muzą i kochanką artysty. Chcąc zemścić się na nich obojgu, zraniony mąż zdecydował się na oryginalną metodę: zamówił u Klimta portret swojej żony i nękał go niekończącymi się docinkami, zmuszając do wykonania setek szkiców. Ostatecznie doprowadziło to do tego, że Klimt stracił dawne zainteresowanie swoim modelem.
Prace nad obrazem trwały kilka lat, a Adele patrzyła, jak zanikają uczucia jej kochanka. Podstępny plan Ferdynanda nigdy nie został ujawniony. Dziś „austriacka Mona Lisa” jest uważana za narodowy skarb Austrii.
Czarny supermatyczny kwadrat Kazimierza Malewicza
Rok założenia: 1915
Materiały: olej, płótno
Miejsce: Państwowa Galeria Trietiakowska,
Minęło prawie sto lat, odkąd rosyjski artysta awangardowy Kazimierz Malewicz stworzył swoje słynne dzieło, a spory i dyskusje nie ustają do dziś. Pojawiając się w 1915 roku na futurystycznej wystawie „0,10” w „czerwonym rogu” sali przeznaczonej na ikonę, obraz zaszokował publiczność i na zawsze wychwalał artystę. To prawda, że dziś niewiele osób wie, że obrazy supermatyczne to malarstwo nieobiektywne, w którym kolor rządzi piłką, a „Czarny kwadrat” w rzeczywistości nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy.
Nawiasem mówiąc, jedna z wersji historii powstania płótna mówi: artysta nie miał czasu dokończyć pracy nad obrazem, więc był zmuszony pokryć dzieło czarną farbą, w tym momencie jego przyjaciel wszedł do warsztatu i wykrzyknął: „Wspaniale!”.
„Pochodzenie świata” Gustave'a Courbeta
Rok powstania: 1866
Materiały: olej, płótno
Lokalizacja: Musee d'Orsay,
Obraz francuskiego malarza realisty Gustave'a Courbeta przez bardzo długi czas uważany był za niezwykle prowokacyjny i przez ponad 120 lat nie był znany szerszej publiczności. Naga kobieta leżąca na łóżku z wyciągniętymi nogami, a dziś wywołuje niejednoznaczną reakcję publiczności. Z tego powodu w Musee d'Orsay jeden z pracowników pilnuje obrazu.
W 2013 roku francuski kolekcjoner ogłosił, że w jednym z paryskich antykwariatów natknął się na fragment obrazu, na którym widoczna jest głowa modelki. Eksperci potwierdzili przypuszczenie, że dla artysty pozowała Joanna Hiffernan (Joe). Podczas pracy nad obrazem miała romans z uczniem Courbeta, artystą Jamesem Whistlerem. Zdjęcie sprowokowało ich rozstanie.
„Mężczyzna i kobieta przed kupą ekskrementów” Joana Miro
Rok powstania: 1935
Materiały: olej, miedź
Miejsce: Fundacja Joana Miro,
Rzadki widz, patrząc na obraz hiszpańskiego artysty i rzeźbiarza Joana Miro, skojarzyłby się z okropnościami wojny domowej. Ale to właśnie okres przedwojennych niepokojów w Hiszpanii w 1935 roku stał się tematem obrazu o obiecującym tytule „Mężczyzna i kobieta przed kupą ekskrementów”. To zdjęcie to zapowiedź.
Przedstawia absurdalną parę „jaskiniową”, która jest do siebie przyciągana, ale nie może się ruszyć. Powiększone genitalia, jadowite kolory, rozrzucone postacie na ciemnym tle – wszystko to zapowiadało, zdaniem artysty, zbliżające się tragiczne wydarzenia.
Większość obrazów Joana Miro to prace abstrakcyjne i surrealistyczne, a ich nastrój jest radosny.
„Lilie wodne” Claude’a Moneta
Rok założenia: 1906
Materiały: olej, płótno
Miejsce: zbiory prywatne
Kultowy obraz francuskiego impresjonisty Claude'a Moneta „Lilie wodne” cieszy się złą sławą – nieprzypadkowo nazywa się go „niebezpiecznym ogniem”. Ten ciąg podejrzanych zbiegów okoliczności wciąż zaskakuje wielu sceptyków. Pierwszy przypadek miał miejsce właśnie w pracowni artysty: Monet i jego przyjaciele świętowali zakończenie pracy nad obrazem, gdy nagle wybuchł mały pożar.
Obraz udało się uratować, wkrótce kupili go właściciele kabaretu na Montmartre, ale niecały miesiąc później instytucja również ucierpiała z powodu silnego pożaru. Kolejną „ofiarą” płótna był paryski filantrop Oscar Schmitz, którego biuro spłonęło rok po zawieszeniu tam „Lilii wodnych”. I znowu zdjęcie udało się przetrwać. W tym roku prywatny kolekcjoner kupił lilie wodne za 54 miliony dolarów.
Dziewczyny z Awinionu – Pablo Picasso
Rok powstania: 1907
Materiały: olej, płótno
Miejsce: Muzeum Sztuki Nowoczesnej,
„Wygląda na to, że chciałeś nas nakarmić holownikiem lub benzyną do picia” — powiedział Georges Braque, przyjaciel Picassa, o obrazie „Dziewczyny z Awinionu”. Płótno naprawdę stało się skandaliczne: publiczność uwielbiała stare, delikatne i smutne dzieła artysty, a gwałtowne przejście do kubizmu spowodowało wyobcowanie.
Kobiece postacie o szorstkich męskich twarzach i kanciastych rękach i nogach były zbyt dalekie od pełnej wdzięku „Dziewczyny na balu”.
Przyjaciele odwrócili się od Picassa, Matisse był bardzo niezadowolony z obrazu. Jednak to „Dziewczyny z Awinionu” wyznaczyły nie tylko kierunek rozwoju twórczości Picassa, ale w ogóle przyszłość sztuki pięknej. Oryginalny tytuł płótna to „Filozoficzny burdel”.
„Portret syna artysty” Michaiła Wrubela
Rok powstania: 1902
Materiały: akwarela, gwasz, ołówek grafitowy, papier
Miejsce: Państwowe Muzeum Rosyjskie,
Genialny rosyjski artysta przełomu XIX i XX wieku, Michaił Wrubel, odnosił sukcesy w prawie wszystkich rodzajach sztuk pięknych. Jego pierworodna Savva urodziła się z „rozszczepem wargi”, co głęboko zdenerwowało artystę. Vrubel szczerze przedstawił chłopca na jednym ze swoich płócien, nie próbując ukryć swojej wrodzonej deformacji.
Delikatna tonacja portretu nie czyni go pogodnym - czyta się w nim szok. Samo dziecko jest przedstawione z uderzająco mądrym, niedziecięcym spojrzeniem. Wkrótce po ukończeniu malowania dziecko zmarło. Od tego momentu w życiu artysty, który przeżywał tragedię, rozpoczął się „czarny” okres choroby i szaleństwa.
Zdjęcie: thinkstockphotos.com, flickr.com
Gil Elvgren (1914-1980) był głównym artystą pin-up XX wieku. W ciągu swojej kariery zawodowej, która rozpoczęła się w połowie lat 30. i trwała ponad czterdzieści lat, stał się zdecydowanym faworytem wśród kolekcjonerów i fanów pin-up na całym świecie. I choć Gil Elvgren uważany jest głównie za artystę pin-up, zasługuje na miano klasycznego amerykańskiego ilustratora, który potrafił objąć różne dziedziny sztuki komercyjnej.
25 lat pracy w reklamie Coca-Coli pomogło mu ugruntować swoją pozycję jednego z największych ilustratorów w tej dziedzinie. Reklamy Coca-Coli zawierały pin-up wizerunków Elvgren's Girls, większość z tych ilustracji przedstawiała typowe amerykańskie rodziny, dzieci, nastolatków - zwykłych ludzi zajmujących się swoimi codziennymi sprawami. Podczas II wojny światowej i wojny koreańskiej Elvgren rysował nawet ilustracje o tematyce wojskowej dla Coca-Coli, z których niektóre stały się ikonami w Ameryce.
Praca Elvgrena dla Coca-Coli przedstawiała amerykańskie marzenie o bezpiecznym, wygodnym życiu, a niektóre ilustracje w magazynach przedstawiały nadzieje, lęki i radości ich czytelników. Obrazy te zostały opublikowane w latach 1940-1950 w wielu znanych amerykańskich magazynach, takich jak McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping i Woman's Home Companion. Oprócz Coca-Coli Elvgren współpracował również z Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania i Napa Auto Parts.
Elvgren wyróżniał się nie tylko malarstwem i grafiką reklamową – był także profesjonalnym fotografem, który władał aparatem równie sprawnie jak pędzlem. Ale jego energia i talent nie poprzestały na tym: był ponadto nauczycielem, którego uczniowie stali się później sławnymi artystami.
Już we wczesnym dzieciństwie Elvgren inspirował się obrazami znanych ilustratorów. Co tydzień wydzierał z magazynów arkusze i okładki z ulubionymi obrazami, w wyniku czego zgromadził ogromną kolekcję, która odcisnęła piętno na twórczości młodego artysty.
Na twórczość Elvgrena miało wpływ wielu artystów, takich jak Felix Octavius Carr Darley (1822-1888), pierwszy artysta, któremu udało się obalić wyższość angielskich i europejskich szkół ilustracji nad amerykańską sztuką komercyjną; Normana Rockwella (1877-1978), którego Elvgren poznał w 1947 roku i to spotkanie zapoczątkowało długą przyjaźń; Charles Dana Gibson (Charles Dana Gibson) (1867-1944), z którego pędzla wyszedł ideał dziewczyny, będący połączeniem „sąsiada” (dziewczyna z sąsiedztwa) i „dziewczyny marzeń” (dziewczyna z twoich marzeń) , Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister (1870-1945) i inni.
Elvgren dokładnie przestudiował twórczość tych klasycznych artystów, w wyniku czego stworzył podstawy, na których opierał się dalszy rozwój sztuki pin-up.
Tak więc Gil Elvgren urodził się 15 marca 1914 roku, dorastał w St. Paul Minneapolis. Jego rodzice, Alex i Goldie Elvgren, byli właścicielami sklepu w centrum miasta, w którym sprzedawano tapety i farby.
Po ukończeniu szkoły średniej Gil chciał zostać architektem. Rodzice aprobowali to pragnienie, ponieważ zauważyli jego talent do rysowania, gdy w wieku ośmiu lat chłopiec został usunięty ze szkoły z powodu malowania marginesów podręczników. Elvgren ostatecznie zapisał się na University of Minnesota, aby studiować architekturę i projektowanie, jednocześnie uczęszczając na kursy sztuki w Minneapolis Art Institute. Tam zdał sobie sprawę, że rysunek interesuje go znacznie bardziej niż projektowanie budynków.
Jesienią tego samego roku Elvgren poślubił Janet Cummins. A teraz, na Nowy Rok, nowożeńcy przeprowadzają się do Chicago, gdzie było wiele możliwości dla artystów. Oczywiście mogli wybrać Nowy Jork, ale Chicago było bliżej i bezpieczniej.
Po przybyciu do Chicago Gil starał się zrobić wszystko, aby rozwijać swoją karierę. Zapisał się do prestiżowej American Academy of Arts w centrum miasta, gdzie zaprzyjaźnił się z Billem Mosbym, znakomitym artystą i nauczycielem, który zawsze był dumny z tego, że Gil rozwija się pod jego kierunkiem.
Kiedy Gil Elvgren przyszedł do Akademii, oczywiście był utalentowany, ale nie wyróżniał się spośród większości studentów, którzy tam studiowali. Ale tylko jedna rzecz odróżniała go od innych: dokładnie wiedział, czego chce. Przede wszystkim marzył o zostaniu dobrym artystą. W ciągu dwóch lat nauki opanował kurs przeznaczony dla trzyipółlatka: uczęszczał na zajęcia wieczorowe, latem. W wolnym czasie zawsze malował.
Był dobrym uczniem i pracował więcej niż inni. Jill uczęszczał na wszystkie kursy, na których mógł zdobyć przynajmniej trochę wiedzy o malarstwie. W ciągu dwóch lat zrobił fenomenalne postępy i został jednym z najlepszych absolwentów Akademii.
Jill jest niesamowitą artystką, której niewielu może się równać. Mocno zbudowany, wygląda jak piłkarz; jego duże dłonie wcale nie wyglądają jak ręce artysty: ołówek dosłownie „grzebie” w nich, ale dokładność i żmudność jego ruchów można porównać jedynie z umiejętnościami chirurga.
Podczas pobytu w instytucie Gil nigdy nie przestawał pracować. Jego ilustracje zdobiły już broszury i czasopisma akademii, w której studiował.
Gil poznał tam wielu artystów, z którymi zaprzyjaźnił się na całe życie, takich jak: Harold Anderson (Harold Anderson), Joyce Ballatrin (Joyce Ballantyne).
W 1936 roku Jill i jego żona wrócili do rodzinnego miasta, gdzie otworzyli własne studio. Krótko przed tym wykonuje swoją pierwszą płatną pracę na zlecenie: okładkę magazynu modowego przedstawia przystojnego mężczyznę w dwurzędowej marynarce i jasnych letnich spodniach. Natychmiast po tym, jak Elvgren wysłał swoją pracę do klienta, zadzwonił do niego dyrektor firmy, aby mu pogratulować i zamówić jeszcze pół tuzina okładek.
Potem przyszło kolejne ciekawe zlecenie, którym było narysowanie piątki bliźniaków Dionne (Dionne Quintuplets), których narodziny stały się sensacją dla mediów. Klientem był Brown and Biglow, największy wydawca kalendarzy. Dzieło to zostało wydrukowane w kalendarzach z lat 1937-1938, które rozeszły się w milionach egzemplarzy. Od tego czasu Elvgren zaczął rysować najsłynniejsze dziewczyny w Ameryce, co przyniosło mu wielki sukces. Inne firmy zaczęły zapraszać Elvgrena do współpracy, na przykład konkurent Browna i Biglowa, Louis F. Dow Calendar Company. Prace artysty zaczęto drukować na książeczkach, kartach do gry, a nawet pudełkach zapałek. Następnie wiele jego obrazów naturalnej wielkości wykonanych dla Royal Crown Soda pojawiło się w sklepach spożywczych. Ten sam rok staje się szczególnie ważny dla Elvgrena, ponieważ on i jego żona mieli swoje pierwsze dziecko, Karen.
Elvgren nadal przyjmuje zamówienia i postanawia wrócić z rodziną do Chicago. Wkrótce poznał Haddona H. Sundbloma (1899-1976), który był jego idolem. Sandblom ma ogromny wpływ na twórczość Elvgrena.
Dzięki Sundblomowi Elvgren został artystą reklamowym dla Coca-Coli. Do tej pory prace te są ikonami w historii amerykańskiej ilustracji.
Natychmiast po zbombardowaniu Pearl Harbor Elvgren został poproszony o namalowanie obrazów do kampanii wojskowej. Jego pierwszy rysunek do tej serii ukazał się w 1942 roku w czasopiśmie Good Housekeeping pod nagłówkiem „Ona wie, czym naprawdę jest „wolność”” i przedstawiał dziewczynę ubraną w mundur oficera Czerwonego Krzyża.
W 1942 roku urodził się Jill Jr., aw 1943 roku jego żona spodziewała się już trzeciego dziecka. Rodzina Elvgrena powiększyła się jednak, podobnie jak jego biznes. Jill zajmuje się projektami reklamowymi, a także sprzedaje swoje stare prace. Cieszył się życiem, bo sam był już cenionym artystą i szczęśliwym człowiekiem rodzinnym. Kiedy w jego rodzinie urodziło się trzecie dziecko, Elvgren dostawał już około 1000 dolarów za obraz, czyli około 24 000 dolarów rocznie, co w tamtym czasie było ogromną kwotą. Oznaczało to, że Gil mógł zostać najlepiej opłacanym ilustratorem w USA i oczywiście zająć specjalne miejsce w Brown i Bigelow.
Zanim zaczął pracować wyłącznie dla Browna i Bigelowa, swoje pierwsze (i jedyne) zlecenie przyjął od filadelfijskiej firmy Josepha Hoovera. Aby uniknąć problemów z Brownem i Bigelowem, przyjął ofertę pod warunkiem, że obraz nie będzie podpisany. Za tę pracę, zwaną „Dream Girl”, otrzymał 2500 $, ponieważ. był to największy, jaki kiedykolwiek namalował (101,6 cm x 76,2 cm).
Współpraca z Brownem i Bigelowem pozwoliła Elvgrenowi kontynuować malowanie dla Coca-Coli, chociaż mógł pracować dla każdej innej firmy, która nie miała konfliktów z Brownem i Bigelowem. Tak rozpoczęła się współpraca między Elvgrenem, Brownem i Bigelowem w 1945 roku, która trwała ponad trzydzieści lat.
Reżyser Brown and Bigelow, Charles Ward, sprawił, że nazwisko Elvgren stało się rozpoznawalne. Zaproponował również Gilowi wykonanie nagiego pin-upu, na co artysta zgodził się z wielkim entuzjazmem. Ten obraz przedstawiał nagą jasnowłosą nimfę na plaży w liliowo-niebiesko-fioletowym świetle księżyca. Ta ilustracja została wydana w talii kart, w połączeniu z pracą innego artysty – ZoÎ Mozerta. W następnym roku Ward zlecił Elvgren kolejny nagi pin-up, aby uzyskać więcej map, ale tym razem Elvgren zrobił to całkowicie samodzielnie. Ten projekt pobił rekordy sprzedaży Browna i Bigelowa i został nazwany „Mais Oui autorstwa Gila Elvgrena”.
Pierwsze trzy projekty pin-up dla Browna i Bigelowa stały się bestsellerami firmy już po kilku tygodniach. Te obrazy zostały wkrótce wykorzystane do gry w karty.
Pod koniec dekady Elvgren stał się odnoszącym największe sukcesy artystą Browna i Bigelowa, dzięki mediom jego twórczość była szeroko znana opinii publicznej, nawet w magazynach publikowano o nim artykuły. Firmy, z którymi pracował, to między innymi Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfurt Distilleries, Four Roses Blended Whisky, General Electric Appliance i Pangburn's Chocolates.
W obliczu takiego zapotrzebowania na swoje prace Elvgren myślał o otwarciu własnej pracowni, gdyż było już wielu artystów, którzy podziwiali jego twórczość i tzw. „malarstwo majonezowe” (tzw. prace wyglądały „kremowo” i gładko jak jedwab). Ale po rozważeniu wszystkich za i przeciw, porzucił ten pomysł.
Gil Elvgren dużo podróżował, poznał wielu wpływowych ludzi. Jego pensja w Brown and Bigelow wzrosła z 1000 dolarów za płótno do 2500 dolarów i malował 24 obrazy rocznie, a ponadto otrzymywał procent od czasopism, które drukowały jego ilustracje. Przeprowadził się z rodziną do nowego domu na przedmieściu Winnetka, gdzie na poddaszu rozpoczął budowę swojej pracowni, co pozwoliło mu pracować jeszcze wydajniej.
Gil miał doskonały gust, był też dowcipny. Jego prace są zawsze ciekawe pod względem kompozycji, kolorystyki, a starannie przemyślane pozy i gesty sprawiają, że są żywe i ekscytujące. Jego obrazy są szczere. Gil czuł ewolucję kobiecego piękna, co było bardzo ważne. Dlatego Elvgren był zawsze poszukiwany przez klientów.
W 1956 roku Gil przeniósł się z rodziną na Florydę. Był całkowicie zadowolony z nowego miejsca zamieszkania. Tam otworzył doskonałe studio, w którym studiował Bobby'ego Toombsa, który słusznie stał się uznanym artystą. Powiedział, że Elvgren był doskonałym nauczycielem, który nauczył go rozważnego wykorzystywania wszystkich swoich umiejętności.
Na Florydzie Gil namalował ogromną liczbę portretów, wśród jego modeli byli Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. W latach 50. i 60. każda aspirująca modelka lub aktorka chciałaby, żeby Elvgren narysował dziewczynę na jej podobieństwo, które następnie drukowano w kalendarzach i plakatach.
Elvgren zawsze szukał nowych pomysłów na swoje obrazy. Chociaż pomagało mu w tym wielu przyjaciół artystów, polegał przede wszystkim na rodzinie: swoje pomysły omawiał z żoną i dziećmi.
Elvgren pracował w kręgu artystów, których uczył lub odwrotnie, od których się uczył; którzy byli jego przyjaciółmi, z którymi miał wiele wspólnego. Byli wśród nich Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham i inni.
Gil Elvgren żył pełnią życia. Jako zapalony piechur uwielbiał łowić ryby i polować. Mógł spędzać godziny na basenie, lubił wyścigi samochodowe, a także podzielał pasję swoich dzieci do kolekcjonowania zabytkowej broni.
Przez lata Elvgren miał wielu asystentów w studiu, z których większość odniosła sukces jako artyści. Kiedy Elvgren musiał odrzucić firmy z powodu ogromnej ilości pracy, dyrektorzy artystyczni zgodzili się poczekać rok lub dłużej, aby Jill dla nich pracowała.
Ale cały ten sukces Gila w 1966 roku został przyćmiony przez straszliwą tragedię, która ogarnęła jego rodzinę: żona Gila, Janet, zmarła na raka. Potem jeszcze bardziej pogrążył się w pracy. Jego popularność pozostaje niezmieniona, nie musi martwić się o nic poza wynikiem swojej pracy. Był to najlepszy okres w karierze Elvgrena, gdyby nie śmierć jego żony.
Zdolność Elvgrena do przekazywania kobiecego piękna była niezrównana. Podczas malowania zwykle siedział na wózku inwalidzkim, dzięki czemu mógł swobodnie poruszać się i patrzeć na rysunek z różnych stron, a duże lustro za nim pozwalało mu na całościowy ogląd obrazu. W jego twórczości najważniejsze były dziewczyny: preferował modelki w wieku 15-20 lat, które dopiero zaczynały karierę, ponieważ miały bezpośredniość, która zanika wraz z doświadczeniem. Zapytany o swoją technikę, powiedział, że dodaje swoje akcenty: wydłuża nogi, powiększa klatkę piersiową, zwęża talię, sprawia, że usta są bardziej pulchne, oczy bardziej wyraziste, nos zadarty, co dodaje modelce atrakcyjności. Elvgren zawsze starannie opracowywał swoje pomysły od początku do końca: wybierał modelkę, rekwizyty, oświetlenie, kompozycję, nawet włosy były bardzo ważne. W końcu sfotografował scenę i zaczął malować.
Charakterystyczną cechą prac Gila było to, że patrząc na obrazy, wydawało się, że dziewczyny na nich mają ożyć, przywitać się lub zaproponować filiżankę kawy. Wyglądali ładnie i byli pełni entuzjazmu. Zawsze czarujące, uzbrojone w przyjazny uśmiech, nawet w czasie wojny dawały żołnierzom siłę i nadzieję na powrót do domu swoich dziewczynek.
Wielu artystów marzyło o malowaniu tak jak Elvgren i wszyscy podziwiali jego talent i sukcesy.
Każdego roku malował z większą łatwością i profesjonalizmem, a jego wczesne obrazy wydawały się bardziej „twarde” niż późniejsze. Osiągnął szczyt doskonałości w swojej dziedzinie.
29 lutego 1980 roku Gil Elvgren, człowiek, który poświęcił się uszczęśliwianiu ludzi swoją sztuką, zmarł na raka w wieku 65 lat. Jego syn Drake znalazł w pracowni ojca ostatni niedokończony, ale mimo to wspaniały obraz dla Browna i Bigelowa. Od śmierci Elvgrena minęły trzy dekady, ale jego sztuka wciąż żyje. Bez wątpienia Elvgren przejdzie do historii jako artysta, który wniósł wielki wkład w dwudziestowieczną sztukę amerykańską.
.
Ten artysta, który w 1994 roku ukończył Tver Art College na wydziale projektowania graficznego, pobudza wyobraźnię swoim niezwykłym stylem i pięknymi kompozycjami.
Jest twórcą naprawdę wyjątkowych ilustracji z nutą retro. Waldemar Kazak jest artystą z poczuciem humoru, ma wyjątkową wizję codzienności, umie śmiać się z codzienności, często wyśmiewa znaczenie dziecięcych bajek, polityków i współczesnej młodzieży.
Współczesny ilustrator pracuje w gatunku codzienności z naciskiem na karykaturę. Trudno nie zauważyć i nie zapamiętać postaci z dzieł Kozaka. Wszystkie są bardzo kolorowe, wyraziste i jasne.
Jego zapierające dech w piersiach kompozycje przepełnione są stylistyką powojennej estetyki, która zadomowiła się w latach 50. XX wieku, blask retro widoczny jest dosłownie we wszystkim: począwszy od wyboru tematu obrazu, a skończywszy na wyborze kolorów.
Oto co o swoim stylu mówi sam Waldemar Kazak:
Jak każda osoba (lub artysta), mam własne pismo odręczne. Ale nie pielęgnuję tego, bo boję się popaść w maniery. Ponadto na rynku istnieje popyt na jasną, indywidualną literę. Tak, to jest dokładnie to, co wszyscy wiedzą.
Oszałamiająco jasne, ekscytujące, przyciągające wzrok rysunki artystyczne Waldemara Kazaka w stylu retro nie pozostawią nikogo obojętnym!
Gatunki malarstwa pojawiały się, zyskiwały na popularności, zanikały, powstawały nowe, w obrębie istniejących zaczęto wyodrębniać podgatunki. Proces ten nie ustanie, dopóki człowiek istnieje i próbuje uchwycić otaczający go świat, czy to przyrodę, budynki, czy innych ludzi.
Wcześniej (przed XIX w.) istniał podział gatunków malarstwa na tzw. gatunki „wysokie” (francuski gatunek grand) i „niskie” (francuski gatunek petit). Taki podział powstał w XVII wieku. i opierał się na tym, jaki temat i fabuła zostały przedstawione. Do gatunków wysokich pod tym względem zaliczano: batalistyczny, alegoryczny, religijny i mitologiczny, a do gatunków niskich portret, pejzaż, martwa natura, animalizm.
Podział na gatunki jest raczej arbitralny, bo. na obrazie mogą być jednocześnie obecne elementy dwóch lub więcej gatunków.
Animalizm lub gatunek zwierzęcy
Animalizm, czyli gatunek zwierzęcy (z łac. zwierzę – zwierzę) – gatunek, w którym głównym motywem jest wizerunek zwierzęcia. Można powiedzieć, że jest to jeden z najstarszych gatunków, ponieważ. rysunki i postacie ptaków i zwierząt były już obecne w życiu ludzi prymitywnych. Na przykład w znanym obrazie I.I. Shishkina „Poranek w lesie sosnowym”, natura jest przedstawiana przez samego artystę, a niedźwiedzie są zupełnie inne, po prostu specjalizują się w przedstawianiu zwierząt.
I.I. Shishkin „Poranek w sosnowym lesie” Jak odróżnić podgatunek Gatunek ipijski(od greckich hipopotamów - koń) - gatunek, w którym wizerunek konia działa jako środek obrazu.
NIE. Sverchkov „Koń w stajni” Portret
Portret (od francuskiego słowa portret) to obraz, w którym obraz osoby lub grupy osób jest centralny. Portret oddaje nie tylko podobieństwo zewnętrzne, ale także odzwierciedla świat wewnętrzny i oddaje uczucia artysty wobec osoby, której portret maluje.
TJ. Repin Portret Mikołaja II Gatunek portretowy dzieli się na indywidualny(zdjęcie jednej osoby), Grupa(obraz kilku osób), z natury obrazu - do przodu gdy osoba jest przedstawiona w pełni wzrostu na wyróżniającym się tle architektonicznym lub krajobrazowym i izba gdy osoba jest przedstawiona do klatki piersiowej lub do pasa na neutralnym tle. Grupa portretów, zjednoczonych według jakiegoś atrybutu, tworzy zespół, czyli galerię portretów. Przykładem są portrety członków rodziny królewskiej.
Oddzielnie przydzielone autoportret na którym artysta przedstawia siebie.
K. Bryullov Autoportret Portret to jeden z najstarszych gatunków – pierwsze portrety (rzeźbiarskie) obecne były już w starożytnym Egipcie. Taki portret działał w ramach kultu życia pozagrobowego i był „sobowtórem” osoby.
Sceneria
Krajobraz (z francuskiego paysage - kraj, obszar) to gatunek, w którym obraz natury jest centralny - rzeki, lasy, pola, morze, góry. W pejzażu głównym punktem jest oczywiście fabuła, ale równie ważne jest oddanie ruchu, życia otaczającej przyrody. Z jednej strony przyroda jest piękna, podziwiana, az drugiej raczej trudno oddać to na zdjęciu.
C. Monet „Pole maków w Argenteuil” Podgatunek krajobrazu to pejzaż morski lub przystań(z francuskiego marine, włoski marina, z łac. marinus - morze) - obraz bitwy morskiej, morza lub innych wydarzeń rozgrywających się na morzu. Wybitny przedstawiciel malarzy marynistycznych – K.A. Aiwazowski. Warto zauważyć, że artysta napisał wiele szczegółów tego obrazu z pamięci.
I.I. Aivazovsky „Dziewiąta fala” Jednak często artyści również starają się narysować morze z natury, na przykład W. Turner maluje obraz „Śnieżyca. Parowiec przy wejściu do portu daje sygnał o niebezpieczeństwie, uderzając w płyciznę „spędził 4 godziny uwiązany na mostku kapitańskim statku płynącego w sztormie.
W. Turner „Śnieżyca. Parowiec przy wejściu do portu daje sygnał o niebezpieczeństwie, uderzając w płytką wodę.Element wody jest również przedstawiony w krajobrazie rzecznym.
Oddzielnie przydziel pejzaż miejski, w którym głównym tematem obrazu są miejskie ulice i budynki. Krajobraz miejski jest Weduta- obraz krajobrazu miejskiego w formie panoramy, gdzie skala i proporcje są z pewnością zachowane.
A. Canaletto „Piazza św. Marka”Istnieją inne rodzaje krajobrazu - wiejskich, przemysłowych i architektonicznych. W malarstwie architektonicznym głównym tematem jest obraz pejzażu architektonicznego, tj. budynki, konstrukcje; zawiera zdjęcia wnętrz (dekoracja wnętrz). Czasami Wnętrze(z francuskiego intérieur - wewnętrzny) wyróżnia się jako odrębny gatunek. W malarstwie architektonicznym wyróżnia się inny gatunek — Kaprys(z włoskiego capriccio, kaprys, kaprys) - architektoniczny pejzaż fantasy.
Martwa natura
Martwa natura (z francuskiego nature morte - martwa natura) to gatunek poświęcony przedstawieniu przedmiotów nieożywionych, które są umieszczone we wspólnym środowisku i tworzą grupę. Martwa natura pojawiła się w XV-XVI wieku, ale jako odrębny gatunek ukształtowała się w wieku XVII.
Pomimo tego, że słowo „martwa natura” tłumaczone jest jako martwa natura, na zdjęciach pojawiają się bukiety kwiatów, owoców, ryb, dziczyzny, potraw – wszystko wygląda „jak żywa istota”, tj. jak prawdziwy. Od samego początku po dzień dzisiejszy martwa natura była ważnym gatunkiem w malarstwie.
C. Monet „Wazon z kwiatami” Jak można wyróżnić osobny podgatunek Vanitas(z łac. Vanitas – próżność, próżność) – gatunek malarstwa, w którym centralne miejsce na obrazie zajmuje ludzka czaszka, której wizerunek ma przypominać o marności i kruchości ludzkiego życia.
Obraz F. de Champagne przedstawia trzy symbole kruchości bytu – Życie, Śmierć, Czas poprzez wizerunki tulipana, czaszki, klepsydry.
gatunek historyczny
Gatunek historyczny – gatunek, w którym obrazy przedstawiają ważne wydarzenia i społecznie znaczące zjawiska z przeszłości lub teraźniejszości. Warto zauważyć, że obraz może być poświęcony nie tylko prawdziwym wydarzeniom, ale także wydarzeniom z mitologii lub np. Opisanym w Biblii. Gatunek ten jest bardzo ważny dla historii, zarówno dla dziejów poszczególnych ludów i państw, jak i całej ludzkości. W obrazach gatunek historyczny jest nierozerwalnie związany z innymi rodzajami gatunków - portretem, pejzażem, gatunkiem bitewnym.
TJ. Repin „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana” 
K. Bryullov „Ostatni dzień Pompei” Gatunek bitewny
Gatunek bitewny (z francuskiego bataille - bitwa) to gatunek, w którym obrazy przedstawiają kulminację bitwy, operacje wojskowe, moment zwycięstwa, sceny z życia wojskowego. Malarstwo batalistyczne charakteryzuje się obrazem na obrazie dużej liczby osób.
AA Deineka „Obrona Sewastopola” Gatunek religijny
Gatunek religijny to gatunek, w którym główny wątek fabularny na obrazach ma charakter biblijny (sceny z Biblii i Ewangelii). Zgodnie z tematyką ikonografia również należy do religijnych, ich różnica polega na tym, że obrazy o treści religijnej nie uczestniczą w odprawianych nabożeństwach, a dla ikony jest to główny cel. malowanie ikon przetłumaczony z greckiego. oznacza „obraz modlitewny”. Gatunek ten był ograniczony ścisłymi granicami i prawami malarstwa, ponieważ. zaprojektowany, aby nie odzwierciedlać rzeczywistości, ale przekazać ideę Bożego początku, w której artyści poszukują ideału. Na Rusi malarstwo ikonowe osiągnęło swój szczyt w XII-XVI wieku. Najbardziej znane nazwiska malarzy ikon to Grek Teofan (freski), Andriej Rublow, Dionizy.
A. Rublow „Trójca” Jak wyróżnia się etap przejściowy od malowania ikon do portretu Parsuna(zniekształcone z łac. persona - osobowość, osoba).
Parsuna Iwana Groźnego. Autor nieznany gatunek domowy
Obrazy przedstawiają sceny z życia codziennego. Artysta często pisze o tych chwilach życia, którym jest współczesny. Charakterystycznymi cechami tego gatunku są realizm obrazów i prostota fabuły. Obraz może odzwierciedlać zwyczaje, tradycje, strukturę codziennego życia określonego ludu.
Malarstwo domowe obejmuje tak znane obrazy, jak „Wozidła barek na Wołdze” I. Repina, „Trojka” V. Perowa, „Nierówne małżeństwo” V. Pukireva.
I. Repin „Wozidła barkowe na Wołdze” Gatunek epicko-mitologiczny
Gatunek epicko-mitologiczny. Słowo mit pochodzi z języka greckiego. „mythos”, co oznacza tradycję. Obrazy przedstawiają wydarzenia z legend, eposów, legend, mitów starożytnej Grecji, starożytnych legend, wątków folklorystycznych.
P. Veronese „Apollo i Marsjasz” gatunek alegoryczny
Gatunek alegoryczny (z greckiej alegorii - alegoria). Obrazy są napisane w taki sposób, że mają ukryte znaczenie. Niematerialne idee i koncepcje, niewidoczne dla oczu (moc, dobro, zło, miłość), są przekazywane poprzez obrazy zwierząt, ludzi, innych żywych istot o takich nieodłącznych cechach, które mają już utrwaloną symbolikę w umysłach ludzi i pomagają zrozumieć ogólny sens pracy.
L. Giordano „Miłość i wady rozbrajają sprawiedliwość” Pastoralny (z francuskiego pastorale - pasterski, wiejski)
Gatunek malarstwa, który gloryfikuje i poetyzuje proste i spokojne życie na wsi.
F. Boucher „Jesienna sielanka” Karykatura (z włoskiego caricare - przesadzać)
Gatunek, w którym przy tworzeniu obrazu celowo stosuje się efekt komiczny poprzez wyolbrzymianie i wyostrzanie cech, zachowania, ubioru itp. Celem karykatury jest obrażanie, w przeciwieństwie do np. kreskówki (z francuskiej szarży), którego celem jest po prostu zagranie żartu. Ściśle związane z terminem „karykatura” są takie pojęcia jak szyna, groteska.
Nude (z francuskiego nu - nagi, rozebrany)
Gatunek, na którego obrazach przedstawiane jest nagie ciało człowieka, najczęściej kobiety.
Tycjan Vecellio „Wenus z Urbino” Oszustwo, czyli trompley (od fr. trompe-l'oeil - złudzenie optyczne)
Gatunek, którego cechą charakterystyczną są specjalne techniki tworzące złudzenie optyczne i pozwalające na zatarcie granicy między rzeczywistością a obrazem, tj. złudne wrażenie, że przedmiot jest trójwymiarowy, podczas gdy jest dwuwymiarowy. Czasami szkopuł jest wyróżniany jako podgatunek martwej natury, ale czasami ludzie są również przedstawiani w tym gatunku.
Per Borrell del Caso „Ucieczka przed krytyką” Dla kompletności postrzegania sztuczek pożądane jest rozważenie ich w oryginale, ponieważ. reprodukcja nie jest w stanie w pełni oddać efektu, jaki przedstawia artysta.
Jacopo de Barberi „Kuropatwa i żelazne rękawice” Obraz fabularny
Mieszanka tradycyjnych gatunków malarstwa (codziennego, historycznego, batalistycznego, pejzażowego itp.). Inaczej gatunek ten nazywany jest kompozycją figuratywną, jego cechami charakterystycznymi są: główna rola odgrywana przez osobę, obecność akcji i społecznie istotnej idei, relacje (konflikt interesów/postaci) oraz akcenty psychologiczne są koniecznie pokazany.
W. Surikow „Bojar Morozowa”
