Możesz użyć jednej lub dwóch metod lub stworzyć własną stronę ze wszystkimi opcjami. Aby wykonać te techniki, użyj ołówka i linijki, aby podzielić papier akwarelowy na 8 prostokątów. Nadaj każdemu prostokątowi nazwę metody, jak pokazano na obrazku poniżej.

Uwaga zanim zaczniesz: Zalecałbym całkowite wysuszenie każdego prostokąta przed przejściem do następnej techniki. Aby przyspieszyć proces suszenia, możesz użyć suszarki do włosów.

1. Technika solna

Sól to mój absolutny faworyt do tworzenia teksturowanych teł. Razem z zestawem zaopatrzeniowym trzymam małe opakowanie soli morskiej. Aby zastosować technikę solną, wybierz najpierw jeden lub dwa kolory i pomaluj całkowicie pierwszy prostokąt (lub obszar). Następnie, gdy farba jest jeszcze mokra, posyp ją solą. Poczekaj, aż farba całkowicie wyschnie, a następnie paznokciem usuń sól z wzoru.

Notatka: Im lepiej pomalowany jest obszar, tym więcej soli się po nim rozprzestrzeni. Postaraj się, aby farba częściowo wyschła (na tyle, aby woda świeciła, ale nie krwawiła podczas przesuwania papieru) i zwróć uwagę na różnicę w teksturze, którą utworzysz.

2. Technika bibułowa

Wypełnij następny prostokąt kolorem(ami). Aby uzyskać najlepsze rezultaty, będziesz potrzebować wilgotnej powierzchni i bogaty kolor.

Zgnij kawałek bibuły i połóż go na mokrej farbie. Delikatnie pokryj całą powierzchnię, a następnie delikatnie dociśnij papier dłońmi. Pozostawić do lekkiego wyschnięcia (ale nie do końca, w przeciwnym razie papier może się przykleić). Następnie ostrożnie zdejmij bibułkę z wzoru.

3. Technika alkoholowa

Ta technika jest dość zabawna. Pomaluj następny prostokąt akwarelami.

Gdy rysunek jest jeszcze mokry, zwilż go wacik w alkoholu i nałóż na mokrą farbę. Dla najlepszy wynik skrop alkoholem końcówkę patyczka (zamiast dotykać nim papieru).

4. Technika pastelowa

Możesz użyć pasteli, aby stworzyć technikę „odporności na wosk”. Najpierw narysuj swój projekt białym pastelem, upewniając się, że dobrze przylega do papieru.

Stosowanie biały ołówek biały papier utrudnia zobaczenie tego, co rysujesz. Przechyl papier na bok, aby zapoznać się ze swoim pomysłem.

Następnie wypełnij prostokąt kolorem. Farba jest odporna na obszary z białymi pastelami.

5. Technika pióra i tuszu

To kolejna moja ulubiona technika. Rysuj lub szkicuj za pomocą pióra z cienką końcówką.

Następnie uzupełnij kolorem jak w kolorowance. Pamiętaj, aby przejść na mniejszy okrągły pędzel, aby malować mniejsze obszary.

6. Technika kropli wody

Pokoloruj następny prostokąt. Następnie zanurz pędzel w wodzie (lub użyj nowego koloru) i pozwól, aby farba spłynęła na tło, gdy jest mokre. Możesz lekko potrząsnąć pędzelkiem, aby ułatwić jego kapanie.

7. Technika rozprysku

Metoda jest ciekawa, ale powoduje bałagan. Zalecam zakrycie wszelkich obszarów papieru, których nie chcesz rozpryskiwać. Zanurz pędzel w farbie, a następnie przytrzymaj go nad papierem. Drugą ręką postukaj w pędzel, aby stworzyć plamę na papierze. Opłucz pędzel, wybierz inny kolor.

8. Technika przezroczystości

Ponieważ akwarela ma przezroczystą fakturę, możesz w swojej pracy tworzyć piękne warstwy i zagęszczać je. Aby wypróbować technikę transparentności, najlepiej zacząć od jasnego odcienia i przejść do bardziej nasyconego. Postanowiłem narysować kilka kropli. Pokryj obszar kształtami, najpierw używając ich więcej jasny kolor. Poczekaj aż wyschnie, następnie wybierz ciemniejszy lub bogatszy kolor i pomaluj kolejne kształty, zachodząc na pierwszą warstwę. Możesz powtarzać ten proces tyle razy, ile chcesz.

Mam nadzieję, że ten post zainspiruje Cię do wypróbowania jednej lub dwóch nowych technik. Nie bój się, po prostu to zrób i baw się dobrze!

Czekaj na kolejne tutoriale dotyczące akwareli i zainspiruj się!

Podstawowe techniki akwareli. Jak używać?

Miłego czwartku! Dziś mamy temat dotyczący podstawowych technik w akwareli. A najciekawsze jest na końcu artykułu)) Cóż, oto podstawowe techniki.

Tutaj mogę powiedzieć, że są one boleśnie znane wszystkim, ale nie mogę pominąć tego tematu i go nie poruszyć))

W swoich pracach wykorzystuję głównie technikę mokrą, plus technikę suchą dla głównych elementów (o tym porozmawiamy później), czasami wypełnienia i jeszcze rzadziej glazury, które bardziej przypominają technikę wielowarstwowej akwareli, ale Nadal będę je podkreślać osobno.

Więc zaczynajmy))

• najczęstszym i jednym z głównych jest technika nalewania. Wykonuje się go na suchej powierzchni za pomocą dużego pędzla duża liczba woda i farba. Są wypełnienia zwykły I gradient gdy jeden kolor zastępuje inny. Wypełnienie można zastosować zarówno w przypadku dużej przestrzeni, jak i małego obiektu o skomplikowanym kształcie, gdzie konieczne jest równomierne przepływ/przejście koloru bez warstw (niebo, morze, oświetlone i zacienione części budynków itp.)

To właśnie poprzez wypełnienie objawia się lekkość akwareli, gdyż wykonywana jest w jednej warstwie i może być wielobarwna (tzn. nie ma konieczności uzyskiwania koloru poprzez nakładanie wielu pociągnięć, co komplikuje pracę)

Gradient Wypełnianie 2-3 kolorami jest najczęściej stosowane na niebie, aby pokazać zmianę koloru w kierunku horyzontu (wschód/zachód słońca błękitne niebo nabiera po horyzont odcieni żółtawych i różowawych) Można też do wypełnienia naprzemiennie dodawać większą liczbę kolorów (5...6) więcej nie będzie zbyt harmonijnych, ale o kolorze porozmawiamy w kolejnych numerach.

Ta zmiana kolorów została osiągnięta tekstura, realizm, objętość obszarów cienia. Okazuje się, że bez większego zastanowienia zmieniasz kolor wypełnienia (w ramach wybranych do pracy kolorów) i możesz uzyskać różnorodne, niejednorodne obszary, które oko uzupełni innymi obiektami. Okazuje się, że jest to rodzaj imitacji i realizmu jednocześnie. Jeśli na przykład twój cień ma jednolity kolor, będzie płaski. Dlatego w przypadku obszarów zacienionych używam gradientu.

Jaki jest najlepszy sposób napełniania? Do tego potrzebny będzie duży pędzel w kształcie wiewiórki, najlepiej z końcówką francuską. O pędzlach porozmawiamy szczegółowo za tydzień, żeby wszystko zmieścić w jednym temacie. Należy pamiętać, że na innym papierze wszystkie techniki będą wyglądać inaczej. W niektórych miejscach napełnianie przebiega gładko, w innych nie. Dlatego warto wybierać papier w zależności od tego, czy potrzebujesz, czy nie potrzebujesz jakiegoś efektu. Poniżej na zdjęciu te same techniki są wykonywane na innym papierze.

• Następna jest moja ulubiona technika surowy.

Można go używać osobno - cała praca jest wykonywana na surowo - lub dla pierwszej warstwy i obiektów w perspektywie lotniczej (praca powyżej), ale o tym później))

Dużo rozmawialiśmy o technice surowej w artykule #harmless_tips część 2, o tym jak z nią pracować na różnych papierach oraz w temacie 3 o nawilżaniu arkusza. Dlatego nie będę się nad tym rozwodzić, najważniejsze jest to, że dzięki niemu możemy uzyskać obiekty o rozmytych konturach, jakby nieostre. Co więcej, nie wszystko jest bardzo jasne, ponieważ coś jest techniki , ale coś, ale bez względu na to, jak to nazwiesz, punkty te nadal odnoszą się do pracy na sucho i nie powinieneś ich mylić. Dlatego podzieliłem to w podobny sposób (dla łatwiejszego postrzegania) może być technika sucha

• w jednej warstwie – „a la prima”
• wielowarstwowe
• przeszklenie

Ogólnie rzecz biorąc, technologia a la prima Można nazwać dowolną pracę (mokrą, wylewaną i suchą) ale w jednej warstwie lub w minimalnej liczbie warstw. Ta technika jest najbardziej przewiewna, ale nie każdy może osiągnąć w niej realizm. Kiedy pracujemy w jednej warstwie na sucho, musimy od razu odgadnąć ton i dobrać odpowiednią ilość farby, jeśli to nie zadziała i będziemy musieli dodać jeszcze kilka pociągnięć na wierzch, to nie jest to już a la prima, ale; klasyczna wielowarstwowa akwarela

Wielowarstwowe jest tym samym, którego naucza się na specjalistycznych uniwersytetach. Dzięki niemu można osiągnąć maksymalny realizm, ponieważ na obiekt nakładana jest nieograniczona liczba pociągnięć farby, zaczynając od odcieni, odbić, a kończąc na obszarach jasnych i ciemnych tonów. Dzięki tej technice największy realizm można osiągnąć w portretach, gdy nałożony na nie niebiesko-fioletowy odcień i nałożone na niego beżowo-czerwone cienie dają wrażenie warstwy „prześwitującej” niczym niebieskie żyłki pod skórą. Ale tytułem dygresji, skoro poruszyłam temat twarzy, to w ogóle nie ma ona beżu różowy, a różne strefy mają różne odcienie od zielonego do fioletowego (jeśli jesteś zainteresowany, opowiem o tym w osobnym numerze).

Wróćmy do akwareli wielowarstwowych. Co dziwne, może się tak okazać dla początkującego lub samouka najtrudniejsze! Chociaż często powszechnie przyjmuje się, że jest odwrotnie, mówią, co w tym wielkiego, nałóż rozmazy i połóż to. Ale nie, tutaj musisz dobrze rozumieć ton i kolor, a jeśli zostanie użyty nieprawidłowo, najczęściej możesz stworzyć brud i granulki na papierze.

Ważna uwaga jest taka, że ​​nie mam na myśli, że technika jest łatwa w stanie surowym, a tym bardziej a la prima, w żadnej technice nie uda się osiągnąć dokładności, łatwości i mistrzostwa w ciągu kilku miesięcy, ale Często widzę początkujących, którzy próbują wielowarstwowej akwareli, są torturowani, brudzeni i rozczarowani.

Dlatego, moja rada jest tutaj,

• próbować zmniejszyć liczbę warstw , niech nie zostanie powiedziane, czym był torturowany.
• Próbować przemyśleć Twoja warstwa
• główne wypełnienia gradientowe, które ułatwiają życie tworząc przejścia kolorystyczne w jednej warstwie.

Wtedy na pewno zrozumiesz farbę, papier, podstawy i Twoja praca będzie światło, a wielowarstwowe akwarele, portrety wykonane tą techniką itp. okażą się nie brudne, ale przemyślane. Opieram się na osobistych doświadczeniach, gdyż sam nie mam klasycznego wykształcenia akademickiego. W każdym razie rozumiem, że mogą tu być różnice zdań, ale tę metodę pomógł mi osobiście.

Podsumowując: akwarela wielowarstwowa nie jest techniką bardzo prostą, trzeba do niej też podchodzić mądrze, wtedy nie będzie żadnych zabrudzeń.

• Teraz porozmawiajmy o przeszklenie. Wykorzystuje się je głównie w ilustracjach botanicznych.

Nie jestem w tym specjalistą, ale wiem, że aby nadać hiperrealizmowi może być nawet 50-70 warstw. Ale w tym przypadku szkliwienie można zastosować również w dowolnej innej technice jeśli nie dostałeś tonu od razu, ale sama warstwa okazała się piękna i nie chcesz na nią nakładać się.

Glazura to półprzezroczysta warstwa jednego lub kilku odcieni, dzięki której można podkręcić ton, ale nie zakryć poprzedniej warstwy. W rzeczywistości jest to jedna z technik technika wielowarstwowa warstwa musi być po prostu przezroczysta i zanikać. Sztuczka polega na tym, że krawędzie tej warstwy nie są widoczne, więc zawsze jest ona rozmyta czysta woda. Poniżej pokazuję przykład przeszklenia, przez które pojawia się poprzednia warstwa, harmonizująca wszelkie relacje tonalne.

• Jest jeszcze jedna technika (no cóż, ogólnie rzecz biorąc, jest ich znacznie więcej, ale nie wszystkie są stosowane), którą chcę tutaj podkreślić - to umyć.

Jest używany dość rzadko, ale znalazłem nawet starą pracę z nim. Chodzi tu o to, aby pomalować przedmioty zachowując ich ton, a następnie zmyć wierzchnią warstwę farby wilgotnym pędzlem lub pod bieżącą wodą, wówczas cała pomalowana część zostaje rozjaśniona, kolor zostaje przytłumiony, ale relacje tonalne zostają zachowane być stosowany do odległych obiektów, wcześniej używany do obiektów z perspektywy lotniczej, obecnie większość akwarelistów używa do tego techniki mokrej, która nie uszkadza papieru tak bardzo, jak pranie.

Tło za dziewczynką zostało wykonane metodą wash

A teraz dochodzimy do ciekawy moment. Cóż, właściwie jest wiele technik – ok, więc co z nimi zrobić? Kiedy którego użyć?

Z pewnością teraz uogólnię. Oczywiście są wyjątki, ale nawet 80-90% mojej pracy odbywa się w ten sposób

• na początek ty wybierz główny obiekt, ten o którym mówisz. Każdy obraz musi o czymś opowiadać, inaczej nie ma sensu malować. To mogłoby być jeden lub grupa obiektów najważniejsze dla Ciebie. Wybrane. Z reguły są to najciemniejsze lub najjaśniejsze obiekty w tonie;)
• teraz musisz wybrać obiekty następne pod względem ważności, które są ważne, ale niezbyt)) 1...10 obiektów, ale nie zaznaczaj wszystkiego, powinno jeszcze coś zostać ;) Wybrane. Obiekty te mają zazwyczaj średnią tonację
• no to co? pozostaje, zwykle gdzieś w oddali, niebo, odległe tło itp.: obiekty nieistotne. Znalazłem je i zapamiętałem.

Kiedy wykonywałeś taką pracę? może to być albo w twojej głowie, albo jako szkic tonowy) wtedy wszystko się ułoży. Słuchaj, zacznijmy od końca:

• Co najmniej ważne rysujesz surowy Lub duże wypełnienie, obiekty te wchodzą w perspektywę powietrzną (kiedy odległe obiekty, nieostre, mają rozmyte krawędzie)
• Co średnie znaczenie Możesz rysować lub surowe, ale z bogatszym tonem i dodatkiem detali, lub wielokolorowe i złożone wypełnienie a także dodaj szczegóły.
• I, wreszcie to, co najważniejsze będziesz miał najczystszy zarys, ponieważ ten obiekt jest ostry, mówisz o tym widzowi. Więc tutaj już pasuje praca na sucho(a la prima, wielowarstwowe lub z polewą - zależy od Ciebie)

Dziewczyna powyżej ilustruje ten punkt dobrze i prosto (z dystansu – ma umytą twarz lub mokry wygląd, średni strzał wypełnienie wielokolorowe, dziewczyna z wyraźnie wielowarstwowymi akwarelami)

Warto pamiętać, że nie musi być długi/średni i zbliżony. Jeśli główny obiekt dla Ciebie znajduje się pośrodku (w poniższej pracy jest to dom pośrodku), wówczas warto rozogniskować odległe ujęcie i wypełnić bliższe.

Warto zacząć od pomysłu.

Zatem łącząc techniki z umysłem, skupiając wzrok widza na najważniejszej rzeczy, dostajesz sensowną pracę, a nawet jeśli technicznie, wciąż masz przestrzeń do rozwoju (każdy ma;) to jest najważniejsze - to jest historia, uczucia, myśli, które przekażesz widzowi.

Kreatywny sukces!

Następne wydanie będzie w czwartek ze względów technicznych, ale być może tak się stanie mini odcinek bonusowy, w którym O zdjęciach moich prac będę opowiadać na Instagramie

W zależności od poziomu wilgoci papieru wyróżniamy: techniki akwarelowe, Jak „praca na mokro”(„angielska” akwarela) i „praca na sucho”(„akwarela „włoska”). Ciekawy efekt daje praca na fragmentarycznie zwilżonym liściu. Ponadto można znaleźć również kombinacje tych technik.

Praca na mokro.

Istota tej techniki polega na tym, że farbę nakłada się na arkusz uprzednio zwilżony wodą. Stopień jego wilgotności zależy od koncepcja kreatywna artysty, ale zwykle zaczynają pracować, gdy woda na papierze przestanie „błyszczeć” w świetle. Mając wystarczające doświadczenie, możesz ręcznie kontrolować zawartość wilgoci w arkuszu. W zależności od tego, jak wypełniony jest wodą kępek włosów szczotki, zwyczajowo rozróżnia się takie metody pracy, jak „mokre na mokre” i „suche na mokre”.

Zalety techniki mokrej.
Ta metoda pracy pozwala uzyskać jasne, przejrzyste odcienie kolorów z miękkimi przejściami. Metodę tę szczególnie skutecznie stosuje się w malarstwie pejzażowym.

Złożoność techniki mokrej.
Główna trudność polega na głównej przewadze - płynności akwareli. Artysta nakładając farbę tą metodą często polega na kaprysach pociągnięć pędzlem na mokrym papierze, co w procesie twórczym może okazać się odbiegające od pierwotnego zamierzenia. Jednocześnie prawie niemożliwe jest poprawienie tylko jednego fragmentu bez wpływu na resztę. W większości przypadków przepisana sekcja będzie z nią niezgodna ogólna struktura reszta płótna. Może pojawić się pewna ilość brudu, brudu itp.
Ten sposób pracy wymaga ciągłej samokontroli i biegłości w posługiwaniu się pędzlem. Dopiero spora praktyka pozwala artyście w pewnym stopniu przewidzieć zachowanie farby na mokrym papierze i zapewnić wystarczający poziom kontroli nad jej przepływem. Malarz musi mieć jasne pojęcie o tym, czego chce i jak powinien rozwiązać problem.

Technika la Prima.

To malowanie na surowo, malowane na szybko, w jednej sesji, które pozwala uzyskać niepowtarzalne efekty plam, zacieków i rozlewów farby.

Zalety technologii A la Prima.
Kiedy farba zetknie się z mokrą powierzchnią papieru, rozprowadza się po nim w wyjątkowy sposób, sprawiając, że obraz jest lekki, przewiewny, przezroczysty i oddychający. To nie przypadek, że praca wykonana tą techniką jest praktycznie niemożliwa do skopiowania, ponieważ każde pociągnięcie jest mokry liść wyjątkowy i niepowtarzalny. Łącząc różne kombinacje kolorystyczne z różnorodnymi rozwiązaniami tonalnymi, można uzyskać niesamowitą grę i przejścia pomiędzy najdoskonalszymi odcieniami. Metoda a la prima, ponieważ nie wymaga wielokrotnych nagrań, pozwala zachować maksymalną świeżość i bogactwo kolorowych dźwięków.
Dodatkowo dodatkową zaletą tej techniki będzie pewna oszczędność czasu. Z reguły pracę pisze się „na jednym tchu” na mokrej kartce (czyli 1-3 godziny), chociaż w razie potrzeby można dodatkowo zwilżyć papier w procesie twórczym. Ta metoda jest niezbędna do szybkich szkiców z życia i szkiców. Sprawdza się również przy wykonywaniu szkiców krajobrazowych, gdy niestabilne warunki atmosferyczne wymagają szybkiej techniki wykonania.
Podczas pisania zaleca się wykonanie mieszanin dwóch, maksymalnie trzech kolorów. Nadmiar farby z reguły prowadzi do zmętnienia, utraty świeżości, jasności i definicji koloru. Nie dajcie się zwieść przypadkowości plam, każde pociągnięcie jest zaprojektowane tak, aby spełniało swój cel - ściśle zgodne z kształtem i wzorem.

Złożoność techniki A la Prima.
Zaletą i jednocześnie trudnością jest to, że obraz, który natychmiast pojawia się na papierze i fantazyjnie rozmywa się pod wpływem ruchu wody, nie może być później poddawany żadnym zmianom. Każdy szczegół zaczyna się i kończy w jednym kroku, wszystkie kolory są ujęte od razu w pełnej mocy. Dlatego metoda ta wymaga niezwykłej koncentracji, dopracowanego pisania i idealnego wyczucia kompozycji.
Kolejną niedogodność można nazwać ograniczonymi ramami czasowymi wykonania takich akwareli, gdyż nie ma możliwości spokojnej pracy z przerwami między sesjami malarskimi (także przy malowaniu obrazu wielkoformatowego, poprzez stopniowe wykonywanie poszczególnych fragmentów). Obraz jest zapisywany niemal bez przerwy i z reguły „jednym dotknięciem”, tj. Jeśli to możliwe, pędzel dotyka osobnej części papieru tylko raz lub dwa razy, nie wracając do niej. Pozwala to zachować absolutną przezroczystość, lekkość akwareli i uniknąć zabrudzeń w pracy.

Praca na sucho.

Polega na nałożeniu farby na suchą kartkę papieru w jednej, dwóch (akwarela jednowarstwowa) lub kilku (glazura) warstwach, w zależności od pomysłu artysty. Metoda ta pozwala na dobrą kontrolę nad rozpływem farby, tonem i kształtem pociągnięć.

Akwarela jednowarstwowa, wysychająca.

Jak sama nazwa wskazuje, w w tym przypadku praca jest pisana jednowarstwowo na suchej kartce i z reguły jednym lub dwoma dotknięciami. Pomaga to zachować czystość kolorów obrazu. W razie potrzeby do nałożonej, ale jeszcze nie wyschniętej warstwy można „włączyć” farbę o innym odcieniu lub kolorze.

Metoda jednowarstwowa „suszenie na sucho” jest bardziej przezroczysta i przewiewna niż szkliwienie, ale nie ma piękna mokrego połysku osiąganego przez technikę A la Prima. Jednak w przeciwieństwie do tego ostatniego, bez większych trudności pozwala na wykonywanie pociągnięć o pożądanym kształcie i odcieniu oraz zapewnia niezbędną kontrolę nad farbą.

Aby uniknąć zabrudzeń i rozmazań, warto już na samym początku sesji malarskiej przemyśleć i przygotować kolory użyte w pracy, tak aby łatwo nałożyć je na blachę.
Wygodna jest praca w tej technice poprzez wcześniejsze obrysowanie konturów rysunku, ponieważ nie ma możliwości dokonywania poprawek dodatkowymi warstwami farby. Ta metoda dobrze nadaje się do obrazów graficznych, ponieważ pociągnięcia na suchym papierze zachowują przejrzystość. Ponadto takie akwarele można malować albo w jednej sesji, albo w kilku (przy pracy fragmentarycznej) z przerwami w zależności od potrzeb.

Innym sposobem wykonania jednowarstwowej akwareli jest mokre na suche polega na tym, że każde pociągnięcie następuje po poprzednim, wychwytując je, gdy jest jeszcze mokre. Dzięki temu powstaje naturalna mieszanina odcieni i miękkie przejście między nimi. Aby wzmocnić kolor, możesz za pomocą pędzla wlać niezbędną farbę do jeszcze mokrego pociągnięcia. Należy pracować na tyle szybko, aby pokryć cały arkusz, zanim wcześniej naniesione pociągnięcia wyschną. Pozwala to na tworzenie pięknych malowniczych odcieni, a sucha powierzchnia papieru przyczynia się do wystarczającej kontroli nad płynnością i konturami pociągnięć.

Akwarela wielowarstwowa (glazura).

Glazura to metoda nakładania akwareli przezroczystymi kreskami (zwykle ciemniejsze na jaśniejsze), jedna warstwa na drugą, przy czym dolna musi każdorazowo wyschnąć. Zatem farba w różnych warstwach nie miesza się, ale działa poprzez transmisję, a kolor każdego fragmentu składa się z kolorów w jego warstwach. Pracując z tą techniką, możesz zobaczyć granice pociągnięć. Ale ponieważ są przezroczyste, nie psuje to obrazu, ale nadaje mu niepowtarzalną teksturę. Pociągnięcia należy wykonywać ostrożnie, aby nie uszkodzić ani nie zamazać wyschniętych już obszarów obrazu.

Zalety wielowarstwowej techniki akwareli.
Być może główną zaletą jest możliwość tworzenia obrazów w stylu realizmu, tj. odtwarzając ten lub inny fragment tak dokładnie, jak to możliwe środowisko. Takie prace mają pewne podobieństwo w wyglądzie, na przykład z malarstwo olejne jednak w odróżnieniu od nich zachowują przezroczystość i dźwięczność barw, pomimo obecności kilku warstw farby.
Jasne, świeże farby szkliwione nadają akwarelom szczególne bogactwo koloru, lekkość, delikatność i blask koloru.
Glazura to technika bogatych kolorów, głębokich cieni wypełnionych kolorowymi refleksami, technika miękkich, zwiewnych planów i nieskończonych odległości. Tam, gdzie zadaniem jest uzyskanie intensywności koloru, na pierwszy plan wysuwa się technika wielowarstwowa.

Przeszklenia są niezastąpione w zacienionych wnętrzach i odległych planach panoramicznych. Miękkość światłocienia wnętrza w spokojnym, rozproszonym świetle z wieloma różnymi odbiciami oraz złożoność ogólnego stanu obrazowego wnętrza można oddać jedynie za pomocą techniki szklenia. W malarstwie panoramicznym, gdzie konieczne jest oddanie najdelikatniejszych gradacji powietrza plany długoterminowe, nie możesz używać technik ciała; tutaj możesz osiągnąć cel tylko za pomocą przeszklenia.
Pisząc tą techniką, artysta jest stosunkowo niezależny pod względem granic chronologicznych: nie ma się co spieszyć, jest czas na myślenie bez pośpiechu. Pracę nad obrazem można podzielić na kilka sesji, w zależności od możliwości, konieczności, a właściwie chęci autora. Jest to szczególnie ważne podczas pracy z obrazami wielkoformatowymi, kiedy można wykonać różne fragmenty oddzielnie od siebie przyszłe malarstwo z ich późniejszym ostatecznym zjednoczeniem.
Dzięki temu, że szkliwienie wykonywane jest na suchym papierze, można uzyskać doskonałą kontrolę nad dokładnością pociągnięć, co pozwala w pełni zrealizować swój projekt. Stopniowo nakładając kolejne warstwy akwareli, łatwiej jest dobrać odpowiedni odcień dla każdego elementu rysunku i uzyskać pożądaną kolorystykę.

Złożoność wielowarstwowej akwareli.
Głównym zarzutem stawianym tej technice jest to, że w przeciwieństwie do jednowarstwowego stylu malarstwa, który maksymalnie zachowuje przezroczystość barw, prace akwarelowe wykonane szkliwem tracą swoją lekkość i przypominają obrazy olejne lub gwaszowe. Jeśli jednak glazurę nałożymy cienko i przejrzyście, wówczas światło padające na obraz będzie mogło dotrzeć do papieru i odbić się od niego.

Warto też zaznaczyć, że pod wielowarstwowością pisma często kryje się faktura papieru i farb czy faktura pociągnięć półsuchego pędzla na ziarnistej kartce.
Glazura, jak każda akwarela, wymaga bardzo starannej pracy - pociągnięcia należy wykonywać ostrożnie, aby nie rozmazać dolnych, wyschniętych już warstw farby. Ponieważ popełnionego błędu nie zawsze da się później naprawić bez konsekwencji. Jeśli pozwala na to papier i fragment obrazu, można go zamazać twardą kolumną, wcześniej namoczoną czysta woda, złe miejsce, następnie osusz serwetką lub szmatką, a następnie, gdy wszystko wyschnie, ostrożnie przywróć kolor.

Łączona (mieszana) technika akwareli.
Jeden obraz harmonijnie łączy technikę „mokrą” i „suchą”. Przykładowo, pierwszą warstwę farby nakładamy na mokry papier w celu uzyskania pożądanego rozmycia tła (i/lub poszczególnych fragmentów środka i środka). pierwszoplanowy), a następnie po wyschnięciu papieru nakłada się kolejne warstwy farby, szczegółowo rysując elementy planu środkowego i bliższego. W razie potrzeby stosuje się inne kombinacje surowego pisma i glazury.

Ciekawy sposób pracy na fragmentarycznie zwilżonym liściu, gdy ten ostatni nie jest całkowicie zwilżony, ale tylko w niektórych określonych miejscach. Długi pociąg, obejmujący zarówno suche, jak i mokre obszary papieru, nabierze niepowtarzalnych kształtów, łącząc swoją ogólną ciągłością wyraźne kontury w miejscach suchych z „rozlewającymi się” w wilgotnych. Tonacja takiego pociągnięcia będzie się odpowiednio zmieniać w obszarach papieru o różnym stopniu zawilgocenia.

Według artysty paleta kolorów warunkowo podkreślimy monochromatyczną akwarelę - grisaille i wielokolorowy - klasyczny. W tym ostatnim nie ma ograniczeń co do ilości użytych farb i ich odcieni, natomiast w grisaille stosuje się różne odcienie tego samego koloru, nie licząc koloru papieru. Najczęściej stosowanymi kolorami są sepia, rzadziej czerń i ochra.

Czasem w związku prace akwarelowe Można również znaleźć termin „dichrom”. Z reguły jest używany niezwykle rzadko i odnosi się do tych obrazów, przy tworzeniu których użyto nie jednego, ale dwóch kolorów.

Według stopnia wilgotności Podczas sesji malarskiej możesz podzielić nie tylko powierzchnię roboczą, ale także włosie pędzla. Oczywiście podział ten jest więcej niż dowolny, ponieważ w zależności od życzeń artysty ten sam pędzel może zmieniać stopień nawilżenia przy każdym pociągnięciu. Jednocześnie podkreślimy pracę suchym (wykręconym) pędzlem, półsuchym i mokrym, ponieważ pociągnięcia w tych przypadkach różnią się od siebie.
Rozmazanie wykręconym pędzlem podczas pisania „na mokro” zapewnia mniejszą „płynność” i pozwala lepiej zachować kontrolę nad farbą nałożoną na kartkę. Przy pisaniu „na sucho” takie pociągnięcie może pokryć papier tylko częściowo, „ślizgając się” (dotyczy to zwłaszcza papieru tłoczonego, średnioziarnistego i torchon), co jest szczególnie interesujące w przypadku konkretnych rozwiązań twórczych.

Pisanie półsuchym pędzlem uniwersalny i doskonale nadaje się do pisania na papierze o różnym stopniu wilgotności. Oczywiście każdy przypadek będzie miał swoją własną charakterystykę. Mokrym pędzlem zwykle malują „na sucho”, ponieważ kropkowane pociągnięcia na mokrej powierzchni arkusza dają mocne „rozprowadzenie” i są trudne do kontrolowania. Jednocześnie mokry pędzel świetnie sprawdzi się przy wypełnianiach, rozciąganiu, przemywaniu i innych technikach, gdy chcemy maksymalnie utrzymać go w pędzelku. maksymalna ilość woda.

Istnieją techniki, kiedy akwarela zmieszana z innymi materiałami malarskimi na przykład białym (gwasz), ołówki akwarelowe, tusz, pastele itp. I choć rezultaty też potrafią być bardzo imponujące, to takie techniki nie są „czyste”.

W przypadku łączenia akwareli z ołówkami, te ostatnie uzupełniają przezroczystość kolorów jasnymi i wyraźnymi odcieniami. Za pomocą ołówków możesz albo uwypuklić niektóre szczegóły obrazu, czyniąc go wyraźniejszym, ostrzejszym, albo wykonać całą pracę w media mieszane, w którym równie obecne są pociągnięcia liniowe, pociągnięcia pędzlem i kolorowe plamy.

Pastel nie łączy się tak dobrze z akwarelą, jak ołówkiem, ale czasami artyści używają go, nakładając pastelowe pociągnięcia na wykończoną akwarelę.

Tusz do rzęs Zamiast akwareli można zastosować zarówno czarne, jak i kolorowe. Atrament oferuje jednak nowe możliwości i jest powszechnie stosowany w rysunkach pędzlem lub piórem. Połączenie rysunku czarnym tuszem z abstrakcyjnymi plamami akwareli, łączącymi się i przekraczającymi granice obiektów narysowanych tuszem, nadaje pracy świeżości i oryginalności. Połączenie akwareli i pióra sprawdza się bardzo dobrze np. przy ilustracjach książkowych.

Zwykle, wybielić(nieprzezroczysty materiał barwiący taki jak gwasz) w mediach mieszanych służą do „uproszczenia” procesu malowania. Czasami „zarezerwowanie” poszczególnych miejsc na zdjęciu nastręcza pewną trudność, zwłaszcza gdy są to miejsca małe i jest ich dużo. Dlatego niektórzy artyści malują bez niego, a następnie „wybielają” farbą niezbędne obszary (na przykład refleksy na przedmiotach, śniegu, pniach drzew itp.).
Tworząc jedną pracę, możliwe jest także łączenie różnych materiałów, np. oprócz akwareli w procesie malowania wykorzystuje się wybielacz, tusz i pastel, w zależności od zamysłu twórczego artysty.

W akwareli z grubsza możemy wyróżnić takie techniki malarskie jak: pociągnięcia pędzlem, wypełnianie, mycie, rozciąganie, rezerwy, „ciągnięcie” farby itp.
Uderzenia- jest to chyba jedna z najczęstszych metod pisania w malarstwie, ze względu na którą łatwo odróżnić rysunek dynamiczny od nudna praca. Pędzel wypełniony farbą w kontakcie z powierzchnią arkusza wykonuje taki czy inny ruch, po czym schodzi z papieru, kończąc w ten sposób pociągnięcie. Może być kropkowany, liniowy, figurowy, wyraźny, rozmyty, ciągły, przerywany itp.
Wypełnić- technika stosowana w przypadkach, gdy konieczne jest pokrycie znacznej powierzchni rysunku jednym kolorem lub wykonanie płynnych przejść pomiędzy różne kolory. Wykonuje się go na papierze pochylonym pod kątem, zwykle długimi, poziomymi pociągnięciami dużego pędzla, tak aby każde kolejne pociągnięcie spływało w dół i „przechwytywało” część poprzedniego, łącząc się z nią organicznie w jedną fakturę. Jeżeli po zakończeniu wypełniania pozostanie nadmiar kolorowego pigmentu, można go ostrożnie usunąć wykręconym pędzelkiem lub serwetką.
Mycie- przyjęcie akwarela, w którym stosuje się farbę mocno rozcieńczoną wodą - zaczynają malować warstwy przezroczyste, wielokrotnie przechodząc przez te miejsca, które powinny być ciemniejsze. Ogólny ton każdego obszaru obrazu ostatecznie uzyskuje się poprzez wielokrotne nakładanie tych warstw, przy czym każdą z nich nakłada się dopiero po całkowitym wyschnięciu poprzedniej, tak aby farby nie mieszały się ze sobą. Nie zaleca się nanoszenia więcej niż trzech warstw farby, aby zapobiec powstaniu zabrudzeń. Dlatego najczęściej druga rejestracja uwydatnia kolorystykę półtonów, a trzecia nasyca barwę cieni i wprowadza detale. Zasadniczo mycie polega na wielokrotnym nalewaniu jednego tonu na drugi roztworem o tym samym stężeniu. Najczęściej tę technikę stosują architekci i projektanci, ponieważ zwykły rysunek nie daje widzowi jasnego wyobrażenia o kształcie i kolorze budynku. Ponadto, pracując z kolorem, architekt znajduje najlepszą kombinację materiałów dla percepcji planu, wyjaśnia relacje tonalne i osiąga wyraziste rozwiązanie sylwetkowe i wolumetryczne dla projektu.

Rozciągnięcie gradientowe- seria kolejnych pociągnięć płynnie przechodzących w siebie, w których każdy kolejny jest jaśniejszy od poprzedniego. Ponadto czasami nazywa się również płynne przejście z jednego koloru do drugiego.
Często w akwarelach stosuje się metodę „ciągnięcia” farby. Na jeszcze wilgotną warstwę malarską ostrożnie nakłada się czysty, wyciśnięty pędzel, którego włosie wchłania część pigmentu z papieru, dzięki czemu ton pociągnięcia jest jaśniejszy w odpowiednim miejscu. Farbę najlepiej rysuje się pisząc „na mokro”, gdyż powierzchnia jest jeszcze mokra i pigment słabo się trzyma. Jeśli rozmaz jest już suchy, można go ostrożnie zwilżyć czystym, mokrym pędzelkiem, a następnie „wyciągnąć” farbę do pożądanego odcienia. Jednak ta metoda jest mniej skuteczna na suchym papierze.

Zarezerwować- Jest to część arkusza, która podczas malowania pozostaje biała. Prawdziwy akwarelista kieruje się zasadami czystości tej techniki, rezygnując z bieli. Dlatego o poziomie umiejętności artysty decyduje między innymi umiejętność wykonania techniki rezerwacji w sposób wysokiej jakości. Istnieje kilka głównych metod.
"Objazd"- najbardziej złożona i „najczystsza” metoda rezerwacji. Przy tego rodzaju pisaniu artysta pozostawia niezamalowane niezbędne fragmenty obrazu, starannie „omijając” je pędzlem. Metodę wykonuje się zarówno „na sucho”, jak i „na mokro”. W tym drugim przypadku należy pamiętać, że farba nałożona na mokry papier rozpływa się, dlatego przy rezerwacji należy zachować pewien „zapas”.
Ta metoda jest często stosowana jako uderzenie mechaniczne na suchą warstwę farby. W odpowiednich miejscach drapie się ostrym przedmiotem (na przykład brzytwą) o białą powierzchnię prześcieradła. Jednak technika ta wymaga pewnych umiejętności i zakłóca teksturę papieru, co może ostatecznie prowadzić do negatywnych konsekwencji.
Można także zastosować różne tzw. „środki maskujące”, które można zastosować niemal na każdym etapie rozwoju malarstwa, zapobiegając przedostawaniu się farby do pokrytych nimi miejsc.
Dzięki tym rozwiązaniom można zachować biel jasnych akcentów świetlnych, pasemek, plam, a także uzyskać różnorodne efekty metodą nakładkową, gdy maskowanie nakłada się po pierwszym przemyciu koloru, a na wierzch nakłada się drugi, ciemniejszy odcień .
Jednak przy takim zastrzeżeniu uzyskuje się ostre i kontrastowe granice pomiędzy warstwą farby a obszarem chronionym. Nie zawsze udaje się skutecznie złagodzić takie przejścia, dlatego lepiej nie przesadzać ze środkami maskującymi, wykorzystując je jedynie do uzyskania ciekawych i pięknych efektów.

Możesz także utworzyć rysunek wstępny w odpowiednich miejscach kredki woskowe bez zakrywania dużych powierzchni. Następnie zwilż całą pracę wodą i pomaluj jeszcze mokry arkusz. Miejsca pierwotnie pomalowane kredkami woskowymi pozostaną nienaruszone akwarelami, ponieważ... wosk odpycha wodę.

Innym sposobem jest mycie farby wilgotnym lub wykręconym pędzlem. Najlepiej zrobić to na mokrej warstwie. Jednakże nie jest już możliwe osiągnięcie pierwotnej bieli papieru, ponieważ część pigmentu nadal pozostaje w fakturze arkusza. Zamiast pędzla możesz użyć suchej serwetki, ostrożnie nakładając ją w określone miejsca na zdjęciu (np. „tworząc w ten sposób” chmury na niebie) itp.
Czasami istnieje taka technika, jak usunięcie części na wpół wyschniętej farby szpachelką. Wymaga jednak pewnych umiejętności i jest stosowany tylko w niektórych konkretnych rozwiązaniach (np. może podkreślać kontury gór, kamieni, skał, fale morskie, możesz przedstawić drzewa, trawę itp.).

Czasami przy tworzeniu akwareli trochę to działa efekty specjalne.
Na przykład kryształki soli nałożone na mokrą warstwę farby pochłaniają część pigmentu, tworząc unikalne plamy i ruchome przejścia tonalne na papierze. Używając soli, możesz uzyskać telefon komórkowy środowisko powietrzne na zdjęciu udekoruj łąkę kwiatami, a niebo gwiazdami.

Szczególnie interesująca jest akwarela wykonana na zgniecionym papierze, dzięki czemu farba w specjalny sposób gromadzi się w miejscach zagięcia kartki, tworząc dodatkową objętość.

Barwienie liście czarnej herbaty mogą przyczyniać się do wizualnego „starzenia się” papieru.

W niektórych przypadkach opłaca się nałożyć pigment na arkusz wg rozpryskiwanie(na przykład palcem szczoteczki do zębów), ponieważ odtworzyć wiele najmniejsze punkty Używanie zwykłego pędzla jest dość trudne i zajmuje dużo czasu. Ale jednocześnie należy pamiętać, że cząstki roztworu farby z twardych włosów pędzla „rozpraszają się” niemal w sposób niekontrolowany, więc ta technika wymaga pewnych umiejętności.

Ciekawy efekt daje zwykle folię spożywczą, mocno przymocować do jeszcze mokrej farby, a następnie ostrożnie zdjąć z arkusza.

Podsumowując, chciałbym zauważyć, że oprócz głównych opisanych, istnieje wiele innych prywatnych technik i sposobów pracy z akwarelami.

Akwarelami możesz malować wszystko - od realistyczny portret wymyślić obce światy. Wiele osób uważa, że ​​akwarela jest złożonym narzędziem artystycznym. Ale wszystko, czego naprawdę potrzebujesz, aby nauczyć się malować akwarelami, to po prostu zacząć. Wybraliśmy dla Ciebie 11 porad, dzięki którym zbliżysz się o 11 kroków do zrozumienia sztuki rysowania akwarelą.

1. Nie bój się ubrudzić sobie rąk!

Jeśli nigdy wcześniej nie rysowałeś, czas zacząć. Otwórz album, utwórz ciekawe tekstury i plamy akwarelowe, aby nie zamarznąć przed białą kartką. Zacznij od nich w poszukiwaniu działki. Kolorowe strony mogą być jasne i ekscytujące lub tworzyć spokojny, melancholijny nastrój. Kolor lub tekstura mogą sugerować następny krok – a może masz ochotę malować bez niego.

Ilustracja z książki „Świat akwareli”.

2. Znajdź swój papier akwarelowy

Wynik pracy w dużej mierze zależy od jakości papieru akwarelowego. Idź do księgarni i wybierz 5-10 różnych arkuszy papieru akwarelowego do wypróbowania. Pamiętaj, aby na każdej kartce zrobić notatki (rodzaj, gramatura papieru i efekty pracy z nim). Odpowiednia gramatura papieru dla początkujących to 300 g/m2, niektórzy profesjonaliści preferują 600 g/m2. Istnieją inne rodzaje papieru akwarelowego, takie jak papier NIE i papier o szorstkiej fakturze lub papier tłoczony na zimno.

@miftvorchestvo

3. Używaj profesjonalnych farb

Nawet początkujący artyści powinni zaopatrzyć się w profesjonalne farby akwarelowe. W przeciwieństwie do tanich analogów, farby artystyczne pięknie układają się i rozprowadzają na papierze.

„Wolę tuby niż patelnie: po pierwsze nie trzeba czekać, aż farba zmięknie i stanie się urabialna, a po drugie łatwiej jest stworzyć bogate, ciemne mieszanki farbą tubową.”Billy'ego Showella

To prawda, że ​​farby artystyczne są droższe, ale też wytrzymają dłużej. Lepiej się rozcieńczają i dlatego nie zużywają się tak szybko.

Rada. Wypróbuj nowe kolory i inne materiały artystyczne tak często jak to możliwe. Eksperyment. Nie bądź zakładnikiem jednego nawyku

4. Przyjrzyj się i zastanów zanim sięgniesz po pędzel

Przed rysowaniem przestudiuj strukturę obiektu. Spójrz na to tak, jakbyś widział je po raz pierwszy, przyjrzyj się uważnie, rób notatki, szkice, zapoznaj się z fakturami i szczegółami, na które nigdy nie zwracałeś uwagi. Na przykład obserwuj spiralne ułożenie liści lub okółków wzdłuż nerwów łodygi.

Rysując rośliny, zyskujesz podwójne korzyści – najpierw medytujesz, patrząc na nie, a potem rysowanie sprawia ci prawdziwą przyjemność. Czy to nie cudowne? @miftvorchestvo

Spróbuj mentalnie rozłożyć to, co widzisz, na elementy składowe. Wybierz główne kształty. Zobacz jak nakładają się na siebie. Wyobraź sobie krajobraz jako scenografię. Zwróć uwagę na to, co jest najbliżej, a co dalej.

5. Naucz się mieszać farby

Spróbuj wymieszać kolory, aby zorientować się, jakie odcienie można uzyskać za pomocą zestawu farb. Najpierw wymieszaj dwa kolory, a następnie dodaj do nich trzeci. Eksperyment!

Pokochasz tworzenie tak pięknych kolorów i odmian odcieni i tonów, ich liczba jest prawie niewyczerpana.

Skup się na sobie. Możesz tworzyć rysunki bardzo realistyczne lub bardzo nietrywialne. Twoim zadaniem jest zebranie farb, których właściwości poznasz, co pozwoli Ci stworzyć pożądane odcienie z gwarantowanym dobrym efektem.

Mieszając czyste pigmenty, można stworzyć chłodne, ciepłe lub szarawe odmiany tego samego koloru. Ilustracja z książki „Pieśń kolorów”

6. Zacznij od oszczędnej ekspresji

Jeśli wykonujesz szkice lub szkice ołówkiem, możesz urozmaicić swoje rysunki akwarelowe, dodając akcenty. Nie musisz kolorować całej strony; czasami kilka dobrze rozmieszczonych pociągnięć pędzla daje najpotężniejszy efekt.

Nieostrożne, kropkowane pociągnięcia akwarelą w szkicach to charakterystyczny styl Felixa Scheinbergera. Ilustracja z książki „Szkicowanie akwarelą”

7. Do akwareli użyj płynnego podkładu

Płynny podkład pod akwarele nakłada się na papier przed rozpoczęciem pracy i pozwala w razie potrzeby łatwo usunąć zaschniętą farbę. Jest to szczególnie ważne podczas pracy z intensywnymi lub trwałymi pigmentami: nie musisz się martwić o „zabrudzenie” papieru w obszarze pasemek. Przed użyciem poćwicz w szkicowniku, gdyż powierzchnia do rysowania będzie dość śliska.

Aby usunąć farbę z tych miejsc, gdzie nie była ona potrzebna (przypadkowo wyszedłeś poza krawędzie lub musisz stworzyć refleksy), wystarczy zmyć farbę czystym, zwilżonym pędzlem lub gąbką.

8. Naucz się sztuki szkliwienia

Artyści nazywają szkliwienie techniką uzyskiwania głębokich, opalizujących kolorów poprzez nakładanie półprzezroczystych farb na główny. Technika glazury to świetny sposób na przekazanie tego, co najlepsze schemat kolorów. Farby nakłada się bardzo delikatnie, warstwa po warstwie, a po wyschnięciu dopracowane są detale ostatniej warstwy.

Ilustracja z książki „Pieśń kolorów”

9. Technika suchego pędzla

Technikę tę można zastosować do rysowania zwierzęcej sierści lub małych włosków na owocach takich jak kiwi.

Nałóż farbę na pędzel i usuń nadmiar serwetką. Wyprostuj włosie pędzla. Farbę nakładać na suchą powierzchnię pomalowaną wcześniej na kolor tła. Pracuj małymi pociągnięciami w jednym kierunku, imitując włosy na powierzchni.

Kiwi techniką suchego pędzla. Ilustracja z książki

Naturalnym składem akwareli jest mielony pigment z naturalnymi klejami - gumą arabską, kazeiną lub fosfoproteiną mleczną, dekstryną, miodem, fenolem. Farbę nanosi się wodą za pomocą pędzla na powierzchnię papieru. Termin ten oznacza pracę wykonywaną w tym środowisku. Pigmenty są zwykle przezroczyste, ale można je uzyskać przez zmieszanie z bielą – w tej formie farba nazywana jest gwaszem.

Akwarela różni się od innych rodzajów malarstwa różnorodnością technik technicznych.
Nieważki jasna farba nadaje świeżości i blasku w kaligraficznych pociągnięciach, co nadaje atmosferze pracy i nieważkości.

Jest jedna zasadnicza różnica pomiędzy akwarelą a innymi mediami malarskimi – jej przezroczystością.

Artysta nakłada jeden kryjący kolor na drugi w oleju, aż do uzyskania pożądanego efektu. Akwarela jest uniwersalnym medium rysunkowym, umożliwia reprodukcję wszystkich gatunków, gdyż baza wodna pozwala uzyskać niepowtarzalne i nieprzewidywalne efekty. Aby uzyskać abstrakcyjny styl, losowe, rozproszone pociągnięcia akwarelą na mokrym papierze pomogą uzyskać efekt rozmycia.

Sanguina rysuje czerwonymi kredkami Farby akwarelowe na papierze mogą się topić, rozprowadzać i tworzyć mieszaniny piękna kombinacja

kolory w malarstwie różnych stylów.

Metody pracy Akwarela jest najswobodniejszą formą malarstwa ze względu na jej przezroczysty, wodnisty charakter. Istnieją pewne techniki malarskie, z którymi można pracować farby akwarelowe

, ale najpopularniejsze to:

Jest to podstawowy sposób pracy artystów, polegający na zwilżeniu papieru w określonym miejscu i nałożeniu pigmentu na powierzchnię od góry do dołu. Technika ta służy do masywnego obrazu nieba, wody, łąki i pozwala eksperymentować z różnymi odcieniami. Papier unosi się niemal pionowo, a na wilgotnym podłożu kolory rozchodzą się we wszystkich kierunkach. Technika wymaga naturalnego suszenia.

Przeszklenie

Metoda ta przypomina rozmycie, jednak wymaga użycia pigmentu, który nanosi się na suchą kartkę. Metoda ta faktycznie dostosowuje kolor i ton, idealne kolory i przejścia. Każdy kolor wysusz osobno przed nałożeniem kolejnego.

„Mokre na mokre”

Metoda „A la Prima” to proces zwilżania papieru przed nałożeniem pigmentu. W tym celu za pomocą dużego pędzla lub gąbki równomiernie rozprowadź wodę na kartce papieru akwarelowego. Technika ta tworzy w pracach piękne rozmyte kształty i kolory, miękkie odcienie i przejścia farb.

Technika malowania impasto

„Suchy pędzel”

Do malowania należy używać lekko zwilżonego, twardego pędzla z dużą ilością farby na suchym papierze. Na nierównej powierzchni uzyskuje się wyraźny, twardy, podkreślony znak, przypominający ziarnisty efekt rysunek ołówkiem. W ten sposób powstają całe kompozycje, wykorzystywane również do ożywienia matowego tła.

Zmywanie

Proces usuwania farby po nałożeniu i całkowitym wyschnięciu. Miejsce wymagające zmiany, pogłębienia koloru lub dodania objętości zwilża się wodą i przeciera farbę szmatką. Technika ta tworzy złożone kształty i linie, zwłaszcza jeśli paski papieru są używane do maskowania obszarów usuniętego pigmentu z obrazu.

Wpływ wody na farbę

Po wyschnięciu nałożonej na rysunek akwareli można za pomocą czystego, mokrego pędzla spryskać wybrane miejsce wodą, aby uzyskać efekt warstwowania, spękania, okrągłości i objętości.

Szkliwo

Jest to metoda nakładania wielu warstw akwareli od jasnego odcienia u podstawy do ciemniejszego odcienia na górze. Akwarelę nakłada się przezroczystymi, cienkimi pociągnięciami po wyschnięciu poprzedniej warstwy pracy. Rezultatem jest trójwymiarowy obraz, w którym kolory nie mieszają się, ale uzupełniają i pozwalają zobaczyć granicę każdej warstwy.

Właściwości pasteli olejnych

Autorka Natalia Szewczenko

drapanie

Zadrapując lub usuwając niektóre obszary pomalowanej, suchej powierzchni, powstają jaśniejsze obszary o tym samym odcieniu.

Przebranie

Jeśli chcesz, aby podczas pracy niektóre miejsca pozostały białe, użyj rezerwy, czyli zakryj potrzebne miejsca maską z parafiny lub wosku, którą po całkowitym wyschnięciu pracy usuwam pędzlem lub zwijam w kulkę swoimi rękami.

Dodatek

Dodanie kolejnego koloru do mokrej powierzchni obrazu pozwala na jego zlewanie się i rozgałęzianie, tworząc ciekawe iluzje. Metoda pozwala uzyskać ciekawe i żywe gradacje kolorów, których nie można uzyskać mieszając pigment na palecie.

Znani artyści

Niektóre znani artyści osoby pracujące z akwarelą często stosowały w swoich pracach podobne efekty:

Technika suchego pędzla w malarstwie

Akwarelarze nauczyli się wykorzystywać nieoczekiwane rezultaty malowania. Najwięksi Mistrzowie malarstwo praktykowało spontaniczność. Artyści improwizowali, aby skutecznie wykorzystać siłę akwareli.

Szkoła angielska

Klasyczna technika malarska została udoskonalona w Anglii w XVIII i XIX wieku:

Akwarela to tradycja, która ma swoją kronikę w historii. Prymitywny człowiek stosował pigmenty zmieszane z wodą do malowideł naskalnych i nakładał je palcami, patyczkami i kośćmi. Starożytni Egipcjanie używali farb na bazie wody do ozdabiania ścian świątyń i grobowców, a także tworzyli pierwsze wzory na papirusie.

Malowanie ścian

Szkoła Wschodnia

Na Dalekim i Bliskim Wschodzie pierwsze szkoły akwareli miały indywidualny styl - chiński i Japońscy mistrzowie malowanie na jedwabiu i delikatnym, ręcznie robionym papierze ryżowym. Ich twórczość przepełniona była aluzjami literackimi i kaligrafią. Podstawowym obrazem pozostał jednak pejzaż typowo kontemplacyjny, który w kolejnych stuleciach stał się centralnym aspektem tradycji akwareli. W Indiach i Persji do obrazów religijnych używano nieprzezroczystych gwaszy.

średniowiecze

W średniowieczu mnisi Europy używali tempery do rysowania rękopisów – książki uważano za najważniejszą formę sztuki i jej odpowiednik malarstwo sztalugowe. Zakonnicy kopiowali święte teksty ręcznie na arkuszach pergaminu wykonanego ze skóry owczej i cielęcej. Czasami całe strony zdobiono wyszukanymi ozdobnikami i symbolicznymi obrazami.